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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
CUADERNO DE TRABAJO
Unidad de Aprendizaje
Historia del Arte
TÍTULO DE LA PRESENTACIÓN:
EL ARTE COMO DELEITE
Recopilado y Presentado por:
Mtra. Alejandra Zapata Hernández
Mtra. Magali Sánchez Cortez
Mtra. Flor Carvajal Medina
L.P. Adriana Chí Domínguez
Academia que presenta:
ACADEMIA DE HUMANIDADES
ESCUELA PREPARATORIA DIURNA
Ciudad Del Carmen, Campeche a 11 de febrero 2016
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Introducción
La importancia del Arte se debe a que el ser humano no solo es materia, también
es espíritu, concepto que solo los seres humanos podemos tener, ya que somos
los únicos individuos que razonamos y también somos los únicos capaces de
crear y de expresar lo que sentimos, por lo tanto nos podemos dar cuenta de ello
y tener una amplia visión de nuestras cualidades humanas. Sin embargo en cada
lugar del mundo hay diferente cultura, hay diferente lenguaje, diferente forma de
expresarse, distintos colores y atmósferas; de la misma forma, a través del tiempo
van surgiendo cosas nuevas, desde lo cultural hasta lo tecnológico. Por lo tanto el
Arte a través del tiempo ha sido parte importante de la estructuración de la
historia, ya que en cada obra se refleja el lugar y la época en que fue hecho.
Este cuaderno de trabajo plasma el contenido de las tres secuencias de
aprendizaje de la Unidad de Aprendizaje de Historia del Arte, teniendo como
propósito: Al finalizar el contenido de las unidades de aprendizajes los alumnos
serán capaces de evaluar las diversas obras ejecutas a lo largo de las etapas
que hicieron posible la Historia del Arte, comprender y entender su importancia
por medio de la apreciación, en cualquier lugar, cultura, etc. Y dentro de un marco
comparativo con el arte de su época, crear un nuevo conocimiento, de la Historia
del Arte universal, mismo que le sirva de base para la formación de sus
apreciaciones artísticas en nuevas estructuras sociales, económicas y políticas de
tiempo, lugar y forma, manifestadas en una obra de arte.
Busca acercar al estudiante desde el origen del arte, análisis de una obra de arte
hasta el vanguardismo. El estudiante podrá darse cuenta de la importancia que
tiene históricamente el Arte, a su paso ha dejado información, vestigios (pintura,
arquitectura y escultura) al igual que es una fuente de cuestionamientos que
generan en el espectador a cerca de su presencia en el mundo, dando así una
paleta abierta de información en cuestión histórica documental.
BLOQUE I: El Arte en la antigüedad. El estudiante conoce los albores de las
manifestaciones artísticas; analiza los elementos de una obra de arte mediante la
reproducción y recreación de algunas obras de la edad antigua, a fin de modificar
su percepción y su conducta respecto a la cultura que lo rodea. Con el objetivo de
acercarlos al arte en sus primeras manifestaciones.
BLOQUE II: De Grecia al románico. Analiza mediante la observación las
características de los estilos artísticos a fin de crear un juicio adecuado de la
construcción de su propia cultura; con la finalidad de que el estudiante realice un
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recorrido por las grandes etapas de la Historia del Arte, Grecia, Roma, Bizancio,
etc. culturas que dieron pie a nuestra civilización
BLOQUE III: Del Gótico al Siglo XX. El estudiante demuestra cómo las
manifestaciones artísticas de la antigüedad han logrado postergarse a través del
arte actual, con la finalidad de cerrar de modo cultural todo el recorrido que hace a
lo largo de la historia del arte y ser capaz de emitir juicios de valor basado no en
simple opinión, sino en percepciones artísticas ya sea como espectador o bien
como autor de sus propias habilidades artísticas.
Los contenidos temáticos de este cuaderno de trabajo cumplen con el programa
de estudio planteado en UAC de Historia del Arte que se imparte en sexto
semestre a nivel bachillerato dela escuela preparatoria diurna del Campus II.
Estando este integrado por, ejercicios de autoaprendizaje, actividades derivadas
con un objetivo, estrategias metodológicas para que el estudiante de bachillerato
vaya construyendo su propio aprendizaje y desarrolle a su vez conocimientos,
habilidades, críticas, reflexivas y responsables en su propio presente dentro de la
sociedad en la que están labrando su propio futuro.
De ahí nuestra invitación como compiladoras para aprovechar al máximo este
Cuaderno de Trabajo, mediante una verdadera lectura de comprensión y
realizando los ejercicios de manera individual y colaborativa, para lograr con éxito
la formación integral.
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ÍNDICE
Página
Introducción 2
BLOQUE I EL ARTE EN LA ANTIGÜEDAD
Evaluación diagnóstica 8
1.1 ¿Qué es el arte? 9
Aproximación al arte 13
Ejercicio # 1 14
Elementos para el análisis de una obra de Arte.
Ejercicio # 2 32
1.2 La prehistoria.
Ejercicio # 3 37
1.3 Mesopotamia y Egipto.
Actividad 60
Ejercicio # 4 61
BLOQUE II
GRECIA AL ROMÁNICO
Evaluación diagnóstica 66
2.1 La civilización Griega
Ejercicio # 5 84
Ejercicio # 6 89
2.2 El imperio Romano.
Ejercicio # 7 90
2.3 La grandeza Bizantina.
Ejercicio # 8 101
Arte Islámico
Ejercicio # 9 109
BLOQUE III
DEL GÓTICO AL SIGLO XX
Evaluación diagnóstica 120
3.1 La Luz del Gótico. 121
Ejercicio # 10 128
3.2 La Magnificencia del Renacimiento. 133
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3.3 Las Maravillas del Barroco
Ejercicio # 11 134
3.4 Siglo XIX
Ejercicio # 12 143
3.5 El Arte del siglo XX 152
Ejercicio # 14 161
Conclusión 164
Bibliografía 165
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“EL ARTE EN LA ANTIGÜEDAD”
1.1 ¿Qué es arte?
1.1.1 Elementos para elanàlisis de una obra de arte.
1.2 La prehistoria
1.3 Mesopotamia y Egipto
BLOQUE I
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PROPÓSITO DE LA SECUENCIA:
Analiza los elementos de una obra de arte mediante la reproducción y recreación de algunas obras de la edad antigua, a fin de modificar su percepción y su conducta respecto a la cultura que lo rodea.
COMPETENCIAS GENÉRICAS:
2.- Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros.
2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones.
4.- Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
4.1 Expresa ideas y conceptos mediante representaciones lingüísticas, matemáticas o gráficas.
4.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información y expresar ideas.
5. Desarrolla innovaciones y propone soluciones a problemas a partir de métodos establecidos.
5.1 Sigue instrucciones y procedimientos de manera reflexiva, comprendiendo como cada uno de sus pasos contribuye al alcance de un objetivo.
COMPETENCIAS DISCIPLINARES
10.- Asume una posición personal (critica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica) en la ética y los valores, frente a las diversas manifestaciones del arte. 11. Analiza de manera reflexiva y critica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural su defensa y preservación.
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EVALUACIÓN DIAGNÓSTICA
Con base a tus conocimientos previos responde los siguientes cuestionamientos:
1-Define el término de arte.
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2-Anota el nombre de tu obra favorita, el autor y la época o corriente artística a la que pertenece.
___________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
3-¿Cuál es tu artista plástico favorito?
_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
4-¿Qué es para ti el arte?
________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
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EL ARTE EN LA ANTIGÜEDAD
ORÍGENES DEL ARTE
El origen del arte no es resultado de una necesidad estética como
generalmente se cree, es el resultado de una necesidad de dominación mágica.
En efecto, todos los especímenes más antiguos de dibujos y de pinturas
rupestres contienen signos extraños, que son de difícil interpretación cuando no
se conocen los antiguos rituales de hechicería. En esas pinturas, que
generalmente representan animales, se ven puntos y trazos que se dirigen
hacia la cruz de las bestias u otros puntos vulnerables.
Se trata de representaciones de azagayas y flechas, que atraviesan
mágicamente la efigie sensibilizada del animal que está en el punto de mira del
ritual de hechicería.
Los primitivos conocían muy bien la poderosa acción ejercida por el influjo
mágico del hechizo de cacería sobre el alma colectiva de ciertas especies. Se
ponían en contacto con el espíritu de la manada por medio de un rito de
sensibilización de la imagen pintada, y obtenían su consentimiento asegurando
la perennidad de la especie, su perpetuación por la salvaguarda de las madres
y de los animales jóvenes.
Los cuerpos sin cabeza de osos y de bisontes hechos de arcilla que se han
encontrado recientemente en grutas prehistóricas, intrigan mucho a los
arqueólogos. Sin embargo, todos los signos de utilización mágica de esas
efigies son visibles tanto en ellas como a su alrededor. La pica que emerge de
su cuello está destinada a sostener la cabeza recién cortada de un animal
muerto en la cacería; y la anima, la vitaliza, la sensibiliza, la impregna del alma
colectiva de la manada.
El rito mágico que sigue sirve para dar a los cazadores el dominio sobre dicha
manada por la influencia psíquica que se ejerce sobre la entidad que anima a
dichos animales.
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Las numerosas huellas de manos marcadas con sangre que han aparecido
sobre esas efigies o sobre las pinturas murales, y las flechas clavadas en
puntos vitales, constituyen marcas visibles del rito secreto de posesión mágica.
La misma música, el canto y la danza, en su origen, sólo eran el soporte del
pensamiento mágico que se concilia con el mundo hostil o que lo domina.
Así, todas las artes tienen su origen en la primera obligación del hombre
encarnado: la de defenderse en los tres planos del mundo creado. Sólo
después de acabado el rito ha sido cuando ha podido tomar conciencia de la
gratuidad del arte a través del juego de formas, sonidos, colores y movimientos,
y elevar su magia hasta intentar comulgar por medio de ella con la gran alma
del mundo, a la que los hombres llaman Dios.
A partir del descubrimiento de manifestaciones artísticas que se han
conservado desde la prehistoria, del análisis de sus características y la datación
de cada pieza, se plantean hipótesis que intentan dar respuesta a las preguntas
sobre el origen, la posible utilidad o el significado del arte primitivo.
DÓNDE SE ORIGINA EL ARTE
Aproximadamente unos 40.000 años da comienzo una nueva manifestación de
la inteligencia humana, con la aparición de las primeras representaciones
artísticas, localizadas en diferentes zonas de Europa y Asia.
Los seres humanos que poblaban el planeta en esa época (el Paleolítico
Superior) practicaban una economía depredadora, basada en la caza y la
recolección de vegetales, lo que les obligaba a mantener formas de vida
nómadas. En parte por esta razón, empleaban frecuente-mente como hábitats
las cuevas que hallaban en sus recorridos.
Y es en las cuevas donde se localizan las más importantes manifestaciones de
este primer arte prehistórico, que recibe por tal motivo el nombre de rupestre.
Destaca preferentemente la pintura efectuada directamente sobre la roca de
paredes y techos, aunque también se emplean el grabado y otras técnicas
complementarias.
En la mayor parte de los casos, estas pinturas nos muestran diferentes
especies animales, lo cual ha llevado a muchos investigadores a considerar que
con la representación de la fauna de la época se realizan en realidad ritos de
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magia propiciatoria de la caza. Para otros autores, en cambio, el hecho de que
las manifestaciones artísticas se localicen en las zonas más profundas de las
cuevas permite deducir que éstas eran consideradas como santuarios, en los
que quedaría reflejada la espiritualidad de la época.
Aunque el catálogo de cuevas con representaciones artísticas ocupa una
amplia extensión territorial, es destacable la concentración existente en la zona
denominada francocantábrica (sur de Francia y norte de España), donde se
localizan dos de las
"catedrales" del arte rupestre: las cuevas de Altamira (Santillana del Mar,
Cantabria) y Lascaux (Francia). Destaca en ambas el uso de la policromía y el
naturalismo de la representación.
Finalizado el periodo del Paleolítico Superior, asistiremos aún a dos momentos
interesantes del arte prehistórico, protagonizados por el denominado "arte
levantino" y por las muestras artísticas del Neolítico. Tras esta etapa, durante el
periodo Calcólitico (hacia 3000 a.C.) surgirá el fenómeno del megalitismo, con
el que se inicia la primera arquitectura, propiamente dicha, de la historia de la
humanidad.
Para profundizar sobre todas estas cuestiones, podéis dar un vistazo a esta
página, intuitiva e interesante, sobre la cueva de Lacaux, en Francia, o a esta
otra, dedicada a la cueva de Altamira, muy bien elaborada.
1.1 ¿Qué es arte?
El arte es el conjunto de disciplinas que se orientan a una finalidad expresiva y
estética. Si bien es cierto que un gran número de actividades humanas guardan
relación con la capacidad de expresión y la estética, solo en el arte estas
características se presentan como sentido y razón de ser.
El término arte proviene del latín ars, cuyo significado se refiere a la
disposición, habilidad y virtud para realizar alguna cosa. Los renacentistas
añadieron a las cualidades que denota la palabra arte el término de invenzione,
que se refiere a la originalidad, cualidad indispensable de las creaciones
artísticas. Se entenderá entonces que la palabra arte tiene una connotación que
implica más que un bien hacer y que la liga a cualidades de algo que, por ser
original, trasciende lo superfluo.
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Definiciones de arte:
Podemos encontrar diferentes definiciones para las artes, algunas, demasiado
simples, pues lo conciben esencialmente como forma de expresión, o un “bien
hacer”, relacionándolo con una destreza. Estas características no permiten
diferenciarlas de otras manifestaciones estético-comunicativas que coexisten en
nuestra cultura. Nos interesa destacar que la condición de las artes, y la
finalidad de sus productos, (en el proceso de la enseñanza aprendizaje) es la
(expresión creativa) innovación. Más aún, señalar que las artes están
relacionadas con su contexto histórico, y que también proponen un
conocimiento singular del hombre, transformando su sensibilidad.
Ofrecemos a continuación algunas definiciones sobre este importante fenómeno
cultural:
Concebiremos al arte como un fenómeno sociocultural, cuya producción y
apreciación son especializadas. Su producción se realiza en diferentes medios
y requiere de diferentes materiales, técnicas y procedimientos. La práctica
artística tiene como finalidad realizar profesionalmente imágenes, sonidos, y
movimientos que son capaces de producir efectos estéticos.
Acha, J. (2005). Expresión y apreciación artísticas, México: Trillas.
El arte es un modo de expresión en todas sus actividades esenciales, el arte
intenta decirnos algo acerca del universo del hombre, del artista mismo. El arte
es una forma de conocimiento tan precioso para el hombre como el mundo de
la filosofía o de la ciencia. Desde luego, sólo cuando reconocemos claramente
que el arte es una forma de conocimiento paralela a otra, pero distinta de ella,
por medio de la cual el hombre llega a comprender su ambiente, sólo entonces
podemos empezar a apreciar su importancia en la historia de la humanidad.
Read, H. (2009), Arte y sociedad Madrid: Península,
El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas,
construir formas, o expresar una experiencia, siempre y cuando, el producto de
esta reproducción, construcción, o expresión pueda deleitar, emocionar o
producir un choque.
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UNA APROXIMACIÓN AL ARTE
ACTIVIDAD
Instrucción: Después de haber realizado la lectura sobre el origen y las
definiciones del arte, elabora un organizador gráfico sobre la intención
comunicativa del Arte en la antigüedad y la actualidad. (Cuida la coherencia,
ortografía y letra)
Tabla comparativa
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE #1
Título: Apreciar el concepto de arte.
Objetivo: Expresar con sus palabras el concepto de arte
Saberes a reforzar: ¿Qué es arte?
Estrategia metodológica:
Expresión Creativa
Uso de palabras.
Expresión artística.
Ejercicio:
En base a la lectura ¿Qué es arte? .Realiza un acróstico con la palabra
ARTE expresando tu sentir acerca sobre este concepto
A _______________________________________________________
R _______________________________________________________
T ________________________________________________________
E ________________________________________________________
1.1 ¿Qué es arte?
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ELEMENTOS PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE.
Elementos de la apreciación artística
La apreciación artística se concibe como un proceso en el que están
implicados una obra única y original con ciertos atributos y diferentes tipos de
espectadores en busca de valoraciones, experiencias significativas y sentidos.
Una perspectiva más profunda del fenómeno de la apreciación del arte, nos
lleva a considerar que tanto la obra artística como los espectadores o público,
están inmersos en una cultura que condiciona los modos de expresión y
apreciación de las artes.
Integran el conjunto de los elementos de apreciación artística, un espectador
motivado a una apropiación simbólica de la obra. Y por supuesto, la obra: Una
forma de expresión determinada en principio por ciertas reglas o convenciones
al servicio de una intención comunicativa y/o expresiva que el espectador va a
construir a partir de sus conocimientos y sensibilidad.
Un espectador tendrá que atribuir a una obra artística tema y contenidos
expresados con originalidad e imaginación (sustancia). Por su parte, la obra,
estructurada como expresión a partir de ciertos principios que ordenan sus
signos en tiempo y espacio (forma), evidencia el toque personal del artista
(técnica) que le dan un distintivo particular. Utilizamos aquí el término técnica
no sólo para referirnos a la maestría en el manejo de los materiales, sino a la
integración de forma y sustancia en una creación original.
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La sustancia es el tema que el artista trata de comunicar; su concepción o su
sueño, los aspectos de la vida que desea subrayar o expresar, las emociones,
sentimientos, estados de ánimo o ideas que quisiera compartir con su público.
El valor artístico de esta sustancia se mide por su originalidad, su verdad, su
cualidad imaginativa y su sinceridad.
La forma se utiliza para proyectar o transmitir estos sentimientos o ideas.
Sólo mediante una forma determinada se podrá proyectar la sustancia. Ésta
puede ser un poema, un cuento, una danza, un drama u obra teatral, o
cualquier tipo de expresión artística.
La forma constituye el producto tangible del artista. La forma incluye
determinadas reglas, fórmulas, pautas, convenciones o esquemas, cualquiera
que sea el término que seleccionemos, la historia ha demostrado muchas
veces que las convenciones de una forma cambian y que las reglas o
principios no deben limitar el arte: aunque cada arte constantemente crea
reglas.
La técnica es el tercer elemento, que consiste en ajustar o combinar la
sustancia y la forma. Constituye el método personal del artista para lograr su
fin e implica la selección y el arreglo de sus materiales para conseguir un
efecto determinado. La técnica es además el elemento que distingue la obra
de un artista de otro; a menudo se le llama su estilo o cualidad personal,
porque se trata, en esencia, del auto proyección del artista. Por ejemplo, el
cine, el teatro y la televisión, son muy semejantes en cuanto a su sustancia y
su forma, pero varían muchísimo en su técnica.
El propósito final de todo arte es transmitir las ideas o emociones del artista:
Producir placer estético y ayudarnos a comprender la vida.
Experiencia de la apreciación artística
Analizar, interpretar y valorar son las tres operaciones básicas a realizar, si se
quiere tener una experiencia con el arte que no se quede en lo trivial. Para
analizar, es importante observar, escuchar o dado el caso, interactuar con la
obra. Al mismo tiempo, es importante hacer una descripción de los elementos
constitutivos de la obra, desde los más sencillos a los más complejos: sonidos,
colores, formas, escenas, etc. Al interpretar, se deben considerar las
características expresivas de los elementos que conforman una obra artística
en función del tema y sus contenidos.
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Valorar una obra conlleva a emitir un juicio, luego de situarla dentro de una
genealogía, un periodo histórico, una tendencia, su género y estilo. La
valoración tiene por finalidad descubrir el grado de originalidad de una obra. El
espectador además cuenta con otras opciones para apropiarse de una obra:
Identificar y disfrutar la estética de sus elementos configurativos bajo los
principios de armonía, contraste, espacio, composición, y ritmo.
Percibir los posibles efectos que una obra produce en su sensibilidad,
transformando su gusto, su manera de percibir la realidad, de pensar el
arte, por citar algunos ejemplos.
Asociar la obra artística a cualquier tipo de conocimientos, experiencias,
vivencias, recuerdos, y a otras obras o expresiones en otros medios, no
necesariamente artísticas. En otras palabras, vinculando a la obra con una
historia íntima, personal, con otra objetiva de referencias entre obras
artísticas (artes plásticas, danza, teatro, música), y de obras artísticas con
otras manifestaciones estéticas (artesanías y diseños).
El goce de una obra artística, puede provenir de circunstancias y detalles
inesperados, sorpresivos, fuera de todo cálculo o estrategia para abordar la
obra. Detalles de su realización técnica, de su producción, cambios
notables entre una reproducción y la obra original, son sólo algunos
ejemplos de las gratas sorpresas que guarda el arte a quien está dispuesto
a dedicarle tiempo y atención.
Otra manera de intensificar el disfrute de la obra artística, consiste en
formular hipótesis de sentidos, significados y efectos posibles de la obra, y
compartirlas con otras personas, explicándolas y analizándolas. Buscando
diferencias y consensos para validar nuestro juicio estético.
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ELEMENTOS AFINES ENTRE LAS ARTES
Dentro de la variedad de expresiones artísticas, encontramos elementos que las
emparentan y que pueden identificarse y valorarse en su apreciación. Éstos son
la armonía, el contraste, el espacio, la composición y el ritmo.
Consideradas artes menores las artesanías, como alfarería, cestería, tejido,
orfebrería cerámica, talabartería, etc.
Artes plásticas o visuales: consideradas artes mayores Arquitectura, Pintura
y Escultura; implican el saber crear sobre la materia. Es decir, conformar y
formar ideas con distintos materiales mediante acciones como la pintura y el
dibujo (consideradas “gráficas”), o la arquitectura y la escultura (consideradas
“plásticas”). En conjunto, representan una serie de acciones y actividades de
tipo gráfico-plástico en donde intervienen la vista y el tacto para apreciarlas
y estimular nuestra imaginación y pensamiento.
Análisis de una obra de arte
El enfoque del estudio de las artes plásticas puede ser:
ELEMENTO AFIN
ARTES PLÁSTICAS
(ARQUITECTURA, PINTURA Y ESCULTURA)
ARMONÍA Relación coherente entre las formas, figuras y colores
CONTRASTE Diferencias cuantitativas y cualitativas entre las formas para crear un drama visual.
COMPOSICIÓN Relación integrada y equilibrada entre las partes y un conjunto de formas que integran una representación, para lograr unidad en la variedad y variedad en la unidad.
RITMO Sucesión ordenada de elementos en una composición.
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HISTÓRICO: conocimiento de la obra artística desde la perspectiva económica,
sociocultural o religiosa de la época que la vio nacer. BIOGRÁFICO: fechas
claves y significativas de la biografía de su autor, que permiten entender y
valorar mejor los posibles cambios de estilo y las etapas de su producción.
TÉCNICO: conocer los procedimientos artísticos empleados.
¿QUÉ SE DESTACA EN UNA OBRA DE ARTE? Se pueden destacar tres
elementos:
1. La idea de belleza de determinado momento histórico, su forma de vida,
ideales, pensamientos, etc.
2. La forma plasmada en la materia, es decir, cómo transforma el artista o
artesano la materia o materiales con los que está hecha la obra.
3. El contenido, es decir, los sentimientos o pensamientos que comunica.
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ELEMENTOS BASICOS DE LAS ARTES PLASTICAS
●El punto: Intersección entre dos líneas
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●Agrupación de puntos.
●Efectos de profundidad mediante tamaño
La línea: Se encarga de escribir una forma. Posee una sola dimensión
puede ser recta o curva. Respecto a otra línea pude ser paralela,
divergente, convergente, oblicua, perpendicular, etc.
Línea vertical
• Elegancia • Firmeza • Elevación
Línea horizontal
• Estabilidad • Calma • Repos
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Línea diagonal u oblicua.
