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CLÁSICOS SECUENCIA 3 Secuencia 3 apuesta, entre otras líneas de su actividad escénica, por la promoción del teatro clásico español, desde la convicción de que la iniciativa privada puede y debe contribuir a la difusión de nuestros clásicos entre los espectadores españoles. Siempre con producciones de calidad y con una compañía que se caracterice por “decir bien el verso” e interpretar con modernidad a nuestros clásicos. Para ello, Secuencia 3 quiere formar un equipo artístico básico, unido, compenetrado, bajo la dirección de Mariano de Paco Serrano. El primer trabajo con su dirección ha sido El galán fantasma, de Calderón de la Barca, estrenado el 28 de enero de 2010. Desde su estreno, la obra ha girado por los más importantes Festivales de teatro clásico de nuestro país (Almagro, Olite, Alcalá de Henares, Elche, Ceuta, Lucentum de Alicante, Priego de Córdoba…) y por los teatros de mayor prestigio de nuestra geografía. A partir del 23 de diciembre de 2010 y hasta el 9 de enero de 2011 se representa en Los Teatros del Canal de Madrid. Basándose en el cuerpo central de dicha compañía (tanto en el equipo artístico de diseño de iluminación, escenografía, vestuario, sonido, asesoría de verso) y en los más acreditados actores de su reparto, Secuencia 3 quiere producir en 2011 La Celestina, de Fernando de Rojas, de manera que poco a poco pueda ir construyéndose una compañía estable de repertorio clásico (con ciertas escalas en el teatro contemporáneo: parte de la compañía representa actualmente Maniobras, drama social actual sobre el abuso de poder, una obra de Eduardo Galán). El proyecto pretende continuar en 2012 con la producción de un nuevo texto clásico. Por otro lado, y como complemento de estas producciones de gran calado, Secuencia 3 trabaja desde hace años en su proyecto de “clásicos para jóvenes”: espectáculos creados especialmente para los más jóvenes y que se ofertan tanto en campaña escolar como en público familiar. Este proyecto está dirigido por Alejandro Arestegui, uno de los actores participantes en El galán fantasma y que estará presente también en el reparto de La Celestina. Hasta la fecha, Secuencia 3 ha producido los siguientes espectáculos de “clásicos para jóvenes”: El Lazarillo, La Celestina y Entremeses de Cervantes. En la temporada 2010-2011, tanto El Lazarillo como Entremeses se están representando en campaña escolar para estudiantes de Primaria y Secundaria en el Teatro Bellas Artes de Madrid. Vocación, pues, de Secuencia 3 de permanencia en la producción y exhibición de nuestro mejor teatro clásico, tanto en producciones de gran calado para adultos como en producciones para jóvenes.

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NUESTRA CELESTINA: LA PASIÓN ERÓTICA Y LA CODICIA

AL RITMO DEL “CARPE DIEM” La Celestina constituye, con, Don Quijote y Don Juan, uno de los tres de los grandes mitos universales que ha creado la literatura española. Fernando de Rojas la escribió a finales del siglo XV con la intención de que fuera leída por el público universitario y culto de su época, no para ser representada. La representación del texto completo supera las cuatros horas de duración, experiencia escénica que se ha llevado a cabo en alguna ocasión. La Celestina pertenece al denominado género de la comedia humanística, que a finales de la Edad Media se cultivó en el sur de Europa a imitación de la comedia latina que dio lugar al género, con la intención de mostrar una relación de amores ilícitos condenados al fracaso. De esta tradición culta, Fernando de Rojas tomó las extensísimas citas y referencias literarias que contiene el texto, así como los largos parlamentos de los personajes, las enumeraciones constantes, el retoricismo verbal lujosísimo y el estilo latinizante de la sintaxis del texto. Juntamente con este estilo culto, la famosa Tragicomedia de Calixto y Melibea incorpora un lenguaje popular, propio de los orígenes de la comedia, y que caracteriza el habla de Celestina, los criados y las “putas” Elicia y Areúsa. El refrán es el medio propio del habla popular, reflejado en la obra de Fernando de Rojas. Por todo ello, La Celestina supone un homenaje a la cuna del castellano, a la explosión literaria de una lengua vernácula medieval que, con esta obra, adquiría mayoría de edad. Comedia y tragedia. Personajes populares y personajes cultos. Señores y criados. El fin de la Edad Media y el florecer del Renacimiento. La llegada del mundo urbano, en donde los trabajos deben pagarse. El amor y el dinero como motores del mundo, ideas de Aristóteles, reflejadas ya por El Arcipreste de Hita en su “Libro de Buen Amor”, que se convierten en protagonistas de La Celestina. En esta nueva versión, he buscado el dinamismo de la acción, el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: el “carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad –como dice Celestina a Melibea- de disfrutar de la juventud antes de que la vejez arruine la belleza. “¿Cómo no disfruté más del gozo?” se lamenta Melibea al ver morir a su amado Calisto. Para ello, he realizado una labor de síntesis y me he visto obligado a reducir los extensos parlamentos del original, a recortar sus constantes enumeraciones, a suprimir las permanentes citas históricas y literarias, a respetar, en general, el léxico de la época a la vez que he sustituido algunos

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arcaísmos por palabras comprensibles para el espectador de hoy, sin caer en modismos de nuestro tiempo. En mi opinión, Celestina es una mujer llena de fuerza y vida, una mujer seductora con la palabra, “que a las piedras movería a la lujuria”, una mujer avara, además, y hechicera… Y, como dice Pármeno, “una puta vieja”. Con esta versión, en fin, me gustaría acercar también la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma de quienes acudan a ver “nuestra” Celestina (de Gemma Cuervo y de los demás actores, del director Mariano de Paco, del equipo artístico y de producción).

