RESUMEN CONTEXTO 1924 – Annus mirabilisSINOPSIS:

El modelo de artista de esos años requería del ineludible “Viaje a Europa”, que no era otra cosa que un viaje a la pintura. Esa tradición se había impuesto en estas pampas con la generación liberal del ’80 y era el camino apropiado para completar la formación. En 1924, desde el puerto de Hamburgo, Emilio Pettoruti y Xul Solar, zarpaban de regreso a la Argentina a bordo del mismo barco. Hijos de la inmigración, intervienen en el decurso del arte del siglo XX, introduciendo un nuevo estilo de pintura que rompió con los modelos clásicos y académicos existentes hasta entonces.

VIDEO: “ los años 20, la emergencia del debate moderno”

Buenos aires 1924. Cuadro de Alfredo Guido, este cuadro se encuentra dentro de la corriente que pretende instaurar un sentimiento de nación dentro de la pintura. Representan rasgos de la identidad nacional a partir de paisajes, animales y desnudos. La obra de Guido recibe un premio

PETORUTTI

Joven artista argentino que estudio en Europa. Realiza su primera muestra en una galería. 82 cuadros de vanguardia, circulan por salones y galerías. Sus obras se suman a la propuesta del diario (Martin Fierro) de arte y critica libre.

Petorutti viaja a Paris (viajar a Europa era muy importante). En 1913 recibe una beca para ir a Europa que estaba al borde de la primera guerra mundial. Se instala en Florencia, Italia. Son los años en que Picasso desarrolla el CUBISMO en Paris. Ahí un cambio de posición del artista y se empieza a incluir la geometría, la fragmentación de las imágenes y planos y el collage. Esto discute la tradición plástica del renacimiento.

El CUBISMO propone la simultaneidad de puntos de vista. Petorutti también va a relacionarse con la vanguardia Italina; el FUTURISMO que discute la función del arte en la vida moderna, los objetivos de la representación y etc. ellos plantean la velocidad. Su símbolo es el automóvil. Los temas preferidos son la dinámica humana y las figuras en movimiento (pastos de Petorutti).

Petorutti buscana el arte tradicional pero se toma con el arte moderno. Sus primeros trabajos se basan en el futurismo. El busca un equilibrio entre lo clásico y lo moderno. Tiene una gran búsqueda técnica como estilística. Collages, carton, etc.

Imagen Petorutti “el cifon o lacerva”. Es una cuadro de collage sobre carton. Tiene recortes del periódico futurista “lacerva” y una postal de Florencia y un sifón, una botella y una copa. La forma de representación remite a la bidimensionalidad y a la representación de los planos, puestos en el juego en el futurismo y en el cubismo. Ver ampliación.

Los futuristas representan el movimiento recogiendo en una sola pintura las sucesivas posiciones que adquiere el objeto en las fracciones de tiempo empleadas en la acción.

Petorutti en cambio representa las sanciones y emociones que suscita el movimiento y que se pueden percibir con otro sentido. Por ejemplo: el viento, el sonido, las fuerzas centrípetas y centrifugas. Podemos ver el viento? No y como o representamos? Para Petorutti la idea del movimiento es abstracta y por eso la interpreta con elementos abstractos.

Petorutti tiene una obsesión por figuración de emociones y sensaciones. Esto se aplica a varias de sus obras.

En muchos cuadros muestra la luz. La luz adquiere el contorno de una forma geométrica, es una superficie material con valor autónomo. (“mi florero” cuadro). Hace el sol hecho materia, muchas veces hace entrar el sol por la ventana y no pinta.

Florencia, Italia, 1916, a dos años de la WW1. Petorutti conoce a Xul Solar.

XUL SOLAR

Nace en la argentina en 1897. Divide su vocación entre la pintura y la música. En 1912 viaja a Europa (25 anios). Estudia e investiga la astrología, la cabala y el igin. Se muda con Petorutti a Milán

1920 Xul Solar expone en Milan. El desarrolla un nuevo lenguaje “neocriollo (mezcla de español y el portugués)”. Incropora palabras y signos en ese idioma en sus obras.

Imagen Xul Solar “drago” repasa la historia de las religiones precolombinas, construye una simbología que combina una serpiente emplumada y las mascaras indígenas con la cábala y la astrología.

Crea la idea de una identidad latinoamericana común: la unificación de América latina sobre bases espirituales (bandera de colores)

Petorutti “retrado de Xul Solar ” 1920: la obra se centra en la cabeza, organiza todo en una estructura geométrica. La cabeza amarilla en el centro del relato sugiere una gran potencia mental e imaginativa. Hay una postura totémica.

XUL SOLAR Y PETORUTTI

1924 después de 10 años en Europa, los dos vuelven a Argentina, hay muchos cambios culturales que se advierten en las actividades argentinas. Hay tranvías. Buenos aires atraviesa una etapa de cambios, la cuidad asiste a un proceso acelerado de modernización. Es una metrópolis cultural. El espacio artístico en formación aparece con fuerza y se intensifica.

Características del arte nacional: como dar identidad al arte nacional (surge esta cuestión). Representación del paisaje rural, sus habitantes y costumbres.

FADER

El logra captar lo nacional a partir de una estética tradicional. Su pintura mantiene lasos con el pasado (tiene algunos dejos del impresionismo del siglo 19).

En estos años esta rondando la cuestión del arte nacional, el cual debe convivir con el arte moderno. Petorutti vuelve a Europa y en 1924 expone en Argentina con otros artistas del Martin Fierro, entre ellos Xul Solar. Esta exposición tuvo mucho impacto. Le parece un delito la pintura de Petorutti. El dice que es una nueva concepción del arte. Acá se instaura una nocion: ya no se trata de pintar de otro modo sino que de VER de otro modo.

LA DECADA DE LOS 20

Comienzo de la vanguardia. 1924 momento clave. Periodo en el que emerge el debate por el arte moderno. La polémica junto a la de la construcción de una identidad nacional reaparece a lo largo del siglo 20. Como se integra la herencia europea con la demanda del arte nacional y el arte moderno. El arte tradicional propone el paisaje y las escenas de genero. El arte nuevo plantea la discusión a partir de otros recursos o los ARTISTAS DEL PUEBLO.

ARTISTAS DEL PUEBLO

Están ligados a publicaciones de izquierda (como la revista Claridad). Ellos ensayan un arte que promueve el cambio social. Xul Solar expone en el Salón Libre en 1924. La critica local lo destaca por su arte inclasificable. El quiere integrar el pasado en la construcción de un futuro. en sus obras hay maquinas voladores, reptiles con plumas, ciudades aéreas y arquitecturas geométricas construidas por planos superpuestos. Mezcla lo ancestral con lo moderno. Crea paisaje urbano con perspectivas orgánicas.

Lo nuevo invade el espacio público y la cultura.

LOS NUEVOS ARTISTAS o ARTISTAS DE PARIS

- Spilibergo- Berni- Forner - Etc

Viajan a Europa y desde ahí envían sus obras a salones porteños. Proponen la vuelta al orden y una nueva objetividad. Valores plásticos, etc. junto a los muchachos de Paris, LOS PINTORES DE LA BOCA (Cunsolo y Lacamera) hacen su aporte a los nuevos modos de figuración.

1927 Petorutti asume como director del museo de bellas artes de la plata el cual después es un espacio de la consagración del arte nuevo. Spilingergo, Del Prete, Cunsolo y Forner exponen ahí. Lo convierten en un museo de arte moderno.

1920Finales del 20 hasta mediados del 40 la situación socio política nacional y internacional se convierte en un tema excluyente. Los artistas son impulsados a comprometerse con una realidad conflictiva. Para muchos de ellos el arte y la política se dan como practicas inseparables.Como se produce ese vinculo entre arte y política? Cuales son las estrategias? Cuales son las nuevas corrientes artísticas que alimentan esa postura combativa? 1930-1945 ENTRE LA POLÍTICA Y LO SURREALEn la argentina de los años 30 se asiste a un proceso de afirmación del arte nuevo. Las corriente artísticas de renovación que emergieron en los anos anteriores participan en las exposiciones y comienzan a integrar el patrimonio de los nuevos museos que se forman en ciudades como La plata, Córdoba, Rosario y Buenos Aires. El impacto de la modernidad artística en buenos aires genera un movimiento de características propias y contribuye al desarrollo de lo que se a

definido como cultura de mezcla una combinación de elementos de distinta procedencia dentro de un capo cultural activo y altamente receptivo a otras propuestas.Aspectos de la nueva tradición plástica construida a partir de una combinación peculiar de elementos tradicionales y extranjeros.

- Tradición- Naturaleza muerta

Emilio Petorutti jurado del salón del cincuentenario de La Plata.El arte nuevo alcanza su primer momento de consagración y reproduce una imagen ligada a los realismos de entre guerras que sirve de inspiración para las obras de los artistas mas jóvenes que recién inician sus carreras.Hacia los años 30 la política se convierte en el motor de la vida intelectual. En el ámbito internacional las consecuencias de la primera guerra mundial, de la crisis económica del 29 y del avance del fascismo crean un clima marcado por las tensiones y las luchas sociales. Estas nuevas condiciones impulsan aristas e intelectuales a comprometerse con la realidad. Hay un fuerte movimiento en defensa de la libertad y en contra del fascismo encarnado en figuras como Mussolini franco y Hitler.El 6 de septiembre de 1930 el general Uriburu derroca el gobierno democrático de Hipólito Irigoyen. Es el primer golpe de estado de la argentina.Los jóvenes artistas regresan al país luego de la experiencia europea. Entre ellos Spilimbergo, Raquel Forner, Antonio Berni y Juan del Prete.Hacia la década del 30 y en el marco de un debate estético político surge en las nueva propuestas platicas una tensión evidente entre los realismos y lo surreal. Entre este nuevo grupo de artistas comienzan a destacarse algunas figuras que retoman la tradición moderna y participan de los debates estíticos y políticos. ANTONIO BERNINace en rosario en 1905. Con 20 anos viaja a Europa para estudiar. En parís se contacta con artistas y escritores surrealistas como Aragon, Dali y buñuel. Conoce la obra de De Chirico, pintor italiano quien desarrolla la pintura metafísica. Tanto el surrealismo como la figuración metafísica de De Chirico se funde de manera singular en la obra de Berni.El surrealismo es unos de los movimientos de vanguardia mas importantes del 20. Surge en 1924 cuando el poeta Breton escribe y publica el manifiesto surrealista firmado por una serie de artistas adherentes. Según el manifiesto el surrealismo es automatismo psíquico puro por cuoy medio se itnenta expresar verbalmente por escrito o de cualquier otro modo el funcionamiento real del pensamiento. Es un dicta del pensamiento sin la intervecion reguladora de la razón. Aheno a toda preocupación estética o moral. El azar,los sueños y el juego, automiatismo son todos recursos utilizados pro el surrealismo como alternativa frente a una razón peusta en crisis por la primera guerra mundial, los problemas financieron internacionales y la emergencia de los totalitarismo.Antonio Berni. En 1932 Berni regresa a buenos aires y expone los trabajos realizados en clave surreal en la asocioacion amigos del arte. La muerte acecha en cada esquina – Antonio BerniPlantea su apropiación de la estética surrealista. En un espacio plástico de lo símil se encuentran fragmentos de realidades diversas. Ay una fuerte alteración de tamaños y proporciones que trasgreden lo real. Esta disposición de los objetos esta relacionada con una de las frases emblemáticas de el movimiento surrealista: bello como el encuentro fortuito en una mesa de diseccion de una maquina de cocer y un paraguas. La frase corresponde al poeta urugayo Isidoro Ducasi conde de Lautreamont, venerado por Breton.Obras de Berni sobre el surrealismo son trabajos gobernados por pasión aleatoria de elementos instalados en un espacio ausente metafísico. Susana y el viejo – Antonio BerniUtiliza una técnica nueva el collage. El hombre que espia esta realizado con una fotografía de una cara anónima típica de la época y en la que se destaca cierto gesto morboso. Manifestación – Antonio Berni

