Todas las técnicas de guitarraNo hablemos de estilos de música ni siquiera de género.

También dejemos de lado las progresiones de acordes,

armonías, melodías o cualquier cosa de teoría que se te

ocurra.

¿¡Alguna ves pensaste cuantas técnicas o formas de tocar

la guitarra hay?

¿Cómo ser originales si tocamos la guitarra todos iguales?

O mejor dicho ¿Cómo ser creativos si tocamos la guitarra

siempre de la misma manera? En este articulo veremos

todas las formas posibles conocidas actuales de tocar la

guitarra.

Aprender algo nuevo siempre aumenta la creatividad,

entonces ¿porque no aprender alguna técnica nueva de

guitarra? Siempre es una buena forma de crear nuevas canciones o agregar variaciones a lo que tenemos.

En este articulo no hablaremos sobre géneros o estilos sino de lo que le puedes agregar a tu estilo en la forma

en que ejecutas la guitarra.

Las 3 formas más básicas de tocar la guitarra son las siguientes:

a) Rítmica: Se denomina a la forma de tocar o golpear un acorde, es la forma más básica de acompañamiento.

Este tipo de ejecución se los denomina Rasgados (strumming en ingles). Puede rasgarse con púa o dedos y hay

varios movimientos o estilos. Sencillamente hay muchísimas formas de tocar la guitarra: Todo hacia abajo, todo

hacia arriba, rítmicos, estilo flamenco español, estilo folklore Argentino, etc.

La principal diferencia radica en la forma en que ello se ejecuta es así que podemos diferenciar dos corrientes

en el rasgado de la guitarra. Una correspondiente a los ritmos mas anglosajones como el rock, punk, metal,

blues, bluegrass y blues, el cual podemos denominar como el rasgado anglosajón. En este tipo de rasgado

prima la púa y los golpes son hacia abajo y/o hacia arriba mientras que en la técnica de rasgado español o latino

se utilizan todos los dedos de la mano. Si bien los golpes también pueden ser hacia abajo o hacia arriba también

suelen utilizarse los dedos (como en el repiqueteo) o abrirse la mano de manera explosiva lo que produce un

efecto muy particular. Un buen ejemplo de rasgado completo son los Gipsy Kings (bamboleo o volare) mientras

que en el rasgado mas anglosajón que se utiliza púa suele usarse mas en estilo de rock con acordes de

quintas. Aqui un ejemplo de variaciones de técnica.

b) Arpegio: A diferencia del rasgado o strumming consiste en tocar las notas de un acorde cada una por

separada. La forma del arpegio varia de acuerdo a la forma en que se ejecutan el orden de la notas. Suele

utilizarse empezando por la nota mas baja, pero hay muchísimas formas de arpegios. Los arpegios pueden

hacerse con púa pero sin duda lo mas efectivo es con los dedos. Un buen ejemplo en canciones con arpegios

es Dust in the Wind de Kansas, Stairway To Heaven de Led Zeppelin también se puede utilizar de un modo mas

rockero como en Guns N Roses Paradice City.

Fragmento de arpegio de Stairway To Heaven de Led Zeppelin.

c) Técnicas de enmudecimientos de cuerdas

Hay dos técnicas: El palm mute (PM) consiste en enmudecer las cuerdas con la palma de la mano que lleva el

ritmo y suele utilizarse con acordes en quintas. Aquí una explicación del mismo 

Fragmento de la canción The Beast and the Harlot de Avenged Sevenfold

podemos ver la combinacion de acordes de quinta con cuerdas y acordes muteados.

En cambio el freatboard mutes o apagado de diapasón consiste en silenciar las cuerdas con los dedos en las

cuales se realiza el acorde. El palm mute sirve para generar un efecto de velocidad por lo que se lo utiliza

generalmente en el rock, punk y metal, por su parte el Freatboard sirve para lograr un efecto mas ritmo y suele

utilizarse en ritmos como el funk. Sin embargo muchos guitarristan no se han limitado, Tom Morello utiliza

mucho esta tecnica de muteado del diapasón y suele utilizarlo a modo ritmico con el wah wah o como parte de

sus riff. Un buen ejemplo es la canción Bulls on parade de RATM. Un detalle a tener en cuenta del freatboard

mutes es que genera un efecto percusivo lo cual suele ser utilizado para generar un efecto rítmico.

Ejemplo de freatboard mute de la canción Stairway To Heaven de Led Zeppelin.

d) Lead guitar: Un uso más melódico de la guitarra. Consiste en el uso de escalas para crear fraseos, melodías

y riff. En el rock se conoce como lead guitar o guitarra solista. Se utiliza una mezcla de acordes, con arpegios,

escalas y otras técnicas para generar una forma de tocar más única. Un buen ejemplo es la canción de Héroes

del Silencio - Entre dos tierras en la cual se mesclan desde acordes, arpegios y frases.

Fragmento del Intro de la canción Dreams de Van Halen. 

Puede apreciarse como utiliza arpegios más una ligera melodia

Técnicas avanzadas

Las técnicas avanzadas consisten en un conjunto de recursos técnicos mas completos. Los distintos usos de la

mano izquierda, los distintos tipos de tocar con la mano derecha. Las diferentes formas de tocar con púa, el uso

de los dedos así como el tapping, la palanca, los distintos tipos de armónicos. Todas las técnicas sin embargo

tienen algo en común buscan extraer sonidos a la guitarra.

1) Técnicas de púa

Consiste en tocar la guitarra con púa, cuña o plumilla. Existen muchas formas y estilos. Hacia arriba y hacia

abajo, en círculos, hacia arriba y hacia abajo en círculos, etc. Algunos músicos utilizan púas, monedas o púas

especiales, aquí explicaremos las diferentes formas de golpear una cuerda. Las más conocidas técnicas de púa

son las siguientes:

a) Downpicking: Consiste en  utilizar solo golpes hacia abajo. Esta técnica se hizo famosa por el guitarrista

punk Johnny Ramone quien solo utilizaba golpes hacia abajo (downstrokes) en toda su forma de tocar. El

golpear hacia abajo genera un sonido más duro y agresivo e incluso genera la sensación que de la canción va

mas rápido de lo que realmente va. Este tipo de técnica suele utilizarse en el punk, el metal y el trash. Se

diferencia de el alternate picking principalmente en que no suena tan fluido sino más duro y marcado. La

canción de Metallica “Master of Puppets” esta prácticamente tocada toda en golpes hacia abajo a un tempo de

216.

Fragmento del riff "Master of Puppet" de 

Metallica en el cual todos los golpes son hacia abajo.

 

b) Alternate picking: Consiste en golpes alternados hacia arriba y abajo. Se busca la economía de movimiento

y fluidez. La idea es que los golpes sean sucesivamente arriba y abajo.

Ejemplo de ejercicio de Alternate picking. La "V" significa que el golpe 

de púa debe ser hacia arriba la "M" que el golpe debe ser hacia abajo.

c) Sweep picking: En español se conoce como barridos: La idea es economizar los movimientos de la púa, es

decir utilizar la menor cantidad de movimientos posibles para tocar muchas notas con la mayor rapidez. Se

utiliza para la realización de arpegios y escalas en velocidad y suele utilizarse la púa a modo de barridos hacia

abajo o hacia arriba, por lo que al bajar o al subir la púa siempre va hacia abajo o hacia arriba como si se

arrastrara en 1 solo movimiento en vez de alternar los golpes. Podría decirse que esta técnica es una

combinación de palm mute mas arpegios en velocidad pues las cuerdas deben ser ligeramente enmudecidas al

realizar el movimiento. También suele utilizarse con ligados para generar un efecto aun más rápido.

Ejemplo de ejercicio de Sweep picking o barrido. La "V" significa que el golpe 

de púa debe ser hacia arriba la "M" que el golpe debe ser hacia abajo.

d) Tremolo picking: También conocido como double picking: Describe a la técnica que se utiliza cuando una

nota es ejecutada repetidamente en rápida sucesión mientras se toca una línea melódica. Un buen ejemplo es la

canción que se hizo conocida por la película de Tarantino Pulp fiction Dick Dale & The Del Tones "Misirlou”.

Esta técnica es utilizada en diferentes instrumentos, géneros y estilos  pero fue muy adoptada por el rock surf.

La idea consiste es tocar 2 o mas veces la misma nota a gran velocidad mientras la púa se mueve arriba y abajo

rápidamente lo que permite mantener el sonido de una línea melódica que de otro modo caería pues si al tocar

rápidamente el sonido permanece constante.

Fragmento de Misirlou en el cual se aprecia 

claramente un buen ejemplo de tremolo picking

 

e) Shred: Prácticamente podría denominarse como un género por la gran cantidad de guitarristas, pero también

es una forma de tocar. Consiste en la interpretación de pasajes de gran complejidad técnica a gran velocidad 

Se utiliza una idea de Economy picking mezcla de sweep picking con alternate picking para utilizar la menor

cantidad de movimientos y para tocar lo más rápido posible a costa de la perdida de feeling. Toda la

composición e interpretación gira en torno a la velocidad. A diferencia del alternate picking en el shred la idea no

es solo que los golpes sean sucesivamente arriba y abajo, sino que al bajar de cuerda el movimiento debe ser

hacia abajo y si se sube de cuerda el golpe debe ser ascendente. Podria decirse que una de las reglas del shred

es ejecutar 3 notas por cuerda.

Ejemplo de Shredding, donde se busca la economía de movimiento de la mano.

Si se baja de cuerda el golpe de púa debe ser descendente para ahorrar movimiento.

f) String skipping: Consiste en el saltearse una o varias cuerdas en la ejecución. Parece tonto pero suena

diferente de la forma tradicional de tocar pues esta técnica introduce largos intervalos en las melodías lo cual

produce algo poco convencional. Muchos músicos utilizan esta técnica y otros guitarristas como Paul Gilbert 

sencillamente se han abusado de ello. Un ejemplo de string skipping es la introducción del riff de Sweet Child

O'Mine de los Guns N' Roses.

Ejemplo de String Skipping

g) Single string picking: Consiste en utilizar una sola cuerda para realizar melodías, licks o solos. 

La ejecución puede ser realizada de muchas formas ligado, con púa, con tapping o con cuerda al aire. Un

ejemplo de esta tecnica es el intro la cancion de Ac/Dc Thunderstruck.

El fragmento corresponde a la canción Speed of Light de Satrianni.

 

h) Crosspicking: Otra técnica de púa, consiste en tocar 3 cuerdas. Este estilo es reconocido especialmente por

ser usado en la música country. La idea de esta técnica es emular el sonido del banjo.

Ejemplo de Crosspicking. 

El fragmento corresponde a la cancion Blackberry Blossom

i) Pick Trilling: O también conocido como tapping con púa es una técnica (Pick tapping) en donde se utiliza la

púa como medio para hacer golpecillos rápidos sobre los trastes mas agudos o para golpear trastes que

normalmente no golpearíamos con los dedos pero de manera similar al tapping. Satrianni es uno de los

guitarristas que mas suele utilizar bastante esta técnica.

j) Pick Scrape: Es una técnica de guitarra muy utilizada en el rock, punk y metal. Consiste en sostener la púa

de costado contra 1 o varias cuerdas y arrastrarlas a lo largo de ellas mientras el costado de la púa va rascando

las cuerdas. La forma mas efectiva es realizarlo con mucha distorsión y sobre las cuerdas mas graves. Suele

utilizarse para unir frases, o comenzar riff o para agregar ruido. 

k) Pick Slide: Similar al Pick Scrape pero consiste en hacer arrastrar la púa sobre las cuerdas produciendo un

pequeño slide sobre las cuerdas mas agudas.

L) Circle Picking: También conocido como técnica de Púa circular. Desarrollada por Steve Vai, la tecnica

conciste en realizar movimientos circulares, no con la muñeca sino con los dedos pulgar e indice. Aqui una

explicación

m) Inside / Outside Picking: Esta técnica consiste en como se golpean las cuerdas con la púa. El Inside

picking consiste en golpear las cuerdas desde adentro. Por ejemplo golpear la 2da cuerda hacia abajo y la

tercera hacia arriba, en este caso la cuerda queda atrapada dentro de estas dos cuerdas lo cual en general

suele traer problemas a la mayoria de los guitarristas. El Outside Picking, consiste en golpear las cuerdas

desde afuera, ejemplo golpear la 2da cuerda hacia arriba y la 3ra cuerda hacia abajo. En castellano, se lo

denomina golpear desde dentro o golpe exterior.

