babesleak / patrocinan / sponsorsantolatzailea / organiza / organizer

GETXOPHOTO 2008NAZIOARTEKO ARGAZKI JAIALDIA / FESTIVAL INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA / INTERNATIONAL PHOTO FESTIVAL

IRAILA SEPTIEMBRE SEPTEMBER 11 – URRIA OCTUBRE OCTOBER 12

Bigarren edizioa / Begihandik antolatua / Alejandro Castellotek komisariatua / mutazioak, transformazioak, aldaketak / erakusketak ezohiko euskarri eta lekuetan / sortzaile ospetsuak / Izan GETXOPHOTO, herritarrek parte hartzeko gunea. Segunda edición / organizado por Begihandi / comisariado por Alejandro Castellote / mutaciones, transformaciones, cambios / exhibiciones en soportes y espacios no

convencionales / reconocidos autores / Sé GETXOPHOTO, espacio de participación popular. Second edition / organized by Begihandi / curated by Alejandro Castellote / mutations, transformations, changes / exhibitions in non-conventional media and places / well-known artists / Be GETXOPHOTO, activities for active participation

08:15 09:32 10:46

itsasgora / pleamar / high tide

11:53 13:09 14:27

itsasbehera / bajamar / low tide

Martin Heidegger alemaniar filosofoaren esanetan “Aro Modernoaren funtsezko fenomenoa mundua irudi gisa konkistatzea da”. Gizaki modernoaren obsesioetako bat, lurralde sendoaren bilaketa ei da, galdera metafisikoei erantzun absolutuak ematea. Baina ez luke sostengu hori errealitatean bertan aurkituko, bere biki artifizialean baino, bere erreprodukzio sinbolikoan, bere irudian. Errealitatearen ikuspegi sendoa oinarri izango lukeen espazio mitiko hori eskain zezakeen argazkigintzak; ez da harritzekoa, bere sorreran argazkigintzaren izaeraren paradigma, funtzio dokumental eta argigarri bihurtu izana.

Mende berri honen zeinu dira eraldaketak, mutazioak eta berregituraketak. Teknologia berriek aldaketak ekarri dituzte erlazionatzeko moduari, informazioa lortzeko erraztasunari eta ideien zirkulazioari dagokienez. Baina errealitatea irudikatzeko dugun moduarekin dugun erlazioa ere aldatu da. Errealitateak eta egiak, hitz hegemoniko izateari utzi diote, eta kontsentsuz atxikitako kontzeptu bihurtu dira. Akaso horregatik argazkigintzak bere objektibitate xedeak berrikusi ditu, eta gaur egun errealitateari buruzko beste begirada bat eskaintzen ari da, zehaztugabetasunean eta bitartekoan zentratua, sarritan simulakroa, fikzioa edo antzezpena erabiliz. Hauxe litzateke Wang Qingsong txinatarraren lanaren kasua; erlijioek eta proiektu politikoek eskaintzen duten zoriontasunaren utopia zalantzan ipintzen duten antzezpenak. Marcos López ere eszenaratzearen antzerki-izaeraz baliatzen da itxuren hauskortasunaz eta gaur egungo gizartean irudiak daukan gehiegizko garrantziaz gogoeta egiteko.

Argazkigintzaren arima errepresentazioaren eraikuntza da, hori dela eta, argazkilari garaikideek mundua irudi faltsu, zalantzagarri eta polisemikoekin berkonfiguratzen dute, gaur egungo pentsamenduaren ezegonkortasuna eta ahultasuna agerian utziz. Sammy Balojik iragan kolonialaren berrirakurketa proposatzen du. Esplotazioaren arrastoak -ikusgai garaiko argazkien bidez- badirau antzinako esklaboen lan berberak gaur egun betetzen dituzten beharginengan, eta begibistakoa da zapalketak bestelako estrategiak baino ez dituela hartu.

Marxek historia lehenengo tragedia bezala eta gero fartsa moduan idazten dela esaten zuen bezala, XXI. mendeko arteak aurreikuspen horrekin bat egiten duela ematen du, eta munduaren eszenifikazioak ere badakartza. Hauetan estetika edo sarkasmoa, ideologia eta hausnarketen gainetik kokatzen direla eman dezake, eta kontraesanek baieztapenek baino leku handiagoa hartzen dute. Jorge Ruedak, bere fotomuntaien histrionismo formaletik abiatuta, Espainiako historian tragediatik fartsarako igarotzea ilustratu zuen 70eko hamarkadan. Dionisio Gonzalezek ere manipulazioa darabil, bere kasuan digitalki hiru dimentsiotan bolumenak sortuko ditu São Paulo bezalako hiri erraldoi baten bazterrei buruz iritzia emateko. Inguru hauetako favelen arkitektura apalak eta gaur egungo eraikinen azal distiratsuak bata bestearen gainean jarriko ditu. Hiriak, eta euretan aurki ditzakegun bizitza zati kontaezinak, gaur egungo argazkingitzak sarri askotan jorratzen dituen gaiak dira. Argazkiak adostea horrenbeste kostatzen zaigun errealitatearen zatiak dira. Gauzak horrela, ez da harritzekoa Lobo Altunak proposatutako lana: luzaroan bera bizi izan den Areeta auzoko plaza iruditan zatitu du, espazio horrek azken hogei urteotan jasandako aldaketei buruz hitz egiteko.

Julio Bittencourt-ek, mundu osotik joandako immigrantez gainezka zegoen bere hiriko -São Paulo- eraikin batean bizi ziren pertsonaien mosaikoa egin du. Gizartearen beste muturrean, Esteban Pastorino argentinarrak XIX. mendean egiten zen moduan, ezinezko kamerak asmatzen ditu. Izan ere, historiako garai hartan makina berriak asmatzeko gizakiaren botereak erabatekoa ematen zuen. Bere argazkietarako pertsonaiak mundu osoko hirietan aurkituko ditu. Ananké Asseff-ek berriz, tipologiak bailiran erretratu serie bat aukezten digu. Erretratuok Buenos Airesko dirudunak jotzen dituen delikuentziaz hitz egiten dute. Kalibre txikiko armak izugarri zabaldu dira han, eta horrek ederto erakusten du zernolako beldurra duten dirudunek Carlos Menem presidentearen erorialdiaren ondoren, bere proiektu politikoak ekarri zuen kirisialdi ekonomiko latzak eragindako indarkeriak gora egin eta gero.

Argazkigintzak itxura omentzen du, eta gizarte garaikideak kontzeptu hori paradigma mailara igo du; itxurak gurarien arabera molda ditzaketen teknologiak garatzera ailegatu da, azalkeriari eskainitako denboran -eta hortaz, artifizialtasunetan oparoa- bizi garen ustea azpimarratuz. Miguel Trilloren argazkiek tribu urbanoak osatzen dituzten gazte taldeen itxuren atzean ezkutatzen diren tribu-kodeak agerian uzten dituzte. Gizartearen parte izateko gure nahiak antzezteko, bere estudio fotografikoa jendearen esku ipintzen du Philip Kwame Apagyak. Kwamek bezeroen eguneroko bizitzaren lekuak eskuz pintatutako dekoratuekin ordezkatuko ditu. Horietan modernitateak eta gure existentziaren kanpo itxura aldatzeko talde-desioak antzerki izaera hartuko dute.

Gure aurpegi eta gorputzek sufritzen dituzten aldaketen jarraipen fotografikoa egin du urte luzez Pere Formiguerak. Denboraren igarotzea erakusteko tipologiak erabili izan ditu ikus-tresna moduan. Cecilia Paredesek berriz, bere gorputzaren azala darabil bere imajinario berezia osatzen duten alegiazko transformazioak, edo nahi bada, bere era askotako nortasunak antzezteko.

Hain zuen ere, galderak nagusitu eta erantzunak falta diren garai honetan, artista bisualak, birtualtasuna egunerokoaren beste dimentsio bat bezala egokitzen ari den garai hau zelan irudikatu aztertzen ari dira. Galdera hauek adibidez, Fernando Maquieiraren tximinoen erretratuen aurrean azaltzen zaizkigu; samurtasuna, sinpatia, eta erakusten duten keinu ia humanoengatik, irrealitatea darien erretratu kezkagarriak. Amaitzeko, Gonzalo Azumendik gure gizartearekiko begirada baikorraren alde egiten du, eta mundu nahastu eta tolerantearen aldeko bere ideia baieztatzeko umoreaz baliatzen da.

MUTAZIOAK. Alejandro Castellote, komisarioa

“El fenómeno fundamental de la Edad Moderna es la conquista del mundo como imagen”, dice el filósofo alemán Martin Heidegger. Una de las obsesiones del hombre moderno parece ser la búsqueda de un territorio de solidez, de respuestas absolutas a las interrogantes de orden metafísico. Pero ese punto de apoyo no lo ha encontrado en la realidad misma, sino en su doble artificial, en su reproducción simbólica, en la imagen. La fotografía quiso ofrecer ese espacio mítico donde encontraría sustento una visión sólida de la realidad y, no es de extrañar que, en sus orígenes decimonónicos, la función documental e indicial se convirtiera en paradigma de la naturaleza de la fotografía.

En este nuevo siglo las transformaciones, las mutaciones y las reconfiguraciones son los signos de nuestro tiempo. Las nuevas tecnologías han modificado sustancialmente el modo de relacionarnos, el acceso a la información y la circulación de las ideas. Pero también nuestra relación con la representación de la realidad se ha modificado. La realidad, así como la verdad, han dejado de ser términos hegemónicos y se han convertido en conceptos sujetos a consenso. Quizá por ello, la fotografía también ha revisado sus aspiraciones de objetividad y está ofreciendo en nuestros días una mirada sobre lo real centrada en lo impreciso y lo intermedio, abordada a menudo desde el simulacro, la ficción o la puesta en escena. Ese sería el caso de la obra del chino Wang Qingsong, escenificaciones que cuestionan la utopía de la felicidad que ofrecen las religiones y los proyectos políticos. También Marcos López se sirve de la teatralidad de la puesta en escena para reflexionar sobre la fragilidad de las apariencias y la desmedida importancia de la imagen en la sociedad contemporánea.

El alma de la fotografía es la construcción de la representación, de ahí que los fotógrafos contemporáneos reconfiguren su visión del mundo a través de imágenes inciertas, ambiguas y polisémicas; transparentando la inestabilidad y la fragilidad del pensamiento contemporáneo. Sammy Baloji propone una relectura del pasado colonial a la luz del presente. La huella de la explotación, visible a través de las

fotografías de la época, se mantiene en los trabajadores que ocupan los puestos de los esclavos en la actualidad, evidenciando que la opresión tan sólo ha adoptado estrategias diferentes.

Del mismo modo que Marx pronosticaba que la historia se escribe primero como tragedia y después como farsa, el arte del siglo XXI parece corresponderse con esa predicción y aporta construcciones, escenificaciones del mundo, donde puede parecer que se impone la estética o el sarcasmo por encima de las ideologías, y las reflexiones y contradicciones proliferan más que las afirmaciones. Jorge Rueda ilustró en los años setenta, desde el histrionismo formal presente en sus fotomontajes, este tránsito de la tragedia a la farsa en la historia de España. Dionisio González se sirve también de manipulaciones, en su caso generando digitalmente volúmenes en tres dimensiones, para opinar sobre las áreas urbanas que se extienden en los márgenes de una megaurbe como São Paulo, en donde se yuxtapone la arquitectura vernácula y humilde de las favelas con la relumbrante textura de los edificios contemporáneos. Las ciudades son un tema omnipresente entre los artistas contemporáneos de todo el mundo. Las fotografías son fragmentos de esa realidad que tanto nos cuesta consensuar; no es extraño que José Ignacio Lobo Altuna haya optado por fragmentar en imágenes la plaza del barrio de Las Arenas, donde vivió durante muchos años, para hablar de las transformaciones que han tenido lugar ahí a lo largo de veinte años.

Julio Bittencourt realiza un mosaico de los personajes cotidianos que habitan en uno de los edificios de su ciudad –São Paulo– con la mayor ocupación de inmigrantes procedentes de todo el mundo. En el otro extremo del espectro social, el argentino Esteban Pastorino inventa cámaras imposibles a la manera del siglo XIX. Encuentra a los protagonistas de sus imágenes en todas las ciudades del planeta. Por su parte, Ananké Asseff presenta una serie de retratos que, en forma de tipologías, nos hablan de la paranoia sobre la delincuencia que asalta a las clases acomodadas de Buenos Aires. La extraordinaria proliferación de armas de pequeño calibre sirve para ilustrar el pánico

ante la escalada de violencia surgida tras la caída del presidente Carlos Menem, y la extrema crisis económica que su proyecto político generó en Argentina.

La fotografía rinde tributo a las apariencias y la sociedad contemporánea ha elevado ese concepto a la categoría de paradigma; hasta el punto de desarrollar tecnologías susceptibles de manipular las apariencias a voluntad, subrayando esa percepción de que vivimos en un tiempo consagrado a la superficialidad y, consiguientemente, profuso en artificialidades. Las fotografías de Miguel Trillo resaltan precisamente los códigos tribales que se esconden tras las apariencias de los grupos de jóvenes que integran las tribus urbanas. Escenificar nuestras aspiraciones de pertenencia social es lo que Philip Kwame Apagya pone a disposición de la gente en su estudio fotográfico. Kwame reemplaza los escenarios cotidianos de sus clientes por fondos pintados en los que se teatraliza la modernidad, el deseo colectivo de cambiar la apariencia exterior de nuestra existencia.

El cambio que experimentan nuestros rostros y nuestros cuerpos ha sido objeto de años de seguimiento fotográfico por parte de Pere Formiguera. También él se ha servido de las tipologías como instrumento visual para mostrar el paso del tiempo. Sin embargo, la peruana Cecilia Paredes se sirve de su propio cuerpo como superficie sobre la que escenificar las fantásticas transformaciones que forman parte de su particular imaginario privado.

Precisamente en estos años, en los que predominan las preguntas y escasean las respuestas, los artistas visuales están explorando cómo representar un tiempo donde la virtualidad se ha instalado como otra dimensión de lo cotidiano. Preguntas que salen a nuestro encuentro ante los retratos de simios de Fernando Maquieira; retratos inquietantes que desprenden, ternura, simpatía y un hálito de irrealidad dado el gesto casi humano que exhiben. Finalmente, Gonzalo Azumendi apuesta por una mirada optimista hacia nuestra sociedad, sirviéndose del humor para afirmar su idea de un mundo mezclado y tolerante.

