CONTENIDO

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1. CONCEPTO DE IMAGEN 5

2. CARACTERÍSTICAS DE LA IMAGEN 62.1. ICONICIDAD Y ABSTRACCIÓN2.2. SENCILLEZ Y COMPLEJIDAD2.3. DENOTACIÓN Y CONNOTACIÓN2.4. MONOSEMIA Y POLISEMIA2.5. ESTEREOTIPO Y ORIGINALIDAD

3. ESTRUCTURA DE LA IMAGEN 7

3.1. ELEMENTOS MORFOLÓGICOS DE LA IMAGEN3.1.1. El punto3.1.2. La Línea3.1.3. El Plano

3.1.3.1. Planos Largos3.1.3.2. Planos Medios3.1.3.3. Planos Cortos

3.1.4. La Mancha3.1.5. La Textura3.1.6. El Color3.1.7. La Forma

3.2. ELEMENTOS DINÁMICOS DE LA IMAGEN 3.2.1. La Composición 3.2.2. El Encuadre 3.2.3. El Equilibrio 3.2.4. El Ritmo 3.2.5. El Movimiento

3.3. ELEMENTOS ESCALARES DE LA IMAGEN3.3.1. La Proporción3.3.2. El Tamaño3.3.3. La Escala3.3.4. El Formato

4. LECTURA DE LA IMAGEN 14

4.1. LA COMPOSICION

4.2. LOS PESOS VISUALES

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4.3. LOS CENTROS

4.4. LOS EJES

4.5. EQUILIBRIO

4.6. LÍNEAS

4.7. TENSIONES DINÁMICAS

4.8. TENDENCIA A LA SIMPLICIDAD

4.9. EL CONTENIDO: DENOTACION Y CONNOTACION

4.10. TEXTURA, FORMA Y COLOR

5. ANALISIS DE “EL GRITO” 18

5.1. PROCEDIMIENTO ESQUEMATICO

5.2. ANALISIS ICONICO DE “EL GRITO”

BIBLIOGRAFÍA

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1. CONCEPTO DE IMAGEN

El ser humano necesita exteriorizar sus pensamientos, ideas, sentimientos y emociones. Emplea para ello diferentes lenguajes basados en gestos, palabras, sonidos, imágenes, etc. El lenguaje visual es el más universal de todos, permite cierto grado de relación  y  comunicación, independientemente del idioma y  la cultura.La imagen es el elemento fundamental del Lenguaje Visual y como en todo  lenguaje, el objetivo es la comunicación.Pero para intentar dar un concepto que abarque la magnitud no tanto de la palabra sino del uso que se le da a la misma es necesario adentrarnos un poco en sus raíces, asi pues encontramos que es un término que proviene del latín imāgo, el cual se refiere a la figura, representación, semejanza o apariencia de algo ,cuyo uso era frecuente para referirse a la representación figurativa de una persona muerta, es decir aludiendo a tener presente algo que ya no está.

De lo anterior podemos colegir entonces que "La imagen es una presencia vivida y una ausencia real, una presencia-ausencia. Una imagen es, a la vez, ella misma y el objeto ausente que representa”. 1. Sin embargo hay que tener en cuenta la cantidad de factores que inciden en la adecuación o construcción de un concepto para este término y por tanto he llegado a la siguiente conclusión de la mano con una fuente anónima que he encontrado en mi búsqueda por responder a este interrogante:

Una imagen o icono es una representación de la realidad, sin ser la realidad misma, si bien mantiene siempre un nexo de unión con ésta,

independientemente del grado de parecido o fidelidad. Por consiguiente, toda imagen es un modelo de realidad. Lo que varía no es

la relación que una imagen mantiene con su referente, sino la manera diferente que tiene esa imagen de sustituir, interpretar, traducir o modelar la

realidad.

_________________________________

1. VALCÁRCEL, Ana García. Uso didáctico de los medios icónicos. Internet, 2009.

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2. CARACTERÍSTICAS DE LA IMAGEN

2.1 ICONICIDAD Y ABSTRACCIÓN.

La iconicidad alude a la semejanza de la imagen con la realidad exterior. La iconicidad es la capacidad que posee la representación de algo para producir en nosotros un efecto visual similar al que nos produce la realidad representada. Mientras más similar sea el efecto, más icónica será la representación.La abstracción supone que la imagen no tiene parecido con una realidad concreta, puede ser producto de la fantasía (imágenes surrealistas) o relaciones arbitrarias (señal de tráfico: prohibido el paso). En algunos casos la representación no existe y la imagen se convierte en realidad autónoma (pintura abstracta).

