trabajo individual grupo 1
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UNIVERSIDAD DE LOS ANDESFACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN
ESCUELA DE EDUCACIÓNEDUCACIÓN ESTÉTICA
Br. Maria Y. Scarpati S.
C.I
Prof.
UNIVERSIDAD DE LOS ANDES FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN
ESCUELA DE EDUCACIÓN EDUCACIÓN ESTÉTICA
Y. Scarpati S.
C.I 23.579.437
Prof. Betty Osorio
Introducción
La formación estética corporal forma parte de la
vida diaria de cada persona, puesto que con cada
movimiento del cuerpo de manera estilizada y
perfeccionada se ubica lo corporal, para la misma
resultan distintos mecanismo de expresión como lo son: el
lenguaje corporal, teatro, danza, la mímica, entre otros
La expresión corporal o lenguaje del cuerpo es una de las
formas básicas para la comunicación humana.
A veces los gestos o movimientos de las manos o los
brazos pueden ser una guía de sus pensamientos o
emociones subconscientes.
Las señales no verbales se usan para establecer y
mantener relaciones personales, mientras que las
palabras se utilizan para comunicar información acerca
de los sucesos externos
Introducción
corporal forma parte de la
vida diaria de cada persona, puesto que con cada
movimiento del cuerpo de manera estilizada y
perfeccionada se ubica lo corporal, para la misma
resultan distintos mecanismo de expresión como lo son: el
danza, la mímica, entre otros.
La expresión corporal o lenguaje del cuerpo es una de las
formas básicas para la comunicación humana.
A veces los gestos o movimientos de las manos o los
brazos pueden ser una guía de sus pensamientos o
Las señales no verbales se usan para establecer y
mantener relaciones personales, mientras que las
palabras se utilizan para comunicar información acerca
1.- FORMACIÓN ESTÉTICA CORPORAL
El lenguaje corporal a todos aquellos movimientos
que realizamos con nuestro cuerpo y que tienen una
finalidad comunicativa, es decir, su meta es comunicar a
través de ellos sentimientos, emociones, estados de
ánimo, entre otras cuestiones.
También denominado como kinésica o
comportamiento kinésico, el lenguaje corporal se ocupa de
estudiar las referencias expresivas, comunicativas, que
ostentan nuestros movimientos corporales y asimismo de
aquellos gestos conscientes, inconscientes, que hemos
aprendido, o somatogénicos, ya sean no orales, de
percepción visual, táctil o auditivo.
Los movimientos corporales y la expresión del
cuerpo son elementos esenciales dentro de la
comunicación del ser humano; además de ser una de las
formas más antiguas de lenguaje. En relación con la
expresión corporal y facial, las artes escénicas y la danza
son una de las muestras fundamentales de la cultura del
ser humano, así como de su historia. Es por ello que la
formación en estos aspectos se hace elemental para el
desarrollo integral de los niños, pues así desarrollará
habilidades y destrezas físico motoras, concentración y
atención, memorización, además de comprensión y
sensibilidad ante este tipo de expresiones artísticas.
Dentro de éstas, se puede hablar de:
a) Danza: es la acción o manera de bailar. Se
trata de la ejecución de movimientos al ritmo de la
música que permite expresar sentimientos y emociones.
Se estima que la danza fue una de las primeras
manifestaciones artísticas de la historia de la
humanidad. La danza implica la interacción de diversos
elementos. El movimiento del cuerpo requiere de un
adecuado manejo del espacio y de nociones rítmicas. La
intención del bailarín es que sus movimientos acompañen
a la música. Por ejemplo: un música de ritmo lento y
tranquilo requiere de pasos de danza pausados y poco
estridentes. La expresión corporal también se apoya en la
vestimenta utilizada durante la danza. Este elemento de
la cultura del ser humano puede ser dividido en:
a. Danzas clásicas: desde tiempos
inmemoriales hasta nuestros días se practican este tipo
de danzas que se identifican por el hecho de que quienes
las llevan a cabo realizan movimientos ligeros,
armoniosos y perfectamente coordinados. Dentro de esta
categoría se incluyen la danza medieval o el ballet, entre
otros.
b. Danzas folklóricas: son aquellas nacidas de
la cultura popular de los pueblos, parte fundamental de
dichas sociedades. Por ejemplo, los diablos danzantes de
Yare, el Pato bombeado, entre otros.
c. Danzas modernas: tienen mayor importancia
a partir de la segunda mitad del siglo XX, cuando los
jóvenes comienzan a desarrollar nuevos estilos mucho
más urbanos. Son ejemplo de éstas: el breakdance, el rock
and roll, el funky, entre otros.
b) El teatro: el teatro forma parte del grupo de
las artes escénicas. Su desarrollo está vinculado con
actores que representan una historia ante una audiencia.
Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como
las llevan a cabo realizan movimientos ligeros,
armoniosos y perfectamente coordinados. Dentro de esta
categoría se incluyen la danza medieval o el ballet, entre
son aquellas nacidas de
la cultura popular de los pueblos, parte fundamental de
dichas sociedades. Por ejemplo, los diablos danzantes de
tienen mayor importancia
a partir de la segunda mitad del siglo XX, cuando los
jóvenes comienzan a desarrollar nuevos estilos mucho
más urbanos. Son ejemplo de éstas: el breakdance, el rock
el teatro forma parte del grupo de
las artes escénicas. Su desarrollo está vinculado con
actores que representan una historia ante una audiencia.
Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como
la gestualidad, el discurso, la música, los sonidos
escenografía. Los géneros fundamentales del teatro son
Elementos esenciales del teatro:
• Texto o libreto: es el contenido de toda
la obra. En él aparecen
personajes, se indican los lugares donde ocurren
las acciones y las reacciones que deben manifestar
los actores.
la gestualidad, el discurso, la música, los sonidos y la
escenografía. Los géneros fundamentales del teatro son
es el contenido de toda
el diálogo entre los
personajes, se indican los lugares donde ocurren
reacciones que deben manifestar
• Actores: Son las personas que
representan los personajes que intervienen en la
obra.