• Inestabilidad • Tensión • Velocidad
Línea ondulada o curva
• Movimiento • Voluptuosidad • Suavidad
Línea en espiral
• Expansión / Contracción • Unida • Giro
Línea quebrada o en zigzag
• Ruptura • Dinamismo • Peligro
Líneas paralelas
• Orden
Líneas perpendiculares
•Equilibrio
•Estabilidad
Líneas convergentes
• Perspectiva
Líneas radiales
• Explosión • Energía
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Con la línea se genera:
Ritmo: Repetitivo, alternado y progresivo Equilibrio: cuando todos los elementos son necesarios unos a otros. Estática o dinámica :(Sensación de movimiento o quietud)
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Fondo y figura
La distinción de lo que en una imagen es figura y lo que es fondo fue de gran
importancia para la Gestalt, aunque fue el piscólogo danés Edgar Rubin uno
de los que comenzó a estudiar el fenómeno con su famosa "copa de Rubin",
La imagen puede interpretarse como dos rostros (en negro) mirándose o una
copa blanca sobre fondo negro.
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Espacio: Es el ámbito en que se desarrollan las acciones plasmadas en
la obra, todo aquello que se sitúa en el interior del límite impuesto por el
marco de un lienzo o un retablo y las distintas relaciones que se
establecen entre los elementos en ellos presentados.
EL color
Puede ser entendido de dos formas:
Color-luz parte del descubrimiento de Isaac Newton y su disco cromático (rojo,
amarillo, naranja, verde. azul y violeta)
El color-materia:es aquel cuya combinación en forma de pigmentos utilizan
los artistas. Dos de las propiedades principales del color son el brillo y el
matiz.
a) Brillo Se refiere a la cantidad de luz u oscuridad que hay en un color (de
ahí decimos que es pálido o intenso).
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b) Matiz, que se refiere a la variación del color. El color tiene el poder de
transmitir diferentes estados de ánimo y además, la historia ha atribuído
diferente simbología a cada color.
Clasificación de los colores:
a) Colores primarios: Son el rojo, azul y amarillo, ya que no requieren de ninguna combinación.
b) Colores secundarios: Provienen de mezclas de los tres anteriores, de las que resultan tonos como el verde, naranja y violeta.
c) Colores terciarios: Son los que combinan entre sí a los primarios y secundarios y dan como resultado el azul-verde, el amarillo-naranja, el azul-violeta etcétera. Los tonos Se logran cuando mezclamos un color con mayor o menor cantidad de blanco o negro. Los tonos más claros se obtienen mezclando con blanco y los más oscuros cuando mezclamos con negro. Al conjunto de tonos que obtenemos se le llama gama de color. Los matices Estos se forman mezclando al color con sus vecinos en el círculo cromático. Por ejemplo, los matices de azul se logran al combinar mayor o menor cantidad de violeta o verde.
La temperatura del color:
a) Colores cálidos: Rojo, naranja y amarillo. Comunican luz y calor y se identifican con sentimientos “vivos” como la euforia, alegría, enojo o ira.
b) Colores fríos: Azul, verde y violeta. Se relacionan con los bosques, la nieve y el agua; y se identifican con sentimientos relajantes y apacibles, con la meditación, la tranquilidad y la reflexión.
c) Colores neutros: Gris, café, blanco y negro. Estos no están en el arcoiris y sirven para balancear a los otros colores.
Tiempo
Se refiere al momento histórico que se hizo
El Gigante Francisco de Goya
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Textura
Sensación que produce la superficie, ya sea real (se puede tocar) o sugerida
(textura visual)
Movimiento Los que por sus características producen una sensación estática y las que sugieren una sensación dinámica.
Sensación estática. Compositivamente: Inscritas en una estructura predomina la verticalida y
horizontalidad. Cromáticamente: Predominan los tonos fríos Por temática: Pertenecen a esta las obras de carácter espiritual relacionadas
con la contemplación y la oración o representaciones divinas o reyes.
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El equilibrio es otro elemento que contribuye en gran medida a dar una impresión estética.
Dependiendo de que los diferentes elementos de una composición se
encuentren en equilibrio o no entre sí, nos proporcionará una sensación de
agrado o disgusto
Una vez más la resonancia crea en nosotros a través de una suerte de mimetismos actitudes que el conjunto observado manifiesta.
Cuando contemplamos un bello roble, por ejemplo sentimos una tensión física y psicológica comparable a la de estar firmemente plantados en el suelo, diferente a la liviandad que produce un puente colgante de finas estructuras de acero.
La observación nos lleva a deducir, que la satisfacción estética parece manifestarse en el hombre, más ante el equilibrio dinámico que frente al equilibrio estático.
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Los ejes. Son líneas imaginarias, horizontales, verticales u oblicuas, alrededor de las cuales se han distribuido los elementos de la pintura. Se trazan en relación a la posición que ocupan los centros dentro de la obra. Así, el eje más evidente de “La Gioconda”, es el vertical que atraviesa a la mujer, y que la divide en dos mitades perfectas. También encontramos un eje horizontal a la altura de sus hombros.
Los centros
Con “centros” nos referimos a aquellas partes de la obra que consideramos las más importantes. Siempre existe un centro principal, y puede haber centros secundarios. Los identificamos porque nos llaman la atención de inmediato. Por dar un ejemplo muy conocido, el centro de “La Gioconda” de Leonardo da Vinci es, sin duda, el rostro de la mujer.
TECNICAS ARTISTICAS
1. PINTURA Y DIBUJO: Los conforman tres elementos básicos:
a) Materiales colorantes: +Dibujo: (Lápices de grafito, lápices de color, tinta, carboncillo, bolígrafos. Plumones, marcadores, gises, estilógrafos). +Pintura (de aceite: Óleo; de agua: acuarela, temple, gouache; tintas, anilinas y pinturas acrílicas).
b) Instrumentos: Pinceles, espátula, lápices, manos, tubos (aplicación directa).
c) Soportes: Lienzo (tela), papel, lámina galvanizada, madera, pared, etc.
2. GRABADO: Puede ser en madera, linóleo, piedra y serigrafía.
3. ESCULTURA: Puede ser en bronce, piedra, barro, madera, yeso, acero
inoxidable, hierro, cerámica, acrílicos, cristal, oro, plata, etc.
4. ARQUITECTURA: Se utiliza materiales vigentes y técnicas constructivas de
acuerdo con la época y el medio.
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ACTIVIDAD
Realiza nuevamente la lectura anterior y complementa con dos lecturas más
(bibliografía)
Elabora un cuadro sinóptico, en donde determines los elementos para el
análisis de una obra de arte.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE # 2
Título: comprendiendo una obra de arte.
Objetivo: Realizar un análisis de una obra de arte
Saberes a reforzar: Elementos para el análisis de una obra de arte
Estrategia metodológica:
Analiza la forma, manejo de colores y luz, soporte y equilibrio, ejes y centros, identifica emociones en la obra
Visualiza y selecciona una obra artística que sea de tu agrado, pega la imagen y realiza de manera individual un análisis de la obra antes seleccionada, siguiendo las indicaciones que te dará el profesor. Puedes utilizar el guion para el análisis de una obra de arte que se te proporciona (5 PUNTOS)
Guion para comentar una obra de arte
1-Descripción de la imagen: a) Qué se ve en la imagen.
2. Identificación de la obra: a) Qué tipo de obra es: arquitectónica, pictórica, escultórica… b) Cuál es su nombre o título. c) Localización en el tiempo y en el espacio. d) Tema
3. Análisis formal de la obra: a) Descripción de su forma. b) Descripción y función de sus elementos. c) Descripción y función de su organización. d) Descripción de sus materiales y sus cualidades. e) Descripción de la técnica o sistema. f) Manejo de la luz, colores, soporte, equilibrio, ejes y centros.
4-Análisis estilístico de la obra: a) A qué estilo pertenece (país, escuela, periodo). b) Qué rasgos característicos identifican el estilo. c) Quién es el autor. d) Aportación de la obra y el artista al arte de su época. e) Influencias proyectadas en la historia del arte.
1.1.1 Elementos para el análisis de una obra de arte
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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
Unidad Académica del Campus II Escuela Preparatoria Diurna
Instrumento de evaluación:
Lista de cotejo Tipo de
evaluación: Coevaluación.
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades
Unidad de Aprendizaje
Curricular: Historia del Arte.
Semestre:
6º Grupo:
Número de secuencia:
1/3 Porcent
aje: 5%
Bloque: I. El Arte en la edad antigua. Evidencia: Análisis de obra.
Competencia(s) Genérica(s)
2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros.
Atributo(s) 2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones.
Competencia Disciplinar
11. Analiza de manera reflexiva y critica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural, su defensa y preservación.
Estudiantes Entrega en
tiempo y forma 1
Presenta la obra analizada
1
Analiza la forma, manejo de colores y luz, soporte y equilibrio, ejes y centros, identifica emociones en la obra
3
Porcentaje 5
34
1.2 La Prehistoria
Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.
El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban fundamentalmente animales y escenas de caza.
El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux.
En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona cantábrica y la levantina.
En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales con un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras humanas. En esta última zona las pinturas son monocromas.
Bisonte Recostado - Cueva de Altamira (Cantabria - España)
Cazadores con sombreros planos y faldellín - Cinto de las Letras - (Dos Aguas -
Valencia - España)
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El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla.
Estas figuras son pequeñas estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas en arcilla y piedra. Particular interés ofrecen unas características figuritas femeninas de pequeño tamaño talladas en piedra, denominadas genéricamente Venus. Estas estatuillas tienen una clara tendencia a la esquematización y un especial interés por resaltar los atributos sexuales. De entre las más de cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus de:
Willendorf y la Venus de
Savignano.
Caballo - Museo de las Antigüedades Nacionales (St. Germain-en-Laye - Francia)
Arte megalítico se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes
y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una
estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de
enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados.
Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.
Los principales tipos de monumentos megalíticos son:
Menhir de Filitosa (Córcega - Francia)
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El dolmen: Se trata de un
monumento formado por varios
menhires sobre los que
descansan horizontalmente
otras grandes piedras. Muchos
de estos dólmenes servían
como cámara funeraria.
Vista interior del dolmen de la
Menga - Antequera (Málaga -
España)
El crómlech: Círculos formados por varios dólmenes y menhires.
Crómlech de Stonehenge (Wiltshire -
Gran Bretaña)
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EJERCIO DE AUTOAPRENDIZAJE #3
Título: ¿CÓMO EMPIEZA EL ARTE?
Objetivo: Realizar una línea del tiempo, en equipos de 4 integrantes
Saberes a reforzar: Elementos del arte prehistórico.
Estrategia metodológica:
Identificar Las etapas del arte prehistórico.
Los acontecimientos del arte rupestre.
Apreciación del arte.
Comprensión del arte mueble.
Ejercicio: Complementa la lectura con tres consultas bibliográficas mismas
que te servirán como base para realizar lo que se te pide, en formato, Power
Point.
Elabora una línea del tiempo sobre las épocas del arte y sus características en
la prehistoria.
VALOR (10 PUNTOS)
1.2 La Prehistoria
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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN Unidad Académica del Campus II
Escuela Preparatoria Diurna
Instrumento de evaluación:
Lista de cotejo Tipo de
evaluación: Coevaluación y heteroevaluación.
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades
Unidad de Aprendizaje
Curricular: Historia del Arte.
Semestre: 6º
Grupo:
Número de secuencia:
1/3 Porcentaje
: 10%
Bloque: I. El Arte en la edad antigua. Evidencia: Línea del tiempo.
Competencia(s) Genérica(s)
1. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
Atributo(s)
1.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información y expresar ideas.
8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
Competencia Disciplinar
12. Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de la identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
Estudiantes Entrega en
tiempo y forma.
1
Maneja cronológicamente los datos y acontecimientos de cada época.
3
Presenta imágenes relacionadas con la información.
3
La presentación no tiene faltas de ortografía la información está sintetizada y es creativa.
3
Porcentaje
10
39
1.3 Mesopotamia y Egipto
MESOPOTAMIA
Escultura mesopotámica
Los materiales utilizados son: piedra, arcilla, alabastro, bronce, madera y marfil. También encontramos ejemplos en oro.
Las características son: profundidad en la mirada marcando mucho los ojos, manos grandes, por lo general juntas. El tamaño de la escultura depende del rango del personaje representado. El torso marca mucho los hombros, lo que da a la escultura una forma triangular en el tronco. Se incrustan piedras preciosas en los ojos, pronuncian mucho la nariz y las bocas son pequeñas. Las figuras se asientan sobre una base para sostenerlas, aunque muchas veces la postura es sedente (sentada). Una forma de distinguir las épocas es si la figura lleva o no barba.
Son figuras frontales, la imagen se capta desde la visión frontal, dejando las partes posteriores en ocasiones para marcar escritura cuneiforme ó dejarla lisa.
La mayoría de las figuras aparecen en enterramientos y templos, entre las que destacan las aparecidas en el templo de la ciudad de Mari.
Respecto al relieve, siguen el sistema egipcio de la figura en perfil, en forma lineal en franjas, y sucesión de filas. Marcan contornos y no dan profundidad. Sobre todo realizan Estelas de carácter histórico y jurídico, es el primer pueblo que realiza leyes escritas.
Es la faceta del arte que en Mesopotamia se hace reconocer más fácilmente, tanto en su concepto como en su técnica.
Unas veces representaba soberanos, otros dioses, otros funcionarios, etc, pero siempre personas individualizadas (a veces con su nombre grabado), busca substituir a la persona más que representarla. Por este motivo, la cabeza y el rostro aparecen desproporcionados en relación al resto de la figura.
Era característico lo que se denomina “realismo conceptual”, y es que simplifica y regula las formas naturales provocando que tanto la parte izquierda como la derecha sean totalmente simétricas. También se
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observan dentro de este realismo el crear la figura dentro de un esquema geométrico que solía ser el cilindro o el cono.
Las representaciones humanas presentan una total indiferencia con la realidad, sin ningún parecido, mientras que las representaciones animales tienen un mayor realismo y fidelidad con la imagen real.
También creaban relieves monumentales, de ladrillos esmaltados, o bien estelas que se convertían en otras formas de esculpir y desarrollar narraciones de ellos mismos y su historia.
La pintura
Debido a las características del país, existen muy pocas muestras de ello. No obstante, se puede apreciar que tienen la misma temática y técnica que utilizan en los relieves, sin perspectiva. Al igual que los mosaicos (más perdurables) tienen un fin decorativo.
En la pintura y los grabados, la jerarquía se mostraba de acuerdo al tamaño de las personas representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a comparación con el resto.
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La arquitectura mesopotámica
Tenían una arquitectura muy peculiar debido a los recursos que tenían disponibles.
La arquitectura en Mesopotamia se componía de mosaicos pintados en colores vivos, a manera de murales. No había ventanas ni columnas y la luz de obtenía del techo. Se preocupaban de la vida terrenal y no de la de los muertos, por tanto las edificaciones más representativas eran el templo y el palacio.
El templo era un lugar religioso, económico y político. Tenía tierras de cultivo y rebaños, almacenes (donde se guardaban las cosechas) y talleres (donde se hacían utensilios, estatuas de cobre y de cerámica). Los sacerdotes organizaban el comercio y empleaban a campesinos, pastores y artesanos, quienes recibían como pago parcelas de tierra para el cultivo de cereales, dátiles o lana. Además, los zigurats* tenían un amplio patio con habitaciones para alojar a los peregrinos.
El esquema de palacio mesopotámico no difiere (salvo en la falta de espacio sagrado del templo): un patio alrededor del cual se disponen las habitaciones, abiertas todas a dicho patio. La comunicación con el exterior se asegura con una puerta que se abre a la calle. Tal esquema puede multiplicarse con la combinación de otros conjuntos con un patio en el centro: ya a principios del II milenio a. C. el palacio de Mari se extiende sobre en área de más de dos hectáreas y media; presentando un conjunto de casi trescientas habitaciones. Particular interés adquiere la presencia de grandes palacios de uno o más santuarios (nosotros lo llamaremos capillas): evidentemente, la integración entre edificio civil y edifico sagrado continúa y se desarrolla desde épocas antiguas, con un cambio de importancia que enfatiza el carácter civil.
La arquitectura funeraria, tan esencial en otras religiones y muchos pueblos vecinos presenta un desarrollo mucho menor en Mesopotamia. Sólo en época sumeria, en la ciudad de Ur, se encuentran hipogeos de cierta
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ZIGHURAT (La morada de los Dioses)
El zigurat mesopotámico: he aquí una de las construcciones más famosas de la Historia del Arte... aunque en la práctica no conocemos el estado original de ninguno de sus ejemplares. De las casi tres docenas de ellos que se conservan, en su mayor parte se trata de informes restos de ladrillo que no han sobrevivido al paso del tiempo y de los hombres. Sólo en algunos casos tales restos cobran algún significado, como fruto de modernas restauraciones que pretenden devolver a estos edificios parte de su esplendor originario. Sin embargo, sus características están atestiguadas por numerosos textos. Recordemos, sin ir más lejos, que la propia Biblia se hace eco de su importancia cuando nos describe brevemente una de estas construcciones en el episodio de la Torre de Babel. Así, el Génesis alude a la altura de la torre y al hecho de que estaba realizada con ladrillos cocidos al fuego.
Sabida es la ausencia de la piedra en la arquitectura mesopotámica más antigua, cuestión fácilmente explicable por la propia escasez de este tipo de material en unos valles fluviales donde los predominante es, por el propio proceso de sedimentación de materiales, la arena y el barro. Partiendo de estas materias primas, las primeras culturas mesopotámicas (sumerios y acadios) van a emplear como elemento constructivo básico un humilde material: el ladrillo de adobe (arcilla con arena y agua, mezclado todo ello con un cierto aglutinante, como la paja), que se seca al sol o se cuece al fuego, lo que lo hace más resistente. Prácticamente todos los zigurats mesopotámicos fueron levantados con ladrillos, los que explica su deterioro..
Básicamente un zigurat no es más que una torre escalonada, realizada a base de la superposición de una serie de terrazas troncopiramidales (lo que genera muros en talud), cuya área disminuye conforme ascendemos. De una a otra terraza se accede mediante un sistema de escaleras que, en ocasiones, pueden sustituirse por rampas. Según el historiador griego Herodoto, sobre la
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terraza superior se disponía otra construcción que remataba el conjunto y que ha sido interpretada como un templo, aunque no se ha conservado en ninguno de los zigurats que conocemos. En realidad, toda la construcción puede considerarse como un recinto de carácter religioso, ya fuera porque se estimaba que en él residían los dioses o porque allí se efectuaban diversas ceremonias religiosas, entre ellas las ofrendas a la divinidad. La arqueología ha confirmado el proceso seguido para construirlo: habitualmente se levantaban sobre restos de edificaciones preexistentes y disponían de un núcleo interior a base de ladrillos secados al sol y revestidos exteriormente con ladrillos cocidos.
Los primeros zigurats se edificaron a comienzos de la etapa sumeria (Periodo Dinástico Arcaico), en la primera mitad del tercer milenio a.C., pero fue a fines de dicho milenio (durante el llamado Periodo Neosumerio) cuando se edificaron las más conocidas de estas torres escalonadas. Entre ellas destaca la que ordenó construir en la ciudad de Ur el rey Ur-Nammu, dedicada a la divinidad local asimilada a la Luna, la diosa Nanna o Sin. Posee planta rectangular de 62 x 43 metros y, todavía hoy, sus ruinas se levantan hasta más de 21 metros de altura. Llama la atención su sistema de escaleras en ángulo recto, con una de ellas en posición central, embocando la parte superior de la primera terraza, y otras dos laterales
Superior e inferior: Zigurat de Ur. Estado actual.
EGIPTO
Los egipcios destacaron por sus logros en el arte y la arquitectura muchos de los cuales han podido sobrevivir el paso del tiempo y han llegado hasta nuestros días. Sus grandes monumentos, decorados con enormes esculturas y bellas pinturas en sus paredes interiores revelan la complejidad de una cultura que aún no es comprendida del todo y que es una de las más estudiadas por la arqueología moderna. Las famosas pirámides de Giza y otros monumentos con miles de años de antigüedad son considerados como patrimonios de la humanidad y son visitados por muchos miles de personas todos los años y con justa razón
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La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpra, ya que aglutinaban pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlos sobre los muros, revestidos con una capa de tendido “seco” de yeso.
Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto y a veces también el esmalte en joyas, amuletos, escarabajos, estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento en muros interiores. Sus colores fueron vivos y variados en cada escenas y las más antiguas pinturas que se conocen fueron policromas, y de colorido uniforme.
Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía III la pintura sobre los muros de las tumbas sustituye al bajorrelieve, del cual adopta las principales convenciones.
CARACTERISTICAS
La pintura, como todo el arte del Antiguo Egipto estaba sometida a unos cánones o reglas muy estrictas, entre las que destacan.
Canon de perfil: en pinturas y bajorrelieves, las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo de frente.
Jerarquía: la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras épocas, posteriormente, también a personajes notables. Las figuras más importantes eran más grandes que las de los demás personajes, y mostraban actitudes hieráticas, ausencia de expresividad, como signo de respeto. El tamaño tenía relación directa con su importancia social, así vemos que el faraón es el personaje más alto en las escenas familiares, donde sus mujeres, hijos, o enemigos son más pequeños; el faraón representado en presencia de los dioses generalmente es del mismo tamaño.
Ausencia de perspectiva: no había profundidad sino yuxtaposición de figuras. El menor tamaño de algunas no significaba que estuvieran más alejadas, sino que eran menos importantes, simbolizando así su inferioridad.
Colores planos: utilizando el color con tonalidades uniformes, pues no se hacían gradaciones de color ni medios tonos.
Tipo de color: la piel de los hombres era oscura, ocre, mientras que en las mujeres era más clara, ocre claro; Osiris se representaba con el color de piel verde; el oro o su color simbolizaban al Sol, etc. En los temas de animales, como las famosas “ocas de Meidum”, se permiten gran libertad expresiva.
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Como elementos o motivos de ornamentación, en cualquiera de las referidas composiciones, estuvieron siempre en boga y son típicas en obras de escultura y pintura egipcias las flores de loto y papiro, las grecas (adorno formado por una faja más o menos ancha, en que se repite la misma combinación de elementos decorativos) y los diferentes roleos o volutas (adorno desarrollado en forma de espiral).
Período: Imperio antiguo
No es posible disociar el bajorrelieve de la pintura ya que comparten los mismos temas con idénticos propósitos: representar la vida cotidiana y la naturaleza para que ambas puedan ser recreadas en la otra vida.
En las tumbas, los temas representados son esencialmente costumbristas: la preparación de los alimentos, del pan o de la cerveza, escenas agrícolas, escenas de caza y pesca, etc. Posteriormente se añadirán otros como la construcción de barcos, la elaboración de joyas, estatuas, tejidos, etc.
Período: Imperio medio
Las decoraciones pictóricas, sobre papiro o el cartonaje de sus ataúdes, narraban, por medio de jeroglíficos, diversas leyendas mitológicas e ideas tomadas del ritual funerario y contenían el retrato del difunto en la zona correspondiente de la cabeza.
Período: Imperio nuevo
Los asuntos de las pinturas murales decorativas de las cámaras funerarias, consistían en relatos mitológicos del Libro de los Muertos y escenas de la vida cotidiana, sobre todo las que más hubieran de servir para manutención, entretenimiento y solaz del difunto en la otra vida, según la creencia de los egipcios.
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El Relieve: constituye una nota típica del arte egipcio. Cubren las fachadas, paredes, columnas y cielorraso en templos y palacios. Representan las glorias de los dioses y de los Faraones: batallas, guerras, cacerías, escenas de conjunto históricas o familiares.
CARACTERÍSTICAS
Los conjuntos se presentan por planos, uno encima de otro; el primero siempre abajo.
El tamaño de las figuras corresponde al rango social e importancia del personaje: grandísimo para el Faraón; minúsculo para los esclavos, artesanos, soldados.
La ley del canon impera sobre la figura humana. Trazado convencional, muy típico del arte egipcio: La cabeza es representada de perfil, el ojo de frente; Los hombros de frente; Los miembros inferiores y los pies vuelven a la posición de perfil. No conocieron la perspectiva.
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TÉCNICAS DEL RELIEVE
Pueden distinguirse tres técnicas diferentes que se presentan como perfeccionamientos sucesivos.
Primera:
Es la más arcaica. Consiste en un simple dibujo grabado sobre la piedra por una profunda incisión. La Edad Media nos presentará algo parecido en las losas funerarias.
