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RENACIMIENTO
Páginas: 318-415
El propio término Renacimiento nos da una clara idea de su significado: «vuelta a la vida», en contraposición a la idea de «oscura Edad Media».
Se trataba de «volver a nacer», recuperando las formas perdidas de la Antigüedad clásica, reinterpretándolas y adaptándolas al nuevo lenguaje artístico en torno a dos conceptos: la perspectiva y la proporción.
CARACTERÍSTICAS El regreso a la Antigüedad traerá consigo la
vuelta a una cultura antropocéntrica, donde el ser humano se siente el centro del universo arropado por el espíritu humanista del momento.
Esta valoración del individuo va a estar respaldada por la figura del mecenas. Entre los más célebres encontramos: Médici (Florencia) Sforza (Milán) Montefeltro (Urbino) El Papado (Roma).
La costumbre de adquirir prestigio mediante el arte dio un nuevo valor a los artistas. Estos reivindicaron un nuevo estatus: rechazaron que se les considerase artesanos, ya que sus obras eran el fruto de una reflexión teórica e intelectual.
El Renacimiento se inicia en Italia, donde nunca se había perdido del todo la herencia clásica y abundaban las ruinas grecorromanas.
En el siglo XV los arquitectos renacentistas descubren la obra de Vitrubio, que escribió un tratado sobre el arte clásico.
CRONOLOGÍA
Siglo XV: QUATROCENTO. Siglo XV. (Florencia)
Siglo XVI CINQUECENTO. Primer tercio del siglo XVI.
(Roma) MANIERISMO. Segunda mitad del siglo XVI.
CIUDADES ITALIANAS: FOCOS DE MECENAZGO ARTÍSTICO. Entre 1400 y 1520 pueden situarse los
límites italianos del fenómeno renacentista. Lo que caracteriza a la Italia del momento es: Fragmentación política, donde destacan:
Florencia, Venecia, el Milanesado, el reino de Nápoles y los Estados Pontificios.
Desarrollo económico y social vinculado al comercio.
Sistema de gobierno oligárquico, donde los grandes empresarios o banqueros instauran un régimen personalista y dinástico.
La importancia de la cultura en las ciudades: las presiones de las potencias extranjeras sobre la península van a favorecer el desarrollo de la conciencia cultural de los italianos. Cada estado intentará emular, o superar, a sus rivales protegiendo artistas, embelleciendo sus ciudades, creando Academias de arte, etc
Los artistas experimentan un cambio sustancial con respecto a la Edad Media. De ser artesanos anónimos pasan a ser artistas creadores.
El binomio mecenas-artista presenta una relación muy estrecha ya que determinaba el contenido y la forma de la obra artística.
EL QUATROCENTO Siglo XV
El Quattrocento italiano fue el período en el que se desarrolló un nuevo arte que recogía la herencia del pasado clásico.
Fue en Florencia, núcleo del Humanismo, donde surgió, gracias a la actividad de un numeroso grupo de artistas.
ARQUITECTURA Las bases de la arquitectura renacentista
serán: Orden Proporción Simetría Unidad
Para alcanzarlos, los edificios serán el fruto de cálculos matemáticos exactos. La regularidad de los elementos utilizados contribuirá también a dar unidad al conjunto.
Las características principales de la arquitectura del Quattrocento son: El uso de elementos constructivos clásicos. En las fachadas domina la horizontalidad, y
como decoración se utilizan muros almohadillados
Los interiores se decoran con motivos tomados de la Antigüedad clásica.
Las plantas de los templos tienen una perfección matemática.
Los materiales empleados son el ladrillo, el sillar almohadillado y el mampuesto revestido de mármol.
Los tipos de edificios son muy variados. Junto a las iglesias, se realizan también edificios civiles: palacios y villas campestres para nobles y burgueses, fortalezas, bibliotecas...
Filippo Brunelleschi (1377-1446) Pág. 336 Brunelleschi marca la ruptura con el Gótico e
introdujeron el nuevo estilo renacentista. Viajó a Roma, y allí pudo estudiar los restos
arqueológicos de la antigua capital del Imperio Romano.
