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Andrés Felipe Mora

Arte en la Sergio Arboleda

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PicassoLas mejores obras de Pablo Picasso, el pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista de visita en nuestra prestigiosa institución.

La famosa obra de Pablo Picasso llamada “La Guernika” estará en exibi-ción en la Universidad Sergio Arboleda en la Plazoleta de las Mariposas el próximo 25 de Marzo de 2014

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picas-so, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bom-bardeo de Guernica, ocu-rrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Ci-vil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español du-rante la Exposición Inter-

nacional de 1937 en París, con el fin de atraer la aten-ción del público hacia la causa republicana en ple-na Guerra Civil Española.En la década de 1940, pues-to que en España se había instaurado la dictadura mi-litar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodia-do por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su volun-tad de que fuera devuelto a España cuando volviese

al país la democracia. En 1981 la obra llegó final-mente a España. Se expu-so al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Ma-drid, donde se encuentra en exhibición permanente.Su interpretación es ob-

jeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más impor-tantes del arte del siglo XX, sino que se ha con-vertido en un auténti-co “icono del siglo XX”,

símbolo de los terribles sufrimientos que la gue-rra inflige a los seres humanos. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expues-to en el pabellón español

Vívelo

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Botero

Fernando Botero es un pintor, escultor y di-bujante colombiano que nació en Medellín el 19 de abril de 1932.La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentis-

ta contemporáneo, deno-minado por algunos como “Boterismo”, el cual le da

una identidad inconfundi-ble y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas te-máticas universales. (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creen-cias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus rela-ciones interpersonales, mi-tos, leyendas, manifesta-ciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, ani-males, paisajes y la natura-leza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sen-sualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que

cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en oc-cidente, en temáticas que pueden ser contemporá-neas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escue-la veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Fran-cia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.En 2012 se han programa-do una serie de homenajes internacionales, con moti-

vo de la efemérides de su natalicio número ochenta. Las celebraciones, inclu-yen exposiciones antológi-cas de sus obras en museos del Distrito Federal de México, Sao Paulo en Bra-sil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Co-lombia y Bilbao en Espa-ña. Bielefeld en Alemania, y del Estado Colombiano.

Los Bañistas 1980, Obra del Maestro Botero.

Obra La Monalisa de Botero, 1978

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Tiziano VecellioTiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicio-nalmente en español como Tiziano o Ticia-no (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576),1 fue un pintor italiano del Renacimiento.

Reconocido por sus con-temporáneos como “el sol entre las estrellas”,2 Tizia-no es uno de los más ver-sátiles pintores italianos, igualmente ca-pacitado para ejecutar re-tratos, pai-sajes (dos de los te-mas que le lanzaron a la fama), es-cenas mitológi-cas o cuadros de te-mática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos

críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

En cualquier caso, el conjunto de

su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y

l u m i n o s o , con una pin-

celada suelta y una delicadeza en las

modulaciones cromáticas sin precedentes en la His-toria del Arte occidental.Como retratista, Tiziano alcanzó fama ya en su ju-ventud. Este género pictó-

rico, al que dedicó la mayor parte de su producción, fue el que le abrió las puertas de la aristocracia europea.Según Harold E. Wethey, crítico muy severo, son ciento diecisiete los re-tratos de Tiziano que han llegado a nuestros días13 Otros tantos le han sido atribuidos por los histo-riadores, a los que hay que añadir los treinta y cinco de que nos hablan los tes-timonios documentales y que se han perdido. Hay que tener presentes los retratos quattrocentistas de Bellini y los de Gior-gione, más líricos, para comprender la revolución que supuso el estilo de Ti- Danae recibiendo la Lluvia de Oro

Como retratista, Tiziano

alcanzó fama ya en su ju-ventud. Este género pictórico,

al que dedicó la mayor parte de su producción, fue el que le

abrió las puertas de la aristocracia

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Bartolomé Esteban M.Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – ibíd., 3 de abril de 1682) fue un pin-tor barroco español.

Murillo debió de nacer en los últimos días de 1617 pues fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de Sevilla el 1 de enero de 1618. Era el menor de catorce her-manos, hijos del barbero Gaspar Esteban y de María Pérez Murillo, que proce-día de una familia de pla-teros y contaba entre sus parientes cercanos con algún pintor. Conforme al uso anárquico de la época,

aunque alguna vez firmó Esteban adoptó común-mente el segundo apellido de la madre. Su padre era un acomodado barbero, ci-rujano y sangrador al que en ocasiones se daba tra-tamiento de bachiller,4 y

del que en un documento de 1607 se decía que era «rico y ahorrador», propie-tario de algunos bienes in-muebles junto a la iglesia de San Pablo que heredó Bartolomé y le proporcio-naron rentas toda su vida.

