EL PIANO Y EL ROMANTICISMO 1-Descripción
2-Cronología
3-Características
4-Formas
5-Compositores
6-Beethoven como figura de transición
7-Música de Cámara en el Romanticismo
8-El piano romántico
9-La técnica pianística
10-Evolución del piano
11-Postromanticismos y Nacionalismos Musicales
HISTORIA DE LA MÚSICA
MANUEL ANTONIO POLO CABEZAS
1-El Romanticismo es un periodo de la música que va desde 1820 hasta
principios del siglo XX. Le precede el Clasicismo y después del
Romanticismo llegó el Impresionismo.
Engloba toda la música escrita concordando con las normas y las formas
de dicho periodo.
Los artistas románticos buscan nuevas formas de expresión que les
permitan dar rienda suelta a su impulso creador, cansados del
perfeccionismo formal del Clasicismo. El impulso de la sangre del artista
romántico se rige por la siguiente consigna: librarse de lo convencional.
Anhelan la libertad. Los artistas se independizan de los mecenas y van a
crear obras para un público que suele quererle pero le cuesta
comprenderle.
Dos sentimientos que se corresponden a dos actitudes románticas: el
entusiasmo y la quietud. A dos sujetos, el del yo y el de nosotros. A dos
miradas, ahcia el pasado y hacia el futuro. A la nostalgia y al anhelo.
El subjetivismo artístico, la intimidad romántica, desnudan al yo y le
ofrecen una nueva manera de apreciar el mundo. La imitación ya no es la
regla a seguir, sino que pretenden cambiarla. El sentimiento y la
imaginación desbordarán la mímesis y arroparán para entender el arte
como expresión.
Los logros románticos en pensamiento, en arte, en política, se leen en
clave de revolución. La Revolución Francesa incitaba y desvelaba un
proyecto moderno, la abolición de los absolutismos, el nacimiento de una
burguesía con capacidad para liderar un proyecto político y la esperanza
puesta en unos derechos, los del ser humano, que debían reconocerse y
cambiar el rumbo de la Humanidad.
El proyecto romántico ser erige con ese ritmo obstinado que nace ya en el
siglo ilustrado y que se encarnará en los literatos, artistas y pensadores
del SturmundDrang,. Un proyecto que sustituirá la concepción de la
Naturaleza desde el punto de vista de una física mecanicista a una
organicista.
La creación de un mundo ideal, conocido como mundo poético, le permite
al romántico deslizarse por los límites del o, por los límites del lenguaje,
por los límites dela consciencia yla inconsciencia, por los límites de la
racional y lo irracional. La iracionalidad aparece en escena. Lo sublime
supera a lo bello. El hombre pretende entender el mundo y actuar en él
desde lo artístico y lo estético. Las artes gozan de la mejor salud en el
Romanticismo.
La música se ensalza en este momento como el más sublime de todas las
artes, por ser un lenguaje universal y por ser el lenguaje de los
sentimientos. Y su separación del arte que había reinado anteriormente, la
poesía, marcará las pautas de la relación de la música con la palabra.
Desde 1770 hasta 1900 aproximadamente se experimenta una notable
presencia de la creatividad musical en todos los órdenes. Cabe señalar que
el considerar la música como algo sagrado se debe al nacimiento del
concierto como tal, abierto a un público, oyente, consciente de que la
ocasión para escuchar música era un momento privilegiado para que el
músico pudiera dar a conocer su obra, su creatividad y su virtuosismo. La
conciencia de compositor se consolidad en el Romanticismmo. La
desaparición del mecenazgo y de la proliferación de asociaciones
musicales y festivales ayuda al asentamiento de esa consciencia. Y con ello
la relación de la obra con el tiempo, en la que el autor compone para el
presente y futuro ( importante labor realizada por Liszt al dar conciertos
de piano por toda Europa, en pro de la difusión de la música).
Es en ese contexto cuando la música instrumental experimenta uno de los
momentos más ricos y polémicos de su historia: los que abogan por la
música pura, por un lado, y los que creen y crean la música programática,
por otro. Pero también cuando la música vocal crea un género muy
especial de la mano de Schubert, el Lied, y cuando la ópera celebra sus
más reconocidos logros, tanto por los músicos italianos como
especialmente por el gran proyecto wagneriano.
Los rasgos más definitorios de la música romántica se fraguan en ese
contexto, en el de los idealismos de Schelling, Hegel y Schopenhauer y en
el del materialismo que se enraiza fuertemente en 1848 o la Revolución
de la primavera de las naciones ( en pleno nacimiento de los
nacionalismos, aspecto que en música se traducirá en la recuperación de
lo auténtico, lo popular, lo folklórico), entre lo trascendente y lo
inmanente se enzarza la esencia de la música romántica, una música que
aspira a lo infinito y a lo finito a la vez, que se compone de extensas
secciones, que pueden desarrollarse dentro de un mismo esquema rítmico
ininterrumpido, que llega a encantar y a seducir o a crear formas
musicales nuevas más breves, más concisas, con una incuestionable fuerza
titánica. Una fuerza que encuentra en el virtuosismo la fusión de la doble
dimensión del arte: el dominio de la técnica y la manifestación expresiva
del sentimiento en este sentido, es necesario reconocer la conquista de
las cotas más altas del dominio de la técnica y de la expresividad a uno de
los virtuosos por excelencia del Romanticismo, al violinista, violista y
guitarrista Niccolo Paganini.
Volviendo a lo que se buscaba en esta época, los compositores anhelaban
la exaltación de las pasiones en todas sus obras.
Está relacionado con el Romanticismo de otras artes (Literatura, Bellas
Artes y Filosofía), habiendo pequeñas diferencias en el tiempo.
La música en el Romanticismo intentaba expresasar emoción, sentimiento
e intuición.
Fue parte de un movimiento cultural más amplio en Europa.
Características como el individualismo, la subjetividad emocional, el
nacionalismo, la falta de ataduras, el anhelo de lo inalcanzable, la afinidad
con la naturaleza, el pensamiento hacia tiempos y lugares remotos, lo
extraño, lo misterioso y sobrenatural.