2.2 SENCILLEZ Y COMPLEJIDAD.

La sencillez o complejidad de una imagen depende de la estructura del objeto, la cantidad de elementos que contiene, el modo en que se plantean las relaciones entre ellos (cantidad y tipo de relaciones entre elementos) y la comprensibilidad de la significación de las relaciones establecidas.

2.3 DENOTACIÓN Y CONNOTACIÓN.

Las imágenes, como textos visuales que son, pueden leerse de dos maneras: denotativamente, es decir, enumerando y describiendo cada elemento de la imagen ajustándose a lo que se ve objetivamente; y connotativamente, tratando de “leer” aquello que nos sugiere, (la connotación supone la asociación de la imagen con determinados sentimientos) esos otros significados subjetivos que la imagen puede ofrecer al observador pueden ser alegría, tristeza, frío, calor etc.

2.4 MONOSEMIA Y POLISEMIA.

Hay imágenes que tienen un solo significado, son imágenes monosémicas. Las imágenes monosémicas tienen un sentido obvio: la imagen de un automóvil tiene un significado inmediato: vehículo personal de transporte con unas determinadas características. Sin embargo, hay otro tipo de imágenes que provocan un cierto desconcierto en la medida que pueden ofrecer varias significaciones, son imágenes polisémicas.En la recepción de los mensajes el espectador está influido por un contexto personal y social que añade matices al significado original, provocando la aparición de diferentes sentidos para idénticas imágenes.

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2.5 ESTEREOTIPO Y ORIGINALIDAD.

La masificación de la comunicación por imágenes produce la repetición de esquemas, la propagación del estereotipo, la insistencia en estímulos conocidos y redundantes de modo que ya no nos llaman la atención.Algunas imágenes nos sorprenden porque son originales, tienen un toque diferente (innovación) en lo que representan o en la forma gráfica de representarlo, en el tema o en la composición de la imagen.

3. ESTRUCTURA DE LA IMAGEN.

Para poder comprender la estructura de una imagen es necesario dividir la misma en tres aspectos:

Elementos morfológicos de la imagen. Elementos dinámicos de la imagen. Elementos escalares de la imagen.

3.1. ELEMENTOS MORFOLÓGICOS DE LA IMAGEN.

3.1.1. El Punto. Es el elemento más simple y a la vez más complejo de la

imagen. Es el elemento más utilizado en el plano del diseño. Morfológica y

compositivamente, el punto no es la representación geométrica de ese

concepto sino que tiene una dimensión relativa y variable pudiendo adoptar

infinitas formas (1), desde el grano fotográfico (2) a la mancha de un pincel,

significándose como un signo, una marca o una mancha, aislada y de reducido

tamaño . El punto es el elemento más sencillo que puede formar parte de una

imagen. Pero el punto no tiene que estar representado físicamente para

mostrarse como elemento de la imagen o actuar plásticamente en la

composición, ya que puede ser intangible, imperceptible e inmaterial. En este

sentido, se pueden distinguir de tres tipos de puntos implícitos:

Centros geométricos: En el espacio plástico el centro es el foco o centro

principal de atracción visual.

Puntos de fuga: Son polos de atracción visual que provocan una visión

en perspectiva.

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Puntos, focos o centros de atención: son posiciones de la imagen que,

por la disposición de los elementos icónicos, provocan y atraen la

atención del observador.

Imagen 1. El punto como creador de texturas

Fuente: http://imageneso.blogspot.com/2010/06/

3.1.2. La Línea. La línea puede definirse como una sucesión ininterrumpida de

puntos. En tanto más unidos se hallen más concreción proporcionan a la línea.

La línea es el elemento plástico más polivalente y, por consiguiente, el que

puede satisfacer un mayor número de funciones en la representación.

Tiene dos fines esenciales: señalar, en el caso de la comunicación visual

aplicada ( grafías, diseño de objetos, patrones, planos..) , y significar, como en

el arte.

Las principales funciones plásticas de la línea son: Crear sentidos (vectores)

direccionales, trazados básicos para organizar la composición; Aportar

profundidad a la composición, sobre todo en representaciones planas y

perspectivas; Separar planos y organizar el espacio; Dar volumen a los objetos

bidimensionales; Representar tanto la forma como la estructura de un objeto.

Al igual que el punto, no requiere la presencia material en la imagen para

existir. Han sido divididas en:

 Líneas implícitas: Son las constituidas por la geometría, intersección de

planos, ejes y diagonales de la composición.

Líneas aisladas: Son las representadas por los trazados geométricos

más simples de rectas y curvas.

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Conjuntos de líneas: Están representados especialmente por los

trazados perspectivos, líneas de fuga, cruces de rectas o líneas

convergentes.