2) Técnicas de   mano derecha

Compre el uso de la mano derecha o mejor dicho de la mano que rasga las cuerdas sin el uso de púa. Las

diferentes técnicas y recursos usados. Desde golpear el cuerpo de la guitarra, las cuerdas, técnicas de dedos,

tapping, armonicos, etc.

a) Posición de la mano: Si bien dificilmente se considerado una técnica no podemos dejar de mencionar que la

posición de la mano produce diferentes matices a la hora de tocar y esto no debe ser olvidado: si se esta cerca

del puente produce un ataque mas duro, si se toca sobre el diapason o los trastes produce un sonido mas suave

y dulce y si se centra la mano se genera un sonido más completo. Una forma de comprar esta variacion de

matiz o timbre es tocar repetidamente una misma nota mientras la mano derecha se mueve desde el puenta a la

mitad del diapasón. 

b) Técnicas con los dedos: Conocido en ingles como Fingerstyle en esa forma de tocar no se utiliza púa sino

los cinco dedos de la mano juegan libremente con las cuerdas. Se diferencia de las demas técnicas por se

utilizan nada mas que las cualiadades de los mano: carne, uñas, nudillos, palmas y las puntas de los dedos,

y por supuesto sin objetos externos como púas. Permite realizar técnicas que con púa no se podrían hacer

como tirar de las cuerdas o tocar varias cuerdas simultáneamente o incluso arpegiar de diferente manera el

acorde. La idea general de la técnica de guitarra con dedos es asignar varias funciones a los dedos de la mano

derecha, el pulgar hace los bajos y los dedos tocan la melodía o el resto del acorde tirando o arpegiando el

mismo. Esta forma de tocar brinda suavidad, soltura, y fluidez en la ejecución. El dominio de esta técnica

requiere de mucha habilidad y coordinación y es muy característico de la música clásica. Generalmente las 4

primeros dedos tocas las cuatro cuerdas mas agudas mientras el bajo es tocado por el pulgar. Un buen ejemplo

es Paco de Lucia. El tocar con las manos cuenta con muchisimas tecnicas propias, en especial el flamenco,

técnicas como el repiqueteo, el apoyando (o Rest Stroke), el tirando (o Free Stroke o slap), el triplet rasgado o el

golpe.

Por su parte destacar una técnica propia del blues y folk del sur de los EE.UU. conocida como Fingerpicking. 

Esta técnica creada especialmente para tocar en solitario, el músico toca a la vez ritmo y melodía de la misma

forma que se solía hacer con el piano. Vale destacar que el guitarrista jamás rasguea los acordes, sino que los

descompone altenando rítmicamente los movimientos de el pulgar, que toca el bajo, y los demás dedos que

tocan la melodía A esta forma de tocar también se le conoce como ragtime guitar. Posteriormente con el uso de

la púa la técnica evoluciono a lo que se conoce como Chickenpicking.

c) Tamborilleo: Es una técnica de guitarra flamenca y del folklore Argentino que consiste en utilizar el cuerpo

de la guitarra para golpearla a modo rítmico mientras se rasga. Se la denomina tambor o en ingles como

“Tambour”  debido a que se utiliza el pulgar derecho o la parte inferior de la palma de la mano para imita el

sonido de un tambor o percusión. Muchas veces también se realiza un repiqueteo con los dedos contra el

cuerpo de la guitarra.

d) Técnicas híbridas (Hybrid picking):También conocida como Flatpicking oChickenpicking consiste en tocar

con dedos y púa. La púa se sostiene con el índice y el pulgar mientras se utilizan el resto de los dedos también

para tocar. Suele utilizarse una púa especial que se engancha en el pulgar lo que permite ganar mas velocidad y

el uso extra de un dedo. En resumen, es similar a tocar con los dedos salvo porque el uso del dedo pulgar es

reemplazado por la púa. Aquí un video de la técnica.

e) Técnica de Slapping y Popping

Si bien son consideradas técnicas de bajo muchos guitarristas las usan para realizar ciertos fraseos o sonidos.

El slap consiste en la técnica donde se golpean las cuerdas utilizando el pulgar de la mano derecha, das un

golpe seco a la cuerda cerca de la parte donde esta el puente. Por su parte, el popping proviene del pop que es

una forma de tirar las cuerdas hacia arriba utilizando los dedos índice y mayor haciendo que reboten contra el

cuerpo de la guitarra. Esta última es fastante utilizada en el ritmo del funk. Aquíuna demostración de esta

técnica. Dentro de estas variantes aparece la "Acoustic slap guitar", la cual es una mezcla de diferentes

técnicas: slap, popping, tapping, razgados y tamborilleo. Esta técnica muy usada en ritmo de bossa, y a crecido

en popularidad por la pelicula "August Rush".

f) Strum Fingerstyle: Tambien llamado slap en ingles, consiste en luego de estirar las cuerdas o razgarlas

golpearlas con las uñas de la mano produciendo una pequeña percusión. Aqui una buena lección.  Es un

elemento muy caracteristico del razgado del folklore Argentino. 

 

3) Técnicas de Tapping

Otra de las tecnicas que genera mucha sensación de velocidad y se realiza en conjunción con la mano derecha.

En el tapping se utilizan los dedos de la mano que lleva la púa para presionar las cuerdas sobre el diapasón de

la guitarra haciendo sonar las notas mediante golpes y ligados. Suele utilizarse el dedo índice o anular aunque

hay músicos que utilizan toda la mano. Uno de los guitarristas que popularizo el tapping fue Van Halen.

Hay tres formas de hacer tapping.

a) Una consiste en que la mano izquierda mantiene una postura fija mientras que la derecha se mueve.

Ejemplo de tapping con mano izquierda fija.

b) Otra que es inversa a la anterior en donde la mano derecha permanece fija.

Ejemplo de tapping con mano derecha fija.

c) Y la última donde ambas posiciones de la mano se desplazan por el diapasón.

Ejemplo de tapping donde ambas posiciones

de la mano se desplazan simultaneamente.

4) Técnicas de Tapping más complejas

Otro recurso o técnicas de tapping consisten en el a) tapping armónico, es decir se utiliza para generar

armónicos mediante golpes. En el solo de “beat it” de Michael Jackson se puede apreciar. Aquí un explicación

de esta técnica. Un detalle es que el tapping también puede hacerse en guitarra acústica aunque quizás no sea

tan efectivo o espectacular.

Ejemplo de Tapping armónico de la canción Beat it de Michael Jackson.

b) Freet tapping con acordes: Esta técnica consiste en tocar acordes mientras que se ejecutan ligados

ascendentes o descendentes 12 trastes más arriba. Es decir se toca un acorde de sol en el tercer traste y se

realizan ligados en el traste 15.

c) Freehands: Esta tecnica consiste en tapping a dos manos. La mano derecha toca linea melodicas mientra la

izquierda toca linea de bajos o acordes ligados. Un buen ejemplo es Stanley Jordan.

5) Técnicas de slide

Básicamente esta técnica consiste en deslizar un dedo de una nota a otra. Se hace sonar la primera nota y

seguidamente deslizar el dedo hasta llegar a la posición de la segunda nota que se encuentra en la misma

cuerda. Esta técnica fue evolucionando y actualmente suele utilizarse con un tubo de slide que se coloca en el

dedo mas pequeño y desliza a través del mástil el cual también se utiliza para dar vibrado. Aquí un ejemplo de

como tocar con slide. Algunos guitarristas suelen tocar sentados con la guitarra sobre su regazo mientras

utilizan algún otro instrumento como un vaso o una botella de cerveza. A este tipo de técnica se lo conoce

como Lap Slide. El slide también es conocido con el nombre de "Bottleneck".  Ejemplo de esta técnica el intro

de Stone Roses - Love Spreads o Ozzy Osbourne - No More Tears

6) Técnicas de armónicos 

Consiste en diferentes formas de lograr armónicos con la guitarra.

a) Los armónicos naturales que se logran apenas rozando las cuerdas y el mas característico es en el traste

12 aunque también suenan con facilidad en el quinto y séptimo traste.

Ejemplo de armonicos naturales. 

El fragmento corresponde a la canción Speed of light de Satrianni.

b) Armónicos de Tap: Técnica descripta previamente que consiste en golpear la cuerda a modo de tapping

para generar armónicos.

c) Armónicos de púa: O también conocidos como Pinch harmonic: Se roza levemente con el dedo pulgar la

cuerda luego de tocar con la púa lo que produce un armónico

d) Armónico híbrido: Consiste en utilizar la púa para tocar mientras se utiliza el dedo índice para rozar la

cuerda.

Salvo el Pinch harmonic, el resto de los armónicos se los obtiene con facilidad partiendo las longitudes en

mitades, cuartos o tercios. Es decir cada 12, 7 o 5 trastes respecto de la nota que tocamos.

Diagrama de como tocar armónicos en cualquier posición. La idea es parase 5, 7 o 12 trastes mas lejos de la

nota que estamos tocando y de la cual queremos hacer el armónico. El dedo indice se utiliza para rozar la

cuerda y el anular para golpearla. Si se utiliza púa se sostiene con el dedo anular y el pulgar.

e) Touch Harmonics: También conocido como armonicos de toque, consiste en tocar una nota y ligarla con su

armónico. Difiere del tapping en que en esta técnica no se golpea el traste para producir el armonico,

simplemente se apoya el dedo como si fuera un armonico natural.

 

Técnicas de feeling y ejecución

En este conjunto de técnicas nos referimos a las forma de dar sentimiento a una nota o conjuntos de notas.

Estas tecnicas son generalmente realizadas por la mano izquierda.

7) Técnicas de timming: Es una de las técnicas mas utilizada en el jazz. Consiste en jugar con los tiempos de

ejecución. Por ejemplo con el Staccato. El staccato que proviene del italiano (staccare: romper), es un modo de

ejecución musical en el que se acorta la nota respecto de su valor original lo que produce un mayor ataque de

las notas y una menor duración de las mismas. Vale mencionar, que uno de los maestros del Staccato en la

guitarra eléctrica es sin duda Paul Gilbert. También podemos mencionar los tresillos, las triadas, el calderón, y

las acentuaciones. Este tipo de técnicas se centra más en juego con los tiempos, las pausas y los silencios.

8) Técnicas de feeling: 

En este conjunto de técnicas hablaremos de las formas de dar feeling o sentimiento a las notas. No simplemente

tocar las notas si no las diferentes formas de ejecutarlas. En otras palabras una misma notas puede ejecutarse

de diferentes maneras para lograr diferentes efectos.

Hay muchas formas de dar feeling a una nota o conjunto notas

a) Vibrato: Sencillamente consiste en agregar un pequeño temblor a la nota. En la guitarra existen varias

formas:

1) El método tradicional y el mas simple consiste en mover la cuerda levemente hacia los lados. 

2) El método vertical se emplea más cuando se fuerza una cuerda y consiste en forzarla ligeramente hacia

arriba y abajo. 

3) También esta el vibrato circular que consiste en rotar u oscilar levemente el dedo mientras se presiona. El

vibrato produce que el sonido se enriquezca y se prolongue el sonido y es realmente efectivo combinado con el

forzamiento de cuerdas. Un detalle es que también se puede agregar vibrato a los acordes. Aquí un video sobre

las técnicas de vibrato.

b) Forzamiento de cuerda: La idea básica del forzamiento de cuerdas es alcanzar 1 semitono, tono o varios

tonos presionando sin cambiar de traste. Es decir estando en do se podría tocar un re sin variar la mano de

lugar simplemente estirando la cuerda. En ingles esto es conocido como bending, y se lo denomina a estirar las

cuerdas hacia arriba o abajo dependiendo la ubicación de las mismas. Aquí un video explicando la técnica.

Vale remarcar que, hay varias formas de forzar las cuerdas: forzar una solamente, dos en el mismo sentido,

forzarse una hacia arriba y la otra hacia abajo, golpear dos notas mientras se fuerza una mientras la otra

permanece estática. El prebending se lo conoce como al acto de forzar primero la cuerda y luego golpearla

haciendo que el sonido ya sea el de la cuerda estirada. El bending normal se fuerza al mismo tiempo que se

ejecuta lo que produce una elevacion del tono. El forzamiento de cuerda mas el armonico de púa (pich

harmonic) produce que la guitarra llore o chille. En ingles el release se denomina a soltar la cuerda o bajar la

tensión.

Ejemplo de la cancion Johnny B. Goode de Chuck Berry.

c) El smear: es una especie de forzamiento de cuerda pero que no llega a cambiar de tono. Digamos un ¼ de

tono lo que produce un sonido muy particular pues no llega a cambiar de tono.

d) Ligados: Consiste en hacer sonar dos más notas pulsando una sola vez la cuerda. Es decir, es como realizar

un martilleo con los dedos sin utilizar la púa. El ligado ascendente se conoce en ingles como Hammer-On,

consiste en tocar una nota y sin volver a tocar la cuerda pisar una nota ascendente. Por su parte el ligado

descendente o Hammer-off en ingles consiste en primero tocar una nota pisada y la cuerda se suelta haciendo

sonar un traste que ya ha sido pisado con anterioridad

e) Glissandros: Similar a los ligados consiste en que se pueden oir las notas intermedias entre la primera y la

última.

f) Trino: Es una alternancia rápida entre dos notas haciéndola sonar y ligándola con la anterior asegurándose

que la cuerda suene claramente.

g) Ghost note: Consiste en hacer sonar la nota muy suavemente haciendo que casi no sé escuche.

h) Encadenamientos: Consiste en arrastrar la nota desde un traste a otro. En ingles se lo conoce como slide.

