gestohlene perlen - classicdisc.de

Gestohlene Perlen

Werke von Alberto Ginastera, Robert Schumann, Franz Schubert, George Geshwin, Ernest Bloch, Dmitry Schostakowitsch, Sergej Rachmaninow, Giovanni Bottesini

Oyster Duo:Nicholas Schwartz, KontrabaßAnna Fedorova, Klavier

Channel Classics CCS43121, PC: CF, VÖ: 5.5.2021, 723385431213

In diesem Programm reisen zwei Musiker kreuz und quer durch zwei Jahrhunderte und sechsLänder auf der Suche nach melodiösen Juwelen. Edelsteine, die in Wirklichkeit zum Besitzeines anderen gehören. Denn hier hören wir den Riesen der Streichinstrumente, denKontrabass, der Appetit auf das melodiöse und virtuose Repertoire seiner kleinerenGeschwister, der Geige, der Bratsche und des Cellos hat. Allerdings kann auch derKontrabass überzeugend singen und die waghalsigsten Eskapaden angehen! Und dabeitaucht er aus jenen niedrigen und verborgenen Orchestertiefen auf, in denen ernormalerweise sein Dasein fristen muss. Für diese Aufnahme sind der Kontrabass und seintreuer Freund, das Klavier, viel gereist und haben eine reiche Beute musikalischerEntdeckungen mit nach Hause gebracht, „gestohlene Edelsteine“ aus dem neunzehnten undzwanzigsten Jahrhundert. Aus Argentinien, Deutschland, Österreich, den USA, Russland undItalien. „Unserer Meinung nach ist der Kontrabass ein unglaublich stimmliches Instrument, dasähnlich dem Cello in seinem Ausdruck der menschlichen Stimme Konkurrenz macht. Mitseinen unglaublich langen Saiten hat der Bass eine Sprachkraft, die (in sensiblen Händen)direkt mit dem Hörer spricht. Seine satten Klangfarben passen zu einer Vielzahl vonMusikstilen aus der ganzen Welt. Wenn Sie dieses Album anhören, hoffen wir, dass dieErfahrung Ihre Wahrnehmung des Kontrabasses verändert und Sie zu schätzen lernen, wiediese „Perlen“ des Repertoires in einem neuen Licht erstrahlen!“ (Schwartz & Fedorova)

Carl Philipp Emanuel Bach

Die Solo-Klavierwerke vol. 40: Transkriptionen

Miklós Spányi, Cembalo

BIS BIS-CD-2387, PC: CE, VÖ: 5.5.2021, 7318590023877

Diese CD enthält Soloklavier-Arrangements von Werken Bachs, die ursprünglich für andereInstrumente geschrieben wurden. In der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts stiegdie Nachfrage nach Klaviermusik rasch an, da musikalische Fähigkeiten für junge Damen derOberschicht zunehmend zum erwarteten Bildungsstandard gehörten. Die Bereitstellung vonKompositionen für diese neuen Klavierspielerinnen war finanziell rentabel, aber Bach hatteauch einen anderen Grund, Arrangements zu schaffen: Die Tasteninstrumente waren seinLieblingsmedium, und er widmete sich der Werbung für das Cembalo, das Clavichord oderden Hammerflügel, weil er sie für genauso wichtig hielt wie die Violine und andereMelodieinstrumente.Die achtzehn kurzen Stücke auf dieser gut gefüllten CD existieren alle in Versionen fürverschiedene Instrumente oder in einigen Fällen für mechanische Instrumente wie dieDrehorgel. Miklós Spányi hat sie um drei größere Werke gruppiert, von denen zweiArrangements von Symphonien sind, während das Konzert in F-Dur eine Originalkompositionsein kann: Es gibt eine Version für Klavier und Orchester, die ist aber möglicherweise einespätere Ausarbeitung. Bei einigen Arrangements ist ungewiss, wer sie vorgenommen hat -einige von ihnen überlebten nur in Sammlungen von Bachs Bewunderern. In seinenEinführungen zur CD nimmt Spányi jedoch an, dass es sich tatsächlich um dieOriginalversionen handeln könnte, da er eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit Bachsanderen, unbestreitbar echten kleinen Klavierstücken sieht.