Segunda:
La forma primitiva se perfeccionó pronto. La figura, siempre delineada por la incisión, recibe un delicado modelado que no sobresale de la superficie de la piedra.
Tercera:
La figura, modelada con gran finura, se alza un poco sobre el fondo que ha sido rebajado en su derredor
TEMAS Y FORMAS
Lo mismo que la escultura, el relieve experimenta una lenta evolución a través de los diversos períodos.
Período: Menfita
Temas:
a) Escenas de la vida del difunto, reflejo de la sociedad. b) Ubicación: c) Paredes de las tumbas. d) Caracteres: e) Es policromado. f) Composición pobre. g) Actitudes justas y rasgos étnicos bien definidos. h) Convencionalismo en la figura humana.
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Período: Tebano
Temas:
a) Escenas de género y costumbres: religiosas, sacrificios, anecdóticas, históricas.
b) Ubicación: c) Edificios: columnas y murallas.
Caracteres:
Dibujo bien preciso y modelado fino.
Adquiere enorme desarrollo.
Más habilidad en la disposición del conjunto.
Proporciones falsas y tamaño según las jerarquías.
Período: Saita
Temas:
Escenas religiosas: ofrendas y funerarias.
UBICACIÓN
Templos y mastabas.
CARACTERES
Generalmente pintado.
Escenas pequeñas y jeroglíficos.
Dibujo minucioso.
Eclecticismo: rostro convencional y de gran realismo; cuerpo sencillamente
estilizado.
Delicado modelado; bordes blandos y redondeados.
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El antiguo pueblo egipcio, que vivió en el Valle del Nilo, fue creador de una cultura potente y original.
Su angustia por prolongar la vida más allá de la muerte, su organización social y colectiva, sus profundas creencias religiosas y el mismo aislamiento determinado por su geografía, contribuyeron al desarrollo de una civilización cuya continuidad se mantuvo, casi inmutable, por espacio de treinta siglos.
El arte egipcio es definido por los deseos de los faraones de construir obras eternas y pasar a la posteridad. Es la razón que utilizaron piedra, para levantar los edificios más significativos.
Los caracteres generales del Arte Egipcio son:
La Monumentalidad. Apreciable sobre todo en la arquitectura y en la
escultura: es uno de sus rasgos más patentes.
La Pesadez. Debido al predominio de la línea horizontal y de las grandes
superficies macizas.
El Hieratismo. Inspirado en la religión oficial, y a su servicio, el arte egipcio
está sometido a una serie de cánones inmutables.
La Impersonalidad. Ignora la libertad expresiva del artista. Su finalidad era
satisfacer las exigencias de quien era centro y vida del culto nacional: el
Faraón.
La Perduración. Es el anhelo que se desprende de los monumentos egipcios,
consecuencia directa del sentimiento religioso que los inspira.
El despotismo del Gobierno y el trabajo forzado de una muchedumbre de
esclavos y cautivos, hicieron posible estas colosales construcciones; que nos
ponen de manifiesto no solo su fe religiosa sino también las condiciones
sociales e industriales del país de los faraones.
ARQUITECTURA EGIPCIA
La arquitectura egipcia es fundamental, porque a ella se vinculan la escultura, el
relieve y la pintura. Es horizontal, igual que el paisaje de Egipto; arquitrabada,
(aunque conocían la bóveda y el arco), no lo utilizaron. Realizada en piedra que
daba una gran consistencia a los edificios, que ha llegado hasta nuestros días.
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CARACTERÍSTICAS
Es arquitrabada o estática.
o Los techos son planos; están constituidos por grandes losas. En Egipto la escasez de lluvias, hace innecesarias las vertientes inclinadas.
o Predominio de la dimensión horizontal, sobre todo en los templos. o Pocos vacíos. Las ventanas son muy raras. o Estilo “columnario” o adintelado.
o Muros extraordinariamente gruesos.
o Emplean el “talud” (paramento inclinado) a fin de conseguir mayor
estabilidad. Es una de las principales características de la arquitectura
faraónica.
o Las molduras son muy escasas en esta arquitectura.
LAS COLUMNAS
Columna aflautada
Esta forma temprana de columna aparece en el recinto de la pirámide escalonada de Djoser, pero la forma muere pronto por el nuevo reino. No obstante, su uso continuará en Nubia. Estas columnas semejan y representan atados de juncos o tallos de plantas, pero durante periodos posteriores algunas veces toman la forma de una columna de fuste poligonal. Lo que es más interesante acerca de este tipo de columnas en Egipto es que muy probablemente representan las primeras columnas hechas de piedra en el mundo. Mientras las columnas aflautadas parecen haber perdido su popularidad como estilo independiente, muchas de las columnas futuras incorporan elementos de diseño de ellas, de hecho, simplemente incorporando un capiten más complejo.
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Columnas palmiformes
Las columnas Palmiformes fueron también uno de los estilos de columnas en la
arquitectura de templos egipcios.
Estas columnas obviamente tenían un motivo de palmera, pero de hecho no
representan al árbol propiamente dicho, sino más bien a hojas de palmera atadas
a un poste.
Columnas lotiformes
Las columnas lotiformes fueron quizás usadas en edificios no seculares más que en los templos. Esto no significa que no se hayan utilizado a veces en arquitectura religiosa. La sencilla forma de capullo de loto de la columna conoce una amplia difusión durante el antiguo y medio reino. Su utilización decae durante el nuevo reino, pero vuelve a resurgir en el período greco-romano.
Esta columna habitualmente tiene tallos unidos representando los tallos del loto, y capiteles en forma de un capullo (cerrado) o abierto de flor de loto.
Hay que mencionar que las plantas de loto no están presentes en los primeros tiempos de la antiguedad egipcia. Lo que a menudo se menciona como "loto" era de hecho un tipo de lirio de agua.
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Columnas papiriformes
Existen varias variantes de este tipo de columna. Algunos tienen fustes circulares representando una planta sola mientras otros tienen tallos unidos representando a plantas con múltiples tallos.
Los capiteles pueden ser cerrados ( capullos) u abiertos en una ancha forma de campana. Durante el nuevo reino, los fustes de muchas columnas papiriformes parten hacia arriba desde sus bases decoradas con diseños triangulares. Los más tempranos ejemplos que conocemos de columnas de fuste circular se pueden encontrar en el recinto de la pirámide escalonada de Djoser en Saqqara. No obstante, no son columnas independientes, sino pilastras incorporadas en otras estructuras. Aunque la forma circular de la columna parece haber sido usada a lo largo de la historia egipcia, tuvo una amplia difusión durante el nuevo reino, tanto los estilos de capitel abierto y como los de cerrado.
Columnas coniformes
Este estilo de columna muere aparentemente pronto tras su utilización tras su uso
en el muro del recinto de la pirámide escalonada de Djoser. No se han encontrado
en templos posteriores. Es estilo se caracteriza por un fuste aflautado coronado
por un capitel representando las ramas de una conífera.
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Columnas de poste de tienda
Aparentemente, las únicas columnas supervivientes de este estilo se encuentran
en el Templo Faestival de Tuthmosis III en Karnak. Es posible que los primeros
ejemplos de este estilo fueran construidos en ladrillo. La columna representa en
piedra los postes de madera que soportaban estructuras ligeras como tiendas y a
veces altares, kioscos o cabinas de barcos.
Columnas campaniformes
Existe una variedad considerable de este tipo de columnas. A veces adoptan la
forma de una columna o pilar floral. Algunas tienen el fuste compuesto de
pilarcillos circulares, listados o cuadrados. Todas ellas tienen algún tipo de capitel
florido.
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Columnas hatóricas
Se reconocen fácilmente por su capitel en forma de la diosa de cabeza de vaca,
Hathor. A menudo tienen un fuste sencillo, redondo. También se conocen varios
otros templos con columnas hatóricas, incluyendo el templo de Nekhebet en el
Kab.
COLUMNAS EGIPCIAS.
Columnas con capiteles Papiriformes abiertas y cerradas.
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Columnas con capiteles Lotiformes abiertas y cerrado
Columna con capitel Palmiformes
.
Columnas Hatóricas
Capitel compuesto
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DIVISIÓN DE LA ARQUITECTURA EGIPCIA
El Monumental Arte del antiguo Egipto ha llegado a nosotros, principalmente, a través de los monumentos funerarios y de los templos. Sin embargo, también practicaron la Arquitectura Doméstica.
Arquitectura Doméstica.
El Monumental Arte del antiguo Egipto ha llegado a nosotros, principalmente, a través de los monumentos funerarios y de los templos. Sin embargo, también practicaron la Arquitectura Doméstica.
Arquitectura Doméstica.
La mayor parte de estas construcciones “domésticas” primitivas usaban como materia fundamental de construcción la tierra amasada, reforzada o armada con cañas, o en forma de adobes o ladrillos amasados con paja y cocidos al sol.
Lo poco durable de estos materiales ha hecho que no queden sino rastros de esta arquitectura.
Emplearon también la madera, pero poco y en construcciones pequeñas, pues Egipto carece de maderas apropiadas.
Conocieron la bóveda de ladrillos; pero no la emplearon en sus grandes edificios, sino sólo en los silos o depósitos comerciales.
Recreación de casas egipcias.
Arquitectura de Palacios
Escaso es también lo que nos queda de ella. Las guerras y los continuos saqueos explican el porqué.
Quedan solamente algunas ruinas de castillos y fortalezas debido a que los materiales usados fueron más resistentes.
Recreación de un palacio egipcio.
Arquitectura mortuoria.
Esta sí que nos ha legado numerosas e imponentes ruinas. La arquitectura “mortuoria” es notabilísima. Obedece a la creencia, muy arraigada, en otra vida
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donde el espíritu del difunto, si el juicio le ha sido favorable, disfruta de una existencia dichosa en la cual le sirven las cosas que poseyó durante su vida terrena.
Así se explica la “momificación” de los cadáveres, el afán de acumular cuantos objetos pudieran serles de utilidad en su vida ultraterrena y el excesivo cuidado en preservar estos tesoros de la codicia de los ladrones.
Los principales monumentos funerarios son:
Las Mastabas.
Son grandes sillares de piedras (piedras que se colocan una sobre otra), son sepulturas de poderosos. Exteriormente presentan la forma de una pirámide truncada de base rectangular. Esta forma parece derivarse de los montones de piedras o tierra que cubrían las sepulturas primitivas. Su aspecto exterior produce impresión de reposo e inmutabilidad, muy de acuerdo con la mística de sus creencias, gracias a la prolongada línea horizontal de su techo que se apoya sobre los cuatro paramentos, inclinados unos 75 grados. Generalmente sus caras están orientadas hacia los puntos cardinales, aunque sin gran precisión. La puerta de entrada está casi siempre al oriente, de cara al sol naciente, como evidente simbolismo de su esperanza en una vida nueva.
Las Pirámides. Contadas entre los monumentos más antiguos, conservan
eternamente fresco su prestigio monumental y son la expresión más grandiosa
del culto a los muertos.
Fueron erigidas por los faraones como fortaleza real de sus cuerpos
momificados, con el afán de procurarse una tranquilidad inviolable y de
perpetuar su memoria.
Las pirámides son el desarrollo monumental de la mastaba.
Ejemplares bastante numerosos nos muestran el paso lento de la forma de la
pirámide truncada a la pirámide completa.
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Los lados de las primitivas son escalonados. Poco a poco estos escalones se
van empequeñeciendo y terminan por desaparecer, dando paso a la forma
geométrica perfecta.
Exteriormente, de artístico no tienen nada si no es la honda impresión de
majestad causada por su sola masa.
Estudios relativamente recientes de las principales pirámides nos revelan
detalles muy interesantes que ponen al descubierto un mundo insospechado de
ciencia astronómica y matemática; valga este pormenor: La altura de estas
pirámides es igual al radio de una circunferencia cuyo perímetro es igual al de
su base cuadrada.
Los Hipogeos.
Son tumbas- templos excavados en los acantilados rocosos del Alto Nilo. Se
construyeron en la época tebana. Estos monumentos suelen estar en grupos; y,
a veces, se distribuyen en diversos pisos. El hipogeo reproduce las partes de la
mastaba.
La entrada equivale a una fachada desbastada en la superficie caliza de los
farallones; suele adoptar la forma de un pórtico con columnas esculpidas en la
misma roca. Las puertas son muy sencillas, un simple orificio cuadrangular o
trapezoidal. Sobre las fachadas solía colocarse una sencilla inscripción.
A continuación se encuentran la capilla y la cámara sepulcral. El techo de la
cámara suele ser plano o ligeramente abovedado. En ocasiones se refuerza
con varias columnas talladas en la roca viva. La figura del difunto se esculpía
directamente en la roca de la capilla. Las paredes se decoraban con escenas
del cortejo, ofrendas y pasos de la vida cotidiana del difunto (laboreo de los
campos, ganados pastando, etc.)
Los Speos.
Es otro tipo de templo egipcio excavado en la roca. Esta particularidad obedece
al hecho de que el Valle de los Reyes (Nubia) donde se construyeron, es tan
estrecho que descarta la posibilidad de una construcción normal. Por eso están
tallados interiormente en la roca.
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Los elementos arquitectónicos figuran aunque no sean necesarios: columnas y
dinteles arquitrabados, como en los templos al aire libre. El interior consta de
las mismas partes que los templos: sala hipóstila, santuario, almacenes y
dependencias. Pero carece de pilones y patio. La fachada es sencilla: un plano
muy inclinado tallado en la roca.
Una pequeña puerta da acceso a la sala hipóstila. Las grandes esculturas del
faraón, los colosos, están esculpidos en la misma roca. Algunos relieves
completan la decoración de la fachada. Los speos más famosos son los que
mandó construir Ramsés II en Abbu-Simbel (Nubia). En su fachada ostenta
colosos de 22 metros de altura.
Templo de Ramsés II.
Los Hemiespeos.
Son otra modalidad del mismo tipo de santuario. Tienen una parte construida
normalmente en el exterior (terrazas unidas por rampas y escalinatas, con
pórticos) y se completan excavando cámaras y capillas en la roca del
acantilado.
El mejor ejemplo es el templo funerario de Mentuhotep II en Deir-el-Bahari,
Tebas, XI dinastía.
Tebas templo de la reina Hatshepsut
60
ACTIVIDAD
Recorta y pega en tu cuaderno de trabajo 3 imágenes del arte egipcio y 10 del
arte de Mesopotamia, coloca el nombre de la obra.
Mesopotamia
Egipto
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE # 4
Título: El arte y su magnificencia en Mesopotamia y Egipto
Objetivo: Realizar un cuadro comparativo de las principales características del
arte en Mesopotamia y Egipto
Saberes a reforzar: Mesopotamia y Egipto.
Estrategia metodológica:
Identificar Las características del arte en Mesopotamia y Egipto. Valor
Valorar la pintura, escultura y arquitectura en arte de Mesopotamia y Egipto.
Apreciación del arte de Mesopotamia y Egipto
Ejercicio.
Complementa la lectura con dos fuentes bibliográficas de consulta y realiza un
cuadro comparativo en donde menciones las principales características del arte
de Egipto y Mesopotamia.
1.3 Mesopotamia y Egipto
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CULTURA PINTURA ESCULTURA ARQUITECTURA
Mesopotamia
63
Egipto
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“DE GRECIA AL ROMÁNICO”
BLOQUE II
2.1 La civilización griega
2.2 El imperio romano
2.3 La grandeza bizantina
2.4 El mundo islámico
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PROPÓSITO DE LA SECUENCIA:
El estudiante demuestra cómo las manifestaciones artísticas de la antigüedad han logrado postergarse a través del arte actual.
COMPETENCIAS GENÉRICAS:
2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros.
2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones.
2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de identidad.
2.3. Participa en prácticas relacionadas con el arte.
4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
4.3 Identifica las ideas claves de un texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de ellas.
8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
COMPETENCIAS DISCIPLINARES
10.- Asume una posición personal (critica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica) en la ética y los valores, frente a las diversas manifestaciones del arte. 12.- Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de su identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
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Evaluación diagnóstica
Contesta las preguntas recuperando tus conocimientos previos.
1. La _______________ era una elevación del terreno o colina que dominaba una polis
griega. Estaba fortificada y en ella se situaban los principales templos que eran
expresión del orgullo cívico.
2. ¿Qué es una mezquita?
3. Es una representación característica de Cristo durante el Románico, triunfante, en
majestad, omnipotente al final de los tiempos; sentado, sosteniendo los Evangelios
con la mano izquierda mientras muestre la derecha en actitud de bendecir. Ejemplo:
el de San Clemente de Tahull, del XII.
A) Pantocrator
B) Tetramorfos
C) Doríforo
D) Discóbolo
4. Observa la imagen y determina qué función tenía:________________________
5. Observa la imagen y determina si es arte griego o
romano:__________________
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DE GRECIA AL ROMÁNICO
La civilización Griega
Cronología: siglo VIII al II a.C.
Influencias: orientales y egeas
Características generales:
• equilibrio (euritmia), belleza de proporciones,
• en arquitectura. actitudes moderadas, definición del contorno, sentido
de la medida,
• en escultura.
a) Búsqueda del ideal de belleza
b) Arte determinado por la vida pública griega
c) Inicios: por la suma de dos corrientes principales...
Lectura:
La doria (robustez, sobriedad, orden, proporciones) + la jonia (femenina, vivaz, elegante, esbeltez) = caracts. que se funden y sintetizan en la escuela ática. Períodos:
1) Arcaico, s. VIII a 1ª ½ s. VI a.C., iniciación y desarrollo de las formas artísticas.
2) Clásico, s. V a.C. (Siglo de Pericles), período de máximo esplendor de la cultura ateniense.
3) Helenístico, s. IV al 146 a. C. (conquista romana de Corinto), con un arte orientalizado.
ARTE GRIEGO, CULTURA Y ETAPAS: El desarrollo de la civilización griega
supuso el nacimiento de un nuevo tipo de hombre moderno, fue el germen de
la civilización occidental y de un nuevo humanismo. Repercutirá en la futura
civilización romana y será la base para el desarrollo de artes posteriores,
como el renacimiento, el barroco, el neoclásico, etc.
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La invasión de los pueblos dorios de toda la península griega en el siglo XIII
a. Cto., será fundamental para el nacimiento de la nueva civilización. Tiene aportaciones de otras culturas, como la cretense y la micénica, pero también recibirá influencias de las artes orientales. A pesar de ello, el arte griego supondrá algo totalmente nuevo, armónico y científico.
El mundo griego impone también un modelo político nuevo, la democracia, que se impone en un mundo organizado en ciudades-estado, denominadas Polis. La democracia da libertad al ciudadano griego, no al esclavo, y esto permite también una mayor libertad artística centrada en el hombre. "El hombre es la medida de todas las cosas", por primera vez la imagen de los
dioses se identifica plenamente con la imagen humana, mientras que en oriente, salvo excepciones, se identifica con la figura animal.
Crean un Panteón de dioses a cuya cabeza está Zeus, dios supremo, Atenea, hija de Zeus y diosa principal de Atenas, Eolo (viento), Apolo (guerra), Afrodita (amor), Eros (amor carnal), Poseidón (mar), etc.
Los griegos aportan al arte la noción de belleza, y dan un carácter no solo religioso, sino también profano, buscando la estética.
ETAPAS
- Etapa Geométrica (del siglo X a VIII a. Cto.): no tenemos muchos datos de esta etapa, se denomina así por la decoración de la cerámica, en la que la figura humana aparece muy esquematizada.
- Etapa Arcaica (del siglo VIII a VI a. C.): Por su actividad comercial se producen cambios, oriente aporta el naturalismo y el realismo en las representaciones. Aparecen las primeras ciudades y templos, cambios también en la escultura y la cerámica.
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- Etapa Clásica (del siglo V a IV a. C.): Grecia ha alcanzado la plenitud en todos los campos, llegan a nosotros los nombres de los grandes artistas en los tres campos del arte.
- Etapa Helenística (del siglo III a I a. C.): La cultura griega sale de sus fronteras originales y se extiende por el Mediterráneo. Es la etapa más barroca del arte, todo se lleva a sus últimas consecuencias. Roma ya es una potencia mediterránea, y toma las características principales de su arte de Grecia. Grecia acabará siendo parte del Imperio Romano en el siglo I a. C.
Escultura Griega
De la escultura griega se han conservado pocas obras. La mayoría de las piezas que han podido estudiarse son copias romanas cuya calidad se supone inferior.
Si las pinturas griegas han desaparecido por la fragilidad de sus soportes, el caso de las esculturas griegas es distinto ya que los materiales predilectos para las obras importantes eran duraderos: piedra y bronce. Además de la destrucción directa de obras paganas por parte de los cristianos, los materiales de las obras fueron reciclados (por llamarlo algo…) en la Edad Media: el mármol calcinado para la producción de cal y el bronce fundido de nuevo.
Características de la escultura griega
En sus orígenes, en el siglo VII a.C., la escultura griega adopta el hieratismo, la frontalidad, la simetría, las formas geométricas, la claridad e idealización del arte egipcio y asirio. Su máxima representación son las estatuas arcaicas del estereotipo masculino y femenino (llamados kuroi y korai, respectivamente).
El interés de la cultura griega por alcanzar la perfección, el ideal de belleza platónico, lleva a los escultores a buscar el equilibrio, la armonía y el dominio técnico a través de distintas fórmulas que irán evolucionando hasta el siglo II a.C.
Aunque la idealización es una constante del arte griego en favor de la claridad y la belleza, la tendencia será una mayor observación del natural y un incremento paulatino del efecto realista y la caracterización particular. Se mejoran los conocimientos de anatomía humana superficial, cómo se articulan las distintas partes del cuerpo y el efecto de las tensiones generadas por el movimiento y la expresión. Conocimientos que no serán superados hasta el Renacimiento.
Se desarrolla la estética clásica para el cuerpo masculino primero y para el femenino después (el cuerpo de las korai era cubierto con paños mientras que
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los kuroi se representaban desnudos) proponiendo una nueva convención en
las proporciones e introduciendo los cánones de siete y ocho cabezas (ver: Doríforo de Polícleto y Apoxiómenos de Lísipo) para las figuras humanas.
La sonrisa eginética característica de la escultura griega arcaica se sustituye por un ceño ligeramente fruncido, este gesto grave por una serenidad clásica que será imitada o reemplazada por el dramatismo y la teatralización según las distintas escuelas helenísticas posteriores.
La frontalidad y la simetría se rompen con nuevos puntos de vista, el movimiento contenido de las figuras en tensión, los primeros estudios del contraposto que equilibran una pose más relajada y la inclusión de nuevas posturas alternativas a las esculturas en pie.
Los paños irán ganando progresivamente independencia de las figuras, mutando la regularidad y monotonía arcaica por efectos ópticos de realismo y énfasis de las formas anatómicas o el dinamismo del sujeto.
Materiales y técnicas de la escultura griega
En la Antigua Grecia se esculpieron abundantes relieves (altos, bajos y medios) en lápidas, tablas votivas y como decoración arquitectónica (frisos, metopas, etc.), siendo estos últimos los considerados de mayor calidad (ejemplo: los relieves atribuidos a Fidias en el Partenón). Estos relieves solían tallarse en piedra con herramientas de metal.
El bronce a la cera perdida fue la técnica predilecta para la creación de estatuas públicas, pero también se usó mármol, piedra caliza y terracota. Las estatuas
El cuerpo de las korai era cubierto con paños mientras que los kuroi se representaban desnudos)
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criselefantinas de mármol y oro fueron más escasas por su alto coste y reservadas para las estatuas de culto más relevantes.
La policromía se aplicó a esculturas de piedra, en especial a las obras de piedra caliza por tener un acabado más basto, comenzando como una decoración de colores vistosos y tornándose más discreta y naturalista durante el desarrollo del arte griego.
Además de estos materiales también se emplearon en las miniaturas madera, hueso y marfil.
El aumento de los encargos privados y la necesidad de difundir la cultura griega en los nuevos asentamientos durante la época helenística promueven una industria de copias de obras de arte y la especialización de los artesanos favoreciendo la explotación de los nuevos convencionalismos, la monumentalidad (Coloso de Rodas) y la pérdida de calidad técnica.