Por supuesto hay slide ascendente y descendente.

i) Acordes arrastrados: La guitarra es el único instrumento en el cual se pueden arrastrar acordes arriba y

abajo. Es similar a un slide a diferencia que se arrastra todo el conjunto de notas de una posición a otra.

Técnicas de manos grandes

Las presentes técnicas sin dudas deben haber acontecido por una cuestión mas de comodidad que de estilo.

Algún guitarrista de manos grandes y pesadas las empezó a usar por comodidad y terminaron siendo un estilo y

una técnica.

9) Técnica de rake: Consiste en mutear con la mano izquierda algunas cuerdas mientras se toca una nota pero

se golpean todas las cuerdas simultáneamente con la púa mientras la nota suena. Se obtiene un sonido más

gordo o lleno y sobre todo más enfático y percusivo. La nota que tocamos debe sonar claramente mientras

quede las cuerdas muteadas simplemente debe escucharse el sonido de la púa al golpear contra ellas y no

ningún chillido. Aquí una explicación.

10) Técnica de Pulgar: También conocidas como grip consiste en realizar el pulgar para tocar o mutear notas y

para realizar un forzamiento de cuerdas utilizando el dedo pulgar como apoyo. Utilizar el pulgar en la ejecución

de notas suele considerarse incorrecto en especial en la música clásica pero algunos guitarristas Jimmy Hendrix

y Albert King popularizaron estas técnicas

11) Tecnica de Double Stop Pinch: O en castellano frases de doble nota, en esta técnica la idea consiste en

tocar dos notas simultáneamente, es decir consiste en tocar dos cuerdas a la vez. Chuck berry es un buen

ejemplo. Las notas pueden ser forzadas, ligadas o arrastradas. Aquí un video

Fragmento de la canción Johnny B. Goode de Chuck Berry.

 

Recursos tecnicos

En este conjunto de técnicas nos referiremos a aquellas que parten de la utilización de los recursos menos

usuales de la guitarra como el switch de las pastillas, las perillas de volumen, el uso de efectos, el sustain, la

palanca o el amplificador.

12) Técnicas de efectos: Consiste en utilizar cualquier efecto o recurso donde la guitarra produzca un sonido

no convencional. Tom Morello, Dave Gilmour y Jimmy Hendrix son buenos exponentes de ello y han sido

reconocidos como los mas innovadores y originales en este sentido. Suelen utilizarse pedales entre los efectos

más comunes encontramos el delay, overdrive, chorus, reverb, phase, flanger, etc. En una entrevista otorgada a

la BBC, The Edge (guitarrista de U2) contaba que esta componiendo una pieza para guitarra en la cual gracias

al delay simulaba el uso de 2 guitarras y como el eco del delay influye en la composición. Aquí la entrevista.

Para comprender mejor este punto vale contrastar el uso de efectos en los riffs de U2,Mysterious

Way, Discotheque, "With or with you” si bien se caracterizan por ser particularmente simples suenan

espectacular gracias al uso de esta técnica.

13) Técnicas de Wah Wah: El wah wah es un pedal que en combinación con las técnicas vistas suelen

exagerar o disminuir los efectos. Consiste en un filtro que el sonido de la guitarra que

cuando varía la frecuencia  de un valor bajo a uno alto, produce un sonido similar a "uaa" o "waa" del cual

ahí obtiene nombre. A medida que el pedal es presionado (+), disminuye la frecuencia de los bajos realzando

los agudos lo cual en combinación con el forzamiento de cuerdas produce un grito o llanto de guitarra. Al dejar el

pedal abierto(o) el wah wah filtra los agudos haciendo que se realcen los graves lo que produce un sonido mas

pesado.

Las técnicas del wah wah consiste en dejar el pedal en diferentes posiciones: Totalmente pisado, a la mitad,

cerrado esto durante toda la canción (o mediante cierta cantidad de compases) o ir abriéndolo lentamente. Otra

de las formas mas usadas consiste en presionar arriba y abajo el pedal ritmicamente mientras se presiona las

notas lo que produce un sonido muy particular a costa de la nitidez de las notas.

Lo mas destacable de el pedal de wah wah permite exagerar y enfatizar lo que se esta tocando produciendo que

el sonido sea aun mas agudo o mas grave lo cual es especialmente efectivo con distorsión. También suele

utilizarse en secciones rítmicas limpias (sin uso de distorsión) lo que produce un efecto mas “funk” ” o con

cuerdas muteadas lo que produce un sonido muy particular. Guitarristas como Jimmy Hendrix (Ej.Voodoo Child)

o Tom Morello (Ej. Bulls On Parade) han producido efectivos y originales usos  de el wah wah. Según se

rumorea Slash usa 8 pedales de wah wah en línea completamente abiertos para generar un sonido mucho más

agudo de lo normal. Otras de las técnicas poco mencionadas es la utilización del wah wah con el tapping lo que

produce un efecto "Van Halen" (Eruption).

14) Técnicas de acople: Conocido en ingles como Feedback se conoce al efecto producido por la

retroalimentación que ocurre en un sistema cuando una fuente sonora recoge su propio sonido reintroduciéndolo

en el sistema. El feedback es muy utilizado en la música rock principalmente como introducción o cierre, un

ejemplo es la canción de los Beatles – “I feel fine” pero artistas como Jimi Hendrix o Pete Townshend entre otros

lo han usado mas frecuentemente. La mejor forma de obtener un acople es tener mucha distorsión, un volumen

alto e ir acercándose al amplificador con las cuerdas sueltas. Vale destacar que es muy fácil generar un acople

casual pero muy difícil de controlarlo o de lograr un acople de una determinada nota. A diferencia del sustain,

técnica que viene a continuación, nos referimos a técnicas de acople por el uso exclusivo del amplificador para

lograr este efecto el cual produce un efecto muy distintivo.

15) Técnicas de sustain: Consiste en el uso del sostenimiento de una nota o sonido por largo tiempo. Un buen

ejemplo consiste en la canción de U2 “With or without you”. El método se consigue con una buena guitarra y un

buen pedal pero el problema es que dura mientras vibra la cuerda por lo que generalmente se utiliza con un

sistema como elFernández Sustainer o el E-bow que hacen que la cuerda vibre sola así que estos sistemas

brindar sustain infinito por lo que la guitarra aúlla hasta la eternidad..

16) Técnicas de palanca: La palanca se utiliza para aflojar o presionar las cuerdas, dar vibrado o forzar las

cuerdas. La idea es que las cuerdas se destensen, haciendo así que varíen su tono. Esto genera efectos y

técnicas y sonidos como el Dive bomb, La motocicleta, The Squirel, etc. También suele combinárselos con otras

técnicas como pinch armónicos o vibratos. El Dive bomb es una técnica de guitarra en la cual el tremolo bar (o

palanca) es rápidamente bajado para pinchar una nota el cual crea un sonido similar a una bomba cayendo. Uno

de los mas reconocidos pioneros en esta técnica fue Jimi Hendrix. En este video Dimebag Darrell explica el uso

de la palanca con armónicos y como obtener esos sonidos clásicos del metal.

Técnicas de volumen

17) Volume swell: Es una forma musical conocida como “crescendo musical”. La técnica consiste en utilizar la

perilla de volumen, la idea consiste en que la guitarra eléctrica tiene un sonido inicial (o ataque) muy alto, la

técnica se centra en reducir este ataque partiendo de un volumen cero el cual se va incrementando

gradualmente o rápidamente para lograr un efecto distinto al habitual. Esta técnica también se la conoce como

"violining” por el sonido similar a un instrumento de cuerda. Aquí un ejemplo.

18) Killing switch: Consiste en una técnica de guitarra eléctrica en donde un micrófono (o pastilla) se apaga y

otro se deja a máximo volumen. Se ejecuta una nota, acorde o legado y rápidamente se cambia a uno y

otro. Aquí una explicación. El guitarrista Buckethead popularizo un dispositivo por el cual corta la señal de la

señal de la guitarra lo cual que produce el mismo efecto sin utilizar el switch entre las pastillas.

Técnicas no convencionales

Nos referimos a ejecutar la guitarra de una manera distinta a la normal.

19) Bowed guitar: Es un método en el cual la guitarra acústica o eléctrica se ejecuta mediante un arco. Similar

a tocar un cello, o viola. A diferencia de otros instrumentos de arco la guitarra tiene un puente mas recto lo que

dificulta la complejidad en tocar las cuerdas del medio.

20) Ebow: Ya mencionado previamente el E-bow es una dispositivo que hace que la cuerda vibre sola lo que

produce un efecto similar a un instrumento de cuerda, al acercarse o alejarse, golpear las cuerdas. Con

diferentes efectos imita el sonido de una gaita, violin, chello, etc. Aquí pueden ver un buen demo. También sirve

producir un sustain infinito como se puede apreciar en la canción de U2 “With or with you”, Luz del alma de

Dividos o Ebow Letter de Rem.

Conclusión  

Existen muchísimas formas, técnicas y recursos para tocar la guitarra. Algunas de estas técnicas son variantes

o combinaciones de técnicas viejas pero sin duda que generan un sonido único y particular que sirve para

componer y generar canciones o arreglos únicos y porque no hasta estilos de música nuevo. Lo mejor es ir

experimentando cada una de las técnicas y llevarnos una grata sorpresa.

¡Los modos griegos para novatos!Había intentado aprender los modos griegos durante bastante tiempo, había

leído varios libros y buscando en Internet pero me resultaba tan difícil, era

como aprender griego, latín, o esperanto. ¿Y encima aprender nuevas patrones

de escalas y sabérmelas? Olvídenlo, demasiado trabajo.

Posteriormente, tomando unas clases de jazz me di cuenta que en realidad no

es que sea tan difícil sino que esta pésimamente explicado lo que hacia que

intentar aprenderlo sea difícil y los patrones de escalas ya los sabia.

¿Qué son los modos griegos?

En realidad vas a leer muchísimas cosas sobre los modos griegos, y en

especial sobre su historia. Sin duda, para simplificarlo debes comprender lo

siguiente.

En los modos griegos dijeron hagamos escala solo utilizando las teclas blancas

del piano.

Es decir: 

1) do, re, mi, fa, sol, la, si, do

2) re, mi, fa, sol, la, si, do, re

3) mi, fa, sol, la, si, do, re, mi

Y así sucesivamente con todas las notas. Esto hizo que se crearon nuevas escalas, a los que se los denominan

comúnmente como modos griegos.

Si piensas que son todos iguales pues tocan las mismas notas bueno: si pero no. Cada escala tiene una

diferencia de distancia entre notas. Recuerda que entre si-do, y mi-fa hay un semitono de distancia y en las

demás un tono. Al ir cambiando el orden de las notas va cambiando estas distancias entre notas se van

generando diferentes patrones de escalas lo que comúnmente se conoce como intervalos. Esta distancia entre

las notas hace que cada escala suene distintas.

Hay 7 modos: Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, y Locrio.

Seguramente ya sabes el modo jónico, al cual se lo conoce comúnmente como escala mayor y abarca las notas:

do, re, mi, fa, sol, la, si, do.

El Eólico, posiblemente también lo conozcas es lo que se conoce como escala menor y abarca las notas la, si,

do, re, mi fa, sol y la. Y suele denominarse como relativa menor.

En conclusión, los 7 modos abarcan las 7 notas en sus octavas: Jónico (de do a do), Dórico (de re a re), Figio

(de mi a mi), Ldio, (de fa a fa), Mxolidio ( de sol a sol), Eólico de (la a la), y Locrio (si a si).

Lo que deberías saber

Lo que deberías saber y nunca nadie te dice, es que cada modo se corresponde con un grado de la escala

mayor

Jónico: I grado

Dórico: II grado

Frigio: III grado

Lidio: IV grado

Mixolidio: V grado

Eólico: VI grado

Locrio: VII

Es decir, un modo griego es una serie de escalas musicales que se puede construir si se usan las notas de una

escala mayor cambiando el “punto de partida”

Por lo que para empezar el modo que desee simplemente debes ubicarte en que grado esta.

Un secretito

Otro detalle es que puedes tocar diferentes modos dentro de un mismo tono.

Es decir, si estas tocando en tono de Do mayor, puedes tocar el modo frigio de mi, el locrio de si, el modo

mixolidio de sol porque estarías sencillamente estarías tocando las mismas notas!

Esto funciona exactamente como la escala relativa menor.

Supongamos que estas tocando en Re mayor, puedes tocar la escala frigia de Fa#, la dórica de Mi, y la locria de

Do# siempre estarás tocando las mismas notas.