• Espectadores: Es el público que
observa la obra. En el teatro participativo, el
público es un personaje.
Elementos accesorios del teatro:
• Escenarios: es el lugar específico y
ambientado del local destinado, donde los
personajes actúan.
Son las personas que
representan los personajes que intervienen en la
Es el público que
observa la obra. En el teatro participativo, el
es el lugar específico y
ambientado del local destinado, donde los
• Vestuario: Trajes y vestidos acordes
con el personaje que se representa.
• Escenografía:
iluminación y ambientación de la obra.
• Lugar: es el local donde se
representa la obra. Puede llevarse a cabo en
un teatro, en un salón de clase, en una sala
de cualquier vivienda, al aire libre, en un
patio, etc.
Trajes y vestidos acordes
con el personaje que se representa.
Escenografía: decorado,
y ambientación de la obra.
es el local donde se
representa la obra. Puede llevarse a cabo en
un teatro, en un salón de clase, en una sala
de cualquier vivienda, al aire libre, en un
a. Tragedia: género dramático
tradicional, contrapuesto a la comedia. Es una
obra de asunto terrible y desenlace funesto, en
la que intervienen personajes ilustres o
heroicos. La gran época de la tragedia
corresponde a la Grecia y la Roma clásicas
(Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca...),
renaciendo luego en Inglaterra (Shakespeare) y
en la Francia del Renacimiento (Corneille,
Racine).
b. Comedia: Género dramático
tradicional, contrapuesto a la tragedia. Su
desenlace siempre es placentero y optimista y
su fin es conseguir a través de la risa del
público, el reconocimiento de ciertos vicios y
defectos, la crítica a determinadas personas e
instituciones; el enredo y equívoco de las
situaciones, son característicos de este género
teatral cómico. Su plenitud la alcanzó en Grecia
en el siglo V a.c. y sus autores más
característicos fueron Aristófanes y Menandro.
c. Drama: Género teatral, en que se
representa una acción de la vida, mediante el
diálogo de los personajes, que tratan cuestiones
serias y profundas. En cuanto a los contenidos
de los dramas, Esquilo comenzará a representar
historias de héroes, en tanto que el teatro que lo
precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de
los dioses; los principales son: drama histórico,
social, lírico, isabelino, escolar, satírico, de la
pasión, abstracto y litúrgico.
d. Ópera: representación teatral a lo
largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos
personajes; en ella la acción dramática se
conjuga con la intervención de la orquesta,
danza, palabra, decorado y otros elementos.
Conforme a su estilo y contenido, se puede
hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica,
legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en
la Italia de finales del siglo XVI, cuando el
músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura
Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La
desesperación de Fileno y El juego de la ciega,
consideradas como las primeras piezas de e
género.
representación teatral a lo
cantan los distintos
personajes; en ella la acción dramática se
conjuga con la intervención de la orquesta,
danza, palabra, decorado y otros elementos.
Conforme a su estilo y contenido, se puede
hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica,
tc. El origen de la ópera se sitúa en
la Italia de finales del siglo XVI, cuando el
músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura
Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La
desesperación de Fileno y El juego de la ciega,
consideradas como las primeras piezas de este
c) Pantomima:es una representación que se
realiza mediante gestos y figuras, sin la intervención de
palabras. El término proviene de un vocablo griego que
significa “que todo imita”. La pantomima es un arte
escénico que apela a la mímica como forma de expresión
artística. Se conoce como mímica, por otra parte, a la
comunicación a través de gestos o ademanes. La persona
que se dedica a la pantomima como arte recibe el nombre
del mimo. La clave en la actuación de los mimos está en
la renuncia al uso del lenguaje oral durante las
actuaciones; algunos mimos, incluso, rechazan cualquier
tipo de sonido. Los mimos suelen actuar de forma
individual (es decir, no participan de obras con varios
artistas, sino que se limitan a imitar personas
su mímica). La pantomima, en este sentido, es un arte
callejero muy popular.
es una representación que se
realiza mediante gestos y figuras, sin la intervención de
palabras. El término proviene de un vocablo griego que
significa “que todo imita”. La pantomima es un arte
ímica como forma de expresión
artística. Se conoce como mímica, por otra parte, a la
comunicación a través de gestos o ademanes. La persona
que se dedica a la pantomima como arte recibe el nombre
del mimo. La clave en la actuación de los mimos está en
renuncia al uso del lenguaje oral durante las
actuaciones; algunos mimos, incluso, rechazan cualquier
tipo de sonido. Los mimos suelen actuar de forma
individual (es decir, no participan de obras con varios
artistas, sino que se limitan a imitar personas o cosas con
su mímica). La pantomima, en este sentido, es un arte
El mimo corporal es un tipo de teatro físico
revivido por ÉtienneDecroux (1898 - 1991) y desarrollado
por sus ayudantes y nuevas generaciones de
profesionales. El mimo corporal es un arte dramático del
movimiento, que data desde la antigüedad griega y
romana. En esto se diferencia de la pantomima, que es
más un intento de cambiar palabras por gestos.
El objetivo del mimo corporal dramático es de
introducir el drama dentro del cuerpo. En este medio, el
mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios
que estén en el corazón del drama: pausa, vacilación,
peso, resistencia y sorpresa. El mimo corporal dramático
quiere representar lo invisible; emociones, tendencias,
dudas, pensamientos.
La pedagogía del mimo corporal permite al actor
adquirir un estado mayor de autonomía, multiplicando
sus posibilidades físicas e imaginativas a través del
estudio de una técnica.
El actor puede interpretar piezas con o sin texto,
eso es una elección estilística, y no una condición sine qua
non del mimo corporal.
Por estos elementos pedagógicos, el mimo corporal
hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las
escuelas y de las universidades de teatro, está enseñado
como una técnica de interpretación corporal.
