REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

UN IVERSIDAD CEN TROC C IDENTAL “L ISAND RO ALVARADO”

DECANATO EXPERIME NTAL DE HU M ANIDA DES Y ARTES

PROGRA MA L ICE NC IATU RA EN ARTE S PLÁSTICAS

ARTES PLÀSTICAS Y ARTE CULINARIO.

…FUNDAMENTOS PARA UNA SUSTENTACI ÓN

ARTÌSTICA…

Estudio presentado como requisito parcial para optar

al Grado de Licenciado en Artes Plásticas

Autor:

Br. Mariajosé Cañas

C.I: 19.417.918

Tutor:

Ph. Dr. Ángel Mujica

C.I: 7.305.064

Barquisimeto, 06 de octubre del 2010

DEDICATORIA

A mi querido padre, que es mi mayor motivación. Sin él nada de esto sería

posible. Por su apoyo incondicional aun cuando no entendía lo que quería

lograr. TE AMO PAPI.

A mi madre que me sumergió en el área de la creación artística, me facilitó

todo su conocimiento, ayudándome y acompañándome en los momentos

dulces y amargos de la carrera.

A mi hermana que trataba de entenderme plenamente en cada uno de los

nuevos procesos artísticos en los que incursionaba y me motivaba

consecuentemente a alcanzar esta meta. Te amo Churra.

A mi querido novio que fue compañero, soporte, asistente, conejillo de indias

y sobre todo amigo en esta escabrosa aventura. Tuami!

Y por ultimo con especial énfasis se los dedico a todas las personas que

pensaron que este Trabajo de Grado era una ¡LOCURA! o algo muy

complicado. Porque esto me hizo más fuerte y querer seguir adelante. Y

además porque soy joven es que me propuse este proyecto un tanto

ambicioso.

AGRADECIMIENTOS

A mi hermano Luís que pensaba que estaba loca cuando trabajaba en las

tendencias y temáticas que el desconocía.

A mi nena (Alexandra) y a mi pare (Mariale) por ser compañeras de clase,

caldero de ideas, amigas intimas, pañuelo de lagrimas, cómplices y aliadas

de nuevas aventuras.

A mi “tutor Principal” que encaminó y me dio ánimos para seguir con este

proyecto.

A mis tías Gisela y Miriam que permitieron que me hospedara en su casa y

se preocuparon por mí durante mi estadía en Caracas.

A Nanda, Clau, Alfred, Berny y Melanie del Departamento de Registro de

FMN-MAC por toda la ayuda que me brindaron en la búsqueda de

información. Los Quiero.

A Luis del Dpto. de Investigación de la FMN-MAC quien aporto información

preciada tanto suya como de Ary Roncaglia.

Al profesor Ángel que creyó en mí y guió mi proyecto aun cuando pocos

creían que era factible realizar este Trabajo de Grado.

Al profesor Benigno que fue mi asesor plástico y me apoyo en todas mis

ideas por muy descabelladas que fuesen.

A Malgalita que me tendió su mano y se ofreció a ser mi asesora en el área

metodología. Gracias.

A Jotica por compartir sus conocimientos conmigo y por las fructíferas

conversaciones entabladas.

A mon ami Humbertico! Que me brindo su ayuda y sus conocimientos en el

área de francés.

A donaaal, amigo incondicional que me ayudo en todo lo que estuvo a su

alcance. Te Quiero “pana”

Y a todos los que me dieron de una manera u otra su apoyo, que no

mencione, a lo largo de este trayecto, mil gracias.

ÍNDICE GENERAL

pp.

RESUMEN .................................................................................... .. viii

INTRODUCCIÓN ............................................................................. 1 CAPÍTULO I EL PROBLEMA ARTISTICO............................................................ ….

I.1. Planteamiento del Problema..................................... 3

I.2. Objetivos de la Investigación..................................... 5

I.3. Justificación e Importancia....................................... 6

II MARCO REFERENCIAL .................................................................

II.1.1. Antecedentes de la Investigación ......................... 8

II. 1.2. Antecedentes Históricos……………..……………… 10

II.2. Bases Teóricas. ………………………….……………….. 18

II.2.1. El cacao de este Chocolate.................................... 18

II.2.2. La Gastroestética daliniana…………………………. 23

II.2.3. Diversidad conceptual multisápida…..…………….. 28

II.2.4. La historia del elíxir de los dioses…...…………..…. 29

II.2.5 Psicología del color……………………………………. 34

II.3. Definición de Términos .............................................. 37

III MARCO METODOLOGÍCO .............................................................

III.1. Naturaleza de la Investigación .................................... 40

III.2. Teorías o Métodos Pertinente para la Investigación... 41

III.3. Nivel y diseño de la Investigación….…………………. 42

IV PROPUESTA PLASTICA ................................................

IV.1. Antecedentes Personales ...................................... 43

IV.2. Descripción de la Propuesta ........................................ 50

IV.3. Memoria...................................................................... 62

CONCLUSIONES ……………………………………………………. 90

REFERENCIAS ............................................................................. 91

ANEXOS…….…………………………………………………………….. 96

INDICE DE IMÁGENES

IMÁGENES pp.

Fig.1 Las Cuatro Estaciones”: título de la serie

conformado por 4 cuadros.

11

Fig.2 Continuación de la serie “Cuatro Estaciones”. A

la izquierda Verano y a la derecha Otoño. Obras

realizadas en el año 1573.

11

Fig.3 La obra Obelisco de Pan Dulce

realizada por Marta Minujin.

13

Fig.4 La Venus de Queso, otra obra de la

artista argentina Marta Minujin.

13

Fig.5 Busto de Chocolate y Busto de Jabón de la

obra Lick and Lather.

14

Fig.6 Vista de la obra completa de Janine Antoni. 14

Fig.7 Imagen de la Exposición Sabores y lenguas de

Antoni Miralda.

16

Fig.8 Cuadro 10. de Paisajes Domésticos,

realizado por el artista Carlos Poveda.

16

Fig.9 El artista Cesar Martinez invita y desafia, al

mismo tiempo, al espectador a comer su obra,

hecha en gelatina a escala natural.

18

Fig.10 Figura humana y naturaleza muerta. 44

Fig.11 Figura humana fusionada con una copa. 44

Fig.12 Mujer con tulipanes. Técnica tinta china 44

Fig.13 Plancha. 44

Fig.14 Composicion de semillas. 44

Fig.15 Acordeón de imágenes intervenidas digitalmente 45

Fig.16 Síntesis de una imagen orgánica. 45

Fig.17 Modulo hecho en Mdf. 45

Fig.18 Boceto en Mdf de pintura experimental. 46

Fig.19 Vista contrapicada de la instalación de taparas. 47

Fig.20 Acercamiento de taparas sobre aserrín 47

Fig.21 Fotografia del performance. 47

Fig.22 Vista lateral de escultura en yeso 48

Fig.23 Vista frontal de escultura en yeso 48

Fig.24 Obra hecha con coliflor. 48

Fig.25 Vista lateral de obra hecha en coliflor. 49

Fig.26 Terracota del Templo de Apolo en el Palatino

Romano.

55

Fig.27 Detalle de una catrera griega del s. V a.c. 56

Fig.28 Fragmento de la obra

Construcción Blanda con Judías Hervidas.

58

Fig.29 Fragmento de la obra Autorretrato blando con

tocino frito.

59

Fig.30 Modelo, mi padre con las bandas de yeso. 62

Fig.31 Fotografía cuerpo completo. 62

Fig.32 Preparando la mezcla de yeso para aplicar una

fina capa sobre las bandas de yeso.

63

Fig.33 Aplicando la mezcla de yeso semi-líquido. 63

Fig.34 Dando los últimos detalles al molde. 63

Fig.35 Vista lateral una vez terminado el molde. 64

Fig.36 En el proceso de secado. 64

Fig.37 Otro ángulo del molde ya casi listo para

desmoldar.

64

Fig.38 Cortando el chocolate. 65

Fig.39 Engrasando el molde. 65

Fig.40 Templando el chocolate. 65

Fig.41 Vaciando el chocolate en el molde. 66

Fig.42 Vertiendo el chocolate. 66

Fig.43 Eliminando el exceso.

66

Fig.44 Retocando los bordes. 67

Fig.45 Rostro en chocolate. 67

Fig.46 Producto Final. 68

Fig.47 El almíbar producto de agua y azúcar 69

Fig.48 Se le añadió colorante artificial al caramelo. 69

Fig.49 El colorante reaccionando en el azúcar. 69

Fig.50 Se logró colorear el caramelo. 70

Fig.51 La reacción del caramelo con el colorante lo

volvió turrón.

70

Fig.52 El azúcar cristalizado por completo. 70

Fig.53 Primera prueba de caramelo fallida. 71

Fig.54 El almíbar hirviendo. 71

Fig.55 Agarrando consistencia 72

Fig.56 El calor produce que el almíbar cambie de color. 72

Fig.57 Color caramelo 73

Fig.58 El color y consistencia deseada. 73

Fig.59 Primera prueba con el almíbar antes de tornarse color caramelo.

73

Fig.60 Hilos de Caramelo en forma de cesta. 74

Fig.61 Varias pruebas, combinaciones de color y de

grosor de los hilos de caramelo.

74

Fig.62 La cesta una vez desmoldada donde se puede

apreciar los cambios de tonos del caramelo.

74

Fig.63 La cesta vista de perfil. 75

Fig.64 Otra de las pruebas. Esta con menos hilos y por

ende más quebradiza

75

Fig.65 La tercera cesta, fuerte en el fondo pero débil en

los laterales.

76

Fig.66 Cortando el anime 77

Fig.67 Quitando el exceso. 77

Fig.68 Sacando la forma del rostro 77

Fig.69 Se puede apreciar la forma del cráneo. 78

Fig.70 Toma de Perfil sin terminar. 78

Fig.71 Rebajando el área del cuello. 78

Fig.72 Lijando. 79

Fig.73 Desbastando el rostro. 79

Fig.74 Vista de perfil. 79

Fig.75 Aplicando una capa de yeso. 80

Fig.76 Suavizando los rasgos toscos y fuertes. 80

Fig.77 Creando la superficie del cabello. 80

Fig.78 Terminando la primera capa. 81

Fig.79 Rebajando con la espátula. 81

Fig.80 Casi lista 81

Fig.81 Los últimos detalles de la segunda capa. 82

Fig.82 Rostro pintado para asemejar el chocolate 82

Fig.83 Rostro de perfil. 82

Fig.84 Primer boceto del volcán y el queso derretido (la

lava).

83

Fig.85 Boceto de la textura visual y táctil de cada

huevo.

83

Fig.86 Volcán de Huevos. 83

Fig.87

Vista aérea del vapor que emanan los huevos

hirviendo.

84

Fig.88 Los huevos hirviendo para así darles el color y

la textura visual deseada.

84

Fig.89 Los huevos reposando después que el líquido

se evaporo casi por completo.

84

Una vez fríos, listos para ser removida la

cáscara.

85

Fig.91

Aquí se puede notar la borra del te y la

coloración que adquirió la cáscara.

85

Fig.92 Acercamiento de un huevo donde se aprecia la

textura visual, la coloración y la mitad de la

cáscara.

85

Fig.93 Varios huevos después de haberle removido la cáscara.

86

Fig.94 Otro ángulo donde se ven otras texturas. 86

Fig.95 Prueba de la posición de los huevos para formar

el volcán.

86

Fig.96 Enfoque de cómo se vería uno de los laterales 87

Fig.97 . Acercamiento de unos huevos de codorniz. 87

Fig.98 Pirámide triangular con huevos de codorniz.

88

Fig.99 Pirámide triangular.

88

Fig.100 Composición con huevos de codorniz. 89

REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

UNI V E RS I DA D CE NT RO CCI DE NT A L “ L I S A NDRO A LV A RA DO ”

DE CA NA T O E XP E RI M E NT A L DE H UM A NI DA DE S Y A RT E S

P RO G RA M A L I CE NCI A T URA E N A RT E S P LÁ S T I CA S

Artes Plásticas y Arte Culinario

Fundamentos para una sustentación artística…

Autor: Mariajosé Cañas Madrid.

Tutor: Ángel Mújica

Fecha: Marzo 2011

RESUMEN

Actualmente gracias a la globalización y los avances tecnológicos se encuentran

disponibles una amplia variedad de medios y materiales de expresión plástica.

Brindando así diversidad al artista plástico, en el presente trabajo se optó por

recurrir al uso de alimentos para la creación de la propuesta plástica.Debido a que

la obra plástica se realizo con alimentos, cabe resaltar que dentro de este trabajo de

grado se propuso la inclusión de dos sentidos que antes no eran comúnmente

incorporados para la apreciación de las obras de arte como lo son el gusto y el

olfato. Se trata así que la experiencia plástica abarque todos los sentidos y no que

se enfoque sólo en el sentido de la vista y el oído como se había hecho a lo largo de

la historia. Debido a que el ser humano percibe su exterior y el medio que lo rodea a

través de los cinco sentidos entonces se planteo un tipo de arte el cual se percibe

de la misma manera. Esto surge de la vinculación de las artes plásticas y el arte

culinario, en la cual se fusionan técnicas y conocimientos propios de la cocina y el

arte culinario con las teorías, elementos plásticos y estéticos de las artes plásticas.

Para esto se recurrió a la revisión de fuentes bibliográficas y hemerogràficas y luego

se procedió al análisis documental. Generando como resultado la investigación

desarrollada a continuación y la creación de una propuesta plástica donde se

evidencian las bases teóricas aquí planteadas y desarrolladas.

Artes Plásticas, arte culinario, esculturas de alimentos, cocina, elementos

plásticos, los sentidos.

INTRODUCCIÒN

Actualmente en la sociedad venezolana, específicamente en el área de

las artes plásticas, podemos encontrar una gama variada de propuestas,

unas enmarcadas en lo tradicional, otras en lo moderno y otras dentro de lo

contemporáneo. Tomando en cuenta esta realidad se puede afirmar que lo

que se plantea en este trabajo está dentro de la tercera categoría. Pero el

arte contemporáneo es muy amplio por esto es necesario delimitar la

presente propuesta.

. Uno de los puntos a tratar en este trabajo es lo que concierne a la

escultura como manifestación plástica y a la instalación como nueva

tendencia del arte contemporáneo. Se propone aquí algo poco convencional

como lo es el uso de los alimentos como materiales a ser empleados en la

propuesta plástica.

Y es que los antecedentes más cercanos, para este tipo de arte se

encuentran dentro del Eat Art, y aunque pareciera mucho tiempo, hablar de

casi medio siglo recorrido dentro de los lineamientos de esta corriente no es

tanto comparado con decenas de siglos de Historia de la escultura en piedra

o mármol.

Se intenta así indagar en un tipo de arte que ha sido relegado a lo largo

de la Historia o que siempre se le ha vinculado netamente con la

gastronomía entendida ésta como el área encargada de estudiar todo lo

relacionado con los alimentos (su elaboración, presentación y conservación).