¿Cómo se usa?

Quizás pensarías que necesitas saber un montón de escalas para utilizar los modos. Pero hay un truco para

simplificar esto y entenderlo fácilmente.

Un ejemplo muy tonto pero vas a entender los modos en un muy rápidamente, supongamos que tienes que

hacer la escala locria de Si que abarca las notas si, do, re, mi, fa, sol, la, si. Te paras para hacer la escala mayor

de Do y empiezas un semitono antes, es decir en si pero sigues haciendo la escala de do mayor. En otras

palabras comienzas en el VII grado de la escala..

A continuación patron de escala mayor para que puedas empezar.

Los números 1, 2, 3 y 4 corresponde a la ubicación de los dedos. La M corresponde a la tónica de la escala

mayor. Por ejemplo quieres hacer la escala mayor de Do, empiezas en el octavo traste parandote donde se

ubica la letra M. La abreviatura LC y Dr corresponden a los modos Locrio y Dórico para usar esos modos

simplemente debes empezar por esos puntos.

Otro ejemplo

Supongamos que quieres utilizar la escala Locria de Sol.

Sabiendo la escala mayor de Do, el patron de arriba, te paras como si hicieras la escala mayor de Sol # (en la M

del diagrama) y empiezas a tocar en su séptima nota, es decir: Sol. (Si todavia no te diste cuenta en el diagrama

te paras en el punto violeta)

Para corroborar que lo estas haciendo bien deberías estar tocando las notas: sol, lab, sib, do, reb, mib, fa, sol.

Ahora supongamos que quieres tocar el modo dórico, que corresponde al 2do intervalo, simplemente te mueves

a Fa y pones la postura de la escala mayor. En ves de empezar a tocar la escala de Fa, haces tónica en Sol con

la postura de la escala mayor de Fa. Pero tocas en el 2do intervalo de la escala mayor de Fa es decir en sol.

Para corroborar que lo estas haciendo bien tocarías las notas: sol, la, sib, do, re, mi, fa, sol.

Es decir estarias parado en el punto celeste del diagrama y la M estaria en Fa.

¿Y si es menor que hacemos?

Si estas tocando en una tonalidad menor simplemente inviertes

Eólico: I grado

Locrio: II grado

Jónico: III grado

Dórico: IV grado

Frigio: V grado

Lidio: VI grado

Mixolidio: VII grado

Es decir si estas tocando en la escala de La menor, tocarías el modo mixolidio de Sol, el modo frigio de Mi, etc.

En Re menor, tocarías por ejemplo la escala frigia de La.

Debes combinar los grados de los modos con los grados de las escalas. Por ejemplo en una escala menor el

modo jónico corresponde a la tercer nota de esa escala menor. En la menor seria el modo jónico seria el de Do,

en la escala de Re menor seria el modo jónico de Fa.

Patrones de posiciones

Para terminar les dejo unos patrones mas de escalas y modos. Aprendiendo las siguientes figuras aprenden

varias escalas y modos desde una misma posición.

Por ejemplo para hacer el modo frigio de Sol, te paras en el punto azul y también tendras la escala de do menor

en la quinta cuerda.

Si te paras en la M verde, por ejemplo en el quinto traste tendras la escala de La menor, y la Mixolidia de Sol en

el 3ro, y la escala mayor de do en la quinta cuerda

Este patrón es la escala pentatonica completa.

Un detalle final

Si son inteligentes podran unir los 4 patrones y tendran todo el trastero completo.

¿Cómo crear riffs para Rock y Metal?

La gran tarea de un guitarrista, en especial de rock, es la creación de riffs. Tarea

no sencilla, miles de riff ya son de uso popular y son identificado en seguida y

hay que reconocerlo que veces se torna difícil crear un riff original.

En este artículo nos adentramos a la creación de riff y analizamos las diferentes

posibilidades a la hora de hacer uno.

Técnicamente un riff es una melodía, un motivo musical, una secuencia de notas pero podría decirse que en

realidad los riffs son el alma del rock. Sin riff puede haber música pero sin dudas que no seria lo mismo para el

rock.

Quizás quieras ver el artículo anterior: ¿Cómo crear riffs y melodías?.

A continuación analizaremos las distintas formas y posibilidades a la hora de hacer un riff.

Riff basados en un acorde

Este tipo de riff se base en un acorde base, con el cual únicamente se crea el riff. El truco consiste en el ritmo y

el ambiente lo que logra un efecto único. En realidad podría decirse que el riff esta basado en el ritmo. Se

pueden lograr muchísimos efectos jugando con el ritmo del rasgado, los silencios y el palm mute (silenciando las

cuerdas).

Un buen ejemplo de esto es el clásico "Faith" de George Michael, vale la pena notar el ritmo.

 

Otro ejemplo de buen ritmo es la canción de KT Tunstall "Black horse and a cherry tree".

Otros riffs de este estilo que vale la pena tener cuenta es el de la canción "You really got me" de The Kinks.

Riff basados en progresiones de acordes

Una de las formas más clásicas de armar riff, consiste en utilizar como base una progresión de acordes. Aquí el

truco consiste en la distancia, la armonía, el ritmo y la acentuación y duración de los acordes. La gran mayoría

de las bandas de rock utilizan esta clase de riff. El truco consiste en dar con una progresión que sumada a un

ritmo propio crean su propio riff.

Ejemplo de esto es el clásico "Smoke on the water" de Deep Purple:

O "When i come around" de Green Day:

Un detalle que vale la pena mencionar es que la gran mayoría de los riffs de las canciones de Nirvana estan

armados asi.

Riff Basados en escalas

Los riffs basados en escalas, son otro de los recursos mas utilizados consiste seleccionar una serie de notas de

una escala y jugar con ella. Es similar a crear una melodía pero en una guitarra eléctrica el resultado es distinto.

Lo importante en esta clase de riff es la distancia entre las notas, su repetición y principalmente su forma. Como

dice en la primer parte y vale la pena remárcalo, generalmente son un puñado de notas es decir no se toca toda

la escala. Un ejemplo de ellos es el riff de "Beat it" de la canción de Michael Jackson creado por Van Halen.

Riff que combinan acordes y escalas

Esta clase de riff requiere un poco más de talento, oído y digitación, pero el resultado es un poco mas extremo.

La suma de los acordes y de notas de una escala crean un riff más trabajado lo que da en resultado un riff más

especial y único. 

La idea es que los acordes sirvan de base rítmica y entre ellos se agrega algún fraseo o melodía interesante

para dar cohesión a los acordes. Suelen utilizarse acordes en quinta o mucha cuerda al aire.

En este fragmento de Crazy Train de Ozzy Osbourne, Randy Roads utiliza una posicion de FA sostenido.

 

Un excelente ejemplo de esto es AC/CD, la siguiente transcripción es fragmento de"Black in black", como vemos

utiliza acordes los acordes E-D-A al finalizar el compas realiza una frase que une con el siguiente compas.

Riff de poder

Este tipo de riff prima en el metal. Se basan en quintas, posiciones fijas y notas de escala. Generalmente se

tocan en corcheas y a un ritmo rápido y muy veloz. Una de las formas más comunes consiste en tocar la quinta

al aire o pisando un bajo mientras que se va cambiando de posición de acordes o notas.

El siguiente ejemplo es de Iron Maiden "Two Minutes To Midnight".

El siguiente ejemplo es del riff de  "Crazy Train " de Ozzy Osbourne, del genial guitarrista Randy

Roads. 

El fragmento de a continuación pertenece a Van Halen de la canción "Panama" En este ejemplo a diferencia de

los dos anteriores es que pisa la nota Mi de la 5ta cuerda.

Riff basados en arpegios

Consiste en desmenuzar los acordes y tocar nota por nota de una manera personal Muchas veces se le agregan

notas dentro de la escala pero la mayoría de las veces simplemente se arpegia el acorde de un modo único.

Muchas veces en las primeras cuerdas y otras en las bajas.

En este ejemplo de Van Halen "Ain't Talkin' 'Bout Love" se puede ver como arpegia los acordes de Am - F - G.

La suma de todo: Acordes, escala y arpegios

¿Y que pasa si mezclas todo? Sencillamente, no sos de este mundo, la suma de los tres elementos crea un

resultado espectacular. Un buen ejemplo de riff con acordes, notas al aire, escalas y arpegios es el genio de

Van Halen. Si logras jugar con todos los elementos es que has dominado a tu instrumento.

Ultimas consideración

Vale agregar unos últimos comentarios. Principalmente que los riff son cortos, duran dos a cuatros compases de

los cuales se le hacen variaciones, generalmente al final del mismo. Una buena idea es exprimir los riffs y

generar cuanta variación sea posible para utilizar a lo largo de toda la canción o incluso para utilizar en distintas

secciones. Pero la idea principal es que sea algo sencillo, simple de recordar y pegadizo. Se pueden utilizar

muchas formas a la hora de hacer un riff por ejemplo ABA – AAB – ABAC – AABABAC- de todas formas lo

recomendable es pensar en un riff de guitarra sencillo e ir desarrollando las variaciones.

Una de las preguntas más comunes es si solamente se debe tocar las 3 últimas cuerdas. La respuesta es no,

esto depende del riff, el ritmo y de lo que quieras lograr en tu creación.

¿Cómo modular una canción? Parte 1Valoración del Usuario:   / 16 

Malo Bueno 

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Una de las primeras pregunta que nos encontramos al desarrollar las canciones

es como generar una variación para que la canción no resulte monótona o en

otras palabras toda igual. Una de las soluciones mas frecuentes consiste en

agregar un puente desarrollado en un tono distinto al de la armonía principal.

Valoración

 

Pero eso involucra un problema pues tenemos dos partes con dos tonos distintos por lo cual no tenemos una

unión.

En este articulo veremos como hacer una simple modulación, es decir como hacer para unir dos piezas de una

canción que poseen distinto tono a través de un pasaje armónico, sirve tanto para un puente como para unir dos

secciones cualquiera con dos tonos diferentes.

¿Qué es modular?

Modular consiste en el paso de un tono a otro tono en el curso de una canción o pieza musical. Esto sirve para

que la transición se lo mas suave posible y no suena agradable al oído y no resulte algo forzado. Existen

muchas convenciones y reglas, pero a grandes rasgos la regla consiste en la mayor cantidad de notas comunes

posibles y en su relación entre intervalos.

Modulación con acordes primarios

Este tipo de transición es muy sencilla, simplemente consiste en utilizar el subdominante (IV) o el dominante (V)

para hacer el traspaso.

Por ejemplo

En el tono de do (I), el subdominante es Fa (IV) y el dominante Sol (V). Si analizamos las notas de las escalas

veremos que en la escala de Fa y Sol solo hay una nota de diferencia con respecto a Do (Sib en Fa y Fa# en

Sol) lo que hace que estén muy cercanas. Esto permite que el traspaso sea muy suave.

Así mismo suele suceder que una dominante de un tono es subdominante en su tono. Es decir. Fa es

subdominante (IV) de Do y Do es dominante de Fa (V), y por inversión Sol es dominante (V) de Do y este es

subdominante (IV) de Sol. Como vemos los acordes están íntimamente relacionados. Sino sabes que es un

dominante o tónica te recomiendo que veas este artículo.

¿Como modular a un dominante?

Supongamos que queremos pasar de Do mayor a Sol mayor que suele ser lo mas convencional. Existen dos

maneras:

1) Usando la dominante del primer tono: 

Pasando directamente de Do a Sol, ya que Sol es tónica (I) en Sol y dominante (V) en Do. Ej: Do / Sol. Si

queremos pasar de Sol a Re, la progresión seria simplemente Sol / Re

La formula seria I A – V A(IB)

2) Usando la dominante del domínate del primer tono

Es decir utilizamos el acorde de Re que funciona como pivote o unión. En otras palabras, Re es dominante de

Sol, y Sol es dominante de Do. Ej de progresión: Do / Re / Sol.

Otro ejemplo, si queremos pasar de Sol a Re, usaríamos la siguiente progresión Sol / La / Re

La formula seria: I A – V B – I B ( o VA)

¿Como modular a un subdominante?

Se aplica el mismo principio pero en dirección subdominante:

1) Usando el subdominante del primer tono

Fa es la subdominante de Do entonces resuelve directamente. Ej: Do / Fa 

Desde Sol (I) a Do (IV) seria simplemente: Sol / Do

La formula seria: I – IV A (o IB)

2) Usando el subdominante del subdominante

Aquí se utiliza un tercer acorde como bisagra para unir a los dos tonos. En este caso el subdominante del

subdominante. Ej: Do / Sib / Fa

De Sol (IA) a Do (IB), seria Sol (IA) / Fa (VB) / Do (VA o IB)

La formula seria: I A – IV B – I B (o VA)

Detalles

La letra A corresponde al primer tono y la B al segundo tono.