Eduardo Galán

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Autor: Fernando de Rojas Versión: Eduardo Galán Dirección: Mariano de Paco Serrano Música: Tomás Marco Diseño de iluminación: Pedro Yagüe Diseño de escenografía: David de Loaysa Diseño de vestuario: Maika Chamorro Diseño gráfico y fotografía: Pedro Gato Ayudante de dirección: Pablo Huetos Director de Producción: Manuel Llada Ayudante de producción: Luis Galán Comunicación: Beatriz Tovar Administración: Sandra García Coordinador técnico: Luis Bariego Técnico de Iluminación: Ana Coca Técnico de sonido: Luis Galán Sastrería en gira: Cristina Martínez Realización de escenografía: Verteatro - Altamira Transporte: Miguel Ángel Ocaña Gestoría: Magasaz Producción ejecutiva: Secuencia 3 Producción: Secuencia 3, SMedia (Enrique Salaberría), Txalo Producciones (Xabier Aguirre – País Vasco), Alberto Blasco, Arteatro (Madrid).

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REPARTO (por orden de intervención)

CALISTO: Alejandro Arestegui

MELIBEA: Olalla Escribano

SEMPRONIO: Juan Calot

PÁRMENO / SOSIA: Santiago Nogués

CELESTINA: Gemma Cuervo

ELICIA: Rosa Merás

LUCRECIA: Irene Aguilar

PLEBERIO: Jordi Soler

AREÚSA: Natalia Erice

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SINOPSIS Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.

El papel de la magia en La Celestina

Se ha discutido mucho acerca del papel que juega la magia en La Celestina: mientras que para unos autores la magia se limita a ser un motivo literario y ornamental, para otros constituye un tema esencial para comprender e interpretar la obra. Está demostrado que en la época en que se escribe la obra era frecuente encontrar en las ciudades españolas hechiceras del tipo de Celestina. El pueblo creía en la virtualidad de los hechizos y de las hechiceras. Las mismas autoridades eclesiásticas constataron su existencia y consideraron su influencia como maléfica. No es de extrañar, pues, que F. de Rojas nos mostrase las actividades comunices de una hechicera. Ahora bien, ¿qué papel juega el hechizo de Celestina en la obra?. Como ya hemos visto, tanto Celestina como Pármeno, Sempronio o Lucrecia creen en las artes brujeriles de aquélla. Celestina se humaniza cuando duda del hechizo y cuando increpa al diablo, pero ella se siente hechicera. ¿Creía Rojas en las brujas? ¿Creían las gentes de su Tepoca? Los testimonios de aquel tiempo avalan la tesis de que sí se creía en la eficacia de las brujas, Ahora bien ¿quiere hacernos creer F. de Rojas que la seducción de Melibea se produce exclusivamente por el hechizo? A favor de la aceptación de la brujería o magia como elemento indispensable para la comprensión de la obra, se han inclinado varios críticos y entre ellos Caro Baroja, J. L. Alborg, P. E. Russell, J. A Maravall. El etnólogo J, Caro Baroja que ha estudiado con detenimiento el origen y la evolución del mundo de las brujas, pone a Celestina en relación con las hechiceras del Renacimiento. Para Caro Baroja en la España de los siglos XV y XVI podían encontrarse hechiceras o brujas del tipo de Celestina. Rojas no habría hecho más que trasladar a su obra un tipo existente en la sociedad:

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Aunque F. de Rojas dibujó su espléndido personaje tomando elementos de la literatura lanita de Ovidio, de Horacio, etc., resultó que su dibujo correspondía tan perfectamente con tipos reales que podían encontrarse en las ciudades españolas (Toledo, Salamanca, Sevilla…) en los siglos XV y XVI, que dio un patrón excelente a los cultivadores de la literatura realista. Celestina […] es una mujer mal afamada, que después de haber pasado la juventud como mercenaria del amor, se dedica en la vejez a servir de alcahueta o tercera, dirigiendo también con su consejo a una serie de prostitutas y rufianes. Es hábil perfumista y fabricante de cosméticos o productos de belleza. Pero además practica la Hechicería, la Hechicería erótica ante todo. Sus conjuros diabólicos son sabios, complicado su laboratorio…

Más tajante en sus afirmaciones se muestra J.L. Alborg quién considera que la magia es la causa determinante del fuego amoroso de Melibea. Sin el elemento mágico, no podría entenderse la obra. En este sentido escribe:

Declaramos abiertamente que no se nos alcanza cómo puede entenderse la Tragicomedia si se supone que la magia de Celestina no desempeña sino un mero papel de pintoresquismo ambiental.

P. E. Russell dedica un apasionante artículo a demostrar que el tema de la magia es clave para la comprensión de La Celestina. Tras señalar los diferentes momentos en que se manifiesta a lo largo de la obra, explica que en la época en que se publica la obra era común y normal creer en la virtualidad de la bujería:

Los innumerables lectores de la Tragicomedia creían casi todos, pues, en la eficacia de la magia tanto en la vida cotidiana como en sus manifestaciones literarias – hecho que no podían ignorar los autores de la obra al tratar el tema-. Al querer discutirlo la crítica moderna, tiene que empezar reconociendo esta verdad histórica. Es necesario reconocer, también, que, al sugerir la posibilidad de que los autores de la Tragicomedia demuestren un escepticismo fundamental ante la hechicería y la brujería en la famosa obra, la crítica les atribuye actitudes intelectuales y sociales que discrepaban con la tradición ortodoxa de la sociedad en que vivían. Nada más alejado de la realidad española o europea del Cuatrocientos que el suponer que el escepticismo con respecto a la magia era la norma entre personas inteligentes o escritores geniales.

