GRANDES CONCIERTOS

4

La intensidad de la Pasión según San Mateo de Bach y la maestría de John Eliot Gardiner con su coro y orquesta

SÁBADO 6 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

ENGLISH BAROQUE SOLOISTSMONTERVERDI CHOIRESCOLANIA EASOJOHN ELIOT GARDINER, director

James Gilchrist, EvangelistaStephan Loges, CristoHannah Morrison, soprano

Eleanor Minney, contraltoReginald Mobley, contraltoGareth Treseder, tenorAlex Ashworth, bajoNicholas Mogg, bajoAshley Riches, bajoJonathan Sells, bajo

Patrocinado por:Pasión según San Mateo BWV 244 de Johann Sebastian Bach

Duración total aproximada: 3 h

La partitura autógrafa manuscrita de Bach de la Pasión según San Mateo es un milagro caligráfico. La fenomenal elegancia y fluidez de las notaciones, característica de un Bach cuadragenario, contrasta con los pasajes elaborados en la enrevesada y rígida caligrafía de sus últimos años en los que le fallaba la vista, con correcciones realizadas en tiras de papel pegadas y meticulosamente insertadas. La impresión que causa es la de una partitura autógrafa cuidadosamente elaborada, muy trabajada, revisada, reparada y dejada en un estado que aspira a algún tipo de ideal.Sin embargo, contando únicamente con esta partitura original que data de mediados de la década de 1730 y partiendo de un conjunto de piezas interpretativas, las generaciones de estudiosos de Bach han sido hasta ahora incapaces de rastrear la creación, la planificación o las etapas sucesivas de la evolución de la Pasión con cierto grado de certeza. No sabemos exactamente quién formó parte de cualquiera de las representaciones realizadas bajo la dirección del compositor, ni la composición de los grupos vocales u orquestales, ni su número exacto, ni la forma en que se desplegaron en el coro occidental de la Thomaskirche. Y no contamos con ninguna reacción contemporánea a la obra ni tenemos el más pequeño indicio de cuál fue la opinión del público en su momento.Existe una clara posibilidad —aunque ninguna prueba— de que la Pasión según San Mateo se planificó como parte de su segundo ciclo anual de cantatas de Leipzig, las de 1724/5, ya que comparte con ellas un énfasis en los corales seleccionados, tomado como base o punto focal de cada cantata. La Pasión podría haber sido diseñada como pieza central, como el tachón de un escudo. Sin embargo, no fue así: su primera puesta en escena se retrasó otros dos años, y Bach continuó introduciendo modificaciones durante las décadas de 1730 y 1740.Tras las consecutivas representaciones de la Pasión según San Juan que dataron de 1724 y 1725, realizadas en dos versiones muy distintas y caracterizadas por su rápido ritmo armónico, y la controversia que rodeó esa obra, Bach parece haber querido conceder a sus oyentes un

5

mayor tiempo de reflexión entre las escenas de los relatos del Evangelio. En la Pasión según San Mateo adopta un rumbo menos polémico, dictado en parte por el enfoque de Mateo, concediendo un margen mucho mayor al oyente para que procese el drama.

Bach está de acuerdo con su libretista Picander, o incluso le da instrucciones, para que desde el principio la mayoría de las arias estén precedidas por un arioso con las que formar una fase intermedia, como si pretendiera preparar al público para el espacio contemplativo que ocupará el aria. Ahora hay tiempo suficiente para saborear la prodigiosa belleza de cada una, los sutiles efectos de color de los acompañamientos indicados por obbligato y la gama ampliada de respuesta emocional y meditativa que abarcan. Así, en vez de esperar con impaciencia a que un aria termine y se reanude la historia, empezamos a valorar la voz que nos impulsa a identificarnos con el remordimiento, la indignación y la manifestación de duelo articulada por los interlocutores individuales, hombres y mujeres, en el transcurso del drama, y por la comunidad en pleno que expresa su arrepentimiento en los corales. Acortada la liturgia meramente a unas pocas oraciones e himnos para inaugurar y clausurar la ceremonia y con el sermón, de considerable duración, justo en el punto central, esta fue su verdadera prueba de fuego para justificar que Lutero rompiera una lanza a favor de la música, afirmando que sus notas «hacen que el texto cobre vida».Aunque tanto él como sus músicos solo se situaban parcialmente a la vista de la congregación, la música de Bach era esencialmente dramática: música destinada a atraer —e incluso en ocasiones asaltar— los sentidos de sus oyentes. Desde el mismo inicio de su encargo, Bach había sido advertido de que «debía realizar composiciones que no fueran teatrales». Sin embargo, su objetivo era inapelable: recrear la historia de la Pasión en las mentes de sus oyentes y así afirmar su pertinencia para los hombres y mujeres de su tiempo, abordando sus preocupaciones y temores y dirigiéndolos hacia el consuelo y la inspiración que se encuentran en la narrativa de la Pasión.Bach equilibró el hilo central, la narración revisada de la historia de la Pasión según San Mateo, con reacciones instantáneas y reflexiones más mesuradas por parte de los espectadores, a fin de traerla al presente. Sería difícil mejorarla como drama esencialmente humano que incluye una inmensa lucha y desafío, la traición y el perdón, el amor y el sacrificio, la compasión y la piedad.

No podemos decir si fue idea suya o de Picander enlazar la interpretación tradicional de Cristo como el novio alegórico (Cantares) con la de su identidad como el cordero del sacrificio. Lo que sí sabemos es que el punto de partida de Bach, que tuvo que haber discutido y acordado con Picander desde el principio, es el concepto del diálogo, un mecanismo que ya había puesto a prueba fructíferamente en dos movimientos de su Pasión según San Juan y que en esta ocasión desarrolló hasta el punto lo que le llevó, lógicamente, a una eventual división en dos coros, cada uno con su propio conjunto instrumental de apoyo.El coro de apertura de Bach se nos presenta como un inmenso cuadro, un equivalente auditivo, digamos, a un gran retablo de Veronese o Tintoretto. En el momento en que el primer coro se refiere a Jesús como un «novio» y posteriormente «como un cordero», en una abrupta expansión del espectro de sonido, Bach incorpora un tercer coro con la coral «Oh, Cordero de Dios, inmaculado», cantada al unísono por un grupo de tiples (soprano in ripieno) ubicada entonces en el «nido de golondrinas» de la tribuna del órgano de la Thomaskirche (pero ahora, por desgracia, ya no), situado a una nave completa de distancia al este de la zona principal de representación. Al optar por superponer su poderoso y evocador lamento, el intemporal Agnus Dei de la liturgia en su versificación alemana (que ya se habría escuchado ese mismo día más temprano, al término del culto matutino), fue capaz de contrastar la histórica Jerusalén como escenario del juicio inminente de Cristo y la Pasión con la ciudad celeste cuyo gobernante, según el Apocalipsis, es el Cordero. Esta es la dicotomía esencial: el inocente Cordero de Dios y el mundo de la humanidad errante cuyos pecados recaen sobre Jesús, una dicotomía que subyacerá a toda la Pasión, el destino de uno subyugado al del otro. Ahora, la narración bíblica puede comenzar. Desde el principio se nos ofrecen nuevas yuxtaposiciones descarnadas de textura y sonoridad: un recitativo secco globalizador para el

6

narrador, un «halo» de secuencias de cuatro voces en torno a cada una de las afirmaciones de Jesús, tensas intervenciones antifonales de la multitud, la reducción a un único coro para los discípulos y una nueva reunificación para la oración colectiva. Pronto podemos discernir una serie de patrones trifoliados emergentes: narrativa bíblica (en recitativo), comentario (en arioso) y plegaria (en aria). Paulatinamente, estos comienzan a adoptar el aspecto de una secuencia ordenada de escenas discretas, como si se hubieran tomado prestadas de la ópera contemporánea, cada una avanzando hacia una respuesta individual (aria) o colectiva (coral) a la narración precedente.El puente musical inicial de Bach al sermón (tras el enérgico movimiento de doble coro Sind Blitze, sind Donner, que ponía punto final al libreto impreso de Picander) era una sencilla armonización de la coral Jesum lass ich nicht von mir. Cuando revisó y copió la partitura a mediados de la década de 1730, debió percatarse de que estaba muy lejos de equilibrar la masa estructural de su coro inicial, por lo que tomó la decisión de sustituirla por una fantasía coral mucho más elaborada, un arreglo del himno Passiontide de Sebald Heyden O Mensch, bewein dein Sünde groß. Con ello, erigió un pilar a juego con el prólogo de la gran coral y, a modo de conclusión de la Parte I, brindó la oportunidad meditativa ideal para que la comunidad cristiana se uniera en contrición, extrayendo el significado que Lutero dio a la historia de la Pasión y actuando como respuesta directa a las últimas palabras de Jesús sobre el «cumplimiento» de las Escrituras.

Con la reanudación de la música tras el sermón, tardamos uno o dos segundos en situarnos y darnos cuenta de en qué punto de la historia estamos. Superficialmente, nada parece haber cambiado. La escena sigue representando Getsemaní, ahora, tras caer la noche. Se ve a la hija de Sion que busca distraídamente a su amante capturado, aunque Jesús, atado de pies y manos, ya hace tiempo que se ha ido, apresado para enfrentarse a un juicio ante los Sumos Sacerdotes.A medida que la Pasión avanza hacia su clímax, la estrategia de Bach de sumergirnos en la acción (en ariosi) y luego ordenar los ángulos desde los que podemos contemplar su aplicación sobre nosotros mismos (en las arias y corales) se hace cada vez más evidente. La decisión de elegir una voz específica y seleccionar un timbre obbligato específico para cada aria- ya sea solo de violín, flauta, oboe (y oboes da caccia) o una viola da gamba- determina el acompañamiento más adecuado, bien para el conjunto completo de cuerda de izquierda o derecha, o para sutiles combinaciones de sonoridades. Con estos emparejamientos de arioso/aria, para todos sus aparentes estados anímicos contrapuestos, el timbre instrumental elegido es el denominador común: un nexo de voz e hilo narrativo. Las permutaciones caleidoscópicas de color instrumental que Bach encuentra parecen no tener límites.Si bien el colofón de la Pasión según San Juan Bach lo puso un coro en forma de rondó (Ruht Wohl) como acompañamiento reverencial a la colocación del cuerpo del Salvador en el sepulcro -sugiriendo, por lo tanto, una especie de paralización total-, en la Pasión según San Mateo elige una zarabanda a título de conclusión. La sensación es de movimiento continuo, como si se hubiera hecho eco de todo el ritual de la historia de la Pasión en la conciencia del oyente y fuera a revivirse cada Viernes Santo desde aquel día.

En retrospectiva, en la conclusión de la Pasión según San Mateo, choca el hecho de cómo el personaje de Jesús, una figura mucho más humana que la retratada en la Pasión según San Juan, se describe de un modo poderoso y sutil, incluso cuando se reduce, como en toda la Parte II, a tres expresiones lapidarias: su último Eli, Eli, lama asabthani? («Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?») y, previamente en su Du sagest («Tú lo has dicho») una vez a Caifás, una vez a Pilatos. Aparte, Mateo nos dice que «nada le respondió». Sin embargo, no hay un solo momento en que no seamos conscientes de su presencia. Lo vemos reflejado en los ojos y las voces de los demás, sobre todo en la emotiva recapitulación «Verdaderamente este era el Hijo de Dios». Como siempre, la música también es el lugar donde encontrar al propio Bach. Por mucho que todo su esfuerzo se centre en dar voz a los demás -los protagonistas, la multitud, el autor del Evangelio-, su propia voz está siempre presente en la historia. La escuchamos en su fervor, en su empatía con el sufrimiento de Cristo inocente, en su sentido del decoro, en sus decisiones y yuxtaposiciones de la narrativa y el comentario, y sobre todo, en la

7

abrupta forma en que contiene la marea de vengativa histeria, irrumpiendo en la narración de Mateo e interrumpiéndola con una expresiva coral de profunda contrición y afrenta.No hay una sola ópera seria del período que personalmente haya estudiado o dirigido que se pueda comparar con las dos pasiones supervivientes de Bach, en cuanto al intenso drama humano y el dilema moral, expresado de un modo tan persuasivo y profundamente conmovedor. Bach tomó su ejemplo de Lutero, quien, conociendo a través de su propia experiencia personal lo que era ser perseguido, insistió en que la pasión de Cristo «no se representara en palabras o actuaciones, sino en la propia vida».La búsqueda de las formas más eficaces de presentar estas obras sumamente exigentes ha llevado en muchas ocasiones a un abandono puntual de los rituales reverenciales de la representación del oratorio. Se entiende, por tanto, por qué algunos directores de escena han querido deconstruir las Pasiones de Bach y explorar diferentes formas de experimentar con ellas. Sin embargo, en la proyección de estos poderosos dramas musicales a través de una «representación» literal y una explícita manifestación de las emociones, en vez de arrastrarnos como participantes activos que experimentamos el dolor humano, la culpa y la catarsis, nos convertimos en observadores de un espectáculo mientras los personajes representados nos dicen lo que se supone que debemos sentir en cada momento determinado.Mi propio enfoque se basa en la convicción de que se puede lograr una negociación entre la acción y la meditación, no mediante la sustitución de un conjunto de rituales por otro, sino a través de un considerado despliegue de las fuerzas musicales en el seno de una iglesia o en una plataforma de conciertos. Denme un escenario desnudo (no un marco de fotos) poblado con coristas liberados de sus partituras y solistas interactuando con los intérpretes de las secciones obbligato y, en mi opinión, la imaginación de la audiencia podrá poblarlo de imágenes mucho más intensas que ningún escenógrafo o director de escena pueda aportar, pues tal es la intensa concentración de drama que invade la música y la colosal fuerza imaginativa que Bach impregna en sus Pasiones, que las equipara con los mayores dramas jamás escenificados y cuya fuerza reside en lo tácito. Lo ignoramos por nuestra propia cuenta y riesgo.John Eliot Gardiner

English Baroque Soloists, bajo el mecenazgo de Su Alteza Real el Príncipe de Gales, ha sido durante mucho tiempo y es una de las orquestas más importantes del mundo con instrumentos de época. A través de su repertorio, que va desde Monteverdi a Mozart y Haydn, se sienten igualmente cómodos en representaciones de música de cámara, sinfónica u operística, y su característico sonido de calidez y tocar incisivo es fácilmente reconocible.El ensemble ha actuado en muchas de las salas más importantes del mundo, incluidas La Scala en Milán, Concertgebouw en Ámsterdam y la Ópera de Sydney. En el transcurso de los años ’90 interpretaron las siete óperas maduras de Mozart y grabaron todas las sinfonías maduras y su ciclo completo de conciertos de piano. Colabora habitualmente con el Coro Monteverdi, con quienes llevaron a cabo la famosa Peregrinación de Bach Cantata en 2000, interpretando todas las cantatas sacras de Bach por toda Europa. Más recientemente, han estado de gira con Orphée & Eurydice de Gluck en Hamburgo y Versalles tras la cual hicieron representaciones en escena en la Royal Opera House (Covent Garden), en colaboración con la compañía de danza Hofesh Shechter. 2015 les llevó además a EEUU por la gira del 50º aniversario de Orfeo de Monteverdi; ya en Europa, el grupo viajó a Munich, Frankfurt, Lucerna y París para interpretar la Misa en Si menor de Bach, que grabaron en Londres con Soli Deo Gloria. Otros compromisos esta temporada incluyen giras europeas del Requiem y la Gran Misa en Do menor y Pasión Según San Mateo de Bach junto con el Coro Monteverdi.

El Monteverdi Choir, bajo el mecenazgo de Su Alteza Real el Príncipe de Gales, es famoso por su apasionada, comprometida y virtuosa forma de cantar. Durante los últimos cincuenta años ha sido aclamado como uno de los mejores coros del mundo, destacado por su habilidad para afrontar compositores, lenguajes e idiomas con total convicción estilística.Entre las numerosas giras que ha llevado a cabo, la más ambiciosa fue la Peregrinación Bach Cantata en 2000, durante la cual el Coro interpretó las ciento noventa y ocho cantatas sacras

8

de Johann Sebastian Bach en más de sesenta iglesias por toda Europa. El proyecto entero fue grabado por el sello de la compañía, Soli Deo Gloria, y fue calificado como “uno de los proyectos musicales más ambiciosos de todos los tiempos” por la revista Gramophone.El Coro es, además, un campo de entrenamiento fértil para futuras generaciones de cantantes corales y solistas: los miembros del Coro a menudo dan el salto a cantar partes de solo y muchos antiguos miembros han pasado después a disfrutar de exitosas carreras como solistas. Desde 2007, el Programa de Aprendices del Monteverdi ha añadido una interesante nueva dimensión a su perfil.El Coro ha participado en numerosas producciones de opera en escena, incluidas Les Troyens en Théâtre du Châtelet (2003) y Carmen (2009) y Le Freyschütz (2010) en Opéra Comique en París. Más recientemente han estado en gira con Orphée & Eurydice de Gluck en Hamburgo y Versalles y después en una producción escenificada en Royal Opera House, Covent Garden, en colaboración con la compañía de danza Hofesh Shechter. El Coro Monteverdi tiene cerca de 150 grabaciones a su nombre y ha ganado numerosos premios. El año pasado, el Coro celebró su cincuenta aniversario con representaciones de la obra maestra que inspiró su nombre: Vespers of 1610 de Monteverdi. Su próximo proyecto destacable será la Trilogía de Monteverdi en 2017: en gira con L’Orfeo, Il ritorno d’Ulisse in patria y L’incoronazione di Poppea para celebrar el 450º aniversario del nacimiento del compositor.

Sir John Eliot Gardiner es uno de los directores más versátiles y solicitados de nuestro tiempo.Fundador y director artístico del Coro Monteverdi, English Baroque Soloists y Orchestre Révolutionnaire et Romantique, actúa regularmente con las más importantes orquestas sinfónicas como LSO, Leipzig Gewandhaus, Royal Concertgebouw, Bayerischer Rundfunk y en la Royal Opera House, en Covent Garden.

Reconocido como figura clave en el renacimiento de la early music durante las últimas cuatro décadas, Gardiner ha dirigido a sus propios ensembles en numerosos proyectos y giras internacionales, incluida la gira de un año de duración Bach Cantata Pilgrimage. El amplio repertorio de Gardiner se refleja en los cerca de 250 discos con las más importantes compañías discográficas y los numerosos premios internacionales, incluido el Premio Gramophone al Logro Especial por las grabaciones en directo de las cantatas sacras completas de Bach con el sello Soli Deo Gloria. En reconocimiento a su trabajo ha recibido numerosos premios internacionales, doctorados honoríficos como los de la Universidad de Cambridge, Universidad de Lyon, Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, Universidad de Pavia y Universidad de St. Andrews. En 1998 fue distinguido como Caballero, en 2005 recibió la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania y en 2010 fue nombrado Chevalier de la Légion d’Honneur. Su libro sobre Bach, Music in the Castle of Heaven (Penguin, 2013), ha sido traducido a multitud de idiomas. En 2014 se convirtió en el primer Presidente del Archivo Bach en Leipzig. En el curso 2014/15, la Universidad de Harvard le nombró primer “Christoph Wolff Distinguished Visiting Scholar” y recientemente ha sido galardonado con el Premio Concertgebouw de Ámsterdam.

James Gilchrist comenzó su vida laboral como médico, dejándolo todo por la música en 1996. Su interés musical surgió de niño, cantando primero en el coro del New College, en Oxford, y más tarde como estudiante de coro en el King’s College, en Cambridge.Su extenso repertorio le ha llevado a actuar en las principales salas de concierto del mundo, con Sir John Eliot Gardiner, Sir Roger Norrington, Bernard Labadie, Harry Christophers, Harry Bicket y Sir Richard Hickox, por nombrar algunos. Como Evangelista en las Pasiones de San Juan y San Mateo de J.S. Bach, ha trabajado al más alto nivel y ha sido reconocido como ‘el mejor Evangelista de su generación’ como reflejaba una crítica de 2014 de la Pasión según San Juan con Zürcher Kammerorchester y Sir Roger Norrington, “no se ha convertido en Evangelista por casualidad”.Ha grabado Die Schöne Mullerin, Schwanengesang y Winterreise con Orchid, el papel principal de Albert Herring y A Poisoned Kiss de Vaughan William con Chandos, y On Wenlock Edge, Earth,

9

Sweet Earth de Leighton y Winter Words de Britten con Linn.En la temporada 2015/2016 interpretará el Mesias de Haendel con la Sociedad Haendel y Haydn en Boston; el Oratorio de Navidad de Bach con la Orquesta Barroca Tafelmusik en Toronto, con la Orquesta Sinfónica de la BBC de Escocia y con Academy of Ancient Music; un recital con Julius Drake en Het Concertgebouw y La Creación de Haydn con la Orquesta Sinfónica de Galicia.

Nacido en Dresden, Stephan Loges estudió en el Hochshule der Kunste en Berlín y el Guildhall School of Music and Drama de Londres y fue ganador del Concurso Internacional de Canto Wigmore Hall.Sus planes esta temporada y las siguientes incluyen Pélleas et Mélisande de C. Debussy con English Touring Opera; Réquiem de Mozart con Manchester Camerata y The Rake’s Progress (Padre Trulove) en una gira europea. Además volverá con un recital a Wigmore Hall y al Festival Lieder de Oxford.Sus compromisos recientes más destacados han sido en Réquiem de Guerra de Britten con las orquestas sinfónicas de Melbourne y Sapporo; Réquiem de Mozart con la Filarmónica de Auckland y Bernard Labadie; Misa en Do menor con Olari Elts en Portugal; Sinfonía No 9 de Beethoven y 3 Chinese Songs de Penderecki con la Orquesta del Ulster; L’Enfance du Christ de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y Robin Ticciati; La Creación de Haydn con la Orquesta Mozarteum de Salzburgo; Die Jahreszeiten con Semperoper Dresden; The Seven Last Words con la Filarmónica de Bergen; The Tempest Songbook de Saariaho con Scharoun Ensemble en Philharmonie de Colonia; Misa de Coronación de Mozart y Stabat Mater de Haydn con el Ensemble Orchestral de París y Fabio Biondi y diversas participaciones con la Scottish Chamber Orchestra.Ha ofrecido recitales por todo el mundo, incluyendo Wigmore Hall (Londres) y Lieder de Oxford, así como en Carnegie Hall (Nueva York), Concertgebouw (Ámsterdam), Konzerthaus de Viena, Klavierfestival Ruhr, La Monnaie (Bruselas), Festival Schleswig-Holstein, Santiago de Compostela, BBC Radio 3 y Series Vocal Arts en Washington con los pianistas Roger Vignoles, Simon Lepper, Iain Burnside, Alexander Schmalcz, Eugene Asti y Llyr Williams.

Nacida en una familia islando-escocesa, la soprano Hannah Morrison colabora habitualmente con Sir John Eliot Gardiner, bajo cuya dirección hizo su debut en el Festival de Salzburgo en 2013 en Alexander’s Feast de Haendel. Bajo la batuta de Gardiner interpretó Paradise and the Peri de Schumann y Ein deutsches Requiem de Brahms con la Orquesta Gewandhaus de Leipzig en 2014. En la temporada 2015/16 realizará una gira con el Réquiem de Mozart y Pasión de San Mateo de Bach.Actúa regularmente como invitada con Les Arts Florissants dirigida por Paul Agnew. El disco Harmonia Sacra (con William Christie) salió al mercado con Virgin Classics en 2007.Durante la temporada 2015/2016 actuará de nuevo con Masaaki Suzuki y Bach Collegium Japan en la Misa en si menor de Bach. Además actuará como invitada en Montreal en un programa Bach/Kuhnau con la Orquesta Barroca Ario dirigida por Alexander Weimann, y en Pimpinone de Telemann con Hermann Max y Das Kleine Konzert en Knechtsteden.Ha ofrecido recitales de Lied con Joseph Middleton en el Beethovenhaus en Bonn (octubre 2015) y lo hará en la Philharmonie de Colonia (mayo 2016). Hasta el momento ha ofrecido recitales de canto en el Reino Unido con los pianistas Eugene Asti y Graham Johnson en el Festival de Oxford, así como en importantes salas de Londres como Kings Place y Wigmore Hall. Hannah Morrison creció en Holanda, donde estudió canto y piano. Más tarde realizó un Máster de Música en Actuación en la Guildhall School de Música y Arte Dramático de Londres con el Profesor Rudolf Piernay.

Eleanor Minney obtuvo su licenciatura en Estudios Vocales con Honores en el Conservatorio de Música Trinity Laban, en Londres. Al graduarse recibió también el Premio Wilfred Greenhouse Allt de Cantata y Oratorio por su participación en la Pasión según San Juan de Bach. Como solista ha interpretado recientemente la Misa en si menor y Trauer Ode (Cantata 198) de Bach con Sir John Eliot Gardiner y English Baroque Soloists, Pasión según San Mateo de Bach y Vespers de Monteverdi con la Orchestra of the Age of Enlightenment, así como una serie de

10

recitales con la violinista barroca Davina Clarke en St. Martin-in-the-fields, Cadogan Hall y St. George’s Hanover Square. Es Joven Artista y residente en recital en el Handel House Museum de Londres en la temporada 2015-2016.

El contratenor Reginald Mobley intentó verbalizar su arte a través de acuarelas y óleos hasta que las circunstancias hicieron que su voz hablara por sí misma. Desde que redujo su paleta de colores visuales al blanco y negro de una partitura, se esfuerza en ampliar su espectro sobre el escenario.Desde entonces, ha tenido la suerte de compartir su arte con ensembles tan variados como Seraphic Fire, Festival Bach de Oregon, Les Voix Baroques, Sinfónica de San Antonio, Festival de Early Music de Boston y The Handel + Haydn Society.

El tenor galés Gareth Treseder se convirtió en Aprendiz del Coro Monteverdi de Sir John Eliot Gardiner en julio de 2010. Desde entonces ha interpretado papeles de solista en dos discos de Soli Deo Gloria: Live at Milton Court: Handel Bach Scarlatti y JS Bach: Motets, asimismo interpretó el papel de The Shepherd en Oedipus Rex de Stravinsky en el disco de la Orquesta Sinfónica de Londres. Interpretará el papel de nuevo en junio de 2016 en el que será su debut con la Orquesta Filarmónica de Berlín.Recientemente, como solista, ha interpretado Dixit Dominus de Haendel ante Su Alteza Real el Príncipe de Gales en Buckingham Palace; Vespers de Monteverdi en Carnegie Hall (Nueva York) y Réquiem de Mozart en Royal Albert Hall (Londres).

Alex Ashworth es un cantante de ópera y concierto que trabaja en Europa y Reino Unido. Estudió en la Royal Academy of Music y ha actuado, entre otros, en el Festival de Ópera de Glyndebourne, Ópera Nacional de Gales y Ópera de Escocia. Fuera de Reino Unido ha trabajado en la Opéra Comique en París, Ópera de Lille y Ópera de Islandia. Ha trabajado con afamados directores como Sir John Eliot Gardiner, Sir Colin Davis y Paul McCreesh. Sus discos incluyen Vespers de Monteverdi, Misa en si Menor de Bach, Oedipus Rex y Maria Dell’Carmen de Granados.

Nicholas Mogg estudia en la Royal Academy of Music en Londres donde ha conseguido el Premio Baroness de Turckheim. Es Joven Artista Britten-Pears y solista de las Series Kohn Foundation Bach Cantata. En 2015 ganó el Premio Joan Chissell Schumann de Lieder, el Pemio Elena Gerhardt de Lieder y el Premio de Joven Artista de Oxford Lieder. Estudió en el Clare College, Cambridge, y fue aprendiz del Coro Monteverdi. Agradece el apoyo de Drake Calleja Trust, Lady Clare Fund, George Law y el Condado de Munster Musical Trust.

Ashley Riches estudió en la Guildhall School of Music and Drama y más tarde entró como miembro del programa Jóvenes Artistas de la Royal Opera House, en Covent Garden. Sus interpretaciones operísticas incluyen Michael en el estreno de Glare de Eichberg (Linbury), Guglielmo en Così fan Tutte (Garsington) y Keeper of the Madhouse en ‘Rake’s Progress’ (SCO/Ticciati). Su amplio y variado repertorio incluye el Réquiem de Verdi, Réquiem de Guerra de Britten y Orango de Shostakovich. Esta temporada, Ashley ha hecho su debut en la English National Opera en el papel de Schaunard de La Bohème, e interpretará a Kreon en Oedipus Rex con la Filarmónica de Berlín.

Jonathan Sells estudió ópera en la Guildhall School of Music and Drama (Londres), consiguiendo numerosos premios, posteriormente ingresó como miembro de la International Opera Studio, en Zürich en la que permaneció de 2010 a 2012.Ha actuado como solista en la Philharmonie de Berlín, Château de Versailles, Lincoln Center, Carnegie Hall, Tonhalle y los Proms de la BBC bajo la dirección de William Christie, Roger Norrington y Ton Koopman.Ha ofrecido recitales en Wigmore Hall, Liedrezital en Zürich y ‘Das Lied’ (Berna). En mayo actuará en el em Berner Kulturcasino con Les Passions de l’Ame y su grupo barroco, Solomon’s Knot.