ARTE EN EL TIEMPO: ARTE
CONTEMPORÁNEO
El arte contemporáneo, conocido también como
arte moderno, en sentido literal, es el que se ha producido
en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de
que la fijación del concepto se hizo históricamente en un
determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse
cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.
El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte
puede ser entendido de diferentes maneras:
El arte del mundo actual, que en el momento que
se definió como término historiográfico se entendía era el
posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor
parte de los museos de arte suelen denominar arte
contemporáneo a las colecciones de ese período) y
actualmente se entiende que es el surgido de la caída del
muro de Berlín -1989-,
El arte surgido en la historia inmediata del más
cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el
atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-.
En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos
de la vida contemporánea, la ruptura con los módulos
tradicionales es una de las características esenciales. El
constante cuestionamiento de los convencionalismos
convierte en un valor en sí misma a la transgresión por el
mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise),
con que la provocación termina fijándose como una
convención más, y por tanto, generadora de oposición
tanto desde una óptica subversiva como conservadora
(todo lo que no es tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-).
Los constantes avances científicos acostumbran a
individuo y sociedad a dar por sentado que las
posibilidades para el desarrollo de cuotas cada vez más
altas de bienestar y consumo sólo está frenado por
obstáculos sociales y políticos que cada vez tienen menos
sentido; o al menos cada vez se soportan con menos
paciencia, se denuncian y no dejan de ser removidos, bien
sea por el reformismo social e institucional, bien por
revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de
masas y las más violentas y mortíferas guerras de la
historia.
Movimientos del arte contemporáneo
a) Romanticismo (arte): en arte, movimiento
artístico e intelectual europeo que se extiende
aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El
romanticismo no puede ser identificado con un estilo
singular, con una técnica o con una actitud, pero sin
embargo la pintura romántica se caracteriza por una
aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad
emocional y por un carácter visionario u onírico.
b) Impresionismo (arte): movimiento pictórico
francés de finales del siglo XIX que apareció como
reacción contra el arte académico. El movimiento
impresionista se considera el punto de partida del arte
contemporáneo
c) Neoimpresionismo: movimiento artístico de
finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés
Georges Seurat. El objetivo de Seurat era sistematizar
una teoría del color que había sido intuida casualmente y
sin rigor científico por los impresionistas. A través de la
técnica que denominaba divisionismo (conocida hoy día
como puntillismo), Seurat aplicaba la pintura en el lienzo
en minúsculas manchas de pigmento puro, con fuertes
contrastes de color. Al contemplar los cuadros desde
cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden en
un solo campo de color y reproducen con brillantez los
efectos lumínicos.
d) Realismo (arte): movimiento que comenzó a
mediados del siglo XIX como reacción frente al
romanticismo. En arte y en literatura, supone el intento
por describir el comportamiento humano y su entorno, o
por representar figuras y objetos tal y como actúan o
aparecen en la vida cotidiana.
e) Surrealismo: movimiento artístico y
literario fundado por el poeta y crítico francés André
Breton. Breton publicó el Manifiesto surrealista en París
en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del
grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado
Dada, que reflejaba tanto en arte como en literatura la
protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura
occidental.
f) Expresionismo: corriente artística que
buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones
del autor, más que la representación de la realidad
objetiva. El movimiento expresionista apareció en los
últimos años del siglo XIX y primeros del XX como
reacción frente a los modelos que habían prevalecido en
Europa desde el renacimiento, particularmente en las
anquilosadas academias de Bellas Artes.
g) Expresionismo abstracto: movimiento
pictórico de mediados del siglo XX cuya principal
característica consiste en la afirmación espontánea del
individuo a través de la acción de pintar. Como su propio
nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no
figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la
representación convencional.
h) Fauvismo: en 1905 un grupo de jóvenes
pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los
críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles
que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como
movimiento artístico no duró más de cinco años, pero
como estilo ejerció una influencia mayor y más
persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera
otra escuela del siglo XX; derivó de los fuertes colores de
las formas simplificadas y los atrevidos esquemas
decorativos Representantes: Henri Matisse, Van Gogh,
Gauguin.
i) Futurismo: movimiento artístico de
comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional
e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en
sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la
sensación de movimiento.
j) Cubismo: movimiento artístico que se
manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal
era el de alejarse de la representación naturalista y
conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie
del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo
Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914
y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al
rechazar la representación realista seguida desde el
renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la
historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística. Los cubistas
rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan
primacía a la línea y la forma. Se inspiró
fundamentalmente en el arte de las tribus de África y
Oceanía.
k) Constructivismo: movimiento artístico ruso
de principios del siglo XX que ejerció una importante
influencia en el arte europeo y que fue fundado por el
escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace
referencia a la construcción de esculturas abstractas
partiendo de una gran variedad de materiales
industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
l) Abstracción: este arte consistía en extraer
de una imagen figurativa los elementos esenciales,
deformándolos o modificándolos; en él se tiende a
impresionar lo psíquico por encima de lo puramente
visual, se busca una nueva expresión de la realidad,
llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la
realidad para entenderla y el alejamiento de ella al
interpretarla.
m) Dadaísmo: Surgió en Zúrich, Suiza, entre
1916 y 1922. Hugo Ball y TristanTzara se hicieron notar
como fundadores y principales exponentes. El
movimiento creció y rápidamente se extendió a Berlín y a
París. Uno de los motivos que llevó al surgimiento de
DADA fue la violencia extrema y la pérdida de sentido
que trajo la Primera Guerra Mundial. Rebelándose
contra el status quo, las convenciones literarias y
artísticas y rechazando las convenciones de la sociedad
aburguesada -que consideraban egoísta y apática - los
dadaístas hicieron de su arte un modus vivendi. El poema
dadaísta solía ser una sucesión de palabras y sonidos, lo
que hace difícil encontrarle lógica. Se distinguió por una
inclinación hacia lo incierto y a lo absurdo. Por su parte,
el procedimiento dadaísta buscaba renovar la expresión
mediante el empleo de materiales inusuales, o manejando
planos de pensamientos antes no mezclables, con una
tónica general de rebeldía o destrucción.Posteriormente,
nació el dadaísmo norteamericano en Nueva York con
Francis Picabia y el francés Marcel Duchamp.