MUTACIONES. Alejandro Castellote, comisario

“The fundamental phenomenon of the Modern Age is the conquest of the world as an image”, says the German philosopher Martin Heidegger. One of the obsessions of the modern man seems to be the search for a solid territory, a territory of absolute answers to metaphysical questions. But this support point hasn’t been found in reality itself, but in its artificial double, in its symbolic reproduction, in the image. Photography wanted to offer this mythical space where a solid vision of reality would find sustain, so it is no wonder that, in its 19th century origin, the documental and indicative function turned into paradigm of the photography nature.

In this new century, transformations, mutations and reconfigurations are the signs of our time. New technologies have substantially changed the relationships, the access to information and the circulation of ideas. But also our relation with the representation of reality has been modified. Reality, as well as the truth, are not hegemonic terms anymore and have become concepts subject to consensus. Maybe that is why photography has also revised its objectivity aspirations and nowadays is offering a real view focussed on the imprecise and the intermediate, often tackled from the simulation, fiction or staging. This would be the case of the Chinese Wang Qingsong’s work, stagings that question the utopia of happiness that religions and political projects offer. Marcos López has also used theatricality in staging to reflect on the fragility of the appearances and the excessive importance of the image in the contemporary society. The soul of photography is the construction of the representation, that is why contemporary photographers reconfigure their view of the world through uncertain, ambiguous and polysemous images; revealing the instability and fragility of the contemporary thought. Sammy Baloji proposes a reinterpretation of the colonial past from the present. The trace of exploitation, visible through the photographs of that time, remains in the workers that currently hold the position of the slaves, showing that oppression has just adopted different strategies.

The same way Marx predicted that history is written first as a tragedy and then as a farce, the art in the 21st century seems to correspond to this prediction and contributes with constructions, stagings of the world where aesthetics or sarcasm seem to become established beyond ideologies, and reflections and contradictions proliferate more than affirmations. Jorge Rueda illustrated in the seventies, through the histrionism of his images, this transit from tragedy to farce in the history of Spain. Dionisio González used manipulations as well, this time generating three-dimensional volumes digitally, to think about the urban areas that stretch along the outskirts of a city like São Paulo, where the vernacular and humble architecture of the shanties and the dazzling texture of the contemporary buildings are juxtaposed. Towns are an omnipresent issue among contemporary artists around the world. Photographs are pieces of that reality that is so difficult to agree upon; it is no surprise that Jose Ignacio Lobo Altuna has decided to fragment in images the square of Las Arenas (Getxo), where he lived for many years, to speak about the transformations that occured there in the course of twenty years. Julio Bittencourt makes a mosaic of the daily characters that inhabit one of the buildings in his city -São Paulo- with the highest immigrants’ dwelling from all over the world. At the other end of the social spectrum, Esteban Pastorino makes up imposible cameras in the fashion of the 19th century. Pastorino finds the main characters of his images in all the cities around the planet. Ananké Asseff presents a series of portraits that, as typologies, tells us about the paranoia about delinquency that assailed the wealthy class in Buenos Aires. The extraordinary proliferation of low caliber weapons serves to illustrate the panic that certain social classes felt in view of the escalation of violence that came up after the fall of the President Carlos Menem, and the extreme economic crisis that his political project generated in Argentina.

Photography pays tribute to appearances and contemporary society has uplifted this concept to the category of paradigm; to the extent of developing

technologies subject to manipulating appearances at will, underlining this perception that we live in a time devoted to superficiality and, consequently, filled with artificialities. Miguel Trillo’s photographs highlight precisely the tribal codes that hide behind the appearances of young groups that compose the urban tribes. A staging of our aspiration for social belonging is what Philip Kwame Apagya offers in his photographic studio. Kwame replaces his clients’ everyday stages with painted backgrounds that evoke modernity and the collective wish to change the external appearance of our existence.

The change that our faces and bodies undergo has been the subject of years of photographic tracking by the photographer Pere Formiguera. He has also used tipologies as visual means to show the passage of time. On the other hand, the Peruvian Cecilia Paredes uses her own body as a surface over which she stages the fantastic transformations that compose her private imaginary.

Precisely in these years when questions predominate and answers are scarce, visual artists are exploring how to represent a time where virtuality has settled down as another dimension of the quotidian. Questions that come to us before the portraits of apes of Fernando Maquieira; disquieting portraits that transmit tenderness, friendliness and a breath of irreality due to the almost human gesture they show. Finally, Gonzalo Azumendi bets on an optimistic view of our society, using humor to affirm his idea of a mixed and tolerant world.

MUTATIONS. Alejandro Castellote, curator

“… okupatu nahia, deskribatu, agortu, ez munduaren osotasuna –aipatzearekin batera suntsitzen den proiektua–, zati batek osaturikoa baizik: munduaren inkoherentzia nahasien aurrean, programa bat aurrera eramateko saiakera egingo da, mugatua noski, akatsik gabea, txikiezina”.La vie mode d’emploi. Georges Perec

Tolosa, Euskal Herria, 1967. Hogeita hamar urte baino gehiago eman ditu bizitzen Getxon, bere aberri txikian. Gaur egun Berastegin bizi da eta editore grafiko dabil beharrean Diario Vasco egunkarian. Bartlebooth In Memoriam Areetako zentroko gune batek azken urteotan jasandako bilakaera erakusten duen lana da, egilearen eta getxoztar askoren bizitzan oso garrantzitsua den gune enblematikoa.

“… querer abarcar, describir, agotar, no la totalidad del mundo –proyecto que se destruye con sólo enunciarse– , sino un fragmento constituido del mismo: frente a la inextricable incoherencia del mundo, se tratará entonces de llevar a cabo un programa en su totalidad, sin duda limitado, pero entero, intacto, irreductible”.La vie, mode d’emploi. Georges Perec

Tolosa, País Vasco, 1967. Ha vivido más de treinta años en Getxo, su patria chica. Actualmente vive en Berastegi y trabaja como editor gráfico del periódico El Diario Vasco. Bartlebooth In Memoriam es una obra que refleja la transformación que ha sufrido durante los últimos años un espacio emblemático del centro de Las Arenas, clave en la vida del autor y de muchos getxotarras.

“...the desire to capture, describe, exhaust, not the whole world –a project that is destined to fail from the outset– but a constituted fragment of it: in the face of the world’s inextricable incoherence, it will be then a question of realising a whole program, limited, no doubt, but full, intact, irreducible”. La vie, mode d’emploi. Georges Perec

Tolosa, the Basque Country, 1967. He lived for more than thirty years in Getxo, his adopted home. Nowadays he lives in Berastegi and works as a graphic editor for the newspaper El Diario Vasco. Bartlebooth In Memoriam is a work that reflects the transformation that an emblematic space in the centre of Las Arenas has undergone in recent years, a key place for the author and for many other people from Getxo.

BARTLEBOOTH IN MEMORIAM

Xake plaza / plaza del Ajedrez, Areeta / Las Arenas. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 17 x 5 m

Buenos Aires, Argentina, 1971. Bere lana argazkilaritza, bideo, instalazio eta interaktibotasunean zentratzen duen artista da. Sari ugari jaso ditu, esaterako, Academy of Media Arts KHM beka (Alemania) eta ikasle-egoitza bat The Banff Centre for the Arts-en (Kanada).

Asseffek gai bera darabil lan guztietan: paranoia. Aurkezten duen serieak tentsio egoeretara garamatza; arriskua badago, baina ez gertaera moduan, hipotesi moduan baizik. Berehalako arriskuak tentsioaz betetzen ditu eszena hauek, Buenos Airesko goi maila edota maila ertainekoen etxeetan eta erretratu klasikoaren tipologiak erabiliz ateratakoak. Elementu komuna errebolberra da. Potentziala gerta daitekeena da, baina horretaz gain, berez potentzia edo boterea duena ere bada. Bigarren irakurketa honek, autoreak proposatzen digun hausnarketatik irudiak berak proposatzen duen gaira garamatza: boterea al da, arma eskuan sentitzen dena?

Buenos Aires, Argentina, 1971. Desarrolla su actividad como artista visual en el ámbito de la fotografía, videoinstalación e interactividad. Ha recibido distinciones y premios como la beca de la Academy of Media Arts KHM (Alemania) y la residencia en The Banff Centre for the Arts (Canadá).

Asseff trata en todos sus trabajos un tema común: la paranoia. Esta serie remite a estados de suspenso; el peligro está, pero no como acontecimiento sino como hipótesis. Es la suposición de un peligro inminente lo

POTENCIAL

que carga de tensión las escenas, que están resueltas en escenarios domésticos y familiares de hogares pertenecientes a la clase media o alta bonaerense y según la tipología clásica del retrato. El elemento común es la presencia del revólver. Potencial es, por definición, algo que puede ocurrir pero además significa lo que tiene en sí potencia o poder. Esta segunda lectura nos conduce de la reflexión que propone la autora a la cuestión que plantea la propia imagen: ¿es poder lo que se siente con un arma en la mano?

Buenos Aires, Argentina, 1971. She works as a visual artist in the field of photography, video-installations and interactivity. She has won several awards, such as the Academy of Media Arts KHM scholarship, in Germany, and has been resident artist at The Banff Centre for the Arts, in Canada.

All her works deal with a common theme: paranoia. This series refers to suspense states: danger lurks, not as an event, but as a hypothesis. What charges the scenes with tension is the supposition of imminent danger. These portraits are familiar, domestic scenes from upper-middle class life in Buenos Aires. The common element is the presence of a revolver. Potential is, by definition, something that may occur, but it also means something that has its own power or strength. This second interpretation takes us from the artist’s reflection to the question the image itself suggests: is it power that one feels with a weapon in their hand?

Torrene 3, Algorta. 12 C-Print, 120 x 200 cm

MUCHACHADA NUI

Getxo, Euskal Herria, 1960. Seguru asko Gonzalo M. Azumendi Estatuko bidaia-argazkilari ezagunenetakoa da, eta akaso dibertigarriena. Hogei urtetik gora daramatza freelance argazkilari. Editoriala da bere mundua, eta horri zuzentzen dio lan guztia. Bidaiari nekaezina, bere erreportajeak 30 herrialdetako aldizkari, egunkari eta argitalpen onenetan ikus ditzakegu, esaterako: Viajes National Geographic, Altair, Lonely Planet, Rutas del Mundo, Grandes Espacios, El País edota El Mundo, beste askoren artean. Era berean, argazki liburu batzuk argitaratu ditu eta UNESCOk eskatuta, Gizon-Emakume guztien Ondare izendatutako lekuak erretratatu ditu.

Bere irudietan munduaren gaineko ikuspuntu baikor eta alaia nabarmentzen da, bere izaerarekin bat egiten duena; bizitzari eta pertsonenganako interes berezia ahaztu barik. Horren adibide dugu Muchachada Nui.

Getxo, País Vasco, 1960. Gonzalo M. Azumendi es posiblemente uno de los más reconocidos fotógrafos de viajes del Estado, y quizás el más divertido. Lleva más de 20 años como fotógrafo freelance. Su mundo es el editorial y a él va dirigido todo su trabajo. Viajero impenitente, trabaja para las mejores revistas, periódicos y publicaciones de más de una treintena de países, publicaciones como Viajes National Geographic, Altair, Lonely Planet, Rutas del Mundo, Grandes Espacios, El

País, El Mundo, entre otros. Asimismo, es autor de varios libros de fotografía y se ha ocupado, por encargo de la UNESCO, de retratar distintos lugares designados como Patrimonio de la Humanidad.

En sus imágenes destaca una visión alegre y positiva del mundo, como lo es su propio carácter, además de un especial interés por las personas y la vida. Muchachada Nui es su reflejo.

Getxo, the Basque Country, 1960. Gonzalo M. Azumendi is probably one of the most famous travel photographers in Spain, and perhaps the most comical. He has been working for more than 20 years as a freelance photographer. He loves working for the publishing sector. A seasoned traveller, he contributes to the most prestigious magazines, newspapers and publications in more that 30 countries: Viajes National Geographic, Altair, Lonely Planet, Rutas del Mundo, Grandes Espacios, El País, El Mundo, among others. He has also published some photography books, and has been asked by the UNESCO to portray World Heritage sites.

In his images, as in his own character, positive and happy view of the world prevails, as well as a special interest in people and life. Muchachada Nui reflects this point of view.

Portu Zaharra / Puerto Viejo / Old Port, AlgortaFrontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 224 x 150 cm (3), 150 x 100 cm (2), 300 x 246 cm (1), 183 x 130 cm (1)

Lubumbashi, Kongoko Errepublika Demokratikoa, 1978. Argazkilaritza eta bideoan murgildu baino lehen, komikiaren munduan hasiera eman zion bere karrerari. Hasieran bere lanak etnografien errepresentazioa izan zuen ardatz, baina apurka-apurka Katangako herentzia kulturalean arreta ipintzen hasiko da. Katanga bere herrialdeko meatze-gune emankorrenetakoa da. Fotomuntaiez baliatuta, tamaina handiko bere argazkietan irudi historiko eta garaikideak nahasten ditu. Gaur egun zutunik dirauten belgiar aro kolonialeko meatzetako tipologia arkitektonikoen hondarrak, meatzari esplotatuen antzinako argazkiekin konbinatzen ditu. Lan honek hausnarketarako bidea irekitzen digu, esplotazioak markatutako gizartea eta boterearen egituren lekukotzarekin.

Balojik hainbat proiektu artistiko eta nazioarteko jaialditan parte hartu izan du; aipagarriak dira Bamakoko Argazki Afrikarraren Jaialdia eta Parisko PhotoQuai, biak 2007an. 2008an berriz, Cultuurcentrum Brugge de Bond-en, Brujas, eta ifa-Galerie Berlin-en erakutsi izan ditu bere lanak.

Lubumbashi, República Democrática del Congo, 1978. Empieza su carrera en el mundo del cómic antes de volcarse en la fotografía y el vídeo. En un principio centra su trabajo artístico en la representación de etnografías pero progresivamente comienza a interesarse por la herencia cultural de Katanga, una de las zonas mineras más productivas de su país. Sus fotografías de gran formato mezclan imágenes históricas y contemporáneas mediante fotomontajes. Los restos de las tipologías arquitectónicas mineras, heredadas del periodo colonial belga, son combinados con fotografías de los antiguos

MÉMOIRE

mineros explotados por los colonizadores. Su trabajo invita a la reflexión acerca del testimonio de una sociedad marcada por la explotación y las estructuras de poder.