Introdujo en sus obras las leyes de la proporción y la perspectiva.
En sus obras predominan las líneas rectas y los volúmenes cúbicos.
Sus obras más representativas son: Catedral de Florencia Hospital de los Inocentes Basílica de San Lorenzo Basílica del Santo Espíritu Capilla Pazzi
Catedral de Florencia
Hospital de los inocentes
San Lorenzo
Santo Espíritu
Capilla Pazzi
Cúpula de Santa María de las flores. Catedral de Florencia. (Pág. 337)
Está considerada como una de las obras arquitectónicas más novedosas de la historia de la arquitectura, tanto por su concepción en forma de doble cúpula como por su construcción sin cimbras.
Se acabó en 1471. Brunelleschi no llegó a verla terminada.
Al exterior, sobre el tambor octogonal existente levantó hiladas de piedra y ladrillo horizontales imitando el modelo romano de opus spitatum (espina).
En el interior creó una bóveda semiesférica. Ambas bóvedas se unen con un sistema de
ganchos. El espacio interior hueco aligera el peso y
aumenta la altura de la cúpula.
Basílica de San Lorenzo (pág. 338)
Construida hacia 1420.
Brunelleschi retoma el esquema basilical paleocristiano y la plata de cruz latina.
Todo el conjunto está regido por una perspectiva elaborada con métodos científicos que se percibe al situarse en la nave central.
Tiene tres naves separadas por arcadas de columnas corintias con cúpula sobre el crucero.
Las naves laterales se cubren con bóvedas semiesféricas. La central tiene una techumbre plana de madera, decorada con casetones.
La utilización de la perspectiva, la proporción y la simetría son elementos que ya había usado en la construcción del Hospital de los inocentes.
León Battista Alberti (1404-1472)Pág. 339 Fue el prototipo del perfecto humanista, ya
que poseía conocimientos de teatro, música, derecho, pintura y arquitectura.
Gran estudioso de la Antigüedad, escribió varios tratados de arte.
Entre sus obras destacan: Fachada de Santa María Novella (Florencia) San Andrés (Mantua) Palacio Rucellai (Forencia)
Santa María Novella
San Andrés de Mantua
Palacio Rucellai
Encargado en 1446 por el comerciante florentino Giovanni Rucellai.
Paramento de muros almohadillados Superposición de órdenes en la fachada
siguiendo el modelo del Coliseo. El edificio se estructura en pisos:
Zócalo: con un banco corrido en el que esperarían los clientes.
Planta baja: salas dedicadas a las actividades económicas (comercio y banca)
1º y 2º pisos: vivienda familiar.
El palacio Rucellai es un buen ejemplo de arquitectura urbana y palaciega florentina.
Tiene todas las características de un palacio del Quattrocento: Importancia de la fachada como símbolo del
poder de la familia que lo habitaba. Organización en torno a un patio Sensación de horizontalidad gracias a los frisos
que marcan los pisos. Utilización de elementos clásicos Orden, simetría y proporción
ESCULTURA La abundancia de obras escultóricas clásicas
en Italia y, por tanto, el conocimiento de ellas por parte de los grandes escultores del momento, hizo que la transición del Gótico al Renacimiento, en cuanto a escultura se refiere, no fuera tan brusca como sucedió en la arquitectura.
Las características de la escultura italiana del Quattrocento son: El naturalismo. El tema principal será la figura humana,
adquiriendo importancia el desnudo y, por tanto, el estudio de la anatomía.
La independencia de la escultura con respecto a la arquitectura
La aplicación de la perspectiva. La ampliación de los temas representados, y la
importancia que adquiere el retrato.
Los dos escultores más destacados del Quattrocento fueron: Ghiberti Donatello.
Lorenzo Ghiberti (1378-1445)Pág. 342 Su técnica favorita era el trabajo en bronce. Trataba con gran maestría el relieve y, en él,
el paisaje y la figura humana, que representaba con todo detalle.
Las Puertas del baptisterio de Florencia son la obra maestra de Ghiberti.
Puertas del baptisterio de la catedral de Florencia
Encargo del gremio de comerciantes de Florencia.