Línea objetual: Es la que representa lo que se percibe como objeto

unidimensional, conforma pictogramas y siluetas.

Línea figural: Es la que representa y describe la forma de un objeto.

Puede ser de contorno y recorte.

La línea sugiere estabilidad, quietud, profundidad, perspectiva, acción y movimiento. Marca la dirección de lectura dentro de la composición, haciendo que el espectador efectúe un recorrido visual predeterminado. 

Imagen 2- 3. La línea en la creación de efectos y texturas.

Fuente: http://imageneso.blogspot.com/2010/06/

3.1.3. El Plano. El plano es el espacio o "campo" que presenta o reproduce una imagen en relación con sus componentes. El plano que se utiliza en cada imagen está en función de las necesidades expresivas del emisor o de las particularidades del tema. Cada plano tiene una significación.

Tipos de planos:

3.1.3.1. Planos largos: Muestran más espacio que objetos.

Gran plano general (GPG): Muestra un espacio enorme. No destaca ningún elemento. Función descriptiva. Imágenes de presentación.

Plano general (PG): Predominio del espacio sobre los elementos. No destaca ningún elemento aunque se reconocen. Introduce los relatos. Saltos en el tiempo. Cambio de escenario.

Plano de conjunto (PC): Aparece un elemento que destaca en un espacio extenso. Función descriptiva. Acercamiento a la acción.

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3.1.3.2. Planos medios: Muestran un equilibrio entre espacio y objetos.

Plano medio (PM): El sujeto predomina sobre el ambiente en que se encuentra. Es el plano más utilizado. Equilibrio espacio-sujeto. Función narrativa.  Importancia expresiva del tema.

Plano americano (PA): Muestra la figura humana de la cabeza a las rodillas. Muestra conversaciones de los personajes.

3.1.3.3. Planos cortos: muestran más objetos que espacio.

Primer plano (PP): Presenta una parte esencial del tema que se desea destacar. Evoca la totalidad del sujeto. Lectura fácil y rápida. Valor expresivo, narrativo. Subrayar, destacar, matizar algún detalle.

Gran primer plano (GPP): Plano de detalle, no es suficiente para reconocer la totalidad, no posee referencia espacial. Gran poder de atracción.

3.1.4. La Mancha. Cuando los límites del plano, se rompen y se difuminan se

denomina mancha, ésta tiene un carácter más plástico y menos geométrico

que el plano.

Imagen 4-5. La Mancha

Obra del Artista José Guerrero. Obra del artista Kooning.

Fuente: http://imageneso.blogspot.com/2010/06/

3.1.5. La Textura. Las texturas juegan un papel importante en la imagen ya que

nos transmiten sensaciones y emociones.

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3.1.6. El Color. La percepción del color depende de la iluminación y del entorno. Un mismo color puede aparentar diferente matiz, saturación o brillo dependiendo de los colores que lo acompañen. 3.1.7. La Forma. Todos los objetos tienen una forma concreta y particular por la que se diferencian unos de otros. El triángulo expresa tensión, el cuadrado robustez; el círculo, perfección y equilibrio.Aspectos simbólicos están presentes en cada una, el número tres relacionado con la divinidad, el cuatro con lo terrenal (los cuatro elementos) y el círculo con lo infinito.La forma es el aspecto externo del objeto.

3.2. ELEMENTOS DINÁMICOS DE LA IMAGEN.

3.2.1. La Composición. La composición de una imagen consiste en la

organización de sus elementos en un espacio determinado. La relación entre

los elementos y el espacio en que se colocan deberá ser de equilibrio.

Tabla 1. Posibilidades de composición: (transmiten diferentes significados)

Tipo de composición: Sugiere:

Composición horizontal:

predominan las líneas horizontales

Equilibrio, calma, quietud...

Composición vertical:

se destacan las líneas verticales

Acción, fuerza, tensión...

Composición diagonal:

predominan líneas diagonales

Desequilibrio, originalidad...

Composición cíclica:

predominan las líneas curvas

Complicación, dinamismo, movimiento...

Fuente: Internet, 2009. Uso didáctico de los medios icónicos.

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3.2.2. El Encuadre. El encuadre concreta los límites de la imagen. Determina la

parte seleccionada de la realidad representada. En el encuadre se deben

analizar los siguientes elementos:

3.2.2.1. Los Planos. Planos Largos, Medianos y Cortos.

3.2.2.2. La Angulación. Es el ángulo que forma el punto de vista del sujeto

ante el objeto. Puede ser:

Picado (punto de vista de arriba abajo), ofrece la sensación de

superioridad sobre el objeto.

Contrapicado (de abajo hacia arriba), da sensación de

inferioridad, realce, solemnidad.