Baloji ha formado parte de diferentes proyectos artísticos y ha participado en diversas muestras internacionales entre las que se pueden destacar el Festival de Fotografía Africana de Bamako y PhotoQuai en París, ambas en 2007. En 2008 ha expuesto en el Cultuurcentrum Brugge de Bond, Brujas, y en ifa-Galerie Berlin.

Lubumbashi, Democratic Republic of the Congo, 1978. His career started in the world of comics, before he became involved in photography and video. Initially, his work focused on the illustration of ethnography, but he gradually developed an interest for the cultural heritage of Katanga, one of the most productive mining areas in his country. His large-format photographs combine historical and contemporary images. The remains of mining architecture from the Belgian colonial period are combined with photographs of the former miners, who where exploited by the colonizers. His work leads us to reflect on the testimony of a society marked by exploitation and the structures of power.

Baloji has participated in various artistic projects and his work has been shown at different international exhibitions. Among them, the Bamako African Photography Festival and PhotoQuai in Paris, both in 2007. In 2008, examples of his work were exhibited at the Cultuurcentrum Brugge de Bond, in Bruges, and at ifa-Galerie Berlin.

Punta Begoña, Arriluze. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 30 x 2 m

Brasilia, Brasil, 1980. Orain dela gutxi Leica Oskar Barnak (Alemania) eta Aperture Foundation-en Portfolio Pick Review (AEB) sariak jaso ditu.

São Paulo erdiguneko etorbiderik handienetakoa den Prestes Maia-ren 911. zenbakian, Etxerik Gabekoen Mugimenduak okupatutako eraikin erraldoia dago. Bloke gris bi dira, aspaldian Hegoameriketako eraikin modernoenak bezala hartuak, 360 leiho* dauzkate, eta 2002. urtetik aurrera 460 familia baino gehiago bizi dira bertan. Nahiz eta azken lau urteotan familia hauek Udalarekin hitz egiteko gauza izan, hiriaren erdigunearen berpiztea dela-eta, eraikin horretan bizilekua daukaten 1200 lagunak egunez egun egoera latzean eta etorkizunerako perspektiba gutxirekin bizi dira.

Bittencourt-en lanak hiri politikaren arazoa lantzen du; hiritarrak gizartean integratu beharrean, bakandu eta desbinkulatu egiten dituena. Irudiek ez digute inongo erantzunik ematen, baina arazoaren konplexutasuna azaleratzen dute; material eskasen eta egitura arkitektonikoen egungo gainbeheraren atzean, nagusi diren botereek mugatutako gune hauetan bizi diren pertsonen duintasunak bizirik dirauela erakusten dute. *janela portugesez

Brasilia, Brasil, 1980. Recientemente ha recibido los premios Leica Oskar Barnack (Alemania) y Portfolio Pick Review de la Aperture Foundation (EEUU).

En el 911 de la avenida Prestes Maia, una de las mayores avenidas situadas en el corazón de São Paulo, se erige un edificio gigante ocupado por el Movimiento de los Sin Techo. Dos grises bloques de 360 ventanas*, considerados en su día los más modernos de Latinoamérica, donde viven más de 460 familias desde 2002. Aunque durante cuatro años las familias han sido capaces de mantener un diálogo próspero con el Ayuntamiento, con la revitalización

del centro como bandera, las más de 1200 personas que habitan este edificio viven día tras día una situación delicada con muy pocas perspectivas de futuro.

Bittencourt trata el problema de una política urbana que no integra a los ciudadanos en la sociedad sino que los individualiza y los desvincula. Sus imágenes no ofrecen una respuesta, sin embargo abordan la complejidad del asunto mostrando que tras la decadencia presente en las estructuras arquitectónicas y los precarios materiales, sobrevive la dignidad de las personas que habitan estas áreas demarcadas por los poderes imperantes. *janela en portugués

Brasilia, Brazil, 1980. He recently won the Leica Oskar Barnack (Germany) and Aperture Foundation’s Portfolio Pick Review (USA) prizes.

In 911 Prestes Maia avenue, one of the largests avenues in the heart of São Paulo, there is a huge building occupied by the Movement of the Homeless. Two grey-coloured blocks with 360 windows*, at one time considered the most modern building in Latin America, where 460 families have been living since 2002. For four years the families were able to maintain a healthy dialogue with the City Hall but plans to redevelop the city centre mean that the more than 1200 people who inhabit this building face an uncertain future.

Bittencourt’s work handles the problem arising from urban planning that does not attempt to integrate citizens in society, but individualizes and separates them. His images do not offer an answer, but reveal the full complexity of the matter by showing that behind the decadence of the architectonic structures and poor quality materials, the dignity of the people inhabiting these areas demarcated by the ruling powers survives. *janela in Portuguese

NUMA JANELA DO EDIFÍCIO PRESTES MAIA 911

Azoka barruan / interior del Mercado / inside the Market, Algorta. 45 C-Print, 60 x 40 cm

LA CAZA DEL LOBO CONGELADO

Orihuela, Alacant, 1971. Estetika garaikideko irudien bidez, ehizari buruzko lan honek antzinatik gizakiak berezkoa duen jarduera hau laburtzen du. Mendiaren konkista, ideal erromantiko baten konkista bihurtzen dela azaltzen du: hiriak nahi duen mendia ez da inguru basatia, ezta nekazalgunea ere. Benetakoa kontsumitzea ahalbidetzen duen jolas-parkea da mendia.

Cases Blank Paper argazki taldeko kide da. 2006an Descubrimientos PhotoEspaña-rako aukeratua izan zen; 2007an FNAC-en Nuevo Talento de Fotografía eta Foto-reportaje ARCO sariak jaso zituen. Belleza de barrio liburua eman zuen argitara 2008an.

Orihuela, Alicante, 1971. Su trabajo sobre la caza sintetiza en imágenes, de marcada estética contemporánea, una actividad inherente al ser humano desde tiempos ancestrales. Habla de cómo la conquista del campo se convierte en la conquista de un ideal romántico: el campo que quiere la ciudad no es un lugar salvaje, ni siquiera agrícola. Es un parque temático al que uno puede acudir para consumir lo auténtico.

Cases forma parte del colectivo de fotografía Blank Paper. En 2006 fue seleccionado para Descubrimientos PhotoEspaña y recibió los premios Nuevo Talento FNAC de Fotografía y Foto-reportaje ARCO en 2007. En 2008 publicó su primer libro, Belleza de barrio.

Orihuela, Alacant, 1971. His work on hunting summarizes in images, the aesthetics of which are markedly contemporary, an activity inherent in human beings from ancestral times. It illustrates how the conquest of the countryside becomes a romantic ideal: the countryside that city dwellers seek is not a wild place, or even agricultural. It is a theme park where one can go to consume what is authentic.

Cases belongs to the Blank Paper photography association. In 2006 he was selected for Descubrimientos PhotoEspaña and in 2007 he won the Nuevo Talento FNAC in Photography and the Foto-reportaje ARCO awards. In 2008 he published his first book, Belleza de Barrio.

Galeria Higikorra / Galería Móvil / Mobile Gallery. 15 C-Print, 80 x 50 cm

JUEGO DE REPRESENTACIONES; EL EXPERIMENTO EGIPCIO

Damasko, Siria, 1970. Sirian bizi izan zen 24 urte bete zituen arte. Han aitaren alboan jostun lanak egin zituen eta ogibide honek eragin handia edukiko zuen gero bere diskurtso fotografikoan. Gaur egun Estatu Batuetan bizi da.

Mendebaldean eta ekialdean iraganean sortutako, eta moduren batean oraindik ere inkontziente kolektiboan bizirik dauden gizarte ikuskerak eta estereotipoak aztertzen ditu bere lanak. Esidek hiru serie aurkeztu zituen GETXOPHOTOn. Lehenengoak, Ekialdetasuna, bere konnotazio exotiko eta sentsualekin, ikuspuntu garaikide batekin aztertzean, topikoak sortzeko mekanismoetan dauden kontraesanak agerian jartzen dituen aukera teoriko eta sortzaileak sortu ditu. Hiria distortsioan, iraganeko hizkuntza bisuala erabiliz, Kairoko handitasunari orainaldiko begiratua da. Antzinako eguzkipeko errebelatuaren teknika baliatuz egindako irudi hauek, gure garaian ikusita irrealak ematen dute. Kairoko beharginak serierako Esidek estudioa ipini zuen hiri horretako kaleetan. Bertatik igarotzen ziren langileei erronka egin zien: Esidek bera beste langile bat bezala ikustera desafiatu zituen, negozio-gizon ibiltari bezala, bere egurrezko kamera eta hondo oihalarekin nekatuta itxaroten zegoen langile bezala.

Damasco, Siria, 1970. Vive en Siria hasta los 24 años donde trabaja al lado de su padre como sastre, profesión que tendrá una gran influencia en su discurso fotográfico. Actualmente reside en Estados Unidos.

Su trabajo investiga las visiones y estereotipos sociales que desde occidente y oriente se han creado en el pasado, y que de alguna manera persisten en el inconsciente colectivo. Esid presentó en GETXOPHOTO tres series. La primera, Orientalismo, con sus connotaciones exóticas desde un punto de vista contemporáneo, genera un abanico de posibilidades

creativas y teóricas que pone de manifiesto las contradicciones existentes en los mecanismos de creación de tópicos. Ciudad en distorsión es una mirada a la inmensidad de El Cairo desde el presente a través de un lenguaje visual del pasado. La antigua técnica de revelado al sol hace que estas imágenes, de nuestra época, parezcan irreales. Para la serie Trabajadores de El Cairo Esid montó un estudio en las calles de esa ciudad y retó a los trabajadores que pasaban a mirarle como a uno de ellos, un hombre de negocios ambulante que esperaba cansado con su cámara de madera y su telón de fondo.

Damascus, Syria, 1970. He lived in Syria until he was 24, where he worked together with his father as a tailor, a profession that has had a great influence on his photographic discourse. Nowadays he lives in the United States.

His work investigates the social views and stereotypes that have been created in the past, both in the West and in the East, which somehow persist in the collective subconscious. Esid presented three series in GETXOPHOTO. Orientalism, with its exotic and sensual connotations from a contemporary point of view, generates a vast range of creative and theoretical possibilities, which reveal the existing contradictions in the creation of clichés. Distorted City is an artistic view of the vast metropolis of Cairo from the present using a visual language from the past. The technique of sun developing makes these images, today, appear unreal. To carry out the series Cairo Street Workers he set up an studio in the city streets, and he challenged passing workers to regard him as one of them, a tired, itinerant businessman, who waits patiently with his wooden camera and flimsy backdrop.

Amezti 6, Algorta Zilar gelatinan errebelatua eta pigmento tradizionalekin eskuz koloreztatua (38), Vandyck emultsioa, eguzki inpresioa eta kontaktua (5)

Revelado a la gelatina de plata y coloreado a mano con pigmentos tradicionales (38), emulsión Vandyck, contacto e impresión por luz solar (5)Developed with silver gelatin and handpainted using traditional pigments (38), Vandyck emulsion, sun contact and printing (5)

PARE / MARE

Bartzelona, 1952. Argazkilari, teorialari, kritiko eta komisario garrantzitsua, Formiguera Bartzelonako Fundació Joan Miró-ren Argazki Saileko kide izan da, eta gaur egun Kataluniako Museu Nacional d’Art-en Argazki Saileko Aholkularitza Kontseiluan dabil. Bere lanak bilduma garrantzitsu askotan daude; kasu baterako, The Museum of Modern Art (New York), Fonds Nationaux d’Art Contemporain (Paris), San Francisco Museum of Art (San Francisco), Polaroid Collection (Cambridge), MNCARS (Madrid), MACBA, MNAC eta CCCB (Bartzelona). Beste hainbat bilduma pribatutan ere aurki daitezke bere argazkiak.

Formiguerak Pare eta Mare aurkeztu ditu, Cronos proiektuko serie bi. Proiektu honetan 1 eta 75 urte bitarteko 32 modelok parte hartu zuten, eta hamar urtetan zehar argazkilariak erretratu bana egin zien hilero. Denboraren joanari buruzko hausnarketa honek alde bi dauzka: antropologikoa eta artistikoa. Pertsonaien aldaketa zolietaz jabetzeko aukera eskaintzen digu eta aldi berean, giza eduki eta aberastasunez betetako euren begiradei aurre egiten diegu.

Barcelona, 1952. Fotógrafo, teórico, crítico y comisario de exposiciones, Formiguera ha sido miembro del Departamento de Fotografía de la Fundació Joan Miró y actualmente pertenece al Consejo Asesor del Departament de Fotografia del Museu Nacional d’Art de Catalunya. Su obra forma parte de importantes colecciones entre las que cabe destacar The Museum of Modern Art (New York), Fonds Nationaux d’Art Contemporain (Paris), San Francisco Museum of Art (San Francisco), Polaroid Collection (Cambridge), MNCARS (Madrid), MACBA, MNAC, CCCB (Barcelona), además de diversas colecciones privadas.

Presenta Pare y Mare, series que pertenecen a Cronos, proyecto en el que 32 modelos de edades comprendidas entre los 1 y los 75 años posaron ante su cámara cada mes a lo largo de 10 años. La reflexión sobre el paso del tiempo presenta una doble vertiente de carácter antropológico y artístico, lo que nos permite asistir a los sutiles cambios físicos de los personajes y a la vez nos enfrenta a sus miradas cargadas de riqueza y contenido humano.

Barcelona, 1952. Photographer, theorist, critic and curator, Pere Formiguera has been a member of the Photography Department of the Fundació Joan Miró in Barcelona and nowadays is a member of the Advisory Council of the Photography Department in the National Art Museum of Catalonia (MNAC). His work forms part of very important collections, such as The Museum of Modern Art (New York), Fonds Nationaux d’Art Contemporain (Paris), San Francisco Museum of Art (San Francisco), Polaroid Collection (Cambridge), MNCARS (Madrid), MACBA, MNAC, CCCB (Barcelona), and other private collections.

He presents Pare and Mare, a series that belong to Cronos, a project in which 32 models aged between 1 and 75 posed in front of his camera every month, over a 10-year period. This reflection upon the passing of time has a dual character, which is anthropological and at the same time artistic, that enables us to observe the subtle physical changes that the characters have undergone, while we contemplate their gaze, which in itself conveys the very essence of their humanity.