Poco a poco el movimiento surrealista se va involucrando con la problemática política y social. Da un giro hacia el compromiso revolucionario. Berni refleja en sus cuadros la realidad nacional. La desocupación, el movimiento obrero y los rectores populares son las nuevas representaciones temáticas en su obra. Explora una realidad que finalmente lo invade. Su actividad fotográfica en colaboración con el periodista Rodolfo Purigros se convierte en una fuente de inspiración para los personajes de varias de sus obras como Manifestación, Desocupados y Chacareros. Las tres obras tiene en común el tratamiento sintético y monumental de las figuras. Los materiales y l modo de representación elegidos refuerzan el significado de las imágenes. Son obras que reclaman la jerarquía del mural. Se cruzan en ella la pintura metafísica y la tradición del muralismo del pasado renacentista. Este giro de Berni hacia una pintura social esta marcado por un encuentro que impacto notoriamente en su carrera. En 1933 Siqueros llega a buenos aires el muralista mexicano David Alfaros Siquerios. Su presencia provoca aun gran debate en el ámbito artístico y político. Siquerios postula la necesidad de modificar las condiciones de producción y recepción de las obras de arte para contribuir con ellas al cambio social. Después de elogiar a unos pocos artistas del salón nacional en 1933 realiza una critica radical del sistema artístico. Dice: “El salón muestra el vacío infinito que aparece cuando falta la convicción social de la obra plástica. Par ala inmensa mayoría de los compañeros opositores anda parece significar la existencia de 200 millones de desocupados hambrientos en el mundo entero.”Berni redefine su propuesta y anuncia con sus grandes pinturas y luego en la revista forma un nuevo realismo. Dice “el nuevo realismo no es un simple retorica o declamación sin fondo ni objetividad, Es un espejo sugestivos de la gran realidad espiritual social política y económica de nuestro siglo”. Berni propone un camino diferente de aquel que glorifica la revolución. Busca que su obra participe del debate social y promueva el cambio. No quiere ofrecer modelos sino mostrar una perspectiva cítrica de la realidad en la que se vive. SPILIMBERGOEn 1933 a los 37 anos recibe el premio nacional de pintura. En una entrevista del diario critica el artista se refiere al trabajo mural de la quinta de Botana como una de sus experiencias decisivas. Desarrolla un recorrido en donde la síntesis plástica y una arte vinculado con los social ocupan un espacio protagónico. Expresa los oscuros perfiles de la experiencia vital de la época. Figuras en la terraza – SpilimbergoExplora la perspectiva y la ubicación de personajes en el espacio.. logra nueva formulaciones en tradición con la pintura italiana de la década de los 20. En esta producciones se ve con claridad la recuperación de los valores plásticos proclamados por los artistas de la época y sintetizados por la obra de Cunzolo, tradición. A fines de los anos 30 sin abandonar las obras monumental, Spilimbero profundiza en temas vinculados con la ciudad y la vida de sus habitantes. En la breve historia de la vida de Emma busca un sentido humano. Explora a través de este personaje los costados sórdidos y oscuros de la metrópolis moderna. Las obras de spilimbergo sostenían la tensión esntre la estética contemporánea y un arte involucrado en una dminesion social RAQUEL FORNEREn los anos 30 su obra va desde la obra metafísica de De Chirico hasta el surrealismo en el uso de realidad fragmentadas, superposición de escenas y la presencia de elementos superpuestos. Todo esto atravesado por su compromiso político. “necesito que mi pintura sea un eco dramático del momento que vivo”. Presagio – FornerPrefigura el desmoronamiento del occidente con la imagen del volcán Vesubio a punto de estallar. Tres personajes feminismo en primer plano repiten el motivo de ni ver ni oír ni hablar. Exhibe simbólicamente el equilibrio estable después de la primera guerra mundial y de la crisis de 29. Pro esos anos la realidad internación invade su horizonte mental. La guerra civil española primero y mas tarde la segunda guerra mundial. Mujeres en el mundo - FornerRealizadas después de la guerra civil española. Están atravesadas por lo patético. Un ambiente trágico y violento desgarra a los personajes. Atmosferas sombrías humeantes muestran el estado del mundo después de un bombardeo.

La imagen de la mujer aparece siempre como prenda de la continuidad frente al desgarro del mundo. En las obras de este periodo el colo cede lugar a los contrates. La intensidad dramática de las figuras esta dad por rostros, calaveras, cuerpo cubiertos por carnaciones, cortezas o paños pergaminos situados en confusos espacio ensombrecidos por la atmosfera posterior a una explosión. En la década de los 30 el debate por el arte moderno se politiza. El avance del fascismo y de la revolución socialista no deja espacio para los matices. En el debate artístico esto se traduce en una demanda. El arte no puede quedar fuera de la conflictividad social contemporánea. Las voces de los artistas e intelectuales comprometidos llaman a la acción. Uno de ellos dice, el que no pone su inteligencia, su arte, es decir lo mejor que tiene al servicio de la revolución, lo pone por ese hecho al servicio de la burguesía o lo que es lo mismo al servicio de la injustica social. No hay términos medios. Mientras medio mundo se lanza sobre otro medio en actitud de lucha la imparcialidad no es posible ni justificable.

ARTE ABSTRACTO – CONCRETOArtistas de los años 40 quieren crear obras alejadas de la representación figurativa. En argentina se lleva a cabo la abstracción

ABSTRACCION

Denomina la ausencia de figuración. Se concentran en elementos plásticos: color – línea – plano y ESPACIO. Se trata de una imagen objetiva lograda a partir de la geometría y procedimientos matemáticas. Desparece la pincelada subjetiva del artista. Rechazan la base natural de la pintura tradicional que incluye a la perspectiva.

Antecedentes del arte abstracto: finales del siglo 19 (Paul Cezanne) instala la cuestión clave para el arte moderno: no interesa que pintar sino COMO pintar. Investiga materiales y procedimientos de la pintura. Las manifestaciones abstractas surgen en distintas partes a partir de la década del 10.

1) CUBISMO 1910 Picasso, revolución del panorama artístico de la época. Desarrolla el Cubismo en Paris. Incluye la geometrizacion, la técnica del collage, y proponen la simultaneidad de puntos de vista. Expanden estas ideas a otros movimientos

2) CONSTRUCTIVISMO RUSO 1920 las formas geométricas adquieren protagonismo. Malevich, Tatli y otros artistas. 3) Años 30 de Paris

a. SURREALISMO (recursos: azar, juego, sueños y el automatismo síquico). Creo el manifiesto fue Breton. Dice que es ajeno a la razón, el pensamiento, y preocupaciones estéticas/morales tampoco hay.

b. ABSTRACION también aparecen las figuras geométricas. Primeros artistas: Piet Mondrian, y Joauin Torres García (grupo con propuestas no figurativas: Cercle & Carre) querían humanizar la geometría y geometrizar lo humano.

Buenos aires años 40 Torres García es un Referente. 1944. Arte abstracto en argentina, lanzan el UNICO numero de “Arturo” (revista de arte abstracto). Sostiene la idea de invención en oposición al automatismo del surrealismo. Querían romper con la pintura tradicional.

EL MARCO: texto clave que dice que la respuesta de todo está en el marco (la respuesta de los problemas de romper con el arte tradicional). Es necesario el marco en ángulos rectos. Romper con el concepto de ventana abierta al mundo, propia de los cuadros naturalistas. El borde de la tela debe jugar un papel activo en la creación plástica.

1945 Perón (primera presidencia). Las relaciones entre arte abstracto y peronismo no son fáciles en la década del 40. Las diferencias estéticas entre los miembros de la revista Arturo gefnera una ruptura entre ellos. Como consecuencia sruge el grupo madi y la asociación arte concreto invención.

ARTE MADI- Quin - Rothfuss (EL MARCO)- Kosice

El origen del término madi y sus características. Kosice se adjudica la creación del nombre. Otras versiones dicen que el termino es una sigla de cuatros conceptos artísticos básicos (movimientos – abstracción – dimensión – invención).

1946 Grupo Madi Primera exposición: exhiben marcos recortados y esculturas articuladas.

El proyecto madi pretende extenderse a todas las artes: música, danzas, literatura y arquitenctura. Exhalta la transformación y el movimiento.

El gurpo Madi INVOLUCRA AL PUBLICO

Escultura Kosice “Royi” 1944 . Escultura transformable. Inspirada en los juguetes articulados. Tienen módulos de madera que insita al publico a modificar sus posiciones.

1947 el grupo se divide: unos siguen a Kosice y otros en Paris siguen a Quin.

ASOCIACIÓN ARTE CONCRETO INVENCIÓN

- Maldonado- Prati- Bayley

Mediados de los años 40 buscan transformar la vida del arte moderno extendiendo las manifestaciones plásticas a la arquitectura y el diseño. Su objetivo es lograr una reconciliación entre los seres humanos y su entorno.

1946 primera exposición. Manifiesto “invensionista”: causas no figurativas, diferencian ARTE ABSTRACTO, DE ARTE CONCETRO. Marcan una distancia entre abstraer rasgos del mundo real y concentrarse en los elementos plásticos (característica del arte concreto). Al igual que el grupo Madi trabajan con el marco recortado.

En la obra de Tomas Maldonado, el marco recortado se propone como una recuperación y superación de la obra del constructivismo ruso (era un cuadrado negro sobre uno rojo). En el caso de Maldonado ubica a dos cuadrados, uno negro y otro rojo en una superficie blanca.

Los elementos del cuadro se dispone en un mismo plano e incluyen el espacio en la obra como parte de la composición. Y las sombras también lo son.

La asociación arte concreto e invención también se fragmenta. Unos de sus miembros (Raul Lozza) crea el perseptismo.

PERSEPTISMO

1947 el movimiento es creado por Lozza. Se transponen al mundo del arte características de la física. Lozza presenta la relación pintura – ciencia. Los preceptistas tienen en cuenta el CONTEXTO DONDE SE INSTALA LA OBRA (elemento ignorada hasta este entonces). Los tonos cambiantes de la pared condicionan el color y la forma de los objetos. Controla

las relaciones entre la estructura y el soporte. Su pintura, no es un arte de museo, sino que debe acompañar al hombre en el hogar, las oficinas, y las calles.

Recrudecimiento de la Guerra Fría el partido comunista internacional adhiere con fuerza a una estética realista. Los artistas concretos quedan fuera del partido (no son realistas). En el ámbito local tampoco los quieren. Fines de los 40 formulas culturales del peronismo destinadas a los sectores populares fijan una marcada tensión entre peronismo y artes abstractas.

1949 Inauguración del salón nacional de artes plásticas.

Década del 50 la abstracción se instala en el panorama latinoamericano (argentina, Brasil, etc). Muchos artistas encuentran en este movimiento elementos de expresión. La crítica de arte y las instituciones gubernamentales apoyan esta causa. Se realizan exposiciones, asociaciones, libros y catálogos. Varios artistas de la generación anterior como Petorutti se vuelvan a las artes abstractas. (serie abstracta de Petorutti).

El arte abstracto se constituye asi en EL ESTILO MODERNO DE LOS AÑOS 50.