Se le suele considerar lo opuesto al Clasicismo (racional-emocional)
Romántico viene de romance, forma literaria medieval escrita en lengua
romance y que trataba de temas de la historia o leyendas clásicas.
El Romanticismo primero emergió en la literatura, inspirado por la
literatura de orientación medieval de los escritores ingleses.
En la música se ven los ideales de libertad de la Revolución Francesa, se
exaltan las pasiones, se intenta implicar al oyente emocionalmente.
El Romanticismo propiamente dicho
comienza en Alemania, con el
movimiento SturmundDrang.
En la música, las tendencias románticas
fueron presentes a través del período
Clásico, en el estilo Pre-Cláscio y en
alguna obra apasionada de Mozart como
la sinfonía número 40, y en el estilo heroico de Beethoven.
Las composiciones vocales vienen a menos, aunque Brahms y
Mendelssohn lograron efectos armónicos y cromáticos en el estilo a
capella.
En la ópera, las formas del Barroco y el Clasicismo se tienden a mezclar,
romper y relajar. Los castrati desaparecieron y los tenores adquirieron
roles más heróicos. Muchos compositores, en el segunda mitad del siglo
XIX, escribieron música nacionalista en cuanto a temática y ritmo.
En esta etapa, la orquesta se amplía y las obras sinfónicas se hacen más
largas. También se desarrolla la importancia del instrumentista virtuoso
(ejemplos: Paganini al violín y Liszt al piano).
El piano fue el instrumento más utilizado, el instrumento del
Romanticismo,con gran importancia de las emociones y la expresividad.
En la música instrumental su herencia principal fue la sonata. Se convirtió
en experimento de nuevos estilos y en interfaz entre el artista y su
creación. El piano generó una literatura propia, que se fue difereniando
del clave o el órgano, con nuevas sonoridades y posibilidades.
Instrumentos que aparecen en la época romántica: saxofón, contrafagot,
corno inglés y tuba.
2-CRONOLOGÍA
El Romanticismo bebe de las fuentes del SturmundDrang, viniendo de la
parte literaria influenciada por Shakespeare, el folclore y Homero.
-Primeros compositores (1815-1850):
hubo un cambio estilístico palpable
debido al uso acentuado del cromatismo y la necesidad de más
expresividad armónica.
Beethoven, Louis Spohr, Hoffmann, von Weber y Schubert crecieron en
medio de la dramática expansión de la vida concertística.
Había gran demanda de composiciones para voz y piano de temas
populares por parte de un creciente mercado de hogares de clase media.
Liszt, Mendelssohn, Chopin y Berlioz nacieron en el siglo XIX y fueron
precoces en la producción de gran valor.
Fue muy amplia la popularidad que alcanzó los conciertos para piano.
-Romanticismo tardío (1850-1870):
en esta tendencia se llevan las características del Romanticismo a niveles
más exagerado. En esta época el telégrafo y las vías ferroviarias unieron
más Europa, se formalizó el nacionalismo.
El incremento de la educaci´no musical creó un público más amplio para la
música para piano y los conciertos de música más sofisticados.
Se fundaron conservatorio y las universidades abrieron sus puertas al
estudio de carreras estables como profesor de música. Todo ello
contribuyó al crecimiento de las composiciones.
-Post-romanticismo (1870-1949):
esta época se diferencia por la exuberancia orquestal y el gran desarrollo
sinfónico. El cromatismo se intensificó. La melancolía es característica,
caracterizada por la pérdida de la cultura romántica. Compositores
representativos :Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler y Richard Strauss.
-El músico romántico:
con Beethoven se inició un período en el que se componía obras sin que
nadie las encargara, de cara al futuro. Se convirtió en el modelo del
movimiento romántico por su actitud ante la sociedad y el mundo.
-Romanticismo en el siglo XX:
en este periodo utilizaron formas que estaban en conexión con la era
musical previa (Rachmaninoff, Puccini, Strauss, Atterberg).
Muchos compositores modernistas, en sus inicios, escribieron obras de
estilo romántico (Stravinsky, Schoenberg, Bartók).
Vaughan Williams, Korngold, Goldschmidt y Prokófiev continuaron este
género más allá de 1950.
3-Características del Romanticismo:
1) Melodía: sirve a menudo para expresar deseos insatifechos. El estilo
melódico es más emocional y efusivo. Las frases son más largas,
irregulares y construidas lentamente para alcanzar un clímax más
sostenido. El rango de las melodías es más amplio, y después de 1850
pueden ser muy cromáticas.
2) Armonía y tonalidad: grandes cambios. El sistema tonal sigue siendo
base de la armonía pero los compositores conciben la tonalidad como un
medio de conseguir conmovedores efectos emocionales personales. Las
modulaciones a tonalidades lejanas se hicieron frecuentes.
3) Ritmo: fue muy explotado con intenciones expresivas, empleando gran
variedad de patrones rítmicos, frecuentes cambios de métrica y tempo
dentro de un mismo movimiento. El tempo se hace más flexible, con la
técnica del rubato, dependiendo de la expresión que la música demandara
(accelerandos y ritardandos).
4) Dinámica: hay mayor contraste dinámico, desde pppp (pianíssimo) a ffff
(fortíssimo).
5) Textura: predomina la homofonía, aunque el contrapunto jugó un papel
importante. La textura también se caracteriza por el incremento en la
riqueza del sonido. Se prefiere un sonido más lleno, orquestaciones
densas y armonías más complejas que las sonoridades “transparentes” del
Clasicismo.
6) Forma:siguen siendo las que prevalecieron durante el Clasicismo, pero
de manera más libre, con demarcaciones menos claras entre secciones y
movimientos, alterando la estructura para que sea más subjetiva.
Los compositores exploraron interrelaciones temáticas dentro y entre
movimientos a un grado mayor que antes, utilizando la escritura cíclica y
otras maneras más sutiles de alcanzar unidad.
7) Color: los compositores le dieron importancia al color tanta como a la
melodía o a la armonía. Lo usaron para obtener gran variedad de estados
de ánimo y efectos.
Se compuso sobre todo para piano, con un concepto más orquestal,
tratando sonoridades grandes y llenas, por medio de grandes acordes y
mayores distancias entre registros.