Normal (puntos de vista del sujeto y objeto en el mismo plano).

3.2.2.3. La Luminosidad. Cantidad de luz con la que se presentan o

exponen los elementos de la imagen. Sirve para determinar qué elementos

tienen más realce y cuáles menos. Puede ser suave, tonal o contrastada.

3.2.3. El Equilibrio. Equivalencia entre los ejes en los que descansa la

composición. Lo opuesto crea provocación e inestabilidad.

3.2.4. El Ritmo. El ritmo es la repetición o sucesión de una o varias formas que

se alternan en un determinado orden o cadencia. El ritmo se puede conseguir

por la alternancia de formas, tamaño, color, textura etc. Está relacionado con el

movimiento, y la organización de ese movimiento.

Imagen 5-6. El Ritmo.

Fuente: http://imageneso.blogspot.com/2010/06/

3.2.5. El Movimiento. Cuando nos referimos al movimiento debemos diferenciar

el movimiento físico o real (personas caminando, vehículos circulando...) del

movimiento óptico o perceptual (parece que se mueve, este tipo de movimiento

está basado en la persistencia de la imagen en la retina y otros engaños

ópticos) y del movimiento conceptual (arte futurista).

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Movimiento Conceptual. Las formas o composiciones horizontales y

verticales nos transmiten la idea de reposo y equilibrio, la oblicuidad nos

sugiere inestabilidad, lo curvo un cambio continuo de dirección.

Cuando el contorno de un objeto se rompe o se difumina aparece la

idea de movimiento. A veces los contornos aparecen nítidos, porque se

ha "congelado" la acción, pero sabemos que ese movimiento continua

(movimiento conceptual). Movimiento perceptual: Si nuestra mirada no encuentra un lugar, donde

detenerse, experimentamos una sensación de vibración, provocada por el incesante ir y venir de nuestra mirada.

3.3. ELEMENTOS ESCALARES DE LA IMAGEN.

3.3.1. La Proporción. Se entiende por proporción la relación entre un objeto y las partes que lo constituyen, y la relación de sus partes entre sí.

En la Grecia Clásica era habitual la representación de la figura humana basándose en unos cánones que se establecían en función del número de cabezas que debía contener la altura de una escultura para que ésta resultara proporcionada.

A lo largo de la Historia se ha buscado la proporción ideal, la que más ha logrado este propósito ha sido La Divina proporción o Sección de Oro de Leonardo Davinci.

Imagen 7. La Divina Proporción.

Fuente: http://imageneso.blogspot.com/2010/06/

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A lo largo de la historia, el concepto de belleza en diferentes culturas, ha estado unido a la proporción. Cada una de ellas han desarrollado cánones de belleza distintos y en muchos momentos esos cánones han ido variando de acuerdo con los gustos y las modas.

3.3.2. El Tamaño. El punto de partida en el análisis de una imagen se sitúa, entre otros elementos formales, en la dimensión y el tamaño, como referencia por un lado al tamaño total de una imagen y por otro al tamaño de las partes que la integran. En cuando al tamaño total, podemos decir que las grandes dimensiones del objeto artístico, ya sea arquitectura, escultura o pintura) han estado motivadas por el deseo de mostrar o simbolizar el poder, humano o divino. El mayor tamaño de un elemento en la imagen para destacar su significación, se denomina Perspectiva Jerárquica.

3.3.3. La Escala. El uso de la escala hace posible la reducción o ampliación en la representación de un objeto sin que se produzca alteración de su forma o estructura. La escala representa la relación de proporcionalidad entre el dibujo y el objeto representado. Existe una escala externa que expresa la relación entre el tamaño absoluto de la imagen y su referente en la realidad (mapas) y una escala interna que supone la relación entre el tamaño de un elemento de la imagen y el total de la representación (planos fotográficos y cinematográficos).

3.3.4. El Formato. Espacio donde se desarrolla la composición y que hace

referencia a las relaciones de altura y anchura de la imagen. Puede ser:

Horizontal: Cuando el autor busca equilibrios triangulados

Cuadrado: Cuando el autor busca simetrías.

Vertical: Cuando el autor busca resaltar la precariedad de los objetos.

4. LECTURA DE LA IMAGEN

Para poder leer una imagen debemos tener en cuenta el análisis de los

siguientes aspectos:

4.1. LA COMPOSICIÓN (Plano básico)

Una pintura es una representación del espacio, por lo tanto dentro de ella rigen conceptos básicos de la naturaleza. Y por tanto dentro de este aspecto debemos valorar su equilibrio, su simplicidad o su complejidad.