Pop ArtDurante la década de los 60 las vanguardias artísticas pretenden superar las fronteras que separan lo culto de lo popular. Buscan fusionar el arte con la vida. En la argentina de esos anos surge la nueva figuración y el pop art. Entre los protagonistas de esta renoviacion artística se encuentran Jorge de la Vega, etc. Los anos 60 están embarcados por 2 hechos fundamentales el triunfo de la revolución cubana y la incursión norteamericana en Vietnam.Ante la amenaza del avance sobre el socialismo en america latina, estados unidos responde a la revolución cubana con la alianza por el progreso, un plan para impulsar políticas desarrollistas promocionando la ciencia y la tecnología. En argentina el optimismo desarrollista acompaña los primeros anos de la presidencia de Arturo Frondizi. Su gobierno apuesta a la educación universitaria, para lograr la modernización científica y tecnológica. Frondizi convoca a los distintos sectores de la sociedad con el fin de constiruir un país moderno. Sin embargo no logra la conciliación necesaria para su éxito. En medio de conflcitos economcios y sociales las fuerzas armadas derrocan a Frondizi en 1962. Al año siguiente con el peronismo proscripto Arturo Ilia gana las elecciones y llega a la presidencia. En 1966 el proyecto modernizador finaliza brutalmente. Un golpe de estado instala la dictadura del general Ongania. Se intervienen las universidades nacionales y las fuerzas desalojan 5 facultades de la universidad de buenos aires. Este hecho conocido como la noche de los bastones largos provoca el exilio de numerosos científicos. Entre 1963 y 70 el desarrollo de las artes paslticas en Argneitna esta unido a unidades del centro de artes visuales del isnituto Di Tella. En su local de la calle florida se llevan a cabo las propuestas mas audases de la época de los 60. A través de las exposiciones y los premios nacionales e internacionales, el centro de asrtes visuales dirigido por el critico de arte Brest promueve la experimentación. Los jóvenes artistas renovadores encuentran allí su espacio de legitimación. El di tella estimula los contactos con otros centros internacionales ubicando a la Argentina en el mismo nivel que otras capitales artísticas. Desde comienzos de los años 60 las vanrguardias se radicalizan, cuestionan la idea de autonomía del arte, que lelvan a cabo la abstracción, una pintura que se basa en elementos palsticos, la línea, el color, las formas. El informalismo es la primera manfiestacion en contra de esta corriente estética. Se origina en la Francia de posguerra. Los informalistas opoenen las buenas formas y a los bellos colores de la abstracción, la ruda expresividad del gesto materia. Son obras producidas durante el rápido accionar de la mano sobre el soporte. En esas pinturas la materia

pictórica revela el contexto con el que fue trazada. En 1952 exposiciones presentan el informalismo en el campo artístico local. Todo conduce a la superación del soporte rectangular. Son chorriados y manchones que parecen no tener ninguna referencia figurativa. INTRODUCCION A LA ESPERANZA-NOE En 1963 Noe gana el premio nacional Di Tella con su obra introducción a la esperanza. La unidad se quiebra y el cuadro se desarrolla en varios soportes. En el de mayor tamaño rostros amontonados presentan una manfiestacion. En la parte superior parecen las pancartas de la multitud. Peron, la bandera de Boca y varias consignas: mujeres, mano limpia, porgreso. La división del plano se presneta como solución efizcaz para mostrar la opsocion entre dos mundos en conflicto a partir del ascenso del peronismo. Jorge de la vega comparte con Noe preocupaciones estéticas que lo llevan a superar el cuadro en su concepto tradicional pero no se interesa por la prblematica histórica o política. En 1963 comienza una serie de obras conocidas como “monstruos”. En1965 los nuevos figurativos exponen por ultima vez juntos en la galería Molino y luego cada uno emprende un viaje distinto. POP ART Se presneta como una actitud mas que como un movimiento. En el mundo anglosajon Pop Arte remite al termino arte opular empleado para referisse a las imágenes de la cultura urbana de masas: la publicidad, la televisión, el cine, las fotonovelas y los comics.En argnetina de America latina en cambio el popular se relaciona con pueblo, temrinos ligados a lo político, y alejados del mercado masivos del popular art.Muchos artistas latinoamericanos cargan el pop art de un sentido político poco presente en el modelo norteamericano. Un critico francés denomina “pop fardo” a lo que los argentinos llevan a cabo en los años 60. Marta Minujin, realiza instalaciones, la menesunda, y los happenings. Lleva el diseño de la moda al espacio del arte. Edgardo Gimenez, Nicolas Garcia Uriburu, Pablo Mesejian y Delia Cansela realizan obras pop mediante recursos grafios, realizando una iconografía juvenil que se inserta en los esquemas de las sociedad de consumo. Uno de los artistas mas representativos del pop art es Jorge De la Vega. Cuando llega a NY en 1965 el pop art esta en su apogeo. Ahí produce un giro en su obra de incorporar diversos elementos de esta nueva estética. Jorge de la vega abandona el collage, el oleo, los chorreados y las manchas. Adopta la pintura acrílica., el brillo, los colores y el carácter plano de este material acercan los efectos visuales a la publicidad y los trabajos mecánicos. En estas obras aparece una supuesta felicidad de los americanos. Es una nueva manera de ocuparse de la condición humana. De la vega muestra los lugares comunes de la cultura de masas, el consumismo, la publicidad. Son rostros sonrientes y felices de la juventud que dejan ver por debajo de ellos la presencia agazapada de los monstruos. Dos años después regresa a Bs As. A partir de 1968, se vuelca de lleno a su vocación como cantautor y compositor. Según el artista la canción, es un despertador de conciencias mas poderoso que la pintura. De la vega sostiene” quiero con mi música comunicarme con la gente que no va a las exposiciones, que no lee libros”. Rompecabezas- De la VegaRompecabezas es una obra plástica compuesta por 17 telas cuadradas de 1x1. Esas telas, las formas del juego, tienen formas abstractas y rostros humanos pintados con acrílico negro sobre fondos blancos. Rompecabezas pone en crisis la idea tradicional de obra de arte. Su configuración varia según la disposición que se elija para cada tela o pieza. El 26 de agosto de 1971, Jorge de la Vega muere repentinamente a los 41 años.

A fines de la década del 60 la revista primera plana titula “argentina la muerte de la pintura”. Esa muerte de la pintura es una consecuencia de las experiencias cada vez más radicales de los artistas de vanguardia que buscan fundir el arte con la vida y comprometerse con la realidad política y social del país. La dictadura de ognania ejercerá una ferria censura política y cultural que será la antesala de lo que ocurría años mas tarde en 1976 con la dictadura más oscura y sangrienta de la historia.

INSTITUTO DI TELLAAños 60, revolución artística de los jóvenes. Revolución del arte. Era un instituto muy libre. Es un proyecto familiar subvencionado por empresas extranjeras como Rockefeller.

El instituto fue creado para promover la investigación cultural. El área de artes visuales estaba dirigido por Drex. El Di Tella era sinónimo de vanguardia e institución. Fue un lugar de experimentación donde muchos jóvenes empezaron su carrera. Fue el encargado de impulsar el Pop-Art. El Di Tella acompaño el movimiento de la modernidad.

Hubieron muchos incidentes de censura y clausura de muestras en el Di Tella movimientos difíciles. Censura y crisis final.

Revolución final en el Di Tella dictadura de Ongania. En el mundo la situación tampoco ayudaba, la guerra de Vietnam hizo que muchas empresas extranjeras que subvencionaban el Ditella dejaran de hacerlo

Clausura una obra marco el fin: la obra del baño de Roberto Plate (simulacro de baño público, con las puertas de varón y mujer y la gente entraba y escribía frases en los baños), hubo una denuncia por un grafiti que decía “Ongania puto” y una denuncia para clausurar la obra. No se clausuro la muestra, solo se clausuro la obra de Plate y le pusieron policías en las puertas. La censura se convirtió en parte de la muestra. Todos los otros artistas, solidarios con Platte sacaron sus obras y las quemaron en una gran fogata.

El Di Tella cerró por que se quedo sin fondos, tenían poco financiamiento externo, y presiones de parte de la dictadura de Ongania para que cerrara el instituto, había hostilidad por el onganiato. Llego el fin para la revolución del arte.

ARTISTAS E IMÁGENESCOPPOLA

- Ver tutorial- Es fotógrafo. Fotografía buenos aires ya que ve a esta ciudad como el paradigma de lo moderno.

PETORUTTI

Es artista argentino, proveniente de la Ciudad de la Plata y estudio en la academia de Bellas Artes de este lugar. Ver información de contexto (videos). En 1913 viaja a Europa para estudiar el arte tradicional, pero se encuentra con la primera guerra mundial. En Florencia entra en contacto con los futuristas. También entra en contacto con otra vanguardia: el cubismo. Fragmentación de imágenes, geometrizacion, nuevas concepción del espacio van a estar en las pinturas de Petorutti.

Imagen Petorutti “el cifon o lacerva”. :Es una cuadro de collage sobre carton. Tiene recortes del periódico futurista “lacerva” y una postal de Florencia y un sifón, una botella y una copa. La forma de representación remite a la bidimensionalidad y a la representación de los planos, puestos en el juego en el futurismo y en el cubismo. Recuerda al cubismo por las diferentes perspectivas y puntos de vista. Tiene collage. A través de la utilización de las revistas impacta la idea del cubismo. La guerra como un tópico importante (como se ve en el diario del fondo).Juega con lo tradicional, lo real y lo imaginario.

Imagen Petorutti “dinámica del viento” : forma de plasmar el movimiento. Vemos lineas y fragmentos geometricos

Petorutti “Vallombrosa” 1916. Es un paisaje cercano a Florencia. Es una forma de mostrarnos el movimiento de los arboles y el pasto. Es una obra que retoma el color (futuristas). Los cubistas trabajan básicamente con la monotonía pero el retoma el color de los futuristas, por eso se puede decir que lo muestra de una manera futurista y cubista a la vez

Luego vuelve a Argentina y expone todas estas obras (las que hizo en europa). Nadie entendia lo que este hombre habia ido a hacer a Europa. Produjo escandalo en la prensa. Sin embargo fue apoyado por diarios y revistas que entendieron la importancia de la llegada de estos lenguajes a buenos aires.

Petorutti “retrato de Xul Solar”: la obra se centra en la cabeza, organiza todo en una estructura geométrica. La cabeza amarilla en el centro del relato sugiere una gran potencia mental e imaginativa. Hay una postura totémica. Xul Solar da cuenta de la luz solar, y por eso Petorutti trabaja su retrato poniéndole en su rostro un gran amarillo dando cuenta de esta decisión de esta decisión de cambiar su nombre por la luz solar. Podemos compararlo con el retrato realizado por Piccasso (en su lenguaje cubista). En el retrato de Picasso no se puede reconocer el rostro a diferencia del retrato de Petorutti. Es un homenaje a su gran amigo.

Petorutti “la canción del pueblo”. Por excelencia la canción del pueblo argentino es el tango. Vemos tres tangueros. Con el lenguaje contemporáneo, moderno, en contacto con la realidad argentina trabaja temas argentinos. Choque entre lo tradicionalista/nacional y la vanguardia. La vanguardia trata temas locales. Esto va a ser una constante en los pintores de esta generación. Artistas que vuelven a nuestro país a dar cuenta de los temas tradicionales argentinos pero con un lenguaje renovado.

XUL SOLAR

Es un artista que viaja en 1911. Viaja sin intención de aprender pintura. Toma contacto con ella una vez que esta ahí. Artista múltiple. Se va a preocupar por la astrología, va a estudiar las religiones, el ching, la cávala. Es considerado un ocultista, un tipo que entraba en transe. Era una especie de revelado, iniciado. Invento un nuevo sistema de representación musical. Se dedicó a la pintura tanto como a la música. Tenia intereses diferentes a los artistas de su generación. Casi no se formo en ninguna escuela y bajo ninguna tendencia. Se hace amigo de Pettoruti y lo va a buscar a Florencia.

Xul solar va a intentar dos lenguajes nuevos:1. NEO CRIOLLO. 2. PAN LINGUA. Mezcla del español y portugués. Intención de que el hombre latinoamericano pudiera comunicarse sin barreras idiomáticas.

Imagen Xul Solar “Drago” .