También explica Russell que el desarrollo de la obra puede interpretarse como una prueba de que todo el que penetra en el mundo de la magia tienen un fin desastroso. Así se explican las muertes de Celestina, la hechicera, y de los demás personajes que entran en contacto con ella. También José A. Maravall considera imprescindible acudir a la magia para explicar la acción dramática de la obra:

Creo, en consecuencia, que la presencia del elemento mágico en La Celestina responde a algo más que a razones literarias y ornamentales, contra lo que todavía recientemente se ha dicho. La magia es la gran ciencia en el primer Renacimiento.

Maravall distingue entre maga o hechicera y bruja. Celestina es, para él, maga, pero no bruja:

No era éste producto de misteriosas iniciaciones satánicas, sino de un aprendido arte, algo así como una técnica, según llevamos dicho, en el manejo de ciertos recursos, entre los cuales podía entrar el diablo como un agente subordinado.

Celestina es, pues, una hechicera. Y parece claro que el hombre renacentista creía en la eficacia de los hechizos.

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LA COMPAÑÍA Gemma Cuervo

Inició su carrera en el Teatro Español Universitario y debutó profesionalmente con Adolfo Marsillach en Harvey, de Mary Chace y más tarde José Tamayo la incorporó a la «Compañía Lope de Vega». En 1969 formó compañía propia junto Fernando Guillén y representaron obras en varias localidades españolas y fuera de España. Su último trabajo sobre los escenarios fue hace 9 años en ¡Hay motín compañeras! (2002), de Alberto Miralles. Entre sus representaciones más destacadas se encuentran títulos como Don Juan Tenorio (1961) de José Zorrilla, La dama del alba (1962) y La tercera palabra (1963/64), de

Alejandro Casona, Águila de blasón (1966) de Valle- Inclán, El castigo sin venganza (1968) de Lope de Vega, Los comuneros (1974) de Ana Diosdado, La Orestíada (1975) de Esquilo, Angelina o el honor de un brigadier (1978/79) de Enrique Jardiel Poncela, Siempre no es toda la vida (1979) de Santiago Moncada, El corto vuelo del gallo (1980), de Jaime Salom, El cianuro... ¿solo o con leche? (1985) de Juan José Alonso Millán, Bodas de sangre (1986) de Federico García Lorca, La noche del sábado (1991) de Jacinto Benavente, La importancia de llamarse Ernesto (1996), de Oscar Wilde, entre otros muchos. Sus trabajos más conocidos por el público son sus intervenciones en Estudio 1, Médico de familia y su famoso papel de “Vicenta Benito” en la exitosa serie Aquí no hay quien viva. Trabajó en la continuación de la serie bajo el nombre de La que se avecina hasta la cuarta temporada (2010). Actualmente, está trabajando en Amar en tiempos revueltos en TVE.

Olalla Escribano Actualmente encabeza el cartel de otro de los espectáculos de Secuencia 3, Maniobras (de Eduardo Galán, dirigida por Mariano de Paco Serrano). En teatro también ha trabajado en Obsession Street dirigida por Mariano de Paco Serrano y nominada en 2010 al Mejor Espectáculo Revelación; Felices 30 de Eduardo Galán, En la ardiente oscuridad de Buero

Vallejo dirigida por Mariano de Paco Serrano, Las cosas son menos complicadas de lo que parecen representada en la Sala Área Tangent, y Sombras de Poe dirigida por Paco Vidal. Destacar que con la compañía Tamir ha trabajado ya en otra versión de La Celestina y en la obra Amadeus, por la que obtuvo el Premio a Mejor Actriz Secundaria en el Festival de Teatro Mora en Navalcarnero. En su recorrido por la televisión destacan sus interpretaciones como protagonista en la serie de éxito de la tarde de Antena 3 La Lola , y con personajes secundarios en las series de prestigio Hospital Central, Mar Rojo, Vent Del Pla, El Comisario, Los 80, Así éramos,

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Abogados y Policías. En cine, ha actuado en las películas como Ramírez de Albert Cos, Serrallonga de Esteve Rovira, Després De La Pluja de Agustín de Virallonga, Salvador (Puig Antich) de Manuel Huerga, Versus de Iago de Soto, Nudos de Lluís Mª Güel e Insomnio de una noche de verano de Aitor Gueizca.

Alejandro Arestegui Resalta en el plano interpretativo por montajes como El príncipe y la corista y La tienda de la esquina. Ha protagonizado obras como La mujer que se parecía a Marilyn y Esperando a Diana y más recientemente El galán fantasma y Maniobras de Eduardo Galán y dirigidas por Mariano de Paco Serrano. Ha participado en las series de televisión Doctor Mateo, Aquí no hay

quien viva y Vientos de agua, donde además ha colaborado como coach. Compagina su trabajo como actor con el de director de escena, siendo su última dirección Entremeses de Cervantes y El Lazarillo de Tormes representadas en campaña escolar en el Teatro Bellas Artes de Madrid, adaptadas por Eduardo Galán. También ha dirigido La Celestina de Fernando de Rojas, representada en campaña escolar en el Teatro Lara de Madrid, Una conferencia, de Javier García Mauriño (Premio Lope de Vega), Lupe y Lope del mismo autor, y El Libro de la Selva.