También se utiliza más el pedal. Aparecen nuevos géneros musicales para
piano como solista, atrayendo un público numeroso a las salas de
conciertos (la “pieza de carácter” sobresale con aspectos como el
nacionalismo, la afinidad con la literatura, la fantasía y el exotismo).
Este término se aplica a un tipo de composición corta del siglo XIX para
piano, cuyo fin es expresar un estado de ánimo particular, estilo o alguna
idea extramusical.
Los principales títulos usados para estas piezas de carácter son: Hoja de
álbum, Fantasía, Bagatelle, Impromptu, Intermezzo, Momento Musical,
Novelette, Preludio, Rapsodia, Romanza, Scherzo, Canción sin palabras.
El concierto para piano y orquesta alcanza una gran importancia y se
convierte en obras de gran resistencia y virtuosismo.
4-Formas musicales del Romanticismo:
1) Poema Sinfónico: describe con música la trama de una historia que
cuenta con un programa. En muchos, los personajes son representados
cada uno por un instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia
al personaje en cuestión. Esta forma musical está escrita en un solo
movimiento y para ser ejecutada por una orquesta. El poema sinfónico
también es conocido como Cuento sinfónico, Leyenda sinfónica o Cuadro
sinfónico.Los Poemas sinfónicos de Liszt son una serie de trece
obras orquestales del compositor y que están numerados como S.95–
107 en el catálogo de Humphrey Searle.1 Los primeros doce fueron
compuestos entre 1848 y 1858, aunque parte del material usado fue
ideado con anterioridad; y el último, De la cuna a la tumba, después
de 1882. Estas obras ayudaron a establecer el género de la música
programática orquestal (composiciones escritas para ilustrar proyectos
extramusicales derivados de una obra teatral, un poema, una pinturau
obras de la naturaleza). Sirvieron de inspiración para los poemas
sinfónicos de BedřichSmetana, AntonínDvořák y Richard Strauss, entre
otros.
2) El Lied: hace referencia a una composición de cortas dimensiones para
ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos,
regularmente por el piano. El término Lied significa “canción”. Es una
forma musical alemana y se reconoce y se reconoce a Franz Schubert
como el creador del Lied alemán moderno. Schumann es otro de los
propulsores de esta forma musical. Ejemplo: Lied D. 30 Der Jungling am
Bache de Schubert.
3) Impromptu: sinónimo de improvisación. Es una pequeña composición
instrumental de estilo brillante y de forma libre escrita en un solo
movimiento. Ejemplo: Fantaisie Impromptu de Chopin
4) Estudio:primordialmente en el piano, estas composiciones llegaron a
tener un nivel tan extraordinario que se convirtió en tema con los cuales el
ejecutante podía demostrar su alto nivel técnico, como de concierto,
aunque originariamente fue una composición con objeto de mejorar el
nivel técnico a través del estudio y ejecución. Ejemplo: estudio en do
menos opus 10 n12 “Revolucionario” de Chopin
5)Nocturno: inspirada en el momento del día en que la noche empieza a
hacerse presente. El Nocturno es una pieza musical regularmente lenta y
de languideza. Su creador fue el músico ingles John Fiel. Ejemplo:
nocturno op9 número 2 de Chopin.
6) Ópera Romántica: forma musical que conserva la estructura
composicional variando únicamente en cuanto a las fuentes de
inspiración. La ópera romántica bebe de la mitología europea, el amor
trágico y heróico y la vida urbana y los acontecimientos sociales próximos.
Ejemplo: óperas de Mijaíl Glinka
7) Cortas piezas pianísticas: obras de cortas dimesiones y ejecutadas al
piano, forma el grueso la originalidad de formas que difícilmente pueden
ser encasilladas en formas musicales específicas.
8) Momento musical: composiciones de corta duración, instrumentales,
que son ejecutadas por una orquesta o por una agrupación de pocos
instrumentos. También se escriben para ser ejecutadas al piano. Ejemplo:
momento musical número 3 en fa menor de Schubert
Con la corriente nacionalista surgida hacia el romanticismo burgués,
mencionar las siguientes formas:
9) Mazurka: danza de origen polaco que se extendió por Europa como
música de salón, hacia 1800, aunque sus orígenes están hacia el 1500
entre los mazurs de Polonia central. Está escrita en compás de ¾ de ritmo
moderado y con pulsos fuertes que son acentuados por taconazos de
quienes la bailan. Ejemplo: mazurca en fa menor op 68 número 4 de
Chopin
10) Polonesa: danza de salón escrita en compás ternario y de ritmo rápido.
Está basada en los aires folklóricos de Polonia. Ejemplo: polonesa n6
“Heróica” de Chopin.
11) Rapsodia: forma musical de estructura libre, de un solo movimiento,
en el cual se presentan arrebatos musicales basados en los ritmos
tradicionales de los países. Liszt es uno de los más grandes exponentes
con sus Rapsodias Húngaras.
También durante el romanticismo se da el nacimiento de la Opereta (que
desmitifica a los personajes legendarios de la mitología) y el Vals, como
uno de los principales bailes de salón.
5-COMPOSITORES DE PIANO:
-Franz Schubert: nace en 1797 y muere en 1828. Compositor austriaco,
considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve
característica pero también continuador de la sonata clásica siguiendo el
modelo de Beethoven. Gran compositor de lieder (alrededor de 600)y
música para piano, música sacra, óperacámara y orquestal. Destacan sus
composiciones para cuatro manos. Su música fue apreciada apenas por un
pequeño grupo de admiradores en Viena. El interés por su trabajo se inició
tras su muerte, al ser promovido y alabado por otros compositores de la
época como Mendelssohn, Schumann y Liszt.
-Beethoven: nace en 1770 y muere en 1827. Pianista y compositor
alemán, figura importantísima en la transición entre el Clasicismo y el
Romanticismo en la música occidental. Uno de los más influyentes de
todos los tiempos. Compuso 9 sinfonías, 5 conciertos para piano, 1
concierto para violín, 32 sonatas para piano, 16 cuartetos para cuerda, su
gran MissaSolemnis y la ópera Fidelio. También compuso música de
cámara, obras corales y cantos.