Representación de serpientes tan características de los pueblos andinos, los aztecas. Serpiente que tiene banderas latinoamericanas. Por fuera hay banderas del mundo europeo y americano. La serpiente es una de American latina que esta siendo conducida por una especie de brujo, de tótem. En la cabeza los símbolos de las religiones. Representación del mar y sus pescados. Es un especie de síntesis de todas sus creencias. Como si fuera una especie de predica de la unidad latinoamericana, la espiritualidad latinoamericana no basada en la religiones sino en las tradiciones precolombinas. La serpiente tiene la medialuna del mundo arabe, la estrella judía y la cruz católica.

Xul Solar Dos anjos, 1915.

Trabajos que dan cuenta de una suerte de mitología, agonía. Acuarela muy precario. Pinta ángeles. Obras anteriores a las de Pettoruti. Ángeles que tienen las manos de fuego, no son ángeles que tienen halos a la tradición cristiana u occidental. Están rodeados de algas.

Xul Solar “valle hondo” 1944 : Ciudades utópicas, extrañísimas. Estamos en medio de la segunda guerra mundial. Capaz son unas que el pensó para salvar al hombre. Son ciudades vacías, están esperando la llegada del hombre. Son totalmente creaciones personales y originalísimas de esta acalorada mente creativa. Xul Solar “proyecto Klu Delta” 1954 : proyecto de una ciudad para una comunidad utópica en el delta. Ciudades con escaleras que interrelaciones países, ciudad y diferentes comunidades.

RESUMEN (hasta aca)

1924 Fecha clave de la modernidad en Buenos Aires. Retorno de Xul Solar y Petorutti. Son artistas mucho más importantes que los del centenario, que viajan a Europa cuando esos artistas están en pleno auge. Cuando retornan Xul Solar y Petorrutti, sus contemporáneos denominados Grupo de París parten a Europa, y recién empiezan a volver hacia 1930

Entonces en esos pocos años y gracias a la aceleración de los tiempos, lo que traen Solar y Petorutti es distinto a los que traen sus contemporáneos pocos años después el Grupo de París

Petorutti, formado en la más futurista y revolucionaria Italia. trae los cubos futuristas, aceptados por la prensa de las Revistas como Martín Fierro, Proa que son culturales en y surgen en los años del retorno, pero es considerado enloquecido por la crítica de intelectuales que siguen defendiendo lo nacional, del arte nacional entendido como la representación del paisaje de la Pampa, del Indio, lo que aparece en los Salones. Recién el arte moderno aparece apoyado por revistas literarias de vanguardia y otros espacios de exhibición alternativo como el Salón de Otoño, el Salón de los Independientes, etc. Financiados y promovidos por la Asociación Amigos del Arte en 1924. Es fundamental para la década de artistas del 30 porque es creada por mujeres de la alta sociedad pero muy inquietas y pujantes culturalmente: pasan artistas plásticas, músicos, intelectuales, artistas súper de izquierda, cine alemán de vanguardia

En las salas de la Asociación de Amigos del Arte pasa lo más tradicional y lo más nuevo. Dirigida por una señora que apoyaba y estimulaba el debate contemporánea, pero también exhibía lo más tradicional

La figura de Xul Solar no pertenece a ningún movimiento artístico, tiene una formación extraña, ni siquiera una formación artística. Estudió religiones y lenguas muertas, interesado en la astrología, tanto interés en la pintura como en la música. Piano del tripe teclado, legunajes para que el mundo latinoamericano pueda comunicarse. No es posible meterlo o analizarlo en el contexto de ninguna teoría de la vanguardia. Algunos lo tratan como surrealista, pero no es tan así. Proponía la creación de ciudades utópicas en el Tigre.

Él y Petorutti desatan la modernidad en Buenos Aires.

VER BERNI MAS ADELANTE GENERACION DEL “GRUPO DE PARIS”. Viaja en el momento que xul solar y petorutti vuelve.

GRUPO DE PARIS, PINTORES DE LA BOCA, ARTISTAS DEL PUEBLO

La década del 20 es la década donde el mundo se recompone después de la primera guerra. Artistas, músicos comprenden la necesidad de generar nuevo arte que responde a nueva situación política, social, económica del mundo. “Los años locos”: vemos las mujeres que revolucionan la moda como Coco Chanel, la actriz Marlene Dietrich. Mujeres acortan polleras, liberan cuerpos, se sacan los corsés, las ropas de Chanel son las de Medianoche en París. Mujeres cortan su pelo. Aparece la MODERNIDAD

Aparece también la modernidad arquitectónica, como el Chrysler Building de New York, los lenguajes arquitectónicos se simplifican en líneas, se simplifica el Art Nouveau para ir a un tipo de ornamentación de líneas puras y rectas. Utilización de nuevos materiales vinculados a la ingeniería y en términos arquitectónicos, el FUNCIONALISMO O RACIONALISMO: arquitectura pensada para la mayor comodidad de la vida cotidiana del hombre. La arquitectura de la década del 20 y 30 da con tierra la organización anterior, y privilegia los espacios donde viven las familias como la cocina y los baños. Ahora no hay criados, se ocupan las madres o padres. Las vajillas, las heladeras, la ciencia se pone a trabajar para darle al mundo del hogar un mayor confort. La década del 50 es la de la creación de los electrodomésticos, es la mujer la que trabaja con los nuevos objetos más prácticos. Las cocinas son un espacio de sociabilidad. Baños y dormitorios juntos. Separar áreas públicos de los lugares privados. Funcionalismo es pensar los espacios como algo más funcional. Basta de compartimentos estancos.

1930 – 1940: GRUPO DE PARÍS. RETORNO AL ORDEN

Grupo argentino que viaja a Europa en torno de mediados de la década del 20. Lo que se recuerda de la situación argentina después de la primera post guerra es una muy buena. Los artistas que fueron en este momento fueron con muy buena moneda. Los artistas se juntaban en el barrio bohemio de Montparnasse con artistas de Rumania, Norteamericanos, pero los Argentinos estaban llenos de plata, y la bohemia que vemos en Midnight in Paris es una que no ven los argentinos. Le prestaban plata a los demás para que hagan clases en las Academias de arte

El Café du Dome y la Rotonde, se servían los café-creme y dónde se empezaba a debatir el arte. Picasso y Lenin no estaban en sus terrazas en 1922 pero sí artistas que renovarían las imágenes del arte

Pintores: Horacio Butler, Héctor Basaldúa, Aquiles Badi, Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Raquel Forner, Juan Del Prete

La vestimenta masculina no fue tan revolucionaria después de la guerra como la de las mujeres. Forner es una de las únicas mujeres del grupo, son artistas que insertos en la mitad de la vida cultural de la post guerra en París, tienen una vida muy próspera. Armaban fiestas, tenían dinero para pagar las mejores lecciones que eran en el TALLER DE ANDRE LHOTE

André Lhote abre una Academia, los artistas eligen a donde quieren ir a estudiar. El más famoso para esto, el más famoso taller que enseñaba a extranjeros es André Lhote. Hay muchas mujeres, y las modelos, cuando se llegaba a la situación de modelos vivos desnudos, las mujeres fracasaban. Entonces muy pocas se desarrollan en el mundo de la plástica.

Pero los artistas estos sí ven el Surrealismo que surge con su Manifiesto en 1924, y esto les pega de manera diversa. Al que más le pega es a Berni. Los artistas venían de vivir las enormes revoluciones de vanguardia, pero que habían sido posturas ideológicas frente a la vida que la Guerra había hecho entrar en crisis

- la postura utópica de las vanguardias de 1905 a 1915 entra en crisis con el estallido de la Guerra. El hombre se enfrenta a las máquinas que están matando a todos. La ciencia y la tecnología hace a un paraíso que se desfiguró. Las posturas de vanguardia entran en crisis con la Guerra, los lenguajes artísticos tan revolucionarios fueron tan fuertes, que los artistas lo van a asumir y aprender pero también sienten la necesidad de volver a cierto orden y a la figura. Exponen en la calle FLORIDA

Andre Lothe. La escala, 1912

Mucho color. Desfacetamientos en del vestido, en el pantalón. Vemos perfectamente la imagen. Hay una suerte en Lothe de que escribe el TRATADO DEL PAISAJE. Escribe en un texto formulas para desarrollar paisajes cubistas. El cubismo es un movimiento corto que se da en Paris. 10 años después el cubismo se transforma en una formula, en una suerte de norma. El cubismo para 1922 estaba re contra muerto (Picasso estaba haciendo otras cosas). Con este artista van a estudiar el grupo de Paris. El cubismo y el futurismo de Petorutti es mas de primera mano que lo que traen estos artistas en 1930. Que del cubismo ya tienen una visión matizada y formateada por este señor Andre Lothe. El grupo de Paris también va a haber el surrealismo, que comienza en 1924. Esto del surrealismo les va a pegar a los artistas de manera diversa. A quien mas le va a pegar el surrealismo es a Berni. Vamos a ver las primera pinturas que Berni realiza, son imágenes de lo mas puro del surrealismo

Horacio Butler La despedida, 1938

Vuelta a la figuración tradicional, de dejarse de jorobar con lo abstracto, y volver a la figuración. La imagen que nos trae Butler es la del Tigre: los temas locales como el paisaje del Tigre trabajado con un lenguaje moderno t contemporáneo teñido de la vanguardia Europea. Es un paisaje tradicional pero con algo de modernidad: paisajes cubificados, sintetizados, no hay manchas sino más bien geometría. Son paisajes cubificados, la síntesis geométrica de los cubistas pero el paisaje esta ahí.

Aquiles Badi Descendimiento, 1937

Trata de nuevo temas religiosos. Pero tratados de manera moderna, sintética y geometrizada y con los colores fuertes que le había enseñado el mundo europeo. Esta cubificado el paisaje y la forma, pero ESTA frente a nuestros ojos. Entonces estos temas tradicionales han pasado por el tamiz de la vanguardia.

Estos artistas cubifican el paisaje, geometrizan las formas pero el paisaje esta, se puede ver, los géneros tradicionales pasan por el tamiz de la vanguardia. Traen vanguardia pero también ORDEN. Por eso se llama EL RETORNO AL ORDEN. Es llamado así a este arte producido a fines de la década del 20. Es un tipo de arte ordenado, clásico, se vuelve a la figuración, al paisaje pero resueltos plásticamente con un lenguaje moderno. Esta modernidad y vanguardia que habían aprendido en Europa, distinta a la que había aprendido Petorutti.

SPILIMBERGOLino Enea Spilimbergo Paisaje (de San Juan), 1929

Como todos los de su generación pasó por la Academia Nacional de Bellas Artes y va a París. A su retorno se emplea en el Correo y lo destinan a San Juan. Realiza paisajes San Juaninos, pero con un lenguaje tradicional. No son paisajes de la Pampa, están cubificados, geometrizados, hay casas y paredones en cubos. Aparece la luz y la forma, técnicas tradicionales, pero tratados de manera más vanguardistas. Aparece algo del clima que generaban las pinturas surrealistas, éstas soledades y actitudes

Hay una mezcla en nuestra cultura

Lino Enea Spilimbergo Figuras en la terraza, 1931

Hay una recuperación de la perspectiva y del espacio perspectivo que el cubismo había destrozado. Como tantos artistas del mundo recuperan modernamente la construcción del espacio perspéctico, aunque son terrazas raras, construyen un espacio extraño, imaginario y onírico. Surrealistoide, aprendió con Lhote la fórmula del cubismo y miró a Surrealistas, un cocktail con el que vuelve a Buenos Aires

Lino Enea Spilimbergo La planchadora, 1936

Son mujeres clásicas, pero contundentes y escultóticas. Rostros a lo Picasso, con ojos grandes. Son geométrcas, permanecen los conos y la geometría. La tabla de planchar está totalmente rebatida como hacía Cezanne para mostrarnos la plancha y la tabla. Juegan las líneas del piso, hay un espacio creado con la perspectiva pero no es perspectiva perfecta

DECADA DEL 30Es en 1930 cuando estalla la Guerra contra el segundo mandato presidencial de Yrigoyen, se inicia la Década Infame. A pesar de haber gobiernos no militares, sí eran gobiernos elegidos fraudulentamente, gobiernos que tenían el aliento de los militares atrás. La década del 30 demandaba a intelectuales, artistas, pueblo una postura política. Lo político se cuela en la vida cotidiana de cualquier ser humano, y es por eso que Raquel Forner es una artista que a través de la pintura va a tener un fuerte compromiso con la política, de denuncia política. No es posible mantener en el mundo una posición

neutral en esta década. O se está a favor del Eje o de los Aliados. No había posibilidad de ser neutral. Lo político y la vida se mezclan en la década como nunca antes.