Con nueve años y en el plazo de seis meses quedó huérfano de padre y madre y fue puesto bajo la tutela de una de sus hermanas mayores, Ana, casada tam-bién con un barbero ciru-jano, Juan Agustín de La-

gares. El joven Bartolomé debió de mantener buenas relaciones con la pareja pues no mudó de domici-lio hasta su matrimonio, en 1645, y en 1656, ya viudo, su cuñado le nom-bró albacea testamentario.Apenas se tienen noti-cias documentales de los primeros años de vida de Murillo y de su formación como pintor. Consta que en 1633, cuando contaba quince años, solicitó licen-cia para pasar a América con algunos familiares. Según la costumbre de la época, por esos años o algo antes debió de ini-ciar su formación artísti-ca. Aun cuando no existe

Nacimiento de la Virgen, 1660, París, Museo del Louvre.

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Francisco de Zurbarán

Pintor español. A los quince años se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pe-dro Díaz de Villanueva, y donde conoció a Velázquez. Contrajo matrimonio con María Páez en 1617, y desde ese año hasta 1628 .

En 1627 pintó su prime-ra gran obra importante firmada y datada: la Cru-cifixión del oratorio de la sacristía del convento do-minico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626 había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio francis-cano de San Buenaven-tura. El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza rea-lista propia de los mejo-res pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monu-

mentalidad, el fondo oscu-ro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras.

En 1629 se estableció en S evilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad, y era tan grande su reputación como pin-tor, que no tuvo que pasar el tradicional examen para ejercer su oficio. Entre 1630 y 1639 se sitúa la eta-pa más fecunda de la obra de este artista, que abarca tanto naturalezas muertas (Bodegón con naranjas, 1633) como obras de tema religioso (Visión del beato Alonso Rodríguez, 1630, Apoteosis de Santo Tomás

de Aquino, 1631, Santa Margarita, Santa Isabel de Portugal). Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen Retiro (La defensa de Cádiz con-tra los ingleses, y una serie de los Trabajos de Hércu-les), durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo, en el cla-sicismo toscano, influido a veces por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus as-piraciones. Las pinturas del retablo de la capilla de San Pedro de la catedral de Sevilla (1635-1636) su evolución artística.

San Pedro

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François Boucher

Dia después del baño

París, 29 de septiembre de 1703 - 1770) fue un pintor francés, que gustó del estilo galante, propio de la época rococó. Fue famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alego-rías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour.

Nació en París el 25 de septiembre de 1703, hijo de Nico-las Voucher. Fue quizás el pintor decorador más famoso del siglo XVIII, con su estilo enmarcado en el arte rococó.Tuvo un aprendizaje más bien accidentado, con varios maestros, y superó diversos obstáculos para triunfar. A los 17 años, fue aprendiz del pintor François Lemo-

yne, con quien sólo duró tres meses, antes de em-pezar a trabajar con el grabador Jean-François Cars; con él aprendió la técnica del aguafuerte.En 1723, Boucher ganó el prestigioso Premio de Roma, pero por falta de plazas tuvo que esperar cuatro años para disfrutar de dicho premio, que con-sistía en un viaje de estu-dios en Italia, alojado por la Academia Francesa en Roma. Mientras espera-ba poder efectuar el viaje,

siguió trabajando en el ta-ller de Cars, y así colaboró en una serie de grabados sobre dibujos del difunto Watteau, promovida por Jean de Julienne (1726-28). Finalmente, Boucher emprendió el viaje a Italia acompañando a los Van Loo, y el director de la Academia de Roma, Char-les-Joseph Natoire, le re-comendó representar pai-sajes tomados del natural.Tras su regreso a Francia, en 1731, fue admitido en la Real Academia de Pin-

tura y Escultura. Llegó a ser rector de tal acade-mia y director de la Real Fábrica de tapices de los Gobelinos. El apoyo de la Marquesa de Pompadour fue esencial en su éxi-to. En 1765 fue nombra-do Primer pintor del rey.Sus primeras obras cele-braban la tranquilidad de la naturaleza y la evasión que otorga el campo. Su trabajo olvida la inocencia tradicional del campesino, e impregna sus escenas con algo de erotismo, y sus es-