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4.2. LOS PESOS VISUALES

En este aspecto es necesario dividir al plano básico en cuatro partes iguales, es decir, atravesarlo por un eje vertical y otro horizontal, cuya intersección marque exactamente el centro de la obra. La zona superior es la que menos peso visual tolera, y la inferior, la que mayor peso visual tolera.Con “peso visual” nos referimos sencillamente al efecto óptico que produce una figura grande y maciza, o un color intenso. Se trata de zonas que intuitivamente percibimos como “cargadas”. La segunda relación que establecemos es la relación izquierda-derecha, que, como la anterior, también nos conduce de una zona menos densa, a otra más densa. La conclusión es, entonces, que la zona más “pesada” de la obra se corresponde con el sector inferior derecho, y la zona más “liviana”, con el sector superior izquierdo. Estos conceptos sirven para identificar los pesos visuales dentro del cuadro, y la relación que tienen las figuras en su interior. Por supuesto, no significa que el los pesos visuales vayan a estar siempre en el mismo sector.

4.3. LOS CENTROS

Con “centros” nos referimos a aquellas partes de la obra que consideramos las más importantes. Siempre existe un centro principal, y puede haber centros secundarios. Los identificamos porque nos llaman la atención de inmediato.

4.4. LOS EJES

Son líneas imaginarias, horizontales, verticales u oblicuas, alrededor de las cuales se han distribuido los elementos de la pintura. Se trazan en relación a la posición que ocupan los centros dentro de la obra.

4.5. EQUILIBRIO

Se trata de la sensación de estabilidad que transmite una pintura, por más de que su contenido sea caótico. Toda buena obra de arte está perfectamente equilibrada. Se trata de la posibilidad de distribuir los cuerpos dentro del espacio de manera que conformen una armonía de conjunto. Percibir el equilibrio dentro de una pintura es un acto puramente intuitivo, y sólo se comprende conscientemente al analizarla.

4.6. LINEAS

Son las líneas que contornean las figuras o que las delimitan, y también a aquellas que marcan direcciones. Pueden ser quebradizas o redondeadas, gruesas o finas. Por sí solas pueden ser muy elocuentes: piensen que una sutil línea horizontal puede marcar un horizonte, o que una sencilla línea oblicua que se dispara al fondo puede otorgarle a la obra una gran sensación de profundidad (perspectiva).

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4.7. TENSIONES DINÁMICAS

Con este nombre designamos a las fuerzas que crean movimiento en la obra. Las tensiones se expresan mediante numerosos medios visuales. En primer lugar, el movimiento depende de la proporción. En el círculo, las fuerzas dinámicas se disparan desde el centro en todas direcciones. En el óvalo y el rectángulo existe tensión dirigida a lo largo del eje mayor (vertical en el primer caso y horizontal en el segundo). El contenido de la obra definirá a dónde se dirige ese eje, si hacia arriba o hacia abajo, si a la izquierda o a la derecha. La direccionalidad se percibe fácilmente. Otros recursos para crear movimiento son la oblicuidad de las líneas o formas, la deformación de las figuras y también la interacción de colores que contrastan.La dinámica de la composición se logra cuando el movimiento de cada uno de los detalles se adecua al movimiento del conjunto. La obra de arte se organiza en torno a un tema dinámico dominante desde el cual el movimiento se propaga por toda el área de la composición.

4.8. LA TENDENCIA A LA SIMPLICIDAD

Por lo general el cerebro humano percibe estructuras, no elementos aislados. Esto quiere decir que cuando observamos una pintura, no la percibimos como una suma de partes, sino como un todo. Si no fuéramos capaces de organizar nuestro entorno, éste se nos presentaría caótico. En este aspecto hay que analizar por ejemplo:

La relación figura-fondo. En las obras pictóricas, algunos objetos se perciben “delante”, y otros “detrás”, permitiéndonos dilucidar qué cantidad de planos de profundidad contienen, y qué relaciones establecen con respecto a la ubicación, tamaño, etc.

Las formas pregnantes. Se trata de formas geométricas fácilmente reconocibles y esquematizables.

El cierre (cuando percibimos que una forma está completa, aunque no se presente así en el cuadro), y la de continuidad del fondo.

4.9. EL CONTENIDO: DENOTACIÓN VS. CONNOTACIÓN

Se deben identificar ciertos objetos individuales que son los más representativos o denotados, es decir, aquellos que se identifican sin esfuerzo. También han sido denominados signos icónicos. Pero para analizar una pintura es importante alejarse lo más posible de la impresión de lo puramente denotativo. Cuando frente a una obra de arte nos atenemos al significado explícito -lo más claramente denotado-, estamos renunciando al desafío implícito. Este desafío consiste en descubrir qué

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connota la obra, qué nos quiere decir más allá de lo que muestra, y para dilucidarlo tenemos que agregar a nuestro análisis el aporte de los signos plásticos.