RAQUEL FORNER

Única mujer del grupo, se inicia la presencia de mujeres en la plástica argentina con ella. La década del 30 es una marcada por el surgimiento en Europa de los movimientos totalitarios. La del 20 es la de la reconstrucción del mundo Europeo, y la del 30 es la del camino hacia la segunda Guerra. Hitler es elegido por voto popular en 1933. De Alemanes a Nazis, Richter: libro que explica la elección del pueblo Alemán de Hitler en 1933. A partir del 39 se instala un régimen de extrema derecha con Franco. Mussolini en Italia, Stalin en Rusia. La década del 30 es la década de los totalitarismos en Europa. Former es una artista que a través de sus pinturas va a tener una fuerte actitud política.No es poible mantener una posicion neutral. Esto se crtistaliza con la Segunda Guerra Mundial (o estas a favor del eje o de los aliados). No había posibilidad de ser neutral, lo político y la vida se mezclan en este momento.

Raquel Forner Presagio, 1931

La representación de las mujeres, “ni hablar, ni ver, ni oir” es una representación super tradicional que implica ni te metas. El mundo representa una realidad que no puedo ni nombrar, no puedo ni quiero escuchar y ver. Es un recurso plástico y simbólico permanente en la obra de Forner

También simboliza la Serpiente que es el demonio, Pecado, la maldad. Estas mujeres están condenadas a estar entrelazadas a esa Anarquía y maldad, situación caótica, manifestada en el derrumbe de los Templos tradicionales, columnas que representarían el mundo clásico y derrumban el mundo Occidental: el presagio de la política, la guerra, el nazismo y el totalitarismo.

Raquel Forner Mujeres del Mundo (Serie España), 1938

Hace una denuncia de la situación a la que llega subsumida la mujer gracias a las Guerras. Siempre hay mujeres de color y otras de colore neutros, hablan de la humanidad, la mujeres encarna la humanidad, miran la cielo implorando basta de bombardeos. Mujeres dolientes y sufrientes, siempre la destrucción del mundo

Siempre pone cuota de esperanza en las mujeres de sus cuadros.

Raquel Forner La victoria (serie España), 1939

Escultura clásica, destruida, se le rompen las piernas y el piso. La sangre en el piso, el fusilamiento de maridos e hijos atrás, clima horrible, escenario de guerra: cielos tormentosos y oprimentes. Pero también la mujer es portadora de la espiga que salvaría al mundo y que es la esperanza

Son cuadros, los de Forner, de fuerte denuncia de la Guerra Civil Española entre 1936 y 1939 que tienen lenguaje de retorno al orden y que son contundentes. Tienen una modernidad aprendida en Europa.

ALFREDO BIGATTI

Alfredo Bigatti Riquezas naturales de la Argentina

No puede ser más tradicional la técnica del bronce, pero nos muestra las riquezas: el caballo, el barco como la inmigración la exportación, la República que corona, la navegación el puerto, la industria con el engranaje abajo. Los cultivos, el petróleo, el

comercio, la cruz del Sur asociada a la república argentina. Es una placa muy pequeña de bronce, tema muy tradicional con un lenguaje súper moderno: fragmentación de elementos, nos muestra engranajes y el caballo, entremezclado como hacía el cubismo

ALFREDO GUTTERO

Fue nombrado director artístico de la Asociación Amigos del Arte. Es el responsable de lo que ocurrió en el campo del arte en este momento

Alfredo Guttero Elevadores, 1928

Paisaje que ve surgir estas usinas eléctricas, no es el centro de la ciudad que habíamos visto en fotos, sino son los suburbios a los que canta Borges con postura melancólica, es Buenos Aires que no es más la de los empedrados, los primeros textos de poesía de Borges que el no sabe como tratar. Esto es lo que le pasa a muchos artistas literatos

Esta es la Buenos Aires que presenta Guttero, la que viene. De usinas, de familias argentinas que trabajan en el puerto.

PINTORES DE LA BOCA- Artistas de la boca: artistas que trabajan en lugares diferentes a los pintores de parís, son mas pobres, son de

los subirvios. (tienen plata). trabajan en los márgenes (suburbios) .o Benito quinquela martin o Fortunato lacamerao Miguel carlos victoriao Victos cursoloo Onofrio pacanzao Horacio march

QUINQUINELA

Benito Quinquela Martín Día de sol

Pinta la Boca. Es adoptado por una familia que vendía carbón para los barcos en la Boca, familia súper pobre. Aprenden en los talleres de las asociaciones de inmigrantes de plástica que ofrecían clubs de inmigrantes que estaban en la Boca, en los clubs barriales. Tenían talleres peqeuños de plástica, en clubes barriales, de Italianos en la Boca que eran muy buenos pintores. Lo que nos muestra Quinquela es el trabajo portuario. No hay postura política en los pintores de la Boca. Estamos en la mitad de la década del 30 pero Quinquela no va a mostrar eso, sino la festividad que significa vivir en la Boca, y el trabajo portuario no conflictivo. Festividad de ese suburbio.

LACAMERA

Fortunato Lacámera: Desde mi estudio: Va a festejar su barrio, la tranquilidad y el silencio de ese barrio.

Fortunato Lacámera: paisaje urbano de la Boca, 1930: Barrio tan colorido, lo que celebran los artistas estos era su barrio

RESUMEN PINTORES DE LA BOCA: Estos artistas celebran la tranquilidad de su barrio. En talleres locales del barrio de la Boca. Pero fueron tan importantes que establecieron fuertes vínculos con el Grupo de Paris y la Asociación de Amigos del Arte exponía su arte. La tradición argentina había enseñado el eclecticismo argentino, los vínculos eran estrechos. Guttero expone a estos artistas en los lugares más elegantes de Bueno Aires. Quinquela Martín va a ser muy famoso internacionalmente. Con este dinero hace acción social muy fuerte en su barrio. Compra terrenos y hace instituciones para su barrio, lo que lo hace muy querido. Tambien van a haber pintores como Cunsolo y March que muestran al barrio de la boca desde una perspectiva silencionsa y melancolica, no tan festiva (mas metafísica).

ARTISTAS DEL PUEBLO Son los artistas que estaban nucleadas en el barrio de Boedo, en torno a lo que habíamos dicho era la revista

claridad. Los artistas de Paris van a ser los artistas representados por el grupo de Boedo Aristas con una fuerte educación de izquierda (anarquistas, militantes políticos) En sus grabados hacen una denuncia social de las clases mas marginadas. Son grabados reproducidos masivamente

en las revistas de circulación masiva que consumió y compraban los sectores populares como la revista clarín. Hay una postura popular frente a la ciudad y una reflexion a la situación marginal de la sociedad. Hay una fluida relación entre todos los grupos de artistas que estaban en Bs. As (grupo de Paris, los de la boca y los

del pueblo) Las arengas políticas Lo importante de estos artistas es el tipo de trabajo que realizan realizan grabados (técnica de representación

masiva). Son técnicas que se utilizaban en las revistas para que lo consumieran los sectores mas marginales de la población

Eran muy buenos artistas, con bajos niveles materiales. Guillermo Facio Hberquer, Abraham Vigo, Jose Arato, Adolfo Bellocq, Agustin Riganelli

Guillermo Facio Hebequer: Madre del pueblo

Reproducción masiva que podían comprar sectores populares como la revista Claridad. Postura popular frente a la sociedad y su lugar marginal

Adolfo Bellocq: Atorrantes

Rostros populares en xilografías, tipo de temas que les interesa a los artistas del pueblo es el sector más bajo.

ANTONI BERNI (1905 – 1981)

Berni es rosarino, con una situación económica precaria. Viajó a Europa en el 25. Es la generación del grupo de París, viaja precisamente en el momento en que están volviendo Xul Solar y Petorutti

Es una artistas prodigio y muy precoz, aprendió a pintar en las escuelas de los clubes y academias de inmigrantes rosarinos

En el 25, con sólo 20 años, gana una beca del Jockey Club de Rosario. Es el hijo de un sastre formado en las escuelitas de talleres de no mucha trascendencia de asociaciones barriales de inmigrantes, gana beca en el Jockey Club, aristocrática institución rosarina, que ve en Berni un artista prodigio para la Ciudad

Berni Alamos, 1922 y Berni El mantel amarillo, 1927

Cuando va a Europa cambian sus técnicas: composición desarreglada al estilo Cezanne y colores fauvista, tiene algo de la fragmentación de las formas del cubismo en la fragmentación de la forma del fondo. El Jockey Club piensa que Berni va a volver con una técnica mejor formada y académica, pero Berni hace otra cosa con ese dinero

Estudia en el taller de Lhot que enseñaba formas reiteradas de cómo hacer Cubismo en París. Pero no sólo toma contacto con el taller de Andre Lhot pero sino también frecuenta la noche Parisina, de los intelectuales de la década del 20: clima de cineastas, políticos, artistas, literarios, el mundo de Medianoche en París. Cuando llega con su grupo a París, son los años de las transformaciones culturales después de la Primera Guerra, empiezan a surgir las primeras cuestiones del totalitarismo, es el momento de la Revolución Bolchevique en un momento álgido

Ideas que Berni mama en Europa, es el momento en el que hace furor el psicoanálisis a partir de la traducción al francés de los textos de Freud. Eclosión del mundo del sueño que Freud ve como tan importante como el de la vigilia. Además en el campo de las Ciencias, está Einstein pujando con la teoría de la relatividad

Berni viaja y se nutre de los viejos maestros, se ve en la pintura como observó claramente la pintura italiana del renacimiento.

Pocos años antes de regresar, toma contacto con los Surrealistas. Entra muy en contacto con ellos, está en plena ebullición el movimiento en París. La década del 30 y 40 va a ser la década de internacionalización del surrealismo, y es esa en la que Berni se instala en Argentina, realismo de carácter político, los artistas no pueden soino tomar partido po¬ítico, ya que a fines de la del 30 estalla la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra mundial

Hay un realismo político que eclosiona y se opone al surrealismo ideológico. Esta polaridad entre el realismo y el surrealismo es en la que van a trabajar todos los artistas.

ETAPA SURREALISTA

Berni: Objetos de la ciudad, 1931

Busca romper la relación lógica entre los objetos que trabaja. Los objetos que trabaja Berni en ésta etapa surrealista nos muestra: un tenedor desproporcionado, en una suerte de ciudad industrial, con un cuchillo que descuartiza, con un domino. No se establece

ANTES (del viaje) DESPUES (del viaje)

relación. Es uno de los principios básicos del surrealismo. Los surrealistas admiraban mucho las poesías del marqués de L’autre Monde, decía que la unión de objetos provenientes de realidades distintas que no hay lógica entre sí

Berni: La muerte acecha en cada esquina, 1932

Paisaje que no podemos darnos cuenta, una pampa, o ciudad, con una pesa y una especia de cabeza degollada. Este es el surrealismo, las relaciones inconectas e incongruentes entre los objetos.

Es una etapa muy fuerte de Berni, que va a exhibir cuando vuelve en el 30 y es invitado a la Asociación de Amigos del Arte: lugar impresionante donde la cultura argentina transitó en estas décadas.

