Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_del_oprimido

Teatro del oprimidoEl Teatro del Oprimido (TdO) es una tendencia teatral sistematizada por el dramaturgo, actor, director y pedagogo teatral brasileño Augusto Boal (1931-2009) en los años 1960. Actualmente Julián Boal, su hijo, sigue sus teorías desde el Brasil.

La mejor definición para éste "sería la de que se trata del teatro de las clases oprimidas y para los oprimidos, para desarrollar una lucha contra estructuras opresoras". El Teatro del Oprimido recibe influencia del Teatro Épico de Bertolt Brecht y de la Pedagogía del Oprimido de Paulo Freire. Las técnicas son las que comprenden unos juegos y dinámicas múltiples que se describen en su libro "Juegos para actores y no actores" para posteriormente analizar las opresiones y relaciones de poder y así poder combatirlas.

En el Teatro del Oprimido encontramos muchas líneas de trabajo como son el Teatro Periodístico, el Teatro Legislativo, el Teatro invisible, el Arco Iris del Deseo, el Teatro Imagen, el Teatro Foro. Ésta última es la más conocida de todas y todas tienen por objeto transformar al espectador en protagonista de la acción dramática y, "a través de esta transformación, ayudar al espectador a preparar acciones reales que le conduzcan a la propia liberación". Por ello recibe el nombre de espect-actor. La Estética del Oprimido fue la última línea de investigación teatral desarrollada por Augusto Boal antes de su muerte. Todas las formas teatrales están plasmadas en su amplia bibliografía.

Los centros que desarrollan la metodología del TdO son: GTO o CTO (Grupo o Centro de Teatro del Oprimido) donde el más representativo es el CTO Rio (Brasil), en donde Augusto Boal siguió la investigación hasta su muerte. Algunos de sus discípulos han ideado nuevos métodos de teatro participativo-interactivo, sin dejar de lado un uso paralelo del TdO.

La ITOO (International Theatre of the Oppressed Organisation) reúne a todos los grupos que trabajan con el TdO.

Historia El Teatro del Oprimido es una corriente teatral creada por el director brasileño Augusto Boal. La historia de este tipo de teatro está indefectiblemente unida a la de su creador. En 1953 se traslada a los EEUU con la intención de estudiar Ingeniería Química, pero terminará por estudiar teatro y al regresar al Brasil en 1955 empezará a hacer y escribir obras de teatro; también a llevar la dirección del Teatro de Arena en Sao Paulo.

Boal fue partidario de utilizar técnicas interactivas y populares en una línea que era claramente revolucionaria de la izquierda latinoamericana del momento. Basa muchas de sus ideas en Paulo Freire y el teatro de Bertolt Brecht. Finalmente cae preso lo que lo lleva a exiliarse en Argentina durante el régimen militar que sufrió su país natal. Allí comienza la concepción de lo que será el Teatro del Oprimido. Es una crítica y análisis social que se refleja mediante el teatro, desarrollada en 1970. La primera forma teatral que desarrolla es el Teatro Periodístico. Luego nacerán el Teatro Imagen y el Teatro Foro. En 1978 es invitado a París por la Sorbonne a realizar un curso. En Europa nace el Arcoiris del Deseo, que desarrolla técnicas más introyectivas, ya que Boal ve que las opresiones se sufren de otra manera. En el 80 regresa a Brasil con su grupo de París y no se instala definitivamente hasta 1986 donde se pone a dirigir la Fábrica de Teatro Popular. Lo innovador del Teatro del Oprimido es que democratiza la actividad teatral y, para ello,

despliega un sistema de ejercicios físicos, de juegos estéticos, de técnicas de imagen y de improvisación donde se construyen los medios artísticos del teatro al servicio de las personas más vulnerables, generando al mismo tiempo una herramienta con un gran potencial político, pedagógico que empodera a los que la practican ya que desarrolla, entre otras, la responsabilidad y la autonomía. Este teatro cree en cada individuo como un potente actor social y como capacitado para enunciar propuestas indispensables sobre su condición y los caminos alternativos.

En 1992, Augusto Boal llega a concejal lo que le permite trabajar teatralmente los problemas vividos por el ciudadano y discutir en las calles las leyes de la ciudad de Río de Janeiro, así nace el proyecto de Teatro Legislativo, transformando al elector en legislador. El Teatro del Oprimido es un modelo democrático que ayuda al individuo a elaborar sus propuestas y a dotarlas de un espacio donde expresarlas.