A sus 25 años perdió audición y pasó la última década de su vida casi
sordo completamente. Desde 1811 dejó de dirigir orquestas y de
interpretar el piano en público pero siguió componiendo. En esta etapa
compuso muchos de sus trabajos más admirados.
-Fanny Mendelssohn: nace en 1805 y muere en 1847. Compositora y
pianista, hermana del compositor Felix y nieta del filósofo Moses, de
origen judeoalemán. Compuso 466 piezas. Incluyen un trío con piano y
gran cantidad de libros con piezas para piano y canciones. Varias de sus
canciones fueron originalmente publicadas bajo el nombre de su
hermano. Su canción “Italia” era la preferida de la reina Victoria, que
pensaba había sido compuesta por Felix.
-HectorBerlioz: nacido en Francia en 1803 y fallecido en 1869. Fue un
compositor francés y figurada destacada del romanticismo. Su obra más
conocida es la Sinfonía Fantástica. Gran orquestador, la influencia de su
música fue extraordinaria. Se sintió rápidamente identificado con el
movimiento romántico francés. Estuvo muy influido por la literatura. Su
ensayo pedagógico “Gran tratado de instrumentación y orquestación
moderna” estableció su reputación como maestro de la instrumentación.
-FelixMendelssohn: nacido en Hamburgo en 1809 y fallecido en 1847. Fue
un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica
alemán. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus
padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. Su padre declinó la
oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó
claro que tenía la intención de dedicarse seriamente a ella.
Sus obras incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música para
piano y música de cámara. Tuvo un papel importante en el resurgimiento
del interés en la obra de J.S. Bach.
Lieder ohneWorte( Canciones sin palabras) son ocho ciclos que contienen
seis piezas líricas cada una, son sus obras para piano más famosas.
-Frédéric Chopin: nacido en 1810 y fallecido en 1849.Fue un compositor y
virtuoso pianista polaco, considerado como uno de los más importantes
de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo
musical. Perfecta técnica y refinamiento estilístico. Su elaboración
armónica ha sido comparada históricamente, por su perdurable influencia
en la música e todos los tiempos posteriores, con Mozart, Beethoven y
Liszt.
Su vida estuvo marcada por su delicada salud. Es conocido que vivió un
tiempo en Mallorca buscando un clima positivo para su estado.
Chopin representa un extraño caso entre los compositores intérpretes que
ha alcanzado reputación como gran compositor. Su música de cámara y
vocal es escasa y la orquestal comprende unas cuantas obras
concertantes. En todas ellas siempre hay un piano involucrado.
Compuso Nocturnos, Mazurcas, Estudios.
-Robert Schumann: nacido en 1810 y fallecido en 1856, fue un compositor
y crítico musical alemán. Su vida y obra reflejan en su máxima expresión la
naturaleza del Romanticismo: pasión, drama y alegría. En sus obras, de
gran intensidad lírica, confluyen una notable complejidad músical con la
íntima unión de música y texto.
Escribió música solo para piano en su primera etapa, lieder ampliando la
función del piano, sinfonías, música de cámara, tríos, cuartetos y
quintetos, una òpera, un oratorio y un poema sinfónico.
-Franz Liszt: 1811-1886. Compositor austro-húngaro romántico e
impresionista. Virtuoso pianista, profesor, director de orquesta y seglar
franciscano. Se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su
gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el
pianista técnicamente más avanzado de su época y quizá el más gran de
todos los tiempos. Fue un influyente compositor, un profesor de piano
notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al
desarrollo moderno del arte.
Fue el creador del poema sinfónico. Ello y su maestría permiten hacer un
simil para decir que supo, como pocos, hacer recitar a un piano. El poema
sinfónico es una forma típica del romanticismo que pudo generar por sus
geniales dotes para la interpretación pianística.
Como compositor, fue uno de los más destacados representantes de la
Nueva Escuela Alemana. Compuso una extensa y variada cantidad de
obras para piano (rapsodia, estudios, transcripciones), en estilo
concertante para piano y orquesta y también una extensa producción
orquestal. Influyó a sus contemporáneos y sucesores y anticipó algunas
ideas y tendencias del siglo XX. Algunas de sus contribuciones más
notables fueron la invención del poema sinfónico, ya mencionado ,
desarrollando el concepto de transformación temática como parte de sus
experimentos en la forma musical, y hacer desviaciones radicales en la
armonía.
Durante sus años como virtuoso viajero, Liszt interpretó una gran cantidad
de concierto en toda Europa, pero su repertorio básico siempre se centró
en sus propias composiciones, paráfrasis y transcripciones.
“El compositor debe tener ideas para agrupar sus creaciones en cuadros
unidos entre sí por un hilo poético o filosófico”(Franz Liszt)
-Richard Wagner: nace en 1813 y fallece en 1883. Compositor alemán,
director de teatro y director de orquesta. Es conocido por sus óperas, en las
que componía tanto el libreto como la música de las mismas.
Su ópera El Anillo de los Nibelungos tiene cuatro partes. Su música es
utilizada frecuentemente en películas
-Giuseppe Verdi: compositor de ópera italiano, nacido en 1813 y fallecido
en 1901. Participó en movimientos de unificación italianos. Su visión
política estuvo presente en muchas de sus obras, como por ejemplo su
ópera Nabucco. Con “Aída” alcanzó éxito y continuó sorprendiendo con
obras maestras como Requiem, Otella y Faltaff. Sus obras mantienen una
gran popularidad, sobre todo las de su periodo medio, como Rigoletto,
IlTrovatore y La Traviata.
-Clara Schumann (1819-1896): destacada pianista y compositora alemana.
Casada con Robert Schumann. Escribió su propia música y editó la de su
esposo.
Con Brahms cultivó una profunda relación artística e intelectual que
llegaría a adquirir tintes amorosos y que duró hasta la muerte.
Sus composiciones fueron para: piano solo, canciones para voz y piano, música de cámara, orquesta y música coral a capella. No se dedicó en mayor grado a la composición, a pesar de su gran talento, por varias razones, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX. Tuvo una formación musical privilegiada, gran comprensión musical y habilidad, que le permitieron abordar con éxito la composición. En su diario escribió una frase en la que se ve la mentalidad de la época: alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea,; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo ,asíque ¿por qué podría esperarlo yo?