Azoka kanpoan / exterior del Mercado / outside the Market, Algorta. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 21 x 1,30 m

Gijón, Asturias, 1965. La estética del horror bere tesiarekin Arte Ederretan Doktorea da, Sevillako Unibertsitatean. Bere lana makina bat sari eta bekarekin saritu dute. Bere azken erakusketen artean, azpimarragarriak dira 2006ko Veneziako Arkitektura Biurtekoa, Heidelberg-eko (Alemania) Kunstverein-en egindako bakarkako erakusketa edota Seul-eko (Hego Korea) Art Center for Visual and Performing Arts-en egin berri diotena.

Gonzálezen lanean nabarmen geratzen dira espazio pribatu eta publikoaren arteko desberdintasun eza, talde babesa, arkitekturen mugikortasuna; hala nola favelaren zorizko egituraketa. Hirigintza eskasaren gaineko begirada dramatikoa aurkeztu beharrean, Gonzálezek, bere fotomuntaien bidez, txirotasunaren esperientzia basakeriaren kontzeptu positibo berria dela pentsatzera garamatza. Serie hau Arquitetura da sobra: a cidade subexposta proiektuaren jarraipena da, São Paolo eta Rio de Janeiroko favelen barne munduan egindako hainbat urtetako lanaren ondorio.

Gijón, Asturias, 1965. Es Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla con su tesis La estética del horror. Su trabajo ha sido galardonado con numerosos premios y becas. Entre sus últimas exposiciones destacan su participación en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2006, la muestra individual celebrada en el Kunstverein de Heidelberg en 2007 o su reciente muestra en el Art Center for Visual and Performing Arts de Seúl, Corea del Sur, en 2008. La indiferenciación del espacio privado y público, el arropamiento grupal, la movilidad de las arquitecturas, así como la estructuración de la favela, que no se articula

desde un proyecto sino desde la instrumentalización de un reciclaje arquitectural aleatorio, son algunos de los aspectos que destacan en la lectura de su trabajo. Lejos de presentar una mirada dramática sobre un aspecto urbanístico precario, González nos conduce, a través de sus fotomontajes, a pensar en la experiencia de la pobreza como un nuevo concepto positivo de la barbarie. Esta serie es la continuación del proyecto Arquitetura da sobra: a cidade subexposta y el resultado de varios años de trabajo viajando al mundo interior de las favelas de São Paulo y Rio de Janeiro.

Gijón, Asturias, 1965. He is a Doctor in Fine Arts from the University of Sevilla with his thesis La estética del horror. His work has received numerous prizes and scholarships. Amongst his latest exhibitions, his participation in the Biennal of Architecture in Venice, the individual one at the Kunstverein in Heidelberg in 2007 and his recent exhibition at the Art Center for Visual and Performing Arts in Seoul, South Korea, are the most noteworthy.

The fact that it is impossible to differentiate between private and public spaces, the sense of belonging to a group, the mobility of architectures, as well as the structuring of shanty towns, which are not based on a devised architectural plan, but develop wholly at random, are some of the fundamental aspects to be borne in mind when interpreting his work. Far from presenting a dramatic vision of a precarious existence, González, with the aid of his photomontages, forces us to regard the experience of poverty as a new and positive concept of barbarity. This series is the continuation of the project Arquitetura da sobra: a cidade subexposta and the result of several years of work travelling to the inner world of the shanties in São Paulo and Rio de Janeiro.

HELIÓPOLIS I / NOVA HELIÓPOLIS I

Punta Begoña, Arriluze. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 32 x 2 m

Sekondi, Ghana,1958. Bere aita erreportaria izan zen eta berarengandik jaso zuen ogibidea. Argazkilari ibiltari moduan egin zuen lan Boli Kostan 80ko hamarkadaren bukaeran.

Bere erretratuek fantasia dakarte, erretratatuei orokorrean ezin lor dezaketena, gloria momentu batean edukitzeko aukera ematen die: telebistak barra armairuetan, bideo grabagailuak, hozkailuak ondo beteta dituzten sukalde modernoak… dibertigarriak izan daitezkeen tipologiak; baina nahigabe kezkagarriak direnak, bestelako estratu semantikoaren azpian dagoen zorroztasunagatik. Izan ere, mendabalderako joera eta amets tribial eta materialistak sortutako hutsune kulturala erakusten dute.

Talde erakusketa askotan parte hartu izan du Kwame Apagyak, besteak beste: Munich-eko Stadt Museum-ean, Washington-eko Smithsonian Institut-ean, Philadelphia Museum of Art-ean eta Guggenheim Bilbao Museoan.

Sekondi, Ghana, 1958. Aprendió el oficio de su padre, que fue reportero de sucesos, y trabajó como fotógrafo ambulante en Costa de Marfil a finales de los años ochenta.

Sus retratos participan de la fantasía, ofreciendo a sus fotografiados un momento glorioso en el que pueden poseer lo que normalmente les resulta inaccesible: televisores en armarios de barra, grabadores de vídeo, cocinas modernas con frigoríficos bien abastecidos... tipologías que pueden resultarnos divertidas, pero que

STUDIO PORTRAITS

además resultan involuntariamente inquietantes debido a la perspicacia que subyace en otro estrato semántico, ya que estos retratos muestran la tendencia hacia lo occidental y el creciente vacío cultural originado por un sueño trivial y materialista.

Kwame Apagya ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que destacan las que se desarrollaron en el Stadt Museum de Munich, el Smithsonian Institute de Washington, el Philadelphia Museum of Art o el Guggenheim Bilbao Museoa.

Sekondi, Ghana, 1958. He learned his trade from his father, who was a press reporter, and worked as a street photographer in the Ivory Coast at the end of the eighties.

His portraits are part fantasy, offering the photographed people a glorious moment when they can own what normally is inaccessible to them: televisions in cabinets, modern kitchens with well-stocked fridges... Typologies that may seem humorous, but are involuntarily disquieting due to their shrewd, underlying meaning, which highlights the desire for a Western lifestyle and the increasing cultural vacuum at the heart of this trivial and materialistic dream.

Kwame Apagya has taken part in numerous collectiveexhibitions, amongst which the ones at the Stadt Museum of Munich, the Smithsonian Institute of Washington, the Philadelphia Museum of Art and the Guggenheim Bilbao Museum stand out.

Algorta metro geltokia / estación de metro Algorta / Algorta metro station. Backlight, 580 x 237 cm (1), 147 x 238 cm (16)

Santa Fe, Argentina, 1958. Ingenieritza unibertsitate-ikasketak alboratu zituen buru belarri argazkigintzan jarduteko. Bere jaioterria utzi eta Buenos Airesa joan zen, gaur egun ere han bizi da. Bere lana oso bilduma garrantzitsuetan topa daiteke, adibidez: Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), MNCARS (Madril), Musac (Leon), Museum of Fine Arts (Houston), Museo Nacional de Bellas Artes (Caracas) edota Casa de las Américas (La Habana). 2009an Les Rencontres d’Arles jaialdian egiten den Arlesphoto-n ohorezko gonbidatua izango da.

Marcos Lópezen egungo norantza mitoak, ikonoak eta artelan unibertsalak “Hegoaldetik” berdefinitzera dator. Argazki boteretsu honek, baina oraingoan leku eta testuinguru desberdinean, bigarren urtea du GETXOPHOTOn eta Sub-realismo criollo serieko zati da. Lópezen hitzetan: “El Sireno del Río de La Plata azpigarapenaren sirenoa da. Goiz batez Río de La Platako uretan erdi itota azaldu zen. Itsasoaren antza duen bazterrik gabeko ibaian. Amerika mugagabeko urrearen bila joateko konkistatzaileek hartu zuten ibaia. Sirenoa ilusioa da. Azpigarapenaren ur kutsatuetan bizirik irauten duen gizon-arraina”.

Santa Fe, Argentina, 1958. Abandona sus estudios universitarios de Ingeniería para dedicarse por completo a la fotografía, trasladándose a Buenos Aires, donde reside actualmente. Su obra forma parte de colecciones importantes como la del Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), MNCARS (Madrid), Musac (León), Museum of Fine Arts (Houston), Museo Nacional de Bellas Artes (Caracas), Casa de las Américas (La Habana), entre otras. En 2009 será el invitado de honor de Arlesphoto en el marco de Les Rencontres d´Arles. El rumbo actual de su obra apunta a redefinir mitos,

iconos y obras de arte universales desde el “Sur”. Esta poderosa imagen, presentada por segunda vez pero en distinto emplazamiento y contexto durante GETXOPHOTO 08, forma parte de la serie Sub-realismo criollo. En palabras de López: “El Sireno del Río de La Plata es un sireno subdesarrollado. Una metáfora de la periferia. Apareció una mañana medio ahogado en las aguas del Río de La Plata. El río sin orillas que se parece al mar. El río por donde entraron los conquistadores a buscar el oro de la inmensa América. El Sireno es una ilusión. Un hombre pescado que sobrevive en las aguas contaminadas del subdesarrollo.”

Santa Fe, Argentina, 1958. He gave up his Engineering Degree to become a photographer, and moved to Buenos Aires, where he lives now. His work is part of very important collections at the Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), MNCARS (Madrid), Musac (León), Museum of Fine Arts (Houston), Museo Nacional de Bellas Artes (Caracas), Casa de las Américas (La Habana), among others. In 2009 he will be the honorary guest at Les Rencontres d’Arles, within Arlesphoto Festival.

The objective of his present work is the redefinition of myths, icons and universal works of art from the “South”. This powerful image, presented for the second time but in a different location and context during GETXOPHOTO 08, belongs to the series Sub-realismo criollo. In Lopez’s words: “El Sireno del Río de La Plata is an underdeveloped mermaid-man. A metaphor of the outskirts. It turned up one morning in the waters of Río de La Plata. The river without banks that looks like the ocean. The river the conquerors crossed to seek the gold of the vast America. The mermaid-man is an illusion. A fished man who survives in the polluted waters of underdevelopment.”

SIRENO DEL RÍO DE LA PLATA

Portu Zaharreko moila / muelle del Puerto Viejo / quay of the Old Port, Algorta. Biniloa dibond gainean / vinilo sobre dibond / vinyl on dibond, 150 x 300 cm

Puertollano, Ciudad Real, 1966. Madrilgo Eskola izenez ezagutzen zen taldeko Diego Gordilloren ikaslea izan da Maquieira. Beragandik jaso zuen pertsona arruntak apaltasun eta xalotasunez begiratzeko ohitura; hauengana sarritan poesiaz beteriko ikuspuntuaz hurbiltzeko gustua. Berriki talde eta bakarkako erakusketa ugari egin ditu. La Caixa Fundazioaren FotoPres’07 Beka jaso zuen eta Notodofotofest.com Argazkilaritza Lehiaketan bigarren saria irabazi 2007an. Escenarios patagónicos liburua argitaratu zuen 2008an, baita Erroman Espainiako Akademiaren Beka lortu ere.

Ánima-ren bitartez, Maquieirak bizitza eta heriotzaren arteko harreman berezia planteatzen digu, argazkigintza erabiliz bien arteko espazioa erakusteko. Egileak disekatutako animalien alderdirik biziena erakutsi nahi digu argazki ekintzaren bidez. Ekintza hau jendartean erakusten den unean, berez, iraganari dagokion denbora agertzen du, jada ez den denbora, hortaz, heriotzetik hurbil konfiguratzen dena.

Puertollano, Ciudad Real, 1966. Discípulo de Fernando Gordillo, fotógrafo perteneciente a la llamada Escuela de Madrid, Maquieira hereda aquella mirada tan característica que se centra en los sujetos cotidianos vistos desde la sencillez y en la aproximación a ellos desde un punto de vista frecuentemente cargado de poesía. Recientemente ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Además ha recibido la Beca FotoPres’07 de la Fundación La Caixa y el segundo premio del Festival de Fotografía Notodofotofest.com en 2007. En 2008 ha publicado

ÁNIMA

Escenarios patagónicos y obtenido la Beca de la Academia de España en Roma.

En su serie Ánima, Maquieira plantea una especial relación entre vida y muerte, introduciendo a su vez la fotografía como medio para mostrar un espacio entre ambos. Busca expresar el aspecto más vivo de los animales disecados a través de una acción fotográfica que, en el momento de exhibirse al público, ya representa en sí un tiempo que pertenece al pasado, que ya no existe y, por tanto, se configura cercano a la muerte.

Puertollano, Ciudad Real, 1966. A disciple of Fernando Gordillo, Maquieira belongs to the Madrid School. He has developed that special eye which focuses upon everyday subjects and portrays them with an intense, poetic simplicity. He has recently shown his work at several individual and collective exhibitions. Furthermore, he received the scholarship FotoPres’07 from the Fundación La Caixa, and the second prize at the Photography Festival of Notodofest.com in 2007. In 2008 he published Escenarios patagónicos and obtained a scholarship from the Academia de España in Rome.

Through Ánima, Maquieira suggests that there exists a special relationship between life and death, and uses photography as a medium to show the space that lies between them. He tries to express the livelier side of stuffed animals through a photography which, when exhibited to the public, already represents a time that belongs to the past, that does not exist anymore and is therefore close to death.

Getxo Antzokia (antzinako zinema / antiguo cine / old theater). Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 310 x 420 cm (5)

Lima, Peru, 1950. Gaur egun San Jose (Costa Rica) eta Filadelfia (AEB) artean bizi eta lan egiten du. Artista gonbidatu bezala Associate Faculty Master-a da Pensilvaniako Unibertsitatean. Sari eta beka ugari jaso ditu bere lan artistikoagatik. Artista egoiliarra izan zen Bellagion, Rockefeller Fundazioa, 1988an; Pensilvaniako Unibertsitatean 1999an eta La Isla Flotante proiektuan, Queensland, Australia 2001ean. Talde erakusketa askotan hartu izan du parte: Espainia, Costa Rica, Irlanda, Estatu Batuak, Australia, Panama, Kuba eta Perun. Orain dela gutxi bere bakarkako lana erakustera gonbidatu dute Moskuko Arte Garaikideko Museoak eta Costa Ricako Arte Museoak bere 30. urteurrena dela eta.

Bere lanak gorputza eta naturaren artean, eta alderantziz, apropos egindako nahasmenaren gainazal sentsuala aztertzen du. Eszenaratze landuaren bidez eta tratamendu digitala erabiliz, Paredesek gizakiok galdu dugun identitate zatia bilarazten digu: gizakia animalia dela eta naturari dagokiola.

