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HISTORIA DEL ARTE. ARTE BARROCO

1 JUAN FÉLIX MALDONADO. IES CENCIBEL

ARTE BARROCO

Baldaquino: Dosel sobre pies derechos que cubre una tumba o altar con sentido conmemorativo. El tipo más común es el que descansa sobre cuatro columnas, protegiendo un altar aislado. El baldaquino más conocido es el de San Pedro, realizado por Bernini en 1624, por encargo del papa Urbano VIII, utilizando el bronce expoliado del Panteón romano, para cubrir la tumba de San Pedro dentro de la basílica del Vaticano. Carnación: Tratamiento pictórico de las carnes en la representaciones humanas escultóricas hechas en madera. Muy utilizado en la imaginería española barroca de los s.XVII-XVIII para dar a las figuras un aspecto más realista. Se realizaba en las partes del cuerpo no ocultas por vestiduras, donde se aplicaba una capa de yeso sobre la talla de madera y después se le aplicaba el color. Ejemplos se pueden encontrar en toda la obra escultórica de la España barroca como las obras de Gregorio Fernández en Castilla como los Cristos yacentes o Ecce Homo, las obras de Martínez Montañés en Andalucía como el Cristo de la Clemencia, o las de Salzillo en Murcia como La oración en el huerto. Churrigueresco: Relativo al Barroco español en arquitectura, más en concreto a la desarrollada a partir del s.XVIII, conectado con el Rococó europeo. Recibe su nombre de los hermanos Churriguera (Alberto y José) el primero levantó la Plaza Mayor de Salamanca (1729-1750) e inspiraron un estilo movido, fastuoso y de abundante decoración que abundó en España e Hispanoamérica. Otras obras importantes del momento son la Fachada del Hospicio (Madrid) de Pedro de Ribera. Estofado: Técnica utilizada en las tallas de madera que requiere una base de oro sobre la que luego se pinta y seguidamente se raspa, para que salgan a la luz junto al color irisaciones brillantes y luminosas de oro. Recurso muy utilizado por la imaginería o escultura barroca española (S.XVII-XVIII) como las Inmaculadas de Gregorio Fernández en Castilla o la Inmaculada de la Catedral de Sevilla de Martínez Montañés. Serpentinata: En forma de serpentina, composición en forma de giro violento sobre sí mismo, muy habitual en el manierismo (2ª mitad s.XVI) como en El rapto de las Sabinas de Juan de

Bolonia, o durante el barroco (s.XVII) en El rapto de Proserpina de Bernini. Tenebrismo: Técnica pictórica propia del barroco (s.XVII) que usa el claroscuro, utilizando grandes contrastes acusados de luz y de sombra, de modo que las partes iluminadas se destacan violentamente sobre las que no lo están. El principal representante del tenebrismo fue Caravaggio siendo buenos ejemplos de ello sus obras como La conversión de San Pablo, La vocación de San Mateo o La dormición de la Virgen. También otros autores españoles trabajaron el tenebrismo como Ribera o Velázquez en sus primeros trabajos en Sevilla en cuadros como El aguador de Sevilla o La vieja friendo huevos.



TEMA 15. ARQUITECTURA BARROCA

1.PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, PLANTA Y COLUMNATA (BERNINI, 1656,1667)

Una vez acabada la basílica de San Pedro se debe urbanizar el

espacio exterior. La idea Contrarreformista es la de conmover al

visitante, y por tanto esta Plaza es la estrella de todas las

construcciones barrocas vaticanas. Se trata de exaltar la

importancia de la Roma Papal como centro de la Iglesia

Católica. Encargada por el papa Alejandro VII, es el final de la

vía de la Conciliazione que une Roma con el Vaticano. Su

estructura está sometida a la existencia de la basílica, cuya

cúpula de Miguel Ángel debe ser visible como lugar más importante (cabeza de la cristiandad). Bernini

dispone una planta elíptica, rodeado por columnas

gigantes de orden toscano, que se remata con una balaustrada y 140 figuras de santos y mártires. El

pasillo continua y se abre hasta la fachada de la

basílica, utilizada como gran escenario teatral desde

donde el pontífice hace sus apariciones públicas y

especialmente la bendición Urbi et Orbi. Visualmente

la ventana puede verse desde cualquier punto. En el

centro de la plaza se sitúa el obelisco de Fontana

(coronado por una cruz) allí colocado por el Papa

Sixto V, y dos fuentes diseñadas por Maderno y el

propio Bernini.

Simbólicamente, las columnas son como dos brazos

abiertos que acogen a los fieles, uniendo la ciudad con la iglesia.

2. BALDAQUINO DE SAN PEDRO (BERNINI, 1624-33)

Primer encargo de Urbano VIII a Bernini para llenar el

espacio vacío del crucero de la basílica de San Pedro. Es

realizado con el bronce expoliado del Panteón de Agripa,

lo que le valió la frase “lo que no hicieron los bárbaros, lo

hicieron los Barberini” en alusión a la familia del Papa.

Se trata de un gran palio (toldo procesional), sustentado

por cuatro columnas salomónicas, de fustes con decoración vegetal y capiteles corintios, sobre cuatro

podios de mármol. El dosel formado por cuatro gigantes

volutas (diseñadas por Borromini), se remata con el globo

terrestre y la cruz, símbolos del triunfo universal de Cristo.

Su estructura transparente no rompe la visión, pero sí que

el movimiento de sus formas y su decoración que alterna

dorados y ocres imprimen al lugar un bello dinamismo.

El baldaquino simboliza el lugar, cobijando la tumba de

San Pedro, pero también enfatizando la figura del Papa,

cuyos símbolos familiares (las abejas y el sol) aparecen

numerosas veces en la parte superior. Las columnas

similares a las del Templo de Salomón, simbolizan el lugar como la nueva Jerusalén, triunfante sobre el

protestantismo.

GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680): Es el gran arquitecto y escultor del barroco italiano. Comenzó

trabajando para Scipione Borghese. Sus obras principales las desarrolla en Roma, trabajando para

diversos papas casi en exclusividad, principalmente para Urbano VIII que al recibirlo le dijo “es una gran

fortuna que me veas como Pontífice, pero mayor es mi fortuna por que vivas en mi pontificado”.

3. SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES (BORROMINI)



Primer encargo realizado en solitario para Borromini. Los Trinitarios encargan construir su convento e iglesia. Disponen de

un pequeño e irregular solar que hace esquina al cual hay que

adaptarse, además de respetar las 4 fuentes que dan nombre al

lugar. Las obras se inician por la iglesia construida entre 1638 y

1641, la fachada se comenzará en 1665 y se finaliza después de la

muerte del autor.

La planta es un óvalo que se adapta al solar e imprimiendo una

sensación ondulante. Se levantan grandes columnas, sobre ellas

arcos de medio punto y pechinas, que sostiene una cúpula de

forma oval con inconfundibles casetones geométricos (octógonos,

hexágonos y cruces) que parece estar suspendida por la iluminación de las pequeñas ventanas superiores.

En la fachada predomina la línea curva. Se divide en dos cuerpos,

donde se combinan diferentes tamaños de columnas. En el

superior se coloca un pequeño templete y sobre él un medallón

central sostenido por ángeles. La escultura es incorporada a la

fachada como un elemento más. El conjunto se inserta a la perfección en el contexto urbano de Roma. El resultado dio a Borromini un

especial reconocimiento, recibiendo numerosos encargos de órdenes religiosas. Su estilo fue siempre la

unión de arquitectura y escultura y el predominio de las líneas curvas.

FRANCESCO CASTELLI, BORROMINI (1599-1667) Arquitecto y escultor, llegó a Roma en 1619,

trabajando para Maderno y para Bernini, donde se enemistaron de por vida. Sólo trabajó con el papa Inocencio X y debió trabajar principalmente para órdenes religiosas con mucho menos poder económico

que el Vaticano. Su carácter era solitario, poco interesado en las riquezas materiales. Inmerso en una

profunda depresión quemó todos sus escritos y diseños y se suicidó en 1667.

4. PLAZA MAYOR DE SALAMANCA (CHURRIGUERA, 1729-1750)

Proyectada por Alberto de Churriguera sobre la

antigua plaza de San Martín y basándose en el tipo

de plaza mayor barroca española cuyos mejores

ejemplos están en Madrid y Córdoba. Se trata de

un rectángulo irregular (cada lado tiene una longitud distinta). Cada fachada está compuesta

por tres pisos, sobre arcos de medio punto, en

cuyas enjutas aparecen medallones donde se

representa a importantes personajes de la historia

de España: desde los reyes de España, famosos

literatos o conquistadores de América. En la

fachada norte, destaca el edificio del Ayuntamiento

(proyectado por Andrés Quiñones, que finaliza las

obras), más alto y formado por dos pisos, rematado

por una espadaña de tres campanas, esculturas

alegóricas y una veleta.

El conjunto es clásico churrigueresco, una variante barroca de la arquitectura española. Destaca el color de la piedra dorada propia de la zona. Su uso ha sido de lo más variado, originalmente para actos públicos

y mercado, pero también como plaza de toros o testigo de ajusticiamientos.

FAMILIA CHURRIGUERA: Formada por diversos artistas que destacaron principalmente en la

arquitectura de Castilla del s.XVIII, dando lugar a la denominación de Churrigueresco como estilo

artístico recargado de decoración. Fruto de sus colaboraciones destacar esta Plaza Mayor de Salamanca y

numerosos retablos en toda España (Salamanca, Madrid, Valladolid…)



5. FACHADA DEL HOSPICIO DE MADRID (PEDRO DE RIBERA, 1722)

Fachada para el Hospicio de San Fernando de Madrid, que Ribera concibe

como una monumental escultura que busca integrar el edificio en el

urbanismo.

Se organiza como el retablo de una iglesia, dividido en dos cuerpos

ricamente decorado con estípites (columnas) óculos y cortinajes que

generan un movimiento ondulatorio y ascendente hacia la figura de San

Fernando, situada en la hornacina central superior.

PEDRO DE RIBERA (┼ 1742) Es uno de los arquitectos barrocos más

importantes en España. Trabajó como arquitecto municipal de Madrid, llevando a cabo las principales obras del momento en la capital.

6. TRANSPARENTE DE LA CATEDRAL DE TOLEDO (NARCISO TOMÉ, 1729-1732)

Conjunto escultórico situado en la girola de la Catedral de

Toledo, detrás del Altar Mayor. Se abre un óculo en el techo que

permite la iluminación del sagrario (lugar donde se conserva el

santo sacramento) y de todo el conjunto. Es concebido como un retablo cóncavo, de dos cuerpos de altura, unidos por un gran

círculo central del que nacen rayos dorados que simbolizan el sol

de la Eucaristía. Alrededor una gran corte de ángeles en

contrastadas actitudes. En el cuerpo inferior, una escultura de la

Virgen con el niño, y en el superior, la última cena.

Es un gran y expresivo conjunto dedicado al Santo Sacramento,

que aúna la escultura con la luz, y que rompe el monótono gótico

del edificio, completando más la catedral como un museo de

obras de todas las épocas.

NARCISO TOMÉ (1690-1742) Es arquitecto y escultor. Fue nombrado Maestro Mayor de la Catedral de Toledo, y además

junto a su hermano realizó la fachada de la Universidad de Valladolid.