IA = Tónica del tono A

IB = Tónica del tono B

VA = Dominante del tono A

VB = Dominante del tono B

IVA = Subdominante del tono A

IVB = Subdominante del tono B

Conclusión

Suponiendo que tenemos 2 pasajes en dos tonos diferentes el cual el segundo es dominante o subdominante de

este generamos una pasaje utilizando o bien su dominante o pasamos directamente a su nuevo tono.

En la próxima entrega veremos como modular a acordes más lejanos

Sustitución de acordes IValoración del Usuario:   / 11 

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La sustitución de acordes consiste en remplazar un acorde por otro.

En este artículo analizamos como hacer una sencilla sustitución de acordes para generar

variación en la armonía, y para tener alternativas a la hora de componer.

¿Cómo funciona? 

La sustitución de acordes consiste en remplazar un acorde por otro. No consiste en

remplazarlo por cualquier acorde sino por uno que tenga las mismas notas que este.

El acorde de Do (C) esta compuesto por los notas do, mi , sol. El acorde de La menor.

También posee esas notas y son simplemente remplazables.

¿Cómo saberlo?

Es decir un acorde mayor puede ser remplazado por su sexta menor. Si contamos las notas La es la sexta nota

de la escala de Do.

Ejemplo de sustituciones posibles con este método en una progresión

C – F – G / Am – F - G

G – D – A / Em – D – A

D – A – G / Bm – A – G

Al remplazarse el acorde debe tocarse el bajo en su tonica, es decir si remplazamos un C por un Am el bajo

debe tocar un La.

¿Cómo hacer un éxito de verano?Valoración del Usuario:   / 5 

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Cuando me iba de vacaciones decidí prepararme una buena de dosis canciones para

alegrarme el animo y como suele decirse “levantar el verano”. Fue asi que en el viaje fui

escuchando estas canciones y encontré varias coincidencias en ellas.

Por lo que claramente puede establecerse una formula para hacer un éxito de verano: Que

no debe faltar en una canción que apunta a ser un exito de verano.

 

Lo que me refiero como “éxito de verano”, son esas canciones alegres, con cierto ánimos

veraniegos, de aire relajado pero que dan ganas de bailar o moverse, y que generalmente hablan sobre el

verano o alguna de sus variantes y que siempre dan ganas de cantar.

Entre las características de estas canciones podemos mencionar:

- Ritmo: Las canciones de verano poseen claramente un ritmo muy marcado, especialmente alegre que da

ganas de moverse y bailar pero sin exagerar,

Dos buenos ejemplos de esto son de Shaggy “In the summertime”, la de Fidel Nadal “Internacional love” o Kid

Rock - All Summer Long.

- Mucha guitarra unplugged: Si tu música o banda es mas rockera pero decides que el próximo verano la

rompes con un éxito veraniego, sin dudas apaga el amplificador. Para comprender lo que me refiero en este

punto “What I got” de Sublime y de Sugar Ray “Every morning” o "Someday".

- Temática: En este caso, suele ser bastante acotada. La tematica gira en torno a lo alegre, especialmente el

verano y la trilogia que con lleva (playa, sol, mar), las mujeres, las fiestas, y el amor. Si no sabes que contar,

nada mejor que un amor de verano y sin dudas englobas todos los aspectos.

- Ambiente: Como ya lo mencionamos unos párrafos mas arriba: Relax y alegría. Todo gira en torno a eso.

Suelen usarse acordes mayores, y la armonía debe ser bien animosa. Si tocas la guitarra usa muchos acordes

abiertos!.

- Coros: Mucho coro sin dudas, es un cliché prácticamente en especial a la hora del estribillo. Como por

ejemplo "Fly" de Sugar Ray.

Conclusión

Para un éxito de verano debe primar un ambiente relajado y alegre, pero aun asi que de ganas de moverse, de

bambolearse en la arena. Un buen estribillo, especialmente divertido que nos permita cantar todos en coro y que

no importe mas nada en el mundo. Por supuesto, siempre es bueno recordar los "ganchos clasicos" de las

canciones para que nuestra cancion tenga mas elementos atrayentes como por ejemplo una buena melodia.

Siempre se pueden generar alternativas, como por ejemplo mas o menos ambiente, mas distorción o mucho

mas ritmo y explosión en especial si la idea es apuntar a las discotecas y la noche, un buen ejemplo de esto

es: "Asereje" de las Ketchup o Kaoma - Lambada, lo interesante de esta última canción es que apesar que

apunta a ser bailar un exito bailable de verano sigue teniendo un ritmo muy relajado.

¿Cómo hacer canciones de rock? Parte 2Valoración del Usuario:   / 6 

Malo Bueno 

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Continuamos explorando distintos ritmos de rock.

Valoración

En este articulo nos adentraremos en un ritmo mas country rock, que a pesar que nos puede sonar el raro

“country” en especial para los que no somos de los países del norte muchas canciones en especial baladas

están compuestas con este ritmo.

Recuerda utilizar tu propia progresión de acordes con estos ritmos y rápidamente podrás crear nuevas

canciones.

Si no has leído la primera parte puedes hacerlo aquí:¿Como hacer canciones de rock? Parte 1

Forma de country Rock

El siguiente ritmo se usa en el country rock. Los golpes son alternados, y empezamos a notar una diferencia de

tiempo en los golpes en el primer tiempo es un rasgado de 1 tiempo (1 negra), seguido de un golpe de mitad de

tiempo y el tercer golpe es una corchea ligada al cuarto tiempo por lo cual el sonido es como si fuera una negra.

Este tipo de ritmo es el que se usado en muchas canciones de Creedence Clearwater Revival.

 

Algunos ejemplos de canciones con este ritmo:

“American Pie” – Don Mc Lean

“Kokomo” - The beach boys

“La bamba” - Los lobos

“Maggic May” - Rod Stewart

“Time after time” Cyndi Lauper

“Solitary Man” - Neil Diamond

Recuerda probar con tus propias progresiones de acordes o utilizando los acordes de los temas vistos arriba.

Recuerdo practicar hasta agarrar soltura en los golpes.

¿Como hacer canciones de rock? Parte 1Valoración del Usuario:   / 33 

Malo Bueno 

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Una de las preguntas mas frecuentes que suelen llegarnos es como hacer una canción de

rock.

Ok, ya hemos visto en artículos anteriores como crear una progresión de acordes, también

hemos visto como escribir letraspero la pregunta que queda es: ¿Cómo lo mezclo todo

eso? ¿Cómo hago que mi canción sea una canción de rock? El secreto esta en el ritmo.

Valoración

En el siguiente artículo, aprenderemos a como tocar nuestros acordes al ritmo del rock. O si quieres saber como

arreglar tu canción al ritmo del rock pues sigue leyendo…

Vale mencionar que hay muchos estilos de rock, y por supuesto, la cuestión es que al rock se lo asocia con

muchos estilos de música. Si pensamos en todas las bandas que hacen e hicieron rock, desde Check Berry a

Bon Jovi, Police, Los Rolling Stone, Los Beatles, Aerosmith, Hendrix, a U2 por nombrar algunos artistas y todas

las variedades de rock que existen: R&B, Baladas de rock, Folk-Rock, Hard-Rock, Rock and Roll, de la cual se

puede hacer una lista de variantes interminables para nombrar.

Aclaraciones

Antes de comenzar, vale hacer unas aclaraciones: La siguiente notación es rítmica, en el que se marca los

tiempos de los compases y los golpes que debes usar con tu progresión de acordes. Los golpes se indican con

una flecha hacia abajo o hacia arriba. Por norma general, los ritmos comienzan con golpes hacia abajo.

Forma básica de rock #1

Esta es la forma más básica de ritmo de rock en compás de 4/4, en el que todos los golpes se producen hacia

abajo y se acentúa en el tercer tiempo. El tercer tiempo también puede acentuarse muteando las cuerdas con la

palma de la mano y golpeando secamente en ese tiempo. Hay muchas formas, la cuestión es acentuar en el

tercer tiempo, marcar el ritmo en el tercer golpe del compás.

Ejemplos de canciones con este ritmo:

“I want to hold you hand” – The Beatles 

“Every breath you take” – Police

“Beat it” – Michael Jackson

“Bad Medicine” - Bon Jovi

“Money Money” – Billy Idol

“Jump” – Van Halen

“With or Without You” – U2

Antes de pasar al siguiente ejemplo, agarra la guitarra y prueba una progresión de acordes básica como I-IV-V o

una variante como I-IV- IIm -V o utiliza alguna de las quehemos visto anteriormente. Practica hasta dar con el

ritmo y hasta que tus golpes tengan un buen swing.

Forma básica de rock #1 con golpes alternantes.

Otra variante de ritmo de rock la cual es mucho más relajada y continua. También en compases de 4/4, en la

cual, a diferencia del ritmo anterior, los golpes en la guitarra se alternan hacia abajo y hacia arriba. En este caso,

también se acentúa en el tercer tiempo.

Ejemplos de canciones con este ritmo de rock son:

“Brown-Eyed Girl” de Van Morrison

“Got my mind set on You” de George Harrison

“I ‘m a believer” de The Monkees 

“Proud Mary” - Creedence Clearwater Revival

 

Prueba con la misma secuencia de acordes que usaste anteriormente, o busca la tablatura de acordes estas

canciones hasta lograr dar con este ritmo.

En la próxima entrega seguiremos con más variantes del ritmo de rock.

Introducción a la progresión de acordes: Parte 6Valoración del Usuario:   / 6 

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Continuamos con la progresión de acordes en su sexta entrega.

En este artículo nos adentramos en la creación de ciclos de acordes. Aprende a

crear progresiones de acordes en ciclos de quintas y de cuartas en segundos.

En la progresión Cmaj7-Am7-Dm7-G7 que vimos anteriormente, el tono de los

acordes Am7-Dm7-G7 se mueven hacia abajo 5 tonos perfectos en cada nuevo

acorde. De A baja D, de D baja a G y de G a C, en cada una de esas progresiones saltan 5 notas. Este

movimiento de los acordes se lo conoce como el ciclo.

En música se denomina ciclo cuando se toma un intervalo de notas, desde una nota inicial, se encuentra otra

nota que tiene el mismo intervalo de notas que el anterior, y así sucesivamente. El ciclo termina cuando se

vuelve a la primera nota o acorde que se toco.

Cada uno de las siguientes letras representa la tónica de los posibles acordes.

Ellos deben ser todos mayores 7, todos menores 7s, todos dominantes o cualquier combinación de estas

cualidades

Abajo un pequeño ejemplo de saltos de quintas, por ejemplo de si bajamos F a C hay 5 grados de escala, de Bb

a F, lo mismo y asi sucesivamente.

El más común ejemplo de ciclo es la progresión II-V-I que se produce caminando 2 notas desde una inicial. Si

caminamos 4 notas cubrimos la secuencia de acorde III-VI-II-V

Abajo otro ejemplo de movimiento cíclico. La progresión esta tomada de la cancion “All the things you are” de

Jerome Kern. Que es una progresión VI-II-V-I.

Valoración

Abajo el diagrama del ciclo de las quintas. En este ciclo si giras para el lado de las agujas del reloj te mueves en

pasos de cuartas perfectas. Si caminas contrariamente a las agujas del reloj te mueves en círculos de quintas

perfectas

¿Y esto como lo uso?

Posiblemente hayas leído hasta aquí y no hayas entendido absolutamente nada y pienses que esto es muy

teórico. No te preocupes, suena más difícil de lo que es. Lo que tienes que hacer es aplicar saltos a los acordes

(lo que en la música se llama intervalos) en este caso son saltos de 5 notas en la escala.

En el ejemplo se comienza partiendo de La (1) al siguiente acorde Re (2). De Re a La hay 5 notas (Re, mi, fa,

sol, la), de Sol a Re hay otras 5 notas y así sucesivamente Simplemente sigue los números del 1 al 6 en el

diapasón y tendrás un ciclo de quintas perfecto. Esta posición puedes moverla a donde te guste para generar tu

propio patrón de círculo de quintas.

Simplemente situa los acordes vistos anteriormente en los circulos

y trasladalos según el orden númerico.

Tan fácil como hacer un círculo de cuartas

Un detalle interesante es que si vamos a la inversa de los números (6, 5, 4, 3, 2, 1) tenemos un círculo de

cuartas. 

Do, esta a 4 notas de Fa, Sol esta a cuatro notas de Do, etc. Tomando el ejemplo que vimos arriba de La a Re

ahora se convierte en (la. si, do, re).

Aclaración

La diferencia entre el círculo de quintas y el círculo de cuartas se da en que en el primero bajamos y en el

segundo subimos, lo que produce que los intervalos (saltos) de las notas sean inversos.

Introducción a la progresión de acordes: Parte 5Valoración del Usuario:   / 16 

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Continuamos con la progresion de acordes. En este artículo buscamos un sonido más

sofisticado utilizando acordes mas jazzisticos para generar variaciones de los acordes en

la progresión.