En marzo de 2009 recibió el reconocimiento de "Embajador Mundial del Teatro" de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, UNESCO. Para el mismo año escribió el discurso del día mundial del teatro. El 2 de mayo de 2009, Augusto Boal fallece en Río de Janeiro a los 78 años, a causa de una insuficiencia respiratoria.

Muchas de sus ideas son consideradas como “a new media perspective” (una nueva perspectiva de los medios), a pesar de que nacieron ya hace bastante tiempo. Desde entonces, estas ideas se han desarrollado más, dando así un significado en el contexto del mundo moderno. La creación del Teatro del Oprimido está basada en la idea del diálogo y la interacción entre la audiencia y el actor para interactuar alrededor de problemáticas comunes.1

Actualmente, Julian Boal, continúa el desarrollo del Teatro del Oprimido sobre todo velando por la visión política de su práctica para poder pensar una verdadera transformación social. Dirigió con Augusto Boal muchos talleres en más de 25 países en el mundo entero. Colabora regularmente con grupos en países como India, España o Croacia. En París, es uno de los fundadores del Groupe de Théâtre de l’Opprimé, que trabaja en Francia sobre temas relacionados principalmente con las condiciones de trabajo. Es autor de "Imagens de um teatro popular" y numerosos artículos. A finales del 2011 se traslada al Brasil y colabora con el Centro del Teatro del Oprimido de Río de Janeiro y el MST.

Numerosos grupos en el mundo realizan este tipo de teatro destacando principalmente en grupo Jana Sanskriti de la India y CTO Río en el Brasil. Aunque en Francia se practica desde hace 50 años, no llega a España hasta el 2000.

Dramaturgia simultáneaEs una técnica usada que define el tipo de interacción actor-audiencia. Es la técnica en la cual a mitad del trabajo teatral se detienen los actores en el escenario, para preguntarle a la gente de la audiencia una solución para su situación o problema. La audiencia da su punto de vista y sus posibles soluciones. Este método reúne las ideas de las personas para llegar a la mejor solución, esto promueve el diálogo consistentemente, y derrumba las barreras que dividen al actor de la audiencia. La audiencia tiene la capacidad para dirigir el curso de la obra, y aún más importante, le otorga un sentido de poder a la

audiencia: un increíble factor en el activismo político, y por eso el nombre de “Teatro del Oprimido”. Una vez la obra de teatro se representa, los espectadores pueden salir al escenario a realizar cambios sobre la dramaturgia propuesta. Así pues, Augusto Boal, los denomina "espect-actores".2

Teatro foroEsta forma teatral está entroncada con la creación colectiva ya que el grupo que concibe la obra son los oprimidos mismos. La creación colectiva fue creada por Enrique Buenaventura y se basa en teoría literaria del formalismo ruso. Las obras de Teatro del Oprimido parten del análisis de las inquietudes, problemas y aspiraciones de la comunidad que sufre las opresiones y tratan de activar a la que van dirigidas. En el Teatro Foro en particular -una vez representado el espectáculo-, los espectadores pueden participar convirtiéndose en actores y actrices de la obra.

Después de la creación y montaje de una obra de teatro, en la representación del Teatro Foro, uno de los miembros del grupo, activará un debate con el público asistente. Éste se llama jocker o comodín. Está lejos de ser un animador y/o un moderador de un debate, ya que se pretende que la representación de obra active al público que se ha identificado con el problema planteado. Es aquí la gran aportación del arte en general y el teatro en particular para llegar a la sensibilidad de los presentes y que puedan aportar ideas para la transformación social. El jocker tratará de llevar al público a realizar un análisis social y estructural del problema planteado.

Así pues, una vez representada la obra se invita al público a hablar sobre lo que han visto y en particular de la situación del oprimido. Cuando alguno de los espectadores expresa su punto de vista, el jocker puede invitarlo a sustituir al actor que representa al oprimido en el escenario. En este momento el espectador deviene activo ante el problema y, por ello, Boal lo denomina espect-actor. La condición esencial para que este tipo de teatro se dé es que el espectador ha de ser el protagonista de la acción dramática y se prepare también a serlo de su propia vida. Se utiliza pues el teatro como un arma de liberación con el objetivo de desarrollar en los individuos la toma de conciencia social y política.

El teatro foro es el teatro de la primera persona del plural. Por tanto, es más sencillo cuando el público sufre la misma opresión de lo que es representado en la obra para que se revele algún aspecto de la cotidianidad colectiva.