Es necesario diferenciar la gastronomía del arte culinario, la primera es

entendida como una ciencia y la segunda como un arte que se manifiesta a

través del dominio y manejo de una técnica. Hecha esta diferenciación se

debe plantear una segunda referida a los significados que puede tener el arte

culinario. La primera es la que se entiende como el dominio y la perfección

de técnicas y ciertos conocimientos dentro de la cocina y la segunda es un

arte basado en la creación de obras a través de los alimentos como

elementos expresivos, donde estos cumplen un rol sumamente importante ya

que dejan de ser solo material para adentrarse en el ser, literalmente, por

medio de todos los sentidos.

A los fines de organizar la presentación del trabajo, éste está estructurado

en cuatro capítulos coherentes y secuenciales, conforme a los objetivos

propuestos. Los cuatro capítulos se reseñan a continuación:

El primero está referido al planteamiento del problema, los objetivos de la

investigación, su justificación y alcance.

El segundo incluye el marco teórico conceptual y en él se desarrolla la

temática abordada en la investigación; se inicia con la identificación del

contexto histórico que dio origen a la relación de las artes plásticas y el arte

culinario. Luego se caracterizan los rasgos que comparten ambas áreas del

saber.

El tercer capítulo está integrado por el marco metodológico. Aquí se

define el tipo de investigación y las etapas por las cuales se desarrolló para

alcanzar los objetivos propuestos.

El cuarto capítulo lo constituyen los antecedentes personales, la

propuesta plástica y la memoria. Finalmente se presenta el cuerpo de

conclusiones, la bibliografía pertinente y los anexos.

CAPÍTULO I

EL PROBLEMA ARTÍSTICO

I.1. Planteamiento del Problema

Haciendo una revisión histórica del arte se encuentra que en ninguna

época o período se haya definido o caracterizado, ya sea por artistas o algún

crítico, el Arte Culinario. Esto, por supuesto, siendo analizado desde el punto

de vista occidental de las artes plásticas. Y la información que se puede

conseguir es escasa sobre todo textos en español, por esto se ve la

necesidad de realizar una investigación dentro de este área.

Actualmente la mayoría del colectivo parece estar familiarizado con los

términos Gastronomía y Arte Culinario. Siendo el primero, el conocimiento

especializado de los alimentos y los productos afines y su respectiva

elaboración. Mientras que el segundo, no tiene tan amplios linderos,

principalmente porque se trata de una mejor e innovadora forma de presentar

y combinar los alimentos tomando en cuenta tanto las reglas de la cocina, la

química y las artes plásticas, o al menos este es el concepto que se propone

en esta investigación.

El término arte es frecuentemente usado pero muchas veces

desconocido. En esta investigación se propone darle fundamento teórico al

arte culinario desde el punto de vista de las artes plásticas, nombrando y

explicando las características más representativas para ser catalogado como

tal. Y es que son varias las características que relacionan de manera directa

a las artes plásticas y el arte culinario empezando por los elementos plásticos

con los que ambos se pueden regir, basamentos estéticos, entre otros.

Y es que este no es un trabajo donde se ocupará el concepto de arte

culinario que comúnmente se conoce, como lo es el manejo de técnicas y

conocimientos de la cocina. Sino que se buscara y propondrá una nueva

concepción para este término ya existente.

En tal sentido, se plantean las siguientes interrogantes:

¿Existe alguna relación entre artes plásticas y arte culinario?

¿Cuáles son las características del arte culinario en cuanto a las artes

plásticas?

¿De qué manera está involucrado el arte culinario y las artes

plásticas?

¿Es posible crear una obra plástica vinculando el concepto de arte

culinario y artes plásticas?

I.2. OBJETIVOS

OBJETIVO GENERAL

Determinar la relación entre las artes plásticas y el arte culinario.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

Analizar las bases teóricas que plantean la fusión entre las artes plásticas y

el arte culinario.

Crear una propuesta plástica tridimensional con materiales comestibles que

sustente la concepción de arte culinario propuesta en esta investigación.

I.3 JUSTIFICACIÒN

Esta investigación se lleva a cabo por la búsqueda de nuevos medios de

expresión dentro del campo de artes plásticas, incursionando en el arte

culinario como medio de creación plástica. Se tomarán los elementos

plásticos, como el espacio, el volumen, la línea, la textura, herramientas

indispensables en las artes plásticas y los recursos gastronómicos usados en

el arte culinario, esto como una forma de reunir ambas ramas. No obstante

se seguirá experimentando las formas que se pueden vincular el uno con el

otro.

También se presenta la necesidad de ampliar las fuentes bibliográficas

dentro del campo de las artes plásticas relacionando el arte culinario debido

a que esta área presenta grandes vacíos dentro de la sociedad venezolana.

Aun cuando las bases se encuentran asentadas, hace falta compilarlas y

desarrollar esta información, para así generar uno de los resultados

esperados por esta investigación. Desde hace algunos años, diversos

teóricos artísticos y culinarios han incursionado en las ramas del arte y la

gastronomía. Siendo preciso investigar en ambas áreas para que una vez

hecho esto ambas se puedan fusionar.

Son heterogéneas las investigaciones a nivel internacional que han

vinculado de una manera u otra la gastronomía y las artes plásticas. Este

trabajo busca ser un aporte teórico para ambas ramas. Resaltando los

rasgos y características que comparten, tomando en cuenta que ambas han

estado desde el principio de la humanidad. Así como también las dos

representan una necesidad; la gastronomía enfocada hacia una necesidad

primaria y fisiológica mientras que las artes plásticas se tratan de una

necesidad espiritual, siendo esta usada como medio de expresión.

Esta investigación se desarrolla dentro de la temática contemporánea o

de nuevas tendencias permitiendo así reflejar que los estudiantes egresados

de la UCLA, específicamente en el Decanato de Humanidades y Artes están

no solo al tanto de lo que esta sucediendo en el mundo actual sino que

cuentan con la base tradicional; como lo son los conocimientos referentes a

la historia del arte, los precedentes del dibujo, esta base es necesaria y a su

vez también están enmarcados en la actualidad para desarrollar un lenguaje

propio.

A su vez esta investigación sería un aporte importante para la Ciencia en

general, como vía novedosa para conjugar nuevos caminos artísticos en el

acto creador. Entendiendo a la ciencia como el conjunto de conocimientos

obtenidos a través de un método, en este caso el Hermenéutico se puede

aseverar que con esta investigación se obtendrán conocimientos dentro del

área de las artes plásticas y para lograrlo se recurrirá a un método científico.

De esta manera se estaría realizando un aporte a la ciencia en general.

CAPÍTULO II

MARCO REFERENCIAL

II.1.2 Antecedentes

Con el fin de ampliar y sustentar la presente investigación se recurre a la

revisión de trabajos previos, donde se pudo constatar que el tema ha sido

muy poco investigado hasta el presente. En la búsqueda de algún

precedente a esta investigación se visitó la Biblioteca Virtual de la

Universidad Metropolitana de Caracas pero los resultados no fueron

satisfactorios, debido a que no se encontró material que pudiera ser utilizado

en antecedentes o en las bases teóricas.

También se tiene como objetivo afianzar las bases teóricas que

fundamentan este proceso investigativo donde se vinculan las artes plásticas

con el arte culinario. En el presente trabajo se entenderá el arte culinario

como un medio de expresión plástica que usa recursos gastronómicos, mas

adelante se explicará por que.

Encontrar investigaciones previas concernientes a este tema no fue cosa

fácil por cuanto el tema presente ha sido poco estudiado en las universidades

del país. A pesar de que los inicios del Eat Art, una de las corrientes que

sirve aquí de base teórica, datan de los años 60 del siglo pasado, son pocas

y escasas las investigaciones y teóricos que se dedicaron a categorizar esta

corriente sobre todo en el idioma español.

De hecho, el único trabajo conseguido en la búsqueda de antecedentes

fue el trabajo de Grado de Yarimir Rodríguez, quien en 2007 presento un

trabajo titulado Coroto para optar al título de Licenciada en Arte Mención

Escultura en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes

Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR), actualmente conocido como

Universidad Experimental de las Artes (UNEARTES).

El trabajo de Grado Coroto no es un trabajo de grado tradicional en el

sentido de que no incluye objetivos, un marco metodológico y un marco

referencial. Se trata de un trabajo concebido como una propuesta que surge

en primera instancia como incertidumbre dentro de la materia de lenguaje

plástico que luego se convierte en una necesidad de investigación. En

Coroto se propone una realidad escultórica para lo comestible pero bajándolo

del pedestal de la Alta Cocina.

Para la autora hay muchas inquietudes con respecto a comprar, preparar,

cocinar, comer y que el alimento forme parte de su ser. Así como también el

poder compartir los alimentos con alguien más, como acto social. Propone no

llevar a la comida más allá de lo que es, de convertir esa comida de fin de

semana con su familia en algo especial. Rescatar esos momentos vinculados

al acto de sentarse a la mesa en familia o en compañía de seres queridos o

conocidos.

Como artista busca a través de la escultura hecha con alimentos, lograr

un dialogo con el espectador sin siquiera estar allí presente sino solo a través

de la escultura. Para ello hace varias referencias que ha tomado en cuenta

para el desarrollo de su propuesta como lo son la artista argentina Marta

Minujin, el artista brasilero Vik Muniz donde abarca una de las características

mas resaltantes respecto a este tema lo efímero. También menciona a Carlos

Poveda, con sus composiciones hechas en platos con los alimentos sin ser

transformados de alguna manera y así como también no pueden ser

consumibles solo están allí para ser apreciados.

II. 1.2. Antecedentes Históricos

En este apartado se hará referencia a dos grupos de artistas. El primero

de ellos el que ha utilizado la representación de la comida por medio del arte

y el segundo grupo el que ha utilizado la comida para hacer arte.

Dentro del primer grupo se encuentra Leonardo Da Vinci quien tenía una

fascinación por la gastronomía tal como lo evidenció en sus lienzos. Un

ejemplo notable fue su fresco de la escena bíblica la última cena. En dicho

fresco el artista le dio tanto énfasis a la representación de los alimentos que

hizo numerosos bocetos y experimentó con diversas composiciones y

manjares. Finalmente resolvió la escena de la comida con la sencillez del pan

y unos nabos. La textura de los alimentos y los colores abrumaron tanto al

pintor que en estudios de restauración hechos recientemente al lienzo se ha

podido descubrir la variedad cromática utilizada por el artista y poner de

manifiesto el realismo que le dio a esta pintura así como también la

multiplicidad de capas de color que empleó.

Otro artista que vinculó el arte con la gastronomía fue Archimboldo, quien

representaba figuras humanas y composiciones en general a través de la

construcción, unión y estructuración de diferentes vegetales, moluscos, frutas

y alimentos en general, usando el óleo sobre lienzo. Quizás éste puede ser

considerado uno de los antecedentes primigenios para lo que compete a esta

investigación. Dentro de sus más destacadas series se encuentran “Las

cuatro estaciones” y “Los cuatro elementos”. (Véase fig. 1)

Fig. 1. “Las Cuatro Estaciones”: título de la serie conformado por 4 cuadros. En el orden que se presentan: a la izquierda se encuentra la obra Invierno y a la derecha Primavera. Esta

serie fue realizada por Giuseppe Arcimboldo en el año de 1573.

Fig. 2. Continuación de la serie “Cuatro Estaciones”. A la izquierda Verano y a la derecha

Otoño. Obras realizadas en el año 1573.

Dalí fue otro artista que le dio suma relevancia al tema de la comida

dentro de sus lienzos, pero lo hizo desde un punto de vista simbólico. La

representación de un huevo frito como en el caso de “Huevo al plato sin el

plato” estaba íntimamente ligado a la concepción de Salvador con el vientre

materno, el cual lo describe de colores rojos, anaranjados, amarillos y azules,

blando, pegajoso, caliente e inmóvil. Y es que la gastronomía ha venido

haciendo presencia en el arte desde hace más de 400 años.

Luego se encuentra un segundo grupo que es el que utiliza la comida

dentro de su propuesta plástica es decir para hacer arte. Tales como:

A Leonardo Da Vinci hay que mencionarlo nuevamente ya que dentro de

las investigaciones realizadas en primera instancia y que se menciona en el

libro Apuntes de Cocina. Pensamientos, misceláneas y fábulas, se afirma

que quizá fue Da Vinci uno de los precursores dentro de lo que se conoce

dentro del arte actual como instalaciones. En el mencionado libro se indica

que Leonardo no sólo fue físico, arquitecto, científico, artista sino que

también fue un gran gastrónomo. Hacia el año 1482 el artista se convierte en

el Maestro de Banquetes de Ludovico Sforza. Da Vinci propuso que el lugar

donde se celebrara la boda de Ludovico fuese una réplica del Palacio Sforza.

De esta manera hizo los cálculos respectivos, experimentó con diversos

materiales y llevó a cabo la obra en bloques premodelados en masa de

pastel y mazapán de colores. Sólo que no se contó con la adecuada

conservación de la misma. La obra, ya finalizada, la noche anterior al evento

fue devorada por aves, roedores e insectos.

Mas recientemente, en el articulo “La comida dentro del arte” escrito por

Norberto Petrick y Sandra Rojas reseñan que en la década de los 70 se

presentó en Medellín, Colombia la obra “Banquete de Reconciliación” dentro

de la tendencia de Eat Art o Arte Comestible. Esta tendencia puede ser

catalogada como un precedente para lo que hoy podría conocerse como Arte

Culinario.

Petrick y Rojas también mencionan en su artículo a Marta Minujin quien

es una artista argentina que tiene una trayectoria de varios años trabajando

con obras comestibles, específicamente con pan y queso. Una de las obras

mas conocidas de Minujin es el “Obelisco de Pan Dulce” realizada en 1978.

Otra obra relevante es la “Venus de Queso”.

Fig. 3. La obra Obelisco de Pan Dulce realizada por Marta Minujin.

Fig. 4. La Venus de Queso, otra obra de la

artista argentina Marta Minujin.

La década de los setenta es representativa para este tipo de arte y en

este período destaca el artista catalán Antoni Miralda. Cuando entra en la

corriente del nouveau realisme incursiona coloreando alimentos para las

fiestas que organizó con los artistas Dorothee Seltz, Xifra y Rabascall.

Miralda le da un enfoque antropológico a su temática, al tratar la comida

como el medio más apropiado para representar las culturas. Es así como

dentro de sus propuestas se encontraran elementos como lo cotidiano y la

confrontación de culturas. Es cuando reside en Nueva York que realizó

instalaciones.

Fig. 5. Busto de Chocolate y Busto de Jabón de la obra Lick and Lather. Imagen extraída del libro Desde el cuerpo: alegorías a lo femenino.

Una Visión contemporánea. De Hernandez, Carmen. (2007)

En el libro Desde el cuerpo: alegorías de lo femenino. Una visión del arte

contemporáneo, se expone la obra Lick and Lather de la artista Janine

Antoni, la cual fue presentada en el Aperto de la Bienal de Venecia en 1993.