11

Dos grandes joyas de la historia de la música: el concierto para violín de Mendelssohn en la interpretación de Leticia Moreno, y la novena sinfonía de Dvorak con la batuta de Mark Elder y la reconocida The Hallé Orchestra Manchester

MIÉRCOLES 10 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

THE HALLÉ ORCHESTRA MANCHESTERMARK ELDER, directorLETICIA MORENO, violín

Programa

IHector Berlioz • Obertura de El Rey Lear Op 4

Felix Mendelssohn • Concierto para violín en mi menor Op 64

IIAntonin Dvorak • Sinfonía n. 9 en mi menor Op 95 del Nuevo Mundo

Duración total aproximada: 1h 45’

Patrocinado por:

En su ciento cincuenta y ocho temporada, The Hallé se encuentra en lo más alto del ranking de los conjuntos sinfónicos de Reino Unido. Con una gran reputación por su excelencia artística, The Hallé está inmerso en una búsqueda continua para mejorar e innovar en todo aquello con lo que se compromete. Aspiran a ser cada vez mejores a través de sus actuaciones en la compresnsión, educación y entrenamiento musical.Fundada en Manchester por Sir Charles Hallé, ofreció su primer concierto en el Free Trade Hall el treinta de enero de 1858. Después de la muerte de Sir Charles, la orquesta continuó su desarrollo guiados por figuras como Dr. Hans Richter, Sir Hamilton Harty y Sir John Barvirolli. Mark Elder se convirtió en director musical en el año 2000 y fue nombrado caballero de la Reina en 2008. En noviembre de 2011 fue condecorado como miembro honorario de la Royal Philharmonic Society.La formación ofrece setenta conciertos al año en The Bridgewater Hall, su sede en Manchester y más de cuarenta conciertos en el resto del Reino Unido. Tiene, además el honor de poseer el premio del South Bank por colaborar con la BBC Philharmonic, Royal Northern College of Musica y la orquesta de la ciudad de Birmingham.En 2013 The Hallé grabó un disco en un pequeño espacio, Hallé St. Peter, una iglesia restaurada que se convirtió en la sede para los coros y la joven orquesta, así como un espacio para la educación musical y pequeños espectáculos.The Hallé posee su propio sello discográfico con el que ha ganado seis Gramophone Awards entre 2009 y 2013. En abril de 2013 recibieron tanto la orquesta como su director, Sir Mark Elder, el Choral Award y el Recording of the Year de la BBC Music Magazine Awars por su grabación en directo de la obra The Apostles de Elgar. En agosto de 2013 ganaron por la misma grabación el Choral Award de Gramophone Awards.En la última temporada más de un cuarto de millón de personas han escuchado a The Hallé y más de 44.000 han participado en sus programas de educación.

Sir Mark Elder es el director musical de The Hallé, director artístico principal de la Orchestra of the Age Enlightenment y director artístico de la Opera Rara. Fue director musical de la English National Opera de 1979 a 1993 y principal director invitado de la Orquesta de la ciudad de Birmingham, BBC Symphony Orchestra y London Mozart Players.

12

Aparece de manera continuada en los BBC Proms de Londres. Trabaja de manera regular en los teatros más importantes de ópera y ha mantenido una estrecha colaboración con el Festival de Bayreuth, donde fue el primer inglés que dirigió una nueva producción, y con Amsterdam, Zürich, Geneva, Berlin y Sydney.Posee una vasta discografía con múltiples orquestas con un repertorio que abarca Verdi, Strauss, Wagner y música contemporánea. En noviembre de 2011 copresentó una serie en la BBC llamada “Symphony”. Entre sus próximos compromisos figuran conciertos con Boston Symphony, Chicago Symphony, National Symphony Orchestra of Washington, London Symphony Orchestra, London Philharmonic Orchestra, Russian National Orchestra, Netherlandas Radio Philharmonic, Rotterdam Philharmonic, Bergen Philharmonic, Budapest Festival Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia y Vienna Symphony.Fue ordenado caballero en 2008. En 1991 ganó un premio Olivier por su trabajo en la English National Opera y en 2006 fue nombrado director del año por la Royal Philharmonic Society. En 2011 fue nombrado miembro honorario de la misma sociedad.

Reconocida como una violinista emocionante y versátil, Leticia Moreno “cautiva tanto al público como a la crítica gracias a su carisma natural, virtuosismo y su profunda fuerza interpretativa”. En 2012 fue elegida y galardonada por la Comunidad Europa con el prestigioso premio Echo Rising Star. Ha actuado con Zubin Mehta, Esa Pekka Salonen, Christoph Eschenbach, Yuri Temirkanov, Krzysztof Penderecki, Andrés Orozco Estrada, Josep Pons, Juanjo Mena y Andrey Boreyko, entre otros, y con orquestas como Wiener Symphoniker, St Petersburg Philharmonic, Mahler Chamber Orchestra, Washington National, Mariinsky Orchestra, Maggio Musicale Fiorentino, Orchestre Philharmonique de Montecarlo, Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Academy of Saint Martin in the Fields, Orquesta Simón Bolivar y es invitada habitual de la mayoría de las principales orquestas españolas. Comenzó su temporada 2015/2016 con una gira por China con la Mahler Chamber Orchestra dirigida por Esa Pekka Salonen. Llevará a cabo una gira de recitales en Japón y su debut con The Hallé Orchestra dirigida por Sir Mark Elder, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Filarmónica de Qatar y Nurnberg Orquesta Filarmónica. En América del Sur tocará esta temporada con la Orquesta Sinfónica Nacional de Perú, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica de Yucatán y OFUNAM en México, Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Orquesta del Teatro Municipal de Sao Paulo.En las próximas temporadas hará una gira con la Filarmónica de San Petersburgo y Yuri Temirkanov y realizará conciertos con Royal Philharmonic Orchestra, Weimar Staatskapelle y Krzysztof Penderecki, Naples Philharmonic y Andrey Boreyko, Puerto Rico Symphony Orchestra y su debut en Turquía tanto con la Borusan Philharmonic y Diego Mateuz como con la Bilkent Symphony Orchestra.Como solista entusiasta y músico de cámara, ha colaborado junto a Sol Gabetta, Bertrand Chamayou, Kirill Gerstein, Alexander Ghindin, Lauma Skride, Mario Brunello, Leonard Elschenbroich y Max Rysanov.Ha grabado recientemente dos discos con Deutsche Grammophon: Spanish Landscapes, un estudio de la Música Española (Sarasate, Lorca, Granados y Falla ) y el Concierto para violin n. 1 de Shostakovich con St. Petersburg Philharmonic dirigido por Yuri Temirkanov.Estudió con Zakhar Bron en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y en la Musikhochschule de Colonia, siendo la becaria más joven de la historia de la prestigiosa Alexander von Humboldt Stiftung. Ha ganado numerosos concursos internacionales de violín como el Szeryng, Concertino Praga, Novosibirsk, Sarasate y Kreisler.Leticia toca un Nicola Gagliano de 1762.

13

Budapest Festival Orchestra es una de las diez mejores orquestas del mundo. Su figura clave es su director musical Ivan Fischer, quien junto a Zoltán Kocsis fue uno de los padres fundadores. El sistema de trabajo de la orquesta alienta las cualidades artísticas de los músicos para mezclarlos generando un homogéneo sonido orquestal. Tanto la audiencia como los críticos coinciden en reconocer que su secreto reside en el persuasivo dinamismo con el que comparten la alegría de hacer música con el público.Durante décadas la orquesta se ha presentado al público con directores y músicos como Georg Solti - que hasta su muerte fue su principal director invitado-, Yehudi Menuhin, Pinchas Zuckerman, Gidon Kremer, Radu Lupu, Sándor Vegh, Sir András Schiff y Richard Goode. Iván Fischer ha realizado un gran esfuerzo para que el público húngaro pudiera escuchar a grandes figuras internacionales.La orquesta es invitada regularmente en el Carnegie Hall, Lincoln Center, Viena Musikverein, Concertgebouw de Amsterdam y en el Royal Albert Hall de Londres. También ha sido invitada en numerosos eventos y festivales como Salzburger Festpiele, Mostly Mozart Festival o Edinburgh International Festival.La orquesta organiza su propio festival centrado cada año en una nación diferente y tiene lugar en el Palace of Arts de Budapest.Dedica tres semanas al año a la comunidad húngara ofreciendo conciertos gratuitos proporcionando acceso a las familias en iglesias y sinagogas. Asimismo ofrece de manera habitual conciertos para públicos jóvenes.Durante años la orquesta ha recibido grandes premios y reconocimientos. En 2008 fue nombrada por la crítica como una de las nueve mejores orquestas del mundo. Ha obtenido dos distinciones en los Gramophone Awards, y su interpretación de la primera sinfonía de Mahler les proporcionó una nominación a los Grammy en 2013. En 2014 recibieron una Diapason d’Or y el Toblacher en Italia por su grabación de la quinta sinfonía de Mahler.

El Orfeón Donostiarra está considerado como la más importante agrupación coral de España. Su repertorio abarca un centenar de obras sinfónico-corales, más de cincuenta títulos de ópera y zarzuela y gran número de obras de folklore y polifonía. Mantiene el espíritu de coro amateur aunque con una dedicación de profesional capaz de ofrecer una media de 35 a 40 conciertos por año. Su director desde 1987 es José Antonio Sainz Alfaro.Participa con asiduidad en los festivales de música más importantes de España y también en algunos de los más relevantes de Europa, como los de Salzburgo, Montreux, los certámenes alemanes del Rhin y las Trienales del Rhur, el Festival de Lucerna, el de Saint-Denis de París, el de Chorègies d’Orange o el de Radio France y Montpellier.De entre los numerosos directores con los que ha trabajado destacan Abbado, Argenta,

La monumental tercera sinfonía de Mahler interpretada por la Budapest Festival Or-chestra, el Orfeón Donostiarra con su coro de niños y el premiado Iván Fischer

LUNES 22 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

BUDAPEST FESTIVAL ORCHESTRAORFEÓN DONOSTIARRAORFEÓN TXIQUIGERHILD ROMBERGER, contraltoIVÁN FISCHER, director

José Antonio Sáinz Alfaro, director del coro

Gustav Mahler • Sinfonía n. 3 en re menor

Duración total aproximada: 1 h 30’ sin descanso

Patrocinado por:

14

Barenboim, Chailly, Frühbeck, Gergiev, Gilbert Varga, López Cobos, Maag, Makerras, Maazel, Mandeal, Markewich, Masur, Mehta, Muti, Nézet-Séguin, Ozawa, Pletnev, Rattle, Salonen, Sokhiev, Stokovsky, Ticciati o Víctor Pablo Pérez.Ha colaborado con Berliner Philharmoniker Orchester, English Chamber Orchestra, Orquesta Filarmónica Checa, Orquesta Filarmónica de Dresde, Royal Liverpool Philharmonic, Rundfunk Sinfonie Orchester de Berlín, Orquesta Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Euskadi, Russian National Orchestra o la Filarmónica de Milán.Ha realizado más de 200 grabaciones.

Nacido en 1988, tras la idea inicial y el primer impulso que le imprimió Antxon Ayestarán, el Orfeón Txiqui tiene como fin asegurar la continuidad del Orfeón Donostiarra y proseguir con la labor iniciada en el Taller de Música que también funciona en el seno de la entidad. En la actualidad está compuesto por 126 niños y niñas.Desde sus comienzos, cientos de niños en edades comprendidas entre los 8 y 16 años pasan por las aulas, dos días por semana, y se educan musicalmente para convertirse en futuros cantores. Este coro infantil constituye la principal cantera del Orfeón Donostiarra. Los miembros del Orfeón Txiki toman parte en acontecimientos relacionados con la ciudad participando junto al Orfeón Donostiarra en la misa del día de San Sebastián en enero, así como en la Salve y la Misa del día de la Virgen, en agosto, en la Basílica de Santa María del Coro de la ciudad. Pero, además, protagonizan conciertos en solitario y con otros coros. Desde 1998 ofrecen un concierto benéfico a favor de UNICEF, “De los Niños para los Niños”, que se celebra en el Auditorio Kursaal de Donostia-San Sebastián cada 28 de diciembre.La formación dio el salto a los grandes escenarios en 1998 con la interpretación de la Kantata 98, que tuvo lugar en el Velódromo de Anoeta, junto a otros 37 coros infantiles, donde se estrenó la obra Jimmi Potxolo de Tomás Aragüés basada en textos de Bernardo Atxaga. Ha compartido escenarios con el Orfeón dentro de la ciudad en varias ocasiones. En el Festival de Santander y en la Quincena Musical donostiarra, junto a la Filarmónica de Israel y la dirección de Zubin Mehta interpretó la Tercera Sinfonía de Mahler, obra que volvió a cantar años después en la Quincena con la Orquesta de Rotterdam bajo la dirección de Yannick Nézèt-Seguin. Con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, el Orfeón y el Coro de la Radio Colonia-WDR intervino en la versión concierto de Otello que ofreció la Quincena Musical; en la versión de Carmina Burana para celebrar el 110 aniversario del Orfeón que tuvo lugar en el Velódromo de Anoeta y en el prólogo y el epílogo de Mefistofele, de A. Boito, con la Sinfónica Ludvig en Palacio Euskalduna de Bilbao. En 2014 se sumó al Orfeón para inaugurar la 75 edición de la Quincena y ofrecer en versión concierto La Condenación de Fausto con la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse y el maestro Sokhiev.También intervino en la Quincena Musical con Las Golondrinas, la ópera de José María Usandizaga que fue dirigida por Rubén Gimeno en versión concierto, junto a la Orquesta Nacional de España y el coro de esta entidad.En solitario, el Orfeón Txiki ha protagonizado conciertos en el Santuario de Lourdes (Francia) y en Madrid, dentro del programa de canto infantil “Padre Soler” de la Universidad Carlos III. Ha participado en varias ediciones del Ciclo de Órgano romántico que se celebra en la Basílica de Loyola de Azpeitia y en el Ciclo Matinées de Miramón organizado por el Orquesta Sinfónica de Euskadi. Tomó parte en el XX aniversario del coro Ángel Barja de la capital leonesa; en el concierto de Trescientas voces por la Paz que tuvo lugar en el Kursaal de Donostia junto a otras escolanías y coros; y en un concierto celebrado en este mismo auditorio junto al coro infantil francés “Le Petits Chanteurs de St. Marc”, intérpretes originales de la banda sonora de la película Los chicos del coro. En los últimos años ha actuado en numerosas ocasiones en apoyo al proyecto de la Capitalidad Cultural Europea Donostia 2016. En 2013, año de la conmemoración del bicentenario de la quema y reconstrucción de San Sebastián, el Txiki grabó un disco conmemorativo con la Banda de Txistularis del Ayuntamiento de la ciudad titulado Donostiako Kantu Zaharrak (Antiguas canciones donostiarras) con 15 temas de Raimundo Sarriegi, Pablo Sorozábal, Antonio Peña y Goñi, Norberto Luzuriaga, José Olaizola y José Juan Santesteban.Junto al Orfeoi Gazte –el coro juvenil del Orfeón– ha participado en la grabación de tres discos promovidos por el grupo de payasos “Pirritx, Porrotx eta Marimotots”: Sentitu, Pensatu,

15

Ekin con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Bizipoza y Txo, Mikmak Txikia. Este último reunió a músicos profesionales, actores, bertsolaris, trikitilaris y poetas. Actualmente, la dirección del Orfeón Txiki la comparten Esteban Urzelai – a su vez subdirector del Orfeón– y Montse Latorre. Gerhild Romberger nació y creció en Emsland. Después de estudiar en la Academy of Music de Detmold, recibió los consejos de Heiner Eckels y se graduó con las más altas calificaciones. Estudió con Mitsuko Shirai y Hartmut Höll la especialidad de lieder. En la actualidad reside con su familia en Detmold donde es conocida, desde hace mucho tiempo, como la profesora de canto de la Academy of Music.Como mezzosoprano su trabajo se ha centrado en conciertos, recitales de lieder y de música contemporánea. Su extenso repertorio le permite abordar roles tanto de contralto como de mezzsoprano, abarcando repertorio barroco, clásico, romántico y contemporáneo.En los últimos años ha ofrecido conciertos bajo la dirección de Manfred Honeck en los que han interpretado las sinfonías de Mahler, la Missa Solemnis de Beethoven, la Grosse Messe de Walter Braunfels. Ha actuado también con la Gewandhausorchester de Leipzig y la dirección de Riccardo Chailly, la Bayerischer Rundfunk Symphony Orchestra, y ha ofrecido numerosos conciertos con la Orquesta Klangverwaltung dirigida por Enoch zu Guttenberg, con Los Angeles Philharmonic y la Pittsburgh Symphony Orchestra, con Israel Philharmonic Orchestra y Herbert Blomstedt, con Kent Nagano en el Festival de Ingolstadt, con la Norddeustcher Rundfunk Symphony Orchestra dirigida por Thomas Hengelbrock, y la Berlin Philharmonic bajo la dirección de Gustavo Dudamel.En la temporada 2015/2016 actuará con la Wienner Symphoniker bajo la dirección de Daniel Harding, en la Scala de Milán con los que interpretará la Misa en Do Mayor de Beethoven con Franz Welser-Möst y la Orquesta Gulbenkian de Lisboa. Y junto a la Budapest Festival Orchestra realizará una gira que la llevará a Budapest, Roma, Bruselas, Barcelona, San Sebastián y Santander, y culminará con la grabación de un disco con la tercera sinfonía de Mahler.

Ivan Fischer es director musical y fundador de la Budapest Festival Orchestra, y director musical de la Berlin Konzerthaus y la Konzerthausorchester. Su reputación se ha visto incrementada recientemente por su faceta de compositor con las obras que se han estrenado en Estados Unidos, Holanda, Bélgica, Hungría y Austria. Es también director de un gran número de producciones de ópera.La relación entre Iván Fsicher y Budapest Festival Orchestra es una de las grandes historias dentro del mundo de la música de los últimos treinta años. La orquesta realiza de forma habitual giras por todo el mundo y grabaciones con Philips Classics y Channel Classics, lo que ha contribuido a que la figura de Iván Fischer sea reconocida como uno de los directores de fama mundial.Como director invitado ha trabajado con las mejores orquestas sinfónicas del mundo. Ha dirigido más de diez veces a Berlin Philharmonic y ha estado durante dos semanas cada año con Royal Concertgebouw Orchestra. Es invitado regularmente a dirigir las orquestas de Estados Unidos como New York Philharmonic y Cleveland Orchestra.Ha dirigido también la ópera de Kent y la Ópera Nacional de Lyon y ha sido director principal de la National Symphony Orchestra en Washington. Muchas de sus grabaciones han recibido numerosos premios y distinciones.Estudió piano, violín y más tarde violonchelo y composición en Budapest antes de continuar su educación en Viena con Hans Swarowsky.Es fundador de la Hungarian Mahler Society y patrono de la Academia Británica Kodály. Ha recibido el Golden Metal Award de manos del presidente de la República Húngara y el Crystal Award del World Economic Forum por sus servicios en la promoción cultural internacional. El gobierno francés lo nombró Chevalier des Arts et des Lettres. En 2006 recibió el Kossuth Prize, el premio húngaro más prestigioso, y en 2011 obtuvo el Royal Philharmonic Society Music Award, el Hungary’s Prima Primissima Prize y el Dutch Ovatie Prize. En 2013 fue nombrado miembro honorario de la Royal Academic Music de Londres.

16

La Pastoral de Beethoven

JUEVES 25 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

BALTHASAR - NEUMANN - CORO y SOLISTASBALTHASAR - NEUMANN - ENSEMBLETHOMAS HENGELBROCK, director

Programa

Ludwig van Beethoven • Sinfonía n. 6 en Fa Mayor Op 68 Pastoral

Joseph Haydn • Misa en Si bemol Mayor Hob XXII: 14 Armonia

Duración total aproximada: 1 h 50’

Thomas Hengelbrock fundó en 1991 el Balthasar-Neumann-Chor, que en muy corto plazo y bajo su dirección, ha conseguido alcanzar un prestigio internacional. En 2011 fue considerado por la renombrada revista británica Gramophone dentro de los mejores coros del mundo, se destaca de la serie de ensambles vocales internacionales, no tan solo, por su alta calidad musical, sino también por su variedad artística. Cada uno de los cantantes es capaz de sobresalir como solista, así como de fundirse completamente en la sonoridad general del coro, permitiendo una flexibilidad única en el reparto y pudiendo así abarcar un amplio repertorio. La labor artística se enfoca, junto a las obras del Romanticismo y estrenos absolutos, a la música de los siglos XVII y XVIII. Los sofisticados programas dramatúrgicos de concierto presentados por el coro, combinan música de Antonio Lotti o de Juan Dismas Zelenka raramente escuchada con obras de repertorio. Asimismo, el coro ha adquirido un excelente prestigio por sus innovadoras producciones escénicas, que vinculan los diferentes géneros. De esta fusión surgieron, junto a la estrecha cooperación con el actor Klaus Maria Brandauer y la actriz Johanna Wokalek, diversos proyectos músico-literarios. Dentro de éstos, se encuentra la grabación del disco Nachtwache, que entrecruza obras a capella del Romanticismo con lírica y prosa, y que estará sonando nuevamente durante el otoño de 2016. El coro es invitado a participar en los grandes escenarios y festivales de Europa. Asimismo cuenta con la colaboración de diversos directores, dentro de los cuales se encuentran, Pablo Heras-Casado y Rolando Villazón. La trayectoria musical de los Balthasar-Neumann-Ensembles ha sido objeto de importantes reconocimientos y condecoraciones, dentro de éstas: el Kulturpreis del Estado de Baden-Württemberg, varios Echos y recientemente, el Gromophone Award por la grabación del disco Lotti-Zelenka-Bach.

 En 1995, Thomas Hengelbrock fundó el Balthasar-Neumann-Ensemble, reuniendo a excelentes músicos internacionales que bajo su dirección, hoy en día cuenta internacionalmente, como uno de los mejores ensambles. Su gran prestigio, se debe a su estilo de precisión e innovadora interpretación musical. El Balthasar-Neumann-Ensemble se destaca por alcanzar una síntesis entre el trabajo de repertorio y la labor pionera, que caracteriza a los programas de conciertos y proyectos operísticos por igual abarcando diferentes épocas y géneros musicales. Así es característico para su labor artística, la interpretación musical sobre una base históricamente documentada de ejecución, por lo que las obras del Barroco temprano hasta la Modernidad son presentadas con un instrumental auténtico y adecuado a cada ocasión y sala de concierto. Obras conocidas relucen de esta forma por la frescura en sus interpretaciones, óperas de Mozart, Bizet y Vendi sorprenden en una nueva configuración de su sonido original. En 2013, el director artístico presentó junto a sus ensambles un destacado Parsifal en Dortmund, Essen y Madrid. El ensamble cuenta con invitaciones a los grandes escenarios, centros culturales de Europa y festivales internacionales como el Festival de Baden-Baden, la Opéra de Paris, el Teatro Real Madrid, el Konzerthaus Dortmund, Philharmonie Essen y el Festival de Salzburgo.

17

Junto a diversos proyectos elaborados entre el director artístico Thomas Hengelbrock y el Balthasar-Neumann-Chor, también directores como Teodor Currentzis o Pablo Heras-Casado procuran una colaboración con el ensamble. Dentro de las recientes publicaciones en DVD del ensamble se encuentra: Elisir d´amore de Donizetti con Rolando Villazón como director y cantante, al lado de Miah Persson y distribuida por Deutsche Grommophon, como Don Giovanni de Mozart con Anna Netrebko y Erwin Schrott, bajo el sello de Sony Music. 

 A través de su ingenio, su voluntad musicológica de descubrir y su forma de interpretación musical que no sigue ninguna línea, Thomas Hengelbrock cuenta contemporáneamente, como uno de los directores de orquesta más solicitado. Los programas de conciertos y proyectos de ópera que hace dos décadas junto al Balthasar-Neumann-Chor y al Balthasar-Neumann-Ensemble; y desde 2011 como director titular de la NDR Sinfonieorchester pone en escena, son sorprendentes, diversos y se salen fuera de lo común. A partir de la temporada 2016/2017, asume la posición de chef associé en la Orchestre de París.Thomas Hengelbrock logra en dramaturgias sofisticadas una fusión entre obras contemporáneas y obras del Barroco, entre lo conocido y obras maestras olvidadas. Lejos de las establecidas normas de interpretación, él cuestiona nuevamente la sinfónica y óperas del siglo XIX, y vincula en proyectos escénicos a diferentes géneros como la música, la literatura, la actuación y la danza.Thomas Hengelbrock es reconocido internacionalmente como director de ópera y maestro de conciertos. Debutó con la obra Tannhäuser de Wagner en el Festival de Bayreuth en 2011. Como director de orquesta recibió invitaciones de la Münchner Philharmoniker y de la Symphonieorchester del Bayerischer Rundfunk. Durante la última temporada se lo pudo presenciar por primera vez sobre los atriles del Concertgebouworkest Amsterdam y la Wiener Philharmoniker. Como director es invitado con regularidad por el Teatro Real Madrid, la Opéra de París, el Festival Baden-Baden y el Konzerthaus Dortmund, trabajando con grandes intérpretes de la ópera como Plácido Domingo, Cecilia Bartoli, Anna Netrebko y Christian Gerhaher.En 2013 causó sensación internacional junto a sus Balthasar-Neumann-Ensembles, por la calidad representativa de la obra de Parsifal de Wagner con una sonoridad original. Asimismo, Thomas Hengelbrock elabora en cooperación con la actriz Johanna Wokalek, programas músico-literales como Nachtwache con lírica y obras corales a capela del Romanticismo (grabación publicada en Sony Music).Como director titular de la NDR Sinfonieorchester, “inspira a Hamburgo” y “siempre despierta nuevas maravillas de la orquesta” (Hamburger Abendblatt). Cuenta con cuatro grabaciones en disco, entre ellas, las muy reconocidas sinfonías de Mahler, Dvorák, Mendelssohn, Schumann y Schubert. Como director y junto a la orquesta, ha realizado numerosas giras por Alemania, Europa y Asia.En 2015, debido a su gran compromiso y labor con la educación musical, Thomas Hengelbrock fue galardonado con el premio musical Herbert von Karajan, que le fue otorgado en enero 2016.Para el desarrollo artístico de Thomas Hengelbrock fueron importantes sus actividades como asistente de Antal Doráti, Witold Lutoslawski y Mauricio Kagel, a través de quienes tuvo contacto con la música contemporánea tempranamente. Asimismo le dio un impulso decisivo, su cooperación con el Ensemble Concentus Musicus de Nikolaus Harnoncourt. También destina, junto a su dedicación a la música de los siglos XIX y XX, gran parte de su trabajo a la interpretación historicista, contribuyendo de manera significativa y perdurable a establecer en las salas de concierto alemanas, la representación musical con instrumentos originales de la época.En los años 90, Thomas Hengelbrock crea con el Balthasar-Neumann-Chor y el Ensemble, resultados sonoros, que hoy en día se encuentran dentro de los más exitosos de su género. Entre 1995 y 1998, actúo como director artístico de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, asimismo durante los años 2000 y 2006, dirigió el Festival de Feldkirch y entre 2000 y 2003 trabajó como director musical de la Wiener Volksoper.

18

La Orquesta Sinfónica RTVE ha conmemorado su 50º aniversario en 2015. A ello se suman los 65 años de brillante trayectoria artística del Coro RTVE. Ambos, Orquesta y Coro, conforman una institución que supone una embajadora de excelencia cultural con vocación de servicio público. Se trata de la única formación sinfónico-coral en España que cumple una función audiovisual intrínseca, pues todo cuanto interpreta se difunde a través de TVE, RNE y RTVE.es, al tiempo que desarrolla una intensa actividad en la grabación de sintonías de radio y televisión, así como de bandas sonoras de series de TVE y de películas nacionales e internacionales.Actualmente la Orquesta Sinfónica y el Coro RTVE celebran más de 85 conciertos cada año distribuidos en la Temporada de abono, Ciclo de Jóvenes Músicos, Ciclo Coral, Ciclo de Radio Clásica (Música de Cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE), así como Galas Líricas y otros Conciertos Extraordinarios y pedagógicos. A ello se ha de sumar el medio centenar de ensayos generales abiertos al público, con carácter gratuito, donde se reciben cada semana a cientos de niños, jóvenes y personas de diferentes asociaciones y colectivos. La gran mayoría de los conciertos se celebran en el Teatro Monumental de Madrid. A lo largo del año, más de 75.000 personas acuden a este teatro como espectadores de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE. Su presencia es habitual en los principales festivales españoles, y su dimensión internacional se forja a través de sus giras y actuaciones en el extranjero, así como los intercambios con la Unión Europea de Radio-Televisión (UER).Entre los galardones recibidos recientemente figuran la ‘Medalla de Honor’ del Festival Internacional de Música y Danza de Granada; ‘Antena de Oro Extraordinaria’, otorgada por la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España; ‘Premio Iris a la Mejor Banda Sonora’ por la serie de TVE Isabel, concedido al compositor Federico Jusid y a la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE; y ‘Premio Iris Especial’ de la Academia de las Ciencias y las Artes de Televisión a la Orquesta Sinfónica RTVE por sus 50 años de brillante trayectoria profesional y por su aportación a la cultura musical española.