Teatro periodísticoUn sistema de técnicas diseñado para dar a la audiencia una manera de transformar noticias diarias o cualquier pieza no dramática a la escena teatral. Existen varios métodos para llevar a cabo esta técnica y para causar distintos efectos dentro del público.

Lectura simple: Un artículo de noticia leído fuera de contexto del periódico (el cual lo hace falso o controversial).

Lectura cruzada: dos artículos de noticias son leídos en forma alterna complementando o contrastándose el uno al otro en una nueva dimensión.

Lectura complementaria: información general omitida por la fuente de la noticia es añadida por el público.

Lectura rítmica: La noticia es leída con ritmo (musical), así esto actúa como filtro para la noticia, dando a conocer el verdadero contenido que estaba inicialmente oculto en el periódico.

Acción Paralela: Los actores hacen mímica de las acciones mientras el periódico es leído. El público escucha la noticia mientras observa la mímica.

Improvisación: Las noticias son improvisadas en el escenario, para explotar así todas sus variantes y posibilidades.

Histórico: Información de momentos históricos, sucesos en otros países o en sistemas sociales son añadidos a la noticia.

Refuerzo: El artículo es leído acompañado de canciones o de imágenes, para ayudar a la noticia a ser percibida de una manera o de otra.

Concreción de lo abstracto: el contenido abstracto en las noticias es llevado a lo concreto en el escenario ej. Hambre, desempleo, etc.

Texto fuera de contexto: una noticia es presentada fuera del contexto en el que originalmente fue publicado.

Teatro ImagenBoal le llama así a esta forma de teatro, una de las más estimulantes debido a su fácil interpretación y su notable capacidad de retratar ideas en una forma concreta debido a la ausencia de las palabras. Cada palabra tiene una denotación común para todos, pero la connotación es distinta para cada individuo, cada uno tendrá su propia interpretación de la palabra "revolución" y si una persona abraza a otra, se puede abrazar de manera fuerte, de manera de acoso, o de una manera suave y relajada, sin embargo esto significa lo mismo para todos "dar un abrazo".

El Teatro Imagen es una de las modalidades del Teatro del Oprimido desarrollado por Augusto Boal (1980). Consiste el Teatro del Oprimido en un conjunto de ejercicios, juegos y técnicas teatrales que tiene por objetivo utilizar el teatro y las técnicas dramáticas en un instrumento eficaz para la comprensión y la búsqueda de alternativas a problemas sociales e interpersonales. Desde sus implicaciones pedagógicas, sociales, culturales, políticas y terapéutica se propone transformar al espectador (ser pasivo) en protagonista de la acción dramática (sujeto creador), estimulándolo a reflexionar sobre su pasado, modificar la realidad en el presente y crear su futuro, según declara Augusto Boal. En pocas palabras, se trata de estimular a participantes no-actores a expresar sus vivencias de situaciones cotidianas a través del teatro.

El Teatro Imagen, bautizado en principio como “Teatro Estatua”, se convirtió después en “Teatro Imagen” al ofrecer técnicas e investigaciones más dinámicas. Cabe anotar que Konstantín Stanislavski ya trabajaba con “el gesto psicológico“; Vsévolod Meyerhold con “la posición pausa o Rakurz“; y Chancerel, con “el juego del escultor”. El objetivo del Teatro de la imagen es ayudar a los participantes a ver mejor, a discernir las imágenes escondidas, aquellas que son menos evidentes a primera vista. La riqueza de esta modalidad teatral reside en tomar conciencia de que ante una misma imagen no descubrimos todos lo mismo. La interpretación depende de la subjetividad de cada quien.

El lenguaje visual ofrece una manera original, en ocasiones simbólica, y accesible a todos, para aprehender la realidad.

Teatro InvisibleEl Teatro Invisible son representaciones teatrales lejos de las performances y la improvisación. Son obras previamente ensayadas que son interpretadas en lugares públicos, sin informar a las personas que se encuentran en éstos que se trata de una actuación. Aborda temas precisos sobre la injusticia social y vulneración de los Derechos Humanos, tales como el racismo, sexismo, discriminación por género, edad, nacionalidad, etc. La intención del acto es provocar debate, que las personas tomen una posición ante el problema, que politicen al vida cotidiana y que lo traten de solucionar.

Un ejemplo del teatro invisible, fue dado por Boal cuando involucró actores para hacerse pasar por clientes en un restaurante. Un actor llama la atención de la gente pidiendo comida y luego afirmando más tarde que no trae consigo suficiente dinero para pagar la cuenta, es aquí donde el conflicto surge y otros actores intervienen para ayudar al primer actor.