La misma consta de catorce (14) bustos (Ver Fig. 5 y 6), siete en chocolate y

siete en jabón. El molde fue hecho en base al rostro de la artista. Janine

confronta conceptos como el trabajo y el placer, al asociar el chocolate con

un gusto que

se puede dar

a sí mismo la

mujer y el jabón con la tarea domestica de la limpieza que debe realizar

como ama de casa.

Fig. 6 Vista de la obra completa de Janine Antoni. 7 Bustos de chocolate y 7 Bustos en jabón. Imagen extraída del libro Desde el cuerpo: alegorías a lo femenino.

Una Visión contemporánea. De Hernandez, Carmen. (2007).

A finales del milenio, específicamente en 1997, el artista Jesús Algovi

junto a Manuela Bascón reúnen a más de 50 artistas e intelectuales en su

estudio, funcionando éste como una especie de galería, en una convocatoria

de arte accional. En el evento, el artista Algovi lee lo que más tarde se

publicará en el periódico como Manifiesto de Arte Comestible. El manifiesto

era crítico, y hacia énfasis en la situación del mercado del arte

contemporáneo y la cultura en general. En la inauguración, muchas de las

obras participantes eran comestibles, por ende de carácter efímero. Este

acontecimiento tuvo cobertura mediática, causando bastante polémica. No

obstante, debido a la aceptación del evento, éste se repitió por tres años

consecutivos, en el año 1998 se llevo a cabo en la galería Arteteca. El año

siguiente se realizó en la Diputación de Sevilla con una congregación de dos

mil personas. Y por último, en 2000, Algovi lo organizaría en el Centro

Andaluz de Arte Contemporáneo; a su vez, en el transcurso de ese mismo

año oficiaría la Feria de Arte Contemporáneo Art' Ibiza 2000.

Retomando a Miralda, artista con una repercusión dentro del Eat Art

bastante notable a nivel iberoamericano, Venezuela tuvo el gusto de ser

representada a por este artista en el proyecto itinerante y colectivo titulado

“Sabores y Lenguas” en el año 1998, evento que se realizó en el Museo de

Bellas Artes de Caracas. Miralda se compenetraba con cada una de las trece

ciudades que incluyó en su propuesta, tomando en cuenta para ello su

dinámica, su cultura y por sobre todo su gastronomía y lo que la rodea. Es

así cómo dentro de su obra se encontrarán canciones típicas del país, o

expresiones cotidianas. Equivalencias literales o traducciones textuales del

español al inglés. Es una obra que se enfoca en lo conceptual de esta

corriente.

Fig. 7 Imagen de la Exposición Sabores y lenguas de Antoni Miralda. Museo de Bellas Artes, Caracas. (1998).

En 2002 se lleva a cabo en Sevilla, España una Sala Expositiva donde fueron

compiladas más de 4000 recetas clasificadas por períodos históricos.

Otra de las experiencias fue la

realizada por Poveda, quien en el

año 2005 propone “Paisajes Domésticos” composiciones realizadas en

platos con diversos alimentos mayormente vegetales y moluscos. Él ordena

los elementos tal cual lo hace un pintor en el lienzo. Hay un equilibrio de

color y armonía en la composición.

Fig. 8 Cuadro 10. de Paisajes Domésticos, realizado por el artista Carlos Poveda.

Ese mismo año, la artista venezolana Ary Roncaglia participa en el Salón

Internacional de Comida con su propuesta de Eat Art y es ella uno de los

precedentes más cercanos para esta investigación. Entre sus propuestas

iniciales la artista recreó en un salón de clase una especie de bosque, infló

muchos globos y a cada uno les introdujo un alimento con un color primario,

el piso estaba lleno de hojas secas así como también se encontraba un

violinista dentro de la sala a cada participante del evento se les entregaba

una aguja de modo que cuando los mismos entraran comenzara la

experiencia sensorial. Las explosiones de globos, los alimentos que caían al

piso, el ruido de las hojas al ser pisadas y la música que tocaba el violinista

fue la propuesta que hace que Roncaglia incursione más en el Eat Art.

En una entrevista hecha a la artista, ella comenta lo difícil que es la

aceptación del Eat Art en Venezuela, que incluso al momento de hacer su

tesis en la Cristóbal Rojas su tutor la motivó a “no enrollarse” con un tema de

esa envergadura, sugiriéndole que hiciese algo más fácil. Saber esto me

motivó más a seguir con mi proyecto, ya que el concepto existe y no es un

solo artista el que lo trabaja, son muchos, cada quien a su manera pero las

investigaciones y sustentos teóricos son pocos.

Luego, otro artista de amplia trayectoria es César Martínez el cual maneja

la antropofagia y el canibalismo dentro de la temática de su propuesta

plástica los materiales usados para sus esculturas comestibles son

chocolate, gelatina, colorante artificial, entre otros. En su “perforMANcena” en

2008, el artista realizó en diferentes países esculturas de hombres y mujeres

a escala natural, en chocolate y gelatina. Luego de su presentación, el artista

invitaba a los espectadores a comérsela. Cada país representó una reacción

particular pero la común en todos fue de asombro. Las fronteras del arte se

extienden cada vez más. Antes ni siquiera estaba permitido tocar la obra,

ahora las entrañas las digieren.

Fig. 9 El artista Cesar Martinez invita y desafia al mismo tiempo al espectador a comer su obra,

hecha en gelatina a escala natural.

II. 2. Bases Teóricas

II. 2.1. El cacao de este chocolate.

Una de las referencias más importantes dentro de esta investigación es el

aporte hecho por De Andrade (1928) con su Manifiesto Antropófago. Y es

que éste es el que le da gran sustento al arte culinario, ya que se plantea que

la obra plástica no sólo puede ser apreciada por la vista y el oído sino que

también puede ser comida, ingerida o “apreciada” a través del gusto y el

olfato. Es en este aspecto donde se sirve esta investigación del Manifiesto

Antropófago, ya que se entiende que en la sociedad actual lo que se vive es

la constante ingesta de culturas y su posterior asimilación. Se estaría

literalmente “comiendo cultura”.

Otro referente imprescindible para el desarrollo de esta investigación es la

concepción del Eat Art entendiéndose éste como un movimiento desarrollado

a partir de principios de la década 60 y se le atribuye su nombre a Daniel

Spoerri. El Eat Art es entendido como “comerse al arte” hecho con alimentos.

Según Armstrong et al. (1990) el “Eat Art asocia el disfrute y la destrucción

de los valores tradicionales del arte” ya que recurre al uso de alimentos para

la creación de la obra plástica. De acuerdo con estos autores, los inicios del

movimiento Eat Art se encuentran en el Dadaísmo:

El Eat Art, cuyo espíritu se remonta al Dadaísmo, hasta se pueden encontrar antecedentes en los artistas del Expresionismo Abstracto, no tiene nada que ver con la representación de la comida en el Arte Pop, en donde tiene una función metafórica. Dos

ideas dominan el Eat Art: La Comida juega con los conocimientos, los aspectos de la cultura como la gastronomía así como también con las fuerzas arcaicas presentes en los rituales iniciáticos y en el canibalismo, ellas hablan de la muerte. Su uso en el arte refuerza la idea de que la obra está incompleta, que debe ser acabada por la intervención del espectador o del azar. El carácter efímero – y para Spoerri aleatorio - de la obra contribuye a la desmitificación del artista demiurgo. (Amstrong et al., 1990 p. 65) Traducción Andrade, Humberto.

En la cita anterior se mencionan unas de las características que fueron

manejadas en esta investigación como lo son el carácter efímero de la obra y

la incorporación del gusto y el olfato para la apreciación de la misma.

Una de la característica de la apreciación de la obra en el arte culinario es

el gusto. En tal sentido Eiras, 2005, p. 5 señala: en torno a la obra de

Fisiología del Gusto que:

Brillat Savarin se referiría al estudio del gusto como una de las funciones del ser humano. Entendemos con esto, que más que considerarlo en cuanto es uno de los cinco sentidos que posee el hombre, su objetivo es desentrañar todo lo concerniente desde el punto de vista anatómico, los órganos que intervienen en el acto de alimentarse, más allá de la simple digestión, ya que en la degustación intervienen la vista, el olfato, el gusto propiamente dicho, el tacto, así como diversas funciones corporales que permiten la asimilación de las sustancias alimenticias y el desecho de las que no pueden ser aprovechadas por el organismo.

Y es que Savarin le daba una importancia incuestionable al gusto y lo

concebía más allá que un mero sentido. En este caso también se le da gran

importancia al Gusto, ya que viene a ser un debutante e igualmente podría

ser protagonista dentro de la obra plástica. El gusto a su vez no se

desempeña solo, debido a que los alimentos al cambiar de estado físico, es

decir el movimiento interno de las moléculas, como por ejemplo en un punto

de hervor o cocción determinado, liberan olores interviniendo de esta manera

el olfato. Hay que diferenciar el arte culinario como proceso y como

producto. Como proceso se entiende lo que se refiere a la elaboración de los

alimentos en la que interviene la manipulación deliberada de sabores, olores

y colores. Y como producto es entendido como un resultado donde quedan

plasmados colores, olores y sabores. Este trabajo presenta una propuesta de

arte culinario como producto.

Se pueden oler los alimentos al tenerlos en frente, cuando estos

desprenden sus aromas y también luego que entran a la boca, “…por la

llamada retronasal, una vía de acceso directa a nuestra mucosa nasal. Al

calor de la cavidad bucal, hay un desprendimiento de aromas que capta el

epitelio olfativo, produciéndose así lo que denominamos aromas de boca.”

(Viloria, 2008. p. 39.) Esto es un concepto que se maneja mucho en la cata

de vinos pero también es aplicable para este caso.

Continuando con el ensayo de la Fisiología del Gusto, cabe destacar que

con relación al gusto Brillat-Savarin (Eiras, 2005 p. 5) considera que “(…) es

el gusto por los alimentos uno de los placeres que más disfrutamos y que en

ausencia de los restantes, siempre nos consuela ya que “…es…entre todos

los sentidos, el que más deleites proporciona”. Tomando en cuenta esto,

cabe preguntarse ¿por qué entonces no se han incluido los alimentos en el

arte? Por el contrario, el arte y la gastronomía han sido mantenidos

separados. Es a partir del siglo pasado cuando artistas comenzaron a

introducir los alimentos dentro de la propuesta plástica.

El término gusto hay que diferenciarlo de la fisiología y del tratado estético, el

primero argumentado por Brillat-Savarin y el segundo por Kant. Según este

último autor el gusto es la facultad del ser humano de apreciar lo bello, de

una percepción estética, es decir, de una aceptación sensorial cualificada y

valorada en el más amplio sentido.

La memoria juega un papel fundamental en el comer y en la apreciación

del Arte Culinario, es por ello que este proceso cognitivo es importante para

la presente propuesta. Asociamos olores y/o sabores a momentos o

experiencias vividas. Es así como para una persona del oriente del país, el

olor de la sarrapia puede estar asociado con las curtiembres mientras que a

una persona del centro o la zona costera puede asociar el olor de dicha

semilla con un dulce, entre otros alimentos. Así como se expone este

ejemplo, podríamos encontrar muchos más, porque no son sólo las

experiencias personales sino que en la asociación olor-sabor intervienen

asimismo otros factores como el colectivo, la zona geográfica y el medio

ambiente que rodea a cada individuo.

La memoria olfativa y gustativa posee una mayor fuerza que la visual. Los

recuerdos de un olor permanecen más arraigados en la memoria que lo que

puede permanecer una imagen visual o sonora. Esta afirmación también se

puede aplicar para los sabores pero en menor proporción que la olfativa.

En una investigación neurocientífica, publicada en la revista Current

Biology explican que la memoria olfativa es verídica y se demuestra que los

primeros olores ocupan un lugar privilegiado en el cerebro. Esta

investigación, avalada por el Instituto Weizmann de Israel y realizada por la

doctora Yaara Yeshuru asegura que dentro de la memoria olfativa

intervienen la región del Hipocampo y las amígdalas, ambos a su vez pasan

la información al cerebro. La doctora también afirma que los primeros olores

crean una fuerte marca dentro del cerebro. Es así cómo las primeras

asociaciones olfativas, ya sean con un objeto, un lugar o una experiencia,

son más recordados que los siguientes.

Este hecho va a marcar de manera relevante la apreciación individual de

la obra plástica, ya que la memoria interviene al momento de la

contemplación. Si la persona posee un mal recuerdo con respecto a un olor

percibido puede que tienda a sentir desagrado por el objeto como también

puede que le agrade a pesar de ese recuerdo.

Es así como la obra va a dejar de poseer esa mistificación tan ligada al

autor; y el espectador viene a jugar un papel importantísimo debido a que la

obra por este carácter efímero que posee, se puede asumir que la obra y el

autor como ejecutor de la misma la mayoría, por no decir todas las veces, se

encontraran en el mismo sitio que el espectador para así poder saber el

juicio y la opinión emitida por el mismo.

Es un arte que no puede llegar a ser totalmente conocido a través de la

globalización y los mas-media ya que de él se podrá conocer los registros

fotográficos o audiovisuales, pero no se podrá almacenar en un medio los

olores y los sabores que emana y provoca la obra.

Esta misma cualidad lo convierte en un arte no coleccionable tanto para

los particulares como para los museos. Es efímero y sólo podrá ser

albergado en las instalaciones museísticas el tiempo en que los alimentos

sean comidos o que sean degradados por la acción del aire, el oxígeno y

todos los factores que lo llevan a su origen orgánico como proceso

irrevocable de la naturaleza.

Otro artista que crea precedentes dentro del Arte Comestible

en España fue Algovi, quien en su Manifiesto de 1998 plantea:

Un pan con tomate es más bello que la Victoria de Samotracia. Una escudella amb carn dŽolla contiene más carga conceptual que un Tàpies. La perfección de una tortilla de patatas es tan fascinante como el David de Miguel Angel. Un buen queso hace babear más que cualquier obra de Barceló. Para convertir en extraordinario lo cotidiano y lo extraordinario en cotidiano, necesitamos sublimar todo aquello que tocamos: lo que se mira, se toca, se lee, se tiene que transformar en belleza. Nos alimentamos de poesía, música, escultura, sexo, pintura, cine, fotografía. Pero no podemos olvidar sublimar y transformar en bello el instinto alimentario. Su potencial de belleza vendrá básicamente del gusto y del olfato, pero también, si queremos, del oído, la vista y el tacto. Aquello que comemos también se puede convertir por imaginación o tradición, por misterio creativo o alquímico, porque somos aquello que comemos, por placer gustativo o composición pictórica, en obra de arte. Pero ninguna otra obra permitirá una interacción tan estrecha entre el artista, la obra y el espectador: El espectador ingiere la obra. Cada molécula de la obra pasa a formar parte del espectador y quién sabe si generará otro acto creativo en su cerebro. Finalmente, cerrando el círculo de misterio creativo, el espectador cagará la obra, bello como el encuentro entre un ajo y un vaso de aceite sobre la mesa de la cocina. Es evidentemente un arte efímero. Pero hemos crecido y subsistimos ingeriendo pequeñas obras de arte: sólo nos falta decidir que lo son, en un gran "ready-made" diari.