Nacido en Granada, Miguel Ángel Gómez Martínez dirige su primer concierto a los siete años. Comienza estudios de piano, violín y composición en su ciudad natal, continuándolos en el Real Conservatorio de Música de Madrid con Premio Extraordinario de Composición y Virtuosismo del Piano. Consigue varias becas internacionales y culmina su carrera en la Escuela

Las Noches en los Jardines de España de Manuel de Falla interpretadas por el gran Joaquín Achúcarro y la Orquesta de RTVE

SÁBADO 27 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVEMIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ, directorJOAQUÍN ACHÚCARRO, piano

Programa

I Joaquín Turina • La procesión del Rocío

Manuel de Falla • Noches en los Jardines de España  IIPiotr Ilich Tchaikovski • Sinfonía n. 5 en mi menor Op 64

Duración total aproximada: 1 h 45’

19

Superior de Música de Viena con Premio de Honor en Dirección de Orquesta, así como también se le distingue con el Premio Extraordinario del Ministerio de Educación y Ciencia de Austria, como alumno distinguido de Hans Swarowsky. Es invitado regularmente por los más importantes Teatros de Ópera: Berlín, Viena, Hamburgo, Múnich, Covent Garden, Paris, Ginebra, Houston, Chicago, Florencia, La Fenice, San Carlo de Nápoles, Massimo de Palermo, Roma y Scala. Además, dirige conciertos con grandes orquestas como la Gewandhaus Leipzig, Staatskapelle Dresde, Radio de Berlín, Radio Baviera de Munich, WDR Colonia, Bamberg, Filarmónica y Sinfónica de Viena, Oslo, Suisse Romande, Helsinki, Houston, Denver, Yomiuri Nippon, Tokio y las principales orquestas españolas. Participa en los Festivales de Berlín, Viena, Munich, Macerata, Aix-en- Provence, Orange, Granada, Santander, Varsovia, Enescu, San Sebastián, Helsinki, Savonlinna y Salzburgo. Como director titular y artístico ha estado a cargo de la Orquesta Sinfónica de RTVE, Teatro Lírico Nacional La Zarzuela, Teatro Nacional de Mannheim, Ópera Nacional de Helsinki, Orquesta Sinfónica de Euskadi, International Junge Orchesterakademie de Bayreuth, Orquesta de Valencia, Teatro de la Opera de Berna y Orquesta Sinfónica de Hamburgo, de la que es director de honor a perpetuidad. Ha compuesto la Suite Burlesca, Sinfonía n. 1 (del Descubrimiento), Cinco canciones sobre poemas de Alonso Gamo, Sinfonía n. 2 (del Agua), Ciclo de Canciones Cartas de un Enamorado, Réquiem Español, Concierto para piano y orquesta, Concierto para violín y orquesta, la ópera Atallah y Don Juan Tenorio, entre otras diversas obras para piano y diferentes grupos de cámara. Ha grabado con Decca, Orfeo, Rca, Bongiovanni, Hispavox, Claves, Teldec, Naxos, Philips y Ondine.Medalla de Oro de la Ciudad de Granada y Granadino del Siglo XX, también Miembro de la Real Academia de las Bellas Artes, Miguel Ángel Gómez Martínes es Medalla de Honor de las ciudades de Bonn, Savonlinna, Madrid, Munich, Baviera, Hamburgo, Morges, Berna, Mannheim y Houston, así como Miembro de Honor de numerosas organizaciones musicales internacionales. Además ha sido distinguido por el C.V.C. y el C.I.D. de la Unesco. El Rey D. Juan Carlos I le otorgó la Encomienda de Número de la Orden del Mérito Civil.

La impecable y modélica carrera artística de Joaquin Achúcarro, descrito por el Chicago Sun Times como “The Consummate Artist”, le ha valido la más alta reputación nacional e internacional. Nacido en Bilbao, durante sus años de estudiante ganó premios internacionales en España, Francia, Italia y Suiza, pero fue su triunfo en Inglaterra, en el Concurso Internacional de Liverpool de 1959 (ganado un año antes por Zubin Mehta en la modalidad de dirección de orquesta), así como las críticas entusiastas en los periódicos londinenses tras su debut con la Sinfónica de Londres en el Royal Festival Hall de la capital inglesa, lo que marcó el inicio de su carrera.Desde entonces, ha mantenido una actividad concertística internacional ininterrumpida que le ha llevado a sesenta países, actuando en salas como el Avery Fisher Hall y el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center de Washington ,la Philharmonie de Berlín, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Musikverein de Viena, el Royal Albert Hall y el Barbican Centre de Londres, y así como en Teatro Colón de Buenos Aires, la Salle Gaveau y la Salle Pleyel de París, el Teatro alla Scala de Milán, el Suntory Hall de Tokio y Opera House de Sydney. Ha ofrecido recitales y tocado como solista con más de doscientas orquestas diferentes, que incluyen la Berlin Philharmonic, New York Philharmonic, London Symphony, London Philharmonic, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, La Scala de Milan, Berlin Symphony, Berliner Sinfoniker, Sta. Cecilia de Roma, Sydney Symphony, Yomiuri Orchestra, Tokyo Symphony, Tokyo Philharmonic, National de France, Orchestre de Montreal, BBC Symphony, RIAS Berlin, WDR Köln, Nacional de Chile, Nacional de Mexico, de Venezuela, de Colombia, Tonkünstler de Viena, City of Birmingham, Hallé de Manchester, Royal Scottish y todas las grandes orquestas españolas. Ha actuado junto a más de 350 directores de orquesta: Claudio Abbado, Sir Adrian Boult, Riccardo Chailly, Sir Colin Davis, Zubin Mehta, Sir Yehudi Menuhin, Seiji Ozawa y Sir Simon Rattle.En posesión de innumerables premios y distinciones, en 2000 fue nombrado en París Artist for Peace por la Unesco en reconocimiento a «su extraordinaria labor artística». Es Accademico ad Honorem de la Accademia Chigiana de Siena (Italia), y en España ha recibido, entre otras condecoraciones, la Medalla de Oro a las Bellas Artes y el Premio Nacional de Música. En 2003, el Rey Don Juan Carlos le concedió la Gran Cruz de la Orden del Mérito Civil. En 2004 fue

20

nombrado “Hijo Predilecto de la Villa de Bilbao”. El 6 de mayo de 2014 Sony reeditó y puso en el mercado el famoso disco con la integral Goyescas de Granados que Achúcarro grabó en Londres. En marzo de 2013 se publicó en Francia su disco con la Fantasia y la Kreisleriana de Schumann que inmediatamente recibió en Paris el Choc de Classica, El Diapason y el Pianiste Maestro. Estos discos se unen a la publicación de sus últimos DVDs: uno con el concierto de Brahms n. 2 con la London Symphony y Sir Colin Davis, y otro con la Filarmónica de Berlin y Sir Simon Rattle con las Noches en los Jardines de España. Ambos fueron acogidos por la crítica internacional de manera entusiasta y se colocaron en los primeros puestos de Amazon, cuyo catálogo comprende más de 200.000 grabaciones. A petición del compositor, Joaquín Achúcarro reescribió y grabó para SONY su revisión del Concierto para piano de Joaquín Rodrigo. Igualmente ha conquistado premios con sus grabaciones de Falla, Granados, Brahms y Ravel publicadas por RCA, Claves y Ensayo.Desde agosto de 1989 es el titular de la cátedra J. Estes Tate de la Southern Methodist University de Dallas (Estados Unidos), combinando sus períodos de enseñanza con su apretada agenda de conciertos.En 2008, un grupo de personas e instituciones de Dallas creó la Joaquin Achúcarro Foundation «para perpetuar su legado artístico y docente» y ayudar a jóvenes pianistas en el comienzo de sus carreras.

21

¡Vuelven las bandas sonoras! Este año con la Orquesta Sinfónica de RTVE

DOMINGO 28 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

MÚSICA DE CINE

ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVECristóbal Soler, director

Programa

IAlfred Newman • Fanfarria de la Twentieth Century Fox

Jerome Moroos • The Big Country. Tema principal

John Williams • Indiana Jones. Riders March

Bernard Hermann • Psicosis. Suite

Leonard Bernstein • West Side Story. Danzas sinfónicas

IIMax Steiner • Lo que el viento se llevó. Tema de Tara

Bernard Hermann • Vértigo. Suite

Frederick Loewe • My fair Lady. Suite para orquesta

Ennio Morricone • La Misión. Tema de Gabriel

John Barry • Born free. Tema principal

Henry Mancini • Desayuno con diamantes: Moon river

John Williams • ET. Flying theme

Duración total aproximada: 1 h 45’

Patrocinado por:

La Orquesta Sinfónica RTVE ha conmemorado su 50º aniversario en 2015. A ello se suman los 65 años de brillante trayectoria artística del Coro RTVE. Ambos, Orquesta y Coro, conforman una institución que supone una embajadora de excelencia cultural con vocación de servicio público. Se trata de la única formación sinfónico-coral en España que cumple una función audiovisual intrínseca, pues todo cuanto interpreta se difunde a través de TVE, RNE y RTVE.es, al

22

tiempo que desarrolla una intensa actividad en la grabación de sintonías de radio y televisión, así como de bandas sonoras de series de TVE y de películas nacionales e internacionales.Actualmente la Orquesta Sinfónica y el Coro RTVE celebran más de 85 conciertos cada año distribuidos en la Temporada de abono, Ciclo de Jóvenes Músicos, Ciclo Coral, Ciclo de Radio Clásica (Música de Cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE), así como Galas Líricas y otros Conciertos Extraordinarios y pedagógicos. A ello se ha de sumar el medio centenar de ensayos generales abiertos al público, con carácter gratuito, donde se reciben cada semana a cientos de niños, jóvenes y personas de diferentes asociaciones y colectivos. La gran mayoría de los conciertos se celebran en el Teatro Monumental de Madrid. A lo largo del año, más de 75.000 personas acuden a este teatro como espectadores de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE. Su presencia es habitual en los principales festivales españoles, y su dimensión internacional se forja a través de sus giras y actuaciones en el extranjero, así como los intercambios con la Unión Europea de Radio-Televisión (UER).Entre los galardones recibidos recientemente figuran la ‘Medalla de Honor’ del Festival Internacional de Música y Danza de Granada; ‘Antena de Oro Extraordinaria’, otorgada por la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España; ‘Premio Iris a la Mejor Banda Sonora’ por la serie de TVE Isabel, concedido al compositor Federico Jusid y a la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE; y ‘Premio Iris Especial’ de la Academia de las Ciencias y las Artes de Televisión a la Orquesta Sinfónica RTVE por sus 50 años de brillante trayectoria profesional y por su aportación a la cultura musical española.

Cristóbal Soler ha desarrollado una trayectoria en constante ascenso, formada por un amplio repertorio tanto en el campo sinfónico como en el género lírico. La crítica ha sido unánime al destacar su carisma y profundidad interpretativa, además de una precisa y consolidada técnica de dirección. Todo ello, fruto de una formación sólida y rigurosa en Viena, de la mano de grandes directores como Nikolaus Harnoncourt, Wolfgang Sawallisch, George Prêtre, Vladimir Fedoseyev o Mariss Jansons. Durante sus seis temporadas como titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid, ha dirigido nuevas producciones como El Gato Montés (“Premio Lírico Teatro Campoamor” a la producción líricaespañola, 2013); Los Diamantes de la Corona (nominación en los “International Opera Awards 2015”); el estreno en época moderna de Galanteos en Venecia (nominación en los Premios Max, 2016). Además, posee un extenso catálogo de zarzuelas: El barberillo de Lavapiés; Pan y toros; Alma de Dios; El trust de los tenorios; Los claveles; La reina mora; Doña Francisquita; Luisa Fernanda; La Generala; La Revoltosa; La Verbena de la Paloma; Agua, azucarillos y aguardiente; El año pasado por agua; Los descamisados; Marina, El Dominó azul; La Dogaresa; La Gran Vía; Los Flamencos; La buena ventura; y Katiuska. En el campo operístico ha dirigido Don Giovanni, Le Nozze di Figaro, Cosí fan tutte, La Traviata, Rigoletto, L´elisir d´amore, Don Pascuale, La Sonambula, Carmen, Le Roi d’Ýs, Mireille, La Grande Duchesse de Gerolstein, Werther y Aida. En ambos géneros ha colaborado con directores de escena como Graham Vick, Pier Luigi Pizzi, José Carlos Plaza, Emilio Sagi o Paco Mir, actuando en teatros como Maestranza de Sevilla, Teatro Campoamor de Oviedo, Teatro de Opera de Sâo Carlos de Lisboa, Palau de les Arts de Valencia y Festival de A Coruña.Ha prestado especial interés a la recuperación del patrimonio lírico menos frecuentado, dirigiendo estrenos mundiales en época moderna de óperas como Le Revenant y Le Diable à Seville, de J. M. Gomis, Il Burbero di Buon Cuore de V. Martin y Soler, Los amores de la Inés, de Falla, o L´Indovina, de S. Giner. Igualmente, los proyectos pedagógicos forman parte de sus objetivos (estreno en España de Pinocho, ópera de P. Valtinoni), debido a su preocupación constante por la creación de nuevos públicos y el apoyo a las nuevas generaciones de músicos.Cristóbal Soler, nacido en Alcásser (Valencia), inicia sus estudios de dirección de orquesta con su maestro y mentor, José Mª Cervera Collado, del que será su director asistente en numerosas producciones de teatros como el Gran Teatre Liceu de Barcelona, el Teatro de la Zarzuela, o la Ópera de Karlsruhe. Tras finalizar sus estudios superiores de composición y dirección de orquesta, cursa el Máster de Dirección de Orquesta en la Universidad de Munich, con las máximas calificaciones. Ha sido director artístico musical y fundador de la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Valencia (1995-2010), que consiguió el 1º Premio del Concurso Internacional

23

de Jóvenes Orquestas Sinfónicas, celebrado en Viena en 1998.Tras recibir una invitación oficial de Reiner Bischof, secretario general de la Wiener Symphoniker, se traslada a vivir a Viena, donde fue asistente, durante dos temporadas, de grandes maestros como los citados Sawallisch, Prêtre, Fedoseyev o Mariss Jansons. Posteriormente, es invitado personalmente por Nikolaus Harnoncourt, durante la temporada 2003/ 04, en Viena, Graz, Berlín y Zúrich. Durante este periodo de formación integral en Centroeuropa, comienza a ser invitado por las principales orquestas españolas: ORTVE, OBC Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Navarra, OCG de Granada, y JONDE. Actúa con ellas en el Palau de la Música de Valencia, Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Cataluña o el Auditorio Baluarte de Pamplona. Ha dirigido conciertos con la Orquesta de Cámara de Lausanne (Victoria Hall, de Genève y Salle Metrópol, de Lausanne), además de giras nacionales e internacionales en Austria (Sala Mozarteum, en Salzburgo; Austria Center, en Viena); Francia; Portugal (O. Sinfónica Nacional); Polonia; R. Checa; Eslovenia; Rumanía; Cuba; Venezuela (O. Municipal de Caracas); México o Argentina.Entre sus grabaciones cabe destacar Historia del soldado, de Stravinski; la Guía de orquesta para jóvenes, de Benjamin Britten; la Obertura1997, Abu Simbel de Llopis y piezas de música clásica de Chapí, Falla, Granados, y Esplá, además de obras para violín y orquesta de Sarasate. Actualmente, ha iniciado una colaboración con la ORTVE, que estará centrada en conciertos, giras y grabaciones discográficas durante las dos próximas temporadas.Cristóbal Soler es presidente fundador de AESDO, Asociación Española de Directores de Orquesta.

24

Por fin en Santander Philippe Jaroussky con su grupo, el Ensemble Artaserse

MIÉRCOLES 31 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

PHILIPPE JAROUSSKY, contratenorENSEMBLE ARTASERSE

Tesoros de las primeras óperas

Pietro Antonio Cesti Le Disgrazie d’Amore • Sinfonia • Aria “Festeggia mio core! Acto III s. 3

Francesco Cavalli Il Giasone • Aria “Delizie contente, che l’alme beate” Acto I s. 2ª

Pietro Antonio Cesti Il Tito • Lamento de Polemone Acto III s. 8

Giovanni Legrenzi Il Giustino • Recitativo “O del Cielo ingiunta legge” • Aria “O ristoro de’ mortali” Acto I s. 7

Luigi Rossi Orfeo • Lamento d’Orfeo “Lasciate averno”

Giovanni Legrenzi • La Splimberga Sonata Op 2

Agostino Steffani Honorio • Aria “Dove sei? Cara mia speme” Acto II s. 11

Agostino Steffani Allarico il Baltha, Ré de Gothi • Ciacona “Gelosia, lascia m’in pace” A. I s. 15

Duración total aproximada: 1 h. 30’

Con poco más de 35 años, el contratenor Philippe Jaroussky se ha establecido como uno de los principales cantantes del panorama internacional. Así lo confirman los prestigiosos premios franceses Victoires de la Musique (Artista Lírico Revelación en el 2004; Artista lírico del año en 2007 y en 2010); y los premios Echo Klassik en Alemania, uno en 2008 en Munich (Cantante del Año) y otro en 2009 en Dresden (con L’Arpeggiata)Con una maestría técnica que le permite los más audaces matices y espectaculares pirotecnias, Philippe Jaroussky abarca un repertorio extremadamente amplio dentro del campo barroco, desde los refinamientos del XVII con compositores como Monteverdi, Sances o Rossi hasta el impresionante virtuosismo de Haendel o Vivaldi; siendo este último uno de los compositores que más frecuentemente ha interpretado en los últimos años, además de obras de Johann Christian Bach. Últimamente, también ha abordado un repertorio muy diferente, centrado en melodías francesas, junto al pianista Jerôme Ducros. Incrementando su interés por obras contemporáneas, Jaroussky interpreta un ciclo de obras compuestas por Marc André Dalbavie sobre los sonetos de Louise Labbé.Philippe Jaroussky ha tenido el placer de colaborar con algunas de las mejores formaciones barrocas, entre las que destacan Concerto Köln, l’Ensemble Matheus, Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre-Grenoble, Orfeo 55, Le Concert d’Astrée, L’Arpeggiata, Cercle de l’Harmonie, Europa Galante, Australian Brandenburg Orchestra, así como I Barrochisti, Freiburger Barockorchester, Appolo’s Fire, Anima Eterna, o la Venice Baroque Orchestra.

Patrocinado por:

25

Ha sido aclamado en las salas y festivales más prestigiosos de Francia como Théâtre des Champs-Elysées, Théâtre du Châtelet, Salle Pleyel, Salle Gaveau, Opéra de Lyon, Opéra de Montpellier, Opéra de Nancy, Arsenal de Metz, Théâtre de Caen; así como en el resto del mundo (The Barbican Center y Southbank Center de London, Palais des Beaux Arts de Bruselas, Grand Théâtre du Luxembourg, Konzerthaus en Viena, Staatsoper y Philharmonie de Berlin, Concertgebouw de Ámsterdam, Teatro Real de Madrid, Disney Hall en Los Ángeles, Carnegie Hall y Lincoln Center de New York...)En el año 2002 funda el Ensemble Artaserse, con el que actúa regularmente por toda Europa.Ya posee una impresionante discografía. Colaboró con la edición de Vivaldi de Naïve con Jean-Christophe Spinosi y el Ensemble Matheus. Como artista exclusivo del sello Erato-Warner (anteriormente Virgin Classics - EMI) sus grabaciones han recibido multitud de galardones. Su disco Heroes (arias de óperas de Vivaldi), recibió un disco de oro en 2007, el Diapason d’Or, el 10 de Classica-Repertoire, el Choc de la revista Monde de la Musique, el Premio Grammophone y el Timbre de Platino de Opera Internacional. Su álbum Tributo a Carestini (con Le Concert d’Astree y Emmanuelle Haim) fue disco del Año de los Premios Victoires de la Musique en 2008 y los Midem Classical en 2009. Obtuvo el 10 de Classica-Repertoire, así como el Timbre de Diamant de Opera Internacional. Su disco Opium, una colección de melodías francesas interpretadas junto con el pianista Jèrôme Ducros, ha obtenido un éxito similar.Ha redescubierto y grabado obras de Johann Christian Bach que aparecen en La Dolce Fiamma, y las arias para castrato olvidadas de Antonio Caldara que se recogen en el disco Caldara in Vienna. Con el Ensemble Artaserse recientemente ha grabado Pietà, enfocado en la música sacra de Vivaldi, así como Virtuosi Cantatas.En junio de 2011, Philippe Jaroussky debuta en los escenarios de Estados Unidos como protagonista en Niobe, Regina di Tebe de Agostino Stefani en Boston y Great Barrington. Vuelve posteriormente a Estados Unidos para actuar en diferentes festivales y conciertos (Los Ángeles, Berkeley, Duke University, Boston, Ann Arbour). La grabación en disco de Niobe fue lanzada en enero de 2015, acompañada de una gira Europea.En 2012 actúa junto a Cecilia Bartoli en el Festival de Salzburgo en la producción de Giulio Cesare y como resultado de esta colaboración, fue invitado por Cecilia a grabar duetos de Agostino Steffani con ella en su álbum Mission.Después de nueve meses sabáticos, Philippe volvió a la escena internacional en septiembre de 2013 con la Orquesta Barroca de Venecia y Andrea Marcon, con la gira Farinelli, realizando más de 50 conciertos (Paris, Moscú, Berlín, Frankfurt, Munich, Stuttgart, Luxemburgo, Bruselas, Madrid, Barcelona, Los Ángeles, Berkeley, New York, Chicago, Beijing, Shanghai, Taipei, Tokio, Seúl y Hong Kong, así como en España, donde se le pudo ver en el Teatro del Liceu de Barcelona, Auditorio Baluarte de Pamplona y Auditorio Nacional de Madrid). Durante la temporada 2013/14, ha tenido su debut con el Ensemble Orfeo 55, dirigido por Nathalie Stutzmann así como en la gira Stabat Mater de Pergolesi, con I Barocchisti, Diego Fasolis y la soprano Julia Lezhneva.En 2015/2016, Philippe es artista residente en Berlin Koncerthaus. La mayor parte de los proyectos de esta temporada estarán dedicados a Georg Friedrich Haendel. En julio, asistió por primera vez al Festival d’Aix en Provence, interpretando el papel de Ruggiero en Alcina (versión escénica de Katie Mitchell). Tendrá el mismo rol en la versión de concierto con Accademia Bizantina y Ottavio Dantone en invierno de 2016. El segundo tributo será a Theodora con Les Arts Florissants y William Christie en una versión escénica en el Theatre des Champs Elysées en París, y después en Nueva York y Amsterdam en versión de concierto.Philippe colaborará con la orquesta italiana Il Pomo d’Oro, bajo la dirección de Riccardo Minasi para la ópera Partenope, actuando conjuntamente en París, Essen, Madrid, Pamplona, Amsterdam. Philippe Jaroussky tendrá el honor de cantar la composición de Only the Sound remains de Kaija Saariaho (Amsterdam) en el Nationale Opera and Ballet. Es el padrino de la asociación IRIS, que representa a pacientes afectados por déficits inmunitarios primitivos.En España, sus últimas actuaciones fueron las ofrecidas en el Teatro Real de Madrid y en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, así como en el Auditorio de Girona y el Auditorio de Valladolid.

26

También ha realizado recientemente una gira en 2013 junto con la Orquesta Barroca de Venecia (Grand Teatre del Liceu, Pamplona y Auditorio Nacional).

En 2002, después de muchas colaboraciones en los más prestigiosos conjuntos barrocos de Francia y Europa, un grupo de amigos decidió formar el Ensemble Artaserse. Estos amigos eran Christine Plubeau (viola da gamba), Claire Antonini (tiorba), Yoko Nakamura (clave y órgano) y, por supuesto, Philippe Jaroussky (contratenor). En octubre de 2002, ofrecieron su primer concierto en el Teatro del Palais-Royal en París, con el programa Musiche a voce sola del compositror italiano Benedetto Ferrari. Esta selección musical fue grabada y editada por el sello francés Ambroisie, siendo galardonada después con numerosos y prestigiosos premios: Diapason, 10 de Classica-Repertoire, y Timbre de diamante por la revista Opera International.Más tarde otros músicos, como Alessandro Tamperi, se unieron al ensemble. La formación goza actualmente de gran reputación. Con la habilidad de adaptarse a numerosos repertorios, entre los que se incluyen Antonio Vivaldi o George Friedric Haendel. El conjunto fue actuando poco a poco en los más reconocidos y prestigiosos festivales y salas de conciertos de Francia: Ambronay, Sablé, Pontoise, Saint-Michel-en-Thiérache, Festival de Musique Ancienne de Lyon, Salle Gaveau, Auditorium du Louvre y los teatros de Chatelet en París, Versailles, y la Ópera de Bordeaux y de Nancy.Fuera de las fronteras francesas, Artaserse ha sido invitado a actuar en el Palais des Beaux Arts en Bruselas; Teatro Carlos III de El Escorial; Palau de la Música en Valencia o el Festival Via Stellae en Santiago de Compostela; así como el Festival de las Azores (Portugal); Festival de Música Antigua de Praga; South Bank Center y Barbican Center en Londres; y Philharmonie Hall en Cracovia (Polonia).Su discografía incluye títulos como Musiche a voce sola de Benedetto Ferrari (Ambroisie-Naïve) y sus dos aclamadas grabaciones para Virgin Classics: Virtuoso cantatas de Vivaldi y Beata Vergine con música italiana del s. XVII dedicada a la Virgen María (Timbre de Platine of Opera International).En 2010/2011, Artaserse hizo sus debut en el Theatre des Champs-Elysees con Philippe Jaroussky y Andreas Scholl. También ha actuado en el Barbican de Londres y en el Bozar en Bruselas. En junio de 2010, realizaron una importante gira por Estocolmo y en julio de 2011, fueron invitados a Japón por primera vez. En 2012, Artaserse llevó a cabo un programa con la contralto Marie Nicole Lemieux y Philippe Jaroussky Amor, Pasión, Celos y Furia en el s. XVIII, con el que fueron invitados a Halle, Essen, Toulouse, París, Poznan, Angers, Nantes, Mérignac, Baden Baden, Girona y Valladolid. En otoño de 2014, de nuevo junto a Philippe Jaroussky, realizaron una gira promocionando su álbum dedicado a los motetes de A. Vivaldi. Con el que actuaron por primera vez en Sudamérica (Sao Paulo, Buenos Aires, Montevideo, Lima, México).

DANZA

28

Isolda se despide de Brangäne mientras espera a Tristán para hacerle beber el filtro de la expiación que se convertirá en filtro de amor, simple coartada. Joëlle Bouvier explora, una vez más, uno de los grandes mitos, acompañado por la música de Richard Wagner. Después de haber presentado su visión de Romeo y Julieta pretende ahora compartir estos momentos de éxtasis en los cuales el odio se codea con las llamas de una pasión extrema. Los sufrimientos y los antagonismos parecen encontrar su resolución con la noche, con la muerte. La pasión reina y la música, “esa melodía que no muere nunca”, reúne a los dos amantes. Ningún coreógrafo, nunca, se había atrevido a tratar de esta forma el tema que subyace en la obra, esa idea de “languidecer y morir pero no morir de tanto languidecer” Eros y Ágape son omnipresentes y el amor ineludible resulta ser tan devastador como redentor. Pensando beber la muerte, los dos héroes beben el Amor. Y es el Amor el que se convierte en su muerte. Pero ¿y si todo lo que se opone al amor lo afianza? Una sublimación del romanticismo expresada por el lenguaje del cuerpo… Joëlle Bouvier formó, en 1980, compañía junto a Régis Obadia, juntos firmaron quince piezas coreográficas y cuatro cortometrajes con los que se presentaron en numerosos países y en festivales como FIPA d’Argent, llegando a ser seleccionados en la sección oficial del Festival de Cannes en 1989.Co- realizadora del Centro Coreográfico Nacional del Havre de 1986 a 1992 y del CNDC de Angers de 1993 a 2003.En 1993, presenta Le Pressentiment, un cortometraje con el que obtiene el Grand Premio del Festival de Grenoble y el Premio de la Búsqueda del Festival de Montecatini.A partir de 1998, comienza su carrera como creadora independiente: en 1999 Où en est la nuit, pieza para once bailarines de la Escuela Superior del CNDC l’Esquisse; después Fureurs, para el Festival Montpellier Danse; y el solo, Dépêche-toi!, en el Festival de Danza de Marsella. En 2000 crea para el público joven L’Oiseau Loup, con más de 100 representaciones entre Francia y otros países. Su pieza De l’Amour, coreografía para 8 bailarines es coproducida por la Escena Nacional de Sceaux. En 2003, invitada por Didier Deschamps, director del Ballet Nacional de Lorraine, crea Jeanne d’Arc, para diez bailarines, y posteriormente La Divine Comédie. Estas dos coreografías continúan hoy en día en el repertorio del Ballet de Nancy. En el marco de los Encuentros

La coreógrafa Joëlle Bouvier explora el terreno de los grandes mitos en Tristán e Isolda, una suerte de sublimación del romanticismo expresado con el lenguaje del cuerpo

MARTES 9 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVETristán e Isolda Salue pour moi le monde!