 

Otra forma de acordes I es el mayor 6, sirve para generar un sonido más sofisticado. Con

la tonica en la 6ta y 5ta cuerdas se pueden utilizar a lo largo de todo el diapasón para lograr distintos sonidos y

efectos.

Valoración

Progresión II-V con acordes de Jazz

A continuación, una progresión de II-V en la tonalidad de Fa, aquí utilizamos los nuevas posiciones de acordes

de jazz mas la vieja forma de dominante 7 que vimos en el articulo anterior. Un buen truco es aprenderse los

mismos acordes en distintos lugares del diapasón para favorecer el traslado y para que suenen distinto.

Otro ejemplo de II-V en la tonalidad de Sib, en dos diferentes posiciones:

Progresión II-V-I con acorde de Jazz

Aquí vamos una progresión más popular de II-V-I:

Otra forma de tocar II-V-I:

La progresión I-VI-II-V con acordes de Jazz

Esta progresión vista anteriormente, debe ser tocada en distantas partes del diapasón para generar distintos

efectos.

Otro ejemplo de esta progresión:

Introducción a la progresión de acordes: Parte 4Valoración del Usuario:   / 8 

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Seguimos avanzando en la progresión de acordes. En este artículo, analizamos la

inclusión de un acorde submediante o relativo menor y la progresion de acorde I-VI-II-

V

La progresión de acordes I-VI-II-V

El acorde VI es otro menor 7 acorde construido sobre la sexta nota de la escala

mayor.

Ejemplo de progresión de acordes I-VI-II-V en la tonalidad de FA(F)

Valoración

Aquí un ejemplo de progresión de acorde I-VI-II-V en la tonalidad de DO (C).

Siguiente articulo: Introducción a la progresión de acordes: Parte V

Introducción a la progresión de acordes: Parte 3Valoración del Usuario:   / 10 

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Seguimos adentrándonos en la progresión de acordes. En este artículo analizaremos

la progresión I-IV-V también conocida como progresión de blues.

También analizamos como es la forma musical del blues y sus posibles variaciones

Valoración

Si no has leido el artículo anterior y quieres hacerlo. Clic aquí

La progresión de Blues I-IV-V

Una de las mas frecuentes progresiones de blues aunque muy utilizada en todos genero de música actual es la

progresión de acordes I-IV-V, progresión conocida como “twelve bar blues” (Blues de 12 compases).

A continuación, un ejemplo de progresión de blues standard en la tonalidad de G.

El acorde IV esta construido a partir de la cuarta nota de la escala mayor y es otro acorde mayor como el acorde

I.

Para saber mas sobre

El blues 

El blues es una forma musical de 12 compases. Abajo puedes ver como se desarrolla la progresión de acordes

I-IV-V en los compases. Cada marca (/) representa un tiempo, y cada acorde se debe tocar en cada tiempo.

Variaciones de la progresión de Blues

La progresión de blues permite muchas posibilidades de variación

Por ejemplo

- Tocar todos los acorde I y IV como dominates7, lo que da una sensación de blues o efecto funky.

Tocar el acorde II para crear la secuencia II-V-I

A continuación un ejemplo de formas en esta variación:

Variación de progresión de blues

Introducción a la progresión de acordes: Parte 2Valoración del Usuario:   / 23 

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En el siguiente artículo nos adentraremos al estudio de los acordes y su

progresión Así como su aplicación al acompañamiento de canciones.

¿Qué son los acordes de movimiento y de descanso? También

analizaremos las progresiones V-I, II-V y II-V-I en la composición de

canciones.

Valoración

Es verdad que existen cientos de formas de acordes, pero la gran mayoría de ellos son variaciones de las

formas más básicas.

En otras palabras, no es necesario aprenden todos los acordes, basta aprender las formas básicas, y sus

aplicaciones para componer canciones.

Por supuesto cuantos más acordes sabemos mejor. Los acordes son como las palabras, al saber mas palabras

es más fácil expresarse, pero se deberán aprender las variaciones de los acordes en la medida que se busque

generar ciertos ambientes o sonidos particulares y no por el simple hecho de hacer que la canción parezca

difícil.

Acordes de descanso

Los acordes de descanso son los que dan una sensación de finalidad, de haber llegado. Estos acordes se usan

para terminar una canción o para terminar un serie de compases.

El más básico acorde de descanso es el acorde mayor. Usando el vocabulario musical el conocido acorde I o

tónica desde el cual se construye a partir de la primer nota de la escala.

Si aun no sabes que es la tónica o Acorde I te recomiendo que leas este artículo.

Ejemplo de posiciones acordes mayor I en el tono de FA y Sib

Estas posiciones pueden utilizarse a lo largo de todo el diapasón para lograr distintos acordes mayores.

Acordes de movimiento

Son ese conjunto de acordes que generan la sensación de movimiento, de que la canción fluye. Es decir,

acordes que generan tensión y demandan resolución.

Existen dos tipos de acordes de movimiento. Los septima dominante , que es construido a partir de la quinta

nota de la escala mayor y suele ser frecuentemente utilizado con los acordes V por lo que aparece escrito como

V7. Los acordes de septima dominante se los suele denominar "acordes de septima" a secas. Hay otras dos

variantes de acordes de septima dominantes pero más adelante los veremos.

La otra postura que debemos saber es la del acorde de septima menor. Vale remarcar que septima menor se

reserva para los acordes de septima construidos sobre acordes menores.

A continuación ejemplos de septima dominates y septima menor.

Otra variable forma de acorde de septima dominante (acorde V7) en el tono de FA aparece abajo. Vale

remarcan que la tónica de este acorde (Do) aparece en la segunda y quinta cuerdas.

Para leer mas sobre los acordes de séptima: ¿Cómo componer canciones? Los acordes de séptima.

La progresión V-I

Esta progresión es de las más usadas y de las más básicas. Es el ejemplo, perfecto de progresión de acordes

de movimientos a acordes de descanso. Abajo dos ejemplo en la clave de Bb (Si bemol) en distintos lugares del

diapasón.

Dos ejemplo de progresión de acordes V7-I en el tono de FA en distintos lugares del diapasón.

La progresión II-V

Es una de las progresiones más usadas en la música pop, rock y jazz. Agregando un acorde II antes de un

acorde V se incrementa la tensión y la sensación de movimientos.

A veces el acorde V es seguido por el I y a veces se tocan una serie de compases en II-V para terminar

resolviendo con I.

Abajo una serie de ejemplos de II-V, en el tono de Si bemol.

Otro ejemplo de progresión II-V en el tono de Fa.

 

La progresión II-V-I

La gran mayoría de las veces la secuencia de acordes II-V esta seguida por el acorde I que suelta la tensión y

da la sensación de descanso.

Abajo unos ejemplos de II-V-I en la tonalidad de Bb.

Otro ejemplo de II-V-I en la tonalidad de FA.

20 Consejos a la hora de arreglar las cancionesValoración del Usuario:   / 11 

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En el siguiente artículo analizamos 20 consejos a la hora de componer y

arreglar canciones. 

Las cuestiones principales a tener en cuenta en la letra, la música y los

elementos de la canción para que todo quede integrado.

Valoración

Principal

- Define tu canción: ¿Qué tipo de canción es? ¿Es un lento o es una canción bien metalera? La pregunta

sencillamente es: ¿Cómo quieres que suene? O ¿En que genero la pondrías? Mucha gente utiliza fichas para

recordar esto, otra gente solo lo piensa, también sirve para presentarla. Aunque la verdad, el aspecto mas

importante en este punto es clarificar pues nos ayudara a pensar que tipo de canción estamos armando.

Letra

- Asegúrate que los versos entre en la melodía de la canción. Si lo que cantas no entra en los compases de la

canción esta mal. Reescribe, siempre se puede decir lo mismo con otras palabras.

- Es la letra concordante con los demás versos de la canción

- Trabaja el estribillo. ¿Es lo suficientemente claro? ¿Esta en relación con la canción? ¿Tiene energía?

- Reescribe, reescribe, reescribe

- Remarca las partes acentuadas o donde toma énfasis

Música

- Asegúrate que la música de los versos se diferencien de los estribillos. Generalmente en el estribillo suele

explotar y tomar velocidad aunque a veces sucede a la inversa.

- Aprende a sustituir y a agregar acordes para sumar variedad en la armonía, tales como séptimas y sus

variantes

- Analiza las diferentes partes de la canción: ¿Cómo es el intro? ¿Cómo cierra? ¿Hay puente ¿Hay solo?

Desarrolla las y que sean los suficientemente claras

Ritmo

- Uno de los aspectos más importantes, y quizás uno de los más desvalorados, generalmente dejado al baterista

de la banda o arreglista. ¿Qué ritmo va a tener? Este aspecto hace o te den ganas de mecerte, de bailar o de

saltar como loco. El ritmo es diferente del ambiente, pues marca los tiempos y hace que la canción se acelere o

fluya mas despacio, trabajado con el ambiente (la armonía), y a partir de una misma melodía, se pueden

generar una canción excelente o un completo desastre. El clásico ritmo es 4/4, en que se acentúa en el primer y

tercer tiempo. Aprende a marcar el ritmo de la cancion.

Aspectos generales

- Línea melódica clara. La melodía de la canción tiene que ser reconocible. Si no puedes reconocer la melodía,

no puedes reconocer la canción. La forma mas básica y funcional de reconocer una canción es tarareándola.

Recuerda que la melodía de los versos y del estribillo debe ser lo mas claras posibles.

- El gancho. Algo de tu canción tiene que atrapar. Puede ser el riff de guitarra, la melodía de la letra, un lick, la

sensación de velocidad, etc. Algo que identifique la canción en especial si la melodía de tu canción no es lo

suficientemente fuerte.

- Repetición: Esto es de vital importancia, la melodía así como el gancho deben repetirse. Esta repetición hace

que la canción sea predecible. Lo cual da claridad y hace que la canción sea memorable. Un detalle, una cosa

es repetir para ser predecible y otra cosa es tener una canción estereotipada lo cual es muy diferente.

- Ruptura: Una vez que tenemos todos los ingredientes que se repiten debemos agregar una ruptura o variación.

Simplemente consiste en agregar un pasaje alternativo de la canción. Muchas veces consiste en subir un tono,

bajar el aire, por ejemplo usar un piano romántico, etc.

- Respeta la estructura: Muchos músicos en especial los que recién se inician no respetan la estructura básica

de la canción en especial la de verso-estribillo pensando que así son originales. Es un error muy grave, la

estructura es una convención, que se adopto no por capricho, sino por una razón practica la cual es que el

oyente puede seguir la canción y hasta predecirla. Se basa en el concepto de repetición y ruptura y es la mejor

forma de ordenar el material con el que estamos trabajando. Respeta la forma y se original en el contenido!

- Ambiente: ¿La música coincide con la letra? Es una canción triste, nostálgica o es alegre. Asegúrate que este

todo integrado.

- Instrumentos: Otro aspecto que vale la pena mencionar, cada instrumento genera un matiz especial el ejemplo

mas sencillo es un arpegio tocado por guitarra acústica, piano o guitarra eléctrica se generan sensaciones

diferentes pues son matices y timbres diferentes. Esto influye en el ambiente, y el primer aspecto que definimos

a como queremos que suene nuestra canción. La forma mas sencilla es escribir la melodía en el guitar pro y

probar sus variaciones con los distintos instrumentos. Te puedes llevar sorpresas.

- Timbres: Relacionado con el punto anterior, el timbre influye muchísimo en la cancion. A primera vista, puede

parecer difícil de entender el concepto de timbre, pero la realidad es que es muy sencillo y también nos permite

entender la manía de ciertos guitarristas por ciertas guitarras. Para comprender fácilmente el concepto de

timbre, inicialmente debemos preguntarnos, en el caso de ser guitarristas, que tipo de selector de pastillas

(micrófonos) vamos a usar. Luego podemos pensar en poner el tono lo mas agudo posible o lo mas grave (en la

guitarra solamente, para enfatizarlo luego en el amplificador) así como los efectos posteriores como wah wah,

chorus, reverb, distorsión, etc. El ejemplo mas sencillo: no es lo mismo tocar una canción de aire surf

californiano con la guitarra puesta con el selector trasero, con el sonido limpio que tocarla con el selector

delantero y a pura distorsión.

- Sonidos agregados: Es algo muy útil y que sirve para darle color a la cancion y que muchos músicos obvian.

Hay muchos ejemplos, el sonido de motocicleta en Girls girls girls de Motley Crue, el “piuu” de Ring My Bell de

Anita Ward, el taladro de Van Halen en Poundcake, o el ruido de maquina registradora de Pink Floyd - Money.

También podemos recordar el famoso ruido blanco, el sonido de la tv, la radio, etc

- Evita caer en los estereotipos: Nada peor que para un artista es ser tachado de copia de… Evita las rimas

demasiados obvias, y la música o sonidos que suena a demasiado vinculado a una banda o artista. Es el peor

error que se puede hacer.