Esta frase no es correcta pues sí que han sido varias las escritoras que
hemos visto en clase de épocas pretéritas al Romanticismo, pero quizá en
dicha época no se tenía constancia de ellas como ahora con los estudios
de música clásica que se hacen. Como referencia, escribir que toda la
información que encuentro de Clara, aún hoy en día, la siguen
relacionando siempre con hombre, no por su propio valor, creo yo, sino en
cuanto a que era la mujer de Schumann y amiga de Brahms, una pena.
-Johannes Brahms: compositor y pianista alemán. Nacido en 1833 y
fallecido en 1897. Se le considera el más clásico de los compositores
románticos, influenciado por Mozart, Haydn y Beethoven en oposición a
los progresistas radicales de Weimar.
Fue un virtuoso del piano desde su juventud. Dedicó al piano la parte más
sustancial e intimista de su obra.
Sus 3 sonatas compuestas en la juventud advierten la influencia de las
sonatas de Beethoven. Más adelante compuso sobre el género de
variaciones. Sus cuatro baladas son muy importantes en toda su obra, en
especial dentro de las primeras. En su madurez compone obras breves e
intimistas con un carácter personal. El estilo pianístico suyo es muy
característico, con un uso generalizado de toda la amplitud del teclado y
una utilización muy expresiva de las notas graves. Es frecuente que la
melodía se encuentre en voces medias y, a veces, esquemas rítmicos
distintos para cada mano, lo que da lugar a superposiciones muy
originales.
-PiotrIlich Tchaikovsky: 1840-1893. Compositor ruso romántico tardío.
Varias obras suyas se encuentran entre las piezas más populares del
repertorio de música clásica. Primer compositor ruso cuyo trabajo destacó
a nivel internacional, lo que lo llevó a presentarse como director de
orquesta invitado en Europa e incluso Estados Unidos.
Aúnque tuvo éxito musical, la vida de Tchaikovsky estuvo plagada de crisis
personales y depresión. Su homosexualidad, que mantuvo en secreto
durante su vida, fu un factor contribuyente a su estado emocional
deteriorado.
A sus muchísimas obras (oberturas, óperas, ballets, cuartetos para cuerda,
tríos), mecionar sus más de 100 obras para piano.
-Gustav Mahler: 1860-1911. Compositor austriaco, del romanticismo
tardío, uno de los directores de orquesta más destacados de su
generación. Visión espiritual y filosófica. Como compositor, fungió como
puente entre la tradición austro-alemana del siglo XIX y el modernismo de
principios del siglo XX. Su música fue vetada durante la era Nazi, aunque
resurgió tras la segunda guerra al ser rescatada por una nueva generación
de escuchas.
-Claude Debussy: 1862-1918. Compositor francés. Una de las más
prominentes figuras asociadas con el impresionismo musical. Fue
nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903.
Su música es notable por su contenido sensorial y el uso frecuente de
tonalidades no tradicionales. El estilo literario prominente en Francia
durante el periodo en que desarrollo su obra es llamado Simbolismo y fue
influenciado por Debussy, como compositor y como participante cultural
activo.
Destacó por la creación de sonidos innovadores, nunca escuchados, que,
mostrando su entero potencial en sus composiciones para piano, logran
crear una sensación onírica en su musicalidad característica. Muchas
grandes mentes del siglo XIX, como el escritor Marcel Proust, encontraron
inspiración en su música.
6-BEETHOVEN COMO FIGURA DE TRANSICIÓN
Considerar a Beethoven en la historia de la música implica reconocer a
uno de los músicos más exigentes en su obra, a uno de los artistas más
comprometidos intelectualmente con la concepción del mundo de su
época (icono de toda una generación de músicos, románticos y
postrománticos como lo confirma la expresión Beethovenbild), a uno de
los compositores que llegó más lejos tras seguir el angosto sendero del
análisis exhaustivo de sus composiciones, aspecto que le conduce a
explorar los mismos límites del lenguaje musical ( de la música y de la
palabra) y , a la vez, a su silencio (sordera).
Afirmar que Beethoven es un clásico sería inapropiado, realmente
Beethoven es un revolucionario, un espíritu prometeico. Consolida el
Clasicismo y se adelanta, de manera magistral, al Romanticismo. Muchos
historiadores lo han calificado como puente que facilita pasar de un
momento histórico a otro, pero deberíamos afirmar que no solo es un
puente, sino el mismo rio que está debajo de él. Es río, puente y laderas.
Las premisas más permeables que marcaron su época fueron las forjadas
por autoridades como Goethe y Schiller, por la invitación a la necesidad de
un carácter fáustico, por parte del primero y a la lucha por la educación
estética del hombre, por parte del segundo, en el seno de una sociedad
injusta que proclamaba una metamorfosis total. El espíritu irrefrenable y
titánico le llevó a explotar al máximo la expresividad musical en sentido
tímbrico, a expandir e incrementar los instrumentos de la orquesta, al
enriquecimiento de los instrumentos solistas y a potenciar el ritmo
melódico y la profundidad armónica todo ello centrándose en el esquema
de la forma sonata. A raíz de todas estas características, podemos
entender por qué Beethoven, a diferencia de Haydn o Mozart, compuso
pocas obras en comparación con ellos. Cada una de ellas exigía múltiples
correcciones y cambios, pero también sus obras son menores en cantidad
porque la conciencia de música, de la entrega total al público- otorgando
un significado social a la música- se inauguruó en su persona y ello
conllevaba una dedicación pulcra a todo lo que representaba, dentro de
los esquemas de la modernidad, el Músico.
Aun sin ser plenamente romántico, aparecía a los ojos de sus
contemporáneos como el compositor que había sentado las bases de una
nueva estética, en la cual cada vez se daría más importancia a la libertad
del copositor para crear su obra y en la que se exigiría al auditorio una
atención y una compenetración con la partitura.