Juan Calot Con un consolidado recorrido en las tablas, en especial en el teatro clásico español (El mágico prodigioso, La hija del aire, No hay burlas con el amor, La dama duende, El caballero de Olmedo…), ha trabajado con prestigiosos directores como José Luís Alonso, Lluís Pasqual, Fernán-Gómez, José Tamayo, Mario Gas, Josefina Molina, Guillermo Heras, entre otros

muchos. Entre sus trabajos se encuentran también El galán fantasma, Maniobras, La muerte de un viajante, Retorno al hogar, La gata sobre entejado de zinc, El misántropo, El cementerio de automóviles, Llama un inspector, Julio César, Un marido de ida y vuelta, La decente, Casa de muñecas… En cine actúa para directores como Garci en Sesión Continua, El abuelo y Tiovivo 1950, Miguel Bardem en Incautos, Albert Boadella en Buen viaje excelencia o Daniel Cebrián en Cascabel. Asimismo, en TV ha protagonizado exitosas series como Brigada Central de Pedro Masó, Historias del Otro Lado de Garci, Una mujer para toda la vida de Ripol y ha participado en Hospital Central, El comisario, Lobos, Aquí no hay quien viva, Policías, Cuéntame o Segunda enseñanza.

Santiago Nogués Actor que ha estado en numerosísimas obras de teatro, resaltan entre ellas sus últimas interpretaciones en Ser o no ser, adaptada por

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Julio Salvatierra, El caso de la mujer asesinada de Miguel Mihura, Sueño de una noche de verano, Shakespeare, Las Leandras (Zarzuela) de la compañía Lírica de Madrid, El pelo de la dehesa de Bretón de los Herreros, El amor enamorado de Lope de Vega, etc., Además, en el plano televisivo ha actuado en series tan conocidas como Hospital Central, El Comisario, Escenas de Matrimonio, Aquí no hay quien viva, Paco y Veva, La casa de los líos…. En cine ha trabajado bajo la dirección de directores de la talla de Ernesto Martín en El chocolate del Loro, Fernando Fernán Gómez en Lázaro de Tormes o Juan Calvo en Di que sí.

Natalia Erice

Se inicia en el teatro en el Centro de Artes Escénicas Juan de Antxieta, de Bilbao, dirigido por Ramón Barea, a la vez que se licencia en Historia en Deusto. Completa su formación en el madrileño Taller de Creación Teatral que dirigen Mar Navarro y Andrés Hernández. Ha formado parte de la compañía Tragaleguas, de Pobreteatro (Adicciones, Dreck Komödie) o

de la cía. de Commedia dell’arte, dirigida por Fabio Mangolini, que estrenó en el Festival de Almagro El basilisco enamorado. Entre otras andanzas teatrales, destaca su monólogo Ovillo 202, premiado en varios certámenes, y su colaboración con La Fura dels Baus en el espectáculo Boris Godunov. Además de trabajar en El show de los Lunnis, ha interpretado obras en alemán como Ein Inspektor kommt con la cía. Tübinger Theatergruppe Schlatterhaus. En televisión, ha intervenido en la serie de humor Euskolegas (Vaya semanita), mientras que en cine ha protagonizado cortometrajes como La Boda, de Ramón Barea, y el largometraje Esperando septiembre, de Tina Olivares, por el que ha recibido el Premio a Mejor Interpretación en el Festival de Cine de Castilla-La Mancha.

Rosa Merás

Trabaja como actriz desde 1981 tanto en teatro como en cine y televisión con directores como: Enrique Urbizu, Eduard Cortés, Pedro Costa, Jesús Cracio, Vicente Aranda, José Frade, José Ganga, César Rodríguez, Julio Sánchez, Jacobo Rispa, José Luis Berlanga… Se forma como profesional en cursos de larga y corta duración como: ITAE, Estudio de actuación

Juan Carlos Corazza, John Strasberg, Montxo Armendáriz, Sylvain Corthay, Marcelo Katz, Claudio Tolcachir, entre muchos otros. Desde 2003, compagina su actividad como actriz con la gerencia y dirección de Arteatro Productora Teatral.

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Irene Aguilar Cuenta con estudios de música y piano y con un amplio conocimiento de danza clásica, moderna y española, además de otros tipos de bailes como hip-hop, danza contemporánea y jazz. Sus estudios de teatro y arte dramático incluyen cursos y seminarios de formación en París, Madrid y Nueva York en escuelas como la Escuela Lecoq, escuela de teatro de Philippe

Gaulier, Corazza Escuela de Teatro, Layton, o el HB Studio de Nueva York. Ha participado como actriz en dos cortometrajes, uno en 2009 Todos los trenes van a París y en 2010 en Aliance (actualmente en post-producción). Asimismo, ha participado en el musical Willy Fog y en el de David el Gnomo en la pasada temporada en el Teatro Hagen Daz de Madrid. Actualmente, trabaja como actriz interpretando el papel de “Gelsomina” en la adaptación teatral de La Strada de Fellini que René Buch y Jorge Merced han llevado al teatro IATI de Nueva York.

Jordi Soler

Con una gran experiencia sobre las tablas, ha interpretado papeles en obras como Münchhaussen dirigida por Lucía Vilanova, El enemigo de la clase de Nigel Williams, Un marido de ida y vuelta de Jardiel Poncela y un larguísimo etc. Actualmente, se encuentra representando Ahí dentro del autor Jaime Aranzadi, bajo la dirección de Guillermo

Vecchio en el proyecto Microteatro por dinero (Madrid). En el mundo televisivo a participado en las series de éxito Pelotas (TVE) y Yo soy Bea (T5) y a lo largo de su trayectoria en otras tan conocidas como Médico de familia, Periodistas o Lleno por favor. Además, ha intervenido en diversos doblajes de largometrajes de animación y espacios publicitarios.