Tobias Richter, director general

Philippe Cohen, director del Ballet

Vacheron Constantin, asociado del Ballet du Grand Thèâtre

Joëlle Bouvier, coreografíaDaniel Dollé, dramaturgiaEmilie Roy, escenografíaSophie Hampe, vestuarioRenaud Lagier, iluminación

Duración total aproximada: 1h 30’ sin descanso

Patrocinado por:

29

Coreográficos Sceaux, como coreógrafa residente de 2004 a 2008 coreografía varias piezas para la Escena Nacional de Gémeaux: Le voyage d’Orphée, Face à face, un solo coproducido por el Theathe de la Ville de París, y Ce que la nuit raconte au jour.En 2009 presenta Dolls una pieza de hip hop en el Festival l Cités Danse Connections en Suresnes, y en mayo Roméo et Juliette, con música de Prokofiev, para los veintidós bailarines del Ballet du Grand Thèâtre de Genève. En 2010, la Compañía de Joëlle Bouvier se instala en la región de Borgoña y presenta su primera creación les enfants du désordre, en el Théâtre d’Auxerre.En 2012, viaja a Brasil invitada por la Sociedade Masculina de Sao Paulo para crear la pieza Avà, o homen que caminha, con siete bailarines masculinos. Paralelamente a su actividad de creación entre 2002 y 2007, realiza proyectos de animación de vitrinas para los Almacenes Le Printemps, en Paris. Y en 2010 y 2912 coreografía para la prestigiosa casa Hermès, en Paris.Ha recibido el Gran Premio de la Danza SACD y en 2005, obtuvo el Officier des Arts et Lettres.

A principios del siglo XX las mejores compañías de ballet eran invitadas al Théâtre du Neuve, entre ellas destacaron los bailarines Isadora Duncan y Nijinski con los Ballets Rusos. Es en su reapertura, en 1962, cuando el Grand Théâtre de Genève crea su propia compañía de Ballet. Su primera directora es Janine Charrat, a la que le sucederían: Serge Golovine, Patricia Neary, Peter van Dyck, Oscar Araiz, Gradimir Pankov, François Passard y Giorgio Mancini. Desde su nacimiento la compañía ha profundizado en la exploración de la pluralidad estilística de la danza del siglo XX y para ello ha trabajado con artistas como George Balanchine, que fue consejero artístico entre 1970 y 1978, Mikhaïl Baryshnikov, Rudolf Nourefev, Jirí Kylián, Ohad Naharin, William Forsythe o Lucinda Childs. En la actualidad, dirigidos por Philippe Cohen, el ballet está formado por veintidós bailarines de diversas nacionalidades. Todos ellos con formación clásica, son capaces de interpretar coreografías clásicas y contemporáneas. Cada temporada ponen en escena nuevas creaciones, reposiciones de piezas de repertorio, al mismo tiempo que realizan giras y ofrecen espectáculos para familias.

30

Y María Pagés se convirtió en Carmen, la voz de todas las mujeres

MARTES 16 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

YO, CARMENCompañía María Pagés

María Pagés, dirección y coreografía

El Arbi El Harti, dramaturgia

George Bizet, Sebastián Yradier, Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz, María Pagés, música

María Zambrano, Widdad Benmoussa, Akiko Yosano, Marguerite Yourcenar, Margaret Atwood, Belén Reyes, El Arbi El Harti, María Pagés, letras

Pau Fullana, diseño de iluminaciónMaría Pagés, diseño de vestuarioJosé Barrios, ayudante de coreografíaTaller María Calderón, teñido y pintura de telasÁngel Domingo, realización de vestuarioHarlequin Liberty, suelo

María Pagés, Eva Varela, Virginia Muñoz, Marta Gálvez, Nuria Martínez, Natalia González, Julia Gimeno, Sara Pérez y José Barrios, baile

Ana Ramón y Loreto de Diego, canteRubén Levaniegos y José Antonio Carrillo de Mora “Fyty”, guitarraChema Uriarte, percusiónSergio Menem, violoncheloDavid Moñiz, violín

Octavio Romero, regidorPato Bessia, lucesBeatriz Anievas, sonido

Producción de María Pagés Compañía. Colaboran Teatro Calderón de Valladolid (España), Dans Festival Splanade Theatres on the Bay (Singapore), Festival Les Nuits de Fourvière de Lyon (Francia), Festival Internacional Chejov de Moscú (Rusia) y Teatro Bunkamura de Tokio (Japón)

Con el apoyo de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid y el INAEM. Y el colaborador en el proceso de creación Centro Conde Duque

María Pagés Compañía

María Pagés, directoraEl Arbi El Harti, director adjuntoBeatriz de Torres, coordinadora generalBeatriz Anievas, coordinadora técnicaCarlos del Puerto, asistente de producciónJosé Barrios, coordinador de ensayosMarian García, administración

Duración total aproximada: 1 h 20’ sin descanso

31

Yo, CarmenMaría Pagés fue solicitada en más de una ocasión para hacer Carmen. Se negó, siempre. Sin embargo, siempre pensó que en algún momento sería necesario emprender una aventura creativa personal en torno al personaje. La coreógrafa piensa que la vida es algo que hay que tomar en serio. Y que al arte, como interpretación de la vida, sólo nos podemos acercar a través de la humildad de quienes consideran la creación como una responsabilidad ética. Como actitud responsable, rechaza el mito que ha secuestrado a la Carmen de Merimée porque considera que más que un mito, es un tópico construido por la sociedad masculina como instrumento para expresar sus pasiones.María Pagés espera con esta reflexión coreográfica reivindicar el deseo como consecuencia final de la emoción. El deseo reivindica la vida, el placer, la autonomía y la libertad. El nuevo y personal camino creativo de María Pagés está profundamente arraigado en su voluntad de hablar de las mujeres, desde la experiencia vital, emocional, física, sentimental y creativa de una mujer bailaora, coreógrafa, andaluza, española y reivindicadora de la universalidad. Para llevar a cabo este trabajo necesitó tiempo para vivir. Ahora, a los cincuenta años, cree que su aventura emocional e intelectual puede aportarle algo de distancia para hablar del mundo femenino al que pertenece. Su convicción es que “Carmen está en todas las mujeres y que todas somos Carmen”.

Con el título Yo, Carmen, María Pagés aspira a trascender el mito de la mujer fatal esculpido por Mérimée y por todas las versiones masculinas que se han hecho ulteriormente, salvo la Carmen, Burlesque, de Chaplin, a la que le salva la mirada paródica y humanista del mundo. El Yo pagesiano recoge a la mujer real, tal y como la coreógrafa lo siente y lo vive emocionalmente e intelectualmente. A la voz femenina María Pagés le pide y exige que tome la palabra para hablar de las mujeres tal como las mujeres sienten y viven. El Yo es la eclosión de la voz femenina, la voz de todas las mujeres oculta por la pertenencia a su género.

María Pagés cuenta una aventura genuinamente femenina en diez cuadros, integrados por ocho bailaoras/bailaores y siete músicos en directo, flamencos y clásicos. En Yo, Carmen, la mujer abre su emoción e inteligencia, como si de un abanico se tratara. En una narración potente, a través de solos y coreografías corales artesanalmente hiladas, expresa su conocimiento y contradicciones, sus amores y desamor, su fuerza y fragilidad, su inseguridad e insatisfacciones, su soledad, su sensualidad, la igualdad aún no alcanzada, la maternidad. La voz femenina reflexiona la rebeldía ante el maltrato femenino, las dependencias como consecuencia de un sometimiento ancestral respecto a los cánones sociales, las tradiciones, las religiones o las nuevas creencias, como la moda, la publicidad o la propia libertad.

Mujeres plurales, con fuerte singularidad, que recogen la diversidad del género que representan más allá de las diferencias, sean físicas, étnicas, religiosas, culturales o estéticas. Mujeres que bailan al ritmo de un principio de armonía, regularidad, medida y simetría, que luego rompen y recomponen, recogiendo de este modo, a través de sus cuerpos y sus movimientos, el cuerpo y el movimiento de la vida. Mujeres y palabra. Mujeres-palabra. Mujeres y lamentos. Mujeres que juegan, bailan, al compás de seguiriyas, soleas y alegrías. Cantan por tangos y tanguillos. Ríen y sufren. Irónicas y cómicas, bailan su soledad. Coreográficamente, los hombres se identifican y desarrollan la dimensión simbólica de las sombras y de los espejos, donde las mujeres se miran.

La música de George Bizet ha acompañado a la coreógrafa desde su infancia. Ha constituido un referente esencial en su educación sentimental y luego estética. En Yo, Carmen no sólo recurre a las partituras originales de Bizet, sino también explora el repertorio musical popular y clásico que la hicieron posible. En este sentido, se integra en la obra a Sebastian Iradier y otras músicas populares. En síntesis, María Pagés centra el trabajo musical de su nuevo proyecto en cuatro niveles: las músicas que inspiraron a Bizet, la propia partitura de la ópera, la reinterpretación y adaptación de algunos fragmentos clásicos en clave flamenca y, por último, la composición de la música flamenca original creada por Rubén Levaniegos, junto a Sergio Ménem y David Moñiz. Este trabajo musical es interesante en la medida en que permite cerrar

32

un círculo que recorre la interacción y el diálogo entre la música clásica, la música flamenca y la popular, interpretadas por un cuarteto de cuerda, constituido por guitarristas flamencos, un chelista y un violinista, acompañados por un percusionista. El cante está interpretado por dos cantaoras, con voces muy singulares, que van hilvanando la historia, a lo largo de la obra, a través de poesía original.

“De los innumerables escalonesque conducen a mi corazónél subió tan sóloquizás dos o tres.”Akiko Yosano

En Yo, Carmen las mujeres toman la palabra y la acción a través de la poesía. Para ello, la coreógrafa incluye poemas de escritoras pertenecientes a diferentes culturas y espacios geográficos, unidas todas por las mismas inquietudes. Voces singulares. Voces universales. Se interpretan los textos y poemas de María Zambrano, Akiko Yosano, Marina Tsvetáyeva, Marguerite Yourcenar, Margaret Atwood, Belén Reyes, Cécile Kayirebwa, Forug Farrojzad, Widdad Benmoussa y María Pagés.

Para María Pagés el trabajo sobre la luz es fundamental. Monta sus obras partiendo de la idea de Svoboda de que la iluminación esculpe la oscuridad, para extraerle una verdad dramática, una luz escenográfica. En consecuencia, la presencia de esta luz escenográfica en Yo, Carmen le permite a la coreógrafa crear, además de la consecuente belleza estética, los fundamentos escénicos que transforman los espacios, las historias y los personajes en paradigmas dramatúrgicos singulares y poéticos. La escenografía, tal como está concebida en Yo, Carmen, le permite a la coreógrafa proyectar la luz para generar sombras y transparencias, creando un juego de claroscuros que se complementan a través del movimiento coreográfico de los personajes femeninos o masculinos, en función de su situación. La referencia estética que le sirve de base es Artemisia Gentileschi y su especial modo de tratar la luz en su relación con el cuerpo, para captar la fuerte acentuación dramática de los personajes, en su proceso de vida. La escenografía no se constituye por elementos estáticos. Se concentra en el uso de muy diferentes objetos,como pueden ser libros, abanicos, bolsos, escobas o sillas-personas, que se convierten en personajes e interactúan con los las bailaoras, dando vida al espacio y a la historia.

Al igual que la piel es el vestido que envuelve nuestro cuerpo el vestuario de Yo, Carmen está concebido desde la idea de considerar al vestido como la prolongación y la extensión de nuestra piel. De este modo, el diseño de María Pagés aspira a invertir el orden social del hecho de vestirse. Lo hace para comprender la influencia social y moral sobre nosotros. A través de la simbiosis dramatúrgica y coreográfica, desea revelar a la mujer en su esencia. Cromáticamente, se trata de un vestido de color piel, recogiendo la diversidad de la piel humana, con sus matices, dibujados y perfilados, como si de un tatuaje se tratara. Otra variante del vestuario, asumirá los ecos de la moda y la influencia de los estereotipos sociales, producto de la publicidad y de la cultura del tópico.

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa poliédrica de María Pagés es su arraigado sentido ético de la cultura. Ella crea porque está convencida de que el arte lleva, en su esencia y en la emoción que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria, tomada en su sentido orgánico, integradora de la singularidad del Yo y de la diversidad del Otro. Para esta artista sevillana, iconoclasta por naturaleza, que ha hecho de la danza y del flamenco su patria poética, la modernidad es la tradición en movimiento y el dinamismo de nuestros lenguajes e ideas. Su aportación creativa y estética reside en su serenidad al hablar sin complejos con todos los lenguajes y hacer que acepten la hospitalidad mítica del flamenco.Utilizando los códigos fundamentales del lenguaje flamenco e investigando dentro y fuera del mismo, Pagés ha demostrado ser una pionera en el entendimiento del flamenco como un arte en evolución, contemporáneo y vivo. Ha superado en sus coreografías las diferencias culturales

33

convencida de que el diálogo entre los lenguajes artísticos favorece una mayor comprensión de la verdad orgánica del arte y de la vida. Roger Salas define muy bien su obra:“En todas las artes hace falta una Pagés. Nuestro tiempo es así: tremendamente competitivo y ecléctico; ella tiene su papel en las distinciones del ballet flamenco moderno. El eclecticismo llevado a extremos formales, donde destaca su medular heterodoxia, que termina imponiéndose con una personalidad singular.” (El País)

María Pagés comenzó su carrera en la compañía de Antonio Gades, al que considera su maestro indiscutible. En 2002 obtuvo el Premio Nacional de Danza (Creación) y el Premio de Coreografía ADE en 1996. Se le concede el Léonide Massine 2004 per l’Arte della Danza “Al Valore” y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2007. Los ocho Premios Giraldillo de la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla la confirman como una de las bailaoras y coreógrafas más importantes del flamenco. En 2014 se le concede la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En el año 1990 crea María Pagés Compañía y desde esa fecha ha producido las siguientes obras: Sol y sombra (1990), De la luna al viento (1994), El perro andaluz Burlerías (1996), La Tirana (1998), Flamenco Republic (2001), Canciones, antes de una guerra (2004), Sevilla (2006), Autorretrato (2008), Flamenco y poesía (2008), Dunas (2009), Mirada (2010) y Utopía (2011). Concibe y coreografía Ilusiones FM para el Ballet Nacional de España, la Soleá, paso a dos, para Ángel Corella, así como El himno de Europa, que también interpretó junto a Tamara Rojo. María Pagés y su compañía han sido invitadas a los más prestigiosos escenarios del mundo: Radio City Music Hall, City Center (New York); Sadler´s Wells Theater (Londres); Théâtre National de Chaillot (París); Kremlin Palace, Chekhov Festival (Moscú); Komische Oper (Berlín); Kolnmer Philarmonie (Colonia); Festspielhaus (Baden Baden); Teatro Beaux Arts (Bruselas); Bregenz Festspielhaus (Breguenz); Auditorio Parco della Musica (Roma); Piccolo Teatro di Milano (Milán); Teatro Romano (Verona); Bunkamura Orchard Hall, International Forum (Tokyo); Festival Hall, NHK Osaka (Osaka); Esplanade Theatre (Singapore); National Centre of the Performing Arts (Peking); National Theatre Taipei (Taiwan); Hong Kong Cultural Center (Hong Kong); Teatro Nacional Mohamed V (Rabat); National Arts Center/Centre Nationale des Arts (Otawa); Sony Center for the Performing Arts (Toronto); Grand Théâtre (Quebec); Place des Arts / Danse Danse (Montreal); Festival Cervantino (México); Teatro Mayor Julio María Santo Domingo (Bogotá); Teatro Real (Madrid); Teatro Liceu (Barcelona); Teatro Arriaga (Bilbao) y Teatro de La Maestranza (Sevilla), entre otros. A través de ARTEDEA, asociación fundada por la coreógrafa, desarrolla una intensa actividad solidaria y formativa, tanto en España como en otros países, como India, Mozambique, México, Panamá, Japón, Honduras y Marruecos.

CICLO DE CÁMARA Y MÚSICA ANTIGUA

36

Durante siete décadas, el Borodin Quartet ha sido aclamado por el conocimiento y con-trol absoluto del repertorio de música de cámara. Venerado por sus trabajos de Beethoven y Shostakóvich, el cuarteto abarca un amplio repertorio que incluye todas las épocas y estilos, desde Mozart hasta Stravinsky. Siente especial afinidad por el repertorio ruso, promoviendo, actuando y grabando cuartetos de cuerda de grandes figuras como Borodin, Tchaikovski y Shostakóvich, así como Glinka, Stravinsky, Prokófiev y Schnittke. La conexión del cuarteto con la música de cámara de Shostakóvich es intensamente personal debido a la estrecha relación con el compositor, quien supervisó personalmente el estudio de cada uno de sus cuartetos. El Borodin Quartet es ampliamente respetado por sus inter-pretaciones insuperables del ciclo completo de los cuartetos de Shostakóvich en ciudades de todo el mundo, incluyendo Viena, Zúrich, Frankfurt, Madrid, Lisboa, Sevilla, Londres, París y Nueva York. La idea de interpretar el ciclo completo surgió por primera vez de la mano del cuarteto. En las últimas temporadas, el Borodin Quartet ha vuelto a un repertorio más amplio, incluyendo obras de Schubert, Prokófiev, Borodin y Tchaikovsky, siendo igualmente acogidos y aclamados en las principales salas de conciertos de todo el mundo. El Borodin Quartet fue creado en 1945 por cuatro estudiantes del Conservatorio de Moscú. Au-todenominándose Moscow Philharmonic Quartet, el cuarteto pasó a llamarse Borodin Quartet diez años más tarde y sigue siendo uno de los pocos conjuntos de cámara consolidados desde entonces. El 70 aniversario del Borodin Quartet refleja la notable continuidad de los valores estéticos del cuarteto, así como la dedicación de todos sus miembros. El cuarteto, por su parte, ha mantenido desde entonces su compromiso con la belleza tonal, excelencia técnica y musi-calidad penetrante, conservando la cohesión y visión de conjunto en todos sus componentes, todos ellos formados en el Conservatorio de Moscú. Actualmente Ruben Aharonian, Sergei Lomovski, Igor Naidin y Vladimir Balshin forman el Borodin Quartet. Con motivo de su aniversario han actuado en todo el mundo, incluyendo ciudades como Mos-cú, San Petersburgo, Rotterdam, Tokio, Estambul, Montreal, Vancouver, Ámsterdam, Varsovia, Londres, Frankfurt, Hong Kong, Miami y Filadelfia, Berlín, Zúrich y Viena. Ha estado presen-te en festivales internacionales como el Schleswig Holstein, Rheingau, Tokyo Spring, Snape

DOMINGO 7 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

BORODIN QUARTET

Ruben Aharonian, violín Sergey Lomovski, violín Igor Naidin, viola Vladimir Balshin, violonchelo

Programa

IFranz Joseph Haydn • Cuarteto en Sol Mayor Op 33 n. 5 Hob III 41

Piotr Ilich Tchaikovski / (arreglo de Rotislav Dubinsky) • Children’s Album Op 39

IIAleksandr Borodin • Cuarteto de cuerda n. 2

Duración total aproximada: 1 h 35’

37

Proms, Istanbul Music y el Festival Dvorák de Praga. Sus programas incluyen los cuartetos de Mozart, Beethoven, Schubert, Tchaikovski, Myaskovsky, Shostakóvich y por supuesto, Borodin, así como quintetos con Boris Berezovsky, Alexei Volodin, Michael Collins, Elisabeth Leonskaja y Ludmila Berlinskaya.

38

Cuando Enrique Granados estuvo en París, tuvo ocasión de entablar amistad con Claude Debussy y Maurice Ravel, así como con otros muchos músicos, y hay trazos de ellos en su música.  Manuel de Falla fue contemporáneo, amigo y condiscípulo del maestro de Granados, Felipe Pedrell.Joaquin Turina fue también contemporáneo y amigo. Así, aunque Granados no tiene más música para violín, siendo esta sonata su único legado para mi instrumento, podemos enmarcar esta sonata dentro de este programa que hará sonar a algunos de los contemporáneos y amigos de Granados.Además en este programa se combinan algunas de las obras más emblemáticas y queridas del repertorio de violín dando a entender al oyente que la sonata de Granados es una auténtica joya.Leticia Moreno

Reconocida como una violinista emocionante y versátil, Leticia Moreno “cautiva tanto al público como a la crítica gracias a su carisma natural, virtuosismo y su profunda fuerza in-terpretativa”. En 2012 fue elegida y galardonada por la Comunidad Europa con el prestigioso premio Echo Rising Star. Ha actuado con Zubin Mehta, Esa Pekka Salonen, Christoph Eschenbach, Yuri Temirkanov, Krzysztof Penderecki, Andrés Orozco Estrada, Josep Pons, Juanjo Mena y Andrey Boreyko en-tre otros. Y con orquestas como Wiener Symphoniker, St Petersburg Philharmonic, Mahler Chamber Orchestra, Washington National, Mariinsky Orchestra, Maggio Musicale Fiorentino, Orchestre Philharmonique de Montecarlo, Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Academy of Saint Martin in the Fields, Orquesta Simón Bolivar. Asimismo, es invitada habitual de la mayoría de las principales orquestas españolas. Comenzó su temporada 2015/2016 con una gira por China con la Mahler Chamber Orchestra dirigida por Esa Pekka Salonen. Llevará a cabo una gira de recitales en Japón y hará su debut con Hallé Orchestra dirigida por Sir Mark Elder, con Royal Liverpool Philharmonic Orchestra,

En colaboración con:

La versátil violinista Leticia Moreno, ganadora del prestigioso Echo Rising Star, inter-preta la sonata para violín y piano de Granados en el centenario del compositor español

JUEVES 11 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

LETICIA MORENO, violínLAUMA SKRIDE, piano

En torno a Granados

Joaquín Turina • Poema de una sanluqueña. Op 28

Manuel de Falla • Siete canciones populares

Enrique Granados • Sonata para violín y piano H. 127

Claude Debussy • Sonata

Maurice Ravel • Tzigane

Duración total aproximada: 1 h 30’

39

con Filarmónica de Qatar y con Nuremberg Orquesta Filarmónica. En América del Sur tocará esta temporada con: Orquesta Sinfónica Nacional de Perú; Filarmónica de Jalisco; Sinfónica de Yucatán y OFUNAM en México; Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia; y la Orquesta del Teatro Municipal de Sao Paulo.En las próximas temporadas hará una gira con la Filarmónica de San Petersburgo y Yuri Te-mirkanov y conciertos con Royal Philharmonic Orchestra, Weimar Staatskapelle y Krzysztof Penderecki, Naples Philharmonic y Andrey Boreyko, Puerto Rico Symphony Orchestra, así como su debut en Turquía tanto con la Borusan Philharmonic y Diego Mateuz como con la Bilkent Symphony Orchestra.Como solista entusiasta y músico de cámara, ha colaborado junto a Sol Gabetta, Bertrand Chamayou, Kirill Gerstein, Alexander Ghindin, Lauma Skride, Mario Brunello, Leonard Elschen-broich y Max Rysanov.Ha grabado recientemente dos discos con Deutsche Grammophon: Spanish Landscapes - un estudio de la Música Española (Sarasate, Lorca, Granados y Falla) y el Concierto para violín n. 1 de Shostakovich con St. Petersburg Philharmonic dirigido por Yuri Temirkanov.Estudió con Zakhar Bron en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y en la Mu-sikhochschule de Colonia, siendo la becaria más joven de la historia de la prestigiosa Alexander von Humboldt Stiftung. Ha ganado numerosos concursos internacionales de violín como el Szeryng, Concertino Praga, Novosibirsk, Sarasate y Kreisler.Leticia toca un Nicola Gagliano de 1762.

Según el Bavarian Broadcasting Service la forma de tocar de Lauma Skride es “de extremada sensibilidad y siempre con un alto vigor virtuosístico” Combinado con una brillante técnica, son las cualidades con las que la pianista cautiva al público en las mejores salas de conciertos del mundo, tanto como solista como pianista de música de cámara.Lauma Skride ha ganado el Beethoven Ring en 2008. En las últimas temporadas ha tocado con Frankfurt Radio Symphony Orchestra, Hamburg Symphony Orchestra, Dresden Philharmonic, y la Orquesta de Gran Canaria. Bajo la dirección de Andris Nelsons, Kristjan Järvi, Anu Tali, Muhai Tang, John Storgårds, Pedro Halffter, André de Ridder, Yan Pascal Tortelier y Cornelius Meister.Toca de forma habitual con su hermana, la violinista, Baiba Skride, junto a la que realizó el estreno del Doble concierto de Hans Abrahamsen con la Royal Danish Orchestra y la Swedish Chamber Orchestra.Daniel Müller-Schott, Sol Gabetta y Julian Steckel, así como Jörg Widmann y Christian Tetzlaff y el Armida Quartett, son músicos con los que Lauma Skride comparte escenario habitualmente.Ha participado en el Festival de Schleswig-Holstein y en el de Rheingau, así como en la Gewandhaus Leipzig tocando los cuartetos con piano de Johannes Brahms.Grabó el ciclo para piano Das Jahr de Fanny Hensel en 2007, con el que ganó el premio Echo Classic como mejor joven artista.Lauma Skride nace en Riga en 1982, es la más joven de las tres hijas de una familia musical, Comenzó a tocas el piano con 5 años y fue la última alumna de Anita Paze en la Emil Darzin School of Music en Riga. Se trasladó posteriormente a la University of Music and Theatre en Hamburgo con una beca de Volker Banfield.Ha ganado numerosos premios entre los que se encuentran el Concurso Maria Canals y el Cleveland International Piano Competition en los Estados Unidos.

40

La vitalidad y el lirismo de Haendel con sus Trío Sonatas Op 2 y el talento de Al Ayre Español unidos en un “clásico” de la música antigua

SÁBADO 13 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

AL AYRE ESPAÑOLEduardo López Banzo, director

I vanni occultiTrío Sonatas Op 2 Georg Friedrich Haendel

I • Sonata op 2 no 6 en sol menor, HWV 391 • Sonata op 2 no 1 en do menor, HWV 386a • Sonata op 2 no 2 en sol menor, HWV 387

II • Sonata op 2 no 4 en fa mayor, HWV 389 • Sonata op 2 no 3 en si bemol mayor, HWV 388 • Sonata op 2 no 5 en sol menor , HWV 390

Duración total aproximada: 1 h 20’

Las alas ocultas…La vibrante y juvenil segunda opus de Georg Friedrich Haendel fue concebida, en su mayor par-te, en torno a 1717, en la época en que el compositor sajón escribía sus bellísimas antífonas de chandos. A diferencia de su Op. 5, una obra de madurez donde el compositor juega con una fusión entre sonata y suite y la música tiene un mayor grado de profundidad, la Op. 2 sigue el modelo italiano de Arcangelo Corelli en su estructura y contiene una buena dosis de virtuosis-mo instrumental y una vitalidad desbordante. Hay pasajes de un lirismo conmovedor, como el tercer movimiento de la primera sonata, que está inspirado en el aria Crede l’uom del oratorio Il trionfo del Tempo e del Disinganno, que Haendel había escrito diez años antes. Una parte del texto dice: “Crede l’uom ch’egli riposi quando spiega i vanni occulti…” (Cree el hombre reposar, cuando despliega sus ocultas alas). También hay momentos de una gran furia y desasosiego, como el último movimiento de la sexta sonata, que Haendel emplearía pocos años después para representar las olas del mar engullendo al ejército del faraón en su Israel en Egipto.