Georg Friedrich Händel

Sechs Concerti grossi op. 3

Van Diemen‘s Band, Martin Gester

BIS BIS-SACD-2079, PC: CD, VÖ: 5.5.2021, 7318599920795

Was wir als Händels „Opus 3“ kennen, ist höchstwahrscheinlich kaum mehr als ein dreisterVersuch des Londoner Verlegers John Walsh, schnell Geld zu verdienen. 1715 hatte Walsheine nicht lizenzierte Ausgabe von Corellis 12 Concerti Grossi op. 6 verlegt, die sich alssofortiger Erfolg erwies und ihn ständig auf der Suche nach ähnlichen GelegenheitenAusschau halten ließ. Fast 20 Jahre später stellte Walsh, vielleicht in dem Wissen, dass derkönigliche Schutz für Händels Werke bald abläuft, ein Set von sechs Orchesterstücken füreine größere Anzahl von Instrumenten zusammen. Er stellte ihnen eine völlig irreführendeTitelseite voran - basierend auf Corellis stilbestimmender Sammlung - und bewarb sie alsHändels „Opera Terza“.Wahrscheinlich hat Händel nie an der Auswahl und Zusammenstellung der einzelnen Sätzemitgewirkt, obwohl er möglicherweise an den Überarbeitungen beteiligt war, dievorgenommen wurden, als einige Jahre später ein Nachdruck erforderlich wurde. Aus sechsQuellen ausgewählt, bilden die sechs Konzerte sicherlich keinen organischen Kreislauf -völliger Gegensatz zu den späteren Concerti Grossi op. 6, die Händel sorgfältig als Setkonzipiert hat. Es bleibt die Tatsache, dass Opus 3 einige von Händels beliebtestenMusikstücken enthält, in Instrumentalkombinationen, die farbenfroh und oft unerwartetsind - Aspekte, die Martin Gester und seine Musiker in der tasmanischen Band Van Diemen’sBand optimal nutzen.

Violinkonzerte

Ludwig van Beethoven: Konzert D-Dur op. 61Alfred Schnittke: Konzert Nr. 3

Vadim Gluzman, ViolineLuzerner Sinfonieorchester, James Gaffigan


Nach gefeierten Aufnahmen der großen romantischen Violinkonzerte von Brahms, Bruchund Tschaikowsky nimmt Vadim Gluzman das Werk auf, das zu Beginn des 19. Jahrhundertseinen neuen Standard für das Genre setzte: Beethovens Violinkonzert in D-Dur, op. 61. Mitdieser Arbeit lehnte Beethoven die Konzeption eines virtuosen Vortragsstücks mit einerweitgehend irrelevanten Orchesterbegleitung ab. Stattdessen präsentierte er einesymphonische Neuinterpretation des barocken Concerto, wo Solist und Orchestergleichberechtigte Partner in einer Textur wurden, die auf vielen Ebenen miteinanderverwoben ist. Nach der Uraufführung im Jahr 1806 mehrere Jahrzehnte lang weitgehendvergessen, gilt es heute als eines der größten Violinkonzerte.So innovativ Beethoven auch in seinem op. 61 war: er blieb der Tradition treu, dem Solistenmehrere Kadenzen zu erlauben. Im Laufe der Jahre haben eine Reihe von Komponisten undgroßen Geigenvirtuosen ihre eigenen Kadenzen für das Konzert vorgeschlagen, wobei AlfredSchnittke einer der unerwarteteren Namen ist. Für diese Aufnahme hat Gluzman SchnittkesKadenzen als Überleitung zum zweiten Werk auf der SACD genommen: dem SchnittkesKonzert Nr. 3 für Violine und Kammerorchester. Schnittke fasst die Beziehung zwischen Solistund Orchester ganz anders auf als Beethoven: „Es scheint mir, dass diese Beziehung niemalsharmonisch gerecht und ausgewogen ist ... Der Solist und das Orchester sind tatsächlichGegner.“ James Gaffigan und das Luzerner Sinfonieorchester unterstützen Gluzman dennochunermüdlich in beiden Werken.

Joris Roelofs (*1984): Rope Dance

Beware the buffoon!; Sweet Superman; Rope Dancer; Off Balance u.a.