En sus primeros años como músico, cuando se traslada de su ciudad natal
Boon a Viena, se realza el carácter robusto y original de sus armonías y el
hecho de forazar algunos cambios de la forma sonata estándar para
conseguir plasmar, de manera más brillante, lo dramático con sus
características y radicales dinámicas; también es importante recordar que
el tercer movimiento, el tradicional minué, es sustituido por el Scherzo,
tan típico de Beethoven. Así pues, puedo citar obras como El Septimino, la
Primera Sinfonía en Do Mayor op.21 y sus 13 sonatas para piano.
En el periodo de madurez del músico, iniciado en el año 1800, el esquema
de la forma sonata le limitará para transmitir el dolor vital de la
humanidad que plasma en sus obras y la energía desbordante de las
mismas, abocándole a una experimentación musical irrenunciable. En la
sonata op.26 o las sonatas op.27 ( la segunda conocida como Claro de
Luna), la sonata a Kreutzerop 47, la Appassionataop. 57, la sonata op. 53 o
Wadlstein y en sus tríos y cuartetos ya se muestran distintos cambios y
transgresiones por parte del músico de Bonn.
La segunda Sinfonía en re Mayor op.36 revela yala disconformidad con los
rasgos clásicos y empieza a despuntar una nueva expresividad espiritual,
que marcará su periodo romántico, y que lo conduce a ese espíritu
heroico que se irá apoderando de él en la tercera Sinfonía en mi bemol
Mayor op.55, la Heroica, en la que el carácter filantrópico tiñe el final del
ciclo heroico descrito en la obra. En este mismo año, 1805, compuso su
única ópera, Fidelio, de la que escribió cuatro oberturas, y que a pesar de
su buena resolución musical denota la incalculable capacidad instrumental
de Beethoven y de la poca atracción que la ópera despertó en él.
Después de la pasión, el titanismo y la erupción volcánica de un héroe, se
sedimenta poco a poco la calma; así, la cuarta Sinfonía en si bemol Mayor
op 60 representa un estadio de reflexión acerca del hombre y de la
naturaleza, un paréntesis que al abrirse dará lugar a la famosa quinta
Sinfonía en do menos op 67 en la que la renovación de la forma sonata,
dando lugar a un nuevo dinamismo ágil y desenvuelto y a la lucha contra
las fuerzas del destino- destino que se hace patente en las primeras cuatro
notas que inician el primer movimiento- arrebatarán por completo la
exigencia formal y pura de la música. De hecho, el también músico
Hoffmann, después de elaborar una crítica de la ejecución de esta obra,
afirmó que era la más romántica de todas las músicas, es decir, la
quintaesencia del Romanticismo, entendido en su vertiente de pureza
musical. Afines a esta sinfonía tenemos las oberturas de Coriolano y
Edmundo de Goethe, así como la tercera compuesta para Fidelio, la
conocida como Leonora.
Como consecuencia de la tempestad y el empuje, renace en Beethoven el
amor por la naturaleza, esa naturaleza que esconde el equilibrio, la
serenidad, pero a la vez los mayores misterios de la vida, y que se aparta
de los ruidosos tumultos de la ciudad. Su sexta sinfonía, la Sinfonía en fa
Mayor op68 o Pastoral, un paradigma de lo que será la música
programática en el Romanticismo, expresa más el sentimiento hacia la
naturaleza que el pintarla ( inicio su obra con la expresión: más expresión
del sentimiento que pintura), que, de hecho, es uno de los objetivos que
se propone Beethoven en esta obra, tal como él mismo lo expresa al
comienzo de la partitura de la misma.
La armonía y la pureza del hombre a través de la alegría y la felicidad
quedan plasmadas en la séptima sinfonía, la Sinfonía en la Mayor op92 y
en la octava, la Sinfonía en fa Mayor op93, las dos compuestas en 1802.
Este periodo optimista le lleva a experimentar con recursos que hasta
ahora no había utilizado, como el contrapunto, y por otro lado con la
simplicidad de melodías, como observo en los últimos cinco cuartetos que
compuso.
La culminación de todo el trayecto y evolución de Beethoven se alcanza en
dos obras, la Misa solemnis y su obra cumbre, la novena sinfonía, la
Sinfonía en re Mayor op125, muestra de la gran apuesta por lo
trascendental, por ese tipo de religiosidad de lo inefable necesaria para la
Humanidad, que asiste a la comunión con el “todo” en el último
movimiento, el Coral , en el que introduce cuatro solistas y un coro,
después de un preludio recitado, con las palabras de los versos de
Friedrich Schiller del Himno a la alegría.
El primer paradigma musical que sigue al pie de la letra el explorar las
fronteras de los anticonvencionalismos es Beethoven, justo a partir de la
tercera sinfonía. De ahí que Beethoven fuera para los románticos un
Prometeo con espíritu fáustico.
Por esta nueva actitud ante la sociedad y el mundo Beethoven se convirtió
en el modelo romántico. Un modelo peligroso. Y fue sobre todo la figura
de Beethoven la que proporcionó a la era romántica el paradigma para su
concepto del “artista”.
7-LA MÚSICA DE CÁMARA EN EL ROMANTICIMO
La música de cámara no fue en el siglo XIX un género tan practicado como
lo fuera en la época del clasicismo. Los compositores románticos perciben
que la música de cámara es una vía demasiado estrecha que limita sus
ansias de expresión. Es el género más respetuoso con la tradición, donde
mejor se refugian las formas clásicas. Resulta natural que un género como
éste no sea muy practicado por el exaltado compositor romántico que
quiere ver libre de toda tradición académica y formal. Ni Berlioz, ni Liszt ni
Wagner practicaron la música de cámara. A pesar de todo ello, la música
de cámara puede realzar el carácter íntimo del romanticismo. Entre sus
cultivadores puedo citar a Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn
y Brahms.