II.2.2. La Gastroestética daliniana

Dalí se consideraba a sí mismo filósofo aparte de artista y es por eso que

en el libro Las Cenas de Gala expresa: “Del materialismo positivista de “La

Fisiología del Paladar de Brillat-Savarin” al Espiritualismo-Místico-

Monárquico, Católico, Apostólico Romano de la GASTRO-ESTETICA

DALINIANA”

La Gastro-estética Daliniana es un concepto abordado en las Cenas de

Gala que supone varios momentos. El nombre dado a este pensamiento

surge de una concepción netamente daliniana. Se debe saber que a Dalí le

gustaba aglomerar en un solo ente la confluencia de dos pares considerados

opuestos, incompatibles y discordantes para llegar así al tan anhelado punto

por la escolástica medieval que era la coincidencia de los opuestos.

También hay que tomar en cuenta que Dalí fue todo un personaje y que se

encontrarán varias peculiaridades dentro de su pensamiento y

comportamiento.

Un ejemplo de lo dicho anteriormente es la noción usada por Dalì de

“Monarquía-Anárquica”. Si es una Monarquía, no puede ser Anarquía es

decir no puede ser ambos a la vez al menos no para el común. O ¿cómo se

puede denotar un “erotismo casto”? Para el artista todo esto era posible

dentro de su concepción. La pintura tampoco la dejará a un lado y así él

mismo la designa como su estética “barroca clásica”. O también está el caso

de la religión, entorno a la que expresa su “predilección atea para con Dios”.

Es por esto que propone entonces el término de la “Gastro-estética”, el cual

hace referencia a la actividad gastrónomica en la que se ve envuelto Dalí

tomando en cuenta el existencialismo. La presencia de lo vulgar y material es

para el no iniciado, en cambio, para Dalí toda actividad o pensamiento se

encuentra ligado a lo profundo, lo transcendental y la sublimación.

Primer momento.

Para Dalí, sus vísceras y los impulsos que éstas conllevan están

asociadas a lo supremo y todas sus experiencias están firmemente ligadas a

estas.

Es así cómo cree que su inspiración parte de lo profundo de su ser y que se

extiende a través de su intestino. Siendo el punto de partida meramente

fisiológico para las actividades y acciones dalinianas.

Segundo momento

Qué mejor dicho que en sus propias palabras: “Todo lo que es comestible

me exalta”. Así como también decía “Todo empieza por la boca y, luego, se

expande por el cuerpo con los nervios” Dalí, 1974, p. 11.

Tercer momento

Denominado como “Una sorpresa delirante”. Dalí afirmaba serenamente

que así como ante la gastronomía, una obra de Veermer, ante una mujer

sugestivamente hermosa o en cualquiera otra índole, él no sentía nada.

En una conversación con Alain Básquet, amigo confidente, le comentaba

que ante las Meninas de Velásquez, por la cual tenía predilección especial,

no experimentaba sensación alguna. Dalí iba a menudo a contemplar la obra

pero esto no le cambiaba. Ni en su pecho ni en ninguna otra parte de su

cuerpo había alteración que le permitiera sentir sensación alguna.

Luego de haber dicho lo anterior, Dali como hombre espontáneo y abierto

resulta que logran descubrir en él otra faceta y este hecho aconteció en el

restaurante Saulieu.

Una noche Mr. Dumaine le dijo a Salvador Dalí: “fíjese usted en esa franja

de niebla que flota a media altura de los chopos. Por encima de los follajes,

el cielo es transparente y las estrellas brillan. Al pie de los árboles, se podrían

contar los tréboles que han brotado. Recójase usted, en el transcurso de

esas veladas, cuando la niebla flota exactamente a esa altura, es cuando

tengo todas las probabilidades de salir airoso en la preparación del pastel de

carne en brioche que le voy a ofrecer.” Dalí, 1974, p.11.

Dalí se sentó a la mesa, se quedó atónito observando el paisaje y fueron

estas palabras del chef lo que hizo que el goce de esa experiencia

gastrónomica no tuviese igual. Explica que de no haber sido por las palabras

de Dumaine, simplemente hubiese ingerido la carne sin mayor cuidado, a lo

que había allí o como estaba presentado el plato.

Dalí necesitaba que se le deleitara y abrieran las perspectivas a la hora

de comer. Que se le hiciera caer en cuenta que lo que iba a engullir

resultaba un manjar.

Aun cuando hay varias maneras de explicar esta sintomatología que es

típica y recurrente en numerosas psicosis, donde se puede incluir el grupo de

las psicosis esquizofrénicas. Pero este aspecto no corresponde a este

trabajo ya que es propio de la psiquiatría.

Cuarto momento: Conversión mística.

Tomando como punto de partida el sentido mismo de Dalí, se encuentra

de pronto un gran vacío, una carencia de ser, la nada, que es precisamente

la existencia. La presencia en sí de esta carencia enmarca las bases

fundamentales y no tan fundamentales de la Gastro-estética daliniana. El

ahondar en esa disociación, ensanchar esa brecha, vacío o nada mediante la

inteligencia y consecuentemente por un sistema de valores va a permitir la

elevación del espíritu. Sublimación y trascendencia.

Quinto Momento: Una monarquía de la inteligencia.

Para Dalí el comer estaba mas allá del raciocinio humano. Alguien más, una

deidad omnisciente, había conferido al ser humano las sensaciones. Es así

cómo entendía lo que pasaba con los alimentos antes de llegar a su vista y al

tenerlos en frente pero luego que entraban a su boca no sabía de qué se

trataba. Dalí lo expresa en su libro Las Cenas de Gala, 1974, p.12. “sé

perfectamente lo que como No sé lo que hago”. Otra cita que también cabe

mencionar es la siguiente: “de hecho, tan sólo me gusta comer aquello que

tiene una forma clara y comprensible para la inteligencia”. Para el artista

aquello que no satisfacía su nivel de entendimiento no era digno de ser

ingerido. Es así cómo se puede concluir que Dalí sabía precisamente y

fervorosamente lo que quería comer.

Sexto Momento: Una inquisición Gastrónomica

Es a partir de esa permanente atención y tensión intelectual, subyugada por

implacables constreñimientos, siempre premeditados, pendientes y opresivos

con respecto a la vida afectiva y a los sentidos, que se puede edificar,

desarrollarse y extenderse un Imperialismo espiritual y místico, propio de

todo pensamiento y experiencia daliniana. Este pensamiento daliniano

estaba regido por los principios de legitimidad y de jerarquía, que se

traducían a su vez por una obediencia y sumisión llenas de humildad cerca

de las celebridades o de personalidades importantes e influyentes tanto en lo

político, en lo religioso como en lo económico.

Cabe destacar que para la época en gastronomía, se encontraban entre los

más renombrados menús los de Maxim’s, La Tour d’Argent, Lasserre, Le

Buffet de la Gare de Lyon. Dalí los presentó ostentosamente y de manera

barroca para la realización del libro Las cenas de Gala. (Véase Anexos).

Dalí creía firmemente que las mandíbulas eran instrumento que permitían

filosofar y a partir de éstas se tomaba conciencia de la realidad. Y es así

cómo metafóricamente expresa que las mandíbulas de su mente las

mantenía en movimiento constante. Además atribuía no sólo valores

estéticos y morales a sus obras, sino que también a los alimentos les daba

esta valoración.

Según la Ética Gastrónomica de Dalí “Se puede no comer pero no se puede

comer mal” (Cenas de Gala, 1974, p.12). Era inconcebible que el comer

proporcionara un disgusto y lo contraponía con el hecho de no comer.

Una Estética Gastrónomica

Parte de su naturaleza profunda lo conformaba la cocina de categoría. Él

explica que no formaba parte de su naturaleza original, sino más bien que

provenía de esa naturaleza recóndita, necesaria para que el genio se

expanda en momentos de esteticismo puro. Dalí podía encontrar perfección

y proporciones dignas de Rafael no sólo en la pintura, sino también en los

alimentos.

Hacia una teología Gastrónomica

“Esa búsqueda ascética de los valores, esa ascensión al Carmelo

gastronómico es elevación del espíritu, de las que nos queda por descubrir el

florecimiento y la finalidad postrera en una auténtica teología Gastrónomica”

(Dalí, 1974, p.12)

Y es así cómo se concluye la concepción Gastroestética Daliniana en un

momento de elevación espiritual. Cabe destacar que éste es sólo un enfoque

que se consideró pertinente incluir debido a las peculiaridades que son

tomadas en cuenta. Pero no es así cómo reaccionan las personas en general

ante una experiencia gastrónomica.

II.2.3. Diversidad conceptual multisápida

Un concepto que también respalda este trabajo lo es el de Culturas

Híbridas, de García Canclini, el cual se halla en su ensayo La Globalización

¿productora de culturas híbridas?. En este texto, el autor sostiene que el

término hibridación no es una invención contemporánea ya que Plinio el Viejo

hablaba del mismo al referirse a los migrantes que llegaban a Roma.

También ha sido usado para identificar lo que sucedió en Europa cuando se

desplazó a América. Pero es a finales del s. XX donde alcanzó su clímax ya

que era ampliamente usado en diversos procesos culturales. Dejando en

claro que hay que precisar las contribuciones y dificultades que desde la

biología se aplican a las ciencias sociales.

El término encara muchos debates ya que el hecho de que pueda ser

aplicado a varias áreas no termina de satisfacer a los críticos y prefieren

quedarse con la terminología que venían usando en sus respectivas áreas.

Se entiende como Hibridación a los procesos socioculturales en los que

estructuras o prácticas discretas, que existían en forma separada, se

combinan para generar nuevas estructuras, objetos y prácticas.

A veces las prácticas y estructuras son imprevistas como sucede con los

procesos migratorios y también surge de la creatividad colectiva e individual

esto conlleva a la generación de nuevas estructuras. Es en este sentido

donde se encuentra la base teórica para este estudio y que sirve para

respaldar el concepto de arte culinario. De esta manera quedan fusionados

conceptos de dos ramas que han estado separadas o poco relacionadas a lo

largo de la historia, como lo son la cocina y la gastronomía por un lado y las

teorías y percepciones de las artes plásticas por otro.

Para los efectos de la investigación socio cultural el objeto de estudio no

es la hibridación sino los procesos de hibridación. Estos procesos variados

llevan a relativizar la noción de identidad. Estos más que llevarnos afirmar

identidades autosuficientes sirve es para situarse en medio de la

heterogeneidad y entender cómo se producen las hibridaciones.

Otra tesis que también sirve de apoyo para esta investigación es la

Botánica del arte. Según los románticos, el crecimiento de una obra de arte

era similar a la de un ser vivo: aquella crecía como lo hace una planta. Surgía

una idea en la mente del artista que era tan sólo una semilla, después ésta

germinaba al ser regada con el sudor de la frente del artista; más adelante,

con en el tiempo y la paciencia, la obra irá creciendo y adquiriendo cuerpo. Al

final, la obra adquirirá altura, fuerza, forma, hasta llegar a ser una obra de

arte ya madura y plenamente desarrollada. Éste es otro concepto donde se

ve con claridad que las ciencias no están separadas de las artes y que

ambas se pueden complementar mutuamente.

No sólo es un ser vivo que crece y madura sino que también los

elementos que forman parte de su crecimiento son vegetales, productos

orgánicos y hasta lo que en un principio fueron seres vivos pero que ahora

yacen muertos en la composición de la obra. Y es el chocolate como

elemento principal el que nos dará una gama amplia en la cual incursionar. El

mismo no es mero producto que servirá de hilo conductor y como medio, sino

que también conlleva una connotación vinculada al autor. Siendo éste el

resultado de un largo proceso: el cultivo de sus árboles, el cuidado de las

plantaciones, recoger las vainas de cacao, preparar el área de secado…

II.2.4. La historia del elíxir de los dioses.

El chocolate posee una historia rica, literalmente hablando. A pesar que

no se conoce su origen con exactitud. Se remonta al elíxir de los dioses y de

los héroes. Fueron los olmecas quienes cultivaron debajo de grandes árboles

los primeros árboles de cacao. Pero fueron las cálidas y húmedas selvas de

México las que borraron todo rastro arqueológico acerca del consumo de

cacao. Sólo se cuenta con la tradición oral, recogida y retransmitida por la

civilización maya, quienes fueron los herederos de las plantaciones una vez

sembradas por los olmecas.

Tomando como referencia el libro de Popol Vuh, que es el equivalente a la

Biblia católica, libro donde se encuentra el génesis maya aparece escrito que

el cacao hecho bebida era de origen divino. Y la primera bebida surge de la

unión de un héroe Hun Hunahpu y el de una virgen de Xibalbá; Los Señores

de Xibalbá eran asociados con el infierno en la cultura maya, y éstos

decapitaron al héroe y su cabeza fue a dar a un árbol seco. Luego del

contacto se dice que el árbol dio frutos y según algunas referencias fue una

mazorca de cacaos. La virgen intentó hablarle a la cabeza y está la escupió,

originándose así una fecundación prodigiosa.

Es por esto que la bebida de chocolate se usó dentro de la cultura maya

antes del casamiento de los novios. Se solían tomar en un principio dentro de

calabazas, a las cuales le habían removido todo rastro de la carne, brindaban

así los padres de los novios y los casamenteros con chokola’h. Aparte de

esta asociación la unión de la virgen y el héroe presidía también el inicio de

la estirpe humana maya.

Otro significado de gran importancia que los mayas le conferían al cacao

era el de purificación, ya que èste fue empleado en un rito similar al bautismo

católico donde se purificaban a los niños. Estos eran mojados con una rama

sumergida en agua pura mezclada con flores y cacao.

Como la unión de Hun Hunahpu y la virgen de Xibalbà tuvo lugar en el

mundo subterráneo, el caco acompañaba a los muertos en su viaje hasta

este sitio. Los reyes eran acompañados en sus urnas de vasijas marcadas

con el glifo del cacao.

Pasando hacia el 1300 d.C, los aztecas también gozaron de los privilegios

de los brebajes del chocolate y es que esto era un privilegio, el cual solo

disfrutaban los aztecas de casta. Debido a la ubicación geográfica donde se

asentaron, los aztecas no podían cosechar plantaciones de cacao, ya que

éstas no se climatizan al frío. Entonces el cacao era exportado de tierras

lejanas, donde era cultivado como lo hacían los mayas, a espaldas de

hombres que debían atravesar centenares de kilómetros. Las habas de

cacao eran utilizadas como moneda, teniendo el mismo rango que las

piedras preciosas y las plumas del Quetzal.