n) Pop art: fue un importante movimiento
artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de
imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic
books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del
cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar
imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto
y aislándolas o combinándolas con otras, además de
resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento
cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
o) Cinetismo: Es una tendencia de la pintura,
escultura, artesanía contemporáneas que hace referencia
a aquellas obras creadas para producir la impresión o
ilusión de movimiento. El término tiene su origen en la
rama de la mecánica que investiga la relación entre el
movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre
ellos. Aunque el concepto apareció por primera vez en el
Manifiesto realista firmado en 1920 por Antón Pevsner y
NaumGabo, su uso no se generalizó hasta la década de
1959. En la actualidad se conoce como arte cinético todas
aquellas obras que producen en el espectador sensación
de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones
ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la
posición desde donde se contemplen y las que crean una
aparente sensación de movimiento por la iluminación
sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón).
Ejes Transversales
Lenguaje
La justificación del Lenguaje como eje transversal,
dentro del Currículo de Educación Básica, se puede
fundamentar desde dos perspectivas complementarias:
En primer lugar, desde la consideración de la
lengua como un instrumento esencial e impresci
el desarrollo de cualquier proceso de aprendizaje y
conocimiento de la realidad.
ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la
posición desde donde se contemplen y las que crean una
aparente sensación de movimiento por la iluminación
sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón).
La justificación del Lenguaje como eje transversal,
dentro del Currículo de Educación Básica, se puede
fundamentar desde dos perspectivas complementarias:
En primer lugar, desde la consideración de la
lengua como un instrumento esencial e imprescindible en
el desarrollo de cualquier proceso de aprendizaje y
Dado que la comunicación oral y escrita se hace
presente, como necesidades ineludibles, en todas las
actividades escolares, es evidente que, dentro del
entramado curricular, existe y debe existir, una estrecha
relación entre el aprendizaje de la lengua y los
aprendizajes que los alumnos desarrollarán en todas y
cada una de las áreas Académicas.
Esta relación entre el Lenguaje y el resto de las
Áreas se establece a dos niveles:
Por una parte, el progresivo dominio del lenguaje
va a permitir, a los alumnos, la adquisición de todos
aquellos elementos que les van a ser necesarios para
hacer más efectivos sus aprendizajes en la totalidad de
las Áreas.
Dado que la comunicación oral y escrita se hace
presente, como necesidades ineludibles, en todas las
actividades escolares, es evidente que, dentro del
ricular, existe y debe existir, una estrecha
relación entre el aprendizaje de la lengua y los
aprendizajes que los alumnos desarrollarán en todas y
Esta relación entre el Lenguaje y el resto de las
Por una parte, el progresivo dominio del lenguaje
va a permitir, a los alumnos, la adquisición de todos
aquellos elementos que les van a ser necesarios para
hacer más efectivos sus aprendizajes en la totalidad de
Por otra parte, es básico tener en cuenta la gran
riqueza de contenidos, necesarios para el desarrollo
comunicativo, que pueden proporcionarles, a los alumnos,
todas las Áreas Académicas; contenidos que van desde los
más simples, como podría ser, por ejemplo, el
enriquecimiento del vocabulario, referido a los ámbitos
social, científico, técnico o artístico, hasta la adquisición
de un mayor rigor y de una mayor precisión expresiva a
través del aprendizaje de las Matemáticas como
instrumento de comunicación conciso y sin
ambigüedades.
Una segunda perspectiva desde la que es necesario
contemplar el lenguaje como eje transversal es aquella
que hace referencia a su importancia para la vida y para
la formación integral de los alumnos como seres sociales
integrados en un contexto cultural determinado.
Los alumnos a través del uso del Lenguaje -en
todos y cada uno de los momentos de su vida escolar- van
a tomar parte en procesos sociales d e encuentro, de
intercambio y de entendimiento; van a tener la
oportunidad de aprender a dialogar, a criticar, a discernir
o a consensuar; van a poder reflexionar y cuestionar
prejuicios y valoraciones preconcebidas; van a poder
sentir la satisfacción que les puede proporcionar el
desarrollo de sus capacidades creativas e imaginativas, y,
a fin de cuentas , van a poder engrandecerse como
personas libres y solidarias al ir descubriendo y
desarrollando sus potencialidades comunicativas, es
decir, las posibilidades que se les abren a través de la
expresión, en libertad, de sus opiniones, criterios o
sentimientos.
Por las razones anteriormente expuestas, es
evidente que el aprendizaje del lenguaje aún teniendo su
ámbito específico en el Área de Lengua y Literatura-
requiere también, y en paralelo, un tratamiento
transversal; es un aprendizaje que interviene, y que debe
hacerse presente, en la globalidad de la experiencia
académica, es decir, en todas aquellas situaciones de la
vida escolar en las que se establezca, o se tenga que
establecer, un intercambio comunicativo.
En ese contexto el eje transversal Lenguaje
presenta dimensiones, tales como la comunicación, la
producción y la comprensión; a partir de estas
dimensiones se sacan los indicadores y alcances para el
alumnado.
Desarrollo del Pensamiento
Una de las capacidades más radicalmente
humanas que poseemos y a través de la que podemos
engrandecer constantemente nuestra propia humanidad
es la capacidad de pensar; capacidad que resulta
imprescindible para el libre desarrollo de nuestra
personalidad y que nos permite la creación de ámbitos de
participación activa, consciente y responsable en la
construcción de nuestro futuro individual y comunitario.