La escultura griega
Los temas principales de la escultura griega fueron:
Dioses y escenas mitológicas.
Héroes y batallas.
Atletas ganadores de los Juegos Olímpicos.
Estos tres temas nunca dejaron de estar presentes en el arte griego. Otros se fueron añadiendo después:
Retratos de cuerpo entero de personajes ilustres en los que predomina aún una caracterización general sobre la apariencia real.
Personificaciones (ejemplo: musas) y criaturas mitológicas (ejemplo: esfinges).
Escenas cotidianas.
El cuerpo humano fue esculpido abundantemente. Cubierto con paños o
desnudo. Tanto que se fueron ampliando las posibilidades, explorando y
dominando un mayor rango de posturas, emociones, edades y etnias.
La difusión del arte griego por un territorio cada vez más amplio también provocó la creación de escuelas artísticas con sus propios signos de identidad:
La escuela de Atenas: Modelos clásicos y retratos.
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La escuela de Alejandría: Vida cotidiana y alegorías.
La escuela de Pérgamo: Dramatismo y patetismo.
La escuela de Rodas: Temas dramáticos y giros forzados del cuerpo
PINTURA
La pintura de la Antigua Grecia es una de las disciplinas del arte griego más difíciles de analizar objetivamente por la falta de recursos. Debido al vandalismo y a la erosión natural, han sobrevivido pocas pinturas griegas originales o copias de las mismas.
Entre los vestigios que se conservan se cuentan algunas losas de piedra y terracota, fragmentos de tablas de madera, frescos sobre muros y copias que inspiraron mosaicos romanos.
Características de la pintura griega
En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias… También se pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también la piel). Esta actividad era considerada un arte en sí mismo, no un mero acabado o decoración.
El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas e idealizadas fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. Aunque se mantuvo la hegemonía de la línea y el dibujo en la pintura y las masas de colores planos, también desarrolló una identidad y características propias.
Entre las innovaciones que la pintura griega ha aportado a la historia del arte cabe mencionar:
• La introducción de vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes (más
allá de la frontalidad).
• Unos conocimientos de perspectiva (superposición de figuras) y
naturalismo que no serán superados hasta el Renacimiento.
• El inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de las líneas y con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.
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Materiales y técnicas de la pintura griega
Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros, las tablas de madera y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia también se emplearon marfil, cuero, pergamino y lino. De toda esta variedad de superficies se cree que el soporte más popular fue la tabla de madera con una base de pintura blanca.
En cuanto a las técnicas pictóricas, se usaron principalmente sobre las tablas, losas y esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los muros la pintura al fresco y, de nuevo, al temple.
La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los colores rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. Sin embargo, la pintura
sobre cerámica se verá limitada principalmente al uso de cuatro pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno y sus combinaciones (rojo, amarillo, blanco y negro), lo cual ha hecho pensar que la paleta de los pintores griegos era mucho más limitada.
Temas de la pintura griega
Los pintores griegos fueron apreciados por su representación de escenas mitológicas, leyendas y batallas históricas. Aunque abundaron las tablas votivas que llevar a los templos, estas no estuvieron tan altamente consideradas.
Se desarrolló el retrato, la caricatura y escenas de paisaje que irían ganando mayor importancia. También se pintaron escenas de la vida cotidiana (escenas eróticas y pornográficas incluidas) y bodegones, encargos privados de pinturas de género y de estilo decorativo (cornucopias, guirnaldas…) que irían ganando popularidad durante la última de las etapas del arte griego.
ARQUITECTURA
1.- LA ACRÓPOLIS Y EL TEMPLO
MATERIALES
Grecia comienza realizando sus obras arquitectónicas en piedra y madera. El mármol aparece como material de construcción o revestimiento de muros a partirdel siglo V a. Cto., en que se realiza la Acrópolis de Atenas.
Será importante tras la formación de la Polis, los Templos serán los edificios principales de la ciudad. Más tarde aparecen otros edificios de carácter civil.
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La ACRÓPOLIS son los recintos sagrados de las ciudades, situadas en las zonas altas de la ciudad para poder ser defendidas fácilmente. El recinto interior se denomina Temenos y se accede a él por una entrada en forma de Propileos, de influencia creto-micénica: entrada adintelada situada sobre podium.
El TEMPLO está pensado como casa del dios, no para recibir fieles, ya que estos se reúnen en una explanada exterior en la que se sitúa el ara de sacrificios. Cuidan más el exterior que el interior de los edificios, colocándose en la fachada exterior el grueso de la decoración. Solían ir totalmente pintados.
La arquitectura de los templos es arquitrabada o adintelada, y en general es así en la mayor parte de las construcciones griegas. Principal y fundamental es la columna, clasificada en órdenes según el capitel.
Respecto a los materiales, el templo griego evolucionará hasta llegar a la plenitud en la Etapa Clásica. En época Geométrica y Arcaica se realiza en madera y piedra, y ya en época Clásica se realiza en mármol y piedra.
Se clasifican por su planta y por el capitel de sus columnas: Dórico, Jónico y Corintio, por su organización interna y externa. Son también llamadas periodos. 1.- LA ARQUITECTURA GRIEGA: EL ÓRDEN DÓRICO
El orden dórico aparece desde la etapa más
antigua del arte griego. Representa al hombre,
la fuerza, la sobriedad...
Su tamaño varía mucho en las diferentes etapas del Arte Griego:
La columna se asienta sobre una estructura escalonada denominada KREPIS, y
cuyos escalones inferiores se denominan ESTEROBATOS y el más superior
ESTILÓBATOS.
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Tiene FUSTE estriado, de arista viva, siendo el número de aristas ideal entre 16 y 20. De abajo a arriba el diámetro del círculo que forma su sección va en disminución, pero tiene un ligero ensanchamiento en la parte central denominado ENTASIS, menos acusado en el Dórico Clásico que en el Helenístico, y que sirve para corregir un defecto óptico, de no tener entasis la columna parecería más estrecha por el centro.
Después del fuste, y sobre
él, se sitúa el capitel Dórico,
que consta de tres partes: el
COLLARINO, con una serie
de incisiones horizontales, el
EQUINO que es un molde
circular, y el ÁBACO, que es
una moldura cuadrada ó
rectangular.
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La columna carece de basa, arrancando directamente del estilobatos.
La columna sufre variaciones según la etapa a la que pertenezca, ya que
en época arcaica el fuste es más delgado y el equino más grande respecto
del fuste.
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Sobre las columnas del templo griego se sitúa el ENTABLAMENTO, que
soporta la cubierta del edificio. El entablamento se divide a su vez en una
zona inferior denominado ARQUITRABE, que en el orden Dórico es una
moldura adintelada lisa. Sobre él aparece el FRISO, que en el templo Dórico
se decora con TRIGLIFOS y METOPAS que se alternan. El Triglifo es una
pieza decorada por tres bandas verticales, que son una derivación a la piedra
de los templos realizados en madera, ya que el triglifo se correspondía con la
terminación de los tablones longitudinales que sostenían la cubierta interior.
Entre cada Triglifo se sitúa una Metopa, que es una moldura cuadrada que
suele ir decorada con relieves. Cada triglifo coincidía con el eje de una
columna y con el intercolumnio (espacio entre columna y columna). La última
parte del entablamento se denomina CORNISA, saliente del resto de sus
partes, sustenta la cubierta a dos aguas. La Cornisa solía ir decorada con
antefijos, que se colocaban para disimular la unión entre cornisa y cubierta
.
Otro motivo decorativo eran las ACRÓTERAS, que servían también para
desagüe, y las GÁRGOLAS, que decoran las esquinas o la parte central de
las fachadas.
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Las dos fachadas principales culminaban con un FRONTÓN triangular,
siguiendo la forma de la cubierta a dos aguas, se conoce también como
tímpano, y se decora con escultura, algunas de relieve y otras de bulto redondo.
2.- EL ÓRDEN JÓNICO El Órden Jónico aparece al final de la etapa Arcaica, aunque su desarrollo es en
Época Clásica, en el siglo V a. Cto.
También se asienta sobre KREPIS o estructura escalonada, coincidiendo así
con el Dórico. Pero la columna Jónica tiene BASA, con mayor o menor
complicación en cuanto a la altura y las molduras que la forman. Ésta basa
puede estar ó no situada sobre PLINTO, una moldura cuadrada bajo la basa.
Las molduras que forman la basa se denominan TOROS, si son convexas, y
ESCOCIAS, si son cóncavas.
Al ser un estilo
masculino, cuando
se sustituyen las
columnas por una
imagen se utilizará
la de los "atlantes".
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80
El Fuste de la columna Jónica es también estriado, con 24 estrías muertas, se denomina así por terminar de forma semicircular, sin llegar a basa ni a capitel. Es más fino que el dórico, y no tiene éntasis por no necesitar corregir ningún defecto óptico.
Sobre el fuste se sitúa el Capitel, que carece de collarino, pero sí tiene EQUINO, con un cuerpo de OVAS sobre el que se sitúan las VOLUTAS y COJINETES. Tiene también
ABACO, al igual que el Dórico, una moldura cuadrada ó rectangular
El ENTABLAMENTO coincide básicamente con el Dórico, pero el ARQUITRABE se encuentra dividido en tres franjas horizontales o PLATABANDAS. A continuación se encuentra el FRISO, que en esta ocasión es corrido y puede ir o no decorado con relieves. Por último la CORNISA, que puede sostener ó no
un FRONTÓN en la fachada principal.
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Es un orden más estilizado y femenino, identificándose con la mujer; por ello en
ocasiones sustituye la columna por CARIÁTIDES
(imágenes femeninas).
Se piensa que su origen pueda ser oriental.
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3. EL ORDEN
CORINTIO
Surge en el siglo V a.
C. en pleno clasicismo,
se desarrolla en
paralelo al Jónico
siendo sus
características
principales las mismas,
y su significación es
también femenina,
identificándose con la
imagen de la mujer.
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Coincide prácticamente con el Jónico es su estructura, la única
diferencia reside en el capitel, formado por un EQUINO floral, de
hojas de acanto, las esquinas superiores tienen una decoración en
forma de hoja llamada CAULICOLOS. Tiene también ABACO.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 5
Título: Los Dioses en Egipto
Objetivo: Exploración del arte Griego.
Saberes a reforzar: El arte Griego.
Estrategia metodológica:
Registra los acontecimientos del arte Griego.
Aprecia el arte Griego.
ACTIVIDAD
Después de realizar la lectura elabora un organizador gráfico de la información.
2.1 La Civilización Griega
85
EJERCICIO
1. Realiza una investigación acerca de las transformaciones que ha sufrido la escultura y la arquitectura del arte griego.
Etapa Características de la escultura Características de la arquitectura y funciones
Período Helenístico / Siglo I
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Período Helenístico / Siglo II a.C.
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Período Clásico / Siglo IV a.C.
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Período Clásico / Siglo V a.C.
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2. Del cuadro que contiene las imágenes de esculturas y edificios del arte griego ubícalos con su etapa, cronología, autor, material, descripción y funciones
Obras de arte griego Etapa Cronología
Autor Material
Breve descripción Funciones en el caso de los edificios
Laocoonte y sus hijos
Venus de Milo
Doríforo
87
Partenón
Niké Áptera
Afrodita de Cnidia
88
Discóbolo
Erecteion
Ménade
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 6
Título: Conociendo el templo griego
Objetivo: Exploración del templo griego.
Saberes a reforzar: El arte Griego.
Estrategia metodológica:
Registra los elementos del templo Griego.
Aprecia el arte Griego.
Explica las principales diferencias entre los tres órdenes arquitectónicos griegos:
2.1 La Civilización Griega
90
EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 7
Título: Roma
Objetivo: Conocer el arte romano
Saberes a reforzar: El arte Romano.
Estrategia metodológica:
Arte Romano.
Registra los acontecimientos del arte Romano.
Aprecia el arte Romano.
Lectura
En el imperio romano se distinguen tres periodos.
• Monarquía: 753 a.C. al 510 a.C.
• República: 510 a.C. al 27 a.C.
• Imperio: 27 a.C. al 476 d.C. Este período consta de dos fases: el alto imperio (los orígenes) y el bajo imperio (la decadencia,
tetrarquía).
Características del Arte Romano:
es un arte propagandístico al servicio del gobierno
es funcional y práctico
es bello
es colosal, son construcciones de grandes dimensiones
2.2 Imperio Romano
91
Técnicas:
Se utilizan las matemáticas, la mecánica, los acueductos y nuevos sistemas de construcción.
Características constructivas:
Los ARCOS: están formados por DOVELAS, con una principal llamada CLAVE, situada en el centro de los empujes del arco. La primera dovela se llama SALMER y es la inmediata al arranque, donde descansa el arco. La línea donde descansa el salmer es la LINEA DE IMPOSTA. El interior del arco se denomina INTRADÓS y el exterior EXTRADÓS. La LUZ es el ancho del arco (distancia entre los apoyos), y FLECHA es el alto del arco. Cuando el arco está ligeramente alargado se llama ARCO PERALTADO.
Empleo de la curva
Arco de medio punto
La bóveda y la cúpula
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La BÓVEDA permite hacer construcciones mucho más elevadas. Se emplea como material el mármol y el Opues Caementicium (cemento), formado por toba (piedra volcánica), arena, cal y agua.
Otros materiales que se utilizan son:
Opus Latericium: o ladrillo. Se utiliza para recubrir las construcciones, y puede ser de dos formas: Coctus (cocido) o Crudum (crudo).
Opus Reticulatum: en forma de red de rombos.
Opus Spigatum: se utiliza para los suelos, y es en forma de espiga o espina.
Opus Quadratum: los sillares son todos del mismo tamaño, todos están tallados de forma regular, y pueden estar dispuestos a soga y tizón o en hilera.
Principios de Vitruvio:
Órdenes de columnas:
• Toscano (más básico, para exteriores)
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Dórico (más básico, para exteriores)
•
Jónico (para interiores y exteriores, en los templos de las diosas)
Corintio (para interiores y exteriores, en los templos de las diosas)
Compuesto. El término orden compuesto también suele utilizarse de un
modo más genérico para referirse a aquél que mezcla varios elementos
decorativos que no son los clásicos ya citados.
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Tipologías de Edificios Arquitectura religiosa
TEMPLOS
• Materiales: muchos
• Dimensiones: colosalismo • Acceso: público (para los griegos era privado) • Interior y Exterior: cuidado (por ejemplo, el Panteón de Agripa) • Planta: rectangular • Naves: una, dividida por la ubicación de las columnas. Se
levanta o asienta sobre un podio con un único acceso frontal. • Columnas: son pseudo perípteras, en función de la disposición
de las columnas, que se adosan al muro perimetralmente. Ejemplos:
Fortuna viril (Roma)
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EDIFICIOS FUNERARIOS
Suelen tener planta circular, pero durante el periodo imperial conocen las
pirámides y les gustan. Caio Cestio se hizo construir una tumba piramidal.
Mausoleos:
Mausoleo de Adriano (Castillo de San Ángelo)
3.- EDIFICIOS DE OCIO Y DIVERSIÓN
Los romanos tenían el lema Panem et Circenses (Pan y Circo). Con este
lema, mantenían al pueblo entretenido y alimentado para que no se les
ocurriera la idea de cuestionar a la autoridad.
TIPOS DE EDIFICIOS: a) Anfiteatros:
Para hacer estas construcciones, al contrario que los griegos, no necesitaban valerse de accidentes geográficos (colinas) para construirlos; los hacían en la cuidad.
Ejemplos: El Coliseo. Sus cimientos son de granito. Aquí también solían hacerse las Naumaquias o batallas navales. Para ello, las tablas donde setá la arena se vaciaban y untaban con una cera impermeable, y luego se llenaba de agua.
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ESCULTURA ROMANA
Tiene influencias etruscas. Los materiales que se utilizan son mármol y bronce.
Temáticas: el emperador, personajes de la visa política, filósofos.
Poseen carácter narrativo, que represente cosas de la vida cotidiana, además de ser propagandístico e histórico.
Se realiza un estudio por períodos, y se cuentan a partir de la época republicana.
Dichos períodos son similares a los de Grecia pero a la inversa: República >
Helenístico > Realista.
Se elaboran retratos donde se intenta captar la psicología del representado.
Alto imperio: es idealista. Los romanos tenían conquistada hasta la península
(27 a.C.). Forma parte de la imagen del emperador.
• Objeto: ser humano político y religioso.
• Fin: propagandístico.
RELIEVES
Cuentan historias, narrativas y propagandísticas. El ejemplo más importante es el Ara Pacis.
Los relieves pueden ser de tres tipos:
• Bajo relieve: -50%
• Medio relieve: 50%
• Alto relieve: +50%
ARA PACIS
El Altar de la Paz tiene una estructura cuadrada y se divide en dos frisos: uno
con motivos vegetales, y otro arriba con relieves históricos, donde se hace
mención al origen mitológico de Roma. Las figuras se representan como en
procesión y se muestra a toda la familia de Augusto.
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Bajo imperio: es la época de decadencia del imperio. Se vuelve a las imágenes arcaicas. Por ejemplo, la Cabeza de Constantino, donde se geometriza el cabello, la cara y el rostro está contenido.
ACTIVIDAD
1.- ¿Cuáles son las características de la escultura romana?
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
2.- ¿Cuáles son las principales características de la pintura romana?
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
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____________________________________________________________
3.- ¿Qué es un mosaico?
________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________ 4.- Escribe el nombre de los tres periodos del imperio romano.
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
5.- Ejemplifica cada uno de los periodos del Imperio Romano.
____________________________________________________________
____________________________________________________________
____________________________________________________________
Ejercicio
1. Realiza un cuadro comparativo, señalando similitudes y diferencias entre
escultura y la arquitectura griega y romana.
2. Localiza el origen de cada obra, función y preséntalo en orden
cronológico
a) Busto de Adriano
b) Escultura Thoracata. Augusto ad Prima Porta
c) Escultura Togata. César
d) Escultura apoteósica. Emperador Claudio
e) Arco de Tito (relieves )
f) Arco de Septimio Severo (relieves)
3. Completa los elementos del cuadro acerca de las principales obras
arquitectónicas de Roma
Fuentes de consulta:
99
a) https://www.youtube.com/watch?v=Dhb3HqsG3vA
b) https://www.youtube.com/watch?v=qTMDXgsagBc
c) https://www.youtube.com/watch?v=MtXmE_Xo8Ko
d) https://www.youtube.com/watch?v=icP4XebkY-I
e) https://www.youtube.com/watch?v=L_7f-k9sq
Construcciones Imagen Función y periodo e imperio
Características arquitectónicas
Acueducto
Anfiteatro
Basílica
Coliseo
Foro de Trajano
Mercado
Murallas
Panteón
Pozos
Templos
Termas
100
1. ¿Cuáles son las principales características de la escultura romana y cuáles son las diferencias con la escultura griega?
2. ¿Cómo utilizaron los romanos los órdenes clásicos, acaso sufrieron dichos órdenes alguna reforma, y si fue así, cuál fue dicha reforma?
3. ¿Qué nuevo elemento fue incorporado por los romanos en sus construcciones que no fue utilizado por los griegos? ¿Cómo influyó dicho elemento sobre la construcción de acueductos, vías, templos y otros?
101
EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 8
Está relacionado con el Imperio Romano. Cuando se trasladó la capital del
Imperio a Bizancio (llamada luego Constantinopla, y cuando llegaron los turcos
la llamaron Estambul).
Se puede distinguir:
El Imperio Romano de Oriente, con capital en Constantinopla
El Imperio Romano de Occidente, con capital en Rávena, bajo Venecia
Título: La Grandeza Bizantina
Objetivo: Conocer el arte Bizantino
Saberes a reforzar: El arte Bizantino
Estrategia metodológica:
Arte Bizantino.
Registra los acontecimientos del arte Bizantino Aprecia el arte Bizantino.
Lectura
El Imperio Bizantino se puede dividir en tres etapas:
1ª Edad de oro: Es la época de esplendor del Imperio, con arquitecturas tan fantásticas como
San Apolinar y San Vital de Rávena. Es la época de Justiniano (siglo IV). Es cuando se realizan las más grandiosas
obras arquitectónicas que ponen de relieve los caracteres técnicos y materiales, así como el sentido constructivo.
2.3 La grandeza Bizantina
102
2ª Edad de oro: Se incorpora la planta centralizada como elemento principal. Estamos en los siglos IX al XIII. Es el momento en el que Bizancio se aleja más de Occidente. La iglesia se separa de la de Roma. Se produce un proceso de orientalizarían, naciendo la iglesia ortodoxa, que no va a reconocer la autoridad del Papa.
3ª Edad de oro: Destaca por su expansión. Se vincula al gobierno de los Paleólogos durante
el siglo XIV y hasta la caída de Constantinopla.
Ejemplos:
PRIMERA EDAD DE ORO
San Basilio de Moscú Santa Sofía de Kiev
Características de la arquitectura
La arquitectura emplea los mismos elementos que el arte romano, con el agregado de las arquitecturas de otras civilizaciones, como las orientales y centroeuropeas. Aunque su principal influencia es romana.
Elementos constructivos fundamentales
• Empleo de pechinas: estructuras sustentantes de forma triangular que permiten el paso de una planta cuadrada a una circular.
103
• Se mantienen los arcos.
• En las columnas destaca el desarrollo del capitel y de incorpora el cimacio, que es una especie de pirámide truncada que permite una mayor altura. Se perfora la superficie haciendo los tallados con la menor cantidad de trazados posibles.
• Materiales: pobres, piedras porosas (toba y ladrillo), sobre todo en el exterior. Para los interiores es más esplendorosa.
Ejemplos con pechinas:
SEGUNDA EDAD DE ORO
Desarrollo de la planta centralizada y las plantas de cruz griega, y el desarrollo de cúpulas en todos sus extremos (5 cúpulas).
Ejemplo: San Marcos de Venecia, que tiene influencias bizantina (sólo conserva la planta y la cúpula), románica y gótica.
104
TERCERA EDAD DE ORO
Etapa de difusión.
Escultura:
• Iconografía cristiana clara, aunque no hay mucha.
• De pequeño tamaño y bulto redondo.
• Se ven pocas porque en la 2ª edad hubo un periodo iconoclasta. Se rechazaban las representaciones humanas.
Mosaicos: • Emplean piedras preciosas para dar mayor realismo a las obras.
• Materiales: cerámica vidriada para los ojos.
• Las teselas bizantinas se colocan inclinadas (las romanas no) para que la luz rebote de distintas formas.
105
• Los fondos son siempre dorados, para darle un carácter etéreo. Ejemplo: en la tribuna superior del altar derecho de la Basílica de Santa Sofía.
Ejemplos:
Cristo Pantocrator
Mosaicos del Mausoleo de Galla
Placidia
PINTURA:
Queda relegada a la pintura en tablas o iconos (representación religiosa). En los iconos, se utiliza la técnica del temple: la tabla se alisa, se le da una capa de yeso o cal, se hace un fondo con pan de oro y luego se procede a la pintura del ícono.
La representación es casi siempre de busto, y en contadas excepciones de cuerpo entero.
Orfebrería:
EJEMPLOS:
106
Material tabla y bulto
Ejercicio ÍCONO BIZANTINO
Instrucciones:
a) En equipos de 3 personas realiza un ícono bizantino.
b) Material: Libre.
c) Tamaño un ¼ papel cascarón.
d) Ficha técnica.
Explicación Oral incluye material y técnica.
e) Valor 10 puntos.
Ejemplo de ícono Bizantino.
107
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
Unidad Académica del Campus II
Escuela Preparatoria Diurna
Instrumento de evaluación:
Lista de cotejo Tipo de evaluación: Autoevaluación y
heteroevaluación
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades
Unidad de Aprendizaje Curricular:
Historia del arte
Semestre: 6° Grupo: Número de secuencia: 2/3
Porcentaje: 10%
Bloque: II. De Grecia al románico.