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EL AUTOR

De la vida de Fernando de Rojas se sabe poco. Al menos, los críticos de su obra parecen estar de acuerdo cuando afirman que Rojas nació hacia 1476, que estudió Leyes en Salamanca (1494-1502), en donde obtuvo el grado de Bachiller y en donde posiblemente escribió La Celestina. Más tarde se estableció en Talavera de la Reina, donde ejerció como Alcalde Mayor durante unos meses y donde murió en 1541. Sabemos también que se casó y tuvo seis hijos. Y que nadie le

molestó con acusaciones de converso. Sin embargo, prestigiosos eruditos coinciden en aceptar su origen converso, pero no hay coincidencias al explicar su fe: para unos vivió secretamente su religión prohibida (el judaísmo) y para otros vivió como un auténtico católico. Lo cierto es que la vida de Rojas transcurrió durante el reinado de los Reyes Católicos y buena parte del reinado de Carlos I. Recuérdese que durante el reinado de los Reyes Católicos se produjo la expulsión de los judíos de la Península Ibérica (1492). En aquellos momentos había en la península alrededor de quinientos mil judíos. De ellos se convirtieron (verdadera o falsamente) unos trescientos mil para no tener que huir. Los judíos y musulmanes convertidos entonces pasaron a denominarse “conversos” o “cristianos nuevos”. Como muchos de ellos siguieron practicando su antigua religión, fueron considerados en su mayoría como sospechosos. De ahí que ocultasen sus orígenes. Para contrarrestar las herejías y descubrir a los falsos cristianos, en 1480 se crea en Castilla La Inquisición, que perseguirá a los conversos que conserva las prácticas y ritos judaicos. En este ambiente debió de vivir Fernando de Rojas. Su condición de descendiente de conversos ha llevado a plantearse algunas preguntas: ¿padeció Rojas en el seno de su familia la persecución, la cárcel, el desprecio… y manifiesta, por lo tanto, en su obra el rechazo de su sociedad? O, por el contrario, ¿no tuvo incidentes con la justicia y vivió sinceramente como cristiano convencido?

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EL ADAPTADOR

Eduardo Galán Autor teatral, profesor, ensayista, articulista y conferenciante habitual en cursos y seminarios universitarios. Ha publicado numerosos estudios literarios y críticas de literatura española. Ha sido Subdirector General de Teatro del INAEM. Sus obras se han representado en Argentina, Venezuela, Méjico, Estados Unidos, Italia, Portugal, Grecia, Estonia y Chipre. Ha sido traducido al inglés en Estados Unidos, al portugués, al francés y al griego.

Como autor teatral, ha obtenido el Premio Calderón de la Barca 1988, el Premio Lazarillo de Tormes de Teatro 1992, el Premio Enrique Llovet 1994 y el Premio Nacional de Teatro Infantil y Juvenil de AETIJ 2002. Entre sus obras originales más representadas, sobresalen La curva de la felicidad, Maniobras, Felices 30, La mujer que se parecía a Marilyn, Esperando a Diana, Tres hombres y un destino, Memoria y olvido (Argentina 76, ¡nunca más!), Mujeres frente al espejo, Anónima sentencia y La posada del arenal. Además, ha realizado numerosas adaptaciones, entre otras, las de El galán fantasma (Calderón), La importancia de llamarse Ernesto (Óscar Wilde), La Celestina, Los Entremeses de Cervantes, El Lazarillo, El libro de la selva, El fantasma de la ópera, Defendiendo al cavernícola, La dama duende y también adaptaciones de cuentos clásicos para niños, como La Cenicienta. En 2008 ha estrenado la aplaudida obra La curva de la felicidad en Buenos Aires (antes en Lisboa, Atenas, Caracas y Miami). Su obra Mujeres frente al espejo ha tenido también una excelente acogida internacional, pues se ha representado en países como Portugal, Argentina, Venezuela, Puerto Rico, Grecia, Chipre, Francia…

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EL DIRECTOR

Mariano de Paco Serrano

Director de escena. Licenciado en Derecho por la Universidad de Murcia. Diploma de Estudios Avanzados en Literatura Española y estudios de doctorado en el Departamento de Literatura Española, Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en esa misma Universidad (Realiza su Tesis doctoral sobre la figura del director Adolfo Marsillach). Director de la Feria de Artes Escénicas de Madrid, MADferia, entre 2008 y 2011. En ese

periodo es Presidente de la Coordinadora de Ferias del Estado español (COFAE). Entre 2003 y 2007 es Gerente del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. Como director de escena ha sido finalista al MAX revelación con su espectáculo Obsession Street, de Diana de Paco. Finalista Premio Valle-Inclán de Teatro 2009 por su dirección de La fierecilla domada de William Shakespeare en versión de Diana de Paco y en 2011 por su dirección de El galán fantasma de Calderón de la Barca en versión de Eduardo Galán y Daniel Pérez. Premio Clásicos TV Castilla-La Mancha. Radio Surco de dirección 2007. Premio José Luis Alonso 2005 de la Asociación de Directores de Escena de España por Danny y Roberta, una danza apache de John Patrick Shanley, también finalista como Mejor Espectáculo en la 12 Mostra de Teatre de Barcelona por este mismo montaje. Últimos trabajos como director de escena (2007-2011): Shitz, de Hanoch Levin. La argentinita y Lorca, pasión por la música. Maniobras, de Eduardo Galán. El galán fantasma, de Calderón de la Barca. Los Vecinos de Michel Vinaver (Semimontado). Gala de entrega de los Premios de Cultura de la Comunidad de Madrid 2009 y 2010. Obsession Street, de Diana de Paco (Premio Palencia de teatro 2008) y premio de escenografía para David de Loaysa en el Festival de esa misma ciudad. Para Bellum, de Concha Rodríguez. Felices 30, de Eduardo Galán. Raccord, de Rudolf Sirera (Semimontado). La fierecilla domada, de William Shakespeare. Madrid: escaparate de las artes en el E-Werk de Berlín. Un buen día, de Dennis Lumborg. Los Intereses creados, de Jacinto Benavente. 11 Miradas, de Tomás Afán (Premio Palencia de teatro 2006). La Señorita de Trevélez, de Carlos Arniches. En la ardiente oscuridad, de Antonio Buero Vallejo. Domina los códigos de la comedia de humor y ha dirigido ya más de cincuenta obras teatrales siempre con éxito de público y de reconocimiento de la crítica. Como director de espectáculos ha dirigido la gala de clausura de la Muestra de Teatro Madrileño en Berlín (2008)