Bram van Sambeck, FagottJoris Roelofs, Bassklarinette und KlarinetteBram de Looze, KlavierClemens van der Freen, KontrabassMartijn Vink, Schlagzeug


Der preisgekrönte niederländische Komponist und Bassklarinettist Joris Roelofs arbeitetderzeit an einer Doktorarbeit über Friedrich Nietzsche, Improvisation und den Begriff derFreiheit. Auf dem Album Rope Dance kann er all dies in einer Reihe von zwölf Stückenkombinieren, die von Nietzsche inspiriert sind - laut Roelofs „mit Abstand der musikalischstealler Philosophen“. Es ist besonders das Gleichnis vom Seilwanderer im Eröffnungsabschnittvon „Also sprach Zarathustra“, das ihn zu seiner eigenen „Leichtfüßigen Musik für alle undniemand“ inspiriert hat.Es ist nicht verwunderlich, dass Nietzsches Gedanken über freie Geister, befreit vonkonventionellen Zwängen und Glaubenssystemen, besonders gut bei Musikern ankommen,die mit Improvisation und über Genres hinweg arbeiten. Roelofs konnte daher eine Gruppevielseitiger Kollegen aus der Benelux-Jazzszene zusammenbringen, um seine Musik zuspielen: den Pianisten Bram de Looze, den Bassisten Clemens van der Feen und Martijn Vinkam Schlagzeug. Das Album bestätigt auch die facettenreichen Talente des Fagottisten Bramvan Sambeek nach früheren Aufnahmen klassischer, vorromantischer und zeitgenössischerKonzerte auf BIS sowie Hardrock-Nummern mit der Gruppe ORBI (Oscillating Revenge of theBackground Instruments).

Camille Saint-Saëns: Symphonien

Symphonie Nr. 1 Es-Dur op. 2Symphonie Nr. 2 a-Moll op. 55Symphonie A-Dur (1850)

Orchestre Philharmonique Royal de Liège, Jean-Jacques Kantorow


Camille Saint-Saëns war unglaublich begabt und trat 1848 im Alter von 13 Jahren in dasPariser Konservatorium ein. Dort entdeckte er die Symphonien der großen deutschen undösterreichischen Komponisten und begann sich bald selbst in diesem Genre zu versuchen.Die Sinfonie in A-Dur stammt aus dieser Zeit, und obwohl sie höchstwahrscheinlich zuLebzeiten nie aufgeführt wurde, zeigt sie sein außergewöhnliches Talent in vollen Zügen. Nurein paar Jahre später, 1853, reichte Saint-Saëns seinen zweiten Versuch bei einer derKonzertgesellschaften der Hauptstadt ein, eine Symphonie zu schreiben. Von Berlioz undGounod gelobt, wurde die Sinfonie Nr. 1 in Es-Dur zur Aufführung angenommen und kurzdarauf als op. 2 des Komponisten veröffentlicht. Klassisch in ihrer Form ist sie ein Beispiel fürdie typische Klarheit von Saint-Saëns und zeigt schon die Lyrik, die später ein Markenzeichenseiner Musik werden sollte, in den beiden zentralen Sätzen.In den späten 1850er Jahren war Saint-Saëns trotz seiner Jugend bereits gut etabliert:Zusätzlich zu seiner Tätigkeit als virtuoser Pianist war er zum Organisten von La Madeleine inParis ernannt worden. Er komponierte in kurzer Zeit seine Sinfonie Nr. 2 in a-Moll: von Julibis September 1859. Die Orchestrierung ist transparent, und der erste Satz enthält –ungewöhnlich – eine Fuge für drei Stimmen. Prägnant und stets erfinderisch entfernt sichdas Werk von den Wiener Vorbildern, die Saint-Saëns so sehr bewundert hat, und enthältein Finale, das an die Tarantella in Mendelssohns „italienischer“ Symphonie erinnert. Dievorliegende SACD ist die erste von zwei, die den Symphonien von Saint-Saëns gewidmet sindund vom Orchestre Philharmonique Royal de Liège und Jean-Jacques Kantorow zum 100.Todesjahr des Komponisten aufgenommen wurde.