Fue el último emperador azteca quien compartirá sus lujos con Cortés,

iniciándolo en la bebida ceremonial. Era símbolo de refinamiento el hecho

que el chocolate poseyera espuma, ésta era sumamente preciada y obtenida

vertiendo el líquido desde cierta altura.

Es así cómo el cacao se convierte en la bebida de la época de la

Conquista, el cual fue a sustituir al vino en América. El chocolate fue llevado

al palacio del emperador Carlos V junto con el oro de Moctezuma en el siglo

XVI. Esta es la entrada galante del cacao dentro de la Corte española. Éste

seguirá siendo durante varios siglos gustos y privilegios a los cuales sólo

acceden reyes y personas pertenecientes a la Corte Real. Dentro de los

personajes que destacan en el rito del chocolate esta la esposa de Luis XV,

María Teresa de Austria quien trajo desde sus tierras la fiebre o la moda por

el consumo de chocolate.

Con respecto al concepto de la obra de arte, es necesario señalar que es

difícil delimitar las características que esta posee debido a la variedad de

medios, técnicas, tamaños, orígenes, etc. que existen. Es por eso que la

siguiente acepción sirve de apoyo para este trabajo “Las obras de arte no

nacen hechas ni existen con formatos y formas de su exclusiva propiedad.

Constituyen, propiamente, derivaciones sensitivas de los lenguajes sociales y

de las tecnologías” (Acha, 1992).

Y es que al tratar de incorporar técnicas propias de la cocina para la

concepción de una obra de arte no se está deformando el concepto de artes

plásticas sino más bien ampliando sus linderos debido a que cada artista se

conecta con una técnica y medio específico, para luego indagar y profundizar

a lo largo de toda su vida en ella. Porque para llegar al clímax o a la cúspide

no es cosa sencilla ni espontánea, requiere de tiempo y dedicación

constante. Es así como el chocolate junto con frutas, vegetales y otros

alimentos tal vez procesados como la harina y la leche pueden servir como

medios de expresión plástica. Y es que el pintor tiene que aprender a

conocer el acrílico y el óleo, o cualquiera que sea el caso, así como el

escultor conoce la arcilla, el yeso o el bronce, cada uno se especializa en el

área con la que mejor se identifica. Y no con esto se quiere decir que el autor

conoce a cabalidad el área donde esta investigando, sino que se sumerge en

ella para aprender lo mayor posible, es un punto de partida. Para tal fin, usa

los conocimientos impartidos a lo largo de la carrera como trampolín a ese

mar abierto de ideas y nociones como lo es el campo artístico.

En este arte, el culinario, se busca conectar el concepto de escultura y

ciertas nociones de la cocina. El primero se entiende como la rama de las

artes plásticas que se ocupa de la creación de formas artísticas

tridimensionales con muy diversos materiales y técnicas. Este concepto

según la Macropedia Hispánica, 1996, p. 26. Otra definición de escultura es

la dada por Read, (1994) p.p 230-231. Quien afirma que es “un mero aspecto

de la superficie, una acabada combinación de rectas y curvas que se ofrecen

ante nuestros ojos” tomando muy en cuenta que esta superficie se puede

palpar y asimismo se puede percibir los planos, alturas y profundidades.

Los materiales usados en la escultura son numerosos y de diversa

calidad. Entre los más frecuentes se encuentran los de origen geológico

como lo son la piedra, preferida por su abundancia; luego está el mármol, el

basalto, la caliza, el granito y el alabastro, estos son considerados materiales

preciosos y de tratamiento delicado. Luego se puede incluir los de origen

vegetal como la madera y el falso marfil. Dentro de los metales, el más usado

es el bronce debido a la libertad que da y a la durabilidad del mismo. Otro

material bastante usado es la arcilla, que permite una gran moldeabilidad.

Asimismo, es usada como modelo preliminar y no sólo como producto final.

También encontramos el yeso, que puede ser tallado o ser usado para la

elaboración del molde.

A pesar de toda esta variedad de materiales, en esta investigación se

trabajó con alimentos, poco usados dentro de las artes plásticas. Y es que

los mismos permiten una flexibilidad inigualable, ya que al alterar su estado

físico, moviendo sus moléculas, se consiguen variadas texturas,

consistencias y formas. Definirse o limitarse a una sola área no es lo que se

busca aquí se han trabajado diversas técnicas como horneado, vaciado,

modelado, esculpido. Estos términos son compartidos tanto en la cocina

como en la escultura.

Dentro de los términos exclusivos de la cocina se encuentran el punto de

hervor que es cuando se lleva a un líquido a grado de ebullición; el punto de

nieve que es cuando se airean las moléculas de la clara del huevo o en otras

palabras, batir la clara tanto que suben con respecto a su tamaño inicial.

Napar, pochar, blanquear, fundir o derretir, glasear, emulsionar y encamisar

son otros de los tantos métodos que se emplearon en la realización de este

proyecto.

El material y la técnica desempeñan una labor importantísima dentro de la

realización de una obra artística. Pero por más que una persona domine una

técnica y conozca cabalmente el material nunca podrá llegar mas allá de lo

que el material y sus propiedades físicas puedan brindar.

Así como se maneja el concepto de escultura también se trabajó con el de

instalación. Este último en un principio se conocía como el proceso de

colocación o ubicación de las obras dentro de las galerías. Aunque luego

llegó a tomar tanto protagonismo que se convirtió en un tipo diferenciado de

hacer arte. Este concepto, según el Abc del Arte del s. XX. es desde la

década de los 50 que se pone en boga con los artistas Pop junto con los

happenings. Una de las características más resaltantes, al menos en la

mayoría, es que son de carácter temporal y debido a esto casi siempre son

diseñadas para un lugar en específico.

Otra definición más simplificada es la de Riemschneider y Grosenick,

2002 quienes la definen como “una obra de arte que integra el espacio de

exposición como componente estético.” p.p 186. Este concepto es bastante

acertado para lo que concierne a esta investigación si se toma en cuenta que

la obra se tiene que apreciar en su totalidad y no fragmentada como se suele

analizar. Es en conjunto que posee un concepto, claro a su vez como

individualidad también lo hay pero no están desligadas la una de las otras.

II.2.5 Psicología del Color

Intrínsicamente para la propuesta plástica el color marrón es relevante

debido a que el chocolate será trabajado en su estado final, como lo son las

tabletas. De esta manera, se tomara en cuenta las connotaciones dadas al

color marrón y para ello se recurrirá a la psicología del color. Para empezar,

según Heller, (2008), la palabra marrón deriva de un galicismo que se ha

extendido tanto dentro del castellano actual que el castaño y el pardo han

sido desplazados a un segundo lugar.

El marrón esta catalogado como el color menos preciado tanto en

hombres como en mujeres y este porcentaje crece variablemente con el

transcurrir de los años. Pero a pesar de esto, el marrón se puede encontrar

en todas partes. De acuerdo a un estudio realizado por Heller, (2008), entre

dos mil personas examinadas fueron muy pocas las que expresaron su

preferencia o su predilección por el color marrón: casi el 1%.

Dentro de las acepciones para con este color se encuentra que es el color

de lo acogedor. Por excelencia el marrón es asociado con lo natural y por

consiguiente hace los espacios más habitables. Por ejemplo, hay quienes

prefieren tener decorados los ambientes sociales de la casa en su totalidad o

en gran parte en madera. Como el juego de recibo, la mesa de comer, el

techo inclusive hasta las paredes. A pesar de que es un color oscuro y esto a

su vez produce un efecto de encogimiento del espacio, es precisamente esta

cualidad la que invita al recogimiento. Este color se combina muy bien con

colores alegres.

Los colores artificiales (como los barnices) tratan de emular los colores de

la madera, o en las mismas telas, muebles y/o alfombras se utilizan

estampados que crean esta sensación visual pero tienden a ser monótonos.

Es el color de los sabores más fuertes. Los alimentos una vez dados una

cocción determinada, ya sea al grill, a la plancha o inmersos en aceite, todos

cambian su coloración y en general es al color marrón, lo rojo de la carne se

convierte en “dorado” que en realidad es un marrón brillante. Los alimentos

rosados (como el pollo) y blancos (como ciertos pescados) también

adquieren una tonalidad de marrón, cambiando así su color “original” o mejor

dicho cuando están crudos. Para los efectos de esta investigación, este

hecho se puede ejemplificar con el cambio de color de la azúcar blanca hacia

un color caramelo. Esto sucede nada más agregándole agua y colocando

esta mezcla a la exposición de un fuego moderado.

Otro color que será manejado dentro de la propuesta plástica es el blanco. El

blanco es, según el simbolismo, el color más perfecto. No se asocia ningún

concepto negativo con este color pero esta perfección impone distancia. Para

la mayoría de los pintores es el color más importante y casi siempre lo tienen

dentro de su paleta. Incluso los impresionistas que lo consideraban un no

color, trabajaban mucho con el blanco, inclusive hasta mucho más que en

cualquier otro período, debido a su fijación con la representación de la luz.

El comienzo del mundo es blanco ya que Dios dijo: “sea la luz”. Tomado de la

Biblia específicamente del Génesis. Esta connotación le confiere un carácter

espiritual al blanco. Es por esto que en consecuencia también se le asocia

con la pureza y la castidad.

En el simbolismo chino el blanco está asociado a lo femenino, el blanco

pertenece al femenino yin. Según la división medieval de los temperamentos

el color blanco era para los flemáticos.

Ciertas carnes como la de ternera, la de pollo y la de pescado, al ser más

claras que las carnes rojas son consideradas carnes blancas. Otra

característica de las carnes blancas es que poseen menos grasa. También

se encuentra el grupo de los alimentos que son considerados “blancos”, pero

estos son en su mayoría de manera artificial, para que su apariencia sea más

agradable al consumidor.

Como ejemplo de alimentos con blanco artificial, se encuentra el arroz, el

cual pasa por un proceso donde se descarilla, es decir, se le extrae la

corteza o capa que lo recubre, que posee un color marrón, para así

conseguir el producto final blanco. Otro producto es el azucar, que es

sometido a un proceso similar ya que al ser extraído de la caña es de color

moreno; y como consecuencia de procesos industriales se obtiene un

blanqueamiento. Esta azúcar blanca es la que se consigue directamente en

el supermercado. Estos alimentos que no son blancos por naturaleza al

poseer menos grasa y menos color su valor nutricional disminuyen

proporcionalmente.

II.3. Definición de términos básicos

Amasar: trabajar a mano una sustancia para ablandarla.

Aroma: sensación que se percibe en la nariz y en la garganta a través del

canal que une la boca y nariz. Los aromas de los granos de cacao

evolucionan a lo largo de la transformación del chocolate.

Baño María: cocción indirecta de un alimento delicado en un recipiente

colocado dentro de otro lleno de agua y que se mantiene en temperatura

próxima a la ebullición.

Batir: trabajar enérgicamente un ingrediente o una preparación para

modificar su consistencia, aspecto o color.

Blanquear: trabajar vigorosamente con un batidor una mezcla de yemas y

azúcar en polvo hasta que quede espumosa y clara.

Cacao: vocablo de origen precolombino que puede referirse a semillas

contenidas en el fruto del cacaotero.

Caramelizar: transformar azúcar en caramelo cuando se calienta a fuego

suave.

Caramelo: éste surge gracias al agua y el azúcar al someterlos al fuego, el

agua se evapora progresivamente y el jarabe se va tornando oscuro debido

a que los átomos de la azúcar se reordenan.

Chocolate: alimento hecho a base de pasta de cacao y azúcar, al que a

menudo se le añade lecitina y vainilla. El porcentaje de cacao contenido en el

chocolate varía según las denominaciones y los productos.

Curva de Cristalización: o también conocida como curva de temperatura.

Etapa que corresponde a los tres estadios por los cuales debe pasar el

chocolate para alcanzar una configuración estable de sus cristales que

confiera brillantez y consistencia al producto acabado.

Dar cuerpo: trabajar una preparación amasándola para conferirle una buena

calidad plástica.

Desmoldar: extraer una preparación de un molde.

Emulsionar: provocar la dispersión de un líquido en otro con el que no es

miscible.

Encamisar: forrar la pared de un molde o superficie de una figura con una

capa gruesa de una preparación para conferirle estética al acabado.

Fundir o Derretir: licuar por la acción del calor un cuerpo graso sólido.

Hervir: es cuando un líquido llega a su punto de ebullición. El agua hierve a

una temperatura de 100 ºC.

Lecitina: Lípido complejo que es utilizado como emulsionante en el

chocolate para estabilizar su estructura.

Napar: cubrir completamente la superficie de un pastel o un dulce con

chocolate o pasta de almendra.

Nata montada azucarada o Nata Chantilly: es una espuma que se prepara

a partir de nata líquida o de una mezcla de nata espesa.

Pochar: cocer frutas en un líquido dejando hervir ligeramente.

Punto de Nieve: es una espuma que se obtiene batiendo las claras de

huevo.

Sabor: impresión producida por un alimento en el sentido del gusto; las

papilas gustativas al unirse con las moléculas de los alimentos, por ejemplo,

mandan la información al cerebro de que han detectado algo y esto es lo que

se conoce como sabor.

Salcochar: cocción de los alimentos a través de agua y sal.

Tamizar: cernir la harina, levadura y/o azúcar para eliminar grumos.

Templar: hacer pasar el chocolate por la curva de cristalización.

Untar: incorporar una materia grasa a una preparación, un molde o bandeja

para que esta no se pegue durante la cocción.

Vaciar: remover la parte interna o la carne de una fruta sin afectar lo exterior.

O verter una preparación dentro del molde.

CAPITULO III

MARCO METODOLÓGICO

III.1. Naturaleza de la Investigación

El presente trabajo de grado se inscribe dentro de la modalidad de

proyecto especial debido a que posee un carácter innovador. El carácter

innovador se lo da el hecho de que aborda un tema poco estudiado y

abordado en las artes plásticas venezolanas como lo es el arte culinario

como una nueva forma de expresión plástica. Por este motivo se puede

afirmar que este trabajo constituye un aporte significativo al incorporar los

alimentos como material y recurso de expresión plástica.

Por otro lado esta propuesta es una creación tangible que puede ser

entendida como un aporte significativo a problemas e intereses artísticos

vinculados al perfil de la licenciatura en artes plásticas de la Universidad

Centroccidental Lisandro Alvarado.

El enfoque abordado en esta investigación es de carácter cualitativo por

cuanto se basa en una interpretación subjetiva de los datos y la información

recolectada. No se persigue la objetividad sino que se reconoce la presencia

de las ideas propias del autor. Las fuentes de información no estuvieron

basadas en cifras ni en procesamiento estadístico de datos sino en una

interpretación libre por parte de la creadora de la propuesta.