Al Ayre EspañolAlexis Aguado, violin IKepa Arteche, violín IIJames Bush, violoncheloXisco Aguiló, contrabajoEduardo López Banzo, director y clave

Más de 25 años en los festivales y teatros más importantes de Europa, 10 años como orquesta residente en el Auditorio de Zaragoza, 18 discos, premios internacionales (Premio Nacional de Música en 2004, entre otros) y distinciones (Embajador de Zaragoza desde 2011) y una incesante agenda de compromisos internacionales y actividades para las próximas temporadas confirman que Al Ayre Español es una de las referencias más destacadas del ámbito nacional.A lo largo de este cuarto de siglo ha actuado en Concertgebouw de Amsterdam, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Tonhalle de Düsseldorf, Konzerthaus y Filarmónica de Berlín, Théâtre des Champs Elysées y Cité de la Musique de París, Teatro Real y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música Catalana y Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Laeiszhalle de Hamburgo,

41

Library of Congress de Washington, Palais des Beaux Arts de Bruselas y Arsenal de Metz.Ha sido invitado al Festival de Pascua de Baden Baden, Festival Bach de Lepizig, Festival de Música Antigua de Utrecht, Internationale Festtage Alter Musik de Stuttgart, Schleswig-Holstein Musik Festival, Dresdner Musikfestpiele, Toulouse les Orgues, Festival de Ambronay, Festival Handel de Halle, así como en el Festival International d’ópera baroque de Beaune, Festival de Saintes, Festival Internacional Cervantino (México), Festival Monteverdi de Cremo-na, Authentica de Israel, Festival Via Stellae de Santiago de Compostela y Festival Antiquarium de Moscú.En 2015 han publicado su último disco, To all lovers of Musick, integral de las sonatas op. 5 de G. F. Haendel, para el sello holandés Challenge Records. En 2016 actuarán en Oslo, Madrid, Sevilla, Hamburgo y Primavera de Praga.La formación cuenta con el patrocinio de Ibercaja, Axial vinos, Industrias Químicas del Ebro, y Gobierno de Aragón y la colaboración del Heraldo de Aragón. La orquesta es Embajador de Zaragoza desde el año 2011.

Nacido en Zaragoza en 1961, Eduardo López Banzo es uno de los directores europeos que con más convicción ha hecho del historicismo su propia filosofía musical, con el propósito de aproximar a los músicos que dirige a las fuentes y espíritu de cada composición, y que hace que la música, siglos después, aparezca otra vez como fresca y novedosa para el oyente contemporáneo. Clavecinista de formación, estudió en Amsterdam con Gustav Leonhardt, quien le animó a trabajar en pro de la música barroca española. En 2004 logró que el grupo fundado por él en 1988, Al Ayre Español, consiguiera el Premio Nacional de Música, concedido por el Ministerio de Cultura del Gobierno de España, por más de veinte años de rigor musicológico y de excelen-cia en la interpretación, que ha dado lugar a que Al Ayre Español se convierta en un referente de interpretación historicista en toda Europa. Al frente de su grupo ha actuado en las salas más prestigiosas de todo el mundo, aunque también ha sido frecuentemente invitado a actuar como director con prestigiosas orquestas sinfónicas y de instrumentos históricos.En el terreno de la ópera Eduardo López Banzo es uno de los principales especialistas actuales en la producción dramática de Haendel habiendo participado en producciones escénicas en la Asociación de Amigos de la Ópera de Bilbao (ABAO/OLBE) con Al Ayre Español, en el Palau de les Arts de Valencia con la Orquesta de la Comunidad Valenciana y en la Ópera de Kiel (Alemania) con la Philarmonisches Orchester Kiel. Como pedagogo es requerido para impartir clases magistrales y cursos de especialización en las Universidades de Alcalá de Henares (Opera Studio), Zaragoza (Cursos de Jaca) y Salamanca, así como para la Escuela Superior de Canto de Madrid, el Centro Nacional de Difusión Musical (Ministerio de Cultura de España) y la Universi-dad Internacional Menéndez Pelayo, en Santander.Eduardo López Banzo es Hijo Predilecto de Zaragoza desde octubre de 2010.

42

Una fantasia escénica que mezcla la música antigua de Accademia del Piacere con la danza contemporánea de la Compañia Antonio Ruz

MARTES 30 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

COMPAÑÍA ANTONIO RUZ & ACCADEMIA DEL PIACEREÀ l’Espagnole (fantasía escénica)

Antonio Ruz, idea, coreografía y puesta en escenaFahmi Alqhai, dirección musicalMelania Olcina, Lucía Bernardo, Tamako Akiyama, Manuel Martín, Indalecio Seura, Jordi Vilaseca, interpretación y colaboración coreográficaFahmi Alqhai (viola da gamba), Mariví Blasco (soprano), Rodney Prada,Rami Alqhai, Johanna Rose (violas da gamba), Enrike Solinís (guitarra barroca ylaúd), Javier Núñez (clave) y Pedro Estevan (percusión), intérpretes musicalesEstévez / Paños, colaboración artísticaDaniela Presta, vestuario y atrezzoOlga García, diseño de iluminación y dirección técnica

Alqhai & Alqhai y Compañía Antonio Ruz, producción

Programa musical

Pierre Guédron • Cessez mortels de soupirer

Antoine Boësset • Frescos aires del prado

Luis de Briceño • Sarabanda - Danza del Hacha• Ay amor loco

André Campra • Entrée Espagnole de “L ‘ Europe galante”

Jean - Baptiste Lully • Le Burgeois gentilhomme (fragmentos)• Premier Air pour les Espagnols - Sarabande• Deuxième Air pour les Espagnols – Loure Marche• Sé que me muero de amor

François Couperin • Sonade & Pasacaille de “L’ Espagnole” (Les Nations)

Marin Marais • Prelude (Libro III de piezas de viola) & Sarabande à L’ Espagnole• Couplets de Folies d’ Espagne (Libro II piezas de viola)

Georg Philipp Telemann • Chaconne du Quatuour Parisien n.12

Duración total aproximada: 75’ sin descanso

Coproducción con:

43

À l’Espagnole es una fantasía escénica contemporánea basada en la influencia musical espa-ñola en la Francia del Barroco: una relación de amor-odio, de seducción-rechazo, de adopción y transformación de las formas à l’espagnole, originalmente a través de danzas venidas de América y asimiladas en España, que nos sirve como fuente de inspiración para ofrecer un espectáculo en el que la danza contemporánea, el teatro y la música barroca se dan la mano en un diálogo interdisciplinar. Bailarines y músicos que cantan y recitan en español y fran-cés, bastones que golpean el suelo con ritmos y sabores preflamencos, pequeñas luces que dejan entrever momentos de misteriosa poesía o que hacen brillar los bailes más festivos, elegantes patrones, diseños y tonos que nos conectan con una estética cuidada y actual... un apasionante experimento llevado a cabo por la Compañía Antonio Ruz en colaboración con Accademia del Piacere, dirigida por Fahmi Alqhai. Hecho por artistas de hoy, À l’Espagnole es un espectáculo de contrastes, de luces y sombras, divertido, sorprendente y nuevo. En una palabra, barroco.

La compañía Antonio Ruz es creada en 2009 por su director y coreógrafo Antonio Ruz. Tras haber sido seleccionada por la comisión artística del Centro de Danza Canal de Madrid en su primera convocatoria de residencias temporales en el proyecto No Drama. La compañía tiene como objetivo la investigación y la búsqueda en el campo del movimiento; huir de etiquetas, encontrar su propia identidad con la mezcla de lenguajes y colaborar con artistas de otras disciplinas como las artes plásticas, la música antigua y contemporánea para establecer un diálogo entre ellos. El equipo participa de forma activa en cada aspecto del proceso creativo dando al trabajo un enfoque de 360 grados: desde la luz a la escenografía o la coreografía. Desde una teatralidad abstracta, las cuestiones e inquietudes comunes sobre el cuerpo, su percepción y la ambigüedad, son algunos de los conceptos tratados en sus trabajos. El grupo está formado por bailarines-coreógrafos con una importante experiencia profesional y un alto nivel técnico e interpretativo que aportan, sin duda, calidad y originalidad al resultado final de las propuestas.Los trabajos de la Compañía Antonio Ruz se han presentado en España, Europa, África, América del Sur, y cuenta, en su trayectoria, con las producciones; No Drama, estrenada en el Teatro Pradillo de Madrid en 2010 y presentada en España, Alemania y Brasil; Recreo .01, pieza de calle estrenada en La Noche de los Teatros de Madrid 2011; Ignoto, Premio RCH a la mejor interpretación en el Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York 2011; Ojo, una coproducción del Festival de Otoño en primavera y Sasha Waltz and Guests, Premio Mejor Coreografía PAD (Asociación de Profesionales de la Danza de Andalucia) presentada en Madrid, Berlín, Atenas, Córdoba, Gijón y San Sebastián. En 2015 la Compañía estrena en el Festival Internacional de Música de Danza de Granada la producción À l’espagnole, fantasía escénica.

 La valentía de sus innovadores proyectos, la capacidad técnica de sus músicos y la fuerte personalidad artística de su director han hecho de Accademia del Piacere el grupo de vanguardia de la música antigua española y uno de los punteros en Europa.Desde sus comienzos en 2002, dedicados al repertorio alemán del XVIII, Accademia del Piacere ha profundizado y revelado nuevos matices en repertorios fundamentales de la música histórica, como el Seicento italiano, al que ha dedicado sus discos Le Lacrime di Eros (Premio Prelude Classical Music 2009) y Amori di Marte, centrado en el Combattimento di Tancredi e Clorinda de Monteverdi (Disco Excepcional Scherzo 2011 y CD Tipp en Toccata Magazine, Alemania), o la música de cámara francesa de la corte del Rey Sol, registrada en Les violes du Ciel et de l’Enfer (nominado al premio de la crítica europea International Classical Music Award 2011). En todos ellos la crítica ha destacado el fascinante y directo poder de comunicación hacia el público de Accademia, gracias a su concepción de la música histórica como algo vivo, lleno de emociones que sus músicos interiorizan como propias y transmiten al espectador.En 2011 Accademia del Piacere convulsionó el mundo de la música histórica con “Las Idas y las Vueltas”, una incursión por el mundo del flamenco y sus conexiones con la música barroca realizada en colaboración con el cantaor Arcángel, que le valió el Giraldillo a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 y un gran éxito discográfico a nivel europeo como cuarto CD del sello fundado por Fahmi y Rami, Alqhai&Alqhai.Igualmente valiente es su siguiente proyecto discográfico, que revive el apasionante mundo de la improvisación en la España de 1600: Rediscovering Spain (2013), donde de nuevo Alqhai

44

y Accademia arriesgan, y ofrecen nuevas glosas al público de hoy.Ha visitado recientemente el Konzerthaus de Berlín y el de Viena, la Philharmonie de Colonia, el Festival Händel de Halle, la Fundação Gulbenkian de Lisboa, el Festival de Música Antigua de Brujas, el Auditorio Nacional de Madrid y el Festival Internacional Cervantino de México, además de otros muchos festivales de Holanda, Alemania, Bélgica, Suiza, España... Los conciertos de Accademia del Piacere son regularmente emitidos en directo por la Unión Europea de Radiodifusión desde sus emisoras asociadas, como RNE, NDR de Alemania, Radio della Svizzera Italiana o la Radio Checa, y han aparecido en múltiples emisiones televisivas.Accademia del Piacere recibe el apoyo de:

Fahmi Alqhai es considerado hoy como uno de los más importantes intérpretes de viola da gamba del mundo, y uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música antigua, gracias a su concepción arriesgada, personal y comunicativa del acercamiento a los repertorios históricos.Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre palestina, pasa sus primeros once años de vida en Siria, donde comienza su formación musical a muy temprana edad. Más tarde en España estudia de manera autodidacta hasta ingresar en 1994 en el Conservatorio Superior de Sevilla Manuel Castillo para estudiar la viola da gamba con Ventura Rico. Continúa su formación en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea) y el Conservatorio della Svizzera Italiana (Lugano) guiado por los maestros Paolo Pandolfo y Vittorio Ghielmi, respectivamente. Paralelamente obtiene la Licenciatura de Odontología por la Universidad de Sevilla.Ya en 1998 comienza su carrera de solista especializándose en el repertorio alemán para la viola da gamba; sus versiones de las sonatas de viola da gamba y clave obligado de Johann Sebastian Bach, grabadas en 2004 junto a Alberto Martínez Molina, han tenido en todas sus actuaciones una inmejorable crítica tanto por el público como por la prensa especializada.En 2002 funda Accademia del Piacere junto a la soprano Mariví Blasco, conjunto del que es director. Es también fundador, junto a su hermano Rami Alqhai, del sello discográfico Alqhai & Alqhai, con el que ha producido y grabado cuatro CDs de Accademia, dos de ellos dedicados al Seicento italiano (Le Lacrime di Eros, Premio Prelude Classical Music 2009,  y Amori di Marte) y un tercero a la música virtuosa para viola da gamba de Marais y Forqueray (nominado a los International Classical Music Awards 2011). En 2012 Fahmi Alqhai recibió el Giraldillo a la Mejor Música de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 por la música de su cuarto CD, Las idas y las vueltas, junto al cantaor Arcángel. Como director de Accademia del Piacere Alqhai ha actuado en lugares como el Konzerthaus de Viena (Austria), el Konzerthaus de Berlín, la Philharmonie de Colonia (Alemania), la Fundación Gulbenkian de Lisboa (Portugal), el Parco della Musica de Roma (Italia), el Auditorio Nacional de Madrid (España), el Festival Internacional Cervantino de Guanajuato (México) y muchos otros.En 2014 presenta en Glossa su primer CD a solo, A piacere, cuya renovadora concepción de la viola da gamba histórica recibe una excelente acogida en España, Alemania y toda Europa. Para la revista británica Gramophone es un CD “extraordinario” que “lleva la viola da gamba a un nuevo terreno de gozoso potencial”, y “un feliz tributo a todo lo que la viola pudo haber sido, y puede aún ser”.Requerido desde muy joven por las mejores formaciones del panorama internacional de la música antigua, ha sido integrante habitual de numerosos y afamados conjuntos, tales como Hesperion XXI (Jordi Savall) o Il Suonar Parlante (Vittorio Ghielmi). Es miembro fundador de More Hispano (Vicente Parrilla). Con ellos, con Accademia del Piacere y en recitales a solo ofrece regularmente conciertos en las mejores salas de Europa, Japón, EEUU y Latinoamérica.En calidad de solista ha actuado con orquestas de la talla de Orquesta Nacional de España, Orquesta Filarmónica de Galicia, Ensemble Vocal de Lausanne (Michael Corboz), Orquesta Barroca de Sevilla y Al Ayre Español, entre otras. Realiza además incursiones en el campo de la música contemporánea y el jazz con artistas de la importancia de Uri Caine.Ha realizado numerosas grabaciones para sellos discográficos (Alia Vox, Glossa, Winter & Winter, Tactus, Arsis, Enchiriadis, etc.), televisiones y radios de Europa, Asia y América.Desde 2009 es director artístico del FeMAS, Festival de Música Antigua de Sevilla.

RECITALES

46

Paul Lewis está considerado internacionalmente como uno de los pianistas más importantes de su generación. A lo largo de su carrera ha sido galardonado con prestigiosos premios: Instrumentista del Año de la Royal Philharmonic Society, dos premios Edison, tres premios Gramophone, el Diapason D’or de l’Annee, Premio Internazionale Accademia Musicale Chigiana y el South Bank Show Classical Music Award. En 2009 fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Southampton.Toca regularmente como solista con las orquestas más importantes del mundo y es invitado frecuentemente en festivales como Lucerna, Mostly Mozart (Nueva York), Tanglewood, Schubertiade, Salzburgo, Edinburgo, y los Proms de la BBC de Londres donde en 2010 fue el primer pianista en realizar el ciclo íntegro de los conciertos de piano de Beethoven en una sola temporada. Su carrera de recitales lo lleva a escenarios como Royal Festival Hall, Londres, Alice Tully y Carneige Hall, Nueva York, Musikverein y Konzerthaus, Viena, Theatre des Champs Elysees, Paris, Concertgebouw, Amsterdam, Filarmónica y Konzerthaus, Berlín, Tonhalle, Zurich, Palau de la Música, Barcelona, Symphony Hall, Chicago, Oji Hall, Tokio, y el Recital Centre de Melbourne.Su discografía para el sello Harmonia Mundi abarca obras para piano solo de Mussorgsky y Schumann, las sonatas íntegras y conciertos de Beethoven y todas las principales obras para piano de Schubert, incluyendo 3 ciclos de canciones con el tenor Mark Padmore. Entre las futuras grabaciones destaca el concierto n. 1 para piano de Brahms con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia dirigida por Daniel Harding. Paul Lewis estudió con Joan Havill en la Guildhall School of Music and Drama en Londres antes de comenzar clases particulares con Alfred Brendel. El pianista y su esposa, la chelista Bjorg Lewis, comparten la dirección artística el Midsummer Music, un festival anual de música de cámara celebrado en Buckinghamshire, Reino Unido.

Vuelve Paul Lewis, con su delicadeza y exquisitez, para hacer disfrutar al público con Schubert, Brahms y Liszt

VIERNES 12 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

PAUL LEWIS, piano

Programa

IFranz Schubert • Sonata para piano n. 9 en Si Mayor D575

Johannes Brahms • Cuatro Baladas Op 10

IIJohannes Brahms •Tres Intermezzos Op 117

Franz Liszt • Après une lecture du Dante: Fantasia quasi Sonata 

Duración total aproximada: 1 h 40’Patrocinado por:

47

Una muestra del repertorio para voz y piano del maestro Granados en el centenario de su muerte

VIERNES 19 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

MARÍA JOSÉ MONTIEL, mezzosopranoRUBÉN FERNÁNDEZ AGUIRRE, piano

Programa

IHomenaje a Enrique Granados en el centenario de su muerte

Enrique Granados • Cantar I• El majo tímido • El tra la la y el Punteado• Cantar gitano • Tres majas dolorosas• Maja dolorosa I• Maja dolorosa II• Maja dolorosa III• La maja de Goya• Callejeo• Las currutacas modestas

IIJayme Ovalle

• Modinha• Azulao

Ernesto Halffter • Cançao do Bergo• Ai, che linda Moça

Reynaldo Hahn • A Chloris• Si me vers avaient des ailes

Ambroise Thomas • Connais-tu le pays de la ópera Mignon

Camille Saint-Saëns • Mon coeur s´ouvre a ta voix de la ópera Samson et Dalila

Duración total aproximada: 1 h 45’

Premio Nacional de Música 2015 otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, María José Montiel está considerada por revistas como Opera News (USA), Ópera Actual (España), Opéra Magazine (Francia), L?Opera (Italia) y Orpheus (Alemania) como una de las grandes mezzosopranos de la actualidad. La crítica alaba la belleza de su timbre, su delicadeza interpretativa y poder comunicativo. En 2014 y 2015 interpretó Carmen en Israel e Italia dirigida por Zubin Mehta, un personaje que ha paseado por los escenarios más importantes de Suiza, Italia, Alemania, Francia, España, Japón, China y Estados Unidos. La gitana de Bizet

En colaboración con:

Patrocinado por:

48

transformó a la mezzo madrileña en toda una revelación internacional y sus colaboraciones con Riccardo Chailly en obras como el Requiem de Verdi (Viena, Frankfurt, Milán, Budapest, Tokio o Leipzig) han consolidado ese imparable prestigio. Recientemente ha debutado el rol de Ulrica en Un ballo in maschera, de Verdi, en Israel y nuevamente junto a Mehta (julio de 2015) y el personaje de Dalila en Samson et Dalila, de Saint-Säens, en México (septiembre 2015). Entre sus próximos compromisos destacan el estreno absoluto de María Moliner, de Antoni Parera, en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y Shéhérazade, de Ravel, con la Orquesta de Valencia. Nace en Madrid donde cursa la carrera superior de canto en el Real Conservatorio de dicha ciudad, antes de trasladarse a Viena para perfeccionarse con O. Miljakovic. También cursa estudios de Derecho en la Autónoma de Madrid, universidad en la que además obtiene el DEA en Historia y Ciencias de la Música. Dueña de una carrera prolífica y de largo recorrido, María José Montiel ha cantado en los escenarios más importantes del mundo, como los del Carnegie Hall de Nueva York, La Scala de Milán, Kennedy Center de Washington, Salle Pleyel de París, Finlandia Hall de Helsinki, Musikverein, Konzerthaus y Staatsoper de Viena, así como NAC Ottawa, Cincinnati Symphony, Doelen de Rotterdam, Ópera de Budapest y Sidney Town Hall. También ha actuado en el Teatro Regio de Parma, Teatro Malibrán de Venecia, Teatro Verdi de Pisa, Teatro Comunale de Bolonia, Festival de Bregenz, La Fenice de Venezia, Teatro Verdi de Trieste, NHK Hall de Tokio, Staatsoper Bern, Sala Filarmónica y Teatro de la Ópera de Varsovia, así como en el Teatro de La Monnaie de Bruselas, New National Theatre de Tokio, Opéra National de París. En España se ha presentado en el Teatro Real y Auditorio Nacional de Madrid, Gran Teatre del Liceu y Palau de la Música Catalana de Barcelona, Palau de la Música y Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia y la práctica totalidad de los teatros y auditorios de España. Además de ser considerada como una de las grandes intérpretes de Carmen de la actualidad, en su repertorio también figuran óperas como Aida (Amneris), Les contes d’Hoffmann (Giulietta), La Favorita (Leonora), La clemenza di Tito (Sesto), Le nozze di Figaro, Così fan tutte (Dorabella), Il Barbiere di Siviglia (Rosina) o Luisa Miller (Federica), así como Medea (Neris), L’heure espagnole o L’enfant et les sortilèges.Ha participado en la recuperación de la ópera Pepita Jiménez (Albéniz), en el estreno absoluto de Merlin (Albéniz) y en las primeras audiciones de obras de compositores contemporáneos como Ojos Verdes de Luna, de Tomás Marco o Eufonía, de Xavier Montsalvatge, además de piezas de Cruz de Castro, Peris, Bernaola, Barce o Anton García Abril, de quien ha interpretado buena parte de su repertorio vocal. En la reinauguración del Teatro Real de Madrid interpreta el rol principal de la ópera de Manuel de Falla La vida breve junto al tenor Jaime Aragall y bajo la dirección escénica de Francisco Nieva. En este mismo escenario interpreta Las Golondrinas, de Usandizaga, junto a Vicente Sardinero y la dirección de José Carlos Plaza. En el Real también participa en la gala centenario de la SGAE junto a Montserrat Caballé y Alfredo Kraus y en la Gala XXV Aniversario de la Constitución Española. Ha protagonizado recitales junto a Plácido Domingo por todo el mundo y en la reinauguración del Teatro Avenida de Buenos Aires, así como la zarzuela Luisa Fernanda en el estreno del género lírico español en La Scala de Milán para después realizar una gira con la obra maestra de Moreno Torroba por la Washington National Opera, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Los Ángeles y el Teather an der Wien (Viena). Su discografía abarca un total de 17 discos, trabajos que ha realizado para sellos como Dial, BIS, RTVE, Ensayo, Fundación Autor, Deutsche Gramophon y Stradivarius. Ha sido finalista de los Premios Grammy por su disco Modinha recientemente reeditado. Ha recibido el premio a la Mejor Cantante Femenina de Ópera en la edición 2011 de los Premios Líricos Teatro Campoamor. Otros reconocimientos recibidos durante su trayectoria son el Premio Lucrecia Arana, el Premio Federico Romero de la SGAE, el Premio Ojo Crítico de RNE y el de la CEOE, Fundación Coca-Cola España al mejor intérprete por la calidad de su voz, su temperamento expresivo y versatilidad de repertorio. En 2007, además, fue galardonada con el Premio de Cultura en la modalidad de Música que otorga la Comunidad de Madrid.

Rubén Fernández Aguirre nace en Barakaldo (Vizcaya) en 1974. Realiza sus estudios superiores de piano en Vitoria con Albert Nieto y de Correpetición (acompañamiento de cantantes) en Viena con David Lutz y en Munich con Donald Sulzen. Recibe además los consejos de Félix Lavilla, Miguel Zanetti y Wolfram Rieger.

49

Repertorista en Cursos y Clases Magistrales de Renata Scotto, Jauma Aragall, Ileana Cotrubas, Simon Estes, Ana Luisa Chova, Enrique Viana o Emilio Sagi. Ha sido pianista oficial del Concurso “Operalia 2006” (presidido por Plácido Domingo) y maestro correpetidor en el Palau de la Música de Valencia, el Teatro Real de Madrid y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.Pianista habitual de cantantes como Carlos Álvarez, Ainhoa Arteta, Ismael Jordi, Nancy-Fabiola Herrera, José Manuel Zapata, Elena de la Merced, Celso Albelo, María Bayo, J. Miquel Ramón, Marina R. Cusí, David Menéndez, Isabel Monar, José Antonio López o Cristina Faus entre otros, también ha actuado con Mariella Devia, Cristina Gallardo-Domâs, Ruth Rosique, Leontina Vaduva, Simón Orfila, Isabel Rey, Mariola Cantarero, Christopher Robertson, Eglise Gutiérrez, Albert Montserrat, Yolanda Auyanet, Luís Dámaso, Anna Chierichetti, Pancho Corujo, Manuela Custer, Gabriel Bermúdez, Sabina Puertotas, José Luis Sola y Montserrat Martí, así como con los bailarines Ángel Corella e Igor Yebra.Actúa en la mayoría de festivales españoles (Granada, Perelada, Santander, Canarias, Segovia, Cádiz, Quincena Donostiarra, Ciclo de Lied de la Zarzuela, Schubertiada de Villabertran) y Teatros (Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Barcelona, Palau de les Arts de Valencia, Auditórium de Palma, Arriaga de Bilbao, Villamarta de Jerez, Cervantes de Málaga, Liceo de Barcelona..) así como en importantes escenarios de Europa (Musikverein de Viena, Teatro de La Monnaie de Bruselas, Festival Rossini de Pesaro, Slovenská Televízia de Bratislava), América (Carnegie Hall de Nueva York, Auditorio Nacional del Sodre de Montevideo), Oriente Medio (Damasco) y África (Argel). Además es pianista residente de los Ciclos Musicales de Santiago de Compostela y de Medina del Campo (Valladolid), y profesor de repertorio vocal de los Cursos de verano “Isaac Albéniz” de Camprodón (Girona) y de la Universidad del País Vasco en Bilbao.Ha estrenado obras de los compositores Antón García-Abril (Siete Canciones de Amor, Canciones del Recuerdo y Dos Cantares a la vida) y Miquel Ortega (Tríptico de Papasseit)En el año 2010 recibe el premio Ópera Actual “por su dedicación a la lírica y el creciente prestigio que está logrando en este campo”.

50

Ganador del Primer Premio y Medalla de oro y del Premio del Público Canon en el XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea (2015), Juan Pérez Floristán (Sevilla, 1993) comenzó a tocar el piano siendo muy niño. Con el paso del tiempo, esta elección acabaría dando sus frutos. Gracias a la formación pianística que recibe durante casi diez años de su madre, María Floristán, comienza a entrar en contacto con grandes personalidades de la música, tanto en España como fuera de ella: Daniel Barenboim, Nelson Goerner, Ana Guijarro, Claudio Martínez-Mehner, Menahem Pressler, Stephen Kovacevich, Klaus Hellwig, Marta Gulyas y Horacio Gutiérrez. Sin embargo, será otra profesora la que, durante cuatro años, se encargue de él en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, marcándole el camino profesional de forma definitiva: Galina Eguiazarova. Mención aparte merece Elisabeth Leonskaja, que, desde que le conociera, ha supuesto una ayuda inestimable tanto en su carrera como en su desarrollo personal y artístico, invitándole a festivales como el Ruhr Klavier Festival o el Sommets-Musicaux de Gstaad, Suiza. En su aún corta carrera no solo ha tenido una intensa actividad como solista con orquesta (Malmö SymfoniOrkester, Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Sinfónica de Málaga, Orquesta Sinfónica de Córdoba...) con directores como Pablo González, Marc Soustrot, Adrian Leaper, Juan Luis Pérez (su padre), Lorenzo Viotti, Christian Arming, Salvador Brotons, Víctor Ambroa, Antoine Marguier y Rubén Gimeno; sino que también ha desarrollado una intensa actividad camerística con formaciones como el Cuarteto Casals y el Fine Arts Quartet, acudiendo a festivales como el Festival de Verbier, el Festival de Les Arcs, o el Encuentro de Música y Academia de Santander. También ha empezado, lentamente, a introducirse en el mundo de la dirección de orquesta. Actualmente, a sus 22 años y después de su etapa formativa en Madrid, se encuentra en Berlín continuando su formación en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” con Eldar Nebolsin, su mayor influencia a día de hoy. Así mismo, ha contado con el gran apoyo de la Fundación Alexander von Humboldt, fundamental para su carrera y desarrollo, y de Juventudes Musicales de Madrid.

SÁBADO 20 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.

JUAN PÉREZ FLORISTÁN, piano

Claude Debussy •Préludes Ondine Général Lavine- exentrique  Canope C’est qu’a vu le vent d’ouest : Animé et tumultueux

Ludwig van Beethoven • Sonata para piano n. 14 en do sostenido menor “quasi una fantasia” Op 27 n.2 Claro de luna

Richard Wagner / Franz Liszt • La muerte de Isolda

Franz Liszt • Sonata en si menor S 178 Duración total aproximada: 1 h 35’

El ganador del Primer Premio y Medalla de Oro y del Premio del público Canon del XVIII Concurso Inter-nacional de Piano de Santander Paloma O’Shea

EN FAMILIA

52

Un concierto invadido por el humor y la poesía, por animales que surgen de la música y por once músicos que interpretan piezas envueltas por la fantasía...