Esta capacidad de pensar, siendo tan importante,
atraviesa en la actualidad una cierta crisis; crisis
ocasionada sobretodo como consecuencia de una gran
contradicción: cada vez son más numerosas y más
complejas las informaciones que recibimos y sobre las que
tenemos que reflexionar y, a la vez, cada vez se hace más
notoria, en nuestra vida cotidiana, la falta de tiempos y
espacios reales para el silencio y la interiorización. Crisis
que está generando situaciones comunes de irreflexión,
de superficialidad y de ignorancia real, y que, en
consecuencia, está reduciendo la libertad personal al
favorecer los ámbitos de la manipulación y al limitar la
posibilidad de una libre y consciente toma de decisiones
personales.
Las consecuencias de esa crisis cada vez se hacen
notar más claramente en la realidad escolar, realidad en
la que a diario constatamos las dificultades que
presentan los alumnos para realizar un estudio personal
serio y sistemático, para reflexionar, para interiorizar sus
aprendizajes, para aplicar lo aprendido a la resolución de
problemas científicos, sociales y cotidianos, o para
adoptar posiciones seriamente críticas y constructivas
frente a la realidad en la que viven –realidad con
frecuencia sometida a la sutil manipulación operada por
el consumismo, la publicidad , o la superficialidad e
intrascendencia trasmitida por los medios de
comunicación.
Este hecho hace que a la hora de abordar la tarea
educativa, en el contexto de la Reforma, nos planteemos
la necesidad de considerar el desarrollo de la capacidad
de pensar, como uno de sus ejes transversales más
importantes. Capacidad que ha de favorecerse y
desarrollarse en todos los ámbitos del aprendizaje y, en
consecuencia, en todas las Áreas y en la globalidad de las
actividades académicas.
En concreto, dentro del programa de Estudio de
Educación Básica, se propone el tratamiento del eje
Desarrollo del Pensamiento de acuerdo a las siguientes
dimensiones; pensamiento lógico y pensamiento efectivo,
de aquí se sacan los indicadores y los alcances.
Valores
La Educación en los Valores constituye otro de los
ejes transversales característicos de la Educación Básica
y, a la vez, configura uno de los retos más importantes a
los que nos enfrentamos los educadores en la actualidad.
"Para resolver con éxito los problemas globales,
característicos de nuestro mundo contemporáneo,
necesitamos crear nuevos métodos de pensamiento,
elaborar una nueva moral y una nueva escala de valores,
y, sin duda alguna, nuevas normas de comportamiento.
La humanidad está en el umbral de una nueva
etapa de su desarrollo. No sólo se debe promover la
La Educación en los Valores constituye otro de los
ejes transversales característicos de la Educación Básica
configura uno de los retos más importantes a
los que nos enfrentamos los educadores en la actualidad.
"Para resolver con éxito los problemas globales,
característicos de nuestro mundo contemporáneo,
necesitamos crear nuevos métodos de pensamiento,
una nueva moral y una nueva escala de valores,
y, sin duda alguna, nuevas normas de comportamiento.
La humanidad está en el umbral de una nueva
etapa de su desarrollo. No sólo se debe promover la
expansión de su base material, científica y
lo que es todavía más importante, formar nuevos valores
y aspiraciones humanísticas, ya que la sabiduría y el
humanismo son las verdades eternas que constituyen el
fundamento de la humanidad. Nos hacen falta nuevos
conceptos sociales, morales, científicos y ecológicos que
deberían determinar las nuevas condiciones de vida del
hombre actualmente y en el futuro."
Nos encontramos, por lo tanto, ante un reto
histórico consistente en recuperar el pensamiento
humanista como definidor de la arquitectura de todo
modelo social; un gran reto que debe traducirse, desde la
perspectiva educativa, en la integración, dentro de los
procesos de enseñanza y aprendizaje, de un sistema de
valores compartidos sobre los que construir la propia v
expansión de su base material, científica y técnica, sino,
lo que es todavía más importante, formar nuevos valores
y aspiraciones humanísticas, ya que la sabiduría y el
humanismo son las verdades eternas que constituyen el
fundamento de la humanidad. Nos hacen falta nuevos
s, científicos y ecológicos que
deberían determinar las nuevas condiciones de vida del
hombre actualmente y en el futuro." (I.T.Frolov.)
Nos encontramos, por lo tanto, ante un reto
histórico consistente en recuperar el pensamiento
nidor de la arquitectura de todo
modelo social; un gran reto que debe traducirse, desde la
perspectiva educativa, en la integración, dentro de los
procesos de enseñanza y aprendizaje, de un sistema de
valores compartidos sobre los que construir la propia vida
y el entramado social; un nuevo sistema de valores capaz
de hacernos descubrir y redimensionar la existencia, y de
abrirnos horizontes, positivos e ilusionados, en la
construcción de nuestros propios y personales proyectos
de vida.
Es un reto del que se desprende un hecho
incuestionable: la vinculación que hoy, más que nunca,
debe existir entre ética y educación, es decir, entre la
ética entendida como el arte de saber vivir con uno mismo
y con los demás y de aprender a sentir amor, interés y
gusto por la vida, y la escuela como el ámbito capaz de
contribuir activamente a ese aprendizaje.
En el marco de este reto, surge la consideración de
la Educación en los Valores, dentro del Currículo, como
un eje transversal, o, si se quiere, como un contenido de
enseñanza y aprendizaje que debe impregnar la totalidad
de la tarea educativa.
Entre las dimensiones de este eje se encuentran el
respeto por la vida, la libertad, la solidaridad, la
convivencia, la honestidad, la identidad nacional y la
perseverancia.
Trabajo
A lo largo del proceso de enseñanza aprendizaje es
fundamental que los alumnos descubran el trabajo como
una realidad y como un valor esencial para la existencia
humana; valor que en su propia experiencia cotidiana se
traduce en el "aprender haciendo, observando, probando,
manipulando, construyendo o recreando", y que supone la
puesta en juego de sus capacidades de esfuerzo, de
responsabilidad y de superación personal.