Se convocó un concurso, al que debía presentarse un relieve donde se representase el Juicio de Isaac.
Ghiberti fue el ganador. En 1400 hizo la puerta norte. En 1425 hizo la llamada Puerta del Paraíso. Las Puertas del baptisterio son su obra
maestra.
Puerta norte Los relieves están inscritos en casetones
cuatrilobulados (trébol de cuatro hojas). El tratamiento de las figuras y es paisaje denota
naturalismo y realismo. Aparece el desnudo y el interés por el tratamiento
de la figura humana. El relieve ganador del concurso recoge el
momento en que el ángel detiene a Abraham justo cuando va a matar a su hijo.
Presenta una composición innovadora ya que una diagonal central divide dos escenas: Derecha: el grupo del
sacrificio Izquierda: dos sirvientes
y el asno, ajenos a lo que está sucediendo.
Las escenas están en distinto plano, lo que aporta perspectiva.
Puerta del Paraíso Compuesta por diez relieves en bronce dorado
que representa historias del antiguo testamento. Sustituye los casetones cuatrilobulados por
recuadros enmarcados en finas molduras. La perspectiva constituye el eje organizador de
las escenas en una gradación que va desde el bajorrelieve al altorrelieve.
Las figuras del primer plano se ven más grandes y las lejanas, más pequeñas.
Creación de Adán/Adán arando. Caín y Abel
Noé/ Abraham e Isaac
Moisés/
David y Goliat/Salomón y la reina de Saba
Donatello (1386-1466)Pág. 344 Está considerado como el escultor más importante
del Quattrocento. Las características de su escultura vienen
determinadas por un fuerte realismo, el naturalismo y una gran fuerza expresiva y emocional.
Consiguió un perfecto dominio de la anatomía humana, que le permitió representar al ser humano en todas sus etapas.
Sus esculturas más importantes son el David, el San Jorge, el retrato del condottiero Gattamelata, y el profeta Habacuc.
El David
Autor: Donatello Cronología: hacia 1444 -1446 Escultura de bulto redondo realizada en
bronce. Representa a un joven desnudo, solo lleva
unas calzas y un sombrero. Apoyado sobre su pierna derecha, descansa
su pie izquierdo en la cabeza del vencido gigante Goliat.
La postura nos recuerda la curva praxiteliana.
Está dotada de armonía y equilibrio. Belleza andrógina, sensualidad y expresión
de serenidad en el rostro. Primer desnudo tridimensional de tamaño
real desde la Antigüedad. Fue un encargo de Cosme de Medici para
colocar en el patio de su palacio y simbolizar de este modo, la resistencia militar de Florencia frente a Milán.
El condottiero Gattamelata
Escultura ecuestre de Erasmo de Narni (condottiero Gattamelata), jefe del ejército de mercenarios al servicio de la ciudad de Venecia.
Realizada en bronce sobre pedestal de mármol.
Probable encargo de la familia tras su muerte.
Donatello tomó como modelo la estatua ecuestre de Marco Aurelio.
Destaca la monumentalidad, el estudio de la perspectiva y el naturalismo tanto del caballo como del jinete.
El condottiero lleva una armadura ricamente decorada como símbolo de poder (recordad los retratos de los emperadores romanos).
El caballo levanta una de sus patas y la apoya sobre una bola para mantenerse en equilibrio.
PINTURA
EL TRECENTO FLORENTINO: GIOTTO (pág. 322-323) Los antecedentes de la pintura renacentistas hay
que buscarlos en el Trecento florentino. Rompe con la tradición gótica y busca la belleza
naturalista y el juego de volúmenes. Giotto es el pintor más representativo de esta
escuela.
Ejercicio: Los precedentes. El substrato italiano: Giotto (pág. 322-323)
En la pintura del Quattrocento encontramos las siguientes características: Naturalismo, interesado en captar al ser humano
en su ambiente, y realismo. Mayor libertad respecto a los rígidos esquemas
góticos. Gran interés por el estudio de la anatomía
humana. Uso de las leyes de la perspectiva, tratando de
conseguir mayor profundidad del espacio gracias a la creación de un punto de fuga.
Importancia del dibujo como delimitador de las formas.