Muchos de los que vieron estos cuadros fueron críticos que enviados por el Jockey Club, vuelven con este arte. Habían hecho inversiones para que Berni fuese artista nacional, y vuelve con esto. Berni vuelve totalmente afrancesado, casado con una artista famosa francesa y con una hija Lily, y afiliado completamente al Comunismo, y surrealista. Sus ideas comunistas no marcan su arte plástico pero siempre están presentes en sus obras. Para el Jockey Club en el momento no fue una gran apuesta, aunque luego fue un gran artista

Entre 1929 y 1930 empezaron a quebrar todas las economías regionales con la Caída de la Bolsa. En Argentina se sufre el primer golpe militar de Irigoyen que significó desgraciadamente para la vida política argentina, el primero de muchos golpes militares que dieron con tierra las elecciones constitucionales. Se inicia un período de elecciones fraudulentas, marcadas por un seguimiento muy cercano del Ejército, muy conservador. Radicales estaban proscriptos. Esta fue la década conocida como la “Década Infame”, previa al Peronismo

Argentina esta subseguida en este caos político. Los cuadros de ese momento (los anteriores) son de cuando Berni ya está instalado en Rosario, pero la década del 30 y la crisis política le cambia radicalmente su estilo pictórico

Berni: Susana y el viejo, 1931

Nos hace acordar al relato bíblico de Susana y los viejos, esposa de un gobernador, que se estaba bañando en un lago y es observada clandestinamente por unos viejos, que se le cuelan y la observan libidinosamente por los follajes. Susana es acusada y expulsada de la Ciudad, por provocativa. Es culpada por un delito que no cometió.

Acá Berni da vuelta en relato bíblico. Además es un Collage, empieza todos sus collage de la década del 60 de Juanito y Ramona. Aluden a la pobreza del interior del país, con la superpoblación de inmigrantes internos que hacen que se formen las villas miserias las periferias de la Ciudad. La cara es de una actriz Greta Garbo, actriz fetiche del Hollywood de esas épocas, que siempre hacía de mala. La Susana que trabaja Berni no es una casta, sino una recontra loca: posición provocativa, con rostro de mujer que hacía siempre de mala, como una mujer prostituida, y también una de las miles de Venus que reconocemos de la pintura. El rostro del viejo parecería el de Uriburu, que habría hecho la revolución del 30. Tenemos a Uriburu como los viejos libidinosos que están viendo lo que le está pasando al pueblo: la mirada de Uriburu corrompe a la mujer del relato bíblico, estaría mirando a como la República, la República prostituida por él. Hay muchas interpretaciones pero ésta parecería ser la más cercana, Uriburu quién corrompe a través de la Revolución y el pueblo casto prostituida a través del rostro de alguien que se usaba para esos papeles.

Berni a partir de este cuadro empieza a ver la situación social y política, interna muy compleja. En 1933 llega a Buenos Aires Siqueiros, uno de los muralistas mejicanos. Junto con Diego Rivera, conocido por ser el esposos de Frida Kahlo,

junto con Orosco, grandes muralistas mejicanos, que se pusieron favor de la Revolución, y que vistieron todos los muros de la ciudad de México DF. Se las dieron para celebrar la revolución en una pintura popular al que todo el pueblo podía acceder y mirar. Siqueiros llega invitado por la asociación de amigos del arte, predicando sobre las virtudes del muralismo. Cómo la pintura mural y los grandes ciclos en las paredes públicas, es la forma popular y moral del punto de vista político, para darle un lugar a las masas en el arte. Es contratado para dar unas charlas que fueron súper escandalosas, ya que hablan sobre la militancia política, la necesidad de matar el arte burgués de la pintura del caballete, dando esta charla en el lugar más aristocrático de los Salones de la Asociación de Amigos del Arte. Pero antes de ser echado, había sido contratado por Natalio Botana, director del Diario Crítica, una especie de diario amarillo. Muy popular, ya que tenía formato tabloid con sectores para la mujer, moda, deportes, arquitectura, cosas que el periodismo empieza a incorporar. Era formador de opinión, la fuerte influencia que Crítica tenía sobre el poder militar.

Este acto de Botana es muy provocador, y lo contrata para hacerle un mural en Granados, y lo pinta junto con la ayuda de Berni y artistas jóvenes argentinos como Spilimbergo, e integran este grupo que colabora con Siqueiros en la realización de este mural

Lo que sucede en el mural tiene que ver con lo erótico y no tiene nada que ver con lo político. Estaba pintado en un sótano como lugar privado de Botana, lo que se representa son mujeres desnudas como Ninfas con formas muy estiradas.

Berni se incluye en este grupo de artistas para los cuales los murales fueron muy importantes. Pero Berni no podía disponer de murales como lo habían hecho Siqueiros, Orosco y Rivera: ningún régimen militar le daría a un grupo de artistas comunistas para que pinten sus paredes

Lo que hace Berni es pintar unos murales portátiles, en unas telas enormes.

Berni Manifestación, 1931

Berni inventó la técnica de murales portátiles. Está pintado sobre arpillera, que no es un material noble, un material pobre. Se apoya en este material simbólicamente para apoyar una manifestación pobre y marginal. Esto se puede entender que se opone a su época surrealista, en el término de muy pocos años cambia su época surrealista a la técnica de arpillera, pasándose a un tipo de REALISMO SOCIAL.

Esta obra también alude a “Sin Pan y sin trabajo” pero aquí es Pan y trabajo: aquí hay una denuncia. Berni era un amante del cine y la fotografía y sacaba fotografías a obreros y gente pobre y luego los copiaba. También está el puño propia de la obra anterior, que es una inspiración y cita directa para Berni en esta obra.

El cine se ve en los recortes y en los close-up, técnica muy usada por Berni en la obra.

La situación de la mujer es muy interesante también: la mujer y el niño son claramente los que sostienen el pan. Son el enclave y la esperanza del futuro. Las mujeres son las que miran el futuro y miran al espectador, los que miran al espectador y tienen el pan en la mano, esta imagen forma núcleo problemático fuerte. El hombre viejo es el que sabe que tiene que protestar para que la mujer y el niño puedan tener pan y salir adelante. La cita a Sin pan y sin trabajo entonces es inmediata.

La ciudad parece colonial, tiene un clima surrealistoide. En todos los cuadros de Berni algo de su etapa surrealista va a permanecer: algo del clima errado. Cuadro impresionante.

Berni Desocupados, 1934

El trabajo sobre arpillera hace que el color se apague. El temple que usa, pintura mezclada con huevo, hace que la pintura tenga menos brillo, lo que imita más la pintura sobre pared y muro que el óleo. Es una paleta más baja.

Nuevamente es la mujer la que está despierta, entre todos los trabajadores dormidos, aunque no son trabajadores de la ciudad. Sobre Rosario, su ciudad natal. Todos los hombres están dormidos, están en crisis, no tienen que comer. La ropa llama la atención de los personajes, el que está sentado hace acordar a que hay una diferencia en clase social, es un oficinista, puede ser banquero. La crisis del 30 impacta a todos, alegoría de la crisis del 29. La mujer siempre despierta, cuota del futura, alertas y despiertas ante lo que iba a venir.

BERNI SERIE DE JUANITO Berni Retrato de Juanito Laguna, 1961 Es un niño pobre, no un pobre niño. Construye a este chico con elementos provenientes de las villas miseria. Con alambrados, botones, maquinaria, latas hierros, trapos. Al mismo tiempo es un ninio que vive en el mudno en os 60. Utiliza el collage. Denuncia de la marginalidad y pobresa que viven estos sectores desplazados del campo. Hace un denuncia a través de este personaje de la situación social que viven estos individuos en situación de pobreza y marginalidad. Empieza a pintar las villas miserias que aparecen en las periferias de la Ciudad. Con el nombre se hace una alusión directa a la situación social que viven los migrantes interno. Juanito vive una situación de villa. Pero está en el fondo el hongo atómico, toda la pelea del poderío atómico. Se pasa a ver quién tiene el poderío sobre la exploración del espacio, que la gana EEUU porque llega a la Luna en el 1969. Hay una serie de cuadros de vida de Juanito.

BERNI SERIE DE RAMONA

Esto lo escribió sofí ni idea, ojo: Prostituta que tuvo una infancia. Imitación de la alta cultura con elementos de la baja cultura con elemtnos (kitch según belu se escribe asi). Es parecida a la de Juanito, cuenta la vida entera de ramón, se casa, toma la comunión y demás.

Hace una denuncia a través de este personaje de la situación social que viven estos personajes en situación de pobreza y marginalidad.

Berni usa el XILOCOLLAGE a la vez que usa la madera con relieve completa el dibujo con elementos que va clavando. Pueden ser pedazos de cualquiera cosa, metales, chapitas, etc, medallas. Todo se pega y clava sobre la placa de madera, luego entinta la placa de madera y pone un papel grueso muy grueso mojado, y lo pasa por la prensa. Cuando sale, sobre el papel no sólo queda el dibujo sino las formas y el relieve de los objetos que habían quedado clavados

Xilografía a la que se le agrega collage. Es muy interesante ver que los que consumen a Ramona como prostituta, son sacerdotes, coroneles y marinos. Cuando Argentina atraviesa nuevamente golpes militares, Berni hace estas cosas de denuncia.

Berni Cristo en el garaje, 1981

Nos presenta en la década del 80 marcada por la dictadura militar estos cuadros. Pero el Cristo en el garaje implica que la lectura política es que Cristo es aquel que está desaparecido, crucificado muerto y escondido. Una lectura más espiritualista diría que nosotros tenemos nuestro propio

Cristo en el Garage, la religión y el pecado son cosas de todos los días, la cotidianeidad de mis días, mi pecado cotidiano del garaje, del que Cristo me salva todos los días

Berni Magdalena, 1980

Magdalena es la Magdalena redimida por Cristo, llora la ausencia de alguien que no está. La lectura política es muy fuerte, el desaparecido y el que no está y los que quedan a llorarlos. Pero también la mujer que ha perdido al hombre, esa mujer que extraña a un hombre que no existe, la mujer sensual. El tapado de ella o de él? Cantidad de cosas interesantísimas con un tema religioso

- Tienen un tema religioso, muy interesante de un hombre comprometido con el Comunismo. Todavía tienen una presencia surrealistoide.

SIQUEIROS

A partir de este cuadro (“SUSANA Y LOS VIEJOS”) Berni empieza a mirar que en Argentina hay una situación económica y política muy complicada. En estos años llega Siqueiros. Sequeira junto con Rivera y Orosco son muralistas que se pusieron a favor de la revolución de México encargados de realizar ciclos murales de la casa del gobierno, de la secretaria de educación publica, de las escuelas nacionales preparatorias. Todas estas paredes fueron dadas por México para estos artistas para exponer la historia de México.

Siqueira y Equipo Poligrafico. Ejercicio Plastico.

Cuando Siqueiros llega a Argentina, que fue invitado por la asociación de amigos del arte, realiza unas charlas de las virtudes de los muralistas. Como los ciclos murales es la forma popular y correcta desde el punto de vista político de comprometer a las masas a través del arte. Dio unas charlas súper escandalosas. Hay una película muy mala que se llama EL MURAL. En estas charlas se produce un escándalo porque habla de la militancia política y la necesidad de matar el arte burgués, de revelarse contra la burguesía y la aristocracia. El estaba dando esta charla en el seño mas grande de la aristocracia que era la asociación de amigos del arte. Lo echaron pero fue contratado antes por el director del diario “critica”, Natalio Botana. Era un diario muy popular porque tenia formato tabloide, formato chiquito que tenia secciones para la mujer, de moda, de arquitectura, de deportes, cosas que el periodista ingresa en esta época. Lo contrata a Siqueiros para hacer un mural en su quina de Don Torcuato. Este es el mural que pinta con Berni y

otros artistas (Spilimbergo, Castañino). Sequeiros pinta esto en el sótano en donde Berni juega a las cartas con sus amigos. El mural fue sacado del sótano porque los descendientes de Botana quisieron venderlos en México. El mural se

quedo 17 años metido en un container en San Justo detenido por una cuestión judicial En el 2010 Cristina logro destrabar el conflicto y el mural quedo para la Argentina. Se creo el museo del Bicentenario

donde anteriormente estaba la Aduana de Taylor. Dentro del museo se alojo el mural.