4.10. TEXTURA, FORMA, COLOR

Estos tres elementos, del que se valen todos los pintores, son imprescindibles para terminar de comprender la fuerza expresiva de la obra. Ninguno de ellos significa por sí solo, pero al utilizarlos dentro del contexto de una obra, la cargan de sentido.

Así, una composición llena de colores vivos y luminosos, nos connota alegría y vivacidad. Una pintura con colores ocres y apagados, que presenta pocos contrastes, puede transmitirnos tristeza y opresión.

La textura de la que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta puede ser creada por efecto de colores, o directamente por el trazo del pincel. Un trazo grueso y furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma.

Cuando hablamos de forma como signo plástico, no nos referimos a la figura en sí, sino al modo en el que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás. Pueden estar en armonía o contrastar duramente. Pueden ser violentas o suaves, grandes o pequeñas, desdibujadas o firmes.

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5. ANALISIS DE “EL GRITO”

Imagen 8. “El Grito”

Fuente: http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/index.htm

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5.1. PROCEDIMIENTO ESQUEMATICO.

5.1.1. ¿Cuál es el nombre de la obra?

“El Grito”

5.1.2. ¿Quién es el autor? (real o probable)

Edvard Munch.

5.1.3. Lugar y fecha de realización

París, 1893.

5.1.4. Tipo de imagen (caricatura, pintura, fotografía, etc.)

Pintura (Oleo, temple y pastel sobre cartón), Movimiento Expresionista.

5.1.5. Contexto histórico.

La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizá, en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue internada en un psiquiátrico. Munch inmortalizó esta impresión en el cuadro “La desesperación”, que representa a un hombre con un sombrero de copa, de medio lado, inclinado sobre una prohibición y en un escenario similar al de su experiencia personal.No contento con el resultado, Munch pinta un nuevo cuadro, esta vez con una figura más andrógina, de frente, mostrando el rostro, y con una actitud menos contemplativa y más activa y desesperada. Lo mismo que la anterior, esta primera versión de El grito, se llamó “La desesperación”.El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de seis piezas titulado Amor. La idea de Munch era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial a una ruptura dramática. El grito representaba la última etapa, envuelta en angustia.La obra no fue muy bien acogida por la crítica y, el conjunto Amor fue clasificado como arte demente (más tarde, el régimen nazi clasificó a Munch de artista degenerado y retiró todos los cuadros que había en una exposición en Alemania). Un crítico consideró el conjunto, y en particular El grito, tan perturbador, que aconsejó a las mujeres embarazadas que no visitaran la exposición.Pero a pesar de todas estas discrepancias, a finales del siglo XX, “El grito” adquirió estatus de icono cultural, cuando entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobre las obras de Munch, que incluían “El grito”. La idea fue desacralizar la pintura convirtiéndola en un objeto de reproducción en masa. La reproducción de la obra en toda clase de productos, desde camisetas hasta tazas de cerámica, pósters,

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llaveros, etcétera da testimonio de su estatus como icono, así como de la completa desacralización para el público actual.

5.1.6. Descripción pormenorizada de elementos (colores, signos, personajes, etc.)

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

5.1.7. Objetivos del autor (deducir)

El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita.Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese también esconder una crítica a la nueva forma de organización socioeconómica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.Para desarrollar esta posibilidad voy a basarme en 3 hechos fundamentales: • La influencia que tuvo para Munch el movimiento bohemio de Cristiania.Cristiania (la actual Oslo) se consideraba la cuna del movimiento Bohemio noruego. Munch se trasladó allí a la edad de tres años y desarrollo todos sus inicios como artista rodeado de esta atmósfera e influenciado por pintores como Christian Krogh, uno de los máximo exponentes del movimiento Bohemio.Los bohemios de Cristiania dirigían sus trabajos y sus provocaciones contra la falsa complacencia y contra la estrechez de principios morales y éticos. Consideraban que el sistema estaba envuelto en contradicciones.No compartían la forma de organizarse de la sociedad y por ello vivían en un clima de represión.La novela “Un Bohemio de Cristiania” escrita por Hans Jaeger fue confiscada inmediatamente después de su aparición en1985 y el propio Munch vio como sus cuadros causaban escándalo en la exposición de Oslo en 1886, o como en 1892 el público y la prensa berlinesa

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reaccionaron indignados ante sus pinturas, lo que obligo a clausurar la exposición siete días después de su inauguración.Munch no fue ajeno a este movimiento de protesta como pone de manifiesto el escritor Josef Paul Hodin en su libro “Eduard Munch-el genio del Norte”. Hodin escribe en este libro:

“La Bohemia de Cristiania era el portavoz de la protesta individual contra la hipocresía de una falsa moral.