Imaginemos el sueño de un fauno, que sueña con animales de África, de Asia, de Australia, nadadores, voladores, grandes, pequeños, lentos, veloces, prehistóricos, de granja y hasta de orquesta. Que sueña con música, con música que nos hará soñar. Imaginemos una orquesta, y un concierto y soñemos con Claude Debussy y Camille Saint-Saëns.Nos encontraremos con la realidad, un concierto invadido por el humor y la poesía, por animales que surgen de la música y por once músicos haciendo el animal, interpretando quince piezas musicales envueltas por la fantasía.Un encadenamiento de sorpresas sin más lógica que la de los sueños, sin más argumento que la propia música, un montón de animales sin más. Soñemos despiertos inmersos en un ambiente mágico. Imaginemos…¡Qué carnaval!El espectáculo comienza desvelando ante el público “el ritual” previo a un concierto. Los once músicos llegan con sus abrigos, bolsos y desde el patio de butacas acceden al escenario. Ante la mirada de los espectadores arman sus instrumentos, afinan, calientan, charlan... A partir de esas acciones cotidianas se pasa poco a poco a lo irreal: la irrupción en escena de una criatura fantástica, el fauno. Se trata de un fauno bebé que en su siesta soñará con animales de todo tipo. El animal mitológico imagina pues animales reales: un león, gallina, pollitos, hemiones, tortuga, elefante, pájaros, peces, canguros, burro, cisne, dinosaurio… Todos los personajes de la partitura de Saint-Saëns.

Etcétera es una compañía fundada en 1981, en Granada, por Enrique Lanz y Fabiola Garrido. La excelencia y versatilidad de su trabajo la han convertido en un referente de calidad dentro del teatro contemporáneo español. Su obra es sinónimo de rigor y vanguardia. Etcétera ha estrenado diferentes espectáculos entre los que destacan: Sypnosis (1985), Trans (1990), Pedro y el lobo (1997), La serva padrona (1998), Historia de Babar el elefantito (2001), Soñando el carnaval de los animales (2004), El retablo de maese Pedro (2009), La caja de los juguetes (2009), El alma del pueblo (2013), y El sastrecillo valiente (2013).

¿Es un carnaval? ¿Son animales? ¿Es un sueño? La Compañía Etcétera hará volar la imaginación de niños y mayores con su espectáculo de títeres y música

JUEVES 18 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 19 h.

SOÑANDO EL CARNAVAL DE LOS ANIMALESCOMPAÑÍA ETCÉTERA

Espectáculo musical para toda la familia a partir del Preludio a la siesta de un fauno, de Claude Debussy, y El carnaval de los animales, de Camille Saint-Saëns

Enrique Lanz, dramaturgia, escenografía, títeres y puesta en escenaMurtra EnsembleNoche Diéguez, actrizAraceli García, Yanisbel Martínez, Carlos Montes, Miguel Rubio y Álvaro Ortega, titiriterosMaría Doménech (A.I.I.), iluminaciónTíteres Etcétera, realización de títeres, escenografía y vídeosCoproducción de Etcétera y el Gran Teatre del Liceu, con la colaboración de la Junta de Andalucía

Para todo público a partir de 3 años

Duración total aproximada: 50’ sin descanso

53

Estas creaciones han conocido un significativo éxito por parte del público y la crítica, que les han permitido presentarse en los más importantes festivales de títeres y música a nivel internacional, viajando por una veintena de países, y actuando, además, en los teatros de mayor renombre de la escena española. El trabajo de Etcétera se podría identificar por la escenificación de obras musicales con títeres para todos los públicos. La compañía es líder en España en este género, y con su obra ha abierto la puerta de grandes teatros y festivales de música que ahora acogen a los títeres en sus programaciones. Etcétera ha allanado así el camino así a muchas compañías que siguen sus pasos. Pero más allá de esta evidencia, lo que distingue su obra es la poesía de sus espectáculos, la concienzuda búsqueda estética para crear los títeres y la investigación continua como motor y eje de todos los proyectos. Esto permite que cada espectáculo sea voluntariamente diferente en estética y técnica a los anteriores, y que la renovación sea permanente. Debemos destacar, por su repercusión pública, la colaboración con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona durante doce temporadas, y con el Teatro Real de Madrid, donde ha presentado cinco de sus espectáculos. Entre sus misiones se encuentra también la investigación, documentación y difusión del teatro de títeres tradicional y contemporáneo. Entre junio de 2012 y agosto de 2014 la exposición Títeres. 30 años de Etcétera, en el Parque de las Ciencias de Granada, mostró una antología de sus tres primeras décadas de trabajo. La muestra fue visitada por cerca de 800.000 personas.

54

Una merienda en el jardín en la que participarán tres instrumentistas, dos cantantes y una actriz y crearán una singular historia en la que los sonidos antiguos de la viola de gamba, el violín y la guitarra barroca se entremezclan con las voces y la acción dramática

JUEVES 21 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 19 h.

BARROKINO

Irene Echeveste, violínElena Martínez de Murguía, viola de gambaRafael Bonavita, guitarra barrocaRosa A. García, actrizAida Briceño, sopranoPaula Fernández, soprano

Kandela Iluminación, técnicoMikel Cañada, asesoramiento pedagógicoElena Martínez de Murguía, dirección musicalCharlotte Fallon, dirección escénicaAna Fernández, espacio escénico y atrezzoPilar López, Vestuario Izquierdo y El Taller de Begoña, vestuario y caracterizaciónJavier García, iluminaciónOrquesta Sinfónica de Euskadi y Teatro Paraiso, producción

Duración total aproximada: 50’ sin descanso. Para todo público a partir de 3 años

La colaboración entre la Orquesta Sinfónica de Euskadi y Teatro Paraiso (Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia 2012) es fruto del compromiso de ambas estructuras en el desarrollo de nuevas audiencias.

¿Por qué unir barroco y pequeña infancia?Abordar el universo barroco para compartirlo con la pequeña infancia ha sido un reto maravilloso.El arte barroco es dinámico, sensorial y apela directamente a los sentidos y a las emociones. La pequeña infancia es la etapa de la vida del ser humano en que la percepción del mundo está esencialmente bajo la primacía de los sentidos, las emociones y la motricidad,

La selección musical ha estado guiada por su contenido emocional en relación a la acción escénica. No se han seleccionado obras pequeñas, sino fragmentos de grandes obras confiando en la capacidad auditiva y de descubrimiento de los más pequeños.Hemos seleccionado obras de Corelli, Zala y Galdeano, Nebra, Bach, Biber y Vivaldi. Para tejer una singular historia en la que los sonidos antiguos de la viola de gamba, el violín y la guitarra barroca se entremezclan con las voces y la acción dramática.

Una merienda en el jardín es el escenario en el que se encuentran tres instrumentistas, dos cantantes y una actriz. Ella es la anfitriona que invita a sus amigos a compartir una tarde placentera alrededor de una mesa exuberante, con delicada cristalería y abundancia de fruta.En este espacio bucólico, el tiempo se detiene mientras juegan con la música y la danza, o comen y beben entre amigos.La ambientación y los vestidos de época evocan un cuadro barroco en movimiento.Barrokino es un singular proyecto musical y escénico que transmite emoción y placer, en un espacio poético dispuesto para la exaltación de los sentidos del espectador.

PROYECCIONESY COLOQUIOS

56

SÁBADO 6 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Pereda. 12 h.

MIERCOLES 17 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Pereda. 20:30 h.

Proyección “BACH, UNA VIDA APASIONADA”

Documental de la BBC sobre la vida y obra del compositor Johann Sebastian Bach John Eliot Gardiner, narradorV.O. en inglés subtitulada en español

Encuentro con Carlos Boyero, crítico de cine y Jesús Ruiz Mantilla, cronista musical y escritor.

Proyección de la película AMADEUS, de Milos Forman

Duración aproximada: 1h 30’

Duración aproximada: 3 h.

En colaboración con:

MARCOSHISTÓRICOS

58

Zambra Barroca o cómo es posible conseguir una suerte de mezcla barroca y flamenca

DOMINGO 7 AGOSTOEl Torco, fuerte antiguo • Suances. 21:30 h.

LUNES 8 AGOSTOJardines del Marqués de Albaicín • Noja. 22 h.

MARTES 9 AGOSTOPalacio de Peñas Blancas • Miengo. 21:30 h.

ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK BAROQUE ORCHESTRA

Eva Durán, canteEnrique García Ortega, contratenorMario Montoya, guitarra flamencaRamiro Morales, guitarra barroca y archilaúdJoan Espina, violínRoberto Terrón, contrabajoAndreas Prittwitz, saxo, clarinete y flautas de pico

ZAMBRA BARROCA

Henry Purcell • Ouverture de Dido and Aeneas, Z.626

Georg Friedrich Haendel • Piu d’una tigre altero de Tamerlano, HW 18, 1724

Popular flamenco • Tanguillo

Gaspar Sanz • Sarabanda y Xácara

Popular flamenco • Soleá

Henry Purcell • Morning Hymn de Harmonia Sacra

Antonio Vivaldi • Trio sonata en re menor, RV 63

Popular flamenco • Toná

Henry Purcell • Lamento de Dido de Dido and Aeneas, Z.626

Johann Sebastian Bach • Minuetos I y II de la Suite para violonchelo solo n. 1 en Sol Mayor, BWV 1007

En colaboración con:

Ayuntamiento de Suances

Ayuntamiento de Noja

Ayuntamiento de Miengo

59

¿Zambra o Zarabanda? Ambas palabras significan prácticamente lo mismo: jolgorio, bullicio, jaleo. En el flamenco como fiesta de los gitanos del Sacromonte de Granada – en el barroco en forma de danza popular, muchas veces censurada moralmente, o danza solemne en ritmo ternario.Dos mundos completamente diferentes, distintas épocas, distintas raíces (¿quizá alguna en común?), diferentes timbres e instrumentos que se unirán y convivirán durante este concierto, no solo gracias a la búsqueda de puntos en común sino por la generosidad y humanidad de ambos: los afectos, sentimientos y pasiones siempre han sido las mismas para todos…Los palos a interpretar son: chacona, bulería, folia, tanguillo, Bach, soleá, Vivaldi, fandango, Henry Purcell y toná…Eva Durán al cante, Mario Montoya al toque y las cuerdas pulsadas y frotadas de Lookingback. Como elemento “conciliador”, la improvisación y los timbres de los vientos de Andreas Prittwitz.Reunión de poderosos talentos de nuestra música que suman sus sensibilidades poliédricas para inventar una suerte de nuevo género, la zambra barroca, que es un ejercicio emocional e intelectual como aquellas misas flamencas que nos regalaba el añorado Enrique Morente de tarde en tarde. Al cante maduro e inteligente de la malagueña Eva Durán se le suma la voz erudita del contratenor sevillano Gabriel Díaz, más ese colchón de cuerdas con todas las garantías que incorpora el guitarrista Mario Montoya, y todo con el aval del proyecto Lookingback del saxofonista, clarinetista y flautista Andreas Prittwitz, que acaba redondeando todo el peso de esta audaz aventura cultural.

Malagueña de Estepona, Eva Durán es una cantaora curtida en numerosas compañías flamencas, (Joaquín Cortés, Antonio Canales, Joaquín Grilo...).También ha colaborado con solistas como Manolo Sanlúcar y Vicente Amigo. Es una cantaora abierta a la fusión del flamenco, como ha demostrado trabajando con figuras del jazz como Chano Domínguez, Jorge Pardo y Guillermo McGuill.Ha colaborado en grabaciones con Pepe de Lucía y Alejandro Sanz. En 2006 graba su primer disco Por Tango.

Jorge Enrique García Ortega canta habitualmente con grupos como La Capella Reial de Catalunya, “Bozes” de Al Ayre Español, La Hispanoflamenca, Ricercar Consort y Collegium Vocale Gent, y trabaja bajo la batuta de Jordi Savall, Diego Fasolis, Philippe Pierlot, Eduardo López Banzo, Lluís Villamajó, Walter Reiter, Bart Vandewege, Yannik Nezet-Seguin y Philippe Herreweghe. Ofrece conciertos tanto de solista como en grupos vocales en Europa y Estados Unidos en salas como De Doelen (Rotterdam), Muziekcentrum De Bijloke (Gante), Alice Tully Hall (New York), Concertgebouw (Amsterdam), Koningin Elisabethzaal (Amberes), Kölner Philarmonie (Colonia), Rosengarten (Manheim), Alte Oper (Frankfurt), Philarmonie Essen (Essen), DeSingel (Amberes), Eurogress (Aachen), Muziekcentrum Frits Philips (Eindhoven), Théâtre des Champs-Elyseés (Paris), Palais des Beaux-Arts/Bozar (Bruselas), Concertgebouw (Brujas) y Konzerthaus (Viena).Ha sido invitado como director por diferentes agrupaciones andaluzas, como la orquesta barroca Archivo 415 (Sevilla), la Sociedad Musical de Sevilla y el Coro Barroco de Andalucía. Profesor de Canto Histórico en la Muestra de Música Antigua “Castillo de Aracena” ha impartido clases de la Especialidad de Coro en los Conservatorios Paco de Lucía (Algeciras) Muñoz Molleda (La Linea de la Concepción) y el Conservatorio Profesional de El Ejido. Actualmente compagina su labor como cantante profesional a nivel internacional con la de Profesor de Canto. Es director

Claudio Monteverdi • Zefiro Torna, SV 251

Francesco Corbetta • Ciacona en sol

Antonio Soler • Fandango en re menor

60

del Conjunto Vocal “Virelay” - Capilla de Música de la Catedral de Cádiz desde su fundación, grupo con el que se está recuperando el patrimonio musical de la SEO, proyecto que está cristalizando en la colección discográfica “Archivo Musical de la Catedral de Cádiz” de la que ya hay tres volúmenes editados. También ha realizado dos trabajos discográficos con Collegium Vocale Gent (Novena Sinfonía de Beethoven y Gerontius Dream de Elgar) y una grabación en directo de la Pasión Según San Mateo de J. S. Bach para la televisión alemana. Es miembro fundador del Ensemble “Ars Hispaniae” para la recuperación y difusión de la Música Española que le ha llevado a actuar por Europa y América. Actualmente prepara con esta formación la edición de una grabación monográfica dedicada a José de Torres.

Mario Montoya nace en Madrid en el seno de una familia gitana de pintores. Comienza a tocar la guitarra a los 11 años de la mano de su hermano y de su tío Ramón Montoya. A los dieciséis años empieza a trabajar en los tablaos de Madrid, especialmente en el Café de Chinitas.Funda el grupo Cañorroto junto a los guitarristas Jesús de Rosario, David Cerreduela y Antonio Amador al cante, formación que sería absorbida por la compañía de Merche Esmeralda para su espectáculo Mujeres en 1996. En este mismo año une su vida profesional a la compañía de Sara Baras, de la que es miembro fundador con más de dos mil representaciones por todo el mundo. Compositor de todas las obras creadas en la compañía a excepción de Mariana Pineda, en la que interpreta música orquestada bajo la dirección de Manolo Sanlúcar. En 1998 participa en el Festival de Evian dirigido por el Maestro Rostropovich. Ha compartido escenario con artistas como José Carreras, Chavela Vargas y Tim Ries y renombrados artistas flamencos como Enrique Morente, Diego el Cigala, José Mercé, Rafael Farina, Guadiana, Remedios Amaya, Rafael Amargo, Diego Carrasco y Potito.Ha compuesto música original para el cortometraje Flamenco d´anza, ganador del primer premio del concurso de cortos “El Pópulo en escena” 2008.Ha participado como músico en los largometrajes de Carlos Saura Iberia (2005), Flamenco Flamenco (2010) y El Barbero de Picasso de Enrique Morente.Es seleccionado como jurado para el concurso de cante “Silla de Oro“en Madrid en 2010.

Andreas Prittwitz nació en 1960 en Munich (Alemania). Ha colaborado como solista de flauta de pico con diversas orquestas en Europa, en España con la OSA, OSPA y JOSPA, Orquesta de Cámara Española (Víctor Martín), Ars Nova o Atrium Musicae, Zarabanda, Orquesta de Cámara Ocas, y Orquesta del Círculo de Bellas Artes.Paralelamente, estudió clarinete y saxofón como autodidacta, adentrándose en el mundo de la improvisación (jazz, folk, músicas del mundo) y colaborando, tanto en grabaciones como en directo, con músicos como José Antonio Ramos, Jorge Pardo, Horacio Icasto, Canal Street Band, y Hot Club de Madrid, entre otros.Especializado como productor artístico y músico de sesión ha trabajado con las máximas figuras del panorama musical español, como Javier Krahe, Serrát, M. Ríos.  Víctor Manuel y Ana Belén, J. Sabina, L.E. Aute, Manola Tena, y Toreros Muertos.Tiene editados 12 discos (Colección TERRA) de música New Age, grabó junto a José Antonio Ramos el disco Y, finalista de los Premios de la Música 2005, premios que otorga la Academia de la Música. En 2009 vuelve a ser nominado como “Mejor Intérprete de Música Clásica” por el disco Looking back over the Renaissance, junto a Placido Domingo, Josep Carreras y E. Paniagua. En 2011 edita la segunda entrega de este proyecto: Lookingback over The Baroque y Flauta Dulce Flauta, grabación dedicada al repertorio de la flauta de pico solista. En de 2012 graba el tercer disco de la serie “Lookingback”, en este caso sobre música de Chopin con el pianista Daniel del Pino, estrenado en el Museo Thyssen-Bornemisza el 18 de febrero del mismo año. En 2014 edita junto a Isabel Álvarez e Iñaki Salvador Beau Soir.Con “Lookingback”, su principal proyecto ha actuado en infinidad de Festivales, tanto de música antigua como de jazz, o salas de conciertos como el Auditorio Nacional de Madrid o Teatro Arriaga de Bilbao con todas sus formaciones disponibles: desde el dúo con Daniel del Pino hasta la LBO, “Lookingback Baroque Orchestra” con los solistas de cuerda de la Orquesta Nacional de España.

61

La Tempestad dirige su mirada al triángulo entre Nápoles, Londres y la corte española de Madrid, presentando la faceta más desconocida de la música de Domenico Scarlatti: famoso por sus más de 555 sonatas para tecla, Scarlatti se formó en uno de los centros operísticos de la Europa del momento, Nápoles, donde estudió, al igual que J. A. Hasse, con su padre, Alessandro Scarlatti. Las primeras óperas de Domenico Scarlatti cosecharon grandes éxitos tanto en Nápoles como en Londres, donde igualmente gozaba de prestigio el compositor murciano Juan Oliver y Astorga, compositor de sonatas y canciones al gusto de nobles y salones. Ambos finalizaron su existencia en la Corte madrileña. El virtuosismo instrumental de las sonatas para tecla de Scarlatti deja paso en las que componen este programa (sonatas con bajo continuo) al influjo

En colaboración con:

En colaboración con:

DOMINGO 7 AGOSTOIglesia de Santa María de los Ángeles • San Vicente de la Barquera. 20 h.

MARTES 9 AGOSTOIglesia de San Juan • Colindres. 21 h.

MIÉRCOLES 10 AGOSTOIglesia de Santa María • Castro-Urdiales. 22 h.

LORETO ARAMENDI, organista de Santa María del Coro de San Sebastián

Obras de R. Wagner, D. Buxtehude, C. Saint-Saëns, J. S. Bach, G. Fauré y Ch. Tournemire

LA TEMPESTAD

María Eugenia Boix, sopranoSilvia Márquez, fortepiano y dirección artística

Felice e dolenteMelodía y voz en el universo de Domenico Scarlatti

Domenico Scarlatti • Sonata en re menor, K. 90

Juan Oliver y Astorga • Canciones italianas, para voz y clave (conservadas en la British Library de Londres, e intercaladas a lo largo del programa)

Domenico Scarlatti • Sonata en mi menor, K. 81

Johann Adolph Hasse • Fille dolce mio bene, Cantata à voce sola con flauto obbligato

Domenico Scarlatti • Sonata en re menor, K. 89

Domenico Scarlatti • Piangete, occhi dolenti, cantata de cámara

ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓNDE LOS ÓRGANOS DE CAN TABRI A

El premiado grupo de música antigua La Tempestad nos regala la melodía y la voz del universo de Domenico Scarlatti

Ayuntamiento de Colindres

Ayuntamiento de Castro Urdiales

62

nunca abandonado de la voz y de la melodía. La frontera entre la escritura melódica para tecla o la instrumental para voz se diluye, así como lo hace el “vivi felice” de Scarlatti con la expresión del dolor en sus cantatas.

Natural de Monzón (Huesca), María Eugenia Boix, obtiene el título profesional en su ciudad natal y Premio Extraordinario Fin de Carrera en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca, con los profesores Mª Angeles Triana y Javier San Miguel. Realiza un postgrado de canto con Enedina Lloris en la ESMUC y en el Conservatorio Superior de Bruselas, máster de Lied con Julius Drake, Mitsuko Shirai, Wolfram Rieger, Felicity Lott, Edith Wiens, Rudolf Jansen, Wolfgang Holzmair y Udo Reinemann. Amplía sus estudios en diferentes cursos de perfeccionamiento vocal y estilístico con Manuela Soto, Carlos Chausson, David Menéndez, Pedro Lavirgen, David Mason, Carlos Mena, Richard Levitt, Assumpta Mateu, Francisco Poyato, Carmen Bustamante, Eduardo López Banzo y Teresa Berganza. En 2007 gana el primer premio en las “Becas Montserrat Caballé-Bernabé Martí”. En 2009 recibe de manos de S.M. la Reina Doña Sofía una beca para ampliar estudios en el extranjero, la cual recibe de nuevo en 2010. En junio de 2012 es semifinalista en el prestigioso concurso Operalia, organizado por Plácido Domingo, realizado este año en Pekín (China). Ha cantado bajo la batuta de Federico Maria Sardelli, Carlos Mena, Mónica Huggett, Juan Carlos Rivera, Albert Recasens, Luis Antonio González, Eduardo López Banzo, Alejandro Posada, Miquel Ortega, Gennadi Rozhdestvensky, Jaime Martin, Paul Goodwin, Lionel Bringuier, Guillermo García Calvo y Sir Neville Marriner. Ha interpretado Réquiem de Mozart, Dixit Dominus de Haendel, Herminie de J. C. Arriaga, Missa St. Nicolai de Haydn, El Jardín Secreto de A. G. Abril, Aminta e Fillide de Haendel, Stabat Mater de Pergolesi, Cuarta Sinfonía de Mahler y A Midsummer Night´s Dream de Felix Mendelssohn. Ha ofrecido numerosos recitales con piano y cuerda pulsada por España, Italia, Francia, Suiza, Austria, Alemania, Rusia y América. En ópera ha realizado diversos papeles: Belinda en Dido & Aeneas y The Fairy Queen de H.Purcell, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, y en el Festival Mozart de Coruña, Morgana en Alcina de Haendel, Florilla en Hasta lo insensible adora de A. Literes, Norina en Don Pasquale de G.Donizetti, Ángel en Compendio Sucinto de la Revolución Española de R. Garay, Amina en La Sonnambula de V.Bellini y Susanna en Le Nozze di Figaro de W.A.Mozart.

Creado en el año 2000, La Tempestad es considerado por la crítica uno de los grupos de referencia en el ámbito de la interpretación histórica en España. En junio de 2015 obtuvo con dos galardones en los I Premios GEMA a la Creatividad e Innovación en la Música Antigua, como Mejor Grupo Clasicismo y Mejor Dirección (Silvia Márquez). “Con la valía individual de sus componentes y el estupendo resultado como grupo; con los tiempos, el aire y el estilo oportunos; y con un fraseo y unos efectos de expresión realizados con admirable conjunción, compenetración y finura, y cuidando los detalles. Interpretaciones musicales lúcidas, saludables y de las que llegan.” La “expresividad y fascinación” con que la crítica ha calificado las interpretaciones de La Tempestad han llevado al grupo a presentarse en las principales salas y festivales de música antigua: Auditorio Nacional, Teatro Real de Madrid, Festival Musika-Música del Palacio Euskalduna en Bilbao, Festival Internacional de Santander, Festival de Música Antigua de Aranjuez, Festival Internacional de Daroca, FeMÀS de Sevilla, Mayo Musical de Bolea (Huesca), Cádiz, Sevilla, Marbella, Lugo, Santillana del Mar, II Ciclo de Música Sacra de Almería, Festival Pau Casals de El Vendrell, Ciclo de Música Antigua en la Real Capilla de Santa Isabel (Zaragoza), y Ciclo de Cantatas del Ayuntamiento de Madrid. Destaca su participación en el VII y en el VIII Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos” en Bolivia; en el Encuentro Euro-boliviano de La Paz o en el Festival Haydn de Eisenstadt. Entre sus próximas citas se encuentra la invitación de dicho Festival Haydn para llevar a cabo, en 2018, la integral de las Sinfonías de Londres de Joseph Haydn en versión de cámara. Paralelamente a su actividad concertística, el grupo ha sido invitado a impartir cursos (Conservatorio Nacional de La Paz, Academia de Música Antigua de Gijón, etc.) y a participar en programas de impacto social (Orquesta Hombres Nuevos de Santa Cruz, en Bolivia, o Festival Activo de Gijón para enfermos de Alzheimer). Con especial predilección por la música de cámara, sus programas habituales incluyen compositores como J. S. Bach, G. F. Haendel, D. Scarlatti, J. Ph. Rameau o C. P. E. Bach, sin olvidar autores españoles

63

como A. Soler, J. Oliver y Astorga o M. Cavasza. Tras la presentación en Daroca de la integral de los conciertos a 2, 3 y 4 claves de J. S. Bach, en 2015 ofrecieron en el Auditorio Nacional de Madrid y en el Auditorio de León un programa dedicado a la música de oposiciones a la Capilla Real de Madrid, programa en el que se incluía el estreno en tiempos modernos del primer concierto español para clave y orquesta, de Manuel Narro, y el concierto para dos claves de G. B. Pergolesi (concierto grabado y retransmitido por RTVE). Después de las excelentes críticas obtenidas con Caro Dardo: Sopranos y castrati en el Londres de Farinelli (MMA 2007) y Carl Philipp Emanuel Bach: Música a tres (Arsis 2009), sus últimos trabajos discográficos son los que representan el intenso trabajo del grupo en torno a los arreglos: la primera grabación mundial de las 12 Sinfonías de Londres de J. Haydn en el arreglo de J. P. Salomon (MMA 2012), proyecto patrocinado por la Consejería de Cultura de la Región de Murcia y Címbalo Producciones; y su última publicación: Mozart Infrecuente (Arsis 2013), que incluye la Sinfonía “Júpiter” KV. 551 en arreglo propio. La Tempestad es, desde el año 2012, Grupo Residente del Auditorio y Centro de Congresos “Víctor Villegas” de la Región de Murcia y cuenta con el Premio Promúsico 2011 de la Asociación Promúsica.

64

Sobre el misterio de las seis Suites de Bach para violonchelo solo se sabe muy poco. Se desconoce la fecha de composición y tampoco se sabe el destinatario. Es por eso que durante el curso de la historia se han manejado diversas hipótesis sobre la finalidad de estas geniales composiciones. Quizá fueran compuestas para acompañar los servicios religiosos, o con un destino puramente didáctico, o simplemente para dejar constancia de la capacidad expresiva del emergente violonchelo de la familia del violín respecto al espléndido repertorio que ya existía para viola de gamba solista de los maestros franceses como Marais o Sante-Colombe.Como uno de los posibles primeros intérpretes de las suites se ha apuntado tradicionalmente a uno de los violonchelistas de la Orquesta de la Corte del Príncipe Leopold de Cöthen, donde Bach ejerció de Maestro de capilla entre 1728 y 1730, hecho que ha favorecido la reciente, aunque improbable, teoría de que fuera Anna Magdalena la compositora de las mismas.La fantasía de Bach eleva al violonchelo al máximo de sus posibilidades. En la quinta suite en do menor, por ejemplo, el compositor utiliza la técnica de la scordatura, es decir, cambia la afinación de la cuerda aguda a un tono más bajo, lo que le confiere una sonoridad al intrumento más oscura. Y la sexta, en Re Mayor, estaba destinada a un violonchelo de cinco cuerdas, con una cuerda mi añadida sobre la más aguda, que proporciona recursos de tesitura entre agudos y graves altamente contrastados.Las seis suites para violonchelo caen en el olvido durante siglos y se tocan solamente como estudios o ejercicios técnicos, pero sin ánimo de ser tocadas en concierto hasta que Pau Casals las redescubre, las toca en público y las graba por primera vez en 1936 en Nueva York.