Arreglos: Sustitución de acordes avanzado, el sustituto II-VValoración del Usuario:   / 7 

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En el siguiente artículo analizamos como hacer una sustitución de

acordes avanzada en la sustitución II-V.

En la cadencia V7-I puedes generar unos sonidos interesantes al tocar

un acorde de dominante cuya tónica sea una quinta disminuida arriba

del V7 (la clásica sustitución con el trítono o la 5ª disminuida). En la

tonalidad de G, el cambio es D7-G.

Uds pueden usar el sustituto Ab7 como una V7 en si misma, pueden

abordarla desde el IIm de la misma tonalidad. Y dado que Ab7 es la V7

de Db, y la IIm7 de Db es Ebm7, entonces tienen ahora dos acordes

Ebm7 y Ab7 con los que pueden sustituir el D7. Los primeros

ejecutantes de Be-Bop se apoyaban mucho en esta técnica.

Valoración

Trabajen sobre la cadencia de sustituciones en los acordes V7. Digamos por ejemplo, G7- la V7 de C-, es

sustituida por Abm7 y db7 (la IIm7-V7 de Db).

Si uds. tocan a manera de arpegios estas sustituciones II-V como parte de sus solos, van a generar notas

alteradas de gran utilidad, b9, b5, #5 y 7, sonando en contraposición al acorde original dominante.

Fuente: Guitar Player, Octubre 1996.

Arreglos: Desmenuzando acordesValoración del Usuario:   / 2 

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Alguna ves te has preguntado ¿que hacer cuando tus acordes chocan

con los del tecladista, con los de un segundo guitarrista o con los de

algún otro miembro de la banda? 

Ok, es tiempo de usar acordes desmenuzados.

Para construir tales armonías, coloquen el 3° o 7° intervalo en la tercera

y cuarta cuerdas y la tónica o el 5° en la sexta cuerda. Los acordes

resultantes se podrán mezcla con cualquier combinación de

instrumentos en casi cualquier situación.

Para un acompañamiento del tipo de las grandes bandas como la de Freddie Green, toquen estos patrones

móviles con un ritmo de cuatro por compás. (Ej 1).

 

Para una textura mas abierta, toquen los acordes como notas de un ½ y redondas o de compás completo con

un poquito de delay o chorus (Ej 2).

Valoración

Una vez que hayan dominado los ejemplos como estan escritos usen inversiones

Fuente: Charles Chapman, Guitar player, Octubre 1996.

Arreglos: 12 cuerdas falsasValoración del Usuario:   / 10 

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En el siguiente artículo analizamos como generar la extraña ilusión de una

guitarra para doce cuerdas.

También sirve para saber como generar un arreglo de dos guitarras para que se

complementen.

Este truco, vale mencionar es muy utilizado, en especial en el heavy metal y

sirve para generar efectos complementarios muy raros.

El truco es dividir cada par de cuerdas y hacer el arreglo para dos guitarras.

Una toca la parte de la guitarra normal de 6 cuerdas mientras que la otra toca la

misma parte una octava arriba en la tercera, cuarta, quinta y sexta cuerda, al

unísono en la primera y segundas cuerdas.

Quizás tengas que explotar varias digitaciones, o aun usar un capo o bien volver a afinar, pero el resultado es

fabuloso y hace que el esfuerzo valga la pena. Además de que estimula tus capacidades de arreglista.

Aquí tienes uno cuantos ejemplos para que te inicies.

La guitarra 1 hace la parte normal y la guitarra 2 te da el tintineo o campaneo. Los ejemplos 1 y 2 son acordes

misteriosos arpegiados de la escuela de McLaughlin.

Valoración

 

El ejemplo 3 recrea una figura de una intro clásica al estilo de los Byrds.

El solo en las cancionesValoración del Usuario:   / 7 

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En el siguiente artículo analizamos los solos en las canciones. Como debe aparecer, los

errores más comunes, que debe tener un solo y donde no debe caer. Como empezar un

solo improvisado y que no hacer.

Una de las principales preguntas es ¿Por qué la mayoría de los solos en las canciones

son con guitarra?

Esto ocurre porque la mayoría de las canciones son de rock y la gran parte de las bandas

usan obviamente guitarras eléctricas. La explicación mas lógica es que la guitarra eléctrica aporta muchísima

tensión y clima.

¿Pero el solo debe ser de guitarra eléctrica?

Por supuesto que no. Muchas bandas, agregan solos de batería, bajo, piano o incluso del propio cantante. Esto

depende del tipo de canción, el ritmo, el género y la intensidad. Una canción lenta, quizás más romántica

posiblemente sea mejor un solo de piano que de guitarra, todo depende del ambiente y del clima que genera la

canción.

¿Cuánto debe durar un solo?

No hay una duración establecida. Depende del tipo de canción y hasta donde quieras ir. Algunas canciones

alcanza con un par de compases, es decir una variación de la melodía para redondear la canción y listo. Y

algunas otras canciones necesitan un par de minutos para llegar a otro lado. En la canción moderna suele

usarse 20-40 segundos como mucho y muchas veces ni usan.

Otra de las preguntas mas frecuentes es ¿toda canción debe tener un solo? No, sin dudas que no. Muchas

canciones son perfectas sin un solo, y agregar uno puede quebrar el balance de la canción

El solo debe agregarse bajo ciertas condiciones, principalmente negativas:

La canción es escueta. Es decir tenemos una canción, la base, la cual no es excesivamente larga, y no se nos

ocurre un desarrollo alternativo. Un solo nos ayuda a hacer un poco de tiempo, ganar unos compases y a

generar una variación.

Falta de intensidad. Quizás esta es la mejor razón para agregar un solo. Venimos desarrollando el tema pero

no llegamos a un máximo clima. El mejor ejemplo es con el metal, la continua intensidad, del ritmo, las guitarras

hace que decaiga la tensión. Un buen solo permite llevar la canción bien arriba, al clímax y renovar la tensión.

Lo mismo con las baladas o canciones lentas.

Renovar la atención o Generar ruptura. Principalmente útil con esas canciones con melodías muy repetitivas.

Si tu canción no necesita un solo. No le agregues.

Errores más comunes

Uno de los errores más comunes en especial de los guitarristas principiantes es que un solo tiene que ser una

sucesión de notas a la velocidad de la luz, sumado a fraseos interminables y sin pausa. Así como recorrer toda

la escala a gran velocidad y tocar todas las notas en el menor tiempo posible. Esto más que un solo es una

muestra de la técnica pero no un solo, por supuesto esto funciona para ciertos guitarristas.

Pero musicalmente no aporta nada. Mejor tocar unas pocas notas bien puestas que tocar 300 notas en 2

segundos de las cuales nadie sabe ni entiende que se toco.

Se debe generar una idea melódica, y aportar a la canción con algo: intensidad, clima, variedad, variación,

ruptura, tensión, etc. El solo tiene que comunicar algo, es una interpretación de la melodía de la canción, una

variación o un quiebre de esta melodía.

En un solo pueden usarse todo tipo de técnicas desde acordes, arrastres de acordes, frases melódicas, partes

del riff, tapping, ligados, acoples, etc. Cualquier cosa que juegue con el sonido propio del instrumento. No hay

limites, un excelente ejemplo de solos interesantes de guitarra moderna son los del guitarrista Tom Morello

en "Bulls on parade” o en “Like a Stone”. Al final una lista de guitarristas para escuchar.

¿Como empezar un solo improvisado?

Se puede empezar por la melodía de la canción, o del riff, para continuar continuar con alteraciones y variación

de sus notas y del ritmo. O se puede empezar de cero generando una melodía completamente nueva.

Hay montón de guitarristas que vale la pena escuchar, pero a continuación dejo una lista de guitarristas que más

allá de la velocidad y técnica generalmente aportan un solo brillante en las canciones:

- Tom Morello

- Satriani

- Van Halen

- Jimmy Hendrix

- Eric Clapton

- Santana

- Brian May

- Slash

Introducción a la progresión de acordesValoración del Usuario:   / 48 

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Cuando uno empieza a componer, y mas cuando uno realmente no sabe mucho de teoría

musical empieza a tirar acordes a lo loco, unos suenan bien, algunos le dan fuerza a la

canción y otros suenan horripilantemente mal. Todo esto tiene una explicación.

En el articulo anterior hemos visto como componer simples canciones a partir la teoría de

los tres acordes, en este articulo profundizaremos en la progresión de acordes de una canción.

Si todavía no sabes como funciona la notación de cadencias, te recomiendo que leas este articulo. Lo mismo si

no sabes sobre el Cifrado americano.

La principal razón por lo que algunos acordes suenas mejor que otros es que los acordes se mueven de una

manera. Como sabemos un acorde es un conjunto de notas, al pasar de un acorde a otro pueden o no compartir

notas, ahora bien si ambos acordes comparten una de las nota esta en común la progresión será continua,

tendrá movimiento, armonía y sonará mucho mejor y mas fuerte que con otros acordes.

Progresión de acordes basados en el primer acorde base (o tónica) mayor:

1 ………………… Mayor 

2 ………………… Menor 

3 ………………… Menor 

4 ………………… Mayor

5 ………………… Mayor

6 ………………… Menor

7 ………………… Disminuido

Tomemos por ejemplo la escala de Do

C mayor (I)

D menor (ii)

E menor (iii)

F mayor (IV)

G mayor (V)

Valoración

A menor (vi)

B disminuido (viio)

Por supuesto, esto es una guía y son recomendaciones, se te puede ocurrir poner el acorde que quieras, es tu

oído el que dirá que acorde es mejor.

Análisis

Tomemos por ejemplo G (Sol mayor) y C (Do mayor). Cuando nos movemos de G a C se llama la progresión V-

I, y es una de las progresiones mas fuertes que hay.

Analicemos que notas forman los acordes de Do y Sol:

Do: C E G

Sol: G B D

Como vemos ambos acordes tienen la nota G (Sol) en común, lo que produce una fuerte progresión. Dos

acordes que tienen una nota en común formaran una fuerte progresión. Estas son progresiones consideradas

Fuertes pero también hay otro tipo de progresiones.

Vale recordar, que los grados más importantes de una tonalidad como en las progresiones de acordes son la

tónica (I), la dominante (V) y la subdominante (IV). Por lo tanto, se les conoce como acordes primarios. Todos

los demás son secundarios. La progresión de acordes primarios es de suma importancia, ya que indica el final

de la frase musical. Estos finales se llaman cadencias.

Muchas canciones usan una progresión de acordes más frágil con una letra triste o más emocional. Si decides

usar una progresión de acordes frágil, es mejor que utilices una progresión fuerte al final pues servirá para

cerrar el verso como explicábamos en el párrafo anterior.

Un verso usualmente tolerará una más frágil progresión de acordes mientras que un estribillo requiere una

progresión más fuerte

Acordes menores

No hemos hablado todavía de las progresiones de acordes basados en una tónica menor. Para entender el

proceso de los acordes menores utilizaremos el mismo que para los acordes menores.

Progresión de acordes basados en una tónica menor:

1 ………………… menor

2 ………………… disminuido

3 ………………… mayor

4 ………………… menor

5 ………………… menor

6 ………………… mayor

7 ………………… mayor

Ejemplo de La menor:

A menor (I)

B disminuido (iio)

C mayor (III)

D menor (iv)

E menor (V)

F mayor (VI)

G mayor (VII)

En las tónicas menores, el acorde V es naturalmente menor. Pero como vimos la función del acorde V es

moverse fácilmente a la tónica. Siglos de música han establecido que el acorde V, sea en tónica mayor o menor,

suena mas solidó cuando es mayor. Al ser mayor se mueve a la tónica (I), en tonos mayores es naturalmente

mayor, por lo que no es necesario hacer ajustes. En tonos menores, el acorde es menor, por lo que debemos

ajustarlo.

En la música pop de la actualidad no es tan común. En tónicas menores es mas común i, iv, y VI, también es

relativamente común que la música en tono menor se deslice a una tonalidad mayor. Por ejemplo de La menor a

Do mayor.

Introducción a la progresión de acordes: Parte 2Valoración del Usuario:   / 23 

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En el siguiente artículo nos adentraremos al estudio de los acordes y su

progresión Así como su aplicación al acompañamiento de canciones.

¿Qué son los acordes de movimiento y de descanso? También

analizaremos las progresiones V-I, II-V y II-V-I en la composición de

canciones.

Es verdad que existen cientos de formas de acordes, pero la gran

mayoría de ellos son variaciones de las formas más básicas.

En otras palabras, no es necesario aprenden todos los acordes, basta aprender las formas básicas, y sus

aplicaciones para componer canciones.

Por supuesto cuantos más acordes sabemos mejor. Los acordes son como las palabras, al saber mas palabras

es más fácil expresarse, pero se deberán aprender las variaciones de los acordes en la medida que se busque

generar ciertos ambientes o sonidos particulares y no por el simple hecho de hacer que la canción parezca

difícil.