"Sólo se aprende a trabajar trabajando. Por lo
tanto, es de urgente necesidad "enseñar a aprender",
"enseñar a ser", y "enseñar a hacer". Una adecuada
educación hacia el trabajo induce a aprovechar bien el
tiempo , a ser disciplinado, responsable y organizado, a
trabajar cooperativamente, resolver creativamente los
problemas, seguir instrucciones y procesos, buscar la
calidad del producto , valorar al trabajador y reconocer
que el trabajo debe estar siempre al servicio de la persona
humana"
En ese contexto surge el eje transversal Trabajo,
planteado con el fin de lograr en los estudiantes una
formación integral fundamentada en el "hacer", e
inspirada en los valores democráticos básicos necesarios
para la vida; una formación a través de la que los
alumnos puedan irse reconociendo como gestores del bien
común y como artífices de una convivencia basada en los
valores de la participación y al solidaridad.
Al igual que los demás ejes transversales, el del
trabajo también debe hacerse presente en todas la Áreas
académicas que integran el Currículo de Educación
Básica y consecuentemente, en todas las tareas escolares.
Entre las dimensiones a trabajar dentro de este eje
son: valoración del trabajo, calidad y productividad,
labores y ocupaciones, y por último la visión de la
realidad laboral e industrial del país.
Las Situaciones Vivenciales de Formación
Las Situaciones Vivenciales de Formación (S. V .F),
son una herramienta fundamental para el desarrollo del
aprendizaje integral. Las S. V. F. contiene una serie de
contenidos, conocimientos y momentos entre los cuales
están: Situación Inicial Natural (S. I. N.), Situación
Genésica Conceptual (S. G. C.) esta incluye la Situación
Genésica Procedimental (S. G. P.); finalmente está la
Situación Post - Vivencial (S. P. V.)
Se busca que los niños y niñas de un grado de
Educación Básica, comprendan de manera lúdica algunas
nociones básicas del área en estudio, relacionándolos con
la elaboración de la formación estética; con esto se
pretende generar un aprendizaje integral en los niños
(as), ofreciéndoles situaciones significativas para
proporcionar nuevos conocimientos.
Da la oportunidad de brindarle al niño (a) un
desarrollo en las áreas. Siendo el maestro generador de
problemas y el animador pedagógico, para así poder
lograr en el niño (a) un desarrollo integral en todos los
aspectos que puedan contribuir satisfactoriamente en su
vida diaria. El estudiante comprenderá y analizará un
problema o situación determinado haciendo uso de sus
conocimientos, esto le permitirá hacer predicciones,
comparaciones, análisis, observaciones y exposición de
argumentos acerca de las interrogantes que se le
presentarán en torno a los contenidos, a la vez procurará
darle una respuesta de acuerdo al nivel de comprensión
que haya logrado.
Qué es una situación vivencial de formación?
La educación ha ido transformándose con el paso
del tiempo. Debido a ello, los modelos clásicos basados en
las clases magistrales, ya no son suficientes, ni aquellos
donde el educador funge como un mero facilitador para el
niño. Por lo contrario, una nueva visión apunta a que se
debe enfrentar a éste con problemas que deba resolver,
para que de esta manera su aprendizaje sea
verdaderamente significativo y no se reduzca a un
cúmulo de conocimientos sin significado ni importancia
para él. Es por ello, que se habla ahora de situaciones
vivenciales de formación (SVF), en las cuales el niño,
mediante actividades lúdicas, se enfrenta a la solución de
problemáticas que le ayuden a comprender, interpretar y
aplicar sus conocimientos. Estas situaciones vivenciales
permiten, además, el aprendizaje integral contenido el
diseño curricular venezolano, a través de la unión de
distintas áreas del conocimiento a partir de un área
central, así como mediante los ejes transversales o
integradores, según el modelo de currículo a utilizar. En
este punto, el educador ha de fungir como un animador
pedagógico, generando en el niño motivación y
orientación en estas actividades, sin interferir en sus
procesos intelectuales, ni convertir dichas actividades en
ejercicios simples sin ningún tipo de dificultad. Dichas
situaciones vivenciales de formación, son especialmente
efectivas si se utiliza como área principal la educación
estética, pues ésta, mediante la sensibilización de los
sentidos a través del arte, es capaz de integrar otras
áreas que la misma requiere para los contenidos
conceptuales de ésta área de aprendizaje. A partir de ello,
se pueden definir las siguientes situaciones o momentos
de dicho proceso:
Situación Inicial Natural (SIN): en ésta, el niño se
enfrente al problema por primera vez, y lo intenta
resolver a partir de sus conocimientos previos, Por tanto,
es un proceso espontáneo, en el que se genera el conflicto
cognitivo en el niño, mediante las propuestas lúdicas,
basadas en un tema determinado, en nuestro caso, en la
educación estética. A través de esta situación inicial
natural, el animador pedagógico puede realizar, además,
un diagnóstico en relación al estado en el que se
encuentra la experiencia del niño en el tema a trabajar,
así como las distintas habilidades lógicas y de
pensamiento que éste posee, pues hará uso de la
creatividad y la imaginación, en conjunto con sus propias
experiencias, para llegar a una primera solución del
ejercicio.
Situación genésica conceptual: en este segundo
momento de la situación vivencial de formación, se
enfrentará al niño con las soluciones de sus compañeros,
así como a los aportes que el animador pedagógico pueda
realizar en relación al tema; invitando además, a la
investigación por parte de los educandos. A partir de
estos procesos investigativos y de debate, el niño podrá
determinar si su problema está correctamente resuelto, o
si debe realizar algún tipo de ajuste según lo analizado.
Por tanto, es un momento donde el pensamiento ya no es
espontáneo, sino organizado de acuerdo a las
necesidades.
Situación genésica procedimental: en este punto, el
niño ya es capaz de aplicar los conocimientos
desarrollados en la situación genésica conceptual, lo cual
podrá verse patente en la resolución total del problema,
así como de nuevos problemas relacionados con el tema.