Esta Bohemia, en la que se incluía Munch, luchaba por el ideal de una sociedad honesta y vigorosa y defendían la liberación social sometiendo para ello los valores recibidos a una crítica despiadada. En ningún otro

lugar se estaba luchando en pro de las nuevas ideas con tanta vehemencia como en la fosilizada Cristianía de los años ochenta”

Munch estaba por tanto dentro de esta corriente reivindicativa y hacia finales de los 1890 tenía proyectado un ciclo de cuadros con el tema de la vida Bohemia.Me parece interesante detenernos en otra de sus obras para reflejar la posición de Munch con respecto a la clase burguesa, clase social que representaba la piedra angular de la sociedad industrial.

Imagen 9. Atardecer en el paseo Karl Johann (1892)

Fuente: http://www.ucm.es/info/echi1/imagen/pint/gritomunch.htm

Refiriéndose a este cuadro Munch dice:“Los hombres con chisteras, las mujeres con elegantes sombreros,presos de sus propias convenciones y normas burguesas, exhalan una atmósfera de represión moral”. En el cuadro, el pintor contempla a la burguesía con los ojos del Bohemio, trata de mostrar el miedo y la soledad del individuo dentro de la masa de una gran ciudadMunch creció en el ambiente Bohemio y al igual que este movimiento criticaba los valores establecidos.

• La situación social que se vivía en el momento y lugar en el que se pintó el cuadro.

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Eduard Munch pinto el Grito en 1893 en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución industrial.La Revolución industrial es un hecho histórico que marca un antes y un después no solo en la historia del pensamiento social y político, sino además, y fundamentalmente, en la forma de organizarnos socioeconómicamente como civilización humana.La sociedad se subordinó a la economía. De alguna forma una economía de mercado solo podía existir en una sociedad de mercado. Todos los componentes de la economía, incluida la tierra y la mano de obra, se incluyen en ese sistema de mercado y todos los factores de producción son considerados mercancías destinadas a la venta y sujetas al mecanismo de la oferta y demanda.Resulta interesante leer lo que Munch dice del arte dentro de este nuevo sistema de producción: “Lo que está arruinando el arte moderno es el comerció, al exigir que los cuadros se vean bien una vez que se los cuelga en la pared. No se pinta

por el deseo de pintar......o con la intención de pintar una historia. Yo que fui a Paris hace siete años (Munch residió en París en 1885) lleno de curiosidad por ver el salón y que estaba dispuesto a dejarme llevar

por el entusiasmo –lo que sentí fue sólo repugnancia” En este marco es donde se origina una fuerte disputa acerca de cómo debería volver a organizarse una sociedad. Y a partir del cual surgen movimientos sociales que reivindican un cambió de las estructuras socio-económicas. París vivía envuelta en un clima de constante protesta social.Por un lado estaban los anarquistas que radicalizaron su protesta hasta el límite, iniciando acciones terroristas.Por el otro estaban los socialistas y también los movimientos sindicales que cada vez iban adquiriendo mayor peso y relevancia dentro de los movimientos sociales.En 1884 los sindicatos franceses fueron legalizados y un año más tarde se agruparon formando la Confederación General de Trabajadores.El movimiento sindical francés rechazó la acción política en pos de acciones más directas.París vivió una época de boycots, sabotajes y huelgas generales contra la clase burguesa.Esta filosofía de acción convirtió al movimiento sindical francés en uno de los más radicales de Europa.Así pues el Grito fue pintado en este clima social. ¿Podría Munch abstraerse de esta atmósfera al pintar su cuadro? Considero que para

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un pintor comprometido con el movimiento Bohemio e identificado con el enfrentamiento contra la clase burguesa la abstracción le hubiera resultado complicada.

• Las características del propio arte expresionista.