Acordes de descanso

Los acordes de descanso son los que dan una sensación de finalidad, de haber llegado. Estos acordes se usan

para terminar una canción o para terminar un serie de compases.

El más básico acorde de descanso es el acorde mayor. Usando el vocabulario musical el conocido acorde I o

tónica desde el cual se construye a partir de la primer nota de la escala.

Si aun no sabes que es la tónica o Acorde I te recomiendo que leas este artículo.

Ejemplo de posiciones acordes mayor I en el tono de FA y Sib

Valoración

Estas posiciones pueden utilizarse a lo largo de todo el diapasón para lograr distintos acordes mayores.

Acordes de movimiento

Son ese conjunto de acordes que generan la sensación de movimiento, de que la canción fluye. Es decir,

acordes que generan tensión y demandan resolución.

Existen dos tipos de acordes de movimiento. Los septima dominante , que es construido a partir de la quinta

nota de la escala mayor y suele ser frecuentemente utilizado con los acordes V por lo que aparece escrito como

V7. Los acordes de septima dominante se los suele denominar "acordes de septima" a secas. Hay otras dos

variantes de acordes de septima dominantes pero más adelante los veremos.

La otra postura que debemos saber es la del acorde de septima menor. Vale remarcar que septima menor se

reserva para los acordes de septima construidos sobre acordes menores.

A continuación ejemplos de septima dominates y septima menor.

Otra variable forma de acorde de septima dominante (acorde V7) en el tono de FA aparece abajo. Vale

remarcan que la tónica de este acorde (Do) aparece en la segunda y quinta cuerdas.

Para leer mas sobre los acordes de séptima: ¿Cómo componer canciones? Los acordes de séptima.

La progresión V-I

Esta progresión es de las más usadas y de las más básicas. Es el ejemplo, perfecto de progresión de acordes

de movimientos a acordes de descanso. Abajo dos ejemplo en la clave de Bb (Si bemol) en distintos lugares del

diapasón.

Dos ejemplo de progresión de acordes V7-I en el tono de FA en distintos lugares del diapasón.

La progresión II-V

Es una de las progresiones más usadas en la música pop, rock y jazz. Agregando un acorde II antes de un

acorde V se incrementa la tensión y la sensación de movimientos.

A veces el acorde V es seguido por el I y a veces se tocan una serie de compases en II-V para terminar

resolviendo con I.

Abajo una serie de ejemplos de II-V, en el tono de Si bemol.

Otro ejemplo de progresión II-V en el tono de Fa.

 

La progresión II-V-I

La gran mayoría de las veces la secuencia de acordes II-V esta seguida por el acorde I que suelta la tensión y

da la sensación de descanso.

Abajo unos ejemplos de II-V-I en la tonalidad de Bb.

Otro ejemplo de II-V-I en la tonalidad de FA.

20 Consejos a la hora de arreglar las cancionesValoración del Usuario:   / 11 

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En el siguiente artículo analizamos 20 consejos a la hora de componer y

arreglar canciones. 

Las cuestiones principales a tener en cuenta en la letra, la música y los

elementos de la canción para que todo quede integrado.

Principal

- Define tu canción: ¿Qué tipo de canción es? ¿Es un lento o es una

canción bien metalera? La pregunta sencillamente es: ¿Cómo quieres

que suene? O ¿En que genero la pondrías? Mucha gente utiliza fichas para recordar esto, otra gente solo lo

piensa, también sirve para presentarla. Aunque la verdad, el aspecto mas importante en este punto es clarificar

pues nos ayudara a pensar que tipo de canción estamos armando.

Letra

- Asegúrate que los versos entre en la melodía de la canción. Si lo que cantas no entra en los compases de la

canción esta mal. Reescribe, siempre se puede decir lo mismo con otras palabras.

- Es la letra concordante con los demás versos de la canción

- Trabaja el estribillo. ¿Es lo suficientemente claro? ¿Esta en relación con la canción? ¿Tiene energía?

- Reescribe, reescribe, reescribe

- Remarca las partes acentuadas o donde toma énfasis

Valoración

Música

- Asegúrate que la música de los versos se diferencien de los estribillos. Generalmente en el estribillo suele

explotar y tomar velocidad aunque a veces sucede a la inversa.

- Aprende a sustituir y a agregar acordes para sumar variedad en la armonía, tales como séptimas y sus

variantes

- Analiza las diferentes partes de la canción: ¿Cómo es el intro? ¿Cómo cierra? ¿Hay puente ¿Hay solo?

Desarrolla las y que sean los suficientemente claras

Ritmo

- Uno de los aspectos más importantes, y quizás uno de los más desvalorados, generalmente dejado al baterista

de la banda o arreglista. ¿Qué ritmo va a tener? Este aspecto hace o te den ganas de mecerte, de bailar o de

saltar como loco. El ritmo es diferente del ambiente, pues marca los tiempos y hace que la canción se acelere o

fluya mas despacio, trabajado con el ambiente (la armonía), y a partir de una misma melodía, se pueden

generar una canción excelente o un completo desastre. El clásico ritmo es 4/4, en que se acentúa en el primer y

tercer tiempo. Aprende a marcar el ritmo de la cancion.

Aspectos generales

- Línea melódica clara. La melodía de la canción tiene que ser reconocible. Si no puedes reconocer la melodía,

no puedes reconocer la canción. La forma mas básica y funcional de reconocer una canción es tarareándola.

Recuerda que la melodía de los versos y del estribillo debe ser lo mas claras posibles.

- El gancho. Algo de tu canción tiene que atrapar. Puede ser el riff de guitarra, la melodía de la letra, un lick, la

sensación de velocidad, etc. Algo que identifique la canción en especial si la melodía de tu canción no es lo

suficientemente fuerte.

- Repetición: Esto es de vital importancia, la melodía así como el gancho deben repetirse. Esta repetición hace

que la canción sea predecible. Lo cual da claridad y hace que la canción sea memorable. Un detalle, una cosa

es repetir para ser predecible y otra cosa es tener una canción estereotipada lo cual es muy diferente.

- Ruptura: Una vez que tenemos todos los ingredientes que se repiten debemos agregar una ruptura o variación.

Simplemente consiste en agregar un pasaje alternativo de la canción. Muchas veces consiste en subir un tono,

bajar el aire, por ejemplo usar un piano romántico, etc.

- Respeta la estructura: Muchos músicos en especial los que recién se inician no respetan la estructura básica

de la canción en especial la de verso-estribillo pensando que así son originales. Es un error muy grave, la

estructura es una convención, que se adopto no por capricho, sino por una razón practica la cual es que el

oyente puede seguir la canción y hasta predecirla. Se basa en el concepto de repetición y ruptura y es la mejor

forma de ordenar el material con el que estamos trabajando. Respeta la forma y se original en el contenido!

- Ambiente: ¿La música coincide con la letra? Es una canción triste, nostálgica o es alegre. Asegúrate que este

todo integrado.

- Instrumentos: Otro aspecto que vale la pena mencionar, cada instrumento genera un matiz especial el ejemplo

mas sencillo es un arpegio tocado por guitarra acústica, piano o guitarra eléctrica se generan sensaciones

diferentes pues son matices y timbres diferentes. Esto influye en el ambiente, y el primer aspecto que definimos

a como queremos que suene nuestra canción. La forma mas sencilla es escribir la melodía en el guitar pro y

probar sus variaciones con los distintos instrumentos. Te puedes llevar sorpresas.

- Timbres: Relacionado con el punto anterior, el timbre influye muchísimo en la cancion. A primera vista, puede

parecer difícil de entender el concepto de timbre, pero la realidad es que es muy sencillo y también nos permite

entender la manía de ciertos guitarristas por ciertas guitarras. Para comprender fácilmente el concepto de

timbre, inicialmente debemos preguntarnos, en el caso de ser guitarristas, que tipo de selector de pastillas

(micrófonos) vamos a usar. Luego podemos pensar en poner el tono lo mas agudo posible o lo mas grave (en la

guitarra solamente, para enfatizarlo luego en el amplificador) así como los efectos posteriores como wah wah,

chorus, reverb, distorsión, etc. El ejemplo mas sencillo: no es lo mismo tocar una canción de aire surf

californiano con la guitarra puesta con el selector trasero, con el sonido limpio que tocarla con el selector

delantero y a pura distorsión.

- Sonidos agregados: Es algo muy útil y que sirve para darle color a la cancion y que muchos músicos obvian.

Hay muchos ejemplos, el sonido de motocicleta en Girls girls girls de Motley Crue, el “piuu” de Ring My Bell de

Anita Ward, el taladro de Van Halen en Poundcake, o el ruido de maquina registradora de Pink Floyd - Money.

También podemos recordar el famoso ruido blanco, el sonido de la tv, la radio, etc

- Evita caer en los estereotipos: Nada peor que para un artista es ser tachado de copia de… Evita las rimas

demasiados obvias, y la música o sonidos que suena a demasiado vinculado a una banda o artista. Es el peor

error que se puede hacer.

Arreglos: Sustitución de acordes avanzado, el sustituto II-VValoración del Usuario:   / 7 

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En el siguiente artículo analizamos como hacer una sustitución de

acordes avanzada en la sustitución II-V.

En la cadencia V7-I puedes generar unos sonidos interesantes al tocar

un acorde de dominante cuya tónica sea una quinta disminuida arriba

del V7 (la clásica sustitución con el trítono o la 5ª disminuida). En la

tonalidad de G, el cambio es D7-G.

Uds pueden usar el sustituto Ab7 como una V7 en si misma, pueden

abordarla desde el IIm de la misma tonalidad. Y dado que Ab7 es la V7

de Db, y la IIm7 de Db es Ebm7, entonces tienen ahora dos acordes

Ebm7 y Ab7 con los que pueden sustituir el D7. Los primeros

ejecutantes de Be-Bop se apoyaban mucho en esta técnica.

Trabajen sobre la cadencia de sustituciones en los acordes V7. Digamos por ejemplo, G7- la V7 de C-, es

sustituida por Abm7 y db7 (la IIm7-V7 de Db).

Si uds. tocan a manera de arpegios estas sustituciones II-V como parte de sus solos, van a generar notas

alteradas de gran utilidad, b9, b5, #5 y 7, sonando en contraposición al acorde original dominante.

Fuente: Guitar Player, Octubre 1996.

Arreglos: Desmenuzando acordesValoración del Usuario:   / 2 

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Alguna ves te has preguntado ¿que hacer cuando tus acordes chocan

con los del tecladista, con los de un segundo guitarrista o con los de

Valoración

Valoración

algún otro miembro de la banda? 

Ok, es tiempo de usar acordes desmenuzados.

Para construir tales armonías, coloquen el 3° o 7° intervalo en la tercera y cuarta cuerdas y la tónica o el 5° en la

sexta cuerda. Los acordes resultantes se podrán mezcla con cualquier combinación de instrumentos en casi

cualquier situación.

Para un acompañamiento del tipo de las grandes bandas como la de Freddie Green, toquen estos patrones

móviles con un ritmo de cuatro por compás. (Ej 1).

 

Para una textura mas abierta, toquen los acordes como notas de un ½ y redondas o de compás completo con

un poquito de delay o chorus (Ej 2).

Una vez que hayan dominado los ejemplos como estan escritos usen inversiones

Fuente: Charles Chapman, Guitar player, Octubre 1996.

Arreglos: 12 cuerdas falsasValoración del Usuario:   / 10 

Malo Bueno 

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En el siguiente artículo analizamos como generar la extraña ilusión de una

guitarra para doce cuerdas.

También sirve para saber como generar un arreglo de dos guitarras para que se

complementen.

Este truco, vale mencionar es muy utilizado, en especial en el heavy metal y

sirve para generar efectos complementarios muy raros.

El truco es dividir cada par de cuerdas y hacer el arreglo para dos guitarras.

Una toca la parte de la guitarra normal de 6 cuerdas mientras que la otra toca la

misma parte una octava arriba en la tercera, cuarta, quinta y sexta cuerda, al

unísono en la primera y segundas cuerdas.

Quizás tengas que explotar varias digitaciones, o aun usar un capo o bien volver a afinar, pero el resultado es

fabuloso y hace que el esfuerzo valga la pena. Además de que estimula tus capacidades de arreglista.

Aquí tienes uno cuantos ejemplos para que te inicies.

La guitarra 1 hace la parte normal y la guitarra 2 te da el tintineo o campaneo. Los ejemplos 1 y 2 son acordes

misteriosos arpegiados de la escuela de McLaughlin.

Valoración

 

El ejemplo 3 recrea una figura de una intro clásica al estilo de los Byrds.

Clic aquí para descargar archivo en formato del guitar player

Fuente: Jesse Grez, Guitar Player, Julio 1997.

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