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Nota de dirección

Somos Gemma Cuervo, Juan Calot, Natalia Sánchez, Alejandro Arestegui, Santiago Nogués, Rosa Merás, Jordi Soler, Natalia Erice, Irene Escolar y el director que se dirige a ustedes y nos enfrentamos al reto de contar la Tragicomedia de Calisto y Melibea, La Celestina. La primera y principal ayuda la hemos recibido de Eduardo Galán con su brillante versión del texto, ágil y respetuosa, con el anciano aroma de los buenos vinos. Ahora debemos decantar, escanciar y servir, presentándoles una degustación que deleite tanto al experto sumiller como al mayor de los neófitos.

En esta ocasión me he propuesto no recurrir a las grandes preguntas (cada vez me siento más incapaz de contestarlas) ni a los axiomas universales a los que dar la vuelta. Quiero bucear en lo pequeño, en lo escondido en la luz. Si me lo permiten, en lo claro y transparente. En esta ocasión, no me siento capacitado para descubrir nada nuevo. Ya lo descubrió el jurista Fernando de Rojas allá por el siglo XV. Estamos trabajando con Literatura excelsa y quizá, eso sí, este sea un buen momento para volver a reivindicar la importancia de la buena literatura dramática, en cualquiera de sus manifestaciones, como elemento indisociable y necesario para el disfrute del espectáculo teatral.

Sólo me atrevo a formularme una pregunta: ¿conseguiremos transmitir entre varios pero con una sola voz un texto escrito para ser leído por un solo ser? Lo hemos hablado, estamos dispuestos y lo vamos a intentar. Parece que dos autores alumbraron el prodigio de La Celestina. Unos cuantos de nosotros nos hemos propuesto la osadía de interpretarlo en el siglo 21.

Cuento para esta empresa con Fernando de Rojas y con Gemma Cuervo y con Tomás Marco. Me siento un privilegiado y, con su permiso, me voy a aplicar la frase que ha escrito hace poco un gran poeta (refiriéndose al magnífico trabajo de un estupendo director de escena): con estos mimbres, para matarme si no lo hago bien. Todos mueren en La Celestina. También los que quedan, porque se acaban. Espero no correr la misma suerte. La palabra, la muerte, la magia y el erotismo son, como escribió el profesor Russell temas de La Celestina. No me tengan en cuenta el desliz, en las grandes obras, como en las grandes vidas, nada importa conocer el final. Siguen interesando.

Mariano de Paco Serrano

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ESPACIO ESCÉNICO

David de Loaysa

Licenciado en Arte Dramático en la especialidad de escenografía por la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid) y con un master en Diseño de Iluminación Arquitectónica por la Universidad Politécnica de Madrid (Escuela Superior de Arquitectura), comienza su andadura colaborando en distintos certámenes de teatro organizados por la Universidad Politécnica de

Madrid entre los años 2000- 2005. A partir de aquí trabaja en multitud de obras como escenógrafo e iluminador con los directores de teatro Mariano de Paco Serrano y Juan Carlos Pérez de la Fuente. Actualmente, ha sido premiado en el Festival de Teatro Ciudad de Palencia a la mejor escenografía 2009 por Obsession Street. Entre los títulos en los que ha trabajado destacan los siguientes nombres: El galán fantasma, Felices 30, La fierecilla domada, 11 miradas, En la ardiente oscuridad, La boda o Mala sangre.

Nota de escenografía

Analizando detenidamente el argumento de La Celestina, nos encontramos con numerosos espacios en donde se desarrolla la obra. Todos ellos evidentemente urbanos, que se van entrelazando unos con otros de una forma vertiginosa, a medida que intervienen unos personajes u otros. En ocasiones llegan a simultanearse dos

espacios, con dos acciones diferentes. Con todo ello, resulta una de las obras dramáticas más difíciles de poner en pié, escenográficamente hablando. Pero en lo complejo, está lo bello de este tipo de espacios. Puesto que obligan a desarrollar grandes ideas, para recrear el gran imaginario que despierta esta gran obra teatral. En esta ocasión, la propuesta escenográfica va enfocada al espacio del huerto en la casa de Melibea, en el que nos encontramos un personaje más. Un personaje inerte, pero gran protagonista y testigo de la tragedia que se desarrolla a su alrededor. Se trata de La Escalera, cuyo simbolismo y fuerza visual, nos sirve para cargar la acción dramática en cada uno de sus peldaños.