El expresionismo fue una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Es decir anteponía esos sentimientos a las propias formas.El artista expresionista lo que busca es que se experimente un impacto fundamentalmente emotivo ante sus obrasLo importante en este movimiento es la forma y el sentimiento del autor.La pintura, por tanto, se toma como un medio de desahogarse y de ver la vida con otro punto de vista.Para ello los pintores expresionistas utilizan los colores fuertes y puros. Distorsiona las formas retorciéndolas y pintados rostros desfigurados y tristes, tratando de buscar con las líneas, el transmitir el ritmo de esos sentimientos.Los cuadros expresionistas se caracterizan por su expresividad y fuerza psicológica a través de sus composiciones agresivas.Con respecto al arte expresionista Gombrich afirma que los expresionistas sintieron intensamente el sufrimiento humano, la pobreza, la violencia y la pasión.Ellos querían mostrar su compasión por los desheredados y los contrahechos. Casi se convirtió entre ellos en punto de honor rechazar cuanto oliese a distinción y galanura, sacando al burgués de sus casillas en cuanto a su satisfacción real o imaginaria. El movimiento artístico en el que Munch se encontraba también respondía ante las clases burguesas y muchas veces a través de la representación de los sentimientos trataban de reflejar las injusticias sociales. Centrándonos de nuevo en “El Grito” en unas notas de 1886 escritas por el autor en Niza, Munch recuerda la situación que daría origen al cuadro: “Iba caminando con dos amigos por el paseo el sol se ponía - el cielo se volvió de pronto rojo - yo me pare - cansado me apoye en una baranda - sobre la ciudad y el fiordo oscuro azul no veía sino sangre y lenguas de fuego - mis amigos continuaban su marcha y yo seguía detenido en el

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mismo lugar temblando de miedo - y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza”.

Teniendo esto en cuenta y considerando que Munch llevaba al limite la pintura no objetiva, es cierto que no podemos tener la certeza de lo que quiso expresar a través del Grito, pero considerando los aspectos tratados en el trabajo posiblemente se pueda decir que el grito que Munch dirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época.No parece muy descabellado considerar que ese grito de incomprensión y desesperación incluyera algo de lo que respiró a lo largo de su vida en Cristiana y más tarde en París, la lucha contra un sistema socioeconómico que no entendía.

5.1.8. Conceptos – ideas principales ilustradas.

"No pinto lo que veo sino lo que vi". Con estas desgarradoras palabras describía el pintor noruego Edvard Munch (1863-1944) la característica básica de sus obras.El cuadro muestra una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. La figura se tapa los oídos y da la espalda al sol, a la naturaleza, a la gente, quizá porque todo parece estar en su contra. Al dar la espalda y gritar hacia el espectador, nos está hablando de su dramática soledad, porque en esa postura no puede ver la silueta de una iglesia en la lejanía, los barcos, aumentando así la sensación de total aislamiento. Completamente alejada de la realidad, sucumbe ante el horror que viene de dentro, haciendo alusión a la frase: “La soledad es un estado mental”.

5.2. ANALISIS ICONICO DE “EL GRITO”

(Denotación) Se trata de una composición bastante sencilla (Tendencia a la Simplicidad) en la que sobre un puente o pasarela de madera (Eje) avanza una figura deforme y grotesca, casi cadavérica (Centro Principal), que se lleva las manos al rostro mientras emite el angustioso grito que da título al cuadro (Movimiento Conceptual). En un segundo plano hallamos otras dos figuras, ya completamente desdibujadas (Centros Secundarios). Sabemos, por declaraciones del propio artista, que el paisaje que figura al fondo es el fiordo de la ciudad de Oslo e incluso alcanzamos a ver alguna construcción (a la derecha) y las siluetas de dos pequeñas embarcaciones (a la izquierda) (Centros Terciarios).

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En las figuras que pasean predominan líneas rectas, a diferencia del personaje principal que esta realzado con formas sinuosas. El autor plasma así la soledad del protagonista y la indiferencia, humana y material, frente a la angustia del ser humano.Las líneas rectas del puente y la baranda conducen hacia la figura principal del cuadro, a los dos personajes del fondo y confluye en un punto de fuga en el horizonte (Equilibrio), donde empiezan las líneas onduladas. Las tonalidades que emplea Munch refuerzan la angustia que agobia al personaje principal. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo. (Tensiones dinámicas).Todo ello se ha realizado empleando una gama de colores en la que junto al negro destacan los fuertes tonos de azul, rojo y naranja (color).Pareciera que ese grito atraviesa la naturaleza y que el pintor pudo percibir, está originado por la sensación de melancolía que desencadena la puesta de sol, como nos habrá sucedido a muchos de nosotros en multitud de ocasiones, más acentuada en el caso de la conflictiva personalidad de nuestro artista. Pero conforme lo vemos en el cuadro, en cualquiera de sus versiones, el grito, o más bien el aullido de angustia del personaje, acaba por contagiar al paisaje, que se curva y se retuerce como si una oleada de miedo atravesase la propia naturaleza. Sólo la pasarela mantiene su rectitud. Todo ello explica la polivalencia semántica de este cuadro (Connotación).

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BIBLIOGRAFIA

http://imageneso.blogspot.com http://www.ucm.es/info/echi1/imagen/pint/gritomunch.htmhttp://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/index.htmInternet. Uso didáctico de los medios icónicos.Dondis, Sintaxis de la imagen.http://www.buenastareas.com

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