Lima, Perú, 1950. Actualmente vive y trabaja entre San José, Costa Rica, y Filadelfia, EEUU. Es Associate Faculty Master, como artista invitada, de la Universidad de Pensilvania. Ha recibido numerosos reconocimientos, premios y becas por su trabajo artístico. Fue artista residente en Bellagio, Fundación Rockefeller (1998), en la Universidad de Pensilvania (1999) y en el proyecto La Isla Flotante, en Queensland, Australia (2001). Ha participado en varias exposiciones en España, Costa Rica, Irlanda, Estados Unidos, Australia, Panamá, Cuba y Perú. Recientemente ha sido invitada a exhibir su obra

individualmente en el Museo de Arte Moderno de Moscú y en el Museo de Arte de Costa Rica, celebrando los 30 años de creación de este museo.

Su trabajo explora la superficie sensual en la que el cuerpo se confunde deliberadamente con la naturaleza y la naturaleza con el cuerpo. A través de una elaborada puesta en escena y sirviéndose del tratamiento digital, Paredes nos introduce en la búsqueda de una parcela de identidad que el ser humano parece haber olvidado: su condición animal y su pertenencia a la naturaleza.

Lima, Peru, 1950. She lives currently between San José, Costa Rica, and Philadelphia, USA. She is an Associate Faculty Master as guest artist at the University of Pennsylvania. She was a resident artist at Bellagio, Rockefeller Foundation (1998), at the University of Pennsylvania (1999) and at the La Isla Flotante project, in Queensland, Australia (2001). She has taken part in various exhibitions in Spain, Costa Rica, Ireland, United States, Australia, Panama, Cuba and Peru. Recently she was invited to show her work individually at the Museum of Modern Art in Moscow and at the Museum of Art in Costa Rica, to celebrate the 30th anniversary of the museum’s creation.

Her work explores the sensual surface in which the body is deliberately confused with nature and nature with the body. Through an elaborated staging and with the help of digital processing, Paredes involves us in the search for an area of identity that the human being seems to have forgotten: its position as an animal within nature.

ANIMAL DE MI TIEMPO

Herriko Liburutegia / Biblioteca local / local Library & Basagoiti 46, Algorta. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 252 x 232 cm (8), 190 x 370 cm (1)

Buenos Aires, Argentina, 1972. Ingeniaritza Mekaniko ikasketak hasi zituen 1990ean. Argazkigintzarekin harremanetan hasi zen 1994an. Hurrengo urtean argazkigintza publizitariorako hobekuntza ikastaroak egin zituen, eta aldi berean laguntzaile eta argazkilari jardun zuen. Hainbat beka jaso ditu, esaterako: Skopelos Centre of Photography (Grezia), Fundación Antorchas (Argentina) eta Rijkakademie van Beeldende Kunsten-en (Amsterdam) ikasteko UNESCO-Aschberg beka. Buenos Airesko Arte Ederren Museoaren Leonardo Argazki Saria, eta Artearen Kritikoen Elkarte Argentinarraren Saria jaso zituen 2001ean. Bakarkako erakusketak makina bat herrialdetan egin ditu, kasu baterako: Argentina, Belgika, Espainia, Erresuma Batua, Frantzia edota Ameriketako Estatu Batuak.

Pastorinoren formatu panoramikodun lana (GETXOPHOTOn 37 x 1,2 metroko kopia bat erakutsi zuen) berak diseinatu eta egindako kamera batekin sortua da. Giza begia sortzeko gai ez den prozesu optiko-fotografiko baten partaide egiten gaitu; horretarako hiriko espazioan jartzen du arreta, pasatze eta mugikortasunean.

Buenos Aires, Argentina, 1972. En 1990 comienza sus estudios de Ingeniería Mecánica. Toma contacto con el medio fotográfico en 1994 y realiza estudios de perfeccionamiento en fotografía publicitaria en 1995, trabajando paralelamente como asistente y fotógrafo. Ha recibido varias becas como la de Skopelos Centre of Photography (Grecia), la de la Fundación Antorchas (Argentina) y la de UNESCO-Aschberg para realizar la residencia en Rijkakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam. En 2001 recibió el Premio Leonardo de Fotografía otorgado por el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires y el premio Fotógrafo del Año concedido por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. En 2006 recibió el de Mejor Muestra de Fotografía concedido por

la misma asociación. Ha expuesto en forma individual en Argentina, Bélgica, España, Reino Unido, Francia y Estados Unidos, entre otros países.

Su trabajo en formato panorámico (durante GETXOPHOTO exhibió una copia de 37 x 1,2 mts) se realiza con una cámara diseñada y construida por él mismo. Fijando su atención en el espacio urbano y en el registro de fenómenos como el tránsito y la movilidad, el autor nos hace participar en un proceso óptico-fotográfico que el ojo humano no es capaz de recrear.

Buenos Aires, Argentina, 1972. In 1990 he began his studies in Mechanic Engineering. He came into contact with the world of photography in 1994 and took an advanced course in advertising photography in 1995, working at the same time as assistant and photographer. He has received several scholarships, such as the Skopelos Centre of Photography (Greece), Fundación Antorchas (Argentina) and the UNESCO-Aschberg, to spend the residence period at the Rijkakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam. In 2001 he received the Leonardo Award of Photography from the Museum of Fine Arts in Buenos Aires, and the Photographer of the Year award from the Argentine Association of Art Critics. In 2006 he received the Best Photograph award from the same association. He has shown his work individually in Argentina, Belgium, Spain, United Kingdom, France and United States, among others.

His work in panoramic format (during GETXOPHOTO he exhibited a copy of 37 x 1,2 meters) is executed with a camera designed and made by himself. Fixing his attention on the urban landscape and registering phenomena like traffic and mobility, the author makes us take part in an optical-photographic process which the human eye is not able to recreate.

NANJING / MIND YOUR STEP

Areeta metro geltokia / estación de metro Areeta / Areeta metro station. Backlight, 5,8 x 1,8 m (1); Binilo / vinilo / vinyl, 37 x 1,2 m (1)

Argazkilaritza Reus-eko (Katalunia) enbaxadore egin nahian, eta Josep Maria Ribas i Prous-en ezohiko eskuzabaltasunari esker, Zarauzko Photomuseum Argazki eta Zinema Museoak 30 irudi eta 14 egileren aukeraketa aurkeztu zuen. Lan hauek azken mendeko argazkigintza katalana ulertzeko ezinbesteko bilduma osatzen dute eta guztiek badaukate Reus hiriarekin loturarik; argazkigintzaren artean aitzindaria eta eredugarria den hiria hain zuzen ere. Bestetik, kopia guztiak Josep Maria Ribas i Prous entzutetsuak positibatu dituela azpimarratu behar da.

Leopoldo Zugazaren eta Ramón Serrasen ekimenez sortua, 1993an zabaldu zituen ateak Photomuseum-ek. Bertan argazkigintzaren teknika eta artearen bilkaera, eta zinemaren hastapenen berri ematen zaie bisitariei. Euskal Herrrian erakunde paregabea da, museoa, artxibategia, dokumentazio zentroa eta erakusketa aretoa batzen dituen sintesi miresgarri eta baliagarria.

Cumpliendo el propósito de hacer de la fotografía la embajadora de Reus (Cataluña) y gracias a la extraordinaria generosidad del fotógrafo Josep Maria Ribas i Prous, Photomuseum Argazki eta Zinema Museoa de Zarautz presentó en GETXOPHOTO una selección de 30 imágenes de 14 autores, todos ellos ligados a la ciudad de Reus, ciudad pionera y módelica en lo que al arte fotográfico se refiere. Se trata ésta de una colección fundamental para comprender la fotografía catalana del

último siglo. Cabe destacar que todas las copias fueron positivadas por el prestigioso Josep Maria Ribas i Prous.

Photomuseum, creado por iniciativa de Leopoldo Zugaza y Ramón Serras, abrió sus puertas en 1993. Ofrece a sus visitantes el desarrollo de la técnica y arte de la fotografía, así como los orígenes del cine. Es una institución única en el País Vasco, una admirable y útil síntesis de museo, archivo, centro de documentación y sala de exposiciones.

In an attempt to put Reus (Catalonia) firmly on the map with the aid of photography, Photomuseum Argazki eta Zinema Museoa of Zarautz, in close collaboration with the photographer Josep Maria Ribas i Prous, presented a collection of 30 images by 14 artists, all linked to the city of Reus, a pioneering and model city in the art of photography. This is a fundamental collection if one is to understand Catalonian photography in the twentieth century. It is worth noting that all copies were printed by the prestigious photographer Josep Maria Ribas i Prous.

Photomuseum, created by Leopoldo Zugaza and Ramón Serras, opened its doors in 1993. It shows visitors how the art of photography developed, and the origins of cinema. It is a unique institution in the Basque Country, an admirable and useful synthesis of museum, archive, documentation center and exhibition hall.

FOTOGRAFÍA CATALANA DEL SIGLO XX. UNA APROXIMACIÓN

Algortako Kultur Etxea / Aula de Cultura de Algorta / Cultur Centre of Algorta. Zilar gelatina (30) / gelatina de plata (30) / silver gelatin (30)

Heilongjiang, Txina, 1966. Qingsong, Sichuan-eko Arte Ederretako Akademian lizentziatu zen. Bere lana 90eko hamarkadaren erdialdetik aurrera egon da ikusgai mundu osoa zeharkatu duten txinatar argazkilaritzako talde erakusketa handi guztietan.

Txinako gizarte hain kaleidoskopikoan, bere ohiturak eta kultura pairatzen ari diren aldaketei buruzko galderak mahaigaineratzen ditu. Autorearen hitzetan “(....)ekonomiaren garapena Txinaren lehentasun politiko bihurtzen den heinean, herrialdea aldatu da, eta bertako jendea are gehiago. (…) Kapitalismoak, berez nekazaria den herri hau modernizatu du. Bizitza berri honen bikaintasunak laudatzeko antzezpen teknikak erabiltzen ditut, eta kamarari gaur egungo eta benetako istorio ulerkorrak konta dezan uzten diot”.

Romantique mendebaldeko erlijioaren zerua, eta txinatar lorategi pastoral baten arteko lurraldea da. Begirada kritikoa mendebaldeko historian egon den asiar motiboen gabeziari, eta bi zibilizazioek eraikitako utopia zoriontsuei.

Heilongjiang, China, 1966. Licenciado en la Academia de Bellas Artes de Sichuan. Desde mediados de los noventa su obra ha sido incluida en todas las grandes muestras colectivas de fotografía china que han recorrido el mundo.

En una sociedad tan caleidoscópica como la china, su pregunta gira en torno a los cambios que experimentan sus tradiciones y cultura. En palabras del autor “(...) mientras que el desarrollo económico se convierte en la primera prioridad de la política nacional de China, el país ha cambiado y sus gentes han cambiado aún más. (...)

El capitalismo ha modernizado un país esencialmente agrícola. Para cantar las excelencias de esta nueva vida, utilizo técnicas teatrales y permito que la cámara narre historias contemporáneas, verdaderas, comprensibles.”

Romantique es un territorio intermedio entre el cielo de la religión occidental y un jardín pastoral chino. Una mirada crítica a la ausencia de motivos asiáticos en la historia del arte occidental y a las utopías de felicidad construidas desde ambas civilizaciones.

Heilongjiang, China, 1966. He graduated from the Academy of Fine Arts of Sichuan. Since the mid nineties his work has been included in all the great collective exhibitions of Chinese photography that have toured the world.

In such a kaleidoscopic society as the Chinese, he wonders what changes their traditions and culture will undergo. In the words of the author: “(...) while economic development is becoming the first priority of Chinese national policy, the country has changed, and its people have changed even more. (...) Capitalism has modernized an essentially agricultural country. To extol the virtues of this new life I use theater techniques and let the camera tell contemporary stories that are both true and comprehensible.”

Romantique is an intermediate between the heaven of the occidental religion and a Chinese pastoral garden. A critical look at the lack of Asian motives in the history of occidental art and the utopias of happiness built from both civilizations.

Karpa / Carpa / Marquee, Algorta & EITB, Bilbao (euskal telebistaren egoitza / sede de la televisión pública vasca / headquarters of the Basque public television). Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 10 x 2 m

Almeria,1943. Triunfo aldizkarian erredaktore grafikoa izan zen eta Real Sociedad Fotógrafica de Madrid erakundeko batzarkidea. Les Rencontres d’Arles jaialdian komisario lanak ere egin zituen. Nueva Lente aldizkaria hasi zen Ruedaren lana ezagutzera ematen; 70eko hamarkadan abangoardia artistikoaren ordezkari bihurtutako argazki-aldizkaria zen hau, eta Rueda bera izan zen aldizkariaren sortzaile eta zuzendaria.

Bere argazkiek ildo koherentea mantendu dute; izan ere, egileak probokazio etengabean eta iradokitze boterean egindako planteamenduei eutsi izan die. Espainiako argazkigintzan punta-puntakoa dugu, bere teknika zainduagatik eta surrealismotik hurbil dagoen unibertsoa erabili dituelako. Argitaratu dituen liburuen artean hauexek dira aipagarrienak: Mal de ojo (1977), Desatinos (2000), Vidas Privadas (2004) eta Human (2007). Bere lana mundu osoko hamaikatxo hiritan egon da ikusgai, esaterako: Madril, Bartzelona, Sevilla, Granada, Bilbao, Paris, Bruselas, London, Milan, Estokolmo, Harlem, Ginebra, Amsterdam, Narbonne, Belgrado, Montpellier, Essen, Vilnius, Marsella, Tokio edota New York.

Almería, 1943. Ha trabajado como redactor gráfico en la revista Triunfo y ocupado el cargo de vocal en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. También ha sido comisario en Les Rencontres d´Arles. Su trabajo comienza a difundirse a través de Nueva Lente, revista fotográfica convertida, en los años 70, en una representación de la vanguardia artística y de la que fue fundador y director.

Se puede considerar que sus fotografías mantienen una línea muy coherente en cuanto a sus planteamientos de provocación permanente y a su poder de sugestión. Su técnica cuidada y el empleo de un universo próximo al surrealismo le han mantenido en primera línea de la fotografía española. Sus principales libros publicados son Mal de ojo (1977), Desatinos (2000), Vidas Privadas (2004) y Human (2007). Su obra ha sido expuesta en Madrid, Barcelona, Sevilla, Granada, Bilbao, Paris, Bruselas, Roma, Londres, Milán, Estocolmo, Harlem, Ginebra, Amsterdam, Narbonne, Belgrado, Montpellier, Essen, Vilnius, Marsella, Tokio, New York, entre otras.