Técnicas del Teatro del OprimidoSegún su aparición histórica:

Juegos del Oprimido

Teatro Periódico

Teatro Foro

Teatro Invisible

Teatro Imagen

Arco iris del Deseo

Teatro Legislativo

Educación Estética

Madres de Soacha ahora son Antígonas5 ABR 2014 - 9:00 PM

Hoy, dos funciones en el teatro La Candelaria

Junto a actrices profesionales y otras víctimas de la violencia forman parte de la obra ‘Tribunal de mujeres’, que se presenta en el Teatro La Candelaria. Historia de una catarsis promovida por la Corporación Colombiana de Teatro.

Por: Nelson Fredy Padilla Castro

Lucero Carmona en escena con la camisa preferida de su único hijo Ómar, asesinado por el Ejército en Barbosa, Antioquia. /Andrés Torres - El Espectador

Una luz cenital amarilla le ilumina el rostro. “Señor juez: soy Lucero Carmona, una de las madres de Soacha y madre de Ómar Leonardo Triana Cardona, mi único hijo de 26 años, asesinado por el Ejército Nacional en la vereda Monteloro, de Barbosa, Antioquia, el 15 de agosto de 2007”.

Viste de negro y zapatillas coloridas. Está maquillada, aunque triste. En el regazo carga la camisa blanca preferida de su “niño”, al que le refundieron la vida militares ávidos de trofeos de guerra mientras él buscaba sustento para ayudar a su madre cantante de mariachi. Lucerito —como le dicen en la trasescena— habló con él cuatro días antes de que fuera baleado y reportado como baja en combate, acusado de traficar armas y narcóticos de la guerrilla de las Farc .“¡Mentira! Él era

artesano, escribía poemas y le gustaba traducir inglés”. Se aferra a la camisa, la huele, la desdobla, la abraza; se abriga y juega con ella.

El espíritu de Ómar completa un testimonio dramático que es alternado con apartes del mito griego de Antígona, la hija de Edipo desde la que se construye la tragedia con el cadáver insepulto de su hermano Polinices, obra de Sófocles que se habría representado por primera vez en la Acrópolis, plaza Syntagma, hace 2.456 años. El escritor mexicano Carlos Fuentes dijo que le había cambiado la forma de ver la vida. Lo dicen también lectores de Transmilenio gracias al programa “Libro al viento”, de la Alcaldía de Bogotá.

En las tablas esta madre no denuncia como lo hace todos los días en foros, escuelas, colegios, universidades, junto a otras deshijadas de Soacha, desde que comprobó que Ómar fue uno de los “mal llamados falsos positivos” del gobierno de Álvaro Uribe. Ahora es una de las actrices de Antígonas, tribunal de mujeres, la obra que hoy se presenta en La Candelaria como parte del Festival de Teatro Alternativo.

No sabía que podía denunciar a través del arte, que podía transmitir a la gente otros sentimientos que antes se guardaba o no exploraba, que la agobiaban: el dolor que no tiene nombre, rabia, amor filial, intimidad familiar, ternura. Por eso cierra su parlamento cantando para su hijo Osito de felpa. Todos los despertó la memoria de su hijo, los días en el ambiente teatral del centro de Bogotá y los ensayos desde noviembre pasado, luego de que el director del grupo Tramaluna, Carlos Satizábal, dramaturgo de la Universidad Nacional y Premio Nacional de Poesía 2012, viera en ellas y en su proceso de duelo la encarnación de un mito fundacional de la cultura occidental, en la línea de lo que hizo James Joyce al llevar a Odiseo a las calles de Dublín para representarlo a comienzos del siglo XX en los zapatos de Leopoldo Bloom, protagonista de Ulises.

A Lucerito se sumaron otras madres de Soacha: María Ubilerma Sanabria y Luz Marina Bernal. Fanny Palacios, campesina a la que militares de la XIII Brigada militar le asesinaron a la familia completa. Orseni Montañez, a quien la mano negra del Estado le asesinó a su esposo, uno de los 6.528 crímenes impunes del genocidio de la Unión Patriótica. Mayra López, una ex líder estudiantil de Sucre perseguida por organismos de inteligencia estatal y encarcelada un año injustamente por rebelión. Ella las pone a tono con los decibeles que reclama la puesta en escena: “Yo le canto a la tristeza y tú no estás”. Las demás la siguen: “Bonita, bonita”. Y ella les pide más intensidad, como si estuvieran buscando las tumbas sin nombre donde encontraron los restos de sus hijos. “Para que no te demores en encontrarme”.