El empleo de la luz para definir planos y unificar el ambiente.
Se sigue utilizando la tabla como soporte y la técnica del temple. En la segunda mitad del siglo XV, se introduce el óleo sobre lienzo.
La temática sigue siendo religiosa en los frescos de los templos, pero encontramos también temas mitológicos o alegóricos. Se introduce el retrato.
Los principales pintores del Quattrocento son Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca y Botticelli.
Masaccio (1401-1428)
Considerado como el iniciador de la pintura renacentista del Quattrocento.
Lo que más lo caracteriza es el gran dominio del espacio, de la perspectiva y la proporción
Sus obras más importantes son: Frescos de la iglesia de Santa María Novella Frescos de la capilla Brancacci. (pág. 347)
El Tributo (capilla Brancacci) Pág. 347
Expulsión de Adán y Eva del Paraíso. Frescos de la capilla Brancacci (hacia 1425), iglesia de Santa María
del Carmine, Florencia.
Frescos de la iglesia de Santa María Novella.
Frescos de la capilla Brancacci.
Fra AngelicoSu obra muestra una ambivalencia estilística. Por un lado, mantiene aún la tradición gótica, por otro, estudió las obras de Masaccio e introdujo en sus temas la perspectiva y los elementos arquitectónicos.
•Con ello nos da la idea de un artista que supo captar las corrientes antiguas y nuevas y adaptarlas a su lenguaje personal.
•Probablemente, su obra más representativa sea la Anunciación.
Piero della Francesca
Al estar apartado de la capital del arte de aquella época, su estilo se hizo muy personal.
Las formas geométricas y la solemnidad de sus escenas marcarán el tono majestuoso de sus pinturas, sin dejar de lado las composiciones en perspectiva.
Utiliza una luz diáfana que crea luces y sombras que definen las figuras.
Sus obras más destacadas son la Flagelación de Cristo y el famoso díptico con los retratos de los duques de Urbino.
Flagelación de Cristo Díptico con los retratos de los duques de Urbino
Sandro Botticelli (1445-1510) Se le considera el pintor que marca el final
del Quattrocento y el inicio del Cinquecento, tanto por su estilo como por las formas.
Fue un gran admirador de la belleza femenina.
Su técnica destaca por la calidad del dibujo, de trazos curvilíneos, y por la sensación de gracia y armonía que transmite.
Fue el primer pintor renacentista en tratar temas mitológicos, siguiendo para ello las narraciones clásicas.
En sus obras el paisaje tendrá un papel importante, y lo trata con gran detalle.
Entre sus obras destacas se encuentran: El nacimiento de Venus (pág. 349) La primavera (pág. 350)
El nacimiento de Venus (hacia 1485),Galería de los Uffizi, Florencia. Botticelli.
La primavera (hacia 1482),Galería de los Uffizi, Florencia. Botticelli.
EL CINQUECENTO Siglo XVI
El arte se valora como una expresión de la belleza, que pasa a ser considerada como algo inaccesible.
Es el período más conocido del arte italiano, cuando surgen artistas elevados a la categoría de genios, como Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel o Tiziano.
El foco artístico se desplaza desde a Roma, gracias al mecenazgo de los papas Julio II y León X.
ARQUITECTURA La Roma medieval se transforma en una
ciudad nueva donde los mejores artistas del momento realizan sus mejores proyectos.
La arquitectura se caracteriza por el racionalismo de las formas, que buscan el equilibrio y la armonía de las proporciones.
La decoración de detalle va a tener un carácter secundario y se apuesta por los efectos monumentales.
El arquitecto más importante es Bramante
Bramante (1444-1514) Bramante está considerado como un
auténtico erudito. Escribió tratados sobre arquitectura y la proporción perfecta de los cuerpos.
Fue un estudioso de las ruinas grecorromanas, y en sus obras prima el carácter estructural y la monumentalidad.
En Roma realizó su obra más importante, el templete de San Pietro in Montorio.
San Pietro in Montorio
Fue construido en el lugar que, según la tradición, murió crucificado San Pedro.
Se hizo por encargo de Los Reyes Católicos.