8-EL PIANO ROMÁNTICO
El siglo XIX es el siglo del piano: sustituirá al clavecín y brillará por encima
de cualquier otro instrumento convirtiéndose en el instrumento más
popular de la música burguesa (piano vertical) y en el soporte del más
desaforado virtuosismo profesional (piano de concierto). Toda una serie
de perfeccionamientos técnicos (mecánica de los macillos, mecanismo de
repetición) hicieron de él un instrumento con una sonoridad potente y
graduable que lo hace igualmente apto tanto para las evocaciones íntimas
del salón como para el concierto, en donde debe oponerse a toda una
orquesta sinfónica. La suite y las formas contrapuntísticas desaparecen
prácticamente de la literatura pianística del XIX. Después de Beethoven los
compositores escribirán una menor cantidad de conciertos y de sonatas
para piano. Aparecen gran cantidad de nuevos estilos: piezas libres, de
carácter casi improvisado, sin ninguna forma especial predeterminada.
Entre ellas podemos citas nocturnos, romanzas, caprichos, preludios,
momento musical, balada los mejores compositores abordaron series de
estudios pianísiticos. En ellos codifican las nuevas conquistas técnicas para
convertirlas en soporte de músicas más ambiciosas. La calidad musical de
algunos de ellos (Chopin y Liszt) los convierte por primera vez en piezas de
concierto.
9-LA TÉCNICA PIANÍSTICA
En su método para piano, Chopin nos dice: “Nos colocamos ante el teclado
pudiendo alcanzar los dos extremos del teclado sin inclinarnos hacia
ningún lado; el pie derecho en el pedal mayor, sin utilizar los apagadores”
La posición de la mano: en el manuscrito de Chopin editado por Cortot y
Tellefsenencontramos la siguiente cita: “Encontramos la posición de la
mano colocando los dedos sobre las teclas mi, fa sostenido, sol sostenido,
la sostenido y si. Los dedos largos ocuparán las teclas altas y los dedos
cortos las bajas. Hay que colocar los dedos que se apoyan en las teclas
altas en una misma línea y los que se apoyan en las blancas igual, para
igualar en lo posible las palancas lo que le dará a la mano la curva más
cómoda más sencilla, al nivel de su conformación. La mano flexible, el
antebrazo, el brazo imitan las manos según un orden…, redondeándola
con una curva que le da una flexibilidad necesaria que no podría tener con
los dedos estirados.”Aquí, Chopin, nos muestra por primera vez en la
historia de la técnica pianística una colocación de la mano diferente; la
posibilidad de extender con la máxima naturalidad los dedos más largos
de la mano sobre las notas negras y recoger los más pequeños sobre las
notas blancas. Por lo tanto podemos hablar de una posición de la mano
totalmente natural parecida a la que adquiere nuestro brazo al descansar
sobre una superficie de apoyo.
El punto de apoyo: podemos considerar que toda la técnica de Chopin se
fundamenta en la concepción del teclado del piano como punto de apoyo.
Su idea es básica y lógica: si por la fuerza de la gravedad, al dejar caer el
peso del brazo y de la mano sobre el teclado, la tecla baja, podemos
conseguir el sonido de esta manera sin tener que realizar ningún esfuerzo
extra.
El uso del pedal: en la interpretación de Chopin ha de prevalecer la
claridad de la melodía y realizar un toque cantábile así como tener un gran
tacto en el uso del pedal. Chopin, a menudo indica el pedal en pasajes con
escalasy para enlazar acordes finales de sus obras así como en bajos a los
que les siguen silencios, lo cual expresa un deseo de prolongar las
resonancias pero no de producir un efecto de legato.
La digitación: la digitación en Chopin nos sirve para conocer la originalidad
y los avances de su técnica.Buscaba una digitación que adaptara la forma
de la mano y la fuerza de los dedos al pasaje y al teclado. Rompió muchas
reglas del momento, y redescubrió digitaciones de antiguos clavecinistas y
organistas continuando el concepto de Hummel en su Mèthode.Hay
tantos sonidos diferentes como dedos: todo depende de saber digitar
correctamente.Para Chopin, la relación establecida entre la morfología de
la mano y la construcción del teclado y la consideración de que todos los
dedos son desiguales en cuanto a su fuerza y tamaño (los dedos más
fuertes son el 1º, el 3º y el 5º, y los más débiles el 2º y el 4º) son los
elementos esenciales para una buena digitación que influirá de manera
decisiva en el efecto sonoro final.
Las escalas: para Chopin, la escala más importante desde el punto de vista
pedagógico es la de si mayor, ya que en dicha escala la mano se sitúa en el
teclado de la manera más natural que existe, ya que los dedos largos, 2º
3º y 4º se sitúan en las teclas negras y los más cortos, 1º y 5º en las
blancas. Por este motivo, Chopin opina que es inútil empezar a enseñar las
escalas por la de do mayor tal como se hace habitualmente, ya que es la
más difícil pues es la que peor se adapta al teclado. Todo esto lo refleja en
el manuscrito original de su método.
10-EVOLUCIÓN DEL PIANO
Debido a la gran aceptación del Pianoforte construido por Cristofori a final
del siglo XIII, los clavecinistas se van convirtiendo en pianistas. Se inicia el
reconocimiento de la figura del pianista y obligan continuamente a los
constructores de pianos a mejorar las cualidades del nuevo instrumento y
a menudo participan en sus empresas, como es el caso de Clementi,
pianista y hombre de negocios. 72 A principios del siglo XIX ya existe una
amplia gama de instrumentos donde elegir, pero la insistencia de los
pianistas hace que durante este siglo el piano sufra un gran desarrollo.
Los pianistas piden: - Más potencia. - Más ligereza. - Más resonancia. -
Mejor control de los matices. - Mayor extensión del teclado (más teclas).
-En cuanto a la extensión del teclado, aumentará rápidamente: -En época
de Clementi, los pianofortes tenían cinco octavas: del fa-1 al fa-5. 73 -En
1795 cinco octavas y media: del fa-1 al do-6. -En 1810 se generalizó el uso
de las seis octavas: del fa-1 al fa-6. El primero en construir un teclado de
esas características fue John Broadwood y el gran cola que construyó
Thomas Broadwood (hijo del anterior) para Beethoven en 1817 tiene la
misma extensión.
-Clementi fue definido como “el padre del piano”, debido a su gran fama
como músico y compositor de obras para piano y sobre todo como
intérprete que fue capaz de marcar la historia de la música a partir de una
manera precisa de entender la interpretación y la relación con el público.