Almería, 1943. He has worked as a graphic editor for the newspaper Triunfo, and has been an executive member in the Real Sociedad Fotográfica in Madrid. He has also worked as a curator at Les Rencontres d´Arles. His work became known to a wider public through Nueva Lente, a photography magazine he founded and edited, which became representative of the artistic avant-garde in the 70’s.

His images can be considered to follow a very coherent line in their permanent provocation approach and their power of persuasion. His careful technique and style akin to surrealism, have kept him in the avant-garde of Spanish photography. His main published books are Mal de ojo (1977), Desatinos (2000), Vidas Privadas (2004) and Human (2007). His work has been exhibited in Madrid, Barcelona, Sevilla, Granada, Bilbao, Paris, Brussels, Rome, London, Milan, Stockholm, Harlem, Geneva, Amsterdam, Narbonne, Belgrade, Montpellier, Essen, Vilnius, Marseilles, Tokyo, New York, among others.

PEPINO / ASCENSIÓN

Ereagako igogailua / ascensor de Ereaga / Ereaga´s elevator. Binilo / vinilo / vinyl, 464 x 244 cm (1), 170 x 262 cm (1)

Jimena de la Frontera, Cadiz, 1953. 80ko hamarkadan, Madrilen, Movidako pertsonaia anonimoak bere lanaren subjektu bihurtuko ditu. Hamarkada hari belaunaldi errelebua islatu zuten serie birekin eman zion bukaera: Los nuevos pijos (1988) eta Madrid hip hop (1988). Hiri handien kaleak plato gogokoena bezala hartu ditu eta horietan “nazioarteko gaztetasunaren” arrastoak jaso ditu azken 30 urteotan zehar. Bere irudietan estetiken gainean berba egiten du, baina baita konpromisoen gainean ere. Bere lanak gazteen kultura erakusten du, “jarreradun musikaren” (rock, punk, pop, rap, hip hop) bidez gorputza identitate zeinu eta leku batzuk sormenerako gune bihurtu dituen kultura. Berak dioen moduan: “Nire lana hiru hamarkadatako argazkiak batzen ditu eta horregatik gazte bakoitzak estetika desberdina erakusten du. Argazki guztiak kaletarrak dira (...). Orain arte beti leku itxietan erakutsi izan ditut, baina orain [GETXOPHOTOn] kalean daude eta horixe da nire irudientzako lekurik egokiena”.

Miguel Trilloren lana espainiar bilduma publiko, zein pribatu askoren parte da. Bere bibliografian honako lan hauek nabarmentzen dira: Miguel Trillo (1999), Similitudes eta ¡Agüita! (2001) eta Miguel Trillo. Retratos 1990-2000 (2002).

Jimena de la Frontera, Cádiz, 1953. En los 80, instalado en Madrid, convierte a los personajes anónimos de la Movida en el sujeto de su trabajo, finalizando la década con dos series que reflejaron un relevo generacional: Los nuevos pijos (1988) y Madrid hip hop (1988). Ha hecho de las calles de las grandes ciudades su plató favorito, en el que ha ido retratando las huellas de una “internacional juvenil” a lo largo de estos 30 últimos años. En sus imágenes habla de estéticas, pero también de compromisos. Su fotografía refleja una cultura juvenil que a través de una “música con actitud” (rock, punk, rap, pop, hip hop) ha convertido el cuerpo en un signo de identidad y ciertos espacios en territorios creativos.

Como él dice: “Mi trabajo reúne fotografías de tres décadas por lo que cada joven muestra una estética diferente. Todas las fotografías de mi obra son callejeras (…). Hasta ahora siempre las había mostrado en espacios cerrados, pero ahora [durante GETXOPHOTO] están en la calle y ése es el sitio más adecuado para mis imágenes.”

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas españolas. Entre su bibliografía reciente destacan Miguel Trillo en 1999, Similitudes y ¡Agüita! en 2001 y Miguel Trillo. Retratos 1990-2000 en 2002.

Jimena de la Frontera, Cádiz, 1953. In the 80’s, he settled in Madrid and made the Movida’s anonymous characters the subjects of his work, and concluded the decade with two series that captured the generational change: Los nuevos pijos (1988) and Madrid hip hop (1988). He has transformed the streets of large cities into his favourite stage, where he has photographed the musical trends of international youth over the last 30 years. Through his images he discusses aesthetics as well as commitments. His photography reflects a young international culture, a culture that through the rock, punk, hip hop, pop, or rap, has turned the body into a sign of identity and certain spaces into creative spaces. As he says: “My work includes photographs from three decades, so each young person has different aesthetics. All the photographs in my work were taken in the street (...). Up to now I have always exhibited them in closed spaces, but now [during GETXOPHOTO] they are on the streets, and that is the most suitable place for my images.”

His work forms part of important public and private Spanish collections. Among his recent bibliography we would highlight Miguel Trillo in 1999, Similitudes and ¡Agüita! in 2001 and Miguel Trillo. Retratos 1990-2000 in 2002.

ESTÉTICAS JUVENILES. TRES DÉCADAS

Basagoiti eta Euskal Herria kaleetako dendetako erakusleihoak / escaparates de comercios de las calles Euskal Herria y Basagoiti / shop windows of Basagoiti and Euskal Herria streets, Algorta. Binilo / vinilo / vinyl, 40 x 60 (34), 180 x 160 cm (1)

Oruro, Bolivia, 1959. Sei hilabete zituenetik Madrilen bizi da. Arte zuzendari eta publizitate-kreatiboa da, eta aldi berean sormen lanak egiten ditu, argazkilaritza eta margolaritza jorratuz. Madrileko EFTI eskolan hasi zuen argazkigintza-hezkuntza 2005ean. Lotz-eko (Polonia) Arte Eskolako Erakusketarako aukeratu zuten eta Notodofotofest.com argazki lehiaketan finalista izan zen 2007an.

“Miguel Tejeroren Lugares de Paso hauek gure garaian eraiki dugun paisaia idealean barneratzen dira. (...) Hain direnez errealak, espazio onirikoak ematen dute eta munduaren denboraz kanpoko irudia sortzen dute. Paisaia hauek begiratzean, lehenago ikusiak ditugula sentitzen dugu, beste garai batean, beste amets batean. (...) Intenporalitate horren alboan misterio ezkutua dago, gertatzear dagoen zerbait, gu harritzeko zorian dagoena, eta ikusleak garen neurrian mintzen gaituena; gure igarotze iheskorrak misterioaren arrastoa sumatzen uzten digu, baina ez misterioa bera argitzen”. Carmen Dalmau

Oruro, Bolivia, 1959. Reside en Madrid desde los seis meses de edad. Compagina su labor de director de arte y creativo publicitario con su trabajo de autor tanto en fotografía como en pintura. En 2005 comienza un periodo de formación fotográfica en la escuela EFTI de Madrid. En 2007 fue seleccionado para la exposición Escuela de Arte de Lotz (Polonia) y fue finalista del concurso fotográfico Notodofotofest.com.

“Estos Lugares de Paso de Miguel Tejero penetran en el paisaje ideal que hemos construido en nuestra época. (…) Son espacios que devienen en espacios oníricos de tan

angustiosamente reales, creando una imagen intemporal del mundo. Al contemplar estos paisajes tenemos la sensación de ya haberlos visto antes, en otro tiempo, en otro sueño. (…). Junto a esa intemporalidad, y a esa desolación carente de toda fe y esperanza, son espacios en los que hay latente un misterio, algo está a punto de suceder, de sorprendernos, lo que como espectadores nos lacera con un profundo dolor; porque nuestro paso fugaz nos permite percibir la huella del misterio pero no desvelarlo.” Carmen Dalmau

Oruro, Bolivia, 1959. He has lived in Madrid since he was six months old. He combines his work as an art director and advertising creative with his work as a photographer and painter. In 2005 he started a training course at the EFTI photography school in Madrid. In 2007 he was selected for the Lotz Art School exhibition (Poland) and was one of the finalists in the photography contest Notodofotofest.com.

“Miguel Tejero’s Lugares de Paso analyse the ideal landscape we have created in our times. (...) They are so distressingly real spaces that become dream-like and create a timeless image of the world. When we look upon these landscapes we have a feeling we have seen them before, at other times, in another dream (...). Together with their timelessness, and their desolation devoid of faith and hope, these are landscapes which contain a latent mystery, something that is about to happen, to surprise us, which to us as spectators, causes us extreme discomfort, because our brief passing allows us to sense the presence of a mystery but does not reveal it.”Carmen Dalmau

LUGARES DE PASO

Karpa / Carpa / Marquee, Algorta. Frontlit lona / lona frontlit / frontlit canvas, 150 x 75 cm (5)

Donostia, Euskal Herria, 1980. Madrilgo EFTI argazkigintza eskolan egin zuen Masterra; egungo espainiar argazkigintzako maisu garrantzitsuenen eskutik hainbat tailerretan ikasitakoa.

Ez da ohikoa itsasoa guztion muga bezala ulertzea. Itsasoa bakoitzak bere lursail pribatuan gordetzen du, baita miretsi ere; gehiegizko hitz eta deskripziorik gabe. Lan gatza da mugagabea partitzea, ezin hartuzkoa zatitzea eta betierekoa banatzea. (Borja Verea)

Mar serieari buruz egileak dioena: “… eta orduan bera, ihesaldiaren zeruertza, askatasun gomuta, indarrez hartu, zentzua, narotasuna eta magia galduz; gizakiaren kezkak, desioak, beldurrak gordetzeko gai den espazio bihurtzeko”.

Donostia - San Sebastián, País Vasco, 1980. Realiza el Master de Fotografía en la escuela EFTI de Madrid, recibiendo talleres de las figuras más representativas de la fotografía actual española.

No es habitual la interpretación del mar como frontera común. Al mar cada uno lo esconde en su parcela privada y lo admira egoístamente sin demasiadas palabras ni descripciones. Tarea difícil compartir lo inmenso, dividir lo inabarcable o repartirse lo eterno. (Borja Verea).

Sobre su serie Mar la autora escribe: “... y entonces ella, horizonte de evasión, evocación de libertad, resulta invadida, perdiendo su sentido, su serenidad y su magia, para convertirse en un espacio capaz de albergar, sin distinción ni exclusión, las inquietudes, deseos, temores del ser humano.”

Donostia - San Sebastián, the Basque Country, 1980. She completed a Master in Photography at the EFTI school of Madrid and participated in workshops organised by the most representative figures of Spanish photography.

The interpretation of the sea as a common frontier is unusual. Everyone hides the sea in their own personal world and admires it selfishly, with few words or descriptions. It is a hard work to share something that is huge, to divide something that is boundless or share something that is eternal. (Borja Verea).

About her series Mar the author says: “… and then the sea, the horizon of evasion, evocation of liberty, is invaded, loses its meaning, its serenity and its magic, to become a space that contains, without distinction or exclusion, the interests, the wishes, the fears of the human being.”

MAR

Karpa / Carpa / Marquee, Algorta. 5 C-Print, 70 x 70 cm

Eskuz margotutako hondoa eta formatu handiko plakadun bere kamera zaharra baliatuz, estudio ibiltaria ipini zuen Osama Esid-ek San Nikolas frontoian bi egunez. Dozenaka lagun erretratatu zituen han Esid-ek, gero argazkiak oparitu zizkien. Argazki hauetako batzuekin erakusketa egin zen ondoren.Babesle berezia: Eusko Jaurlaritzako Inmigrazio Zuzendaritza

Valiéndose de un fondo pintado a mano y de su antigua cámara de placas de gran formato, Osama Esid instaló su estudio ambulante en el frontón de San Nikolas durante dos días. Por allí pasaron varias docenas de personas a las que Esid retrató y después obsequió con copias. Con una selección de éstas se realizó una exposición.Patrocinio especial: Dirección de Inmigración del Gobierno Vasco

Using a hand-painted backdrop and his old large-format sheet camera, Osama Esid installed his travelling studio for two days in the frontón in San Nikolas. Dozens of people were photographed by Esid, who later gave them a copy. An exhibition was held with a selection of these images.Special sponsor: Basque Government’s Inmigration Service

Jaialdiaren lehenengo lau egunetan GETXOPHOTO Karpa ipintzen da hiriaren erdigunean. Guztira 200 metro koadro betetzen dituzte jarduera eta erakusketa-guneek. Bertan aurki zitezkeen: informazio gunea; egile berrien erakusketak, aurten Andrea Sendón eta Miguel Tejeroren lanak; GETXOPHOTOk egindako Post It proiektuaren postal dibertigarrien erakusketa; liburu-denda gonbidatuak, aurten Cámara eta Anti Liburudenda, eta BBK Fundazioaren argitalpenak. Atsedenerako gunea ere bazegoen eta bertan Aux Magazine, Freek!, UK Aldizkaria, Ladinamo eta The Balde, Jaialdiaren laguntzaile diren kultur aldizkariak zeuden irakurgai.

Iaz bezala, irudi enblematiko erraldoi bat eseki zen Karpan. Iaz leku hori Marcos Lopez-en Asado en Mendiolaza lan ederrak bete bazuen ere, aurten Txinako Wang Qingsong sortzaile ospetsuaren Romantique lan ikaragarriaren txanda izan da.

Durante los primeros cuatro días del Festival se instala la Carpa GETXOPHOTO en el centro de la ciudad. Son 200 mts cuadrados conformados por varias zonas de actividades y exhibiciones, entre las cuales destaca el punto de información; la zona de exhibiciones de autores emergentes con los trabajos de Andrea Sendón y Miguel Tejero; la exposición de las postales resultantes de Post It, proyecto ideado por GETXOPHOTO; el espacio dedicado a las librerías invitadas como Cámara, Anti Liburudenda y el fondo editorial de la Fundación BBK y la zona de descanso y ocio con las revistas Aux Magazine, Freek!, UK Aldizkaria, Ladinamo y The Balde, publicaciones culturales colaboradoras del Festival.

Como el año pasado, la Carpa fue presidida por una obra emblemática en gran formato. Si en 2007 ocupó ese lugar Asado en Mendiolaza de Marcos López, este año ha sido el turno de la imponente Romantique, obra del reconocido autor chino Wang Qingsong.