Edificio elegante que aúna la tradición clásica y la modernidad del cinquecento.
Templo de planta circular, períptero (columnas toscanas).
Se alza sobre un basamento escalonado Friso decorado con triglifos y metopas. Cubierto con cúpula semiesférica rematada
por una linterna. El edificio está inscrito en un claustro
rectangular, pero en el proyecto original el patio sería circular.
Palladio (1508-1580)Fue un estudioso de la Antigüedad clásica, asimilando
los conceptos y adaptándolos a su lenguaje arquitectónico.
En 1570 escribió Los cuatro libros de la arquitectura, cuya influencia posterior será fundamental para la historia de la arquitectura.
Construyó edificios de carácter religioso y civil. Entre los primeros podemos citar como ejemplo la iglesia de Il Redentore, en Venecia.
Entre los edificios civiles destacan la villa Capra o villa Rotonda y el Teatro Olímpico, ambos en Vicenza.
PINTURA Las características de la pintura del
Cinquecento italiano son: La preocupación por el movimiento y la luz. Este
hecho da lugar a un mayor estudio de las sombras.
Composiciones sencillas que se resuelven en una escena, generalmente de esquemas triangulares.
Abandono progresivo de los contornos muy definidos de las figuras.
Pervive la búsqueda de la belleza ideal y se mantiene el orden, la simetría, el equilibrio y la serenidad en las obras.
Leonardo da Vinci (1452-1519) Para Leonardo la pintura es una actividad
intelectual destinada a reproducir la realidad. El artista debe plasmar la realidad fielmente
por medio del estudio del ser humano y de la naturaleza que le rodea.
El estudio de la naturaleza lo llevó a investigar sobre la luz, una de sus grandes preocupaciones.
Empleó la técnica del sfumato basada en la difuminación de las formas y de los colores envolviéndolo todo en una neblina.
Analiza la figura humana y la representa en innumerables escorzos, demostrando su capacidad para el dibujo.
Entre sus obras más destacables cabe señalar: La Virgen de las rocas La Gioconda La última Cena Santa Ana, la Virgen y el Niño La Dama del armiño
La virgen de las rocas
Última cena
Cronología: fines s. XV (1495) Localización: Refectorio de Santa María delle
Grazie (Milán) Técnica: No es un fresco tradicional, sino un
mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de yeso extendidas sobre el enlucido.
Fue un encargo de la familia Sforza. Tema: Representa el momento en que Cristo
anuncia a sus apóstoles la traición de Judas. La angustia se refleja en los rostros de los
apóstoles, reunidos en grupos de tres alrededor de la figura de Cristo.
La luz suave y clara, procede de dos ángulos distintos. Izquierda: refleja en el muro derecho y los
personajes Fondo: entra por los ventanales fingidos y lleva la
mirada al infinito. Uso de la perspectiva: el punto de fuga
coincide con la cabeza de Cristo y el ventanal del fondo.
La GiocondaPág. 361
Cronología: siglo XVI (1506) Localización: Museo del Louvre (París) Técnica: óleo sobre tabla Tema: un retrato que no se sabe a ciencia
cierta a quien representa. Se cree que es Monna Lisa, la esposa de un rico comerciante.
La dama retratada aparece sentada en un sillón delante de un paisaje montañoso, casi onírico.
Destacan el rostro y las manos.
Se trabajan con mimo los detalles: Un fino velo cubre el pelo de la dama Es escote del vestido está decorado con
bordados de oro y las mangas brilla de forma natural.
Destaca el minucioso modelado de las manos. La expresión del rostro y su famosa sonrisa.
Destaca el sfumato y el tratamiento de la luz a través del claroscuro, lo que da a la composición mayor misterio.
La dama del armiño
Rafael (1483-1520) En 1504 viajó a
Florencia, donde aprendió de Leonardo y Miguel Ángel.
Es la época en la que pinta obras tan importantes y reconocidas como Los Desposorios de la Virgen.
Su fama llegó a Roma, y en 1508 el papa Julio II lo llamó para participar en la decoración de las estancias del Vaticano.