Por ejemplo, la elaboración de una máscara.
Situación post vivencial: Finalmente, el niño debe
compartir sus habilidades y conocimientos con su entorno
social, es decir, la familia, la comunidad, compañeros,
entre otros; dicha situación puede verse plasmada
mediante elaboración de talleres, exposiciones, funciones
artísticas, entre otros.
Como se observa, el niño se convierte en creador de
su propio aprendizaje, siguiendo las teorías del
aprendizaje por descubrimiento de Jerome Bruner, a
través de la solución de distintos problemas a los que el
animador enfrenta al niño, los cuales luego serán
verificados, a través de la investigación particular y el
intercambio de conocimientos con los compañeros y el
educador, tal y como lo plantea la zona de desarrollo
próximo de la teoría socio histórica de Lev Vygotsky. Sin
embargo, luego de que esos conocimientos tienen fuertes
cimientos dentro del aparato cognitivo del niño, los
mismos no quedan enfrascados en el pensamiento
abstracto, sino que, luego, se hacen concretos mediante la
aplicación de los mismos en su comunidad, elemento
fundamental dentro de las teorías pedagógicas sociales
actuales, tales como la pedagogía liberadora de Paulo
Freire, o el construccionismo social de Patnam.
En conclusión, las situaciones vivenciales de
formación permiten, a partir d
del aprendizaje por problemas, generar en el
estudiante constructos mentales lo suficientemente
profundos, como para compartirlos con las comunidades,
en pro de una transformación social positiva, en la que el
conocimiento, las habilidades y las destrezas del
estudiante no estén abstraídas de la realidad sino al
servicio del bien común. Y, además, producir un
aprendizaje, verdaderamente integral, mediante la unión,
directa o indirecta, de áreas como los estudios sociales, el
lenguaje, la matemática o las ciencias naturales con la
educación estética. No obstante, es labor del docente,
iniciarse en esta aventura en la que, paulatinamente se
convertirá en un animador pedagógico al servicio de sus
niños, rompiendo la verticalidad de sus relaciones, para
dar paso a una horizontalidad encaminada al desarrollo
de la autonomía de los estudiantes.
Interdisciplinariedad: Pedagogía
Tiene su origen en el griego antiguo paidagogós.
Este término estaba compuesto por paidos (“niño”) y
gogía (“conducir” o “llevar”). Por lo tanto, el concepto
hacía referencia al esclavo que llevaba a los niños a la
escuela. En la actualidad, la pedagogía es el conjunto de
los saberes que están orientados hacia la educación,
entendida como un fenómeno que pertenece
intrínsecamente a la especie humana y que se desarrolla
de manera social .La pedagogía, por lo tanto, es una
ciencia aplicada con características psicosociales que
tiene la educación como principal interés de estudio.
PENSADORES: SÓCRATES, ARISTÓTELES Y
PLATÓN
a)
Sócrates: Sócrates vivió entre el 469 a. de C. y el
399 a. de C., la primera fecha la de su nacimiento y la
segunda la de su muerte, y aunque nos han llegado
muchos escritos sobre su vida y pensamiento de la mano
sobre todo de Jenofonte y Platón, nos encontramos con un
problema importante al acercarnos a su obra escrita
porque, simplemente, no existe. Sócrates no era dado a
escribir, así lo que sabemos sobre su pensamiento es un
conocimiento de segunda mano, de lo que los demás
dijeron que decía. Sin embargo, a pesar de que lo que
puso Platón en boca de Sócrates en ocasiones era la
opinión del primero, como así era su opinión sobre la
belleza, sí que parecen reales las conversaciones con
artista que relata Jenofonte en sus Recuerdos de
Sócrates. Sócrates atacó el relativismo de los sofistas en
todos los campos, salvo en el del arte. En el que al
contrario de en la moral sí que aceptaba ciertos
elementos cambiantes, relativos.
Por su carácter, forma de ser y pensamiento,
Sócrates consideraba el bien y la verdad como valores
absolutos. Así, no dependerían del contexto, ni de las
circunstancias, ni de los pueblos. Aquellos existirían por
encima de estos, rigiendo la vida de los humanos en
cualquier situación. Pero el arte es diferente.
A diferencia del zapatero o el herrero, cuyo trabajo
es realizar objeto que no existen en la naturaleza (no
encontrarás un zapato que no haya sido creado por una
persona), el pintor o el escultor tratan de imitar lo que ya
existe en la naturaleza. Y aunque esta realidad, en
nuestra época no sea del todo cierta, sí que en la Antigua
Grecia se ajustaba a la realidad. Así que tanto la pintura
como la escultura son de carácter imitativo y
representativo, algo de lo que las otras artes (lo que
ahora llamaríamos oficios) carecen.
Nos cuenta Jenofonte que Sócrates le dijo al pintor
Parrasio: «la pintura es una representación de lo que se
ve».
Esta idea socrática cuadraba con la idea griega del
carácter pasivo y reproductivo del intelecto, a nivel
general, es decir, imitativo y representativo. El arte,
como obra directa del intelecto humano, no podría tener
características diferentes.
Por esta razón fue fácilmente acogida y se
convirtió, después, en premisa de los sistemas estéticos
planteados por los dos grandes filósofos de la Grecia
Clásica, como son Platón y Aristóteles. No olvidemos, el
primero discípulo de Sócrates y el último, a su vez, de
Platón.
En el diálogo mencionado, entre el pintor y el
filósofo, descubrimos cómo trataban de encontrar una
palabra para definir la idea del arte como representación.
Más tarde, como veremos, se fijó para siempre el término
que estaban buscando, esto es, la «mímesis».
b)Aristóteles:
La concepción del arte aristotélica fue
francamente dominadora durante muchos siglos, todavía
vigente en muchos aspectos, hasta el punto de que su
obra cumbre, la Poética, debiera ser de lectura obligatoria
para, por ejemplo, cualquier escritor. Es, por decirlo
concisamente, un clásico.