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William Blake

El Anciano de los Dias

Grabador y poeta británico. Estudió dibujo e hizo prácticas de grabado con James Basi-re, antes de ingresar en la Royal Academy of Art, institución que abandonó en 1780 al no adaptarse a sus métodos de enseñanza.Empezó a trabajar como grabador, dando pruebas desde el principio de su desbordante imaginación y de una acusada tendencia hacia lo místico y lo ima-ginario. De hecho, toda su obra es sumamente fanta-siosa y extraña en la forma, y está repleta de imágenes y simbolismos difíciles

de interpretar. Existe una estrecha relación entre su creación plástica y su crea-ción literaria, a través de la cual expresó sus comple-jos pensamientos filosófi-cos, basados en la idea de que el mundo sensible no es más que una envoltura engañosa de la realidad espiritual. Esta unidad ar-

tistico literaria llegó a su punto culminante a partir de 1787, cuando empezó a poner en práctica un nue-vo método de imprimir sus poemas ilustrados, conoci-do con el nombre de «im-presiones iluminadas» (en inglés. illuminated prin-tings). Pretendía que en sus libros, al igual que en los manuscritos medievales, texto e imágenes guarda-ran una estrecha relación, por lo que diseñaba perso-nalmente cada una de las páginas, en las que el tex-to se escribía a mano y las ilustraciones se grababan. Con esta técnica realizó al menos cuatro libros, entre los que destaca El matri-monio del cielo y el infier-no. Ninguna de estas obras tuvo éxito, y se vio obliga-do a recurrir a la ayuda de algunos cenas, como Tho-

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Gustave CourbetOrnans, Francia, 10 de junio de 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.

Nació en un pueblo próxi-mo a Besançon, en el Doubs alemán, cuyo pai-saje refleja en sus cuadros. Es un gran conocedor de las obras de Marsol. Es-tudió en Besançon y lue-go en París (1840). Sus padres deseaban que em-prendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó al arte.Viajó a Holanda (1846) y Francia (1853). Como él, sus amistades eran contra-rias al academicismo artís-tico y literario; entre ellas se cuenta a Baudelaire, Co-rot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Cour-bet fue etiquetado de «re-volucionario peligroso».

En 1845 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del ju-rado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las proximi-dades del campo de Mar-te, a la que bautizó con el nombre de “Pabellón del Realismo”. Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retra-taba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida. Su naturalismo combativo es patente en sus desnudos femeninos, donde evita las texturas nacaradas e irreales tomadas de la es-cultura neoclásica. Plasma formas más carnales e in-cluso el vello corporal que Desnudo

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Edouard Manet

Cuando vio que su proyecto no tenía éxi-to decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, casi seis años como alumno de Thomas Couture, un pin-tor muy estrecho de miras como profesor.

El Desayuno en la Hierba

De todos los artistas de su tiempo, Manet era qui-

zás el más contradictorio. Aunque se le consideraba

un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y lo que quizás sea más impor-tante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrar-se inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas ha-cia su obra.Tuvo que espe-rar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, ja-más expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque

le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos».4 Sus objetivos no eran compati-bles con los de los impre-sionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.La notoriedad de Manet, al menos en las etapas tempranas de su carrera, se debió más a los temas de sus cuadros, conside-rados escandalosos, que a la novedad de su estilo. No fue hasta mediados de la década de 1870 que empezó a utilizar técnicas impresionistas. En este sentido, Bownes se mues-tra bastante convincente al demostrar que, de joven,

sin llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nue-vo: Buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organiza-da en su superficie como los cuadros de Velázquez.En 1859 presentó por pri-mera vez al Salón su Bebe-dor de absenta, un cuadro que permitía sin proble-mas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta re-acción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo úni-co que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.En los años sesenta, sin embargo, su pintu-ra de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861

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Vincent Van GoghVan Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la com-posición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arqui-tectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, mientras que el pri-mer plano lo reserva-ba para los campos y la vegetación.En neerlandés Acerca de este sonido Vincent van

Gogh [ˈvɪnsɛnt fɑn’xɔx]) (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Au-vers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes

del postimpresionismo.1Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretra-tos y 148 acuarelas) y rea-lizó más de 1.600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano me-

nor Theo, quien le prestó apoyo financiero de mane-ra continua y desinteresa-da. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo; las otras son corres-pondencia con amigos y familiares.A pesar que desde muy jo-ven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misione-ro a una región minera de Bélgica, donde comenzó

a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de pata-tas. En ese momento su paleta se componía prin-cipalmente de tonos som-bríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Ar-lés en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconoci-da después de su muerte, considerándose en la ac-tualidad uno de los gran-des maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los

El Sembrador - Obra de Vang Gogh

¡Vívelo!

“Lo mejor del arte en la Sergio Arboleda”

Encuentra en esta edición una guía de las obras de los mejores artistas que visitarán la Universidad Sergio Arboleda durante la Semana Cultural que se llevará a cabo desde Abril 25 a Abril 30

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