David de Loaysa

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DISEÑO DE ILUMINACIÓN

Pedro Yagüe Guirao Licenciado en Filología Hispánica (Universidad de Murcia) ha sido director técnico del Teatro de la Abadía de Madrid (temporada 2006-2007) y jefe del departamento de iluminación en el Teatro de la Abadía de Madrid 1999-2006. Ha sido el coordinador técnico del Festival de Almagro 2006, 2007, 2008, 2009, 2010 y miembro del equipo técnico del Festival de Almagro desde el año 1996. Además, ha trabajado como técnico de iluminación con numerosas compañías y en montajes bajo la dirección de diversos directores de escena como José Luis Gómez, Andrés Lima, Carles Alfaro, Ana Zamora, Alex Rigola, César Oliva, José Carlos Plaza, Mariano de Paco Serrano, J. M. Flotats, Gerardo Malla, John Strasberg, R. Reguant, Jaime Chavarri, etc. Es miembro del Teatro Universitario de Murcia desde el año 1994-95. Premios Premio Max de Iluminación 2010, por su trabajo en el espectáculo del C.D.N y la compañía ANIMALARIO “Urtaín”, con dirección de Andrés Lima. Finalista de los Premios Max de Iluminación 2008, por su trabajo en el espectáculo de la compañía Aracaladanza “Pequeños Paraísos”, con dirección de Enrique Cabrera. Premio “Rogelio de Egusquiza” de Iluminación 2007, por“La Ilusión”, con dirección de Carlos Aladro, producción del Teatro de la Abadia.

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MÚSICA

Tomás Marco Aragón Estudio violín y composición, simultaneando esta actividad con los estudios en Derecho. Amplió estudios musicales en Francia y Alemania y entre sus profesores destacan Pierre Boulez, György Ligeti y Karlheinz Stockhausen, Bruno Maderna o Theodor Adorno. Es autor de diversos libros y artículos sobre música contemporánea española y Premio Nacional de Música de España. También siguió algunos cursos de Psicología, Sociología y Artes Escénicas. En 1967 fue ayudante de

Stockhausen. Ha recibido los premios: Nacional de Música en 1969, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro, Tribuna de Compositores de la UNESCO. Fue Profesor de Nuevas Técnicas del Conservatorio de Madrid y Profesor de Historia de la Música de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Ha publicado varios libros y dictado cursos en instituciones y universidades de Europa y América. Ha ejercido la crítica musical en varios medios. Trabajó once años en los servicios musicales de Radio Nacional de España siendo Premio Nacional de Radiodifusión y Premio Ondas. De 1981 a 1985, fue Director–Gerente del Organismo Autónomo Orquesta y Coro Nacionales de España y entre 1991 y 1995 Director Técnico de los mismos conjuntos. De 1985 a 1995 fue Director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea creando su laboratorio de electroacústica y el Festival Internacional de Alicante cuyas primeras once ediciones dirigió. Desde 1993 es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. De 1977 a 1996 Consejero de SGAE. En 1996 Director de Festivales de la Comunidad de Madrid. De Mayo de 1996 a Julio de 1999, Director General del INAEM. En 1998 Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid. Como compositor es autor de 5 óperas, l ballet, 7 sinfonías, música coral, de cámara, etc. En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música. En Noviembre de 2002 ha recibido el Premios Nacionales de Música de España por el conjunto de su obra compositiva y en 2003 el Premio de Música de la Comunidad de Madrid. No menos relevante es su labor como ensayista, habiendo escrito dos obras de la relevancia y amplitud de Pensamiento musical y siglo XX (2003) y, sobre todo, Historia cultural de la música (2008), tal vez su empeño más ambicioso y uno de los libros más completos de su tiempo, compilación de nombres y obras que pretende ilustrar un recorrido histórico de la música y todo cuanto a ella está relacionado a través de los tiempos.

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Música para La Celestina Wystan H. Auden decía que el libreto de ópera es el último refugio de la poesía épica. Con la misma razón se podría decir que el teatro clásico es el último refugio de una música de escena creativa. Sin embargo, y aunque escribir música para el teatro resulta fascinante para muchos compositores entre los cuáles me incluyo sin ninguna duda, se trata de un trabajo musical muy diferente del que se realiza a la hora de afrontar la creación musical pura. Se trata, en primer lugar, de servir adecuadamente a un texto pero también, e indisolublemente unido a él, de ilustrar una versión y un montaje concreto de ese texto. La música así debe insertarse en un trabajo de conjunto en el que se hace un bloque indisoluble con los demás elementos del montaje. Es como un decorado sonoro pero también algo más que eso. A la hora de abordar la composición musical para una obra de teatro es imprescindible empaparse del texto que se va a abordar y conocer a fondo las intenciones del director de escena. Es en realidad el director e el determinante, más que el texto mismo, de la música que se va a hacer. Mi experiencia personal es que no todos los directores saben muy bien qué música quieren y, lo que es peor, ni dónde ni cuando la quieren. Pero el compositor sólo puede tomar iniciativas muy raramente y con mucho cuidado porque no debe condicionar el montaje sino, al contrario, plegarse a él. Eso no anula, ni mucho menos, la imaginación ni la libertad del compositor, pero sí orienta la dirección de sus esfuerzos alineada con los de los demás. Si acepté realizar la música de La Celestina fue por varios factores. El primero, sin duda, porque me fascina hacer música para teatro y hacía algún tiempo que no tenía la oportunidad .Después, por la importancia de la obra y las posibilidades que abre así como porque me pareció que la versión era muy pertinente y puesta en lugar. Finalmente porque descubrí enseguida que Mariano de Paco tenía una idea clara sobre el montaje con la que yo estaba de acuerdo, y sabía perfectamente para qué quería la música e incluso qué música quería. Esto último es muy importante porque creo que tan irreal es empeñarse en hacer una música estrictamente de época como en una música plenamente actual del género que sea. Lo mejor, pienso, es mantenerla en un espacio mítico suficientemente amplio como para que los ecos antiguos aún nos lleguen y los modernos sean adecuados. La primera tentación que se presenta es, evidentemente, utilizar música realizada en vivo por instrumentistas y/o cantantes. Es quizá un ideal pero algo utópico a día de hoy ya que encarece enormemente los montajes y sólo se lo podrían permitir, y no lo hacen siempre, caros montajes públicos. Además, tampoco es una garantía absoluta pues en los últimos tiempos hemos podido ver y oír montajes públicos donde la música era o rematadamente mala o claramente inadecuada o francamente cutre cuando se han empeñado en hacer cantar a actores que no están preparados para ello ni tienen por qué estarlo. Desde el principio pensamos en La Celestina con música grabada y decidí hacerla con medios tecnológicos que me permitieran el uso de instrumentos virtuales, de verdaderas partituras instrumentales tratadas que acabé realizando en mi propio estudio. De esta manera se emplea música instrumental, coral y electrónica realizada con instrumental midi,