Nacido en Barcelona, Arnau Tomás es reconocido internacionalmente como miembro fundador del Cuarteto Casals y el Trio Ludwig. Durante sus estudios con Ivan Monighetti y Frans Helmerson, ofreció numerosos recitales de violonchelo solo y actuó como solista con la Orquesta de RTVE y la Orquesta Sinfónica Nacional de Barcelona. Además de ganar varios premios, tanto

Arnau Tomás, violonchelista del Cuarteto Casals, tocando la Integral de la Suites para violonchelo solo de Bach en una doble cita

JUEVES 11 AGOSTOSantuario de la Bien Aparecida. 20:15 h.

SÁBADO 13 AGOSTOIglesia Santa María de la Asunción • Miera. 20 h.

ARNAU TOMÁS, violonchelo

Programa 11 de agosto

I •Suite n. 3 en Do Mayor BWV 1009 •Suite n. 1 en Sol Mayor BWV 1007II • Suite n. 6 en Re Mayor BWV 1012

Programa 13 de agosto

I •Suite n. 2 en re mayor BWV 1008 •Suite n. 4 en Mi bemol Mayor BWV 1010II • Suite n. 5 en do menor BWV 1012

En colaboración con:

Ayuntamiento de Miera

Integral de las Suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach

65

individuales como con el Cuarteto Casals, participó activamente en una masterclass televisada sobre las suites de Bach en el Concertgebouw de Amsterdam con Yo Yo Ma.Ha realizado una importante producción discográfica, un disco con obras de Bach, Kodaly y Cassadó, otro con el Trio Ludwig dedicado a Beethoven, y numerosas grabaciones con el Cuarteto Casals. Entre sus futuros proyectos se incluye una grabación del triple concierto de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Galicia.Es profesor en la Escuela Superior de Música de Catalunya, y participa en varios cursos y masterclasses tanto en Europa como en Estados Unidos.

66

La música de un gran clásico como Haendel y el talento de Al Ayre Español juntos también en los Marcos Históricos

VIERNES 12 AGOSTOIglesia de la Santa Cruz • Escalante. 21 h.

AL AYRE ESPAÑOLEduardo López Banzo, director

I vanni occultiTrío Sonatas Op 2 Georg Friedrich Haendel

I • Sonata op 2 n. 6 en sol menor, HWV 391 • Sonata op 2 n. 1 en do menor, HWV 386a • Sonata op 2 n. 2 en sol menor, HWV 387

II • Sonata op 2 n. 4 en Fa Mayor, HWV 389 • Sonata op 2 n. 3 en Si bemol Mayor, HWV 388 • Sonata op 2 n. 5 en sol menor , HWV 390

Las alas ocultas…La vibrante y juvenil segunda opus de Georg Friedrich Haendel fue concebida en su mayor parte en torno a 1717, en la época en que el compositor sajón escribía sus bellísimas antífonas de chandos. A diferencia de su Op 5, una obra de madurez donde el compositor juega con una fusión entre sonata y suite y la música tiene un mayor grado de profundidad, la Op 2 sigue el modelo italiano de Arcangelo Corelli en su estructura y contiene una buena dosis de virtuosismo instrumental y una vitalidad desbordante. Hay pasajes de un lirismo conmovedor, como el tercer movimiento de la primera sonata, que está inspirado en el aria Crede l’uom del oratorio Il trionfo del Tempo e del Disinganno, que Haendel había escrito diez años antes. Una parte del texto dice: “Crede l’uom ch’egli riposi quando spiega i vanni occulti…” (Cree el hombre reposar, cuando despliega sus ocultas alas). También hay momentos de una gran furia y desasosiego, como el último movimiento de la sexta sonata, que Haendel emplearía pocos años después para representar las olas del mar engullendo al ejército del faraón en su Israel en Egipto.

Al Ayre EspañolAlexis Aguado, violin IKepa Arteche, violín IIJames Bush, violoncheloXisco Aguiló, contrabajoEduardo López Banzo, clave y director

Más de 25 años en los festivales y teatros más importantes de Europa, 10 años como orquesta residente en el Auditorio de Zaragoza, 18 discos, premios internacionales (Premio Nacional de Música en 2004, entre otros) y distinciones (Embajador de Zaragoza desde 2011) y una incesante agenda de compromisos internacionales y actividades para las próximas temporadas confirman que Al Ayre Español es una de las referencias más destacadas del ámbito nacional.A lo largo de este cuarto de siglo ha actuado en Concertgebouw de Amsterdam, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Tonhalle de Düsseldorf, Konzerthaus y Filarmónica de Berlín, Théâtre des Champs Elysées y Cité de la Musique de París, Teatro Real y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música Catalana y Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Laeiszhalle de Hamburgo, Library of Congress de Washington, Palais des Beaux Arts de Bruselas y Arsenal de Metz.

En colaboración con:

Ayuntamiento de Escalante

67

Ha sido invitado al Festival de Pascua de Baden Baden, Festival Bach de Lepizig, Festival de Música Antigua de Utrecht, Internationale Festtage Alter Musik de Stuttgart, Schleswig-Holstein Musik Festival, Dresdner Musikfestpiele, Toulouse les Orgues, Festival de Ambronay, Festival Handel de Halle, así como en el Festival International d’ópera baroque de Beaune, Festival de Saintes, Festival Internacional Cervantino (México), Festival Monteverdi de Cremona, Authentica de Israel, Festival Via Stellae de Santiago de Compostela y Festival Antiquarium de Moscú.En 2015 publicaron su último disco, To all lovers of Musick, integral de las sonatas op. 5 de G. F. Haendel, para el sello holandés Challenge Records. En 2016 actuarán en Oslo, Madrid, Sevilla, Hamburgo y Primavera de Praga.La formación cuenta con el patrocinio de Ibercaja, Axial vinos, Industrias Químicas del Ebro, Gobierno de Aragón y con la colaboración de Heraldo de Aragón. La orquesta es Embajador de Zaragoza desde el año 2011.

Nacido en Zaragoza en 1961, Eduardo López Banzo es uno de los directores europeos que con más convicción ha hecho del historicismo su propia filosofía musical, con el propósito de aproximar a los músicos que dirige a las fuentes y espíritu de cada composición, y que hace que la música, siglos después, aparezca otra vez como fresca y novedosa para el oyente contemporáneo. Clavecinista de formación, estudió en Amsterdam con Gustav Leonhardt, quien le animó a trabajar en pro de la música barroca española. En 2004 logró que el grupo fundado por él en 1988, Al Ayre Español, consiguiera el Premio Nacional de Música, concedido por el Ministerio de Cultura del Gobierno de España, por más de veinte años de rigor musicológico y de excelencia en la interpretación, que ha dado lugar a que Al Ayre Español se convierta en un referente de interpretación historicista en toda Europa. Al frente de su grupo ha actuado en las salas más prestigiosas de todo el mundo, aunque también ha sido frecuentemente invitado a actuar como director con prestigiosas orquestas sinfónicas y de instrumentos históricos.En el terreno de la ópera Eduardo López Banzo es uno de los principales especialistas actuales en la producción dramática de Haendel habiendo participado en producciones escénicas en la Asociación de Amigos de la Ópera de Bilbao (ABAO/OLBE) con Al Ayre Español, en el Palau de les Arts de Valencia con la Orquesta de la Comunidad Valenciana y en la Ópera de Kiel (Alemania) con la Philarmonisches Orchester Kiel. Como pedagogo es requerido para impartir clases magistrales y cursos de especialización en las Universidades de Alcalá de Henares (Opera Studio), Zaragoza (Cursos de Jaca) y Salamanca, así como para la Escuela Superior de Canto de Madrid, el Centro Nacional de Difusión Musical (Ministerio de Cultura de España) y la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, en Santander.Eduardo López Banzo es Hijo Predilecto de Zaragoza desde octubre de 2010.

SÁBADO 13 AGOSTOIglesia de Santa María de la Asunción • Laredo. 21 h.

ALBERTO SÁEZ PUENTE, órgano

Obras de J. P. Sweelinck, F. Boivin, J. S. Bach, F. Mendelssohn y J. Guridi

En colaboración con:

ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓNDE LOS ÓRGANOS DE CAN TABRI A

68

En colaboración con:

LUNES 15 AGOSTOSantuario de Nuestra Señora de Latas • Loredo. 21 h.

MARTES 16 AGOSTOClaustro de la Colegiata de Santa Juliana • Santillana del Mar. 22 h.

LA BELLEMONT

Sara Ruiz, viola de gambaLaura Puerto, claveRafael Muñoz, cuerda pulsada

¿Se acuerdan de Tous les matins du monde? La maravillosa música de la película sonará en los Marcos Históricos

La voix de la viole

Marin Marais • Muzette • Fantasie • Grande Ballet • Plainte • La Trompette • Rondeau

François Couperin • Suite en mi menor Robert de Visèe • Les bergeries

François Couperin • Prélude Marin Marais • Folies d’Espagne

El concierto de hoy nos muestra la voz de la viola da gamba a través de la música de Marin Marais y de François Couperin. La música del concierto pertenece pues al exquisito repertorio para viola da gamba y bajo continuo en la Francia del siglo XVIII, momento de máximo esplendor de este instrumento.El joven Marin Marais comenzó a tocar la viola a los catorce años de edad y tras recibir las enseñanzas de Mr. de Saint Colombe, el maestro de viola más respetado de París, entró a formar parte de la corte musical de Luis XIV como ordinaire de la Musique de la Chambre du Roi pour la Viole en 1679, desempeñando este cargo hasta 1725, tan sólo tres años antes de su muerte. En este tiempo, Marais publicó cinco libros de obras para la viola da gamba con más de quinientas piezas. En sus composiciones, Marais recoge la herencia de sus antecesores, los cuales ya habían explorado las posibilidades vocales de la viola, pero va un paso más allá, profundizando técnica y musicalmente hasta dar a la basse de viole una dimensión trascendente como instrumento idóneo para imitar las inflexiones de la voz humana y expresar los sentimientos y pasiones del alma.La mayoría de sus obras en este programa son Pièces de Caractère, una forma musical que comenzó a emplearse en Francia a principios del siglo XVIII, en contraposición a la rígida estructura de la Suite: frente a la alternancia de piezas de estructura rítmica y armónica establecida, se empezaron a escribir estas composiciones independientes, de muy distinta duración y estructura y con la principal característica de ser piezas “descriptivas” que, con un carácter programático, podían retratar a una persona, un objeto, una situación, o un estado de

Ayuntamiento de Ribamontán al Mar

Ayuntamiento de Santillana del Mar

69

ánimo concreto. La Muzette recuerda, con su incesante pedal sobre la nota la, el sonido de las gaitas y cornamusas. Tras la Fantaisie, que nos adentra en la atmósfera del baile, en el Grand Ballet Marais hace un retrato de la corte de Versalles a través de la danza, disciplina que los cortesanos estaban casi obligados a aprender para hacer alarde de su perfecta educación a la manera que exigía el rey, cuya destreza en tan noble arte era bien conocida. El Plainte, típica forma musical del repertorio gambístico cuya traducción es “llanto”, sirve de introducción a un Rondeau de carácter extrovertido, con un continuo diálogo entre la viola y el bajo.François Couperin le grand (1668-1733) es el miembro más célebre de una dinastía de músicos que, junto con Lully y Rameau, transformaron el sonido de la corte más envidiada de Europa durante los siglos XVII y XVIII y trabajó como organiste du roi entre 1693 y 1715, año de la muerte de Louis XIV. Además de su extraordinaria producción de música vocal, Couperin destacó también como compositor de música instrumental, aunando los estilos italiano y francés. Un ejemplo de su maestría compositiva en este ámbito es la Suite en mi mineur para viola da gamba y bajo continuo; un Prélude sublime, con una escritura inédita para la viola con la que alcanza una expresividad intensa y especial, da paso a las danzas habituales de la suite francesa, elaboradas en torno a una continua interacción entre la parte solista y el acompañamiento. Es también notable el equilibrio entre el tratamiento refinado y vitalista de los ritmos propios de cada danza y la escritura retórica y gestual del discurso melódico.La fama y la alta estima entre los músicos que alcanzó Couperin hizo que varias de sus piezas fueran copiadas en otras colecciones (J.S. Bach en el Álbum para Anna Magdalena Bach) o incluso transcritas para otros instrumentos. A esta última categoría pertenece el arreglo para tiorba que hizo Robert de Visée de la pieza de clave Les Bergeries. Visée fue uno de los laudistas más importantes del barroco francés y trabajó como músico de cámara en la corte de Luis XIV. En 1719 fue maestro de guitarra del rey y Rousseau informó de que, además, tocaba la viola en la corte.La pieza de Marais que cierra el concierto, precedida de un exquisito Prélude de Couperin, son las variaciones sobre la Folía, conocidas también como Folies d’Espagne. Éstas muestran una práctica muy extendida en la época; esto es, la escritura de variaciones virtuosas para un instrumento basadas en un tema popular o una danza. Marais escribe 32 variaciones sobre el famoso bajo de folía y las publica sólo un año después de que Corelli publicara en Italia sus famosas 26 variaciones sobre la folía para violín, en un alarde de desplegar todos los recursos técnicos y expresivos propios de la viola da gamba y de coronarla, al menos en Francia, como reina de los instrumentos. «Disfrutar y emocionarnos, hacer disfrutar y emocionar con nuestra música.»La Bellemont nace en 2007 a partir del trabajo conjunto de Sara Ruiz, Rafael Muñoz y Laura Puerto, tres músicos fascinados por el repertorio barroco francés. Marcados por el perfeccionismo y la búsqueda de un sonido con identidad, un gesto y una articulación conjuntos, y la atención al detalle, concretan esta filosofía en su primer disco La voix de la viole, un programa dedicado a la música para viola de gamba y bajo continuo de Marin Marais. La crítica especializada le otorga las distinciones «5 Diapasons» de la revista Diapason y «4 Estrellas» de la revista Classica.Su segundo disco, Plaisir sacré, dedicado a los motetes de François Couperin, ha sido galardonado con la R (Recomendado) de la revista Ritmo, con el «Melómano de Oro» de la revista Melómano y con la «E» (Excepcional) de la revista Scherzo.Ha sido nominado como mejor grupo barroco y su disco Plaisir sacré como mejor producción discográfica en la primera edición de los premios GEMA. Así mismo, Plaisir sacré ha sido recientemente nominado como mejor disco vocal en los premios ICMA (International Classical Music Awards).En el presente año 2016 sacará a la luz su nuevo proyecto discográfico dedicado a las Piéces de viole de François Couperin.

70

En 2016 se celebra en todo el mundo el 100 aniversario de la muerte del ilustre compositor español Enrique Granados. Junto a este aniversario, se suma el del afamado violonchelista Gaspar Cassadó, gran admirador de Granados, quien arreglaría para su instrumento el famoso intermezzo de la ópera Goyescas. Junto a éstos se incluye una obra maestra de la música de cámara, el trío de Maurice Ravel, amigo y compañero de Granados durante su época parisina y el estreno del trío dedicado a Granados de Antonio Noguera.

Víctor Martínez, Alberto Gorrochategui y Carlos Galán son tres brillantes músicos cuya formación y proyección internacional les ha llevado a fusionar sus carreras formando el Trío Malats, para así rendir homenaje a este gran músico español. Formados en España y Francia, estos músicos han sido galardonados en multitud de concursos, tanto a nivel individual como en música de cámara. Su bagaje musical ha hecho que el Trío Malats cuente con un amplio y variado repertorio, abarcando desde el clasicismo hasta las vanguardias actuales, habiendo actuado en diferentes festivales y teatros de España. Destaca el compromiso que el Trío tiene con la

Y por última vez en el mes de agosto, podremos escuchar de nuevo a Enrique Granados, en formación de trío para celebrar su centenario

MIÉRCOLES 17 AGOSTOCastillo de San Vicente • Argüeso. 20 h.

JUEVES 18 AGOSTOIglesia de San Pedro • Noja. 21:30 h.

TRÍO MALATS

En torno a Granados

Programa 17 de agosto

Antonio Noguera • Trío n.2 Op 143 (homenaje a E. Granados) Estreno absoluto

Enrique Granados • Trío Op 50

Maurice Ravel • Trío en la menor

Programa del 18 de agosto

Gaspar Cassadó • Trío con piano en Do Mayor

Enrique Granados • Trío Op 50

Maurice Ravel • Trío en la menor

En colaboración con:

LUNES 15 AGOSTOAbadia Cisterciense Vía Coeli • Cóbreces. 20 h.

SUSANA GARCÍA LASTRA, órgano

Obras de J. S. Bach, B. Britten, J. E. Eberlin, C. Piutti, J. Rheinberger, R. Proulx, J. A. García y V. Zubizarreta

En colaboración con:

ASOCIACIÓN PARA CONSERVACIÓNDE LOS ÓRGANOS DE CAN TABRI A

Ayuntamiento de Hermandad de Campoo de Suso

Ayuntamiento de Noja

71

música española de los siglos XX y XXI, como así lo demuestran sus programas de concierto y los estrenos de las obras que le han sido dedicadas tanto al Trío como a sus componentes. Al finales de 2015 sale su primer disco para Universal Music con el título Entre fandangos y habaneras. En él figuran los tríos de Joaquim Malats y Enric Granados además de una novedosa versión de las Cinco canciones negras de Xavier Montsalvatge, interpretadas por la cantante Ana Belén y arregladas para la ocasión por David San José.

Tras finalizar sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, en la Cátedra de Lina Tur Bonet, Víctor Martínez, se traslada a Valencia para seguir perfeccionándose con el maestro Vicente Huerta, mientras cursa la Formation supérieure au métier de l’orchestre classique et romantique en el Centre européen de recherche et pratique musicales en Saintes (Francia), bajo la supervisión de Virginie Descharmes, Alessandro Moccia y la dirección artística de P. Herreweghe.En el ámbito camerístico, se ha formado con Marta Gulyás, Michael Thomas, Ageet Zweistra, Philippe Vasseur, Kennedy Moretti, Cuarteto Quiroga y Cuarteto Casals. Ha colaborado con la Orquesta de Cadaqués, Orquesta de la Región de Murcia, Orquesta Nacional de España, Orquesta de Cámara Reina Sofía y Spira Mirabilis.En lo referente a méritos, obtiene una mención honorífica en el concurso “Entre cuerdas y metales”, en Cartagena (2002), gana a través de concurso una beca de Ibercaja para la continuación de estudios (2007), y obtiene de la misma manera una beca de perfeccionamiento (2010). En 2012 obtiene el primer premio del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes “Ciudad de Xátiva”.En la actualidad forma parte de la Orquesta Nacional de España, de la Orquesta Barroca “La Spagna”, la Orquesta “Música Humana”(Varsovia) y el Trío Malats, y a su vez es profesor de violín en el Colegio Santa María La Blanca, en Madrid.

Alberto Gorrochategui comienza sus estudios musicales en Santander, finalizando los mismos en el Real Conservatorio Superior de Madrid con Matrícula de Honor, bajo la dirección del profesor Iagoba Fanlo. Más tarde se desplaza a París para perfeccionarse con el profesor del Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de París, el maestro Philippe Müller, concluyendo dicho perfeccionamiento con “1º Prix”.Se ha formado con Richard Vandra, Frans Helmerson, Asier Polo, Antonio Meneses, Wolfgang Boettcher y Alban Gerharht. Ha sido becado por la Fundación Marcelino Botín y premiado en concursos nacionales e internacionales de violonchelo y música de cámara.Ha colaborado con la Orquesta Nacional de España y la Orquesta de RTVE y ha realizado grabaciones para R.N.E., Sello Autor, Arsis y Deutsche Grammophon. Ha formado parte del Octeto Ibérico de Violonchelos dirigido por Elías Arizcuren, y ha sido director artístico de “Class Festival”. Su actividad concertística le ha llevado a auditorios de España, Francia, Alemania, Inglaterra y México, estando bajo la batuta de M. Bragado, A. Leaper, J. Pons y G. Pehlivanian. Ha estrenado obras de compositores como, A. Noguera, E. Rincón, N. Bacri, S. Mariné, E. Vadillo, muchas de las cuales le han sido dedicadas.En la actualidad forma parte del Trío Malats, formación con la que ha grabado para Universal Music, actividad que compagina con la docencia y pedagogía del violonchelo.

Carlos Galán concluye el Grado Superior de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en la Cátedra de Ana Guijarro, obteniendo Matrícula de Honor. Se traslada después a Paris para trabajar con Ramzi Yassa en L’École Normale de Musique “Alfred Cortot”, y con Romano Pallottini en el Conservatoire Régional de Saint-Maur. Ha realizado cursos de perfeccionamiento de piano en España y Francia con Tsiala Kvernadze, Carlos Cebro, Deirdre 0’Donohue, Ramón Coll, Almudena Cano, Ana Guijarro, Ludovica Mosca y Jorge Rissi.Ha sido premiado en concursos nacionales e internacionales de gran renombre. Ha actuado como solista junto a la Joven Orquesta Julián Orbón de Avilés y la Orquesta Allegro de París, y ha realizado grabaciones para Radio France y Radio Nacional de España. Ha recorrido España, Francia y Noruega. En 2008 ingresa en el cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid en la especialidad de piano.

72

Ganador del Primer Premio y Medalla de oro y del Premio del Público Canon en el XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea (2015), Juan Pérez Floristán (Sevilla, 1993) comenzó a tocar el piano siendo muy niño. Con el paso del tiempo, esta elección acabaría dando sus frutos. Gracias a la formación pianística que recibe durante casi diez años de su madre, María Floristán, comienza a entrar en contacto con grandes personalidades de la música, tanto en España como fuera de ella: Daniel Barenboim, Nelson Goerner, Ana Guijarro, Claudio Martínez-Mehner, Menahem Pressler, Stephen Kovacevich, Klaus Hellwig, Marta Gulyas y Horacio Gutiérrez. Sin embargo, será otra profesora la que, durante cuatro años, se encargue de él en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, marcándole el camino profesional de forma definitiva: Galina Eguiazarova. Mención aparte merece Elisabeth Leonskaja, que, desde que le conociera, ha supuesto una ayuda inestimable tanto en su carrera como en su desarrollo personal y artístico, invitándole a festivales como el Ruhr Klavier Festival o el Sommets-Musicaux de Gstaad, Suiza. En su aún corta carrera no solo ha tenido una intensa actividad como solista con orquesta (Malmö SymfoniOrkester, Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Sinfónica de Málaga, Orquesta Sinfónica de Córdoba...) con directores como Pablo González, Marc Soustrot, Adrian Leaper, Juan Luis Pérez (su padre), Lorenzo Viotti, Christian Arming, Salvador Brotons, Víctor Ambroa, Antoine Marguier y Rubén Gimeno; sino que también ha desarrollado una intensa actividad camerística con formaciones como el Cuarteto Casals y el Fine Arts Quartet, acudiendo a festivales como el Festival de Verbier, el Festival de Les Arcs, o el Encuentro de Música y Academia de Santander. También ha empezado, lentamente, a introducirse en el mundo de la dirección de orquesta. Actualmente, a sus 22 años y después de su etapa formativa en Madrid, se encuentra en Berlín continuando su formación en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” con Eldar Nebolsin, su mayor influencia a día de hoy. Así mismo, ha contado con el gran apoyo de la Fundación Alexander von Humboldt, fundamental para su carrera y desarrollo, y de Juventudes Musicales de Madrid.

VIERNES 19 AGOSTOTeatro Municipal Concha Espina • Torrelavega. 21 h.

JUAN PÉREZ FLORISTÁN, piano

Claude Debussy • Préludes

Ondine Général Lavine- exentrique  Canope C’est qu’a vu le vent d’ouest : Animé et tumultueux

Ludwig van Beethoven • Sonata para piano n. 14 en do sostenido menor “quasi una fantasia” Op 27 n.2 claro de luna

Richard Wagner / Franz Liszt • La muerte de Isolda

Franz Liszt • Sonata en si menor S 178

Patrocinado por:

En colaboración con:

Ayuntamiento de Torrelavega

73

VIERNES 19 AGOSTOIglesia de San Julián y Santa Basilisa • Isla. 20 h.

Grupo finalista del XIV Concurso de Música de Cámara Ecoparque TrasmieraTRÍO CYGNUS

Javier Montañana, violínHannah Lewis, violoncheloCésar Saura, piano

CLAVICEMBULANTEEl clavicémbalo andante

Silvia Márquez, clave

¿Qué es un clave? ¿Pero hoy en día se hace música con eso? ¿Es en verdad el “abuelo” del piano? ¿De dónde salen, dónde se encuentran?Clavicembulante es un proyecto a largo plazo que pretende dar a conocer el clave sacándolo de sus salas habituales (o aulas) y llevándolo a lugares cotidianos o inverosímiles, acercándolo así (de manera activa e irremediable) a todos los públicos: calles, montes, peluquerías, cocinas… niños, adultos, licenciados u obreros… 

Clavicembulante es una propuesta en la que el clave sale de sus lugares habituales para acercarse al público contando historias de todos los tiempos

SÁBADO 20 AGOSTOParque de la Cueva del Valle • Rasines. 21 h.

DOMINGO 21 AGOSTOPalacio de Sobrellano • Comillas. 21 h.

El Cygnus Trío fue formado en 2012 por tres amigos de la Royal Academy of Music de Londres. Javier Montañana y César Saura nacieron en Valencia y estudiaron en el Conservatorio Profesional de Música de Valencia antes de ingresar en la Royal Academy, donde Javier estudio con Richard deakin y césar lo hizo primero con Daniel Ben-Pienaar y después con William Fong. Hannah Lewis nació en Watford, Reino Unido. Estudió en el departamento junior de la Royal Academy desde los diez años, después de lo cual entró en la Royal Academy donde estudió con David Smith.Como miembros de la Piano Trio Society han recibido clases de Rapahel Wallfisch, Krystof Smietana, Peter Cropper, Nick Trygstad, Alan Schiller y Nicholas Roberts. En la Royal Academy of Music reciben consejo regular de Richard Deakin, Andrew West, Michael Dussek, Jo Cole y David Smith, además de participar en clases magustrales con el Trio Owon y el Doric Quartet.Han actuado en Londres y en Valencia. En 2015 ganaron el primer premio del concurso de música de cámara organizado para conmemorar el 150 aniversario del periódico Las Provincias de Valencia, y en febrero de 2016 han ganado el primer premio del VII Concurso de música de cámara de Alzira.

Dmitri Shostakovick • Trío n.2 en mi menor Op 67Felix Mendelssohn •Trío n.1 en re menor Op 49

Ayuntamiento de Arnuero

74

El clave nos cuenta historias ¡desde hace más de 500 años! Y ahí sigue, narrando viejas batallas, imitando a los pájaros, trasladando emociones, danzando e inventando nuevas aventuras en pleno siglo XXI. ¡Pero a pesar de ello muy poca gente lo conoce!En Clavicembulante  te presentamos el clave de un modo muy cercano: todos escuchamos y entre todos hablamos, pensamos, creamos, escribimos, decidimos… Un “concierto-diálogo” en rincones especiales o lugares con encanto.Sonidos que hablan y dibujan: el clave como fotógrafo, el clave como instrumento de las emociones. Con música de J. S. Bach, A. de Cabezón, H. Purcell, F. Couperin, J-Ph. Rameau, G. Ligeti… pero también de cine, de jazz, de D. Ellington, S. Joplin… o a la carta, al gusto del espectador.