7. FACHADA DEL OBRADOIRO (CASAS NOVOA, 1738)

Fachada que cubre la portada románica de la catedral. El objetivo

era proteger el Pórtico de la Gloria, integrar el edificio en el

urbanismo de la ciudad y ser el final de la escalinata que ya se

estaba construyendo. Realiza un telón piramidal, articulado en

tres calles. Para la iluminación del Pórtico abre ventanales que

aligeran el aspecto exterior y los pisos superiores van decreciendo

hasta el remate final donde aparece la figura del Apóstol Santiago.

La fachada es dinámica gracias a su juego de luces y de sombras,

como un gran decorado teatral, y que se ha convertido en la

imagen de la ciudad de Santiago de Compostela, que renueva

durante la época barroca su urbanismo medieval.

FERNANDO DE CASAS NOVOA (1670-1750) Arquitecto

gallego que trabajó en numerosos lugares de su tierra como Lugo,

Betanzos o La Coruña. Nombrado en 1711 como maestro de

obras de la Catedral de Santiago, realizará para esta ciudad sus

obras más importantes.



8. FACHADA DEL PALACIO REAL DE MADRID (JUVARA Y SACHETTI, 1736-1764)

Obra más importante del barroco palaciego

español, encargada por Felipe V tras el

incendio del antiguo alcázar de los Austrias.

El rey encarga el palacio al mejor arquitecto

italiano del momento Juvara, y que a su

muerte en 1736 fue sustituido por su

discípulo Sacchetti.

Se trata del mejor ejemplo de arquitectura

palaciega borbónica, de planta rectangular en

torno a un patio central y enmarcada por torreones que no resaltan en altura.

La fachada principal se inicia con un zócalo

almohadillado, sobre él, se elevan dos

cuerpos monumentales en el que dominan

pilastras dóricas de orden gigante, y

columnas de capitel compuesto en los lados. Entre ellas se disponen balcones coronados por frontones

curvos y triangulares, y sobre ellos, ventanas. Está rematada por una balaustrada con jarrones. Destacan el

reloj central y la decoración como escudos de armas.

Se trata de una gran construcción, en la línea más clásica del barroco y que sirve como gran estandarte

propagandístico de la nueva dinastía de reyes españoles, los Borbones.

JUVARA y SACCHETTI: Felipe Juvara es arquitecto italiano, nacido en Messina y que trabajó para diversos mecenas como el Papa o la familia Saboya. En 1735, es llamado por Felipe V, rey de España

para proyectar obras en el Palacio de la Granja (Segovia), Aranjuez y Madrid. A su muerte las obras

fueron finalizadas por algunos de sus discípulos.

Juan Bautista Sacchetti, sustituye a su maestro en las obras del Palacio Real. Después continuaría en

España como director de la Academia de San Fernando y maestro mayor de obras de Madrid,

proyectando obras como la Catedral de la Almudena o el viaducto de Bailén.



TEMA 16. ESCULTURA BARROCA

1.APOLO Y DAFNE (BERNINI, 1622-1625)

Obra de juventud realizada para el cardenal Borghese. Representa un tema

mitológico, narrado en la Metamorfosis de Ovidio. Dafne, una ninfa, había

renunciado a casarse. El dios Apolo se había enamorado de ella, y a pesar de ser

rechazado, la persiguió por el bosque. Dafne, al encontrarse acorralada, pidió

ayuda a su padre, el dios del río Peneo, que la convirtió en laurel antes de ser

atrapada.

Se combina a la perfección la belleza clásica con el movimiento barroco. La expresión de los sentimientos es grande, la ninfa grita asustada, mientras el dios

mira perplejo la transformación. Bernini capta con genialidad ese momento

fugaz en el que Dafne es mitad mujer, mitad laurel.

La composición es de grandes diagonales que acentúan el dinamismo, con el

movimiento de los cabellos y los ropajes. El dominio técnico en el mármol se

hace patente en los distintos acabados de la piel, el tronco o incluso las hojas, y

la luz, que incide sobre la obra y pasa a formar parte de ella.

2. ÉXTASIS DE SANTA TERESA (BERNINI, 1645-1652)

Forma parte de la capilla Cornaro en la Iglesia de Santa Mª de la Victoria (Roma) dedicada a Santa Teresa de Jesús. Se unen arquitectura, pintura y escultura, formando un escenario teatral, completado con los

palcos laterales, donde se representan a la familia Cornaro que asiste al milagro e integra en la escena al

espectador.

En el centro, una escena descrita por la propia Santa Teresa en su obra

Vida:

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un

poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios."

Sobre una nube, Santa Teresa en pleno éxtasis, con el cuerpo desmayado

y la boca entreabierta en un gemido. Frente a ella, un ángel sonriente, se

dispone a atravesar su corazón con una flecha de fuego. Las distintas

calidades contrastan en un mismo material, el mármol, y evidencian el

dominio técnico del autor.

La escena se ilumina por una ventana, oculta por elementos arquitectónicos, pero que se materializa en rayos dorados que completan

el conjunto barroco por excelencia.

3. CRISTO YACENTE (G.FERNANDEZ, 1614)

Una de las obras maestras del principal representantes de la Escuela de

Valladolid del XVII. Crea un nuevo tipo de Cristo en la imaginería, donde

no aparece relacionado con la cruz, sus verdugos, su madre u otros

personajes.

Representa a Cristo al acabar de morir. En su rostro se aprecia el

sufrimiento, las heridas abiertas. El estudio anatómico es perfecto,

apreciándolo en huesos y músculos. Sólo se cubre con un trozo de la sábana.