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sintetizadores y otros procedimientos que sustituyen sin desdoro a las orquestas convencionales. Dependiendo de cada instante concreto en el que el director escénico estimaba necesario contar con un apoyo musical, he planteado cada intervención como un hecho personalizado que me permite bloques que van desde el violín o la guitarra solos a la orquesta de cuerda, con o sin percusión o coro y a las grandes masas, todo ello imbricado con algunos elementos de música electrónica pura. He escrito partituras con su notación habitual, las he interpretado con el instrumental midi y luego ha habido una labor de mezcla y montaje con los elementos electrónicos compuestos separadamente. Pese a la individuación de cada fragmento, he querido conservar algunos elementos que se transfiguran de unos momentos a otros, no únicamente por una razón de coherencia o continuidad, sino porque la música acaba penetrando en la esencia de cada escena y en la psicología inmediata de los personajes que las sustentan y es bueno que haya recordatorios temáticos o incluso únicamente ambientales. Así, la música no es sólo un conjunto de pinceladas que ayudan a la situación sino un elemento cooperador del montaje. Naturalmente está siempre el problema del ajuste pues la música tiene que realizarse antes de que el montaje esté totalmente definido y ensayado por lo que las duraciones sólo pueden ser aproximadas. Y aunque siempre quede el recurso de bajar el nivel y desvanecer, me gusta ajustar lo más posible de manera que al proceso de composición y grabación hay que añadir otro de refinamiento del proceso temporal que llega hasta última hora. Hay quien ha dicho, refiriéndose a la música de cine, que la mejor es la que no se escucha. No quisiera que la música de La Celestina no se escuchase sino que eso se hiciese como un elemento más del espectáculo y que el espectador sintiese que es lo adecuado en cada momento sin excesos de protagonismo ni de ocultación. No se trata de salir silbándola a la salida pues en ese caso me habría excedido ampliamente pues no se trata de un musical, ópera o similar sino de música de escena. Que la acepte como algo connatural al montaje, como si no pudiera ser de otra manera. Eso me daría por más que satisfecho.

Tomás Marco

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VESTUARIO

Mayka Chamorro

Se inicia como técnica de vestuario en la empresa Fila 7 y tiene una larga trayectoria de más de 20 años de experiencia como realizadora y diseñadora de vestuario para Teatro, Danza, Cine y Televisión. Entre otros muchos trabajos cabe resaltar los siguientes: El

retablo de la avaricia, la lujuria y de la muerte, dirigida por José Luis Gómez; Los bosques de Nix, dirigida por Miguel Bosé; La noche de la iguana, dirigida por María Ruiz; Notas a la fuga, dirigida por Susana Gómez, y los últimos espectáculos de los coreógrafos Teresa Nieto y Mónica Rundell. Junto con Elisa Sanz ha diseñado los vestuarios de las Zarzuelas Marina y Un ballo in maschera, con dirección escénica de Susana Gómez, así como del musical Mortadelo y Filemón, dirigido por Ricard Reguant para el Teatro Campoamor de Oviedo. También han colaborado con los directores: Guillermo Heras en Ojos verdes de luna, Paco Vidal en El príncipe y la Corista, Helena Pimenta en Luces de Bohemia, Emilio del Valle en Mingus y Cuernavaca y Mariano de Paco en La fierecilla domada y El galán fantasma. Además, es colaboradora habitual de Ana Belén en sus espectáculos teatrales y musicales y durante los últimos seis años ha sido jefa del Área de Vestuario del Festival de Teatro Clásico de Almagro.

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GIRA

• ESTRENO NACIONAL: FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALCALÁ DE HENARES, 17, 18 DE JUNIO.

JULIO 2011 • FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO, 19 y 20

JULIO. • CARAVACA DE LA CRUZ, 22 DE JULIO • FESTIVAL TEATRO CLÁSICO DE OLITE, 28 DE JULIO • FESTIVAL DE VERANO DE LUCENTUM, ALICANTE, 30 DE

JULIO AGOSTO 2011

• FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE NIEBLA, HUELVA, 6 DE AGOSTO.

OCTUBRE 2011

• SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES, MADRID, 1 DE OCTUBRE • FESTIVAL DE SANTURCE, 5 DE OCTUBRE • MAJADAHONDA, MADRID, 8 DE OCTUBRE • SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS, 22 DE OCTUBRE

NOVIEMBRE 2011

• ARROYOMOLINOS, MADRID, 5 DE NOVIEMBRE • SAN SEBASTIÁN, DONOSTIA, 11 Y 12 DE NOVIEMBRE • ZAMORA, 18 DE NOVIEMBRE

DICIEMBRE

• SEGOVIA, 2 DE DICIEMBRE