Evidencia: Ícono
Competencias Genéricas 2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros. 8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
Atributos 2.1 Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones. 2.2 Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de identidad. 2.3. Participa en prácticas relacionadas con el arte. 8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
Competencia disciplinar básica:
12.- Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de su identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
Indicadores
Estudiante
Contiene los materiales solicitados y entrega en tiempo y forma. 2%
La imagen es coherente con el arte bizantino, estético, limpio y las líneas en fondo y forma se encuentran en simetría, proporción y textura. 2%
Realiza la investigación pertinente para reproducir el ícono. 2%
Trabaja de manera colaborativa, responsable, distribuyendo responsabilidades durante la organización, planeación y ejecución del ícono. 2%
Expone al grupo con dominio, propiciando la interacción y participación de los mismos. 2%
1.-
2-
Escala
Rango Semáforo Desarrollo de atributo
Porcentaje Acciones a seguir.
De10 a 8
Desarrolló el atributo 10%
De 7 a 5
En proceso 7% Retroalimentar y estudio
independiente.
De 4 a 1
No se observó el desarrollo
5% Asesorías.
108
2.4 ARTE ISLÁMICO
La mezquita Azul o mezquita del Sultán Ahmed
es una de las grandes mezquitas de
Estambul. Construcción 1609-1617
El arte islámico (musulmán) nace para expresar la nueva religiosidad
musulmana. El islam nace en la península arábiga y desde las primeras
predicaciones, hacia el 612 hasta el fin de los Omeyas en el 750, cuando
dominan desde la península ibérica hasta el río Indo, han pasado tan solo 138
años. Por ello, el arte islámico ha adoptado influencias de diversas culturas, y
elementos artísticos diferentes. Sin embargo, es un arte, fundamentalmente,
religioso lo que le da una sorprendente unidad.
Destaca la arquitectura sobre las demás artes, y la mezquita y los palacios
sobre las demás construcciones. La decoración es muy abundante. Pero son
escasos los motivos figurativos y se fundamentan en los abstractos: vegetales,
geométricos y caligráfica.
109
EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 9
Título: Arte islámico
Objetivo: Identifica los elementos de la del arte islámico
Saberes a reforzar: Arte islámico
Estrategia metodológica:
Arte islámico
Lectura
La era islámica, Héjira, comienza el año 622, fecha en que Mahoma (570-632), marcha de La Meca a Medina huyendo de la intransigencia mostrada por su predicación. A partir de esa fecha, junto a la fe religiosa, surgieron unas nuevas actitudes sociales y políticas que, en menos de un siglo, se expandieron desde el golfo de Bengala hasta el océano Atlántico. El Islam (sumisión) tiene como base un libro sagrado, el Corán, que recoge la palabra de Alá (Dios) revelada a Muhammad (Mahoma), su mensajero o enviado. La comunicación del mensaje divino fue realizada en lengua árabe que pasó a convertirse en el idioma oficial y en el vehículo de unidad. Además del Corán existe otra fuente primordial que se conoce con el nombre de sunna (costumbre, hábito o manera), relacionada con la figura del Profeta. La sunna se configura a base de hadit o conjunto de actos o dichos de Muhammad, constituyendo una auténtica ciencia de la tradición. Todo musulmán (muslim, creyente) tiene que realizar cinco manifestaciones o actos en las que se recogen básicamente el contenido dogmático de la religión y sus aspectos de culto o rito. Son los conocidos como los pilares del Islam: profesión de fe, oración, ritual, limosna, ayuno y peregrinación a la Meca. Cada uno de ellos tiene una especial incidencia en las expresiones artísticas. La profesión de fe o sahada (No hay más Dios que Dios y Muhammad su Profeta) explicita la no existencia del concepto de encarnación del cristianismo e hinduismo, al mismo tiempo que proclama que Muhammad es sólo el mensajero de Dios. Ello comporta la primacía del mensaje sobre el mensajero, del mismo modo que es, sin duda, la clave para el desarrollo que adquiere la escritura como motivo decorativo -la epigrafía- dentro del arte islámico.
2.4 El arte Islámico
110
Refleja, al mismo tiempo, la tendencia anicónica1 latente en el Islam desde los primeros momentos si bien, no por ello, la figuración dejó de contar con cierta presencia aunque en ámbitos restringidos. Esta tendencia anicónica propiciará el gran desarrollo de motivos geométricos y vegetales con un grado de abstracción cada vez mayor que, junto a los epigráficos, definirán la ornamentación en el arte islámico. La oración o salat es el precepto según el cual los musulmanes deben orar regularmente cinco veces al día. Ello exige un estado de limpieza ritual o abluciones (purificación de algunas partes del cuerpo antes de algunos actos religiosos), un espacio suficiente para prosternarse (arrodillarse o inclinarse como muestra de respeto o adoración, postrarse) e inclinar la cabeza hasta el suelo y una correcta orientación hacia La Meca. Consecuencia de estas obligaciones es la existencia de un edificio, la mezquita (masyid o lugar para prosternarse) con un muro qibla donde se halla el mihrab o nicho que señala la correcta orientación a La Meca.
Inscripción copta de alrededor del siglo III d. C.
Las mezquitas suelen contar con un patio (sahn) en el que existe una fuente
(mida) para las abluciones o limpieza corporal. Otros elementos asociados son
el minbar o especie de púlpito con gradas para el sermón (jutba), la maqsura o
acotamiento destinado a las autoridades, el alminar (manara) para llamar a la 1 Aniconismo es la práctica o creencia de evitar o rehuir las imágenes de seres divinos, profetas y otros personajes religiosos respetados o, más allá de la religión, la falta de representación de seres humanos o seres vivos.
111
oración y las alfombras de oración (sayyada) para mayor limpieza en el
desarrollo de la oración.
La obligación de dar limosna (zakat) produce en el terreno artístico la
fundación de instituciones de caridad como madrasas o escuelas teológicas
donde se enseña el Corán, maristan u hospitales, hamman o baños y
fuentes públicas.
El ayuno (sawn) durante el mes de Ramadán, noveno del calendario
lunar islámico, tiene menor trascendencia artística aunque puede
concretarse en ciertos objetos realizados para las fiestas de ruptura del
ayuno celebradas al final del Ramadán.
El último precepto, la peregrinación a La Meca (hayy), al menos una vez
en la vida, permite el intercambio de ideas entre los países más alejados, la
producción de obras especiales como los paños que el califa envía
anualmente para cubrir la Kaaba2 o los certificados ornamentales de la
peregrinación.
La religión, así pues, constituye el gran elemento unificador del amplio territorio
y el dilatado marco temporal —siglo VII hasta la actualidad— por el que se ha
expandido el Islam.
2 es una construcción con forma de cubo que se halla en La Meca, Arabia Saudita, y representa el lugar sagrado y de peregrinación religiosa más importante del Islam. Es la «casa de Dios», donde lo divino toca lo terrenal, y hacia ella orientan su rezo los musulmanes de todo el mundo ubicando el oriente.
112
Las artes figurativas en el islam nunca tuvieron un gran desarrollo, más por prejuicios sociales que por una prohibición expresa del Corán. Lo que el Corán condena es la idolatría, no la representación figurativa. Esto quiere decir que hay una escasez real de pintura y escultura, aunque no absoluta. No obstante, en épocas rigoristas anicónicas, sí que se lanzaron fatuas de prohibición de pintar seres vivos. Hoy en día la mayoría de los musulmanes no las tiene en cuenta. Lo que sí se ha respetado es el tabú de pintar la cara de Mahoma y sus compañeros de los primeros tiempos.
n pintura hay que destacar la miniatura persa, que al igual que la de los cristianos decora libros, el Corán, libros de literatura y científicos. Los motivos son tanto religiosos como de la vida palaciega y sus placeres. Es la mayor fuente de imágenes figurativas del
islam que tenemos. Su época de esplendor son los siglos X y XI.
En la decoración predominan los motivos geométricos, los colores planos y vivos y las líneas negras. Uno de los motivos más característico es la epigrafía, con frases del Corán.
a escultura es aún más escasa. Se reduce a las artes menores: cerámica, vidrio, marfil, cofres, etc. Sin embargo, existen relieves con motivos geométricos y caligrafía, en puertas y paredes. Este tipo de representaciones encuentra su ámbito en la élite social islámica, que gusta del lujo. Escultura como la del Patio de los Leones en la Alhambra de Granada es extraordinaria.
La cerámica comienza en el período abasí. El principal centro productor es la ciudad turca de Esmira, en la que se fabricaron los primeros azulejos decorados.
En marfil destacan los olifantes (cuerno de marfil) de carácter decorativo y finamente labrados.
En la fabricación de vidrio aparecen nuevas técnicas, como el soplado y el vidrio pintado.
Pintura, escultura y artes suntuarias
E
L
113
La madera se trabajó con mayor profusión, ya que las obras estaban destinadas a la talla de alminares, tribunas, mihrabes, armarios y recubrimiento interior de cubiertas.
Entre los metales sobresale el bronce, en el que aparecen motivos
animales. Servían como objetos de vajilla o de uso religioso.
Pero lo más representativo es el desarrollo de los tejidos. Utilizan todo tipo de telas, pero gustan sobre todo la seda, y las alfombras y tapices.
rquitectura es la representación artística, por excelencia, del islam,
goza de una notable uniformidad, a pesar de la variedad de
influencias que recibe, e incluso a lo largo del tiempo. Los
musulmanes adoptan, y adaptan, todos estos elementos de forma
creativa, según sus necesidades y su concepción del mundo. Lo más
destacado es la exuberancia decorativa, geométrica, epigráfica y vegetal, de
lacería y mocárabes. Los almohades utilizan los paños de sebka, una retícula
de rombos de trazos lobulados o mixtilíneos. Todo el espacio se decora, debido
al horror vacui. Es una decoración notablemente abstracta. La celosía se
utilizará para cerrar vanos. (Horror Vacui)
A
114
Las construcciones son de escasa altura, y de gran perfección matemática. Predominan los volúmenes cúbicos y geométricos, entre los que destacan las cúpulas. Utiliza todo tipo de materiales, pero en general usa poco la piedra, salvo en Egipto y Córdoba, y prefiere la mampostería y el recubrimiento con yeso. Como soportes utiliza tanto el pilar como la columna. Son delgados, bajos y de poco peso. Las columnas están coronadas por capiteles con decoración geométrica, que pueden ser novedosos, como el capitel nazarita, el capitel de avispero o el orden corintio estilizado, que se convierte en el capitel islámico. Usa todo tipo de arcos pero prefiere, y perfecciona, el arco de herradura y el peraltado. Frecuentemente los arcos están lobulados. Encontramos arcos de herradura apuntados, mixtilíneos, etc. Están decorados con mocárabes, festoneados o angrelados. También existen arcos entrelazados y superpuestos. Las cubiertas son de poco peso, frecuentemente de madera y plana. También hay bóvedas y cúpulas. Utilizan la bóveda de cañón y de arista, pero también la gallonada o la esquifada. Tipologías de edificios En el siglo XII, por influencia turca, se inicia la tradición de los mausoleos, también con patio cuadrado y cubierto con una cúpula. Poseen una cámara para el sarcófago y otra para orar. Por razones evidentes, la mezquita ocupa el lugar central en la arquitectura islámica. Representa el símbolo del Islam. Este papel simbólico fue comprendido por los musulmanes en una etapa muy temprana, y desempeñó un papel importante en la creación de adecuados signos visibles para el edificio: el alminar, la cúpula, el mihrab o el minbar.
El mihrab o el minbar.
115
Junto a la mezquita se encuentra la madrasa, o escuela coránica, que consta de un patio central al que dan las celdas de los estudiantes y una sala rectangular grande llamada al-quaah. También se construyeron fondas para viajeros, con un patio alrededor del cual se organizan las dependencias. Las fondas son fundamentales en las travesías del desierto. Constan de un gran espacio amurallado, con patio interior, galerías, establos, almacén, etc. Las atarazanas son el lugar donde se construyen los buques, por lo que requiere grandes espacios próximos al mar. Se trata de una gran nave cubierta con madera. Los baños, hamán, imitan las termas romanas ya que tienen la misma estructura, piscinas de agua caliente, fría y templada. Están ricamente decorados y cubiertas por una cúpula calada, para que entre la luz. Entre los edificios civiles destaca el palacio, dividido en tres partes, cada una con una función diferente y estructurada alrededor de un patio. La mexuar está dedicada a la administración de justicia y a las audiencias; el quaat al-arsh es la sala del trono. El salámlik está reservado a las ceremonias importantes, es la parte pública de la casa. Y el harén son las habitaciones privadas de las mujeres. Aquí se encuentran los jardines y los baños. El caravansaray suele hacer referencia a una gran estructura que ofrece alojamiento a viajeros y comerciantes. Generalmente es de planta cuadrada o rectangular, y ofrece una única entrada monumental saliente y torres en los muros exteriores. En torno a un gran espacio central rodeado por galerías se organizan habitaciones para los viajeros, almacenes de mercancía y establos. La vivienda común se construye en torno a un patio sin vanos al exterior, los pocos que hay están cerrados por celosías. En el patio hay una fuente o un pozo y está rodeado por pórticos. Es una casa pensada para la vida privada. Además se construyen puentes, alcazabas, alcázares, acueductos, hospitales, y todo tipo de edificios que hacen posible la vida en la ciudad. La ciudad islámica es muy característica. El mercado (suq), que actúa como centro neurálgico de los negocios locales, es de hecho el elemento característico más relevante de las ciudades musulmanas. La distancia del mercado a la mezquita determina su organización espacial por gremios especializados. Por ejemplo, las profesiones consideradas limpias y honorables (libreros, perfumeros y sastres) se sitúan en el entorno inmediato de la mezquita, mientras que los oficios asociados al ruido y el mal olor (herreros, curtidores, tintoreros) se sitúan progresivamente más lejos de ella. Esta distribución topográfica responde a imperativos basados estrictamente en criterios técnicos.
116
ACTIVIDAD
Realiza la investigación de los diferentes tipos de arcos del arte islámico.
EJERCICIO
Realiza una presentación en power point donde se encuentre la imagen
de los diferentes elementos de la arquitectura. Debe incluir definición, 2
imágenes del edificio, su función y lugar donde se ubica, posteriormente
realiza en mesa redonda la exposición.
Arco de herradura Califal del s. X.
Arco festoneado o engrelado.
Arco Mixtilíneo
Arco peraltado
Arco túmido
Arcos entrecruzados
Bóveda Gallonada
Capitel de pencas
Capitel nazarita
Capitel nido de avispa
Cúpula de arcos entrecruzados
Mocárabes
Modillones de rollo
117
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
Unidad Académica del Campus II
Escuela Preparatoria Diurna
Instrumento de evaluación:
Lista de cotejo Tipo de
evaluación: Heteroevaluación
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades
Unidad de Aprendizaje Curricular:
Historia del arte
Semestre: 6° Grupo:
Número de secuencia: 2/
3 Porcentaje:
10%
Bloque: II. De Grecia al románico.
Evidencia: Cuaderno de trabajo
Competencias Genéricas 4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
Atributos 4.3 Identifica las ideas claves de un texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de ellas.
Competencia disciplinar básica:
10. Asume una posición personal (crítica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica), en la ética y en los valores, frente a las diversas manifestaciones del arte.
Indicadores
Estudiante
Resuelve con responsabilidad y entrega en tiempo y forma. 2%
Sigue las instrucciones 2%
Analiza las características del arte griego, romano, bizantino e islámico. 2%
Reconoce la evolución del arte y sus manifestaciones, así como su trascendencia. 2%
Identifica las distintas manifestaciones artísticas (arquitectura, pintura, escultura etc.) en cada civilización solicitada. 2%
1.
Escala
Rango Semáforo Desarrollo de atributo
Porcentaje Acciones a seguir.
De10 a 8 Desarrolló el atributo
10%
De 7 a 5 En proceso
7% Retroalimentar y estudio independiente.
De 4 a 1 No se observó el desarrollo
5% Asesorías.
118
“DEL GÓTICO AL SIGLO XX”
3.1 La luz del gótico
3.2 La magnificencia del renacimiento
3.4. Siglo XX
3.3 Las maravillas delbarroco
3.4. Siglo XIX
BLOQUE III
119
PROPÓSITO DE LA SECUENCIA:
El estudiante demuestra cómo las manifestaciones artísticas de la antigüedad han logrado postergarse a través del arte actual.
COMPETENCIAS GENÉRICAS:
2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros.
2.1Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones. 4.Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
4.3 Identifica las ideas clave en un texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de ellas. 4.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información y expresar ideas. 5. Desarrolla innovaciones y propone soluciones a problemas a partir de métodos
establecidos. 5.1 Sigue instrucciones y procedimientos de manera reflexiva, comprendiendo como cada uno de sus pasos contribuye al alcance de un objetivo. 8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
COMPETENCIAS DISCIPLINARES
10.- Asume una posición personal (critica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica) en la ética y los valores, frente a las diversas manifestaciones del arte.
11. Analiza de manera reflexiva y critica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural su defensa y preservación. 12. Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de la identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
120
Evaluación diagnóstica
Contesta las preguntas recuperando tus conocimientos previos.
1. ¿Qué es el arte Gótico?
2. ¿Conoces alguna catedral que tenga arcos?
¿Cuál?
Relaciona las cualidades que consideres que pertenecen a:
Románico muros llenos de ventanas
muros muy gruesos,
pocas ventanas
(abocinadas)y contrafuertes adosados
Gótico dejar sus al transportar sus pesos hacia los contrafuertes por medio de los arbotantes
CONCEPTO DEFINICIÓN
Impresionismo
Vanguardismo
Modernismo
121
Interpretaciones del estilo Gótico.
El arte gótico fue producto de un cambio en las estructuras políticas, sociales,
económicas y culturales que se originaron en Europa hacia fines del siglo IXII,
cuando las villas se convirtieron en centros urbanos o ciudades, lo cula dio
origen al surgimiento de la Edad Moderna, llevándose a cabo al mismo tiempo
la caída del Imperio Romano de Oriente.
No es un término definido y sus orígenes no están definidos excepto para
arquitectura (San Denís en París) y no hay una definición homogénea porque
cambia a lo largo de los siglos XII al XV y sobre todo en pintura.
Vasari crea el término en el siglo XVI: Gótico = Bárbaro. En el siglo XVIII se
revaloriza el gótico por que se revaloriza la cultura medieval y sobre todo
donde más Gótico había: en Alemania e Inglaterra. Pero es en el siglo XIX
cuando más se recuerda y más prestigio tiene. Durante el Romanticismo, los
artistas buscan estilos nacionales pseudo-góticos y en el último tercio se crea
el Neogoticismo en edificios religiosos, utilizando sobre nuevos materiales
soluciones góticas.
Pero fue Violet Le Duc, teórico francés del siglo XIX, el que descubrió el
Gótico en sus aspectos técnicos. Los alemanes estudian la distribución del
espacio: unitario y compacto pero muy jerarquizado.
Periodización
El principio y el fin están muy distorsionados. El siglo XII es el románico por
excelencia pero Saint Denis es reformada en 1140 con cabecera gótica y en
1150 aparece ya por toda Francia. Este país es su foco original y principal (el
templo ortodoxo no tiene gótico)
El siglo XIII es la época clásica del Gótico en arquitectura y se hacen las
catedrales más altas. En los siglos XIV y XV se produce una simplificación
La Luz del Gótico
122
arquitectónica con un recargamiento ornamental. En el siglo XIII se desarrolla
por el comercio y por el equilibrio político rey- nobleza feudal. Pero en el XIV
se produce la peste: se acaban las catedrales y se empiezan muy pocas más
y son más bien Iglesias. En cambio la arquitectura militar en este siglo va en
auge. El siglo XV se caracteriza por ser más internacional con tendencias
comunes en toda Europa. Se convierte en un arte cortesano y viaja de Corte
en Corte.
LUZ GOTICA
a) Luz y espacio gótico b) Luz, imagen simbólica gótica c) Luz, sistema figurativo gótico d) Vidrieras góticas ________________________________________
a) Luz y espacio gótico
El espacio arquitectónico suele venir definido por:
-la estructura y articulación plástica de elementos, -los valores que comporta su sistema.
En este contexto, la luz pasó a ser utilizada en el gótico:
como medio de iluminación,
por su sentido de trascendencia, no natural.
Con lo que, en su búsqueda de iluminación sobrenatural, el gótico:
o utilizó la luz para alterar la iluminación física natural, por una fingida. o utilizó la luz para convertir el interior en un ámbito inmaterial. o utilizó la luz para crear un universo celeste. o El espacio en el gótico quedó, pues, transformado por la luz:
-ampliando enormes zonas de ventanales, -convirtiendo el vano en el muro mismo, -perdiendo toda referencia al espacio exterior.
Este sistema de iluminación fue posible por la invención de un nuevo repertorio constructivo basado en:
-el arco apuntado, que permitía la elevación de la bóveda, -la bóveda de crucería, transmisora de las presiones al arbotante, -el arbotante, en sustitución de los viejos contrafuertes y tribunas.
123
Así, las naves laterales estuvieron exentas de cargar con el peso, y pudieron:
abrir grandes vanos en el paramento, a modo de cierres iluminativos,eximir de revestimiento e iconografía la decoración interior.
La sensación de la nueva arquitectura gótica, pues, fue:
de ingravidez, al quedar invisibles las leyes físicas de los espacios, de elevación, al ascender desnudos sus pilares hacia las nervaturas de la bóveda de convergencia, con medidas armonizadas por los baquetones de los pilares.
b) Luz, imagen simbólica gótica
La vidriera gótica tuvo dos sentidos:
-configurar simbólicamente el espacio, -soportar los contenidos iconográficos.
Se trataba de dar luz al mundo de las imágenes, de potenciar su influjo sobre el alma del hombre. Como culmen de una larga y acrisolada tradición eclesial, la doctrina de la luz de los santos acabó siendo plasmada en la catedral gótica.
Por otro lado, también la luz simbolizaba:
o lo bello, o lo perfecto
Es en lo que consistió la mística de la luz, en saber sobreponer a lo perfecto lo bello, sin resentirse ninguno de los dos.
Otro de los recursos que proporcionó la luz al gótico fue la de desarrollar la idea de la omnipresencia divina, a través de sus Escrituras. o de las criaturas participantes en El.
Se trata, pues, de explicar los misterios de la fe, por medio de una sustancia que traspasaba pero no alteraba los soportes materiales[, y que ascendía la mente de lo mundano a lo superior.
La luz, por tanto, vino a representar en la catedral gótica la imagen de la Jerusalén celeste.
c) Luz, sistema figurativo gótico
124
Las imágenes proyectadas por la luz en los espacios góticos tenían que ser reflejadas en algún sitio, ya que el efecto que provocaban hemos visto que era brillante. Pues bien, este espacio en que el sistema gótico se empeñó, lejos de complacencias con lo real, no se plasmó sino en un espacio indeterminado y fugaz, a forma de micro-universo.
Sistema buscado y hecho posible gracias a la alternancia de ciertos colores sobre el vidrio que había de recibir la luz:
-el amarillo de plata, -alternado con otros colores, -sobre los vidrios blancos o de colores básicos.
Aunque todo esto no debía traducirse en un sistema ajeno a los cuerpos, sino transformador de los cuerpos.
Como ejemplo de ello, la pintura gótica eliminó los límites del en marcamiento. sombras y claroscuros, y recurrió a los fondos ingrávidos y metafísicos. El mosaico, vuelto a retomar, no vino sino a confirmar la idea de una luz a partir de.
d) Vidrieras góticas
Fueron elaboradas con multitud de técnicas comunes o libres por parte de recetaristas eclesiásticos y vidrieros de la época. De modo general:
-se alisaba un tablero de madera, -se le extendía una capa de yeso por encima, -se marcaba con lapicero-carboncillo el dibujo y figuras, -se dividía cada figura en piezas diversas, según los colores a utilizar, -se repintaba con plomo los contornos de las piezas, -se recortaban, por otro lado, las piezas de vidrio, cada una según su medida, -se colocaba cada pieza de vidrio en su lugar, sobre las líneas de plomo, -se cocía la conjunción de piezas de vidrio, -se pintaba cada pieza de su color.
En cuanto a la obtención de colores, hubo variabilidad y libre configuración, como fue el uso de:
-la sal de plata, para el amarillo o transformación de colores del vidrio, -el hierro, para el negro, -el cobre, para las carnaciones, -la piedra amatista holandesa, para el rojo y mejorar los efectos.
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La Catedral Gótica.