Para la realización del siguiente trabajo de grado se cumplieron una serie de

pasos. En primer lugar se identificó el fenómeno en el que esta basado el

trabajo y que consiste en la posibilidad de una relación entre las artes

plásticas y el arte culinario. Luego fueron formuladas una serie de preguntas

que consistieron en si es posible establecer una relación entre arte culinario y

artes plásticas. Posteriormente a ello se hizo un arqueo bibliográfico y se

recurrió a fuentes bibliográficas. Fueron leídas y revisadas teorías, autores y

conceptos que permitieron responder preguntas y a la vez formular nuevas

interrogantes respecto al tema planteado. Se realizó un análisis e

interpretación de la información documental obtenida en la búsqueda

bibliográfica. Se elaboró el trabajo escrito donde fue vaciada la información.

Finalmente en base a los fundamentos teóricos investigados se realizó la

propuesta plástica.

III.2. Teorías o Métodos Pertinente para la Investigación.

En cuanto al método abordado en la presente investigación se trabajó

con el hermenéutico, entendiéndose este como la interpretación de los

hechos basada en el conocimiento previo de la realidad que se trata de

comprender, aceptando así la subjetividad del investigador. Como es el caso

de los elementos plásticos utilizados en la propuesta, conocimiento previo a

esta investigación.

También cabe destacar desde el punto de vista Hermenéutico,

específicamente el de Hans-Georg Gadamer. En el año 1998 escribe su obra

La actualidad de lo bello, el arte como juego, símbolo y fiesta, donde se

ocupa de la problemática de la obra de arte. Gadamer propone que en la

obra se debe buscar una participación del espectador, siendo este concepto

manejado dentro de esta investigación.

III.3. Nivel y diseño de la Investigación

De acuerdo con su alcance, esta investigación es descriptiva ya que el

propósito es el describir la vinculación entre las artes plásticas y el arte

culinario como fenómeno. Según Sampieri, Collado y Lucio, (2003) “la

investigación descriptiva busca especificar propiedades, características y

rasgos importantes de cualquier fenómeno que se analice” Siendo esto lo

que se plantea lograr, específicamente en el ámbito de las artes plásticas.

Asimismo el diseño de investigación aplicado es documental

bibliográfico esto de acuerdo con Oswaldo Yanes, s.f. Ya que se manejaron

datos recogidos de fuentes secundarias y los mismos fueron analizados para

producir el resultado esperado. La técnica utilizada fue la de análisis

documental y los instrumentos aplicados fueron las fichas y el programa de

Word de Microsoft para registrar, ordenar y clasificar los datos.

CAPITULO IV

PROPUESTA PLÁSTICA

IV.1. Antecedentes Personales

Desde el segundo semestre la temática escogida ha estado vinculada a la

naturaleza, lo orgánico y por supuesto el hombre como parte de ella. En

principio esta temática fue abordada a través de la unidad curricular Dibujo

anatómico; el hombre y la naturaleza juntos en una misma escena, figura

humana y naturaleza muerta, técnica pastel y color. (Fig.10) Este fue el

primer intento y la primera técnica usada como medio de expresión plástica

dentro de la carrera Licenciatura en Artes Plásticas. También se represento

al hombre fusionado con una copa empleando la técnica de color. (Fig. 11).

Otra técnica usada fue la de tinta china y color, esta vez una mujer dentro de

la naturaleza literalmente. (Fig. 12) Luego se llevo a cabo a través de

Técnicas de Expresión, específicamente con la Colografia, en este caso se

usaron materiales orgánicos para dar origen a la plancha. (Fig. 13)

Fig. 10 Fig.11

Fig. 12 Fig. 13

En Fundamentos de Diseño se sintetizó una forma natural como lo es una

semilla, se elaboró un modulo y a partir del modulo se construyó una

composición fig. 14; así como también en Diseño Grafico computarizado se

tomaron fotos de paisajes naturales y se intervinieron digitalmente, fig. 15.

Fig.14

Fig.15

En el tercer semestre se hizo un trabajo en conjunto donde confluían tres

unidades curriculares técnicas de expresión, fundamentos de diseño y dibujo

analítico. La temática manejada fue las formas orgánicas también se trabajó

con la síntesis y formas positivas y negativas (fig. 16) en fundamentos de

diseño, en dibujo analítico: la línea y la búsqueda de nuevos materiales en el

dibujo, y en técnicas de expresión se trabajo también la síntesis visual solo

que el soporte fue mdf. (fig.17).

Fig.16

Fig.17

En pintura experimental aparte del lienzo se utilizó fardo como soporte

donde se crearon texturas visuales y táctiles al mismo, siempre manejando la

naturaleza como temática específicamente los tulipanes, bulbos holandeses

con colores muy llamativos, sutiles y delicados. Para este trabajo primero se

realizo un boceto a pequeña escala de 30x20cm (fig. 18) para luego realizar

el trabajo final en gran formato.

Fig. 18

En esta unidad curricular también se utilizo taparas, las mismas fueron

abiertas, se les extrajo la carne, luego puestas al sol durante varios días para

que se secaran, endurecieran y tomaran su color final. Las taparas fueron

intervenidas con fotografías que a su vez fueron modificadas digitalmente, el

tema de representación era la deforestación de las selvas y el impacto en la

flora y la fauna.

A su vez las taparas fueron perforadas y unidas por medio de alambre

dulce formando una especie de zigzag que emulaba las siluetas de las

montañas y la irregularidad de la tierra. Era un cuadrado, visto desde el suelo

(fig. 19), que guindaba del techo y debajo de este se colaron taparas que no

poseían la misma forma de las de arriba así como también piñas, fruto seco,

irregular y rugoso, también se lleno el suelo de aserrín para emular un

ambiente árido, hostil y devastado, (fig. 20), que es lo que el hombre esta

buscando con estas sociedades de consumo despreocupadas por el

ambiente. También se toman en cuenta el factor color manejando las

tonalidades tierras que recuerdan lo seco, árido e infértil.

Al mismo tiempo se realizó una acción performatica, protestando y

gritando que esto debía parar, en conjunto se bajaba y subían súbitamente

dos taparas para luego chocarlas contra el suelo a modo que el impacto

lograra llamar la atención del espectador y lo hiciera reflexionar. (Fig. 21).

Hay que cuidar a la naturaleza ya que ella es la que nos permite estar vivos.

Fig. 19 Fig. 20

Fig. 21

En escultura experimental se manejo la técnica de esculpido en yeso, este

ejercicio se enfoco en los alimentos como los champiñones, tomates, quesos,

pimentón, entre otros, sintetizando sus formas y creando una composición

equilibrada. (fig. 22 y 23)

Fig.22 Fig.23

Finalmente fue en la unidad curricular de Morfología donde se trabajo

directamente con alimentos. Elaborándose una composición donde se

manejaba la variable morfo-estética: color y la variable morfo-estética:

textura. Los materiales y/o alimentos usados fueron coliflor, berenjena,

colorantes artificiales, harina y cartón como soporte para este ejercicio. (Fig.

24 y 25). Siendo este el primer intento de vincular las artes plásticas y el arte

culinario.

Fig. 24

Fig.25

Descripción de la Propuesta

Se plantea una instalación donde se ambientara el espacio como si fuese

un restaurante. Habrá mesas “vestidas”, sillas, cubiertos, vasos y copas. Las

obras se presentaran sobre platos; ya que las mismas serán comestibles.

Invitando al público a que sean comensal y espectador al mismo tiempo. Las

obras se realizaran con Chocolate, así como también se usaran alimentos y

frutas. Pero siempre resaltando el chocolate como elemento principal. El

formato manejado será tridimensional, es decir, esculturas.

El chocolate es un alimento hondamente anhelado en algunas culturas,

los mayas lo consideraban bebida de los dioses. Y Venezuela tiene la dicha

de contar con un cacao de alta calidad. Se escoge trabajar con Chocolate

debido a que el mismo forma parte de la memoria cultural venezolana, y la

investigación debe estar caracterizada por los rasgos propios del lugar donde

se realiza. Así como también se trabajará con otros alimentos que

identifiquen tanto a los venezolanos como a los larenses.

Dentro del tema de representación que se manejara en esta investigación,

se escogerán tres períodos considerados decisivos en la misma así como

tres exponentes de cada momento. El primer momento escogido es el

Renacimiento, el segundo el Manierismo y el tercero el Surrealismo. Siendo

el primer exponente Leonardo Da Vinci, Archimboldo el segundo y Dalí el

tercero.

Se realizaran tres obras; una primera parte que contará con la obra en

base al análisis y la reinterpretación de Leonardo. Una segunda con la obra

de Archimboldo y una tercera con la basada en Dalí. Para así evidenciar el

camino recorrido. Además se utilizaran los elementos plásticos como lo son

el punto, la línea, el color, la textura, entre otros para la ejecución de cada

obra.

Nuestro primer personaje a estudiar es Leonardo Da Vinci, sin duda

alguna una persona que incursiono en muchísimas áreas del saber pero las

que más nos interesan en este trabajo es su faceta como artista y su faceta

como gastrónomo. Da Vinci tenía mucha inventiva y siempre estaba

creando… Aun si estos fuesen instrumentos o herramientas poco utilitarias.

Cabe nombrar que Leonardo fue encargado de la cocina de Ludovico

Sforza, el cual creía plenamente en las habilidades de Leonardo como artista

pero en cuanto a las de la cocina las ponía en duda de vez en cuando. Como

la vez que Leonardo remodelo la cocina y revoluciono las cosas en esa área.

Dentro de los inventos quiso crear una máquina para proveer leña y que

tuviese un fuego constante asimismo también quería que el aire de la cocina

fuese limpio e implemento fuelles.

Para la obra hecha basada en Leonardo, no se crearan artefactos pocos

utilitarios, a los que tanto tiempo le dedico Da Vinci, sino que se realizará un

rostro hecho en chocolate con la técnica del vaciado. En primer lugar se

realizó el molde en yeso, después se vaciara en el molde el chocolate

templado, luego llevado a la nevera para que este luego sea desmoldado.

Dentro de la temática manejada se encuentran las tres edades del

hombre, específicamente la tercera. Y el modelo escogido fue mi padre ya

que para mi representa la entereza, la sabiduría y la experiencia. Es común

que dentro de la escultura se realicen hombres y mujeres en la adolescencia

o en la edad adulta basta con hojear un libro de esculturas renacentistas para

constatarlo. En cambio, la tercera edad es la menos representada. Aunque

se encuentran artistas que dicha temática logro captar su atención como es

el caso de Giorgione en 1506, no son abundantes.

Leonardo realizo gran variedad de bocetos y algunas pinturas inacabadas

donde la vejez se encuentra presente dentro de la temática pero en la

mayoría de los casos el acercamiento es de carácter grotesco y deprimente.

Como en Cinco estudios de caracteres (cabezas grotescas) hacia 1490

donde las expresiones y los rostros pueden ser considerados que poseen

connotaciones negativas. No confiere aquella sutileza, bondad y hasta

belleza apreciadas en otros cuadros, sino en cambio se ven reflejados

rostros que connotan sufrimiento como es el caso de la pintura inacabada de

San Jerónimo. En un estudio hecho en sanguina titulado Rostro de un

hombre viejo coronado de hiedra con cara de león hecho hacia 1503 se hace

notable que la fisonomía revela el carácter triste y ausente del hombre.

Es así como se opta por abordar la tercera edad a la cual se le puede

conferir una belleza, una estética y sin ser precisamente asociada a

connotaciones negativas. Otra particularidad por la cual fue escogido mi

padre como modelo es porqué encuentro en el rostro rasgos similares a los

de Leonardo. Como por ejemplo la configuración.

Recordando quien fue Archimboldo debemos mencionar que su

característica más importante es que fue un pintor innovador en su época, ya

que realizaba retratos humanos a través de la composición de vegetales,

frutas y animales. Mientras que para el momento lo que estaba en boga por

así decirlo era los característicos temas religiosos y mitológicos con posturas

rebuscadas e incomodas. Es decir no se verán en sus lienzos las

particularidades típicas de un rostro lozano en una dama o las arrugas de un

hombre sino en cambio veremos las texturas de una piña o una lechuga que

asemeja lo que seria el cabello un pepino o un calabacín en el área donde va

la nariz y como esto innumerables ejemplos.

Archimboldo exaltaba a Maximiliano con la representación del elemento

agua, como un homenaje en donde incluía una corona y un collar de perlas.

El artista representa en diversos lienzos al emperador como soberano sobre

los elementos y las estaciones del año. Esto como forma de agradecimiento

a su reinado pacifico que les permitía tener una vida tranquila y armoniosa.

El artista manejaba una especie de simetría simbólica que predomina la

disposición de su serie “Estaciones del Año”. Esto surge por ordenar en

pares los rostros, uno hacia la izquierda y otro hacia la derecha. Cada par

apunta a una relación significativa con la correspondiente estación. Es así

como Archimboldo se caracterizó por crear obras cargadas de simbología y

referencias alegóricas. Por ejemplo la combinación de elementos y

estaciones, en sus dos series más resaltantes, tienen algo en común como

lo es la cantidad: ambas series constan de cuatro.

Su ayudante Fonteo, da a conocer, en un poema, mas sobre las

connotaciones que conlleva cada obra del artista manierista. El ayudante ve

conexiones originadas por cualidades duales como cálido-frío, húmedo-seco

y estas a su vez pueden originar otras combinaciones. Según Kriegeskorte,

1993. p. 24 Fonteo explica “El verano es cálido y seco como el fuego, el

invierno frió y húmedo como el agua, el aire y la primavera cálidos e

húmedos y el otoño y la tierra fríos y secos”.

Pero estos no son todos los vínculos que encuentra entre las estaciones y

los elementos el ayudante dentro de la obra de su maestro. Ya que como

alumno con formación renacentista conocía bastante bien la mitología y las

deidades clásicas y es así como surge la siguiente interpretación

“Proserpina, la diosa del invierno, tiene amistad con Neptuno, dios del agua,

por ello se corresponden invierno y agua. El aire de la primavera permite que

brillen las flores en floración. Verano y fuego comparten astro en común, el

sol; tierra y otoño la luna.”

Es así como este artista ha atraído mi atención hacia el y todo lo que

conlleva su obra, aun cuando representa un periodo tan cercano,

cronológicamente, en la historia al de Leonardo. Me parece que su aporte

para la investigación es de relevancia, aun después de más de cuatro siglos

sigue formando parte de temas de investigaciones.

La reinterpretación basada en su obra se va a llevar a cabo desglosando

características esenciales en su obra para luego ser usadas con otro

enfoque. La primera característica tratada con respecto a los elementos

manejados por el artista, es la de la dualidad además de la confrontación de

conceptos en este caso se tomara el de lo masculino y lo femenino. Por esto

serán dos rostros, uno masculino y otro femenino. El hombre mirando hacia

la izquierda y la mujer hacia la derecha. La escogencia de la dirección hacia

donde están dirigidos ambos rostros posee una significación particular donde

lo izquierdo se asociara en este caso con el pasado, mirando hacia atrás.

Mientras que el derecho mira hacia delante, el futuro. El primero por cuanto

el hombre como ser humano es historia y la mujer como ser que es capaz de

llevar dentro de si una vida es el futuro.