During the first four days of the Festival, the GETXOPHOTO Marquee was installed in the center of the town. Different activities and exhibitions occupied a space of 200 square meters among which were the GETXOPHOTO information point; the new artists’ exhibition area, showing work by Andrea Sendón and Miguel Tejero; exhibition of postcards made by Post It, a project conceived by GETXOPHOTO; an area for the invited bookshops - Cámara and Anti Liburudenda - and the publishers Fundación BBK; and the rest and leisure area where people could read and take some cultural magazines that have participated in the Festival: Aux Magazine, Freek!, UK Aldizkaria, Ladinamo and The Balde.

As was the case in the first edition, a large-format emblematic work dominated the Marquee. Last year this work was Marcos López’s Asado en Mendiolaza, and this time the impressive Romantique, by the famous Chinese author Wang Qingsong.

GETXOPHOTOk proiekzioak egin zituen kalean. Irailaren 11n eta 13an, Gerardo Custancek antolatuta eta Emulsión Sur jaialdiaren laguntzaz lan hauek ikusi ahal izan ziren San Nikolas frontoian: Rato de metro, Luis Baylón; Miércoles desmemoriados, Alfredo Cáliz; El muro de Europa, Sergi Cámara; La caza del lobo congelado, Ricardo Cases; Drifting London, Gerardo Custance; ¿Qué pasa tronko?, Roberto Feijoo eta José Gómez; Chernobyl, life that claims from dead, Lourdes Segade eta I love you, Ernesto Villalba. Hauez gain honako beste lan hauek ere ikusi ziren: Miradas interiores, Kolektibo Garage Lux (Adolfo Pérez, Iñaki Izquierdo, Santi Ayuso, Jorge López); Parada gay de São Paulo, Iatã Cannabrava eta Pop Latino, Marcos López.Laguntzailea: AZ, Antolaketa eta Zerbitzuak

GETXOPHOTO vuelve a presentar proyecciones al aire libre. El 11 y 13 de septiembre en el frontón de San Nikolas, de la mano de Gerardo Custance y con la colaboración del festival Emulsión Sur, estuvieron presentes Luis Baylón con Rato de metro; Alfredo Cáliz con Miércoles desmemoriados; Sergi Cámara con El muro de Europa; Ricardo Cases con La caza del lobo congelado; Gerardo Custance con Drifting London; Roberto Feijoo y José Gómez con ¿Qué pasa tronko?, Lourdes Segade con Chernobyl, life that claims from dead; Ernesto Villalba con I love you. También se pudieron ver las obras Miradas interiores del Kolektibo Garage Lux (Adolfo Pérez, Iñaki Izquierdo, Santi Ayuso, Jorge López), Parada gay de São Paulo de Iatã Cannabrava y el especial Pop Latino de Marcos López.Colabora: AZ, Antolaketa eta Zerbitzuak

GETXOPHOTO presented again some outdoor projections. On September 11th and 13th, in the frontón in San Nikolas, the following works were projected with the help of Gerardo Custance and the festival Emulsión Sur: Rato de metro by Luis Baylón; Miércoles desmemoriados by Alfredo Cáliz; El muro de Europa by Sergi Cámara; La caza del lobo congelado by Ricardo Cases; Drifting London by Gerardo Custance; ¿Qué pasa tronko? by Roberto Feijoo and José Gómez; Chernobyl, life that claims from dead by Lourdes Segade; I love you by Ernesto Villalba. Besides these, Miradas interiores by the Kolektibo Garage Lux (Adolfo Pérez, Iñaki Izquierdo, Santi Ayuso, Jorge López), Parada gay de São Paulo by Iatã Cannabrava and the special Pop Latino by Marcos López.Collaborator: AZ, Antolaketa eta Zerbitzuak

Bertsolariak hitzetik hortzera asmatu behar ditu bertsoak, doinuari segituz, errimak errespetatuz eta proposatu zaion gaia landuz. Ahozko tradizio zahar hau eta argazkilaritza uztartzen ditu Bertsophoto formatu berriak. Peio Unzurrunzagaren gidaritzapean, Andoni Egaña, Jexus Mari Irazu eta Jon Maia puntako bertsolariek GETXOPHOTOn erakutsitako irudien irakurketa pertsonala eta abestua eskaini zuten. Laguntzailea: AZ, Getxoko Udaleko Euskara Zerbitzua

Los bertsolaris improvisan bertsos cantados respetando tanto la rima y la melodía como el tema prefijado. Uniendo esta antiquísima tradición oral vasca con lo fotográfico, surge el nuevo formato Bertsophoto. Guiados por Peio Unzurrunzaga, los bertsolaris Andoni Egaña, Jexus Mari Irazu y Jon Maia ofrecieron su propia lectura cantada de algunas imágenes que formaron parte de la programación de GETXOPHOTO.Colabora: AZ, Servicio de Euskara del Ayuntamiento de Getxo

The bertsolaris improvise rhyming songs on a given theme. Combining this ancient Basque oral tradition with photography, the new format Bertsophoto was created. Led by Peio Unzurrunzaga, the bertsolaris Andoni Egaña, Jexus Mari Irazu and Jon Maia offered their own vocal interpretation of certain images that formed part of the GETXOPHOTO programme.Collaborator: AZ, Getxo City Hall’s Basque Service

Hilabete batez eta etengabeko emanaldian, La puerta abierta serie dokumentala eskaini zen, Taller de Imagen-ek (Getxo) eta Euskal Telebistak koproduzitutako serie bikaina.Argazkilaritzari buruzko seriea da, argazkilaritza ikus-hizkuntza bezala ulertuta. Serieak argazkilaritza ikuslearengana hurbiltzea du helburu. Nahiz eta gure bizitzetan etengabeko presentzia izan, funtsean ezezaguna da medio hau. Abiapuntua argia da: argazkilaritza errealitatearen erreprodukzio fidela baino gehiago da. Argazkigintzaren jaiotza eta testuinguru historikoa eta argazkilari handien iritizi eta gogoetak dira lan hau egituratzen duten gaiak. Seriea 13 kapituluk osatzen dute.

A lo largo de un mes y en sesión continua se programó La puerta abierta, serie documental de referencia coproducida por el Taller de Imagen (Getxo) y Euskal Telebista. La puerta abierta es una serie sobre la fotografía entendida como lenguaje visual. Trata de acercar al espectador este medio que, aún teniendo una continua presencia en nuestras vidas, es desconocido en su esencia. El punto de partida es claro: la fotografía es algo más que una fiel reproducción de la realidad. Nacimiento y ubicación histórica, opiniones de grandes fotógrafos y sus reflexiones acerca de este medio, son los temas que vertebran el conjunto de este trabajo. Se compone de 13 capítulos.

La puerta abierta was programmed during a month, and on continuous showing. It is a renowned documental series, coproduced by Taller de Imagen (Getxo) and Euskal Telebista. La puerta abierta is a series about photography, understanding it as a visual language. It aims to approach the spectator to a medium –photography- which even having a constant presence in our lives is essentially unknown. The point of departure is clear: photography is more than an accurate reproduction of reality. Birth and historical location, opinions from great photographers and their reflections about this medium are the issues that structure this work. It consists of 13 chapters.

Deialdi ireki baten bitartez argazkilari profesional zein zaletuei euren 10 argazkirik onenak eskatu zitzaizkien, gero proiekzio handia antolatzeko. Edonork bere lanak Jaialdian erakusteko leihoa zen hau. 100 lanetik gora jaso ziren eta aldez aurretik editatu ostean, eta ikusle mordoaren aurrean, herriko frontoian pantaila erraldoian proiektatu ziren guztiak.Babeslea: Foto Samar / Laguntzailea: AZ

A través una convocatoria abierta se pidió a profesionales y aficionados que enviasen sus 10 mejores fotografías para participar en una gran proyección popular: una sencilla manera de que cualquier persona pudiese exhibir sus fotografías en el Festival. Se recibieron más de 100 trabajos que, previamente editados, se proyectaron en pantalla gigante en el frontón de la ciudad con gran afluencia de público.Patrocina: Foto Samar / Colabora: AZ

We offered an open invitation to professionals and amateurs alike to send us their 10 best images and take part in a huge popular exhibition: as a result everyone had the chance to show their photos at the Festival. More than 100 works were received, and after being edited they were all projected on a huge screen in the city’s frontón, to the delight of a large audience.Sponsor: Foto Samar / Collaborator: AZ

Helburua Jaialdiko ikusleak parte hartzera eta argazkiak ateratzera bultzatzea zen. Ariketa: GETXOPHOTOren 2008ko edizioaren edukia, espiritua eta giroa iruditan ahalik eta hobekien islatzea. Epaimahaiak Aitor Ortiz argazkilari ospetsua izan zuen buru. Hodei Torresek serierik onenaren saria eskuratu zuen eta Peru Isasik argazkirik onenarena (orrialde honetan).Babeslea: Foto Samar

El objetivo fue invitar al público espectador y participante del Festival a hacer imágenes que mejor reflejasen el contenido, espíritu y ambiente de la edición 2008 de GETXOPHOTO. El jurado de este Primer Concurso Fotográfico estuvo presidido por el destacado fotógrafo Aitor Ortiz. Hodei Torres ganó el premio a la mejor serie y Peru Isasi se hizo con el premio a la mejor fotografía (en esta página).Patrocina: Foto Samar

The aim was to invite spectators and participants of the Festival to take pictures that could best reflect the content, nature and atmosphere of the 2008 edition of GETXOPHOTO. The jury of this First Photography Contest was chaired by the distinguished photographer Aitor Ortiz. Hodei Torres won the prize for the best series and Peru Isasi received the prize for the best photograph (in this page).Sponsor: Foto Samar

Pep Bonet-ek, Noor agentziako kide sortzaile eta argazkilari entzutesuak, bere ezagutza partitu zuen argazkilari-talde handi batekin. Parte-hartzaileen lana aztertzeaz gain, bere argazki erreferentzien berri eman zuen eta argazkilari izatearen zailtasunez mintzatu zen: erronkak eta motibazioa izatearen garrantzia, etika eta subjektibitatea, eta nola hazi daitekeen norbera pertsona moduan argazkilaritzaren bidez.Laguntzailea: High Tech Tamarises

El reconocido fotógrafo y miembro fundador de la agencia Noor, Pep Bonet, compartió sus conocimientos con un nutrido grupo de fotógrafos. Además de revisar el trabajo de los participantes, Bonet mostró su propio trabajo, compartió sus referencias fotográficas y habló sobre las dificultades de ser fotógrafo: la importancia de tener retos y motivación, la ética y la subjetividad, y cómo uno puede crecer como persona a través de la fotografía.Colabora: High Tech Tamarises

Pep Bonet, the well-known photographer and founder of the Noor agency, shared his knowledge with a large group of professional photographers. Apart from reviewing participants’ work, Bonet showed his own work, shared his photographic influences and spoke about the difficulties involved in being a photographer: the importance of having challenges and motivation, ethics and subjectivity, and how one can grow as a person through photography.Collaborator: High Tech Tamarises

Jaialdiak iraun zuen hilabete osoan zehar bisitaldi gidatu irekiak antolatu ziren. Antolakuntzak hezitako Arte Ederretako ikasleen gidaritzapean oinez zein txirrindulaz erakusketa guztiak ikusteko txangoak egin ziren eta horietan egilei, lanei eta lanen kokapanei buruzko azalpenak eman zituzten gidariek. Eskualdeko ikastetxeetako ikasleekin eta Guggenheim Bilbao Museoko Lagunekin ere bisitaldi ugari egin ziren.Laguntzailea: Camper / Laguntza berezia: Euskal Herriko

Unibertsitateko Arte Ederretako Fakultatea

Durante todo el mes se estableció un programa de visitas guiadas abiertas al público en general. A pie y en bicicleta se recorrieron las diferentes exposiciones acompañados de estudiantes de Bellas Artes, formados por la organización, que ofrecían información acerca de las obras, su ubicación y sus autores. También se organizaron varias visitas con alumnos de centros educativos de nuestro entorno, así como con los Amigos del Museo Guggenheim Bilbao.Colabora: Camper / Colaboración especial: Facultad de Bellas

Artes de la Universidad del País Vasco

During the whole month a guided visit program open to all members of the public was established. Participants went round the different exhibitions, on foot and by bicycle, accompanied by Fine Arts students who had been trained by the organization and who offered information about the works, their location and their authors. There were also some special visits such as those organized in collaboration with some educational institutions, or those for the Members of the Guggenheim Bilbao Museum.Collaborator: Camper / Special collaborator: Faculty of Fine Arts,

University of the Basque Country

Chroma-keya. Argazkilaria. Bideo ekipoa. Hondo dibertigarriak. Zirkuitu bat: egin zure postala. Pos It telebista eta argazki-estudio ibiltariaren arteko hibridoa da; parte-hartzaileek eurak inguratzen dituen espazioa zalantzan jartzea helburu daukan gailu ludikoa. Parte-hartzaileek katalogo batean elkarri eragiteko, eta argazki bat ateratzeko hondoa aukeratzen dute. Hondo hauek egoera eta testuinguru bakoitzerako prestatzen dira. Chroma-key teknika errazaren bitartez egoera hori bizi ahal izango dute parte-hartzaileek, argazkilariak erretratu bat aterako die eta ondoren postala ia zuzenean inprimatuko da.

POST IT esperientziak 20081. geldialdia: BBK Getxo Folk. Bezeroa: Getxoko Udaleko Inmigrazio Zerbitzua. Helburua: herriko jatorri eta kulturen aniztasuna erakustea.2. geldialdia: Guggenheim Bilbao Museoaren Lagunentzako Ate Irekiak Eguna. Bezeroa: Guggenheim Bilbao Museoa. Helburua: irudi baten bitartez Museoaren Lagunak museoarekin eta bere bildumarekin daukaten harremana pertsonalizatzea.

Un chroma key. Un fotógrafo. Un equipo de vídeo. Unos fondos divertidos. Un circuito: haz tu propia postal. Post It es un híbrido entre plató de televisión y estudio fotográfico ambulante, un dispositivo lúdico cuyo objetivo es hacer que los participantes cuestionen su entorno y el espacio que les rodea. Los participantes eligen sobre catálogo (adaptado para cada ocasión y contexto) el fondo sobre el que quieren interactuar y ser retratados. La sencilla técnica del chroma-key les permite vivir esa situación que el fotógrafo se encarga de registrar antes de imprimir las postales, prácticamente, en tiempo real.