Es la expresión en piedra del pensamiento cristiano bajo - medieval. Es la
elevación hacia Dios emulando su grandeza y luminosidad. Muros reducidos
a lo indispensable, esbeltez arquitectónica, vanos gigantescos porque el
muro ya no es soporte, sólo cubrimiento lateral y casi siempre en cristal.
Por eso Dehio piensa que el origen del Gótico es el descubrimiento de la
bóveda de crucería que concentra todo el peso en los vértices. Actualmente
se cree que fue el movimiento gótico quien descubrió la bóveda de crucería y
no al revés. La bóveda se descubrió porque se tuvo la consciencia de su
falta y su necesidad.
La Catedral gótica es urbana, enorme. Sirve para albergar a peregrinos. Es
también un centro cívico, allí están los archivos, allí se hace justicia y sirve
de refugio. Es el orgullo de la ciudad (el orgullo burgués, el egoísmo
sagrado), la forma de competir en rivalidades de ciudades. Sólo las más
ricas y las más grandes podían tener grandes catedrales pero todas
intentaban superarse a medida de sus posibilidades.
Los maestros eran contratados y ellos contrataban a su equipo. Todos formaban la logia o gremio errante de albañiles y constructores (de estas logias proviene la masonería del S. XVII). Las catedrales no son obra de un solo arquitecto, uno la empieza y otros la acaban. El arquitecto deja de ser anónimo, se le conoce y se le reconoce como artista. Logran incluso tener privilegios y vivir bien.
Elementos arquitectónicos. Arco ojival: (fil l) Tiene precedentes en el Románico Normando y en el arco de herradura apuntado del periodo abbásida. Es más dinámico y con más vitalidad. Tiene dos centros en las dos bases del arco. De él se extraen variedades a medida que transcurre la época: el carpanel, el conopial y el mixtilineo.
crucería: inspirada en la de Bóveda de
arista románica. Lleva nervios o
arcos: torales o fajones que son los transversales y formeros los longitudinales para soportar la plementería. Estos de piedra
para protegerlas
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127
En las ventanas la tracería calada se complica hasta hacerse flamígera y se rellena con vidrieras de colores La fachada: se divide en tres zonas verticales (tantas como naves) y tres franjas horizontales. puertas, rosetón y remate y torres.
La planta: Es basilical, con una, tres, cinco y hasta siete naves con una o tres de crucero. La del centro suele ser más alta para dar luminosidad por sus vanos laterales. La tribuna o segundo piso de las naves laterales ya no es necesaria (por la capacidad interior y por los arbotantes como contrapeso) y se transforma en triforio o galería corrida, tanto al interior como al exterior, e incluso a veces se prolonga por la fachada exterior.
El ábside: Es poligonal, no semicircular y suele estar rodeado por la girola. El ábside se cubre con bóvedas de cuarto de esfera de formas variadas y la girola mediante las dos soluciones.
Ejemplo: EVOLUCIÓN DE LA CATEDRAL GÓTICA Las torres: Son más altas, con menos volumen cada vez y formas también
variables. El cuerpo inferior suele ser de planta cuadrada y el superior poligonal. Culmina con un remate ornamentado, el chapitel, que le da más esbeltez.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 10
Título: La luz del Gótico
Objetivo: Interpretar el arte Gótico
Saberes a reforzar: El arte Gótico.
Estrategia metodológica:
La Luz del Gótico
Registra los acontecimientos de la Catedrales Góticas.
Aprecia el arte Gótico.
Identifica los momentos del arte en el siglo IX al XX
Visualiza la luz en las catedrales góticas
Lectura
ETAPAS PRINCIPÁLES DEL ARTE GÓTICO
GÓTICO TEMPRANO Siglos XII y XIII
GÓTICO PLENO Siglos XIII y XV
GÓTICO TARDÍO FLAMÍGERO
Siglos XV y XVI
Su aspecto es de robustez y pesadez en las construcciones. Las influencias predominaron en las catedrales Europeas.
Formas esbeltas, ligeras, elegantes y de mayor riqueza de ornamentación.
Se sobre carga la ornamentación en un estilo filigranado, sumamente decorado.
3.1 La Luz del Gótico
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Escultura Gótica
El resorte que mueve al artista gótico en las artes figurativas es el creciente interés por la Naturaleza, la nueva actitud espiritual. Los montes, los árboles
y los seres animados son obras del Creador, son bellos de por sí y dignos de ser representados como tal como se muestran a nuestra vista.
La escultura, sobre todo en sus primeros tiempos, conserva el carácter monumental y el sentido de la grandiosidad heredado del Románico, pero después el artista procura,
cada vez más, dotar a sus personajes de expresión humana. Estos personajes no son
ya seres deshumanizados, insensibles al amor y al dolor, creados para hacer pensar en la eternidad y la grandiosidad divina. El grandioso tema, tan típicamente románico, del pantócrator rodeado por el Tetramorfos termina por desaparecer.
En pocos aspectos se expresa tan claramente este cambio de actitud como en la manera de representar los dos temas capitales del arte cristiano: la Virgen con el niño y el Crucificado, en los que el artista gótico sólo quiere ver el amor materno y el dolor humano.
La impasible Virgen románica, gracias al naturalismo gótico, llega a convertirse en la madre que contempla amorosamente a su hijo
y juega con él. Abandona el frontalismo y la verticalidad e inclina ligeramente su cuerpo hacia un lado para poder contemplar al hijo que tiene en sus brazos. Cuando esta sentada, en vez de colocar al niño entre las piernas y de frente, lo sienta sobre una de ellas para hacer posible el diálogo. Por el influjo de la tradición románica, la Virgen continua durante algún tiempo con el cuerpo erguido y mayestático, aunque no tarda en inclinar su rostro e
Iniciar e intensificar el diálogo.
El escultor se deleita entonces interpretando graciosos gestos maternales e infantiles.
El Crucificado románico, lo mismo que el bizantino, se nos muestra insensible al dolor. Derecho, con los brazos horizontales, sin sentir el peso del cuerpo, nos contempla con expresión serena. El artista gótico, en cambio, ve en el
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Crucificado al Hijo del Hombre que sufre en el Calvario. Ya no tiene un clavo en cada pie; para que su dolor sea más intenso, un solo
clavo le atraviesa los dos pies. El Cristo gótico es pues de tres clavos y no de cuatro como el románico. Esta superposición de los pies hace desaparecer el paralelismo de las piernas y para expresar su dolor, el cuerpo abandona su sereno verticalismo y se arquea desplazando las caderas. Se llega a crear una fórmula que impera hasta finales del siglo XIV según la cual, hasta la cintura se mantiene casi vertical mientras las piernas aparecen dobladas hacia un lado.
Otra novedad en el Gótico es la importancia que en el repertorio iconográfico adquieren las vidas de los santos, es decir, la hagiografía. Deseo de este mismo reflejo de humanizar la escultura es la tendencia a que las estatuas de las jambas de las portadas no permanezcan incomunicadas entre si, sino que hablen unos con otros y se rían. El afán expresivo del Gótico lleva al artista, sobre todo en el siglo XV, a preocuparse por lo secundario y anecdótico, antes considerado indigno de la representación artística. En la segunda mitad de esta centuria, por último, el interés del escultor alcanza lo satírico y lo burlesco, llegando incluso a representar temas obscenos.
Actividad Realiza un análisis de la arquitectura Gótica haciendo uso de sus principales etapas:
Después de elaborar el análisis, describe las principales características de una catedral gótica de cualquiera de las etapas, tomando en cuenta su arquitectura y escultura.
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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN Unidad Académica del Campus II
Escuela Preparatoria Diurna Instrumento de
evaluación: Lista de cotejo
Tipo de evaluación:
Coevaluación y heteroevaluación.
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades
Unidad de Aprendizaje
Curricular: Historia del Arte.
Semestre: 6º Grupo:
Número de secuencia:
3/3 Porcentaje: 10%
Bloque: III. Del gótico al siglo XX. Evidencia: Análisis escrito.
Competencia(s) Genérica(s)
4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados.
Atributo(s)
4.3 Identifica las ideas clave en un texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de ellas.
4.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información y expresar ideas.
Competencia Disciplinar
11. Analiza de manera reflexiva y critica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural, su defensa y preservación.
Equipo Aspectos
generales Contenido Material
Puntualidad
Uso del tiempo
Originalidad
Contacto visual
Tono de voz
Dominio del tema
Ejemplifica
Argumenta
Orden cronológico
Tamaño de fuente
Ortografía excelente
Calidad del contenido
Organizador gráfico de la información
Porcentaje
5
Escala
Rango Semáforo
Desarrollo de atributo
Porcentaje Acciones a
seguir.
De10 a 9 Excelente Se desempeña en el rango de una manera superior a lo esperado.
10%
De 8 a 6 Muy bien Se desempeña de forma esperada.
8%
De 5 a 3 Bien Se inicia en el logro 5% Corregir.
De 2 a 1 Insuficiente No se observó el aspecto del contenido. Tuvo dificultad para lograrlo.
2% Repetir.
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Arquitectura Renacentista.
La Arquitectura del Renacimiento se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, de cúpulas colosales, hechas de conchas con aristas, con tambores de ventanas redondas, y linternas que cubren la apertura del domo inspirado del panteón romano.
Reaparece el arco de medio punto, las bóvedas de canon y de aristas.
Aparecen las columnas adosadas con capiteles clásicos, los fustes lisos, los pilares cuadrados decorados, los techos artesonados. En exterior, los edificios están frecuentemente coronados por una balaustrada y sobre ésta se colocan estatuas
Inicialmente son austeras, más se puede observar el dibujo de las piedras que subraya las dovelas y les da continuidad . Las ventanas están divididas por un parteluz de piedra, terminadas por un frontón encerrado en un arco ciego decorativo. Se usa piedra blanca (mármol) o gris claro. Hay armonía y buen uso de elementos. La línea ascendente, expresiva de la espiritualidad medieval es sustituída por el equilibrio de verticales y horizontales.
Surgen nuevos arquitectos que cambian el aspecto urbanístico de las ciudades y se edifican palacios de tres plantas, construcciones formadas por una sucesión de salas como la mansión de los Medici, Strozzi y Gondi.
Destacan como representantes de la arquitectura de ésta época:
Philipo Brunelleschi, Leone Batista Alberti, Donato Bramante y Miguel Ángel.
La Escultura Renacentista.
Sigue el mismo camino que la arquitectura, imita los temas y modelos
romanos, vuelve al marmól y al bronce y utiliza el desnudo o bien viste las
figuras con toga romano, o ciñe las cienes con una corona de laurel.
Mientras que en el románico y el gótico la escultura tenía carácter evocativo
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alternando las figuras humanas con los motivos decorativos, en el
renacimiento la figura humana adquiere valor por sí misma.
Es Donatello, quien descubre la relación existente entre la expresión
escultórica y la naturaleza, Se comienza a observar la realidad con el
método de los antiguos, y el artistita se va acercando cada vez más a la
figura humana para descifrar su más profundo significado. Otros escultores
no menos importante que DONATELLO son; Verrochio , Luca della Robbi y
por supuesto Miguel Ángel.
El hombre es el tema principal y el contraposto aparece de
nuevo.
3.2. LA MAGNIFICENCIA DEL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA
SIGLO AUTOR OBRA
XV QUATTROCENTO Brunelleschi Cúpula de Santa María de las Flores en Florencia Iglesia de San Lorenzo en Florencia Palacio Pitti en Florencia
XVI CINQUECENTO Bramante Templete de San Pietro in Montorio en Roma Proyecto de la Basílica de San Pedro del Vaticano
Miguel Ángel
San Pedro del Vaticano Escalera de la biblioteca Laurentina
ESCULTURA
SIGLO AUTOR OBRA
XV QUATTROCENTO Donatello Relieve para la Cantoría de Sta. Mª de las Flores en Florencia David Retrato ecuestre del condottiero “Gattamelata” El Profeta Habacuc
XVI CINQUECENTO MIGUEL ÁNGEL
La Piedad del Vaticano David Moisés (del sepulcro del Papa Julio II) Sepulcros de Lorenzo y Julián de Médicis La Piedad Rondanini
El término Renacimiento fue acuñado por Vasari para designar un movimiento artístico que aparece en Italia y se desarrolla durante los
siglos XIV al XVI. Le dio ese nombre porque hizo “renacer” los ideales que imperaron siglos atrás, en la antigüedad clásica, entendiendo como
tal las culturas griega y romana.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N°11
Título: Arte Barroco.
Objetivo: Las maravillas de barroco.
Saberes a reforzar: El arte barroco
Estrategia metodológica:
Identifica los movimientos del arte barroco
Actividad Investiga qué es el arte barroco, sus características y los movimientos que se dan en él. Es importante abarcar los tres movimientos artísticos (Pintura, Escultura y Arquitectura)
3.3 Arte Barroco
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ORÍGENES Hay que mencionar los estilos artísticos que surgieron en la primera mitad del siglo XIX. El primero de ello es el Neoclasicismo, corriente artística iniciada a finales del siglo XVIII que perduró durante las tres primeras décadas del siguiente siglo; consistió en una reacción academicista (autor o la obra que se ajusta o sigue las normas clásicas) y antirrococó que propugnó por un retorno a las formas plásticas tanto de la antigüedad grecorromana como del Renacimiento.
De esta manera y en el contexto del imperio napoleónico, nació el Neoclasicismo, término que precisamente significaba retomar las características del arte clásico, este estilo tuvo un carácter universal. En Francia, país donde el racionalismo imperaba hasta el trazo geométrico de los jardines. La búsqueda de la belleza y la pureza de líneas.
Aunque el Neoclásico tuvo un carácter universal, cada país le imprimió un toque particular. En Francia, país donde el racionalismo imperaba hasta en el trazo geométrico de los jardines, este movimiento estético tuvo gran aceptación y fue adoptado por los gobiernos de la Revolución francesa, que pretendían enaltecer el espíritu de la libertad y constituir un nuevo orden político fundamentado en los cánones de la Ilustración.
Napoleón Bonaparte, quien llegó al poder en Francia tras varios años de revolución, sentía una gran admiración por las grandes civilizaciones de la Antigüedad, por lo que promovió expediciones arqueológicas para conocerlas y después mandó construir en su país un gran número de edificios y monumentos que buscaban imitar las obras del arte antiguo,
ya fueran egipcias, griegas o romanas
Siglo XIX
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La ARQUITECTURA se inspira esencialmente en los modelos griegos: orden dórico, columnas, frontones y las obras se convierten en edificio y monumento. Los arquitectos Carlos Percier y Pedro Fontaine fueron los autores de la llamada “Arquitectura Imperio”, caracterizada por su finura decorativa que adaptaba el gusto francés los elementos de construcciones encontradas en Pompeya y Egipto. El arquitecto Pedro Alejandro Vignon, en este afán clasicista, edificó el templo corintio de la “Iglesia de Magdalena” en Paris, Chalgrin y Raymond, erigieron en esta misma ciudad el “Arco del Triunfo de la estrella”, el cual completa el paisaje urbano junto con el “Arco del Triunfo del Carrusel”, obra de Percier y Fontaine. Además, en el centro de la “Plaza Vendóme”, en Paris, se levantó en honor de Napoleón una columna conmemorativa, replica de la columna trajana del foro romano.
_ La ESCULTURA se realiza en mármol. Busca la belleza y perfección, por eso
resulta generalmente fría y convencional. La escultura neoclásica en Francia, los artistas se inspiraron más en los modelos griegos que en los romanos y les interesó la belleza de la forma antes que lo expresivo. El escultor más importante fue Juan Antonio Houdon, en cuyas obras se denota todavía un cierto espíritu rococó, como es el caso de la famosa "Diana Cazadora", su obra más acorde con esa tendencia un tanto manierista. Sin embargo, podemos afirmar que entre las mejoras obras de este escultor se encuentran sus magníficos retratos de penetración psicológica, como los dedicados a "Moliere" y "Voltaire". Durante la época napoleónica sobresalieron otros grandes escultores como Chinar, quien realizó el retrato de "Madame Recamier", y Pradier, autor de las "Victorias del Sepulcro de Napoleón".
El escultor italiano Antonio Cánova trabajó para Napoleón en la ciudad de París, donde realizó el famoso retrato de "Paulina Bonaparte", en un bello semidesnudo al estilo de una diosa griega. Podemos observar también ese sentido helénico y mitológico en obras como "Venus" y el "Amor y Psiquis". Asimismo, Cánova encumbró a Napoleón como héroe mítico en su "Emperador Bonaparte", obra que hoy se conserva en la Pinacoteca de Brera
de Milán, en Italia.
_ En la pintura neoclásica, la temática fue la historia y la mitología; los pintores se inclinaron, además de temas por emotivos, por contenidos con fondo moralizador. En esta misma línea, el más reconocido fue Santiago Luis David, representante e impulsor de la pintura neoclásica francesa; en su pintura predominan la línea y el volumen sobre el color y el cuadro se concibe
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como un bajorrelieve pintado; los tonos fríos, casi carentes de modulación cromática, subrayan el efecto escultórico. Entre sus obras podemos citar al "Juramento de los Horacios", "Madame Récamier", "La coronación de Napoleón".
El continuador de Luis David fue el pintor Juan Augusto Domingo Ingres, que en Italia estudió la obra de Rafael, cuya influencia se manifiesta en el primer periodo de Ingres por el cuidadoso trazo en el dibujo, como se observa en el cuadro titulado "El Voto de Luis XIII"; pero donde Ingres alcanzó mayor dominio de la técnica y la composición clasicista fue en los desnudos "El baño turco" y "La odalisca". Al estudiar la pintura neoclásica no se puede dejar de mencionar al pintor español Francisco de Gaya y Lucientes, pues no obstante que algunos críticos sitúan su estilo dentro del Romanticismo, cronológicamente su obra inicial se ubica en el periodo neoclásico. Formado dentro del lenguaje barroco derivado de Luca Giordano e influido por los Bayeu, su punto de partida lo constituyen los trabajos que ejecutó para la Real fábrica de tapices de Santa Bárbara, para la que realizó cuarenta y tres cartones o diseños, entre 1776 y 1791. Estas obras corresponden a la fase Rococó de Goya, etapa en la que se desempeñó como académico y pintor de la corte de Carlos IV de España. En 1792, a causa de una grave enfermedad, quedó sordo, circunstancia que influyó radicalmente sobre su estilo pictórico, inclinándose por los temas oníricos y fantásticos, y haciendo severas críticas a la sociedad y la realidad política de su tiempo; magnífico testimonio de esto es la serie de grabados conocidos como "Los Caprichos", censurados por la Inquisición.
La invasión francesa a España en 1808 afectó profundamente la sensibilidad de Goya, quien inmortalizó los actos de heroísmo y desesperación del pueblo español en sus obras "La carga de los mamelucos", "Los fusilamientos del 3 de mayo" y "Los desastres de la guerra", representados con una fuerza expresiva lograda mediante una pincelada suelta y vigorosa y un color contrastante de negros y grises, cálidos e intensos. En la última etapa de su vida, Goya realizó las pinturas negras con las que decoró la Quinta del Sordo, y que hoy se encuentran en el Museo del Prado. Se trata de una sucesión de escenas de visiones fantásticas en las que dominan los temas de brujería. La obra de Goya fue de gran impacto para la pintura moderna y podemos encontrar su huella en varios estilos posteriores a su tiempo. Por su crítica aguda y el naturalismo enérgico que imprimió a su obra, puede situarse dentro del realismo. Por la realización suelta del trazo, la división de la pincelada y la yuxtaposición y contraste de colores, se ha considerado precursor del impresionismo. Las corrientes expresionista y surrealista, con su deformación de la realidad y sus visiones fantásticas, también denotan influencia de la obra de Goya.
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El segundo estilo es el Romanticismo, vigente aproximadamente durante treinta años, entre 1810 y 1840; fue una corriente artística en la que predominó la espontaneidad, la sensibilidad y el individualismo del artista.
Movimiento artístico y cultural de las primeras décadas del siglo XIX. Principales valores: amor a la libertad, exaltación del individualismo y defensa de los sentimientos. Nueva estética que rechaza todas las normas del arte clásico y propone una total libertad artística. Muchos artistas románticos se implicaron en las luchas liberales y nacionales de la época.
Los orígenes del Romanticismo son difusos; sin embargo, muchos historiadores opinan que el arte romántico gira en torno al Neoclasicismo, porque asume también, sin una progresión lineal propia, la complejidad de las ideas históricas abordadas con mayor sencillez en el arte neoclásico y comparte con éste, paradójicamente, una cierta orientación racionalista. No obstante, ambos estilos se diferencian en que el Neoclásico pretende expresar valores universales, mientras que el criterio fundamental del Arte romántico es la propia sensibilidad del artista. El Arte neoclásico está identificado con la razón, el Arte romántico con, los sentimientos y la pasión.
Con referencia a la Arquitectura, el romanticismo no creó un estilo propio; retomó estilos y formas de culturas y épocas diferentes, produciéndose un eclecticismo en donde elementos de distintos estilos se mezclan en un mismo edificio. Sobresalió la influencia de la Edad Media, y en este sentido los arquitectos prefirieron el estilo gótico por su mayor exaltación espiritual aunque también, según la inclinación particular de cada uno, se basaron en el románico y el bizantino, e incluso en las construcciones árabes e italianas renacentistas.
En Francia, un importante exponente del romanticismo neogótico fue el arquitecto Viollet-Le-Duc, restaurador de numerosos castillos y monumentos, como la "Catedral de Notre- Dame" de París. En Inglaterra, no se había abandonado del todo el estilo gótico en arquitectura, por lo que el neogótico constituyó una secuencia de corrientes anteriores; los arquitectos Charles Barry y Augusto Welby Pugin construyeron en Londres el "Parlamento de Westminster", entre 1840 y 1860.
En el último tercio del siglo XIX surgió el empleo del hierro, hecho fundamental que junto con el redescubrimiento del hormigón o concreto armado, dio inicio a la arquitectura moderna. "La torre Eiffel", realizada totalmente de hierro por Gustavo Eiffel e inaugurada en La Exposición Universal de 1889 en París, simboliza el triunfo del nuevo material que abrió el camino hacia la. Modernidad en la forma arquitectónica.
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En lo referente a la Escultura romántica, en el primer tercio del siglo XIX predominó la tendencia neoclásica. Entre los escultores más representativos del estilo romántico destaca Francoise Rude, quien tras la formación neoclásica de su juventud, adoptó la temática histórica propia del romanticismo, para representar de una manera alegórica escenas heroicas, como su obra en relieve "Partida de voluntarios", realizada en el Arco de Triunfo de París. Otro gran escultor de esta época fue lean Batista Carpeaux, que representó la corriente naturalista en sus obras, entre las que se encuentra el grupo de figuras titulado "La danza" en el Teatro de la Opera de París. La pintura romántica, que surgió en Europa hacia 1830, representó la afirmación de los valores emotivos negados por el neoclasicismo; a diferencia de éste, sus líneas son suaves y ondulantes, la composición es dinámica y el color es tenue y matizado. Se abandonan los temas clásicos para abordar los inspirados en la historia nacional, en el pasado medieval y en las culturas del Lejano Oriente. En la pintura francesa, uno de los primeros exponentes es Theodoro Gericault, cuyo romanticismo se manifiesta unas veces en composiciones dramáticas, como los retratos de ancianos y enfermos, y otras en escenas plenas de movimiento como las representaciones ecuestres. Una de sus obras cumbres es "La Balsa de la Medusa".