A esto hay que añadir su dedicación a la construcción y venta de pianos,
instrumento que convirtió en 1877 en el instrumento por excelencia de
toda la cultura musical de tradición europea. Nunca se le atribuyó la
paternidad del piano, ya que estaba inventado mucho antes de su
nacimiento.
Clementi alcanzó una gran fama como concertista en el entorno musical
inglés y es entonces cuando comienza a alejarse de los escenarios. Su
último concierto como solista lo realiza en el año 1790; y en 1796, deja la
representación pública de sus sinfonías. La figura de concertista no estaba
tan bien valorada como la de empresario de éxito en Inglaterra, y es por
esto por lo que Clementi quiso consolidar su estatus social. Además, su
principal sustento económico no lo generaban los conciertos, sino su
actividad como profesor de piano, ya que tenía una doble vertiente, la
formación de profesionales y la educación musical a miembros de familias
adineradas. Sus viajes por Europa le habían permitido comprobar, por otra
parte, la diversidad de la vida musical europea y las múltiples aplicaciones
que en el mundo de la música podía tener el modelo económico que
representaba la Revolución Industrial y de esta manera, se lanzó a la
carrera empresarial. En 1798 Clementi, ya en Inglaterra, se dedicó a la
fabricación de instrumentos musicales. Se asoció con la constructora de
pianoforte Longman y Brodrip, convirtiéndose rápidamente en un experto
en esta profesión, tal es así que se llegó a decirse que era capaz de
encontrar errores de construcción y sus causas, que se les escapaban a la
mayoría. Pronto quiebra la fábrica y consigue aprovechar las instalaciones,
los técnicos y la clientela para comenzar un nuevo proyecto empresarial,
la compañía Longman, Clementi& Co., que pronto se convertiría en
Clementi, Banger, Hyde, Collard& Co. y finalmente en Clementi& Co.
Clementi quiso dar a su empresa una dimensión europea, por lo que inició
una serie de viajes durante ocho años, volviendo a París, Viena, Italia e
incluso a ciudades como Varsovia y San Petersburgo. Pero esta vez no
como concertista, sino para dar a conocer la solvencia de sus pianos,
sirviéndose de alguno de sus alumnos brillantes, como John Field.
Consigue además, la exclusiva para Inglaterra de la publicación de las
obras de grandes compositores, incluido Beethoven. Clementi dedicó,
hasta su jubilación en 1831, todos sus esfuerzos a la promoción de esta
empresa, no solo dedicada a la construcción de instrumentos, sino que
creó su propia editorial con un selecto catálogo de publicaciones. El
perfeccionamiento de sus instrumentos hizo que su compañía se
convirtiera en un referente a nivel internacional de primer orden.
11-POSTROMANTICISMOS Y NACIONALISMOS MUSICALES
Los seguidores de la esencia romántica secundaron de cerca las pautas
marcadas por Richard Wagner y el uso de la música absoluta. La fusión de
la pureza musical y de los contornos dibujados por la música programática
resolvían el nacimiento de una música instrumental que llevaba hasta sus
últimas consecuencias lo trágico y lo dramático de la vida en las partituras
de los músicos europeos. El uso de la polifonía wagneriana y el volumen y
dimensión del papel de la orquesta, junto con la utilización del Leitmotiv y
de la melodía infinita del mismo músico poeta, si bien tenía una aplicación
clara en la música escénica, se trasladó al ámbito puramente instrumental.
Wagner ejerció una enorme fascinación sobre los músicos europeos
durante el último cuarto de siglo XIX. Todos los compositores cayeron bajo
su hechizo, aunque al mismo tiempo la mayor parte de ellos lucharon
conscientemente por no imitarlo.
Dentro de los seguidores de Wagner en el terreno de la canción
acompañada del piano está Hugo Wolf, prolífico en sus 250 lieder. En ellos
la fusión entre música y palabra respeta tanto a los poetas que fueron
fuente de inspiración del mismo, como Morike, Eichendorf, Goethe, como
a la música que corre de la mano de la palabra en todo momento. Esa
fusión expresa claramente un equilibrio del que gozan los Lieder de Wolf,
uno de los más conocidos y que lo manifiesta claramente es Kennst du das
Land, poema de Goethe que aparece en la novela de formación de
Wilhelm Meister.
Contrariamente a esos objetivos, en los que imperaba el lema “Wagener
como el gran maestro a seguir”, el crítico musical vienés Hanslick, en
pleno positivismo, publicó su libro De lo Bello en Música, en el que se
enfrentaba radicalmente a la exageración expresiva de la música
romántica, a la pérdida de la pureza en la música instrumental y a la
apuesta estrictamente conceptual y argumental de una música que
buscaba nuevos lenguajes a partir de nuevas formas que no se construían
a partir de la esencia isma de la música. En definitiva, Hanslick estaba en
contra de Wagner y de sus logros, y a favor de que lo único que debe
expresar la música son formas sonoras en movimiento.
Los herederos wagnerianos y antiwagnerianos, sin embargo, fueron a
finales del XIX los protagonistas de la escena musical europea. Hubo dos
clara tendencias en música postromántica, la primera, en el sentido
positivo y más literal del término postromántico, como continuación, que
siguió el camino trazado por los románticos y exaltó y se nutrió de todas
sus aportaciones y , a su vez, creó diferentes escuelas nacionales,
principalmente representado en los músicos vieneses como Mahler y
Strauss y otros representantes postrománticos pero con un carácter más
nacionalista; y, en la segunda, en el significado negativo y rompedor con el
Romanticismo, de aquí, el post- y que a pesar de partir de él, lo
sobrepasan creando un lenguaje musical que se acerca más a la gestación
de las primeras vanguardias, principalmente representado en músicos
como Debussy, Satie o Ravel. En todos ellos, sin embargo, se intentó
explotar en su sentido más radicalmente expresivo, por parte de unos, e
impresivo, por parte de otros, todos los recursos musicales a los que se
había legado en el Romanticismo resaltando o cuestionando sus aspectos
más arabescos, ala vez que la riqueza y color del lenguaje de la orquesta.
HISTORIA DE LA MÚSICA
MANUEL ANTONIO POLO CABEZAS