Lo tercero vendría a ser la vinculación con la mitología griega en este

caso se tomara a Artemisa y Apolo debido a las connotaciones con las que

son asociados ambos. La primera como Diosa que vela por las Mujeres,

siendo defensora de las mismas y asociada por ende con la fertilidad y

cuidadora de las mujeres en trabajo de parto. Y el segundo como Dios de la

Luz y protector de la música, la poesía y las bellas artes.

Cuenta la mitología que su madre Leto fue severamente acosada por

Hera, esposa de Zeus, al enterarse de la infidelidad de su esposo. En una

ocasión le envió una pitón para que la atormentara y torturara mientras aun

estaba embarazada, Zeus intervino y convirtió a Leto en una codorniz para

que así pudiera irse volando.

Hera entro en cólera y le prohibió entonces que tocara tierra. Zeus era

muy picaflor y también estuvo interesado por Asteria, hermana de Leto. Esta

lo rechazo pero Zeus era muy persistente y fue así como Asteria opto por

huir y para escapar de la pasión del Dios se convirtió en la Isla flotante de

Ortigia. Leto desesperada voló, voló y voló sobre el mar hasta que su

hermana la acogió.

Una vez en tierra, Zeus intervino una vez mas devolviéndole su forma

humana a Leto, entonces fue junto a una palmera, morada donde la diosa dio

a luz. Pero el odio de Hera no termino allí, ya que la diosa envió a su hija,

diosa de los nacimientos: Ilitía a que interrumpiera el parto y fue entonces

como Leto duro más de nueves días en agonía dando a luz a Artemisa. Los

dioses conmovidos por las suplicas intercedieron y convirtieron a Artemisa en

adulta para que esta ayudara a su madre a traer a su gemelo al mundo.

Siendo testigo Artemisa de tal dolor y agonía el cual sufrió su madre en

el alumbramiento de su hermano gemelo que le pidió a su padre Zeus

mantenerse Virgen durante toda su vida así como también le permitiera

ayudar a las mujeres parturientas. Compartiendo de esta manera el atributo

con la hija de Hera: Ilitía y con la Hera misma.

A pesar de los atributos ya nombrados, Artemisa también es asociada con el

astro Lunar, cuyo ciclo de cuatro semanas se identifico con el ciclo menstrual

de veintiocho días. A parte de su especial esmero con las mujeres

parturientas también prestaba una ahincada atención a las adolescentes y

aquellas mujeres que querían permanecer vírgenes.

Fig. 26. Terracota del Templo de Apolo en el Palatino Romano. En el que Apolo y Artemisa aparecen decorando un pilar sagrado.

Apolo, Dios de la luz y el Sol asimilo los atributos del dios Helios de igual

forma que lo había hecho su gemela Artemisa con Selene, la diosa de la

Luna. Esta es otra dualidad tomada en cuenta dentro de la propuesta

plástica. Donde se asocia a la mujer, lo femenino con la noche y al hombre

con el día, como unidad métrica del tiempo vinculada directamente con el

paso del tiempo, mejor conocido como el pasado y a este a su vez

convirtiéndose en historia.

Fig. 27. Detalle de una catrera griega del s. V a.c. Helios conduciendo el carro solar.

Luego se encuentra la que es más resaltante a simple vista que es el

cambio de plano bidimensional al plano tridimensional, como se menciono

anteriormente Archimboldo manejaba la técnica de óleo sobre lienzo muy

diestramente que casi da la impresión de que los elementos poseen cierto

realismo. En este caso no es una impresión, es algo que si no te convence

desde la distancia puedes acercarte a el, tomarlo y hasta comerlo. Es decir la

obra será una escultura, para la cual se utilizara la técnica del desbastado.

No se busca asemejar la textura de ningún otro elemento, es el elemento

en si mismo, sus características físicas y químicas las que están allí

presentes. Y es por esto que una torta de chocolate no va a emular la lozanía

de un joven rostro sino que va a tener su textura porosa al descubierto esto

en compañía de un recubrimiento de crema de mantequilla para así mezclar

diferentes texturas tanto visuales como táctiles. Y por ultimo en lo que

compete al rostro una fina capa de manzanas glaseadas.

Para el cabello de ambos se trabajara la técnica de lo que podría ser el

equivalente del dripping de Pollock pero este en vez de pintura se usara

Caramelo. Las finas y quebradizas hebras de la azúcar convertida en

caramelo representaran cada fina fibra de la cabellera de ambos dioses.

Dalí, es de los tres, el autor que más carácter afrodisíaco le confiere a

ciertos alimentos. El término afrodisíaco deriva del nombre de la diosa del

Amor, Afrodita. Es por esto que se han relacionado ciertos alimentos con el

cortejo y el enamoramiento, siendo reconocidos entre ellos los frutos rojos

como las fresas, la frambuesa y las cerezas. Dalí le otorgaba un vínculo

sexual innegable a las cerezas y la langosta, marisco escogido como uno de

los afrodisíacos con más voltaje erótico. Ambos son reconocidos no solo por

Dalí sino también por la comunidad gastronómica como frutos del deseo.

A su vez se encuentran otros alimentos que les confiere otra connotación

distinta a la de la sexualidad como el huevo y las judías. (Ver fig. 28). El

primero asociado a lo blando y frágil del vientre materno. Mientras que las

judías lo inspiraron para hacer un cuadro donde fuesen homenajeadas.

Dalí disfrutaba de engullir festines y era aficionado al buen comer.

Muchas de sus obras fueron inspiradas o directamente relacionas con algún

alimento. Y es que los alimentos poseían un gran numero de significados

para el. Y que mejor forma para describirlo que sus propias palabras: “Todas

mis experiencias son viscerales” Dalí, 1974. Es así como Dalí no solo le daba

importancia al hecho de comer, todas las connotaciones y asociaciones que

tenía para con los alimentos sino que también el proceso de digestión así

como el final del mismo era de relevancia para él.

Fig.28 Fragmento de la obra Construcción Blanda con Judías Hervidas. De Salvador Dalí

en el año 1936.

En una de sus obras titulada Autorretrato blando con tocino frito, 1941. (Ver

fig. 29). El pintor recrea una especie de mascara blanda que el mismo explica

que es su rostro, solo lo exterior, flácido y apetecible invitando al espectador

a ingerirlo. Pero no es solo su rostro lo que pueden engullir también coloca

debajo del mismo un trozo de tocino frito que debido a la vividez del color

podría inclinar al espectador a optar por este que se ve mas fresco en vez de

la mascara hecha con tonalidades oscuras y con tendencia a lo pútrido como

lo indican las hormigas en la comisura de su boca y los ojos.

Esta “invitación ficticia” que hace Dalí con la obra es lo que en el Arte

Culinario se vuelve una realidad tangible. Ya que la imaginación no recreara

los sabores y olores que pueda evocar un lienzo sino que los mismos están

allí presentes en la obra; Y no es esto lo único que se torna tangible sino que

la obra ensimisma posee tres dimensiones. Mucho había de cierto en lo que

exponía Dalí, (1974): “Todo empieza por la boca y, luego, se expande por el

cuerpo con los nervios.” Con esta expresión el se refería a los deleites

gastronómicos que el experimentaba al comer.

Fig. 29. Fragmento de la obra Autorretrato blando con tocino frito, realizada por Dalí en 1941.

Para la obra que se realizara en base al análisis y reinterpretación tanto de

Dalí como de su obra pictórica se tomaran en cuenta varios elementos. Se

plantea realizar un Volcán tomando esta representación debido al carácter

temperamental de Dalí. Luego otra connotación dada es la de figura

impredecible en donde Salvador se ve asociado tanto con su personalidad

como con las imágenes que pintaba en sus lienzos.

Una asociación muy personal es la de ver a Dalí como un volcán, en el

sentido que siempre estuvo trabajando o en actividad constante, fue un

personaje destacado y que sobresalió en muchos aspectos. Y que tal cual la

erupción de un volcán era impredecible, con unas ocurrencias tan peculiares.

El volcán también puede estar asociado a una pasión ardiente o con el

acto sexual en sí. Este aspecto estuvo muy marcado dentro de la vida del

pintor debido a sus problemas de impotencia, es así como esta temática fue

muy recurrente dentro de su obra pictórica.

Para conformar la estructura del volcán se recurrirá a la disposición de

Huevos salcochados. Tratando así las concepciones contrarias de lo duro y

lo flácido que tanto obsesionaron a Dalí. Para el artista el huevo estaba

asociado con lo frágil, el vientre materno y semilla que genera vida; éste

describía que los colores del huevo eran los mismos del vientre materno.

Aquí al huevo se le da otro enfoque como lo es el de la dureza, dejando así a

un lado la característica de frágil. Ya que esta siendo usado como material

que emula una forma natural asociada con lo fuerte y lo sólido. Al ser cocido

se acaba toda esperanza de ser un ente vivo para convertirse en un alimento

así como también formar parte de una propuesta plástica.

Los huevos pasaran por un largo proceso que comienza salcochándolos

en agua, en 15min. Luego se retiran y se ponen debajo de agua fría durante

unos cinco minutos. Después de estos se colocan nuevamente a hervir para

que agarren la coloración deseada.

Para la realización del volcán se tomara en cuenta la línea, el color y el

equilibrio. Es por eso que se realizará una composición donde cada unidad

(el huevo) va a estar intervenida. Los colores manejados serán el blanco y el

marrón, como a su vez los tonos que estos generan.

El volcán de huevos va a estar acompañado de una lava de chocolate y

queso camenbert derretido. Ambos materiales necesitan del fuego para llegar

a este estado tal cual pasa con la lava. En este caso la lava tanto de queso

como de chocolate viene a ser la representación de lo flácido.

Un dato curioso, el cual fue tomado en cuenta para la realización de esta

obra, es que Dalí justo después de comer queso Camenbert el placer

provocado por este queso lo inspiro y así realizo la obra La Persistencia de la

Memoria.

Con esta última obra, el volcán de huevos, se completa la propuesta plástica

realizada.

Memoria

Primer Momento: Renacimiento y Da Vinci.

Prueba 1: Molde en Yeso del Rostro de mi padre.

Fig. 30. Modelo, mi padre con las bandas de yeso

Fig.31. Fotografía cuerpo completo

. Fig. 32. Preparando la mezcla de yeso para aplicar

una fina capa sobre las bandas de yeso.

Fig. 33. Aplicando la mezcla de yeso semi-líquido

Fig. 34. Dando los últimos detalles al molde.

Fig. 35. Vista lateral una vez terminado el molde.

Fig. 36. En el proceso de secado.

Fig. 37. Otro ángulo del molde ya casi listo para desmoldar

Fig. 38. Cortando el chocolate.

Fig. 39. Engrasando el molde.

Fig. 40. Templando el chocolate.

Fig. 41. Vaciando el chocolate en el Molde.

Fig. 42. Vertiendo el chocolate.

Fig. 43. Eliminando el exceso.

Fig.44. Retocando los bordes.

Fig. 45. Rostro en chocolate.

Fig. 46. Producto Final.

En primera instancia se recurrió a la elaboración de un molde de yeso para

así tomar la impresión del rostro de mi padre. Se trabajó con bandas de yeso

para la realización del molde y posteriormente se reforzó con yeso.

El material escogido, como producto final, fue el chocolate, éste se procedió

a cortarlo y templarlo. Se vació el chocolate en el molde hecho en yeso y

finalmente se refrigeró. Obteniendo un rostro en chocolate con un acabado

liso y brillante, tan anhelado dentro de la chocolatería, pero con el gran

detalle que no se pudo desmoldar del yeso. Siendo esta solo la primera

prueba realizada para la obra final.

Segundo Momento: Manierismo y Archimboldo.

Primera Prueba de Caramelo

Fig. 47. El almíbar producto de agua y azúcar.

Fig. 48. Se le añadió colorante artificial al caramelo.

Fig. 49. El colorante reaccionando en el almíbar.

Fig. 50. Se logró colorear el caramelo.

Fig. 51. La reacción del caramelo con el colorante lo volvió turrón.

Fig. 52. El azúcar cristalizado por completo.

Fig. 53. Primera prueba de caramelo fallida.

Segunda Prueba de Caramelo

Fig. 54. El almíbar hirviendo.

Fig. 55. Agarrando consistencia.

Fig. 56. El calor produce que el almíbar cambie de color.

Fig. 57. Color caramelo.

Fig. 58. El color y consistencia deseada.

Fig. 59. Primera prueba con el almíbar antes de tornarse color caramelo.

Fig. 60. Hilos de Caramelo en forma de cesta

Fig. 61. Varias pruebas, combinaciones de color y de grosor de los hilos de caramelo.

Fig. 62. La cesta una vez desmoldada donde se puede apreciar los cambios de tonos del caramelo.

Fig. 63. La cesta vista de perfil.

Fig. 64. Otra de las pruebas. Esta con menos hilos y por ende más quebradiza

Fig. 65. La tercera cesta, fuerte en el fondo pero débil en los laterales.

En las primeras pruebas realizadas para la elaboración del caramelo, que va

a ser usado como cabello de ambos rostros, se pudo evidenciar en la primera

prueba que el azúcar es muy susceptible a los cambios bruscos de

temperatura. Mientras el caramelo se calentaba se trato de teñirlo con

colorante artificial y el solo hecho de añadir dos gotas, como se puede

apreciar en la fig. 48 y 49, hizo que este se cristalizara de una forma tal que

se volvió una piedra compacta, como se puede notar en la fig. 52 y 53.

En la segunda prueba con caramelo se trabajó con el color obtenido al

calentar el azúcar, es decir el color natural del caramelo. En este caso se

recurrió a la elaboración de cestas, (ver fig. 63 y 64), esto como prueba para

comprender la maleabilidad del caramelo. El resultado fue satisfactorio, a

medida que el caramelo pasa mas tiempo calentándose se va tornando más

oscuro.

Prueba en anime y yeso para la realización del rostro masculino.

Fig. 66. Cortando el anime.

Fig. 67. Quitando el exceso.

Fig. 68. Sacando la forma del rostro.

Fig.69. Se puede apreciar la forma

del cráneo.

Fig. 70. Toma de Perfil sin terminar.

Fig. 71. Rebajando el área del cuello.

Fig. 72. Lijando.

Fig. 73. Desbastando el rostro.

Fig. 74. Vista de perfil.

Fig. 75. Aplicando una capa de

yeso.

Fig. 76. Suavizando los rasgos toscos y fuertes.

Fig. 77. Creando la superficie del cabello.

Fig. 78. Terminando la primera capa.

Fig. 79. Rebajando con la espátula.

Fig. 80. Casi lista.

Fig. 81. Los últimos detalles de la segunda capa.

Fig. 82. Rostro pintado para asemejar el chocolate.

Fig. 83. Rostro de perfil.

Tercer Momento: Surrealismo y Dalí.

Bocetos para la obra.

Fig. 84. Primer boceto del volcán y el queso derretido (la lava).