La figura principal de la escuela y pintor cumbre del romanticismo francés fue Eugene Delacroix, cuyo estilo se distingue por una predominancia del color al que da un sentido psicológico. Entre sus obras principales están: "La Matanza de Scio", homenaje al heroísmo del pueblo griego en su lucha por la independencia; "La entrada de los cruzados en Constantinopla", fragmento de la epopeya medieval; "La muerte de Sardanápalo" , estampa colorista, y "La libertad guiando al pueblo" , que encabeza este capítulo, himno a la revolución de 1830. En Inglaterra, los dos artistas más representativos del romanticismo fueron William Turner y John Constable. Ambos pintores se inclinan por el paisaje, representando los efectos de la evaporación de la atmósfera, de la luz solar y del movimiento. Su obra fue de gran influencia para los artistas impresionistas franceses, no obstante la negativa de éstos a reconocer tal influencia. El paisaje, abandonado por el neoclasicismo, significa la gran aportación del romanticismo. La exposición celebrada en París en 1824, que dio a conocer en Europa las obras de los paisajistas ingleses, fue punto de partida de la llamada Escuela de Barbizon, aldea del bosque de Fontainebleau, donde residieron grandes pintores y que da nombre a la escuela de paisajistas franceses. Uno de sus más grandes exponentes fue Camile Corot, quien, anticipándose al impresionismo, concibe el paisaje como una gradación de tonos y como una ordenación de valores cromáticos, basándose en la luz y la distancia. Su
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pintura se distingue por la luz velada y las bromas plateadas manifiestas en obras como "La Catedral de Chartres". La identificación del hombre con la naturaleza es un tema que aborda el pintor alemán Caspar David Friedrich. Las formas cerradas de su pintura y la aparente ausencia de pincelada reflejan una influencia de la tradición clásica. Mediante un conjunto de recursos compositivos y de un sutil tratamiento de la luz, su obra muestra una imagen individualizada de la vida, expresada a través de la alegoría del paisaje, características que se pueden observar en obras como "Salida de la Luna sobre el mar " o "Fraile capuchino junto al mar”.
El tercer estilo, el Realismo, que surgió a mediados del siglo XIX, marcó una nueva tendencia que imponía la vuelta a la naturaleza y a la realidad sociopolítica del momento. Cronológicamente abarca la segunda mitad del siglo XIX. Se interesan por conocer la realizad concreta de su época y describirla. Las causas del cambio artístico son variadas. Entre ellas destacan: el fracaso revolucionario y el avance de la industrialización y la ciencia. Intentan reflejar en sus cuadros una sociedad que para ellos es contradictoria. La corriente del Realismo fue en parte una reacción contra el "estilo correcto" de los Salones y contra la uniformidad de quienes seguían a los viejos maestros, y en parte una reacción a las visiones subjetivas de la naturaleza y a la fantasía exagerada del paisaje romántico, manifestando al mismo tiempo nuevos intereses en el marco de un enfoque racional, muy acorde con el positivismo. El fundamento de la representación realista del paisaje se encuentra en la escuela de Barbizonantes mencionada, pues tanto Corot como Teodoro Rousseau, exponentes de esa escuela, se dedicaron a explorar directa y constantemente las posibilidades de traducir en el cuadro todas las percepciones visuales que sugiere la naturaleza El acercamiento a la realidad no se produce solamente en el paisaje; ahora la pintura aborda temas de contenido social y se convierte en un medio de denuncia de la problemática de una época marcada por la industrialización. Uno de los iniciadores de este nuevo realismo, que retrata al ser humano -principalmente campesinos- en su trabajo cotidiano, es Jean Francoise Millet, pintor francés que utiliza en sus obras una luz difusa, una paleta clara y una composición escultórica de los volúmenes, como podemos observar en sus obras "Las espigadoras" y "El Ángelus".
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Es con Gustavo Courbet con quien la pintura adquiere definitivamente su carácter realista, pues logra sustraer el mundo de los hechos reales a la intervención embellecedora de la imaginación; pinta al ser humano y la naturaleza que lo rodea con gran crudeza, por lo que, en es- te sentido, es considerado como un pintor revolucionario. Los temas de Courbet supone un rechazo a la belleza arquetípica que aspiraba a la creación de un mundo ideal al margen de la vida real, lo que se traduce en la representación directa de cuanto rodea al mundo moderno de un modo científico, naturalista, anticlásico y antiacadémico, como el mismo pintor expresó en su Manifiesto Realista. Dentro de las obras de este artista podemos mencionar "Un entierro en Ornans", "El encuentro" y "El estudio del pintor". Otro personaje que puso de relieve las tendencias realistas en el siglo XIX es Honoré Daumier, cuya obra presenta la realidad política y social de Francia en un momento de crisis e inconformidad hacia los gobernantes. La fuerza que imprime a sus trazos; la carga profundamente expresiva, personal y distorsionante de las figuras, algunas de las cuales llega a caricaturizar; la cruda sátira de su sociedad; y la emoción de sus, obras alegóricas y religiosas, hacen de Daumier un artista comprometido con su sociedad y con su tiempo. Algunas de sus obras son "Vagón de tercera clase" y "La lavandera y su hijo". El Realismo trató de eliminar toda carga subjetiva que el pintor pudiera añadir a la imagen, e intentó que el ojo del artista actuara casi como una cámara fotográfica que sólo captara los objetos de la realidad tangible. La pintura fue convirtiéndose en una especie de apunte instantáneo de un fragmento de espacio y de un momento en el tiempo. Lectura
ESCULTURA Y REALISMO
Entre los escultores de la época realista, quien más destaca es Auguste Rodin (1840-1917), cuya producción despierta controversia severa. Desde su primera gran obra, La Edad de Bronce (1877), provocó un gran debate motivado por su intenso realismo. Algunos críticos acusaron al artista de haber realizado la escultura sobre un propio modelo vivo. Más tarde, una segunda escultura, Predicación de San Juan Bautista (1879), revelaría la principal característica de su arte: el establecimiento de los gestos humanos. Ese mismo objetivo se reflejaría en su obra El Pensador, probablemente la obra más conocida del autor. En cuanto a los retratos, Rodin no fue siempre fiel a la preocupación natural para reproducir los rasgos faciales de su modelo. La escultura que hizo
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de Balzac, por ejemplo, llegó a ser lo rechazada por la Sociedad de los Hombres de Letras de París por no existir semejanza física entre la obra y el retratado. Lo que Rodin pretendía fue privilegiar, a su estilo, el carácter vigoroso que la personalidad del escritor le sugería, lo que llevaría a una rígida controversia. De hecho, incluso la clasificación de la obra de Rodin lo más realista es controversial. Algunos críticos lo consideran romántico debido a la fuerte emoción que traducen sus obras. Todavía hay quienes ven la escultura de Rodin características del impresionismo, un movimiento al que fue contemporáneo y que revolucionó, en la época, a la pintura europea. El Escultor más importante de fines de siglo XIX, no sólo en Francia, su país de origen, sino en toda Europa, fue Auguste Rodin. Artista versátil e innovador, formado en el aprendizaje de las artes industriales y decorativas, logró un pleno reconocimiento a su obra hasta principios del siglo XX. Su arte realista-impresionista se preocupa por captar la expresión fugaz del momento; las figuras de Rodin parecen surgir del material, quedando las superficies a medio desbastar, con lo que la escultura adquirió la calidad del boceto que los pintores impresionistas sugirieron en sus cuadros. Entre las obras de Rodin destacan: "El pensador", "Las puertas del infierno" y el dramático grupo de "Los ciudadanos de Calais". Arquitectura y Realismo La arquitectura realista trataba de adaptarse al nuevo contexto social. Con tendencia a volverse realista o científica, la arquitectura e ingeniería buscan responder a las nuevas necesidades urbanas generadas por el proceso de industrialización. Las ciudades no exigen de ricos palacios y templos. Ellas necesitan de nuevos edificios con funciones específicas, como fábricas, almacenes, estaciones ferroviarias, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y hoteles, ya fuera para los propios trabajadores como para la nueva burguesía.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N°12
Título: Antecedente del siglo XIX.
Objetivo: Identificar la belleza y la pureza de líneas.
Saberes a reforzar: El arte del Siglo XIX.
Estrategia metodológica:
Arte Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo.
Registra los movimientos artísticos Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo.
Aprecia el arte del siglo XIX.
Identifica los movimientos del arte en el siglo VIII y XIX.
3.4 Siglo XIX
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Actividad
De acuerdo al contenido teórico explica el manejo de la luz, el color y la forma
de la obra de Caspar David Friedirech, seguidamente argumenta por qué la
pintura del Romanticismo se inclina por las representaciones históricas o de
paisajes.
“Luna saliendo sobre el mar”
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El arte del Siglo XIX
IMPRESIONISMO
La primera corriente del Arte moderno que, rompe definitivamente con el academicismo todavía presente en la segunda mitad del siglo XIX es el Impresionismo, movimiento artístico al que se considera revolucionario tanto por la técnica empleada como por la manera de representar los efectos de luz y color. Esta corriente influyó en dos movimientos pictóricos posteriores: el Neoimpresionismo y el Post- impresionismo.
En el último tercio del siglo XIX surgió en Francia una nueva forma pictórica de representar los objetos de la realidad, cuya influencia fue determinante tanto sobre el arte oficial como en el de vanguardia del momento. El impresionismo, cuyo nombre se adoptó a partir de un cuadro de Claude Monet titulado Impression, Soliellel vant (Impresión, sol naciente) expuesto en París en 1874, resumía los sentimientos y convicciones de un numeroso grupo de jóvenes artistas que rechazaban la pintura de la Academia y descartaban los temas históricos, religiosos y heroicos, con los que no se sentían identificados. Esta corriente produjo diversas reacciones; mientras para algunos resultó novedoso y excitante, otros lo consideraban profundamente ofensivo.
En sus orígenes, el Impresionismo tomó algunos elementos de otros estilos, teorías y técnicas, tales como: la pintura inglesa de Turner y Constable, la estampa japonesa, el arte de Watteau y de Claude Lorrain, el nacimiento de la fotografía, las teorías del color y de la percepción del ojo y los descubrimientos en el campo de la óptica. Esta corriente, que perduró hasta la década de los años ochenta del siglo XIX, se distinguió por su afán de captar la realidad en cambio continua, tal como se ofrece a la mirada del espectador en un momento determinado. Los pintores impresionistas pretendieron trasladar al lienzo su impresión particular de los objetos reales envueltos por la atmósfera que los rodea. No se interesaban en pintar las cosas tal como son, sino como se perciben, en continuo movimiento; tampoco buscaban dibujar los cuerpos físicos, sino el efecto de la luz sobre los mismos. Es decir, no son las cosas el punto de interés del pintor sino su apariencia y la apariencia no ofrece formas y colores en sí, sino transitorias masas de color creadas por la luz y sus reflejos.
Las reglas principales de la pintura impresionista, según Claude Monet, son: a) Pintar al aire libre, abandonando el taller.
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b) Captar el "momento que huye", esto es, el efecto de la luz sobre los objetos en un instante preciso, dado que las cosas y los objetos no tienen color y una forma precisas, sino que todo varía según la luz del día y la hora, y según el reflejo que reciben de otros objetos cercanos.
c) Por consiguiente hay que pintar rápidamente, aunque el dibujo resulte pobre y se pierda la cohesión de los objetos. d) Eliminar todo simbolismo o significación moral. e) Estudiar atentamente la luz natural y las sombras coloreadas por los reflejos. t) Evitar la luz demasiado brillante o demasiado opaca. g) Usar los colores puros, aplicados con técnica rápida y nerviosa, con pinceladas yuxtapuestas. h) Nunca mezclar los colores en la paleta, sino utilizar los dos colores que producen un tercer color. i) Abolición del negro. Las sombras se pintan del color complementario al del objeto que produce dicha sombra.
Los principales exponentes impresionistas fueron Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Henri de Toulouse- Lautrec, Camile Pissarro. Con el paso del tiempo, el impresionismo se orientó hacia nuevas formas, como la del "puntillismo", representado por Alfred Sisly y George Seurat, y tuvo sus últimas manifestaciones en la obra de tres reconocidos pintores: Vincent Van Gogh, Paul Cézanne y Paul Gauguin. Edouard Manet se formó en la escuela realista, como se puede observar en su obra de la primera época, "Almuerzo Campestre"; sólo adoptó algunos rasgos impresionistas en los últimos años de su vida, después de conocer en España la obra de Velázquez y de Gaya, que ejercieron sobre él una influencia decisiva. En esta época realizó "El fusilamiento de Maximiliano", pintura inspirada en "Los fusilamientos del 3 de mayo" de Goya, entrando en una fase impresionista con los cuadros compuestos a base de masas de colores, como el "Bar de Follies-Bergere".
Claude Monet estableció las bases técnicas del impresionismo; su obra se distingue por representar paisajes luminosos y figuras al aire libre, en las que realiza estudios de las variaciones de la luz en diferentes momentos del día y en distintas estaciones del año, para captar diferentes efectos cromáticos como en las series de cuadros "La estación San Lázaro" y "La Catedral de Rouen". Monet fue el único pintor que siguió fielmente los principios del impresionismo hasta sus últimas obras. Auguste Renoir se caracterizó por una pintura de gran vitalidad y variedad, así como por la captación del juego de luces y sombras provocado por los efectos del sol sobre los objetos. En su obra destacan los paisajes, las escenas de grupos y, de forma particular, se interesó por el desnudo femenino, realizado
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bajo la influencia de la pintura de Rubens. Entre algunas de las obras de Renoir están: "El columpió", "Las bañistas" y "El Molino de la Galette".
A finales del siglo XIX, muchos pintores que habían incursionado en el impresionismo emprendieron nuevos caminos y proporcionaron formas distintas de representar la realidad. Algunos se inclinaron por otras temáticas diferentes del paisaje característico del impresionismo de Monet, o bien se orientaron por caminos vanguardistas como es el caso de las obras de Cézanne y Guaguin, iniciadores del movimiento artístico denominado Postimpresionismo. Escultura del Impresionismo: sí se manifestó en la escultura y a fines del S.XIX destacó Augusta Rodin, seguramente el pintor más importante del siglo. Supo combinar la herencia clásica con los nuevos hallazgos estilísticos. En lugar de copiar la realidad quiso transmitir sentimientos y pasiones. Conoce la obra de Miguel Ángel y sus obras tienen cierto paralelismo. Sus características son: - La fuerza colosalista. - La rugosidad de las superficies, que como la de Miguel Ángel ganó el apelativo de obra “inacabada. Esto le da una gran fuerza expresiva, sugerir más vitalidad y potenciar los efectos de luz y trasladar el Impresionismo a la escultura. - Multiplicidad de planos. Su obra fundamental que no llegó a realizar son Las Puerta de Infierno, que incluía 186 de las que formaría parte “El Pensador” su obra maestra y “El beso” ARQUITECTURA
En 1ª mitad de siglo se inspiraba en modelos históricos, el neoclásico, y por influencia del romanticismo aparecen los estilos neogóticos, neorrománicos, etc. Todos estos estilos se engloban dentro del “Historicismo”.
Arquitectura del hierro y cemento:
Como consecuencia de la Revolución industrial la arquitectura de la 2ª mitad del s.XIX sufre una profunda renovación. Los factores son:
- La aparición de nuevos materiales como el hierro, el acero, el hormigón y el vidrio, así como la aparición de la electricidad. - Las industrias, comunicaciones y nuevas ciudades tenían necesidad de edificios y construcciones (puentes, fábricas, estaciones de ferrocarril almacenes, etc. funcionales, espaciosos, rápidos y baratos de construir. La aplicación del hierro se intensificó en el último tercio del s. XIX. El hierro permite amplios espacios, importantes para los nuevos establecimientos que necesita la sociedad industrial. En su construcción intervienen ingenieros y
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arquitectos, así la arquitectura del hierro inaugura una nueva época, en la que la tecnología y arte van de la para producir edificios funcionales y estéticos. Uno de los ejemplos más significativos es la Torre que el ingeniero Gustave Eiffe levantó para la Exposición de 1889 en París que se convirtió en el edificio más alto del mundo y símbolo de la modernidad. En Estados Unidos, los arquitectos de la Escuela de Chicago levantaron los primeros rascacielos.
Neoimpreslonismo
El principal exponente del Neoimpresionismo fue el pintor francés George Seurat, quien abandonó los principios del impresionismo para buscar nuevos campos de aplicación de las teorías de color. Sus investigaciones sobre el uso del color se inspiraron en los resultados de investigaciones científicas realizadas por físicos como Chevreul y Ogden Rood, creadores de nuevas teorías sobre la armonía de los colores, la fisiología del ojo humano y sobre la psicología de la percepción.
La reformulación racional hecha por Seurat sobre el impresionismo se
basaba en la convicción de que, en la recomposición que efectúa la visión humana de la realidad, los colores son más intensos que los mezclados por el pintor en la paleta; por lo tanto, basándose en criterios rigurosamente científicos, comenzó a aplicar en el lienzo los colores primarios a base de pequeños puntos, yuxtaponiendo los colores complementarios (por ejemplo el naranja con el azul o el rojo con el verde) con el propósito de intensificar su efecto. Entre sus obras destacan: "Tarde de domingo en la isla de la Grand Jatte" y "El circo".
Seurat fue imitado muy pronto por otros pintores como Sisly, Signac y Pissarro; esta corriente fue definida por los historiadores del arte con los términos de "Neoimpresionismo", "Divisionismo" o "Puntillismo"
. Postimpresionismo
El término de "Postimpresionismo" fue acuñado por Robert Fry para una exposición que tuvo lugar en la Galeria Grafton de Londres en 1910, en la que se exponían sobre todo obras de Van Gogh, Gauguin y Cézanne. Si analizamos las obras de estos pintores, llegaremos a la conclusión de que tenían muy poco en común, pero su trabajo surgió como una reacción frente al objetivismo visual del impresionismo y del neoimpresionismo. Los pintores más representativos del Postimpresionismo, cuya obra los convertiría en precursores de algunas corrientes artísticas del siglo xx son Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh.
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Cézanne condujo la pintura a una estructuración geométrica y estática de lit naturaleza y de las cosas, mediante el estudio de cómo los recursos de representación tridimensional pueden ser plasmados sobre la superficie plana de la tela. Al modular las tonalidades cromáticas obtuvo un efecto de profundidad y, al aplicar el color en masas compactas, creó imágenes tan libres que casi llegan a disolverse en un mosaico de colores. Además, a través de la bidimensionalidad pictórica que utilizó, sentó las bases para la aparición del cubismo. Entre sus obras están "Manzanas y naranjas", "Los bañistas", "Puente sobre el estanque" y "El florero azul" que da entrada a este capítulo.
Paul Gauguin abandonó paulatinamente toda pretensión del naturalismo, y desarrolló un estilo bidimensional en el que es evidente la influencia de las tintas planas y los contornos muy marcados, característicos de la estampa japonesa y de los vitrales medievales. Empleaba el color no tanto por sus cualidades descriptivas como por sus connotaciones emotivas. Al aproximarse Gauguin aun simbolismo casi abstracto, al parecer no intentaba plasmar experiencias visuales, sino traducir imágenes mentales, tendencia que daría lugar al movimiento Simbolista, en el que se enfrentan las fuerzas del bien y del mal. Gauguin encontró la más fuerte inspiración para su pintura en las islas del Pacífico, así como en los mitos y tradiciones de los indígenas de Tahití, lugar en donde vivió varios años de su vida. Destacan entre sus obras "Visión después del sermón", "El Cristo amarillo", "Muchachas tahitianas" y " Arearea". Vincent van Gogh inició sus trabajos como pintor en su natal Holanda. Al llegar a París en 1886, año de la última exposición impresionista, se produjo un cambio drástico en su estilo; abandonando la atmósfera lúgubre y las tonalidades oscuras de sus primeras obras, Van Gogh adoptó el colorido brillante de los impresionistas, para abordar más tarde el enfoque científico de los neoimpresionistas. No usaba el color con fines descriptivos, como los.impresionistas, sino más bien con fines expresivos, comunicando toda una problemática psicológica, a base de colores brillantes y líneas ondulantes, características que lo convierten en precursor del Expresionismo. Destacan entre sus obras "Los girasoles" "Mi cuarto en Arlés" "La noche o, , estrellada" y la serie de autorretratos.
El Fauvismo es un movimiento artístico surgido en Francia cuya época de apogeo se puede situar entre 1905 y 1907. El término se debe al crítico francés Louis Vauxcelles, quien denominó esta pintura como "fauve", fiera en francés. Se pueden establecer los primeros antecedentes del Fauvismo hacia finales de siglo XIX, particularmente en la obra de Paul Gauguin. Este movimiento se reduce casi exclusivamente a la pintura, aunque algunos autores también hablan de una música fauvista. El cuadro inaugural del movimiento fauvista expuesto en
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1905 es "Lujo, calma y voluptuosidad", de Henri Matisse, quien se convirtió en líder del grupo de pintores "fauve" entre los cuales se encuentran Raoul Dufy , Albert Marquet, André Derain y Roger de Vlaminck, junto con Cornelius van Dongen, Oton Friesz y Georges Braque, quienes también tuvieron su faceta fauvista.
La pintura fauvista emplea exclusivamente el color como elemento base de la obra; se trata de un color fuerte, violente, agresivo, "fiero". El espacio, las formas y el volumen, se crean a través del color, el cual es arbitrario y se aplica de una manera no real; por ejemplo, las caras de las personas representadas pueden ser verdes, azules o amarillas; las tintas son planas y se suprimen las sombras, dándose el modelado de las formas mediante el empleo del color. Algunas veces los colores son encerrados en trazos gruesos, negros o muy oscuros, técnica que se ha denominado cloisonnismo. En cuanto a la perspectiva, se tiende menos ala .tridimensionalidad y se busca el escalonamiento y superposición de planos. Estas características de la Pintura fauvista se manifiestan en las obras de Matisse como el "Gran interior rojo", "Retrato de Margarita leyendo" y "L ' Algerienne". Por lo que se refiere al contenido, no se le da importancia a los temas, pues aunque s~ tiende hacia el paisaje o el retrato, no se busca la observación psicológica ni se intenta captar los modelos naturales. Sólo se persigue la exaltación del colorido lo más viva y "fieramente" posible; el color fuerte y llamativo es la meta del cuadro. En cuanto a las posibles conexiones con otros estilos artísticos, el fauvismo podría situarse dentro de la línea expresionista, no obstante, solamente tiene en común con ella el uso violento del color, pero el expresionismo lleva consigo una intensa carga emotiva y social que el fauvismo ni busca ni pretende. Ambos estilos están relacionados únicamente por el uso y el abuso del color. Algunos historiadores de arte observan en los trazos fuertes en que se encierran las masas de color, una cierta herencia de Paul Gauguin en el empleo del "cloisonnismo" .También se ha hecho referencia de influencias puntillistas, pero sin buscar en la pintura fauvista el efecto de la luz y el color de los neoimpresionistas. Aunque la época de apogeo del fauvismo fue realmente corta, tiene mucha importancia en el desarrollo de la pintura de principios de siglo, a pesar de que algunos artistas se apartaron de la línea inicial y pasaron a ser figuras destacadas de otros movimientos, como Braque del Cubismo o Friesz y Van Dongen del Expresionismo
El Expresionismo A principios del siglo xx, el término Expresionismo era utilizado para referirse, indistintamente, a cualquier tendencia de vanguardia. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras
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con temas sobre estados mentales, representados con fuerza tal que se distorsiona la apariencia normal de las cosas y las personas. Las obras expresionistas muestran una inspiración violenta, espontánea, rebelde y apasionada, característica de muchos artistas nórdicos. Finalmente se designó como Expresionismo, ya de un modo preciso, la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincent Van Gogh, James Ensor y Edvard Munch, como una expresión de la interioridad de la conciencia, de estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el cual permanecen la angustia y el simbolismo.
El pintor noruego Edvard Munch fue la personalidad más influyente en el inicio
del movimiento expresionista alemán. Formado en el academicismo, se vio influido por la obra de Daumier, Van Gogh y Gauguin. La pintura de Munch rechazó los temas neutrales del impresionismo para entregarse a la expresión de estados de ánimo subjetivos, con frecuencia morbosos, que tienen como finalidad explorar el mundo interior de la conciencia humana. Sus temas fueron casi siempre la enfermedad, el alcoholismo, la soledad de la adolescencia y de la vejez, la ansiedad, la decepción y la angustia, temáticas que agrupó bajo el título de "El Friso de la Vida". Las características fundamentales de su obra son el uso de grandes masas, el predominio de la línea, el contraste violento de colores y la expresividad extrema de rostros y actitudes, evidentes en obras como "El grito", "La muerte en la habitación" y "Al día siguiente".