Sin embargo, no es ni mucho menos una
concepción, cuando él la formuló, innovadora o
transgresora, ya que partió de la idea de arte que de
manera intuitiva los griegos contemporáneos suyos
hacían uso. Su verdadero mérito es coger esa masa
informe, intuitiva, de conceptos, y sistematizarla, de
manera que se pudiera elaborar una teoría, que se lo que
él mismo llevó a cabo.
Quizás por eso, al contrario que su maestro Platón
que trató de imponer sus propias teorías, Aristóteles tuvo
tanto éxito.
El filósofo estagirita aseguró que «del arte
proceden las cosa cuya forma está en el alma», asumiendo
claramente que la obra artística es una creación humana,
lo que, como ya hemos visto en artículos anteriores, era
una opinión generalizada en el mundo griego.
Al estar en la mano del ser humano el ser
producidos o no, no surgen de la necesidad, como así
ocurre con los creados por la naturaleza.
Aristóteles consideraba tres diferentes actividades
humanas: investigación, actuación y producción. Todo lo
que realiza o puede realizar una persona entrará sin
remisión dentro de una de estas actividades. En este
caso, el arte pertenecería a la última, la producción, que a
diferencia de las dos anteriores, tiene como rasgo esencial
el que produce, nos deja un producto final tangible, que
podemos tocar, ver y/o usar.
Pero que todo arte sea producción no significa que
toda producción sea arte. Para ello el producto debe ser
fruto de «una producción consciente, basada en el
conocimiento».
Este énfasis en el conocimiento no es baladí puesto
que aleja al arte de la inspiración de las Musas, los
poetas ya no serían los voceros de los dioses, sino que su
trabajo dependería de su conocimiento, de su experiencia,
de su conciencia artística que se debería fundamentar en
una serie de reglas a seguir por el artista.
c) Platón:
Para Platón el arte es una imitación, el artista
copia lo que percibe que a la vez es una imitación de la
Forma verdadera. De manera que un artista está alejado
dos veces de la Verdad.Platón valoraba las obras
artísticas del hombre, como las pinturas y las esculturas,
pero su interés por la Verdad lo llevaba a menospreciar el
trabajo artístico. En lo que se refiere a la pintura
señalaba que un pintor se limita a ver nada más que lo
que percibe desde un solo punto de vista, el de él, que
está lejos de lo Verdadero. Con respecto a la música, nos
dice que produce solamente una sensación física de goce ,
considerando que sólo se puede considerar como buena
música a la que imita el bien, porque también en la
música hay que buscar la Verdad y no quedarse solo con
lo que la sensibilidad disfruta.
Por lo tanto, tanto la música como la pintura son
copias de la Forma siempre que sean reproducidas de la
mejor manera posible.
A pesar de este concepto sobre el arte, Platón veía
con buenos ojos que el Estado diera lugar al arte no solo
para educar sino también para el sano esparcimiento.
Un buen crítico sería, para este filósofo, aquel que
tiene conocimiento de la Verdad para poder evaluar con
justicia si esa imitación es fiel a ella, más que prestar
atención a la calidad de su ejecución, o a los sonidos. Una
obra artística revela la imaginación creadora de un
artista, en cuanto a que es imitación de la Verdad, para
conmover emocionalmente al público.
En este sentido afirmaba que hay que tener
cuidado porque las emociones del hombre pueden ser
beneficiosas pero también dañinas. Esta concepción de
Platón sobre el carácter imitativo del arte, evoca los
dichos de Mozart, quien afirmaba no tener la necesidad
de hacer ningún esfuerzo para crear su música porque
podía captar la totalidad de la obra, en un solo instante
como si en su momento creativo estuviera fuera del
tiempo.
Sin embargo, Platón reconocía que el arte ocupaba
un lugar singular en la actividad del hombre que según
su punto de vista no se tenía que reducir a la
contemplación estética sino que debería estar al servicio
de la educación y la moral.
Platón no acepta de ningún modo la opinión de la
gente común de que el objetivo del arte sea proporcionar
placer, sin por eso querer desdeñar complacerse con la
satisfacción que produce.
En el estado ideal Platón propone un estricto
control y una censura rigurosa del arte en cuanto se
refiere a las expresiones que no tengan en cuenta los
valores morales.
Si el arte no es fiel reflejo de la Forma verdadera
para Platón no vale nada porque no sirve a los efectos de
la educación.
De esta manera define el arte Platón, como una
simple imitación de la Verdad cuando es bueno y como
una doble imitación, cuando copia la realidad que el
artista percibe, que a su vez Platón considera que es una
copia de la Forma verdadera.
Conclusión
En el desarrollo del trabajo se logró comprender
áreas que conllevan a una relación estrecha con el arte y
la estética, parte de esto es todo lo que se ve expuesto en
las manifestaciones artísticas del arte medieval (edad
media) el cual se dividió en etapas constitutivas de la
estética y la creatividad absoluta, para dejar enmarcada
la historia y ser recordada y estudiada por miles de
personas para la formulación de preguntas que quizás no
se puedan responder.
En la formación estética corporal queda mucho por
decir, actualmente es una de las más practicadas dentro
y fuera del ámbito educativo ya que es notable su
utilización dentro del arraigo cultural, la conservación de
bailes típicos y la proyección del artista mímico (los
mimos) que son de vital importancia para la preservación
del arte en la humanidad.
Referencias Bibliográficas
• http://www.definicionabc.com/comunicacion/lenguaje-corporal.php#ixzz3YXyc0QuT
• http://es.wikipedia.org/wiki/Artes_esc%C3%A9nicas
• http://elteatroalbanysyusleida.blogspot.com/
• http://definicion.de/danza/#ixzz3YY3T95iY
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/heidegger.htm
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gadamer.htm
• http://salonvirtual.upel.edu.ve/mod/book/view.php?id=4263&chapterid=278