Con el uso de la policromía sobre la madera, se acentúa el dramatismo, se

aprecia mejor la sangre, la suciedad, los moratones.

Gregorio Fernández crea un nuevo tipo de Cristo Yacente, realizando una

larga serie como el de San Pablo y Santa Ana en Valladolid, el de la

Encarnación o San Felipe de Neri en Madrid o el de la Catedral de

Segovia. Se situaban en el banco de los retablos y el Viernes Santo frente

al altar mayor.



GREGORIO FERNANDEZ (1576-16236): Principal escultor de Valladolid del s.XVII y uno de los más importantes imagineros de la historia. Su escultura destaca por el extremado dramatismo. De origen

gallego, trabajó toda su vida en Valladolid, cuando era sede de la Corte real, donde tuvo un importante

taller del que salieron sus principales obras.

4. CRISTO DE LA CLEMENCIA (MARTINEZ MONTAÑES, 1603,1606)

Cristo crucificado de la sacristía de la Catedral de Sevilla. Es representado

justo antes de morir, con la cabeza inclinada, mirando al orador, sin ningún

tipo de drama, sino con la dulzura propia de la escuela andaluza del

s.XVII.

Su anatomía es modelada con perfección, con belleza clásica. No hay signos de tortura, ni sangre. En el paño, el autor muestra su perfección

técnica, en una tela que se ondula y se mueve, contrastando ese

movimiento con el estatismo de la figura.

La figura es uno de los cristos más representativos de la imaginería

española, y más en concreto de su autor.

MARTINEZ MONTAÑÉS (1568-1649) Es uno de los autores más

importantes de la imaginería andaluza del s.XVII. Su producción fue

amplia, en su totalidad de tema religioso, que destacó por su dulzura y

clasicismo, y sus obras como el Cristo o la Inmaculada de las más

admiradas en la época.

5.LA INMACULADA DEL FACISTOL (ALONSO CANO, 1655)

Figura de pequeño tamaño, encargada para el facistol del coro de la Catedral de

Granada (un atril central que se situaba en el centro del coro para colocar el libro de

cantos) La obra podía ser contemplada desde cualquier punto de vista y por ello, Cano

se esforzó en esos varios puntos de observación.

Apoyada sobre una nube de querubines, muestra a una virgen en la línea de la

imaginería andaluza, una niña de enorme dulzura. Su rostro está concentrado lo que le

proporciona más espiritualidad. Une sus manos con finura y el autor las trabaja con

delicado estudio anatómico. La policromía es muy cuidada, demostrando que Cano

conocía a la perfección las técnicas pictóricas.

ALONSO CANO (1601-1667) Trabajó todas las artes. Inició su formación con su

padre y después en el taller de Pacheco. En 1683 fue llamado a la Corte, protegido por

el Conde Duque de Olivares.

6. MAGDALENA PENITENTE (PEDRO DE MENA, 1664)

Encargo de los jesuitas de Madrid que refleja la importancia del arrepentimiento

en el pecador. La expresión de la mujer refleja ese sentimiento y sus pies

descalzos, la penitencia, junto con una túnica de trenzado vegetal atada con una

cuerda. Se trata de una figura de madera en tamaño real, que conectó muy bien con el

gusto del pueblo, ya que su rostro expresa dolor y comunica ese sentimiento

religioso. Al rostro, le acompañan la expresividad de las manos, el pelo lacio, y el

cuerpo que se inclina ligeramente hacia el crucifijo de madera. La policromía es

sobria, de colores oscuros que realza la espiritualidad.

La figura es muy simple pero responde perfectamente al sentimiento barroco

español contrarreformista, expresando el arrepentimiento y la penitencia,

sacramento que es negado por los protestantes.

PEDRO DE MENA (1628-1688) Comenzó trabajando en el taller de su padre y

fue discípulo de Alonso Cano. Trabajó en diversos puntos de Andalucía, firmando



todas sus obras, en busca del reconocimiento artístico. Su obra tuvo gran éxito, conectó con el sentimiento

del público y creó modelos iconográficos propios como la Magdalena o San Francisco.

7. PASO DE LA ORACIÓN DEL HUERTO (SALZILLO, 1760)

Paso para la procesión de Viernes Santo en Murcia,

perteneciente a la Iglesia de Jesús, donde se

guardan otros pasos del autor.

La obra recoge el momento en el que Jesús se retira

al huerto de los olivos, momentos antes de iniciarse

la Pasión. Sólo le acompañaron los apóstoles Juan,

Santiago y Pedro, que quedaron dormidos. Pedro,

el más anciano, porta la espada que pronto utilizará para defender a Jesús, su sueño es menos profundo

y en su brazo se adivina la tensión muscular del

que está alerta. Es el momento en el Jesús ora y se le aparece un

ángel para reconfortarle. Jesús está arrodillado,

hundido, y el ángel, de belleza adolescente, con las

alas aún desplegadas, acaba de posarse en el suelo.

Todas las figuras forman un grupo integrado, de gran belleza que expresan como pocas un sentimiento

religioso como sólo lo hicieron los grandes maestros del barroco.

FRANCISCO SALZILLO (1707-1783) Comienza su trabajo en el taller de su padre, familia de origen

italiano. Trabajó toda su vida en Murcia. Perteneció a la cofradía de Jesús Nazareno, para la que realizó ocho pasos procesionales entre los que destacan la Oración del huerto o La Caída. Otra de sus grandes

obras fue un belén, formado por más de 500 figuras.