Experiencias POST IT 20081º parada: BBK Getxo Folk. Cliente: Servicio de Inmigración del Ayuntamiento de Getxo. Objetivo: reflejar la diversidad de orígenes y culturas en el municipio.2º parada: Jornada de Puertas Abiertas para los Amigos del Museo Guggenheim Bilbao. Cliente: Museo Guggenheim Bilbao. Objetivo: personalizar a través de una imagen la relación de los Amigos del Museo con el propio museo y su colección.

Chroma key. A photographer. Video equipment. A few amusing backgrounds. An itinerary: make your own postcard. Post It is a combination of a television set and a travelling photographic studio, an entertaining activity that aims to make participants more aware of their surroundings and the world around them. The participants choose from a catalogue (adapted for the occasion and context) the background with which they would like to interact and be photographed. The chroma key’s simple technique lets them experience the situation that the photographer captures before printing the postcards practically in real time.

POST IT experiences 20081st stop: BBK Getxo Folk. Client: Getxo City Council, Immigration Service. Aim: to reflect the diversity of origins and cultures in the municipality.2nd stop: Open Doors Day for the Members of the Guggenheim Bilbao Museum. Client: Guggenheim Bilbao Museum. Aim: to personalize through an image the relationship between the Members of the Museum and the museum itself and its collection.

Erakusketak egiteko ohikoak ez diren euskarriak bilatuz, GETXOPHOTO beste diziplina batzuetako kideekin elkarlanean formatu eta egiturak ikertzen eta sortzen hasi da. Limako carrito sangucheroak eta zirku zaharretako karpak inspirazio iturritzat harturik, José Bauer arkitektoak GETXOPHOTOrako Galeria Higikor hau diseinatu eta egin zuen. Egitura bilgarri eta eroangarria da, bere baitan 70x50cm-ko 20 iruditako erakusketa har dezakeena.

En la búsqueda de soportes expositivos no convencionales, GETXOPHOTO comienza a investigar y producir formatos y estructuras elaboradas en colaboración con artistas provenientes de otras disciplinas. Inspirados en los carritos sangucheros limeños y en las carpas de circos antiguos, el arquitecto José Bauer ha diseñado y ha construido para GETXOPHOTO esta Galería Móvil. Se trata de una estructura plegable y transportable capaz de albergar exposiciones de hasta 20 imágenes de 70x50 cms.

In the search for non-conventional exhibition media, GETXOPHOTO began to investigate and produce formats and structures made with the collaboration of artists from other disciplines. Inspired by the sandwich trolleys from Lima and ancient circus’ big tops, the architect Jose Bauer designed and built this Mobile Gallery for GETXOPHOTO. It is a folding and transportable structure that can hold up to 20 images of 70x50 cm.

GETXOPHOTOren programazioaren zati handia espazio publikoan erakusteko sortua da; horretarako, argazkien euskarri bezala bereizmen handian inprimatutako lona bereziak erabiltzen dira. Jaialdia amaitutakoan, material honetan inprimatutako irudiak birziklatzen dira, horiekin artikulu berezi eta bakarrak sortuz: zorroak, amantalak, poltsak edota mahai-oihaltxoak. Artikulu hauek lana aurkitzeko zailtasunak dituzten pertsonak berriro gizarteratzeko eta birziklapena bultzatzen duten erakundeek egiten dituzte. Irabaziak ATFAL Getxo Pro-Sáhara elkarteari ematen zaizkio. Dirua irabazteko asmorik gabeko proiektu soziala da hau, Jaialdian parte hartzen duten egileen inplikazio eta konplizitaterik gabe aurrera atera ezinezkoa.

Merchandising hau Berlin, New York, Madril eta Bilbon saldu izan da Skunk Funk dendetan eta Getxon, House Dream-en. Gaur egun Guggenheim Bilbao Museoko dendan aurki daiteke.

Gran parte de la programación de GETXOPHOTO se concibe para el espacio público y se utilizan lonas especiales impresas en alta resolución como soporte para las fotografías. Las imágenes impresas en este material son recicladas y con ellas se crean piezas únicas debido a su procendencia y elaboración: bolsos, salvamanteles, delantales o estuches realizados con retazos de las fotografías expuestas. La manufactura corre a cargo de organizaciones dedicadas al reciclaje y a la reinserción sociolaboral de personas con dificultades de acceso al trabajo. Los beneficios obtenidos por la venta de estos artículos se destinan a la Asociación Getxo Pro-Sáhara, ATFAL. Se trata por tanto de un proyecto de marcado carácter social y sin ánimo de lucro para el que es fundamental la implicación y complicidad de los autores participantes en el Festival.

Este merchandising se ha vendido en Berlín, New York, Madrid y Bilbao de la mano de Skunkfunk, y en Getxo, de House Dream. Actualmente se vende en la Tienda del Museo Guggenheim Bilbao.

Most of the works selected for GETXOPHOTO are exhibited in public spaces and therefore we use special canvas to print the photographs in high resolution. These images are recycled after the Festival, and with them we create unique articles in terms of their origin and production: bags, place mats, aprons or pencil cases are made from pieces of the exhibited photographs. These objects are manufactured by organizations that specialize in recycling and employ people who have difficulty gaining access to the labour market. The profits obtained with the sale of these articles is donated to the association Getxo Pro-Sáhara, ATFAL. This is therefore a social and non-profit making project for which the active support of the artists who take part in the Festival is fundamental.

We have sold this merchandising in Berlin, New York, Madrid and Bilbao thanks to Skunkfunk, and in Getxo, thanks to House Dream. Currently it is available at the Guggenheim Bilbao Museum’s shop.

Jaialdia bera sortzerakoan GETXOPHOTOren ikuste-nortasuna oinarrizko zutabeetako bat izan da. Horregatik, hastapenetik kalitatezko nortasun grafikoaren aldeko apostua egin genuen. Bai 2008koa, bai Jaialdiaren irudi osoa BARFUTURA estudioaren sorkuntza izan da, segituan aintzat hartua izan den lana; izan ere, Estokolmon 2008ko maiatzean ospatutako European Design Awards-etan Brand Logo mailan saritu zuten GETXOPHOTOren logotipoa.

La identidad visual de GETXOPHOTO es uno los pilares fundamentales de la concepción del Festival. Por ello, desde sus inicios se ha apostado por una identidad gráfica de calidad. Tanto la relativa a la edición 2008 como toda la imagen del Festival ha sido obra del estudio BARFUTURA, un excelente trabajo que no ha tardado en ser reconocido y valorado: el logotipo GETXOPHOTO fue premiado en la categoría Brand Logo en los European Design Awards 2008, celebrados en Estocolmo en mayo del mismo año.

GETXOPHOTO’s visual identity is one of the fundamental pillars of the Festival. That is why, from the beginning, we have sought a high quality graphic identity. This edition’s image as well as the whole Festival’s image have been developed by the studio BARFUTURA, whose excellent work has already been acknowledged: GETXOPHOTO’s logo received a prize in the category of Brand Logo in the European Design Awards 2008 in Stockholm.

GETXOPHOTO biran joan zen urriaren akabuan eta Euskal Herriko Unibertsitatean, honen laguntza eta konplizitatearekin, Jaialdiaren 2008ko edizioan ikusi ziren bost egileren erakusketak aurkeztu zituen: Philip Kwame Apagya, Sammy Baloji, Dionisio González, Cecilia Paredes eta Fernando Maquieira. Aldi berean, Arte Ederretako Fakultatean Jaialdiaren komisarioak, Alejandro Castellotek, Idiomas y dialectos izeneko mintegia eman zuen. Europan eta Ipar Amerikan sortutako ikus-paradigmei zeharkako begiratua egin ostean, “hizkuntza bakar” honi aurre egiteko alternatiba periferian sortutako “dialektoak” direla azaldu zuen.Babeslea : Euskal Herriko Unibertsitatea

GETXOPHOTO salió de gira a finales de octubre y presentó en la Universidad del País Vasco, con su decidida colaboración y complicidad, la obra de cinco autores cuyo trabajo se vio en la edición 2008 del Festival: Philip Kwame Apagya, Sammy Baloji, Dionisio González, Cecilia Paredes y Fernando Maquieira. Asimismo, el comisario del Festival, Alejandro Castellote, dictó en la Facultad de Bellas Artes el seminario Idiomas y dialectos, una mirada transversal a los paradigmas visuales generados en Europa y Norteamérica y la alternativa a esta “lengua única” a través de los “dialectos” surgidos en la periferia. Patrocina: Universidad del País Vasco

GETXOPHOTO went on tour at the end of october and presented at the University of the Basque Country, with its determined collaboration and complicity, the work of five artists who had exhibited at the 2008 edition of the Festival: Philip Kwame Apagya, Sammy Baloji, Dionisio González, Cecilia Paredes and Fernando Maquieira. Furthermore, the curator of the Festival, Alejandro Castellote, taught the seminar Idiomas y dialectos in the Faculty of Fine Arts, a transverse look at the paradigms created in Europa and North America and the alternative to this “only language” through the “dialects” emerged in the outskirts.Sponsor: University of the Basque Country

gogoratu / recuerda / save the date

10/09/09 - 11/10/09

CAMPER_MEMGETXOPHOTO_DOUBLE_FI.pdf 1 12/01/09 12:43

BILDUMA IRAUNKORRAInstalazioak II: bideoa guggenheim bildumetan > 2009ko martxoak 3–2010

Pribatutik publikora: guggenheim bildumak > 2009ko ekainak 30–2010

arte-programazioa

CAI GUO-QIANG: Sinetsi nahi dut > 2009ko martxoak 17–irailak 6

© MURAKAMI > 2009ko otsailak 17–maiatzak 31

FRANK LLOYD WRIGHT > 2009ko urriak 6–2010

COLECCIÓN PERMANENTEInstalaciones II: vídeo en las colecciones guggenheim > 3 marzo, 2009–2010

De lo privado a lo público: las colecciones guggenheim > 30 junio, 2009–2010

programación artística

CAI GUO-QIANG: Quiero creer > 17 marzo–6 septiembre, 2009

© MURAKAMI > 17 febrero–31 mayo, 2009

FRANK LLOYD WRIGHT > 6 octubre, 2009–2010

PROG getxoarte.indd 1 9/1/09 13:21:33

STAFF

Antolatzailea / Organiza / Organizer Begihandi

Lanen aukeraketa / Comisariado / Curator Alejandro Castellote Zuzendaritza / Dirección / Direction Jokin Aspuru

Instalazioak / Instalaciones / Installations Asier Mentxaka

Koordinazio orokorra / Coordinación general / General coordination Lucía Janto

Produkzioa / Producción / Production Jone Zubiaga

Aretoen muntaia / Montaje salas / Exhibition halls’ staging Iñigo Arostegi

Bideo edizioa / Edición vídeo / Video editing Aitor Gisasola, Guillermo Almagiá

Sukaldariak / Cocineros / Cooks Antton Alcocer, Xabi Legina, Txoko Bidebitarte

Lantaldea / Equipo colaborador / Collaborators Zuriñe Martínez, Eukene Olague, Gorka Garate, Asier Rodríguez, Jabi Berasaluze, Hodei Torres, Guillermo García - Alfageme, Inés Bermejo, Garbiñe Irizar, Pilar Saiz

Produkzio grafikoa eta muntaiak / Producción gráfica y montaje / Graphic production and staging Cartel, Ingenio y Fotografía

Diseinua / Diseño / Design BARFUTURA

Komunikazioa / Comunicación / Communication Simple Comunicación

Webaren programazioa / Programación web / Web programminglagolfa

Itzulpenak / Traducciones / Translations Ziortza Vega (euskara) / María Climent (english)

MEMORIA 2008

Testuak / Textos / Texts Begihandi, Alejandro Castellote

Argazkiak / Fotografías / Photographs Elena Barrueta, Txetxu Berruezo, Garbiñe Irizar, Juan Luis Markaida, Asier Mentxaka, Richars Meza, Hodei Torres, Jon Bernardez, Gonzalo Azumendi, Peru Isasi, Leyre Victoriano

Itzulpenak / Traducciones / Translations Jokin Aspuru, Ziortza Vega (euskara) / Jone Zubiaga, Fergus Scott, Javier Muro (english)

Diseinua / Diseño / Design BARFUTURA

GETXOPHOTO Begihandiren produkzioa da. GETXOPHOTO es una producción de Begihandi. GETXOPHOTO is a production by Begihandi

© Testuen eta irudien egileena / de los autores de textos e imágenes / texts and images´Edizio honetako eskubide guztiak erreserbatuak / reservados todos los derechos de esta edición / all rights of this edition reserved

ISBN 978-84-612-7718-6Lege Gordailua / Depósito Legal / Legal Deposit BI-3741-08

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© GETXOPHOTO

Alfredo Aldai; Asier Amezaga; Unai Amezaga; Joxi Arakama; Itxaso Ardanza; Urtzi Arriaga; Carlos Ayestarán; Patxi Azpillaga; Urko Balziskueta; José Bauer; Marcos Bretos; Luis Carral; Manu Castilla; Celia de Juan; Ana de la Cal; Jon Elorriaga; Joseba Gallastegi; Eugenio Gandiaga; Alicia Glera; Juan Gómez; Diego González; Julio Ibarra; Koldo Iturbe; Zuberoa Iturburu; Jeru; La Pipi; Ekain Larrinaga; Gorka Lasa; Arantza Lauzirika; Nanou Le Bodo; Manuel López; Joxean Llorente; Roberto Marro; Gorka Martínez; Oskar Martínez; Ana Mielgo; Morotxo; Maitane Nerekan; Aitor Ortiz; Irantzu Sagarminaga; Txontxe; Iosune Uriarte; Iñigo Zuazo; Roberto Zubiaga; Abad Diseño y Arquitectura; Algortako Azoka; Algortako Bertsolari Eskola - ALBE; Arrantzale Taberna; Bilboko Portua / Autoridad Portuaria de Bilbao / Bilbao Port; Bideon; Euskal Herria eta Basagoiti kaleetako dendak eta tabernak / comercios y bares de las calles Euskal Herria y Basagoiti / shops and pubs in Euskal Herria and Basagoiti streets; Eroski Artea; Extremiana; Irudi Taldea; Portu Zaharreko eta Basagoiti 46ko auzokideak / vecinos del Puerto Viejo y Basagoiti 46 / neighbours from the Old Port and Basagoiti 46; Casino de Algorta; Inmobiliaria Maidane; Segema; Revista Foto

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