Dos actrices profesionales, Ángela Triana y Lina Támara, son las encargadas de fundir lo mitológico con el realismo de las víctimas. Todas con telones blancos de fondo sobre los que se proyectan imágenes de pirámides mayas, que representan aridez, resequedad, falta de agua y sed. Las aportó Karen Roa, artista audiovisual

y actriz. También se reflejan facsímiles de expedientes de impunidad, imágenes de sepelios, rostros de sacrificados.

La cara de Ómar se refleja en el blanco de su camisa. Suenan los balazos. El público empieza a entender que eso de “los falsos positivos” no es un mito colombiano. Se oyen suspiros y sollozos. Es sobrecogedora la verdad de la actuación que reclama Stanislavski a los dramaturgos. Fruto de la semilla que sembró en 2009 Patricia Ariza desde la Corporación Colombiana de Teatro cuando reunió en la Plaza de Bolívar a 300 víctimas de la violencia en un performance para mostrar que a través del arte se denuncia, se hace memoria y se camina hacia la paz. Luego lo ratificó en el teatro Jorge Eliécer Gaitán con Huellas, mi cuerpo es mi casa, donde desplazados por la violencia hicieron catarsis escénica, otra forma de visibilización social. “El arte es el contrapeso de la barbarie”, le dijo a El Espectador la artista Doris Salcedo mientras trabajaba en Plegaria muda, su condena a los “falsos positivos”.

Lo simbólico empodera a las Antígonas. Cada una desfila por el escenario con un objeto a través del cual encuentran la seguridad corporal y mental que hace meses era intermitente. Redimensionan el sufrimiento al ritmo de la música de Nicolás Uribe, a quien le bastó acompañarlas en un ensayo para dedicarse a componer los acordes del tribunal de mujeres.

Al comienzo parecía complejo acercar a un grupo de damnificadas a un mito, pero de eso se encargó la fuerza de la poesía lírica y la paciencia del director y el acompañamiento de Dora Lucy Arias, abogada del Colectivo José Alvear Restrepo, víctima de las ‘chuzadas’ y la persecución del DAS a la oposición política al uribismo, y Judy Caldas, otra abogada experta en derecho internacional humanitario.

Así surgieron los primeros borradores y la necesidad de intercalar la voz de las Antígonas de la guerra colombiana. “Fue más oírlas y entenderlas, porque a veces se han derrumbado en los ensayos. Fue más sensibilidad que ponernos a darles clases de actuación”, dice el director. Cada elemento hace de Antígonas una obra imperativa en estos días de teatro, una propuesta estética hecha realidad gracias también a que ganó la Beca Arte y Memoria del Laboratorio de Creación.

¿Qué lograron ellas? ¿Qué pretendía el proyecto? “Transformaron el dolor en fuerza y rebeldía. Y en esa transformación se ha vuelto esencial el relato. Ellas son el mito de Antígona vivo, la construcción poética a partir de una realidad y del testimonio. Buscan la restitución simbólica de sus irreparables vidas perdidas. Y de sus nombres —dice el director—. Restituirles en el lenguaje, en la imaginación y en la vida colectiva es esencial para que haya justicia y verdad. La acción poética teatral es un primer gesto público de restitución”. La obra se cierra con el desahogo magistral de Lina Támara, dejando rosas amarillas y limpiando el piso de todo tipo de violencia pasada o presente con un manojo de hierbas dulces. El espectador sale en medio del aroma de ruda, lluvia de plata, albahaca, manzanilla; conmovido y agradecido de poder acercarse al alma del que ya es un colectivo

femenino que detrás de telones reconstruye tejidos sociales y delante remueve con ciencias. Una comunión de emociones, confesiones, lágrimas y risas que trasciende desde los ejercicios de estiramiento y relajación; al repasar los movimientos coreográficos, creación del ecuatoriano Wilson Pico y de la colombiana Francesca Pinzón; cuando empiezan a calentar gargantas y el coro se toma el tribunal siguiendo las cuerdas bucales de Mayra, la compositora y cantaora de las sabanas de Sucre, que enaltece la gran tragedia de Sófocles incluso con la fuerza del bullerengue: “La muerte me vino a buscar y yo le dije: ¡Carajo! ¡Respeta!”. Y las otras sobrevivientes responden: “Nunca más, nunca jamás”.