TEMA 17. PINTURA BARROCA EN EUROPA

1.LA MUERTE DE LA VIRGEN (CARAVAGGIO, 1606-1606)

Obra para la iglesia de Santa Maria Della Scala (Roma), representa el

momento de la muerte de la Virgen, Magdalena llora a su lado y los

apóstoles la rodean mostrando su dolor. Como modelo tomó a una

prostituta ahogada en el Tíber, que por su realismo se aprecia en el

vientre y pies hinchados. Los apóstoles son hombres vulgares, mendigos

sucios, pero desbordados por el dolor. Ese profundo sentimiento religioso

no fue captado y el cuadro fue rechazado y retirado del altar,

incomprensión que no fue una novedad en la obra de Caravaggio.

Es un claro exponente del tenebrismo, el cuadro se estructura a partir del

rayo de luz que cruza en diagonal (una luz de sótano), iluminando las

cabezas y el cuerpo de la Virgen. Utiliza el claroscuro y el color que resalta el vestido rojo de la Virgen (asociado a la pobreza y la

prostitución) y la cortina del fondo que acentúa la teatralidad dramática

de la escena.

El tema se desprende de toda irrealidad y se presenta como la realidad del

dolor ante la muerte.

Después de ser rechazada, fue comprada por Rubens para el duque de Mantua, y la expuso durante dos

semanas en Roma, cuando su autor ya había abandonado la ciudad acusado de asesinato.

2. LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO (CARAVAGGIO, 1601)

Encargo para la capilla Cesari en la Iglesia de Santa Mª del Popolo

(Roma), se encuentra junto a otra obra del autor, La crucifixión de San Pedro.

El lienzo muestra la escena cuando el joven Saulo, soldado romano

cazador de cristianos, es derribado de su caballo por una poderosa luz y

una voz le pregunta “Saulo, ¿por qué me persigues?” Quedó ciego y

recuperó la vista milagrosamente, convirtiéndose en el Apóstol San Pablo.

Caravaggio representa la escena en un ambiente nocturno, sin paisaje, el

joven caído en el suelo con ojos cerrados, los brazos abiertos como si

viviera un éxtasis, el caballo y en la penumbra, un criado. El centro queda

vacío como si el autor quisiera representar así la presencia divina.

El autor vuelve a usar todos los recursos tenebristas que hicieron

grandiosa su obra.

CARAVAGGIO, Michelangelo Merisi (1573-1610) Nació en Milán, hijo

del marqués de Caravaggio, pueblo de Bergamo. Trabajó en Milán,

estudió a los venecianos y se trasladó a Roma, donde destacó por su obra revolucionaria y su desordenada

vida. Acusado de asesinato, huyó de Roma, trascurriendo el resto de su vida en Nápoles, Malta y Sicilia.

Murió en Porto Ercole aquejado de malaria.

3. LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS (RUBENS, 1624)

Lienzo de gran formato (218x280 cm.), basado en el tema bíblico de la

Adoración de los reyes Magos, uno de los temas preferidos del autor y

del que realizó varias versiones (además de ésta, destacar la del Museo del Prado en Madrid)

Encargada por un abad y destinada para la Catedral de Amberes, cuenta

la leyenda que Rubens lo pintó en apenas una semana, algo exagerado a

pesar del estilo y pinceladas rápidas y vaporosas del autor.

La composición destaca al niño y la Virgen con los tres Magos, que

destacan en luminosidad. El resto de personajes, incluso San José, quedan

oscurecidos en un segunda plano. Así el autor focaliza la mirada del

espectador.

La escena está enmarcada en un establo, un pequeño trozo de cielo que



imprime profundidad y en el que se ve un capitel corintio, aludiendo a que el orden antiguo es

reemplazado por la Iglesia. Se aprecia el gusto por el color, muy cálido como el rojo y el dorado de las armaduras, (influencia de la

escuela de Venecia) y el gusto de Rubens por lo exótico, que se refleja en los camellos, la diversidad de

razas de los personajes e incluso dos soldados romanos. Formando en total un cuadro lleno de

movimiento y barroquismo del que Rubens es uno de los grandes exponentes.

En el rostro de la Virgen se puede reconocer a su primera esposa Isabel Brandt, que posó para él en

numerosas ocasiones.

Actualmente el cuadro se expone en el Museo de Bellas Artes de Amberes (Bélgica).

4. LAS TRES GRACIAS (RUBENS, 1639)

Tema mitológico sobre las tres Gracias, hijas de Zeus, diosas del encanto, la alegría y la belleza, y que suelen acompañar a las

divinidades del amor y presidir actos sociales placenteros como

banquetes o danzas.

Rubens usa este tema como pretexto de mostrar desnudos

femeninos, dentro de los ideales estéticos de la época, de gran

voluminosidad. En las gracias de los laterales, retrató a sus dos

esposas, Isabel, la primera (a nuestra derecha) y Elena, la segunda (a

nuestra izquierda).

La composición es clásica, las tres gracias forman un círculo,

entrelazándose, con el pie derecho atrasado como si fuesen a iniciar

una danza. Desnudas sólo se cubren con un pequeño velo que

acentúa el erotismo. Destaca la luminosidad de la escena, las pinceladas largas y pastosas. Toda enmarcada por un tronco de

árbol, flores, la figura de Cupido con el cuerno de la abundancia y

un paisaje idílico con animales pastando al fondo.

Rubens conservó el cuadro toda su vida. Su buena posición económica le permitía no pintar por encargo.

A su muerte, sus bienes fueron subastados y el cuadro adquirido por Felipe IV, pasando a formar parte de

la colección real, y hoy, del Museo del Prado.

PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640) Es uno de los grandes pintores del barroco. Sus numerosos

viajes y su gran formación humanística definió su estilo, muy influenciado por la pintura italiana.

Instalado definitivamente en Amberes, abrió su taller, donde ejecutó sus principales y numerosas obras,

gracias a la colaboración de su taller y a sus largas horas de trabajo.