La idea del mural es como si uno estuviera dentro de una burbuja. Los personajes se asoman como si fueran peces a mirarlos a uno.

Siqueros incorpora nuevas técnicas como las pistolas de pintura, con aerosoles. Para poder dibujar en un espacio tan raro como es un espacio con paredes curvas trabajaba con diapositivas. Entonces en los ángulos los cuerpos estaban completamente deformados. Las imágenes proyectadas en ángulos se deforman

EL ARTE ABSTRACTO EN ARGENTINA: Asociacion Arte Concreto de Invencion – Madi – Perceptismo.

Años marcados por el Peronismo. Berni era un artista de la generación anterior, y había recibido en Europa la formación característica de los años 20, influido por los aires surrealistas. Los años 20 mostraban una multiplicidad de aprendizajes, y esto se veía en los lenguajes de los artistas que se educaron en Europa en el momento

Vamos a ver algunos años dónde Berni todavía esta vigente, pero vamos a saltar de década

La década del 30 antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, fue la gran década cuando se debatió desde la política la realidad del mundo. El planteo desde lo político era algo cotidiano: el debate era uno político en cualquier ámbito

Hubo una sucesión de instauración de regímenes fraudulentos después del golpe de Uriburu. Vamos a ver el final de esta década hasta la asunción de Perón. El Ejército va a estar presente en toda la vida política del país, estando siempre detrás de las elecciones y los partidos que se presentaban en la década: partidos conservadores y pro militares, aunque no todos concordaban con el golpe de Uriburu y los Presidentes elegido en esa época

El GOU en el 43 le hacen otra revolución militar a Castillo, elegido por elecciones falsamente democráticas, y este Grupo de Oficiales Unidos es el que lleva a Perón al poder. Antes de Presidente, fue ministro de guerra y estuvo a cargo de la secretaría nacional de trabajo y previsión. Desde estos dos lugares es que lleva adelante su extraordinaria acción política con eco en clases populares tan masivo que lo lleva a la Presidencia en el 1946

- Perón tiene un predicamento tan fuerte en las clases populares después de la crisis del 30 porque la Argentina sufre un proceso de industrialización muy fuerte, todo el mundo está en crisis, y los productos que Argentina consumía vía importación se ve obstruida. Argentina debe aprender a producir estos productos que faltaban, se produce una retracción de importación de productos extranjeros y se empieza a desarrollar la industria pesada para suplir los faltantes: ámbito de textiles, alimentación, armamentos y mercado de capitales. Pero Argentina necesitaba capitales extranjeros, y se produce la apertura a capitales extranjeros para poder llevar a cabo. La revolución del GOU lleva al poder a dos militares, Farrel y Ramírez que derrocan a Castillo, y las Oficinas del Ejecutivo se reparten entre los Oficiales más jóvenes pero jerárquicos

Perón puso en funcionamiento una serie de leyes laborales que ya existían pero no estaban puestas en práctica, y además apoyó a nuevas leyes de sustento de la clase trabajadora, lo que le dio apoyo de clases populares. Ley de Vacaciones Pagas, Aguinaldo, leyes sancionadas pero que no habían entrado en vigencia, y Perón hace a la protección de las clases obreras

La figura muy fuete de la propaganda peronista es Eva Perón, que lo acompaña a través de las acciones sociales, convirtiendo al régimen peronista a uno de auto proclamación de los líderes. El régimen peronista utiliza algunos recursos del rosismo, utilizando todos los medios disponibles en el momento: la radio, el cine y posteriormente la televisión, como cantidad de publicidades y propagandas gráficas. Ya desde la Secretaría de Acción Social el cine y la propaganda, va a utilizarlos como Presidente todavía más

En 1950 Perón adquiere tanta fuerza política, con base en sectores populares, en el 1945 el propio ejército lo quiere remover de sus posiciones y se lo toma prisionero y es el 17 de octubre cuando todas las masas trabajadoras en su apoyo, marchan al centro y exigen la restitución de Perón a sus cargos. Es la fecha que festeja el peronismo, al año siguiente en 1946 se llama a elecciones y arrasa con amplia mayoría, siendo Presidente hasta el 1955. Durante la década del 50 y 60 después de esto el peronismo estuvo proscripto, y recién es invitado a participar de elecciones populares en 1973 y vuelve a ganar

Hay un declive del peronismo a partir del 1950 por una fuerte sequía en que los precios nacionales bajaron y los internacionales subieron, produciendo un desequilibrio en la balanza comercial importante. La crisis del peronismo se complementa con la muerte de Eva Perón, y la muerte de esta figura termina de desbarrancar el peronismo. Cuando el peronismo perdía poder político, el pueblo le pide que se postule a Evita como Vicepresidente, y ella hace un renunciamiento histórico a esa candidatura en un discurso histórico en el Ministerio de Salud Pública y Seguridad Social porque estaba muy enferma

En el contexto del Peronismo surge el arte concreto en sus varios grupos en la Argentina. Entonces la década del 40, como la del 30 fue la de fuerte compromiso político de los artistas, la del 40 va a ser caracterizada por el surgimiento de movimientos de arte abstracto de base geométrica en Buenos Aires. No tienen nada que ver con lo que sucedía en Salones Nacionales ni los artistas del Grupo de París. El arte CONCRETO hace referencia a cosas concretas, a objetos y figuras geométricas puras. Es opuesto a cualquier arte que copie la realidad, al arte figurativo, y por lo tanto opuesto radicalmente al arte surrealista de Berni de principio de la década del 30.

Rhod Rothfuss Pintura Madí, 1948

En el medio de clima de arte moderno con lenguajes de vanguardia que estaban ya asentados, irrumpe el arte concreto. El arte no figurativo, que para este entonces tenía los antecedentes de Pettoruti por ejemplo:

Emilio Pettoruti: Dinámica del viento, 1915 Pintura de carácter abstracto y geométrico. Es una carbonilla, que inspirada en el problema de la velocidad y el dinamismo, daba cuenta del Futurismo, da cuenta de los problemas futuristas, no de la oposición a la figuración: sino a la velocidad y a la rapidez de los avances que surgían. Desde el punto de vista conceptual es tratar de encontrar una forma de representar el movimiento, ningún interés parecido van a tener los artistas de la década del 40. Aunque sea de esta forma, esto nos da un primer acercamiento a la geometría y abstracción posterior.

Joaquín Torres García: Universalismo Constructivo , Nuestro Norte es el Sur

El universalismo constructivo, suerte de arte geométrico para el mundo desde el Uruguay impacta muy fuerte para otros artistas;

Los artistas que suscriban a las ideas concretas, van a ser algunos que se suscriban a la Revista Arturo, publicada en 1944, con sólo un número, que publican artistas y debaten, reproducen obras en la revista y que no van a estar de acuerdo. Todo el gripo de artistas nucleados en estos tres grupos participaron inicialmente de la revista que hoy es como una especie de documento muy valorado, pero de sólo un número que leyeron ellos. Era beligerante y combativa, que defendía el desarrollo de arte no figurativo, imitativo, no mimético, sino de inventar un arte: la INVENCION, crear desde la sencillez de figuras geométricas puras nuevas figuras artísticas.

Defender el concepto de invención frente al de imitación o de copia. Defendían a la práctica artística con los estudios de la ciencia. Las obras que produjeron no tenían que tener rastro de la mano del hombre y acercarse los más posible a la abstracción pura.

A partir de la publicación de la Revista Arturo se pelearon, y algunos fueron a parar al grupo Madí y otros a la Asociación del Arte Concreto. Arte concreto: hace referencia a figuras geométricas puras. Es opuesto a cualquier arte que imite la naturaleza, que copie la realidad. Es opuesto al arte figurativo y surrealista de Berni en la década del 30. No hay una personalidad/psicología en los cuadros de este arte concreto. No hay presencia subjetiva.

Portada de la revista Arturo Tomás Maldonado

Revolucionó el diseño gráfico no solamente en Argentina sino también en Europa. Pero esta portada remite a una contradicción al remitir: no hay imagen posible, pero está muy relacionado a los garabatos sin sentido. Esto parece estar más vinculado a los garabatos que proponían los surrealistas fuera del ejercicio de la razón, haciendo escritura automática sin la razón, cosa que hizo Maldonado para la portada. Lo que llama la atención que dado lo que postula el Manifiesto es radicalmente opuesto al surrealismo, entonces lo que finalmente ocurre es que a la hora de tallar en madera salen los aprendizajes más antiguos por más de que pregone lo opuesto. Entonces el Manifiesto Invencionista establece qué quieren hacer ellos: “La era artística de la ficción representativa toca a su fin … La estética científica reemplazará a la milenaria estética especulativa e idealista … La materia prima del arte representativo ha sido siempre la ilusión … El arte concreto habitúa al hombre a la relación directa con las cosas … Por un arte colectivo”

ASOCIACION ARTE CONCRETO INVENSIONArtistas: Tomas Maldonado, Alfredo hitio, Enio lommi, Lidi prati, Juan mele, Edgar bayley.

Tomás Maldonado Sin título, 1945

Los artistas van a defender en los artículos de esta Revista van a querer romper tan fuerte con la naturaleza, que proponen romper con el marco. El cuadro como ventana que nos permite ver el mundo, el formato cuadro rectangular sería el cuadro como ventana hacia el mundo. Ellos van a defender la teoría del marco recortado: una postulación de las más importantes del grupo es romper con la idea de cuadro como ventana hacia el mundo, haciendo que el marco adquiera formas geométricas diversas, y hasta prescindir del marco. Esta es una de las bases teóricas más importantes del Arte Concreto Invención.

- Este primer grupo que se forma después de la Revista Arturo, no expone en ninguna galería. El arte más tradicional es el que circula por museos y galerías, no el arte concreto. Este se expone en la casa del famoso psicoanalista francés Pichón Riviere, o en la casa de Grete Stern, famosa fotógrafa alemana que casada con Coppola se instala en Argentina. Los cuadros se cuelgan azarosamente, para darles exposición muy libre.

Estos marcos recortados, a medida que le varían la forma, seguía siendo un marco. Seguía conteniendo adentro de si una cierta realidad. Algunos van a ubicar estas formas abstractas sobre la pared, y que toda esta sea su contexto.

Raúl Lozza: Pintura N 123, 1948

Los cuadros se numeran y no tienen nombres, porque darle nombre era darle algún tipo de poesía. Se los quería desnaturalizar lo más posible. Toda la pared es su contexto de referencia, prescinden completamente del marco. Las distintas piezas van contra la pared sin marco. Todo el universo puede entrar a jugar poéticamente con estas obras.

Enio Iommi Curvas y líneas, 1946

Trabaja con nada, con alambres, que hace salir cuatro alambres de tres puntos de varitas. Los alambres que salen del punto de apoyo exploran el espacio. Uno va para la derecha, otro arriba y otro a la izquierda: hace que el espacio, la nada, sea un material constitutivo de la obra. El espacio delimitado por las líneas de alambre que traza son el espacio de la obra. Desde puntos de apoyo, explora el aire y lo hace formar parte del espacio de la obra. Lommi lo realiza en el arte argentino de manera bellísima

GRUPO MADIComparcion Madi – Arte Concreto: La diferencia entre los artistas del Madí y del Arte Concreto Invención es que los Madí proponían que la obra no fuese tan geométrica y tan dura, sin dejar lugar al espectador, ya que querían que el espectador fuera parte de la obra. Que las obras vieran relación con la ciencia, no fueran imitativas era necesario, pero consideraban fundamental que el espectador pudiese jugar con la obra. Esto fue clave para la diferenciación entre un grupo y el otro Grete Stern aloja uno de las primeras exposiciones Madí en su casa.