Fig. 85. Boceto de la textura visual y táctil de cada huevo

Fig. 86. Volcán de Huevos.

El siguiente es el registro tomado, cuando se realizaron las pruebas para el volcán de huevos.

Fig. 87. Vista aérea del vapor que emanan los huevos hirviendo.

Fig. 88. Los huevos hirviendo para así darles el color y la textura visual deseada.

Fig. 89. Los huevos reposando después

que el líquido se evaporo casi por completo.

. Fig. 90. Una vez fríos, listos para ser removida la cáscara.

Fig. 91. Aquí se puede notar la borra del te y

la coloración que adquirió la cáscara.

Fig. 92. Acercamiento de un huevo donde se aprecia la textura visual, la coloración y la

mitad de la cáscara.

Fig. 93. Varios huevos después de haberle removido la cáscara.

Fig. 94. Otro ángulo donde se ven otras texturas.

Fig. 95 Prueba de la posición de los huevos para formar el volcán.

Fig.96. Enfoque de cómo se vería uno de los laterales.

Fig.97. Acercamiento de unos huevos de codorniz.

Fig.98. Pirámide triangular con huevos de codorniz.

Fig. 99. Pirámide triangular.

Fig. 100. Composición con huevos de codorniz.

Para la obra que corresponde al tercer momento se propuso un volcán de

huevos duros, dispuestos en el siguiente orden: uno jaspeado con una

coloración marrón, seguido por uno blanco con la mitad del cascaron y luego

un tercero, blanco totalmente. Este patrón se realizo de manera consecutiva

hasta realizar la totalidad del volcán. En las imágenes se puede apreciar

como se procede a dar la coloración a los huevos (ver fig. 88 y 89). También

se encuentran las pruebas realizadas con huevos de codorniz y la posible

organización de la estructura del volcán. (Ver fig. 99 y 100).

CONCLUSIONES

En primera instancia se pudo apreciar que las investigaciones con

respecto al tema planteado son escasas, sobre todo en el idioma español. Y

las existentes a su vez presentan vacíos.

Para un desenlace exitoso de la investigación fueron analizadas las

bases teóricas que permiten relacionar las artes plásticas y el arte culinario.

De este modo se pudo corroborar que es posible lograr una vinculación entre

las mismas. Esto a pesar de no poseer tan amplia bibliografía.

También se logro la creación de una propuesta plástica que evidencia

la concepción manejada de arte culinario dentro de esta investigación. Donde

se maneja el concepto de escultura e instalación utilizando como material

para la realización de la misma, alimentos. Permitiendo así al espectador

comerse, literalmente, la obra e incluir en la apreciación de la misma el

sentido del gusto y el olfato.

Otro punto a resaltar es que existe un área del saber en la cual se ha

investigado pobremente como lo es la consideración de la inclusión de los

cinco sentidos en las artes plásticas.

El arte y la gastronomía habían permanecido hondamente

diferenciados a través del tiempo. Es así como se había representado la

comida a través del arte pero en esta investigación se propone la comida

para hacer arte, y que este a su vez sea digerido por el espectador. La

vinculación de ambas áreas, por medio de una sustentación teórico- plástica

representa un aporte tanto para la carrera de Artes Plásticas que se inicia en

el estado Lara como para la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado,

como casa de estudio que genera conocimientos innovadores y necesarios.

A su vez también representa un aporte para el país en general debido a que

son pocas las fuentes bibliográficas e investigaciones de origen venezolano

dentro de este tema.

BIBLIOGRAFÌA

Acha, Juan. (1992). Crítica del Arte. México: Trillas.

Algovi. “Arte Comestible. Manifiesto.” El Boletín. Nº 12. Otoño 1998.

Armstrong, Cléo., Barbier, Agnès., Bossé, Laurence., Castel, Jean.,

Champey, Inès.,Chevrier, Jean-François., Colas-Adler, Marie Hélène., Costa,

Vanina., Couderc, Sylvie., Dagbert, Anne., Dreysfus, Charles., Elleinstein,

Martine., Ferrer, Matilde., Gintz, Claude., Giroud, Michel., Grout, Catherine.,

Heintz, Julie., Joppolo, Giovanni., Labelle’Roujoux, Arnaud., Lachaize,

Denis., Lambert, Jeanne., Mathiaut, Jean., Sans, Jérôme., Smith, Brian R. y

Tio Bellido, Ramon. (1990). Groupes, mouvements, tendances de l’Art

Contemporain depuis 1945. (Grupos, movimientos, tendencias del Arte

Contemporáneo desde 1945) “Eat Art”. Deuxième Edition. (2da. Edición)

Paris: École Nationale supérieure des Beaux-Arts. (Paris: Escuela Nacional

Superior de Bellas Artes)

Collado, Lucio y Sampieri. (2003). Metodología de la Investigación. 3º

Edición. México: Editorial Mc Graw Hill.

Da Vinci, L. (2003). Apuntes de cocina. Pensamientos, misceláneas y

fábulas. 1º edición. Buenos Aires: Distal.

Dalí, Salvador. (1974). Les Diners de Gala. Barcelona: Editorial Labor.

Febres Luces, N. (2002). Arte y Embutidos. Caracas: Plumrose

Latinoamericana.

Heller, Eva. (2008) Psicología del Color: Color Marron. Pp. 253-264. 1º

Edición. Barcelona: Gustavo Gili.

Heilmeyer, Alexander. (1928). La escultura Moderna y Contemporánea.

Barcelona: Editorial Labor.

Hernández, Carmen, (2007). Desde el cuerpo: alegorías a lo femenino. Una

visión del arte contemporáneo. Caracas: Monte Ávila Editores

Latinoamericana.

Kriegeskorte, Werner. (1993). Arcimboldo. Alemania: Taschen.

Larousse El Chocolate. (2007). Barcelona: Larousse Editorial.

Littleton, Scout. (2007). MITOLOGIA: Antología Ilustrada de mitos y leyendas

del mundo. Londres: Blume.

Lovera, José R. (2006). Gastronáuticas. Caracas: Fundación Bigott.

Macropedia Hispánica, (1996). Escultura. Volumen 6. Pág. 26-30. Caracas:

Marinetti, F. T. (1985). La Cocina futurista: una comida que evitó un suicidio.

España: Gedisa.

Miralda, Antoni. (1998) Sabores y Lenguas, 13 Ciudades. Tastes and

Tongues, 13 Cities. Caracas: Centro Cultural Español.

Read, Hebert. (1994). La escultura Moderna. P.p. 230-231. Barcelona:

Ediciones Destino.

Rodríguez, Yarimir. (2007). Coroto. Trabajo Especial de Grado para optar a

la Licenciatura de Arte no publicada. Instituto Universitario de Estudios

Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR).

Roncaglia, Ary. (2010). LEONARDO DA VINCI Y EL “RENACIMIENTO” DE LA COCINA

Manuscrito no publicado.

Roncaglia, Ary. (2010). Eat-Art una experiencia artística de acción y

participación. Manuscrito no publicado.

Vega, Lucio. (2007). Trabajo Especial de Grado para optar a la Licenciatura

de Arte Mención Escultura, no publicado. Instituto Universitario de Estudios

Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR).

Verdu Arlandis, José Maria. (2004). Proceso Sensorial en Bellas Artes. 2da

Ed. Maracay: Universidad Pedagógica Experimental Libertador.

Viloria, Vladimir. (2008). “Catar el Vino” p. 39. Guía del Vino Venezuela 2008.

Caracas: Legis.

Yanes, Oswaldo. (s.f). Problemas de Metodología de la Investigación en las

Artes Visuales. Diseño Documental Bibliográfico, Pág. 41-42. Caracas:

Fundación Editorial Chacao.

Zollner, Frank. (2005). LEONARDO. Barcelona: Taschen.

Direcciones electrónicas:

Andrade, Oswaldo de. Manifiesto antropófago. HISTAL enero 2004.

Disponible en

www.histal.umontreal.ca/espanol/documentos/manifiestoantropofago.htm

Antoni Miralda demuestra que la comida es además, arte, cultura y

geopolítica. (2009). Canal Patrimonio. Extraído el 15 de noviembre de 2010.

Disponible en: http://www.canalpatrimonio.com/es/noticias/?iddoc=53687

Chapa Martha, (s.f.). “Arte y Gastronomía”. Consultado el 10 de Febrero de

2010. Disponible en http://www.marthachapa.net/La-Manzana-Flechada/arte-

y-gastrònomia-de-ida-y-vuelta.html

Duesseldorf Kunsthalle, (2009) “Eating the Universe. Art of food.” Consultado

el 19 de Febrero de 2010. Disponible en:

http//www.kunsthalle/duesseldorf.de/e/ausstellung/presse/index.html

Eiras, María Eugenia (2005). “La fisiología del gusto,

o meditaciones de gastronomía trascendente”: Análisis de su alcance e

importancia en el siglo XXI. Consultado el 02 de julio de 2010. Disponible en:

http://www.chef-catering.com/images/Chef%20Photos/Novedades/Articulos/

LAFISIOLOGIADELGUSTO.pdf

Kaldor Public Art Projects: Projects Since 1969. Consultado el 4 de agosto

del 2010. Disponible en http://kaldorartprojects.org.au/about-kaldor.html

Martínez, Cesar, (2008) “PerforMANcena” Consultado el 08 de febrero de

2010. Disponible en:

http://www.redesc.ilce.edu.mx/redescolar2008/proyectos/acercarte/arte_mexi

cano/artemex10/cesarmartinez1.htm#4

Minujin Marta, (2005). “Marta Minujin” Consultado el 13 de febrero de 2010.

Disponible en: http://www.martaminujin.com/

Miralda, Antoni, (s.f) Libro Artefacto: Comer es Poder. Disponible en:

http://www.docstoc.com/docs/5461412/Libro-Artefacto-Comer-es-poder-de-

Antoni-Miralda-Miralda

Petryk N. y Rojas S. (2003) “La comida en el arte” Consultado el 13 de

febrero de 2010. Dispoible en:

www.afuegolento.com/noticias/139/firmas/petryk/5176/la-comida-dentro-del-

art/

Poveda Carlos, (2005). “Carlos Poveda, Paisajes Domésticos”. Consultado el

16 de febrero de 2010. Disponible en:

http://www.analitica.com/va/arte/dossier/9447080.asp

Rìos Alicia, (s.f) “Sensory Panel of Head. Olive Oil Taster.” Consultado el 17

de febrero de 2010. Disponible en:

http://wwwaliciarios.com/en/food/ediblerepresentations.html

S/A, (2005). Ary Roncaglia una artista investigando culturas gastronómicas.

Consultado el 15 de abril del 2010. Disponible

en http://www.milsabores.net/index.php?p=312&more=1&c=1&tb=1&pb=1

¿A que huelen los recuerdos? Revista Muy Interesante. Extraído el 18 de

noviembre del 2010. Disponible en: http://www.muyinteresante.es/ia-que-

huelen-los-recuerdos.

ANEXOS

Fig. 101. Capitán Hernán Cortes con su interprete Malinche. Litografía del s. XVI. Biblioteca

Nacional. Foto extraída del Larousse de Chocolate.

Fig. 102. Modelo presentado por el diseñador Jean-Louis Scherrer en el Salón de Chocolate

de Tokio año 2000. Foto extraída del Larousse El Chocolate.

Fig. 103. Parte de la propuesta para la exposición de Antoni Miralda. Titulada: Sabores y

Lenguas, Caracas. Imagen extraída del libro Sabores y Lenguas. 13 ciudades, (1998)

Fig. 104. Imagen extraída del libro Lengua y Sabores, (1998) de Antoni, Miralda.

Fig. 105. Obra realizada por Dalí para el libro Las Cenas de Gala.

Imagen extraída del Libro Cenas de Gala, (1974).

Fig. 106. Imagen extraída del Libro Cenas

de Gala, (1974).

Fig. 107. Imagen extraída del Libro Cenas de Gala,

(1974).

Fig. 108. Sin título. Imagen extraída del Libro Cenas de

Gala, (1974).

Fig. 109. Sin título. Imagen extraída del

Libro Cenas de Gala, (1974).

Fig. 110. Sin título. Imagen extraída del Libro Cenas de Gala,

(1974).

Fig. 111. Sin título. Fig. 112. Sin título. Imagen extraída del Libro

Cenas de Gala, (1974).

Fig. 113. Vik Muniz. Imagen extraída del Fig. 114. Vik Muniz. Imagen extraída del Trabajo de Grado Coroto Trabajo de Grado Coroto

Fig. 115. Portada del Trabajo de Grado Coroto

Fig. 116. Imagen de la Propuesta plástica de Coroto.

Fig. 117. Imagen de la propuesta de Ary Roncaglia. Extraída del catalogo del VI Salón de

Pirelli.

Fig. 118. “Finis Gloriae Mundi". Cráneo humano y sesos de cordero sobre bandeja.

Acción de Arte Comestible. Diputación de Sevilla. 1999. Extraído de

Fig. 119. "Gladiator". Pan. Acción de Arte Comestible en el Centro Andaluz de Arte

Contemporáneo (CAAC). 2000.

Fig. 120. "Mana". Pan y poema. Acción de Arte Comestible. ArtIbiza 2000

Planchas de pan 200 x 200 cm. Letras de pan 5 m de longitud. Extraído

Fig. 121 Fig.122

Fig.121 y 122 Vista Frontal y vista lateral de esculturas realizadas en Mantequilla. Titulada

"Las hamburguesas de LA" En la Feria del Condado de San Diego, julio 2010

Fig. 123. Obra titulada "Los niños y los terneros" Escultura en Queso Cheddar de Víctor Jim Nebraska 2008.

Fig. 124 Escultura hecha con diversos alimentos para la

Feria del Condado de Orange, Costa Mesa. En julio 2010.

Fig. 125. "American Gothic" reinterpretación de la

"Mona Lisa". Escultura hecha con diversos alimentos para la Feria del Condado de Orange,

Costa Mesa. En julio 2010.

Fig. 126. Producto de la comida italiana "David", como

surfista, Escultura hecha en mantequilla para la Feria del Condado de Orange, Costa Mesa.

En julio 2010.

Fig. 127. Andy Warhol "Marilyn Monroe" en

marshmallows. Obra realizada por Pelton Marie, en la Feria de Orange County en julio

2010.

Fig. 128. "Starrynight" de Van Gogh en

Caramelo. Obra realizada por Pelton Marie, en la feria de Orange County, julio 2010.

Fig. 129. Escultura en mantequilla hecha por Jim Victor en el Estado de Nebraska para la

Feria de Agosto, 2009. Foto de Joel Sartore.

Fig.130. Obra realizada en Chocolate de Cleopatra. Ball

de San Valentín Manus-Salzman Día, San Francisco, CA 2008.

Fig. 131. Obra de Antoni Miralda realizada en 1973 para

Kaldor Public Art Projects.

Fig.132. Obra expuesta en A Table, exposición realizada en el Sur de Francia en el 2009.