5. LA RONDA (REMBRANDT,1642)

Obra maestra del autor holandés de grandes dimensiones

(363x437 cm) ya que es encargada para decorar el

Cuartel General de la Guardia Cívica de Ámsterdam. Se

trata de un retrato colectivo, representa el momento en

que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el

capitán Cocq y el teniente Van Ruytenburch, al iniciar el

desfile de la Milicia con motivo de la visita de María de

Médicis a Ámsterdam en 1638. Detrás aparecen soldados,

niños corriendo, una muchacha que resplandece y un perro que ladra, añadidos por el pintor sin más motivo

que animar la escena.

La composición es muy compleja, aparentemente

desordenada. Presenta al grupo de forma espontánea y

libre, captado en un instante, como si se tratase de una

fotografía. Hay enorme animación, variedad de actitudes

La luz es casi tenebrista, unas figuras son muy visibles, pero otras desaparecen en la penumbra y sólo

vemos sus cabezas creando una escena mágica. El color es rico en matices, sin dibujo previo que diluye

los contornos.

Debido a un barniz aplicado para su conservación, el cuadro se oscureció y erróneamente se ha conocido

popularmente como “La Ronda de Noche” aunque la escena es un interior a mediodía.



Rembrandt cobró 1600 florines por la obra, 100 a cada u no de los retratados y posiblemente algo más a

los dos oficiales, de ahí que ocupen un lugar preeminente. Actualmente se expone en el Rijksmuseum (Amsterdam)

REMBRANDT von Rijn (1606-1669) máxima figura de la pintura holandesa del barroco. Instalado en

Ámsterdam se convierte en un pintor de éxito. Casado en dos ocasiones, a la muerte de su segunda esposa

y de su hijo Titus, cae en la incomprensión y en la ruina económica. Su vejez la pasa aislado y en la

miseria. Su obra abarcó todos los géneros, captando la humanidad de los retratados y una inigualable luz

dorada. Murió en Ámsterdam y fue enterrado bajo una lápida sin nombre.



TEMA 18. PINTURA BARROCA EN ESPAÑA

1. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE (RIBERA, 1639)

Representa los preparativos de la tortura de San Felipe, que

tras la muerte de Jesús, marchó a predicar entre los paganos de

Frigia (actual Turquia), quienes decidieron darle muerte,

atándolo a una cruz con cuerdas. Durante años ha sido

confundido con San Bartolomé pero al no aparecer el cuchillo

con el que fue desollado, atributo del santo en sus representaciones, se consideró que se trataba de San Felipe.

Además pudo ser encargado por Felipe IV y hoy se expone en

el Museo del Prado.

Destacan los violentos escorzos. El santo atado muestra su

resignación, a su lado los verdugos se deciden a atarlo e izarlo

a la cruz. A derecha e izquierda, grupos de personas observan

la escena, algunos indiferentes como la mujer con el niño.

Destaca la monumentalidad de las figuras, sobre todo la del

santo. Los colores son oscuros destacando el rojo de un

verdugo. En la parte superior el cielo es amplio, y las cuerdas y la cruz guían la vista fuera del lienzo.

Se trata de una obra de madurez, abandonado casi el tenebrismo, demostrando mayor luminosidad.

2.EL PATIZAMBO (RIBERA,1642)

Pintado durante su estancia en Nápoles, representa a un niño mendigo, tullido

por alguna enfermedad, donde la figura se recorta sobre el cielo, único fondo.

Posando de perfil se muestra sonriente a pesar de su condición y miseria, que

explica en el papel que lleva en la mano “da mihi Elimosinam Propter amorem

Dei” (Deme una limosna por el amor de Dios)

En esta obra, el autor ya ha abandonado el tenebrismo inicial y comienza el

camino de su estilo propio más luminoso y representando un tema muy

frecuente en el barroco español: el gusto por lo feo, por los personajes deformes para mostrar mejor la crudeza del realismo.

JOSÉ DE RIBERA (1591-1652) Pasó la mayor parte de su vida en Italia,

donde era conocido como “Il Spagnoletto” por su baja estatura. De su Valencia

natal, pasó a Roma y después a Nápoles donde se convirtió en un importante

pintor. Se inició en el tenebrismo, después lo abandonó en su madurez, para

retomarlo en su última etapa. Del “Caravaggio español”, Lord Byron dijo que “pintaba con la sangre de

los santos” en alusión a sus composiciones desgarradas.

3. SAN HUGO EN EL REFECTORIODE LOS CARTUJOS (ZURBARÁN, 1655)

Este lienzo es encargado junto a otros dos más, por la cartuja de Santa María de las Cuevas, cerca de Sevilla.

Actualmente está en el Museo de Bellas Artes de

Sevilla.

La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno,

fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes

de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad

de San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les

envió carne, alimento al que no estaban

acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la

conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras

discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo,

que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió

despertándose, comprobando que no tenían noción del



tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo

como aprobación divina de la abstinencia. Dividido en tres planos, primero el paje y San Hugo, tras ellos, los cartujos, con rostros demacrados por

su largo ayuno y en el centro su fundador San Bruno. Sobre la mesa, el autor hace un verdadero bodegón,

con panes, platos y autentica cerámica de Talavera. Para decorar la austera habitación, un lienzo con

Virgen, niño y San Juan.

Destaca en la obra la sencillez compositiva, la equilibrada luz que refleja el ambiente de la vida

monástica, el blanco en el que destacó Zurbarán aplicado en los ropajes que puede alcanzar hasta cien

distintos tonos.