Escultura El Romanticismo y el Realismo afectan menos a la escultura. La renovación de estilos es menor. Durante el romanticismo las escultura expresa movimiento y sentimientos. La temática es patriótica Destaca el escultor francés Francois Rude
Arquitectura En la primera mitad de siglo destaca el historicismo: la arquitectura se inspira en modelos históricos de distintos estilos: neoclásico, neogótico, neorománico. A mediados del siglo XIX la arquitectura se renueva totalmente con:
La aparición de nuevos materiales: hierro, acero, hormigón, vidrio.
La necesidad de construir edificios más prácticos, espaciosos,
funcionales (aparecen los primeros rascacielos).
Arte y TécnicaEl Hierro permitía cubrir grandes y amplios espacios y emplear menos soportes. En la construcción de los edificios comienzan intervenir ingenieros y arquitectos. ¿Pueden unas construcciones tan técnicas convertirse en obras de arte? A partir de este siglo, TÉCNICA Y ARTE van de la mano para producir edificios que pueden ser a la vez funcionales y estéticos.
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EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N°13
Título: El arte moderno
Objetivo: Identificar la técnica empleada y manera de representar los efectos de luz y color.
Saberes a reforzar: El arte del Siglo XIX Estrategia metodológica:
Arte Impresionismo, Neoimpresionismo y Posimpresionismo.
Registra los movimientos artísticos Impresionismo, Neoimpresionismo y Posimpresionismo
Aprecia el arte moderno
Identifica los movimientos del arte en el siglo XIX.
Ejercicio: A partir de las reglas que Claude Monet aplicó en las obras impresionistas, dibuja, algún pasaje de tu vida en la escuela. Para ello puedes utilizar cualquier tipo de material que tengas a la mano y cualquier técnica pictórica.
3.4 Siglo XIX
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Lectura
EL CUBISMO Las retrospectivas de dos de los principales representantes de la vanguardia del siglo XX. Paul Gauguin y Paul Cézanne, realizadas en 1906 y 1907 respectivamente, ofrecieron a la investigación artística nuevas fuentes de estimulo, e inspiración, especialmente la moda primitivista que, bastante difundida entre los grupos artísticos de vanguardia, impulsó a pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso a estudiar las colecciones etnográficas de los museos de París, e incluso a reunir ellos mismos colecciones de máscaras y otros objetos primitivos procedentes de África, o de las islas del Pacifico. En esta atmósfera estimulante y creativa fue donde Picasso realizó la que generalmente se define como la primera pintura cubista, "La Señoritas de Avignon" (1907). En esta pintura las figuras femeninas se reducen a forma geométricas elementales, mientras que para representar sus caras Picasso se inspira en Ia escultura ibérica primitiva y en las máscaras africanas. La descomposición de los distintos elementos del cuerpo humano sobre la superficie de la tela refleja un concepto absolutamente original de la representación pictórica. ' Entre 1908 y 1914 Picasso y el pintor francés Georges Braque trabajaron en estrecha colaboración, realizando naturalezas muertas y retratos en los que, poco a poco, se fueron definiendo las características distintivas del Cubismo. Modificando de raíz la relación que tradicionalmente existía entre el mundo tridimensional de la realidad y su representación sobre la superficie de la tela, el Cubismo rechaza la ilusión del espacio como elemento necesario de la imaginación pictórica. Sin embargo, Picasso y Braque no supieron o no quisieron explicar al público el significado profundo de su invención. Racionalmente frío, resultado de una actitud elitista y en el fondo reaccionaria, la pintura cubista se dirigió de fonna deliberada aun público de iniciados o con una cierta preparación suficiente para comprender las intenciones implícitas en la pintura de Picasso y Braque. El método para representar el volumen y el espacio utilizado por Cézanne, consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico
ARTE EN EL SIGLO XX
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de colores en el que el espacio queda como solidificado, constituye la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales dentro de la superficie plana de la tela. A diferencia de los fauves, Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color, desarrollando imágenes casi monocromas. Esta primera etapa del cubismo se encuentra bajo la influencia de Cézanne y comprende el lapso entre 1907 y 1909.
Hacia 1910, las representaciones hechas por Picasso y Braque se habían segmentado en una serie de fragmentos que prescinden completamente de la tridimensionalidad del motivo representado ahora como si estuviera paralelo al plano de la imagen. En esta segunda fase del cubismo (denominada Cubismo analítico por el pintor español Juan Gris) la imagen ya no es representación, expresión o símbolo de la naturaleza muerta o de la persona, sino un tema válido por sí mismo. Algunas obras son: "La fábrica de Horta de Ebro" y "Naturaleza muerta con periódico" realizadas por Picasso, y "Paisaje de l' Estaque" y "El portugués", de Braque. Al llegar al umbral de la abstracción en 1913, Picasso y Braque se retractan, conscientes de que el cubismo analítico presentaba ciertos inconvenientes; uno de los principales era la pérdida de la homogeneidad y de la densidad del objeto, de ahí el riesgo de afectar a la identidad del mismo. Para resolver esta problemática, Picasso y Braque subrayaron la relación entre la imagen y el mundo mediante la inclusión en sus obras de sobres estampados y, más adelante, con objetos reales como páginas de periódico, partituras musicales, hojas de papel pintado e incluso galletas; las obras de este tipo ya no se definen como pinturas sino como cuadros-objeto. A esta tercera fase, denominada Cubismo sintético, pertenecen "Naturaleza muerta con una botella de marrasquino" y Naturaleza muerta con violín" de Picasso, y "Guitarra y clarinete", realizada por Braque. Las posiciones radicales asumidas por Picasso y Braque ejercieron una enorme influencia sobre. las nuevas generaciones de pintores. El término cubismo fue utilizado por primera vez con referencia a la exposición parisina (1911) de un grupo de artistas que se inspiraron en Picasso y en Braque. Sin embargo, ambos iniciadores se mantuvieron siempre apartados, sin participar en ninguna de las muestras cubistas que contribuyeron a divulgar el nuevo estilo por Europa. Otros pintores cubistas como Robert Delaunay, Fernand Léger y Marcel Duchamp, desarrollaron importantes investigaciones sobre el empleo del color, intentando suscitar en sus obras lo que el crítico Guillaume Apollinaire definió como "un puro placer estético". El mismo Apollinaire acuñó para este movimiento el término de Orfismo basándose en el trasfondo musical y poético de las obras realizadas por esos pintores. Sus factores clave son la pintura pura utilizando tan sólo el color y la luz, sin necesidad de crear formas objetivas
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o coherentes. Estas características del Orfismo constituyen la base de la Abstracción
El Dadaismo
La Primera Guerra Mundial (1914-1918) provocó una enorme crisis política, económica, social e ideológica en los países que participaron en ella. En el plano del arte, este conflicto bélico modificó a tal grado la visión del mundo y de la sociedad que tenían los artistas europeos, que buscaron romper con lo establecido adoptando una posición de rebeldía que llevó al surgimiento de un nuevo movimiento artístico, el Dadaísmo, el que a su vez dio origen a otra corriente conocida como Surrealismo. Durante la Primera guerra mundial, en 1916, un grupo de escritores y artistas europeos, inconformes con la situación política y social de sus países que obstaculizaba su tarea artística, lanzaron agudas críticas contra la sociedad de su tiempo, que por haber sido capaz de producir aquella devastadora guerra era por tanto una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura, en severa crisis, deberían destruirse totalmente. Con base en estas ideas fue creado el Dadaísmo, término derivado del vocablo "Dada" que aquellos intelectuales eligieron para autonombrarse y que se ha traducido generalmente como "caballito de cartón", significado cercano a una expresión francesa usada por el lenguaje infantil.
El Dadaísmo fue una actitud más que un estilo, un movimiento internacional literario y artístico desarrollado entre los años 1915 y 1922 fundado por el pintor Hans Arp, el poeta Tristan Tzara y otros escritores, que solían reunirse en el Café Voltaires de Zürich, Suiza, en donde los dadaístas presentaron por primera vez espectáculos estrafalarios de música y danza. Casi de manera simultánea, Marcel Duchamp, Man Ray y Francis Picabia fundaron en Nueva York un grupo similar y posteriormente, en 1918, los dos grupos se reunieron en Lausanne, Suiza, y publicaron el "Manifiesto Dadaísta", escrito en el cual los
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integrantes de este movimiento expusieron su visión del mundo y las características de la nueva corriente. En toda actividad dadaísta debía verse un acto de provocación. Sus exponentes buscaban destruir el arte establecido, recurriendo a diversas estrategias; se burlaban de los objetos artísticos que habían sido venerados durante siglos y tomaban objetos de uso cotidiano como botellas, ruedas de bicicleta, lavabos, etc., presentándolos como objetos artísticos. La obra de Marcel Duchamp se puede considerar como auténtica precursora del dadaísmo. Sus ready mades u objetos ya fabricados, comenzaron a revolucionar el mundo artístico en 1913, fecha en que el artista francés presentó su famosa "Rueda de bicicleta". Esta obra consistía en una rueda extraída de su contexto, la bicicleta, y colocada en posición invertida sobre un taburete blanco. La descontextualización de un objeto implica la revisión del mismo, tanto a nivel formal como contextual, surgiendo así la posibilidad de dotarlo de nuevos y múltiples significados, por lo que el ready made supuso una verdadera revolución en el terreno artístico. Duchamp afirmaba que el arte establecido ya no significaba nada, que la casualidad tenía mucho más significado y más sentido que el arte de una sociedad decadente. Hans Arp hizo un "collage aleatorio": esparciendo sobre el cuadro trozos de papel para obtener así un resultado accidental, proceso éste muy diferente del de los collages cubistas de años anteriores. Por su parte, el pintor Kurt Schwiters realizó collages con materiales de desecho a los que llamó "Merz". El Dadaísmo consiguió provocar el escándalo, pero en el aspecto positivo, y como muchos de los demás movimientos, logró que el espectador observara las imágenes de una manera distinta. Las pinturas y los objetos Dada obligaban a poner en tela de juicio las realidades aceptadas ya reconocer el papel del azar y la imaginación.
EL SURREALISMO Surgió tanto de la pintura metafísica de Giorgio de Chirico (pintor italiano de principios de siglo), que se inspiraba en la imaginación y en los sueños, como del Dada con su insistencia en la ordenación casual de los objetos. Al surrealismo le interesaba más explorar e ilustrar la mente inconsciente que destruir el arte establecido, como había intentado el dadaísmo. Los surrealistas decidieron que el punto de vista racional y científico había ocupado demasiado tiempo un primer plano; querían liberar la imaginación y que el espectador tomara conciencia de su aspecto poético más que de su aspecto científico. El Surrealismo, que comenzó en 1924 y continuó durante la década de 1930, fue llamado así por el crítico Apollinaire, quien en 1917 dio el nombre de "Surrealista" a una obra de teatro que mostraba esta tendencia. El escritor
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francés, André Breton organizó el movimiento y presentó sus teorías, basadas en el estudio de la obra de Sigmund Freud sobre el funcionamiento de la mente inconsciente y la interpretación de los sueños. Las raíces del surrealismo se remontan a principios del siglo XX, cuando el inconsciente era motivo de muchos estudios. En este contexto, La vanguardia literaria y pictórica se interesó por analizar la obra del pintor Hieronymus Bosch (siglo XV), quien tradujo en símbolos estrujantes, tanto tradicionales como creados por su imaginación, los más profundos deseos y temores del hombre medieval. El Hosco expuso en su época lo que Freud mostraría siglos después de un modo científico: que el símbolo puede constituir el vínculo entre el consciente y el inconsciente.
El concepto fundamental del surrealismo es el automatismo, basado en una especie de dictado mágico, proveniente del inconsciente, gracias al cual surgen poemas, ensayos y obras en prosa, dentro de la vertiente literaria, y los pintores y escultores aplicaron el mismo método para realizar sus composiciones. No obstante, en las obras de carácter plástico surrealista se advierten dos tipos bien diferenciados: algunos artistas prefieren orientar sus obras a la aplicación de automatismo puro, dejando que fluyan del inconsciente las imágenes, mientras que otros siguen una vía ligada al onirismo, es decir, recurren a la representación de imágenes de los sueños.
Entre los primeros destaca André Mason, quien realizaba dibujos de carácter automático, a pluma sobre papel, desarrollando composiciones abstractas, dotadas de gran agilidad y dinamismo que expresaban un estado anímico de gran euforia como lo demuestra en su obra "El laberinto". También en esta misma línea de automatismo se encuentra la pintura del artista catalán Joan Miró. El arte de Miró se caracterizó siempre por mantenerse fiel al lenguaje de los signos, así como por la marcada preferencia por los colores vivos y puros., sobre todo primarios y secundarios, aunque en algunos casos también empleó
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los neutros, como lo podemos observar en algunas de sus obras como "Interior holandés", "'La corrida de toros" y "El oro del azul del cielo". La Pintura surrealista que recurre a la vía onírica está representada por artistas como el belga René Magritte y el español Salvador Dalí. La obra "Los amantes" de René Magritte, que da entrada a este capítulo, es un ejemplo de lo anterior. Tanto Magritte como Dalí se especializaron en pintar composiciones figurativas, apegándose a las normas tradicionales de representación perspectiva, con objeto de lograr figuras sumamente impactantes. Algunas obras de Dalí son "La vejez de Guillermo Tell", "Mae West" y "La persistencia de la memoria".
Otro artista surrealista, en cuya obra no se puede distinguir de manera clara a cuál de las dos vías corresponde, es Max Emst. La aportación personal de este artista de origen alemán reside en haber introducido el collage a la pintura surrealista, y haber inventado el "frottage", consistente en colocar bajo el soporte sobre el que había de pintar elementos de texturas gruesas diferentes, con la finalidad de que al frotar sobre ellos quedase su trama visible en el soporte, y así, sacar a la luz imágenes sumergidas en el material. Dos obras de Ernst son "La alegría de vivir" y "La ninfa Eco". En México, el surrealismo está representado por Frida Kahlo, Leonora Carrington y Remedios Varo, cuyas pinturas han dejado una profunda huella en las nuevas generaciones de pintores en México, de los cuales se hablará en el apartado de arte mexicano del siglo XIX y XX.
EL EXPRESIONISMO ALEMÁN, Cuyas bases se, encuentran en la obra de Munch, se desarrolló en Dresde a partir de 1905 con el grupo Die Brücke, en español "El Puente", porque sus fundadores querían vincular el arte alemán del , pasado con el del futuro; iniciaron el movimiento cuatro estudiantes de arquitectura: Ernst-Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt Rottluf, quienes se dedicaron a la pintura, litografía y grabado en madera, porque con estas técnicas podían expresar con mayor plenitud sus sentimientos, a la vez que se rescataba al grabado que se había utilizado en Alemania mucho tiempo atrás. Los artistas de "El Puente" abordaron diversas temáticas relacionadas con la sociedad y la política de su tiempo, empleando colores violentos y sintetizando las formas en sus obras; trabajaban con un sentido de urgente creatividad, con mucha prisa para dejar listo el cuadro. Utilizaban el tema del cuadro para comunicar sus sentimientos intensos y no dudaban en deformarlo hasta que
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conseguían el efecto deseado. En este aspecto eran parecidos a los artistas fauvistas, pero se negaban a reconocer ninguna influencia. Sus pinturas se parecen también a la obra de los cubistas en el hecho de tener muy poco fondo o perspectiva.
En 1910 el pintor ruso Wassily Kandinsky se unió a algunos pintores de Die Brücke para formar un nuevo movimiento denominado Der Blaue Reiter, en español, El Jinete Azul. Este segundo movimiento del Expresionismo alemán se hizo pronto internacional, porque en 1910 los movimientos del nuevo arte se difundían rápidamente por Europa. Los artistas del Blaue Reiter estaban en contacto con los cubistas y futuristas y conocían lo que se estaba haciendo en otras partes de Europa; tenían su propia publicación, Der Blaue Reiter, en la cual Kandinsk, Franz Marc y Paul Klee escribieron extensamente sobre el proceso que los llevó a pintar en su estilo propio. El Jinete Azul aportó las bases para la abstracción apoyándose en la sensación producida por el color, las líneas y las figuras geométricas relacionadas con la música. Se añaden a estos dos grupos de expresionistas alemanes los artistas independientes como Kokoschka, Beckmann y Grosz. Los pintores expresionistas alemanes fueron objeto de percusiones y prohibiciones por parte de los nazis durante la década de los 30 y 40, los cuales los clasificaron como artistas degenerados; sus obras fueron destruidas y muchos de ellos tuvieron que huir al exilio. En Francia, el expresionismo no fue nunca un movimiento coherente, sino un estado de ánimo común entre algunos pintores que trabajaban en forma aislada: Rouault, Gruber, Gromaire, Chagall y Soutine. En Italia, el expresionismo dio un pintor genial y singular, Modigliani. En España han existido pintores que, partiendo de bases culturales diferentes, se han aproximado al expresionismo: Picasso en algunas de sus etapas, Isidre Nonell, José Gutiérrez Solana y Rafael Zabaleta. En México, un gran pintor muralista considerado dentro del expresionismo fue Diego Rivera. Reapareció el expresionismo tras la Segunda Guerra Mundial, adoptando formas abstractas, en la Escuela de Nueva York, cuyos representantes fueron: Pollock, Kline, Gorky, De Koonig y otros más. Este movimiento en ese entonces recibió el nombre de Expresionismo Abstracto
EL FUTURISMO El término futurismo se encuentra por primera vez aplicado al arte en un manifiesto del poeta italiano Marinetti, que pretendía iniciar un humanismo dinámico: Declaramos que el esplendor del mundo se ha
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enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automovil rugiente que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”. Con furor iconoclasta terminaba diciendo: “Queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir elmoralismo, el feminismo y todas las vilezas oportunistas y utilitarias. Más adelante pintores que representan esta tendencia como Boccioni o Severini apoyan otro manifiesto de los pintores futuristas en el que insisten en el tema de la velocidad comoexpresión de la vorágine de la vida moderna Para estos el impresionismo se había detenido en el umbral y a la representación de un caballo de cuatro patas hay que añadirle otras veinte y darle una impresión triangular. De igual manera el sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática. Característico de este estilo será otorgar a os objetos posiciones sobre el plano con deseo de representar movimiento. Fue un movimiento con muchos autores comprometidos con el fascismo que no encontró demasiados seguidores, dejándonos como herencia la sensibilidad por los objetos típicos de nuestro tiempo -máquinas- y una dimensión de a la vida moderna, la velocidad. La lectura del siguiente texto puede resultar esclarecedora: "El gesto que reproduzcamos en el lienzo no será más un momento fijo en el dinamismo universal. Simplemente será la misma sensación dinámica [...]. Debido a la persistencia de la imagen en la retina, los objetos en movimiento se multiplican a sí mismos constantemente; su forma cambia como rápidas vibraciones en su loca carrera. De ese modo, un caballo en movimiento no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares."Umberto Boccioni
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Las señoritas de Vignon. Picasso.
EJERCICIO DE AUTOAPRENDIZAJE N° 14
Título: El álbum del Artista
Objetivo: Analizar los problemas compositivos y de contenido dentro del cuadro..
Saberes a reforzar: El arte del Siglo XX
Estrategia metodológica:
Identifica la importancia de La Luz del Gótico
Registra los acontecimientos de la Catedrales Góticas.
Identifica los momentos del arte gótico al siglo XX
Visualiza la luz en las catedrales góticas
ACTIVIDAD:
Visita estas páginas link de YouTube , luego escribe un análisis de los videos., donde resaltes la importancia de los movimientos artísticos en la actualidad.
ttps://www.youtube.com/watch?v=uo5uLaLAIiQ
https://www.youtube.com/watch?v=Ljpr_fkqWeM
3.5 El arte del siglo XX
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ACTIVIDAD DE CIERRE
Valor 10 puntos.
Elabora un álbum del artista, haciendo uso de la lista de cotejo.
Recuerda que es un paseo que le debes dar al lector como si fuera un museo, pero con tu particular punto de vista da cada movimiento artístico:
1. El gótico.
2. El Renacimiento.
3. El barroco.
4. El arte neoclásico
5. El romántico o romanticismo
6. El realismo
7. El impresionismo
8. El post-impresionismo
9. El modernismo
10. El cubismo
11. El futurismo
12. El expresionismo
13. Dadaísmo
14. Surrealismo
15. Expresionismo Alemán
Es importante que tengas en cuenta que debes hablar sobre: Arquitectura, Escultura y Pintura
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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
Unidad Académica del Campus II Escuela Preparatoria Diurna
Instrumento de evaluación: Lista de cotejo
Tipo de evaluación:
Heteroevaluación y autoevaluación
Departamento: Humanidades Academia: Humanidades Unidad de Aprendizaje
Curricular: Historia del arte
Semestre: 6° Grupo: Número de secuencia: 3/3
Porcentaje: 10% Bloque: III. Del gótico al s. XX. Evidencia: Álbum
Competencias Genéricas 4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la utilización de medios, códigos y herramientas apropiados. 8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos.
Atributos 4.5 Maneja las tecnologías de la información y la comunicación para obtener información y expresar ideas. 8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades con los que cuenta dentro de distintos equipos de trabajo.
Competencia disciplinar básica:
12. Desarrolla su potencial artístico como una manifestación de su personalidad y arraigo de la identidad, considerando elementos objetivos de apreciación estética.
Estudiante
Portada, índice, diseño.
1%
Entrega en tiempo y forma Ortografía
1%
Orden cronológico en la presentación de las corrientes artísticas.
2%
Información coherente entre el texto y la imagen.
2%
Contiene la información esencial de las corrientes. 3%
Presenta una reflexión de cada integrante.
1%
1.-
Escala
Rango Semáforo Desarrollo de atributo Porcentaje Acciones a seguir.
De10 a 9 Excelente Se desempeña en el rango de una manera superior a lo esperado.
10%
De 8 a 6 Muy bien Se desempeña de forma esperada. 8%
De 5 a 3 Bien Se inicia en el logro
5% Corregir.
De 2 a 1 Insuficiente No se observó el aspecto del contenido. Tuvo dificultad para lograrlo.
2% Repetir.
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CONCLUSIÓN
En conclusión podemos afirmar que el arte en Egipto es sin lugar a dudas una
gran civilización que vale la pena ser estudiada en profundidad. En este
cuaderno de trabajo, podemos encontrar información sobre, la Prehistoria,
Mesopotamia, Egipto. Como por ejemplo su arquitectura, escultura, así como la
estructura de sus templos y la construcción, también encontramos el desarrollo
de dos de los textos más importantes que ayudaron al crecimiento del arte en la
civilización.
Hablar de Arte Griego es como marcar un referente para la civilización
occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la
antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos
arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de
Occidente.
Roma constituyó el más importante imperio de la Época Antigua. Ubicada en la
llanura del Lacio, una vez que estableció su dominio en la Península Itálica, se
valió de su posición estratégica en la mitad del Mediterráneo, para extender su
hegemonía a ambos lados del mismo. Buena parte de Europa, Asia y el norte de
África, constituyó el escenario de la civilización romana. A lo largo de cerca de
1300 años, Roma con solidó no sólo el más poderoso imperio, sino también una
civilización cuyo legado cultural llega hasta nuestros días. Reconocemos la
herencia romana en campos como los idiomas, la literatura, la arquitectura, la
política, la religión, el calendario, las fiestas, el Derecho. A través de Roma nos
han llegado el pensamiento y los logros artísticos griegos, pero también el
modelo de un Estado organizado, un conjunto de normas jurídicas y la religión
cristiana, todo lo cual constituye la cuna de la actual civilización occidental.
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BIBLIOGRAFÍA
Acevedo.(2010) Manual de Historia de la Cultura. México (Limusa Editores Enciclopedia Actual de las Artes(2010) .Mèxico (Zamora editores)
Durán L. y Casahonda Torack, (2001) ARTES I, Grecia y Roma, México, D.F.
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Lozano F, J.M.l. (1976) Historia del Art. México: Editorial Continental, S.A.
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Rodríguez, M. (1995). Anatomía, fisiología e Higiene 10a. Reimpresión D.F., México:
Editorial Progreso.
MESOGRAFÍA
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www.harpy.uccs.edu/ www.arthistory.net www.art-site online.com
https://www.youtube.com/watch?v=I37wK4Fjd9I
ttps://www.youtube.com/watch?v=uo5uLaLAIiQ
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