La clarinette parisienne

Werke von Debussy, Widor, Saint-Saëns, Messager, Rabaud, Poulenc

Michael Collins, KlarinetteNoriko Ogawa, Klavier


Bis um 1900 wurde das Klarinettenrepertoire von Musik aus dem deutschsprachigen Raumdominiert, vor allem aufgrund des Einflusses von drei herausragenden Klarinettisten.Inspiriert von Anton Stadler, Heinrich Bärmann und Richard Mühlfeld komponierten Mozart,Weber und Brahms einige der besten Klarinettenwerke, die jemals geschrieben wurden. Vorallem nach der Niederlage im Deutsch-Französischen Krieg von 1870 bis 1871 befasste sichdas französische Kulturinstitut zunehmend mit der Pflege eines eigenen Nationalstils, undMichael Collins‘ Neuerscheinung erinnert daran.Die hier aufgenommenen Werke stammen alle aus den letzten Jahren des 19. Jahrhundertsund danach, und es fällt auf, dass vier von ihnen (Debussy, Widor, Messager und Rabaud) alsWettbewerbsstücke für das Pariser Konservatorium geschrieben wurden - die Institution, dieeine entscheidende Rolle bei der Gestaltung des französischen Musiklebens spielte. Aberobwohl sie zu Bildungszwecken in Auftrag gegeben wurden, haben sie nichts Akademischesan sich: Von Debussys verführerischer Rhapsodie bis zu Messagers unbeschwertem,brillantem Solo de Concours haben sie stattdessen eine bestimmte französische - vielleichtsogar Pariser - Qualität. Dies gilt auch für die Klarinettensonate von Saint-Saëns, die imletzten Jahr seines Lebens komponiert wurde, aber voller Charme und höfischer Ironie ist.Den Abschluss bilden zwei Werke aus Anfang und Schluss von Francis Poulenckünstlerischem Schaffen. Während die kurze Sonate für zwei Klarinetten aus dem Jahr 1918purer und frecher Spaß ist, ist die Sonate für Klarinette und Klavier von 1962 emotionalwidersprüchlicher, was schon die Tempobezeichnung des ersten Satzes zeigt: Allegrotristamente. Collins wird von Noriko Ogawa unterstützt, die ein besonderes Faible fürfranzösischen Repertoire hat. Sérgio Pires gastiert in Poulencs Klarinettenduo.

Claudio Monteverdi (1567-1643)

L‘Orfeo. Favola in musica

Linderoth, Hellgren, Nonbo Andersen, Forsström, Zander, Riis, Aberg, Bruun, ErikssonEnsemble LundabarockHöör BarockEnsemble AltapuntaFredrik Malmberg

BIS BIS-SACD-2519, PC: EC (2 SACD), VÖ: 5.5.2021, 7318599925196

„L’Orfeo“ von Claudio Monteverdi (1567–1643) wird oft als erste Oper beschrieben. DerKomponist selbst verwendete jedoch einen anderen Begriff für sein Werk: „Favola inMusica“, eine musikalische Geschichte. Ausgehend davon legen die Darsteller dervorliegenden Aufnahme den Schwerpunkt auf die direkte Erzählung des Librettos unddarauf, wie die Musik allein dazu verwendet wird, Emotionen auszudrücken, eine Musik, diedie Handlung und den Text Wort für Wort untermauert. Um die Einführung zu zitieren: „Fürdie Moderne ist das musikalische Erbe von L‘Orfeo mehr in der Liedtradition zu finden als inder großen Oper des neunzehnten Jahrhunderts.“Die Geschichte von Monteverdi und den Mitgliedern der drei Ensembles, die seine Partiturzum Leben erwecken, ist die von Orpheus, dem Dichter und Musiker, der in die Unterweltreist, um Hades davon zu überzeugen, seine geliebte Eurydike zu den Lebendenzurückkehren zu lassen. Unter der Leitung von Fredrik Malmberg und mit Johan Linderoth alsOrfeo interpretieren die 38 Sänger und Musiker der Ensembles Lundabarock, Höör Barockund Altapunta eine Partitur, die 1607 absolute Avantgarde war. Vier volle Jahrhunderte nachder Uraufführung in Mantua bleibt sie fast schockierend modern, wie im Klang von Cornettiund Posaunen, die die Geister der Unterwelt hervorrufen, oder in der Darstellung vonexistentiellem, rohem Kummer in Orfeos berühmter Arie „Possente Spirto“.

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