4. BODEGÓN (MUSEO DEL PRADO, ZURBARÁN, 1635)

Aunque comúnmente conocido como el Bodegón del Prado, su nombre es Naturaleza muerta con jarras y

tazas, además de las obras religiosas por encargos de

conventos, destaca en la producción de Zurbarán la

calidad en la realización de naturalezas muertas.

Se trata de uno de los mejores ejemplos de bodegón

español, donde conjuga realismo y la ternura de los

objetos cotidianos, elevando lo más sencillo a obra de

arte.

Sobre un fondo oscuro, se recortan cuatro figuras

alineadas, autónomas, iluminadas por una luz tenebrista. Los bodegones, sencillos y austeros del s.XVII

en España, contrastan con la opulencia de los realizados en los Países Bajos en esta época.

FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) Sevillano y amigo de Velázquez, destacó por el

misticismo de sus obras, casi en su mayoría de temas religiosos y encargados por ordenes conventuales

para los que realizó largas series. Trabajó en Sevilla donde fue nombrado “Maestro pintor de la ciudad”,

Extremadura y Madrid. Muchas de sus obras fueron exportadas a América.

5. NIÑOS COMIENDO FRUTA (MURILLO,1650)

En sus inicios, Murillo, bajo un estilo tenebrista, representó a las clases

más bajas de la sociedad sevillana. Aquí, en una de sus obras juveniles,

presenta a dos niños vestidos con harapos, comiendo uvas y melón,

despreocupados por su pobre condición, tratando de un modo afectuoso a los seres más desprotegidos de la sociedad, los niños pobres. Esta temática

era muy solicitada por los comerciantes asentados en Sevilla para decorar

sus casas.

Las figuras resaltan sobre un fondo oscuro. La escena es tratada con gran

naturalismo y detallismo: los niños comen despreocupados, la fruta tratada

como una naturaleza muerta, la basura bajo sus pies sucios, e incluso

moscas que se posan en el melón.

Los temas infantiles, junto con las Inmaculadas, proporcionó a Murillo un

gran prestigio en su época.

6. INMACULADA CONCEPCIÓN (M.DELRADO, MURILLO, 1676-78)

Su título verdadero es La Inmaculada Concepción de los Venerables, fue pintado

para el asilo de sacerdotes ancianos de Sevilla.

La Virgen es representada como una joven, flotando sobre una nube, y rodeada

por una media luna de ángeles. Cada uno con distinta actitud y movimiento

imprimen al cuadro un sentido teatral, dinámico. La luminosidad es importante,

el fondo dorado donde se recorta la figura de la Virgen que irradia luz y la zona

de ángeles que va cayendo en penumbra.

Murillo crea un nuevo tipo iconográfico de la Inmaculada Concepción como

reina del cielo, ligada a las normas de la Contrarreforma, y que pretende

despertar la piedad del creyente y acercarlo a Dios.

Esta temática tenía en Murillo su mejor pintor, que supo mejor que nadie humanizar la religiosidad católica.



BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682) Menor de 14 hermanos, a los diez años quedó huérfano. Pasó toda su vida en Sevilla, excepto dos años en Madrid. Su obra se inició en el tenebrismo

para ir ganado luminosidad y colorido. Su ternura y elegancia le proporcionaron gran fama, sobre todo en

coleccionistas extranjeros.

7. VIEJA FRIENDO HUEVOS (VELAZQUEZ,1618)

Obra de la etapa sevillana, en línea del tenebrismo, ilumina la escena

una luz focal desde la izquierda. En primer plano, combina una escena

de género de tipos populares, la vieja y el niño, junto al bodegón,

reproduciendo utensilios de cocina y naturalezas muertas con una impresionante calidad.

Las figuras parecen surgir de la oscuridad y el pintor muestra un

especial interés por el tratamiento psicológico del personaje.

Realizado durante su trabajo en el taller sevillano de su suegro

Pacheco, destacan los potentes volúmenes, la pincelada fina y los

tonos color madera.

8. LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO (VELAZQUEZ, 1628)

Realizado en su primera etapa en Madrid para

Felipe IV, crea por primera vez una pintura de

gran complejidad, donde se funde el tema mitológico con la pintura de género.

En el centro, destacando desnudo, el dios

Baco, coronando a uno de los borrachos,

reconociendo satíricamente sus méritos. La

divinidad del joven Baco, coronado con hojas

de vid, contrasta con las figuras vestidas de

los campesinos borrachos, retratos populares

que contrastan con la idealización del Dios.

La pincelada se va soltando y se puede

apreciar el perfecto dominio de la perspectiva

aérea en el horizonte. En un primer plano queda restos de su primera época, donde

realiza un pequeño bodegón.

9. LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA (VELÁZQUEZ, 1634-35)

Gran obra pintada para la decoración del Palacio

del Buen Retiro, inspirado en la rendición de la

ciudad de Breda, encabezada por Justino de

Nassau, que capituló ante el asedio de las tropas

españolas capitaneadas por Ambrosio Spínola. Se

trata de una obra de Historia que Velázquez

reduce a una mera anécdota cuando Nassau y Spínola se dirigen a abrazarse. Se exalta así la

grandeza del vencido, que eleva más aún la fama

del vencedor, como escribió Calderón en su obra

El sitio de Breda, “el valor del vencido es la

gloria del vencedor”, por ello las diferencias entre

los dos grupos son pocas, sólo los españoles, a la

derecha se sitúan a una mayor altura y con sus

lanzas levantadas.

Técnicamente la pincelada va siendo más suelta, en un primer término los detalles se muestran con todo

detallismo y se va perdiendo hasta las brumas de la lejanía. Es la máxima expresión de la perspectiva

aérea que funde la escena principal con el fondo de humos sobre el cielo.