Nacida en Zaragoza, Silvia Márquez fue Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales 1996 en las especialidades de clave y órgano (concurso al que ha sido invitada como Jurado en las últimas ediciones); Premio Especial del Jurado a la mejor interpretación histórica y Mención de Honor en el Concurso Internacional “Primavera de Praga” 1999; Mención de Honor en el Concurso Internacional de Clave de Brujas (Bélgica) 2001; Tercer Premio en la I Bienal Internacional de Jóvenes Organistas de Granada 2002; y Segundo Premio en el IV Premio de Interpretación de Alcoy 2002.Miembro de la Orquesta Barroca de la Unión Europea 2001, con la que ha actuado en Francia, Alemania, Inglaterra, Holanda, Bélgica, Italia, España, Hungría y China, bajo la dirección de Roy Goodman, Andrew Manze, Alfredo Bernardini y Edward Higginbottom. Tras obtener los Títulos Superiores de clave y órgano con J. L. González Uriol en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza prosigue sus estudios, becada por el Ministerio de Asuntos Exteriores y el Gobierno Holandés, en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam y el Real Conservatorio de La Haya: clave (Jacques Ogg y Menno van Delft), órgano (Jacques van Oortmerssen) y fortepiano (Stanley Hoogland), obteniendo el Diploma Superior holandés. Participa en cursos y seminarios con profesores como Gustav Leonhardt, Jesper Christensen, Jan Willen Jansen, Guy Bovet, Jon Laukvik, Christine Whiffen, Andrea Marcon, Patrick Cohen, Lars Ulrik Mortensen, Montserrat Torrent, etc. Ha realizado cursos de postgrado en el C.S.I.C. (sección de musicología) en Barcelona, y en la Universidad de Alcalá de Henares, así como los cursos de doctorado (Musicología) en la Universidad de Granada. Ha ofrecido recitales en España, Francia, Suiza, Holanda, Italia, Croacia, Andorra, Eslovaquia, y Portugal, en festivales como: Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Musika-Música Bilbao, Fundación Juan March en Madrid, Jornadas Internacionales de Órgano de Zaragoza, Mayo Musical en Bolea (Huesca), Festival de Verano de Segovia, Ciclo de Órgano del Palacio Euskalduna en Bilbao, Los Venerables en Sevilla, Semana de Música Contemporánea de la fundación De Suite (Ijsbreker, Amsterdam), sala De Unie (Rotterdam, 1996), y Ciclo de Música Antigua del CSIC en Barcelona, así como en el Festival Suisse L’Orgue 2000, Festival Internacional Organum Histriae (Croacia), Festival Internacional de Órgano de Andorra y Música Antigua en la Real Capilla de Santa Isabel de Zaragoza.Ha actuado como solista con la Orquesta de Cámara Española, Orquesta Sinfónica de Murcia, Solistas de la Orquesta Barroca de Sevilla y Grupo Enigma-Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza. Varios de sus conciertos han sido emitidos por RNE2, RTVE, BBC, RTL y la Radio Checa, y entre sus grabaciones se encuentra música de A. Vivaldi (Warner 2004, con Ara Malikian), D. Scarlatti o G. F. Haendel (Caro Dardo MAA006), C. P. E. Bach (Arsis, 2009), J. Haydn (MAA10) y W. A. Mozart (Arsis GPD, 2013). Desarrolla su actividad camerística junto al clavecinista Alfonso Sebastián (disco con música de L. Boccherini para dos claves) y como directora del grupo de música antigua La Tempestad.Especialmente comprometida con la música contemporánea para clave, ha estrenado obras de diversos autores españoles y extranjeros, tanto para instrumento solista como para grupo de cámara. Tras estudiar este repertorio durante varios años con la clavecinista holandesa Annelie de Man (con quien grabó música de Roderik de Man para el sello holandés Attacca), intenta dar a conocer las obras escritas en el siglo XX y XXI mediante cursos y conciertos, e incentivar la creación de nuevas piezas. Además de sus programas de clave solo, tiene la oportunidad de explotar este repertorio en sus colaboraciones con el Grupo Enigma-Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza y con el dúo junto al acordeonista Gorka Hermosa. En la actualidad prepara su tesis centrada en la música española para clave del siglo XX. Invitada regularmente a impartir cursos en diferentes instituciones (Conservatorio Superior de Música de Salamanca, cursos de verano de la Fundación Príncipe de Asturias en Oviedo, Escola Superior de Música de Catalunya y Real Conservatorio Superior de Música de Madrid), en 1999 obtiene por oposición la plaza de Clave en el Conservatorio Profesional de Música de Murcia, y desde septiembre de 2007 ocupa la Cátedra de Clave en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.

En colaboración con:

Ayuntamiento de Rasines

Ayuntamiento de Comillas

75

CAPILLA JERÓNIMO DE CARRIÓN

María del Mar Fernández Doval, sopranoAdriana Mayer, mezzosopranoVíctor Sordo, tenorMiguel Mediano, tenorAlba Fresno, viola da gambaSara Águeda, arpa barrocaJosé Ignacio Gavilanes, órganoDaniel Garay, percusiónAlicia Lázaro, dirección y transcripciones

Un programa muy variado en el que se muestra la música que compusieron los maestros de capilla del siglo XVII

MARTES 23 AGOSTOIglesia de San Julián y Santa Basilisa • Isla. 20 h.

“….que me lleva la ola”. Maestros de capilla, viajeros del s. XVII

Miguel de Irízar • Ay, falailá

Juan Hidalgo / Miguel de Irízar • Quedito, pasito

Jerónimo de Carrión • Ay amor, ay paciencia • Escuche lo neglo

Sebastián Durón • Aferra de gavia, marinero

Juan Bonet • Flores, a escuchar los dos ruiseñores

Juan Hidalgo • En la mesa del altar – Chacona

Juan Bonet • Hoy amor porque acierte la herida

Juan Pérez • Mortales, venid

Juan del Vado • Corazón abrasado

Juan Hidalgo / Juan Bonet • Piedad que se engolfa

Sebastián Durón • Vuela, mariposa

En colaboración con:

Ayuntamiento de Arnuero

76

El arrebato de los maestros viajerosEn general casi todos los músicos hacemos muchos viajes. La cualidad efímera de la música parece favorecer esta ansia viajera, que nos define desde muy tempranas épocas. Podríamos remontarnos al surgimiento del Camino de Santiago, pero en este programa nos ocuparemos de algo un poco más cercano, de ese siglo XVII en el que se constituyen los caracteres principales de lo que hoy ha venido a llamarse “música ibérica”. Concepto difícilmente explicable, pero cuyos ingredientes principales - si debiéramos concretar algo tan inconsútil y al mismo tiempo tan claro – son, sin duda, la expresión melódica y el pulso rítmico. Una manera de expresar cantando, y un ritmo especial, que están presentes en todas las épocas y en todos los estilos, pero que en el XVII se construyen casi como señas de identidad, impregnando la música profana y la sacra, la música más ligera y la más densa, las catedrales y los salones, los teatros y las barberías.Los maestros de capilla viajeros contribuyeron grandemente no solo a la difusión de las ideas musicales, de las novedades de Italia o de la Corte, sino también - haciendo suyas las ideas de otros, en un momento en que la propiedad intelectual apenas tenía valor – a la creación de este nuevo-antiguo estilo.El programa es una muestra significativa de la producción para-litúrgica de estos maestros de capilla viajeros. Son viajes físicos: de Vitoria a Segovia, de Madrid a Toledo pasando por Ávila, de Calahorra a León, yendo por Toledo, Málaga, Madrid y Segovia. Y también son viajes musicales: caso de Hidalgo de Polanco y de Juan del Vado, que no se movieron de la Corte, pero cuya música viajó ya en su momento en la maleta de otros maestros. Sin la obligatoriedad del texto latino, en estos tonos en castellano volcaron algunos maestros su mayor creatividad y su deseo de llegar a todo el público asistente a las celebraciones, maitines, procesiones y otros festejos. Con la alternancia de ritmos binarios-ternarios de estribillo y coplas, las combinaciones de solos vocales y ecos polifónicos, los pequeños pasajes de contrapunto, y la excelente adecuación de los giros melódicos a la expresión del texto, los tonos y romances son uno de los mayores tesoros que del siglo XVII español conservamos. Pequeños en la forma, pero grandes en la expresividad musical y literaria, oiremos en este programa algunos hermosos ejemplos de estos arrebatados tonos, conservados en su mayoría en el archivo de la Catedral de Segovia.Alicia Lázaro

La Capilla Jerónimo de Carrión, fundada y dirigida por Alicia Lázaro, reúne un elenco estable de cantantes e instrumentistas de extraordinaria calidad especializados en la interpretación de la música histórica de los siglos XVII y XVIII. La base del grupo son los cantantes y el acompañamiento, generalmente de órgano, pero también de arpa, a veces reforzados con un instrumento melódico como la viola de gamba o el bajón.Partiendo de las investigaciones realizadas en el Archivo de la Catedral de Segovia, el grupo se propuso recuperar en la práctica, en sucesivos programas de conciertos y grabaciones discográficas, la riqueza del color vocal e instrumental de la música española del siglo XVII, todavía muy poco estudiada en comparación con otras épocas, pero que representa el siglo más “español” de nuestra historia musical, el momento en que se conforma y reafirma lo que entendemos por “música española” y que podemos reconocer directamente al oírla. Sus programas recogen obras inéditas de los más importantes maestros segovianos y otros músicos del barroco español, con especial énfasis en autores como Jerónimo de Carrión, genial maestro de capilla de la Catedral de Segovia, y Juan Hidalgo, favorito de Felipe IV y el más importante compositor para el teatro en colaboración con Calderón de la Barca. En los últimos años, han ampliado el repertorio al siglo XVIII, hasta el inicio del clasicismo, con compositores como Juan Montón y Mallén, uno de los autores más significativos del primer periodo clásico de la música sacra española. Sus cuatro grabaciones para el sello Verso, Calendas, el tiempo en las Catedrales, Ecos y afectos

Miguel de Irízar • Hola, que me lleva la ola

• Hazo Antón

77

(Premio Choc de la Musique), Ah de los elementos y Alienta mortal, alienta, avalan la calidad de este grupo, del que la prensa especializada destaca la calidad y color diferenciado del conjunto vocal e instrumental, su autenticidad y fidelidad, y la elegancia con que este repertorio completamente inédito es sacado a la luz.Con sus programas monográficos sobre la música de la Catedral de Segovia, han participado en el Festival de Música Sacra de la Comunidad de Madrid, Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, Semana de Música Antigua de Álava, Festival Internacional de Almagro, (con el programa La Lírica del Barroco, sobre textos de Quevedo, Lope, Góngora y Calderón), Festival de Música Antigua Antonio de Cabezón de Burgos, Música de Semana Santa de Medina de Rioseco, Ciclo de Clásicos en Verano, y Festival Internacional de Órgano Ciudad de León.Es miembro de la Asociación GEMA (Grupos Españoles de Música Antigua) y está ligada a la Sección de Investigación Musical de la Fundación Don Juan de Borbón de Segovia.

Instrumentista e investigadora de la música española del renacimiento y el barroco, Alicia Lázaro es titulada por el Conservatorio Superior de Música de Ginebra. Estudió en la Schola Cantorum Basiliensis con los profesores Eugen M. Dombois y Hopkinson Smith. Como instrumentista de vihuela, laúd, y guitarra barroca, ha realizado conciertos en España, Italia, Francia, Alemania, Portugal, y en Venezuela y Brasil. Como directora, ha trabajado en España e Italia con programas dedicados a la música española del XVI y XVII, y ha realizado y dirigido música para el teatro.Dirige desde 1997 la Sección de Investigación Musical de la Fundación Don Juan de Borbón en Segovia, y la Capilla de Música Jerónimo de Carrión, con la que realiza habitualmente programas de música inédita de la Catedral de Segovia y otros archivos españoles. De 2005 a 2011 colabora como directora musical en la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Viaje del Parnaso, Tragicomedia de Don Duardos, Sainetes, Don Gil de las calzas verdes, Romances del Cid, Del Rey abajo ninguno, Las manos blancas no ofenden, De cuando acá nos vino y Un bobo hace ciento. Es directora musical de la compañía Nao d’Amores desde su creación. Un resumen de su trabajo en Nao d’Amores ha sido recogido en el disco Diez años navegando, que puede escucharse en Portal Cervantes Nao d’Amores.Finalista a la Mejor Dirección Musical en los Premios Max de Teatro 2010 y 2011, Premio Choc de la Musique en 2005 por la grabación Ecos y Afectos, y Premio Ágora de Teatro en 2004. Preside actualmente la Asociación GEMA (Grupos Españoles de Música Antigua), que forma parte desde 2014 de FEVIS Europa.Entre otros trabajos de investigación, ha publicado la integral de canciones para voz y guitarra barroca de José Marín (Chanterelle Verlag, ECH 521, 1995), y cuatro primeros volúmenes (2005-2007) de la colección Maestros de Capilla de la Catedral de Segovia.

78

Haydn fue uno de los mayores compositores de todos los tiempos, su obra destaca por su magnitud, compuso más de cien sinfonías, y sobre todo por su calidad. El compositor austriaco, llamado “el padrecito” por su influencia en compositores como Mozart o Beethoven, nos ha dejado óperas, oratorios, sinfonías, conciertos y una variada música de cámara.El Trío de Winne interpretará la integral de los tríos que compuso para flauta, piano y violonchelo. Clasicismo en estado puro, música equilibrada y muy trabajada, a la vez que sorprendente en sus propuestas. Sin duda Haydn ha sido uno de los compositores que mejor consiguió moverse entre el academicismo y sus propias ideas, supo combinar el sabor de una época con su visión sin perder un ápice de personalidad.Acompañando a los Tríos de Haydn, el Trío WoO37 de Beethoven es una obra tempranísima -se estima que alrededor de 1786-, y cuyo formato original contemplaba el fagot en lugar del más usual violonchelo. De una sobresaliente precocidad y preciosista en cuanto a la atención al detalle, es quizá injustamente poco frecuente de escuchar en concierto hoy día. Un programa que refleja la transición entre el clasicismo y el romanticismo con música cercana escrita para agradar. Los intérpretes, tres músicos de amplia carrera liderados por el celebérrimo flautista Jan De Wine, uno de los especialistas en la interpretación con flautas históricas más reconocidos hoy día.

Integrado por uno de los intérpretes más aclamadas de flautas históricas, el belga Jan De Winne, junto al violonchelista Bernard Woltèche y el fortepianista David Aijón, el Trío De Winne se forma en 2014 con objeto de explorar el rico repertorio para este formato entre 1780-1840. Con extensas trayectorias en el ámbito de la interpretación con instrumentos de época, sus miembros colaboran asiduamente, o son incluso miembros fundadores, de ensembles como la Amsterdam Baroque Orquestra, La Petite Bande, Collegium Vocale, Il Gardellino, I musici di San Cassiano, o el Collegium ad Mosam.

TRÍO DE WINNE

Jan de Winne, flautaBernard Woltèche, violoncheloDavid Aijón, fortepiano

Los tres tríos que Haydn compuso para flauta, violonchelo y pianoforte junto un tempranísimo y poco escuchado trío de Beethoven

MIÉRCOLES 24 AGOSTOIglesia de San Román • Viérnoles. 21 h.

Programa

Franz Joseph Haydn • Trío en Fa Mayor Hob. XV:17

Franz Joseph Haydn • Trío en Sol Mayor Hob. XV: 15

Ludwig van Beethoven • Trío en Sol Mayor WoO 37

Franz Joseph Haydn • Trío en Re Mayor Hob. XV:16

En colaboración con:

Ayuntamiento de Torrelavega

79

La Camerata Coral de la UC ofrece un repaso por la polifonía más representativa y paradigmática de la segunda mitad del s. XVI y principios del XVII. Las obras de este concierto fueron compuestas en el que era el centro mundial indiscutible de la música católica: Roma. El marco del Santuario de la Bien Aparecida es el idóneo para poder apreciar y disfrutar en su máximo esplendor esta música.

La Camerata Coral de la Universidad de Cantabria ha cumplido en 2015 cuarenta años interpretando música de los más diversos estilos. Es obra suya el estreno en el siglo XX de obras de los maestros de capilla de varias catedrales españolas: José de Nebra, Enrique de Villaverde, Jerónimo de Carrión, Miguel de Irízar, Juan Ezequiel Fernández, Manuel Ibeas, Miguel de Ambiela, Cristóbal de Medrano (Magister Cantabriensis) y, en especial, Juan Antonio García de Carrasquedo, primer maestro de capilla de la Catedral de Santander. También ha realizado estrenos de obras del s. XX como la grabación de la música incidental para Madre Prometeo del compositor cántabro Juanjo Mier, así como el estreno en España en 2006 de la Messe Solennelle de Jean Langlais. En su haber están, entre otros, los programas dedicados a la música sacra de la familia Bach, al primer Clasicismo alemán, a la música coral del Romanticismo, a las Antífonas para la Coronación de Haendel y la Theresienmesse de Haydn, al madrigal Renacentista, a la música de San Marcos de Venecia, al Coral Protestante, a los Cancioneros del Barroco Español, a la música religiosa española, así como a la música del Barroco virreinal, Music for the funeral of Queen Mary de H. Purcell, Gloria de J. Rutter o Magnificat de J. Willcocks. Son numerosas las agrupaciones que han colaborado con la formación: entre otras, la Camerata Musicale de Basilea, The Baroque Orchestra of The Royal Collage of Music, Les Nations de Ámsterdam, Pro Mvsica Antiqva de Madrid, la Orchestre Baroque de Montauban, la Orquesta de Cámara Arriaga de Bilbao, la Orquesta Sinfónica de Asturias, la Orquesta Sinfónica de RTVE así como prestigiosos instrumentistas y solistas vocales. Actúa regularmente en los principales marcos históricos, catedrales (Santiago, Burgos, Salamanca) y teatros del país (Teatro Real de Madrid, Arriaga de Bilbao y Real Coliseo Carlos III de El Escorial), así como en los más prestigiosos festivales internacionales de música: Santander, Segovia, Cuenca o Mónaco, siendo además la primera agrupación española que participa en este último. En el extranjero destacan sus conciertos por Inglaterra, Bélgica (Catedrales de Bruselas, Gante y Brujas), Francia (Catedrales de Nôtre Dame de París y Chartres), Mónaco (Catedral), Portugal (Lisboa y Oporto) e Italia. Su labor ha sido recogida en numerosas grabaciones para RTVE y RNE (Radio 2 Clásica) y en dos discos dedicados a los maestros de capilla de la catedral de Santander, siendo galardonado

CAMERATA DE LA UNIVERSIDAD DE CANTABRIARaúl Suárez, director

Tres clásicos de la literatura coral de todos los tiempos de la mano de la Camerata de la Universidad de Cantabria

JUEVES 25 AGOSTOSantuario de La Bien Aparecida. 20:15 h.

Antología de la polifonía religiosa

Tomás Luis de Victoria • Motete y misa O magnum mysterium

Giovanni Pierluigi da Palestrina • Missa Papa Marcelli

Gregorio Allegri • Miserere

80

uno de ellos con el Premio Nacional del Disco. También ha colaborado en el disco Cruce de Caminos de Pepe Santos.En su palmarés cuenta con galardones como el Primer Premio en Polifonía del XIII Certamen Nacional de Canto Coral; Segundo puesto en el XIV Certamen Nacional de Canto Coral; Primer Premio (Lira de Oro) y Premio especial del público del 43º Certamen de la Canción Marinera de San Vicente de la Barquera; Lira de Bronce en la 41º edición de este mismo certamen; Primer Premio en el XII Concurso Nacional de Corales Antonio José de Burgos; Premio especial del público y Segundo Premio en el Certamen Nacional de Coros de Rivas- Vaciamadrid; y 2º Premio en el 26º Certamen Coral Internacional Villa de Avilés.Tras haber sido fundada y dirigida por Lynne Kurzeknabe, fue dirigida por Alfonso Manso y Mª del Mar Fernández Doval, y desde septiembre de 2004 la Camerata emprende una nueva etapa bajo la dirección de Raúl Suárez García.

Raúl Suárez comienza sus estudios musicales a la edad de 7 años en la Schola Cantorum Catedral de León con la que actúa en conciertos por toda la geografía española, en Portugal y en Italia, así como en grabaciones realizadas para T. V. E., como el estreno del Réquiem de Antonio María Valencia. Ha asistido a numerosas clases magistrales y cursos impartidos por Laurentino Sáenz de Buroaga, Adolfo Gutiérrez Viejo, Ignacio Lajara, Luis Vila, Fco. Navarro Lara, Serguei Sapricheff o Enrique Azurza, entre otros.En 1991 inicia el coro del C. P. de Quevedo de León. También funda, en 1996, el Coro del C. P. Lorenzo Novo Mier, dentro del programa de “Aulas Corales” del Ayuntamiento de Oviedo y en el año 2000 participa en el origen de la misma experiencia en Avilés. Se hace cargo, en 1998, de la dirección de los Escolinos del Orfeón de Castrillón. Desde el año 2000 al 2002 dirige el Orfeón de Castrillón y desde noviembre de 2003 a la Coral Polifónica ASCASAM. Además, ha sido miembro del consejo de dirección del Aula de Música de la U.C entre los años 2006 y 2009. También ha colaborado en diversos programas con el grupo de música antigua Ars Combinatoria y en el disco Cruce de Caminos de Pepe Santos.Cabe destacar la siguiente lista de premios bajo su dirección: Primer Premio en la modalidad de Polifonía del XIII Certamen Nacional de Canto Coral; Segundo puesto en el XIV Certamen Nacional de Canto Coral; Primer Premio (Lira de Oro); y Premio especial del público del 43º Certamen de la Canción Marinera de San Vicente de la Barquera; Lira de Bronce en la 41º edición de este mismo certamen; Primer Premio en el XII Concurso Nacional de Corales Antonio José de Burgos; Primer Premio del 14º Certamen de Coros Infantiles Príncipe de Asturias; Premio especial del público; y Segundo Premio en el Certamen Nacional de Coros de Rivas- Vaciamadrid y 2º Premio en el 26º Certamen Coral Internacional Villa de Avilés.Profesor superior de oboe por el Conservatorio Eduardo Martínez Torner de Oviedo, ha tocado en diversas formaciones (orquesta, banda, grupos de cámara y música antigua), participando durante dos años en el programa de Jóvenes en Concierto, organizado por la Junta de Castilla y León. Ha impartido la docencia en la Escuela Oficial Profesional de Música Muñiz Toca de Oviedo, Conservatorio Profesional de Torrelavega y, en la actualidad, en el Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander. Desde septiembre de 2004 asume la dirección de la Camerata Coral de la Universidad de Cantabria, formación con la que estrena en España la Messe Solennelle de J. Langlais.

81

Se presenta en esta ocasión un título doble con El Pelele de Julio Gómez y Mavra de Igor Stravinsky, dos buenos ejemplos de la renovación musical operada por el neoclasicismo en los años veinte. El Pelele, inspirada en la tonadilla dieciochesca, es un ejemplo clásico de esta estética de la que también participaron varios compositores y eruditos españoles del momento. Su estreno, en 1925, se acompañó de la recuperación de dos tonadillas del siglo XVIII, en un afán por renovar este género de tintes goyescos. Esta producción recupera la versión de canto y piano del propio Gómez, interpretada en varias ocasiones a lo largo de los años treinta. Por su parte, Stravinsky acudió al argumento de un cuento de Pushkin y a la evocación de diversos estilos del pasado para componer Mavra. El propio compositor participó al piano en el preestreno de esta ópera, auspiciado por Diaguilev, interpretando la versión que se representa en este montaje.Dos mujeres jóvenes en busca del amor protagonizan las obras de Gómez y Stravinsky. En El Pelele, Cayetana expresa sus deseos de casarse y acaba por coser un pelele de trapo al que da vida. Por su parte, Parasha, la protagonista de Mavra, conseguirá introducir en casa a su amado tras hacerlo pasar por una sirvienta.

VIII Noches Líricas del Palacio de Hualle

VIERNES 12 Y SÁBADO 13 AGOSTOPalacio de Hualle • Treceño. 21 h.

Concierto extraordinario organizado por la Asociación Amigos de Lírica del Palacio de Hualle

El Pelele, tonadilla con música de Julio GómezMavra, ópera bufa con música de Igor Stravinsky

Susana Cordón, sopranoMarina Makhmoutova, mezzosopranoAnna Moroz, mezzosopranoJosé Manuel Montero, tenorRoberto Balistreri, piano y dirección musicalTomás Muñoz, dirección de escena

Una producción de la Fundación Juan March y el Teatro de la Zarzuela

83

CONCIERTOEXTRAORDINARIO

ORQUESTA SINFÓNICA DEL PRINCIPADO DE ASTURIASOLIVER DIAZ, director

LUNES 1 AGOSTOPalacio de Festivales • Sala Argenta. 22 h.Retransmisión en pantalla exterior situada en la zona de Gamazo y transmisión en streaming

La música clásica que seguro que conocesEntrada con invitación hasta completar aforo Duración aproximada: 1 h 30’

Coproducción con:

En colaboración con:

CRONOLÓGICO

86

LUNES, 1 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 22 h. ORQUESTA SINFÓNICA DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS OLIVER DIAZ, director Retransmisión en pantalla exterior situada en la explanada de Gamazo y transmisión en streaming

SÁBADO, 6 Palacio de Festivales • Sala Pereda. 12 h. Proyección “BACH, UNA VIDA APASIONADA” Documental de la BBC sobre J. S.Bach John Eliot Gardiner, narrador Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. ENGLISH BAROQUE SOLOISTS MONTEVERDI CHOIR ESCOLANIA EASO JOHN ELIOT GARDINER, director

DOMINGO, 7 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. BORODIN QUARTET

San Vicente de la Barquera • Iglesia de Santa María de los Ángeles. 20 h. LORETO ARAMENDI, órgano

Suances. El Torco, Fuerte antiguo. 21:30 h. ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK BAROQUE ORCHESTRA

LUNES, 8 Noja • Jardines del Marqués de Albaicín. 22 h. ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK BAROQUE ORCHESTRA

MARTES, 9 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Miengo • Palacio Peñas Blancas. 21:30 h. ANDREAS PRITTWITZ & THE LOOKINGBACK BAROQUE ORCHESTRA Colindres • Iglesia de San Juan, 21 h. LA TEMPESTAD

MIÉRCOLES, 10 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. THE HALLÉ ORCHESTRA MANCHESTER MARK ELDER, director Leticia Moreno, violín

Castro-Urdiales • Iglesia de Santa María. 22 h. LA TEMPESTAD

87

JUEVES, 11

VIERNES, 12

SÁBADO, 13

LUNES, 15

MARTES, 16

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. LETICIA MORENO, violín

LAUMA SKRIDE, piano

Santuario de La Bien Aparecida. 20:15 h.ARNAU TOMÁS, violonchelo

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. PAUL LEWIS, piano

Escalante. Iglesia de la Santa Cruz. 21 h.AL AYRE ESPAÑOL

Treceño • Palacio de Hualle 21 h.VIII Noches Líricas del Palacio de Hualle

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. AL AYRE ESPAÑOL

Miera • Iglesia de Santa María de la Asunción. 20 h.ARNAU TOMÁS, violonchelo

Laredo • Iglesia de Santa María de la Asunción. 20 h.ALBERTO SÁEZ PUENTE, órgano

Treceño • Palacio de Hualle. 21 h.VIII Noches Líricas del Palacio de Hualle

Loredo • Santuario de Nuestra Señora de Latas. 21 h.LA BELLEMONT

Cóbreces. Abadía Cisterciense Via Coeli. 20 h.SUSANA GARCÍA LASTRA, órgano

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h.COMPAÑÍA MARÍA PAGÉS

Santillana del Mar • Claustro de la Colegiata Santa Juliana. 22 h.LA BELLEMONT

88

MIÉRCOLES, 17 Palacio de Festivales • Sala Pereda. 20:30 h. Encuentro con Carlos Boyero y Jesús Ruiz Mantilla Proyección de la película AMADEUS, de Milos Forman

Argüeso • Castillo de San Vicente. 20 h. TRÍO MALATS

JUEVES, 18 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 19 h. SOÑANDO EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES Compañía de Títeres ETCÉTERA Noja • Iglesia de San Pedro. 21:30 h. TRÍO MALATS

VIERNES, 19 Isla • Iglesia de San Julián y Santa Basilisa. 20 h. TRÍO CYGNUS Grupo finalista del Concurso de Música de Cámara Ecoparque Trasmiera

Torrelavega • Teatro Municipal Concha Espina. 21 h. JUAN PÉREZ FLORISTÁN, piano Ganador del XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’shea

SÁBADO, 20 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. JUAN PÉREZ FLORISTÁN, piano Ganador del XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’shea

Rasines • Parque de la Cueva del Valle. 21 h. CLAVICEMBULANTE El clavicémbalo andante

DOMINGO, 21 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 19 h. BARROKINO, espectáculo familiar

Comillas • Palacio de Sobrellano. 21 h. CLAVICEMBULANTE El clavicémbalo andante

LUNES, 22 Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. BUDAPEST FESTIVAL ORCHESTRA ORFEÓN DONOSTIARRA ORFEÓN TXIQUI GERHILD ROMBERGER, contralto IVÁN FISCHER, director

89

MARTES, 23

MIÉRCOLES, 24

JUEVES, 25

SÁBADO, 27

DOMINGO, 28

MARTES, 30

MIÉRCOLES, 31

Isla • Iglesia San Julián y Santa Basilisa. 20 h. CAPILLA JERÓNIMO DE CARRIÓN

Viérnoles • Iglesia de San Román. 21 h. TRÍO DE WINNE

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. BALTHASAR - NEUMANN - CORO y SOLISTAS BALTHASAR - NEUMANN - ENSEMBLE THOMAS HENGELBROCK, director

Santuario de La Bien Aparecida. 20:15 h. CAMERATA DE LA UNIVERSIDAD DE CANTABRIA

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ, director Joaquín Achúcarro, piano

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. MÚSICA DE CINE ORQUESTA SINFÓNICA DE RTVE CRISTÓBAL SOLER, director

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. COMPAÑÍA ANTONIO RUZ & ACCADEMIA DEL PIACERE

Palacio de Festivales • Sala Argenta. 20:30 h. PHILIPPE JAROUSSKY, contratenor ENSEMBLE ARTASERSE

Festivalinternacionalsantander

@FestSantander

@festsantander

FestivaldeSantander

Calle Gamazo, s/n • 39004 Santander

Teléfono: 942 210 508 • Email: prensa@festivalsantander.com

www.festivalsantander.com