En los muros desarrolló todo un programa humanista pintando: La Disputa del Sacramento La Escuela de Atenas Las Virtudes El Parnaso
En Roma también trabajó en las obras de la basílica de San Pedro sustituyendo a Bramante
La Escuela de Atenas. Pág.407
Cronología: s. XVI (1510) Localización: Vaticano Técnica: pintura al fresco Tema: alegoría que representa la rama de la
filosofía que se ocupa de las ciencias terrenales.
Destaca el espacio arquitectónico representado en la composición, muy del estilo de Bramante y un claro homenaje a la arquitectura clásica.
La escuela veneciana: Tiziano (1489-1576) En Venecia se desarrolló un estilo pictórico
muy particular, donde predomina el color frente a la línea.
Se le da una especial importancia al paisaje, al igual que se le rinde culto al lujo y la riqueza.
Es una pintura armoniosa, donde la luz y el color se funden e integran perfectamente.
Entre sus obras destacamos: La Venus de Urbino El hombre del guante Danae
La Venus de Urbino (pág. 389)
MIGUEL ÁNGEL: arquitecto, escultor y pintor. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) Comienza sus estudios en Florencia, en el
taller de Ghirlandaio. Viajó por numerosas ciudades italianas lo
que le permitió conocer obras y artistas, así como completar su formación clásica.
Mecenas: familia Medici y los papas Julio II y León X.
ARQUITECTO Sus edificios mantienen el sistema de
proporciones clásicas, aunque adaptadas a su particular lenguaje expresivo.
Obras: Cúpula de San Pedro del Vaticano Escalera de la biblioteca Laurenciana
Cúpula San Pedro Vaticano Levantada sobre un tambor
con columnas pareadas, donde alternan ventanales con frontones curvos y triangulares.
Tiene doble casquete (como en Florencia)
Se remata con una linterna.
ESCULTOR (mirar por el libro)
Piedad del Vaticano David Moisés Piedad Rondanini
PINTOR Hacia 1503 realiza el Tondo Doni, su
primera pintura. En ella quiso plasmar la unión del mundo cristiano y el pagano.
En 1508 recibe el encargo de pintar la Capilla Sixtina.
Maestro del dibujo. Destacan las figuras escultóricas, musculosas, monumentales dinámicas y expresivas.
Utiliza colores brillantes, en su primera época. Colores más apagados hacia la madurez.
Tondo Doni Galería de los Uffizi
(Florencia) Presenta a la Sagrada
Familia dispuestos en una composición triangular inscrita en un círculo.
Al fondo personajes desnudos sobre un paisaje natural.
Capilla Sixtina (pág. 378)
Cronología: 1508-1512 Técnica: fresco Localización: capilla Sixtina (Vatiacano) Bóveda: Simuló 10 arcos fajones para dividir
la bóveda en nueve tramos. Dos falsas cornisas parten los tramos en tres
registros. Narran nueve escenas del Antiguo
Testamento:
Separación de la luz y las tinieblas. La creación de los astros La separación de las tierras y las aguas La creación de Adán La creación de Eva El pecado original y la expulsión del Paraíso El sacrificio de Noé El diluvio universal y la embriaguez de Noé.
Creación de los astros
Creación de Adán
Creación de Eva
Pecado original
Diluvio universal
En las esquinas están sentados los ingnudis (muchachos desnudos que sostienen medallones con escenas del Antiguo Testamento)
En los lunetos y en los tímpanos de los laterales se localizan los antepasados de Jesús.
En los tímpanos se alternan las sibilas y los profetas
Concepción escultórica de la pintura Desarrollo del estudio de la anatomía
humana (múltiples desnudos en variadas posiciones)
Colores verde y violeta (colores litúrgicos) predominan sobre el resto.
Las figuras aumentan de tamaño al acercarse al altar.
Juicio final
Localizado en el testero del altar. El eje central es la figura de Cristo Juez A su lado: la Virgen y los santos Torbellino de figuras que ascienden hacia el
cielo o descienden al infierno. En el cuerpo inferior representa la
resurreción y el traslado de los condenados en la barca de Caronte.
Figuras monumentales, de escorzos más o menos violentos, patéticas.
La obra es en muchos aspectos precursora del Barroco.
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