10. EL NIÑO DE VALLECAS (VELÁZQUEZ, 1636)

Es un retrato de Francisco Lezcano, apodado el Vizcaíno, uno de los bufones del príncipe Baltasar Carlos,

y que erróneamente es conocido como el Niño de Vallecas.

Lezcano es representado en un abrigo rocoso, sobre un fondo oscuro y con paisaje. Su postura muestra su

enanismo y las deformidades físicas de sus extremidades; la pierna derecha se descuelga sin vida, la

izquierda se dobla en un violento escorzo. Su cabeza de gran tamaño se

inclina ligeramente. Viste ropas desaliñadas y sujeta entre sus manos un juego

de naipes.

La luz ilumina principalmente su rostro, en línea del gusto Barroco de

representar personajes deformes o míseros, Velázquez lo trata con la mayor

dignidad posible, sereno y equilibrado. El bufón le permite a Velázquez

acercarse al realismo tan apreciado en el Barroco, pero tratado con ternura.

11. CONDE DUQUE DE OLIVARES (VELAZQUEZ,1634)

Retrato ecuestre del valido de Felipe IV, para la decoración del Palacio

del Buen Retiro, se le representa sobre el caballo, que demuestra su

poder, ya que era algo reservado a la monarquía. El animal se alza sobre

sus patas traseras ante un precipicio, Olivares mira al espectador, ataviado con sombrero, con la banda del estado y el bastón de mando

señalando a la batalla, que solo se muestra como pequeñas manchas en el

fondo de paisaje, que se puede identificar con la sierra de Madrid.

La pincelada es cada vez más suelta para realizar detalles y plasmar la

perspectiva aérea.

El conde-Duque fue protector de los artistas y mentor de los pintores

sevillanos, entre los que estaba Velázquez, que gracias a su apoyo se

convirtió en pintor del rey Felipe IV, lo que le dio su gran fama.

12. PAISAJE DE LA VILLA MEDICIS (VELAZQUEZ, 1651)

Durante su segundo viaje a Italia, Velázquez pinta dos lienzos sobre un

paisaje, la Villa Médicis, en el que solo aparece algún personaje anónimo.

Lo más destacable de la obra es la soltura de su pincelada, el modo de

captar el ambiente exterior por medio de la luz y las sombras de los

árboles. Técnicamente abandona el detalle y forma el cuadro con pequeños

toques de pincel.

Pintar paisajes no era un práctica habitual en la pintura barroca española,

centrada en temas religiosos o retratos, por ello, que esta obra unido al

tratamiento de la pincelada, sea un anuncio del Impresionismo del s.XIX.

13. LAS MENINAS (VELAZQUEZ, 1656)

Gran obra de Velázquez que en la colección real era conocido como La

Familia. En 1843, fue rebautizado como las Meninas, ya que menina

era el nombre que recibían las doncellas de honor, que en este caso

acompañan a la infanta Margarita.

En el grupo del primer plano, destaca la figura central de la Infanta

Margarita, hija de los reyes, acompañada por sus tres meninas. A la

derecha, una enana y un enano que molesta al perro. Detrás de ellos, en

la penumbra, un guardadamas, y a la izquierda, el propio pintor. Al fondo, descorriendo las cortina, José Nieto, el aposentador de la corte



como punto de fuga, y a la izquierda, en el espejo, la imagen de los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria.

Todo el vasto espacio es tratado con una perspectiva aérea perfecta, con zonas más iluminadas y otras en penumbra. La pincelada es larga y fluida, y el color y matices de gran riqueza.

El cuadro fue muy apreciado por Felipe IV, quien con frecuencia visitaba a Velázquez en su trabajo. La

cruz que luce el pintor sobre su pecho como caballero de la Orden de Santiago fue añadida después de su

muerte por orden del rey.

14. LAS HILANDERAS (VELAZQUEZ, 1657)

Una de sus últimas obras fue una magistral

composición que juega con el recurso barroco de

insertar un tema dentro de otro en la misma escena.

Conocida también como la fábula de Aracne por tratar este tema mitológico en el que Aracne, una

hábil tejedora desafió a los dioses. Atenea, inventora

de la rueca y disfrazada de vieja, intentó disuadirla y

se enzarzaron en una competición a tejer el tapiz más

hermoso. Aracne plasmó el rapto de Europa en su

tapiz, momento de debilidad del padre de Atenea.

Ante la ofensa del tema y la belleza del tapiz, Atenea

castigó a Aracne a tejer infinitamente convirtiéndola

en una araña.

En un primer plano, hay una escena cotidiana de

género de un taller textil con mujeres tejiendo lana, con ruecas y tornos de hilar, que oculta la escena

mitológica. De espaldas y de blanco, Aracne, y detrás de la rueca, Atenea, vieja que muestra su oculta juventud en su pierna adolescente desnuda.

En una segunda escena, tres mujeres observan el tapiz tejido por Aracne que representa el Rapto de

Europa (homenaje a la obra de Rubens), cuando Zeus, disfrazado de toro blanco sedujo a la joven. Una de

ellas, observa a las hilanderas estableciendo la unión entre las dos escenas.

Usa a la perfección la perspectiva aérea y los distintos planos lumínicos dan profundidad y corporeidad a

las formas.

DIEGO RODRIGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1599-1660) Es uno de los máximos exponentes de

la pintura universal. Nacido en Sevilla, se trasladó a Madrid donde fue nombrado pintor real. Pasó toda su

vida en la corte del rey, alternando con viajes a Italia. Su buena posición económica le permitió pintar sin

prisas y realizar una obra casi perfecta. En 1659 fue nombrado caballero de la Orden de Santiago, nobleza que tanto deseó. Murió en Madrid, un 6 de Agosto, su mujer tan solo 7 días después.

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