Gyula Kosice Royi, 1944

Inventa este artefacto móvil, para que el espectador pueda jugar con él. El público puede manipularlo y cambiarle la forma. Esta cuestión de que participe el público todavía no se había visto, esta idea del objeto en el espacio que no puede todavía denominarse y que no esté hecho de forma determinada pero sí se puede manipular viene desde Marcel Duchamp. Duchamp estará presente en estas obras sin duda, y más todavía en la de los 60 en el Instituto Di Tella y los Happenings. Estos objetos nacieron con la intención de que el público pudiese meterse a jugar

La idea del neón, la luz del neón fue una gran invención de la década del 60: no se quema, no consume, repela bichos, es maleable en tubo ya que adquiere formas distintas. Trabaja con luces de neón en cuanto se inventa y realiza esculturas con esta tecnología. Marta Minujín también los utiliza. Materiales nuevos que se meten en el mundo del arte: el neón y el agua, que los hace bellísimo desde el punto de vista visual. Esto puede verse en la obra de Gyula Kosice: Gota de agua móvil, 1965

Entonces Madí tiene este criterio participativo frente a la idea de hacer participar al espectador, a través de la manipulación de las obras de arte. Además promulgaba que las artes debían unirse: eran bienvenidas la danza y la música para compartir ideas Madí. Los del Arte Concreto Invención sólo aceptaban obras basadas en la geometría, más duras y no figurativas. Tomás Maldonado se une definitivamente a ese grupo, y se vuelve el padre del Diseño Gráfico en la argentina.

PERONISMO

Todo esto sucedía mientras sucedía mientras estaba el peronismo en el poder. A veces pensamos que el peronismo no persiguió a los artistas concretos ni los invitó, los ignoró. Pero los artistas europeos renovadores, sí fueron perseguidos en Europa. Pero Perón no persiguió ni apoyó a los artistas del Madí o el Arte Concreto Invención: el peronismo quería hacer un arte propaganda.

Para esto no le servían los artistas concretos, sino los artistas figurativos, dibujantes, los que hablasen del “realismo”, de la condición del trabajador social argentino. Postura social, familia perfecta obrera y trabajadora, niños que van a la escuela pública, barrios diseñados por Evita, abuelos con jubilación y felices

Afiches de “Ayuda Social”: publicados en libros, afiches en diarios y revistas, calles. Los libros de lectura del peronismo eran libros de imágenes y lectura de adoctrinación. Se les enseñaba a hablar mediante la propaganda al régimen. Todas las lecciones tenían que ver con el discurso propagandístico del régimen

Afiches propagandísticos del régimen y que hablan de las virtudes del voto femenino: las mujeres votamos a partir de 1951 por acción de Eva Perón. Contrastes con el pasado, el antes y el ahora de Perón. Tienen gran relación al afichismo que estaba sucediendo en Rusia: el obrero no oprimido, que trabaja, que es revolucionario

El cine repite esta estética del obrero dignificado, limpio, nutrido con trabajo, casa y familia. Hugo del Carril y Amadori eran contratados por el peronismo para hacer películas propagandistas

Durante el Peronismo ocurre que el Arte Concreto con el arte utilitario no pueden convivir. Son dos vertientes muy diferentes en el mismo momento. Las relaciones entre el peronismo y las artes visuales se entienden, y no fueron básicas. El Ministro de Educación de Perón era un Cirujano, no era profesional. Es muy interesante porque decía sobre grupos de arte concreto: “los que fracasan, sin estudios, condiciones ni moral tiene refugio en arte abstracto … infamia en el arte, un arte morboso y perverso … documentan las aberraciones visuales, intelectuales y morales de un grupo, que es un grupo pequeño de fracasados”. Opinaba de la infamia en el arte a partir de hablar del arte concreto.

- El Peronismo a pesar del tipo de prédica y el tipo de imagen no fue un régimen que combatiera lo que sucedía, sino más bien tenía otros intereses.

Pero el peronismo también estableció nuevos reglamentos para el Salón nacional desde el gobierno, privilegios según lo que se quería mostrar. El Jurado sabía que tenía que elegir obras relacionadas a distintas disposiciones gubernamentales, y las que ganaban iban a parar a los Ministerios correspondientes.

Por ejemplo, obras que destacaran la bondad de las provincias, y obras costumbristas iban a parar al Ministerio del Interior por ejemplo.

Este era el tipo de arte que circulaba, un chango del interior y frente a esto el arte contemporáneo.

Eva Peron – Ayrinhac. 1951

Ayrinhac Formación de la generación del 80. Estudio en Francia, era francés. A fines del S 19 se instala en Bs As. Tuvo la formación igual a la de Sivori/Carcova estudio en la sociedad estimulo de bellas artes. Cuadno regresa de su viaje de estudios durante la primera guerra es contratado por la familia Duarte (familia de Evita) para hacer los retratos familiares.

Es una imagen falsa, porque para el 51 Evita ya estaba muy deteriorada. Atrás está la Pampa. Esta imagen circuló en todos los soportes del planeta, y más que nada en el libro La razón de mi vida, publicado días después del renunciamiento histórico. La imagen que pasa a la posteridad es una imagen construida. Para no parecer una niña joven se le hace esta configuración eterna que son las trenzas enroscadas atrás. La evita canónica. Luce un traje extraordinario, una rosa, con alhajas muy caras y atrás esta todo el paisaje de la republica (la pampa, la selva y la cordillera) en el 51 tenia un rostro totalmente diferente. Esta imagen circulo en todos lados. Era morocha de pelo largo. Pero tenia una imagen de rodete y rubia, con unas trenzas cruzadas atrás. Los aros con rubíes. Una imagen sana/prospera, no a la Eva enferma que era la real en 1951. Se puso esta imagen en “La Razón de mi Vida” que fue traducido en muchos idiomas. Es una suerte de talismán contra la realidad de Eva. El libro fue traducido a todos los

idiomas, la imagen apareción en estampillas y libros escolares. Se CANONIZA la imagen de Eva, aparecía colgado de todos lados esta imagen.

En 1950 cuando el régimen tambaleaba, Quien dirigía el museo de arte decorativo, un hombre muy de vanguardia (Pirovano). En el 50 conoce a un artista Argentina con apellido Vitulo. Le gestiona en parís a Vitulo, en el museo de arte moderno. Le pide que haga un rostro/escultura de Eva Perón. Vitulo que estaba hace muchos años en parís y no conocía la cara de evita para poder copiarla. Por lo tanto realiza un perfil de evita, que lejos de parecerse a la evita canónica. Es una evita latinoamericana le hace una cara indígena. Evita como libertadora de las razas latinoamericanas. Cuando la presenta en la casilleria, se la pone en la baño. Por lo tanto no integro la muestra de Vitulo.

Eva Perón Arquetipo Vitullo

Permite que el museo nacional exhibía las obras de los artistas concretos. Son finalmente vistos de una manera utilitaria, no significa que se pueda mostrar una Eva moderna. De evita había una sola y era la evita canónica/idealizada. No podía ser sometida a una cosa abstracta y latinoamericana.

PERONISMO. DÉCADA ENTRE EL 43 Y 55. La década infame concluye en el 43 con el golpe militar que le hacen los jóvenes del GOU al presidente de la nación. Perón es elegido ministro de guerra y secretario de acción social en el 43 y desde esa posición realiza su fortalecimiento político poniendo en vigencia y sancionando nuevas leyes laborales que logra tener en las clases populares argentinas una enorme fortaleza política. Esa fortaleza y popularidad crea en el ejercito una gran desconfianza y Perón es removido de sus cargos. Esa remoción del 45 produce una masiva protesta por parte de la gente. Ahí se midió el poderío político. Ese movimiento popular en apoyo del general Perón produjo la vuelta de perón y si victoria en las elecciones en el 46. Luego en el 51, segunda presidencia. El pueblo pide vicepresidencia de Evita. Ella renuncia por su enfermedad. La revolución libertadora del 55 pone fin al Peronismo y proscribe el Peronismo hasta el 73.

FINES DE LOS AÑOS 50, PRINCIPIOS DE LOS 60: INFORMALISMOS, ARTE DE ACCIÓN, NUEVA FIGURACIÓN

Para la segunda presidencia de Perón, la gente pide a Evita pero ella renuncia.

PERIODO DE LA DECADA DEL 50: es el post peronismo, entre 1950 y 1960 que también es un momento muy complejo. Frondizi gana las elecciones en el 58, gobierno desarrollista en el país. Pero también el ejercito argentino esta dividido. Los distintitos partidos políticos a favor y encontrar no permitieron que Frondizi terminará su presidencia y hubo un buevo golpe político en el 62, asume Illia y hay un nuevo golpe militar en el 66.

Desde el 30 en adelante hay varios golpes militares. Hubieron cortes en el sistema político constantemente.

Periodo intenso de los fines de los años 50 y los años 60. La post segunda guerra mundial. Perón fue el presidente que estuvo durante la guerra. Perón no se alía al bloque constituido por USA GB Francia etc, solo al final de la guerra decide asociarse, 2 meses antes de que termine. Esta situación internacional produjo un enorme conflicto con USA. USA a partir de la posguerra tubo con argentina una situación diplomática muy tensa, producto de la no participación de argentina de la guerra, por la simpatía nazi de Perón hacia Alemania e Italia.

A nivel internacional después de la WW2, el hombre también queda sumido en una situación de desesperación, comparable a la de laWW1 pero la experiencia de la guerra traumática que comprometía a los civiles ya la habían vivido en la WW1, de modo tal que la WW2 fue menos traumática que la primera guerra.

La WW2 introdujo nuevos armamentos de aniquilación masiva como la Bomba Nuclear que tiraron en Japon. Nuevas formas de matanzas colectivas hasta entonces desconocidas.

La primera posguerra crea un movimiento internacional conocido con el surrealismo ligado con los sueños, y los lugares desconocidos.

La segunda posguerra produce un vacio de la representación del hombre a nivel internacional. Este arte se denomina en forma global como el INFORMALISMO desaparición de la figura humana, o cuando aparece, aparece desarmada, violentada, etc. la pintura informalista americana. El paladín de la pintura informalista americana, EEUU empieza a figurar después de la guerra como la gran potencia occidental cultural con Jackson Pollock. La Segunda Guerra catapulta a New York como la ciudad ombligo del mundo cultural.

Jackson Pollock Autum Rythm: Number 30, 1950

Jackson Pollock es el representante del Action Painitng, que supone el compromiso del cuerpo. Sus lienzos no están puestos en caballetes, sino que son telas gigantescas puestas en el piso, con pincel grueso lleno de materia líquida, chorrea la pintura y dispersa azarosamente la pintura sobre la tela. Hablamos de chorreados, su pintura también se denomina dripping. No hay figuración sino gestualidad. Es el cuerpo involucrado a través de la gestualidad, de pintura, no de materia. El hombre no está presente sino a través de sus gestos

Poner el énfasis en materiales que no eran propios de la pintura. Trabajan fuertemente con trapos de piso, collage, cartones, materiales pobres, agrediéndolos y rompiéndolos, manchándolos. Produciendo cambios químicos con los materiales. Este movimiento adquirió en cada país un nuevo nombre pero era lo mismo: la no representación del hombre, la representación de la gestualidad y el trabajo con la materia.

Juan Dubuffet The Cow with de Subble Nose

El trabajo con la materia es muy interesante porque se introduce lo que Douchamp y Picasso ya habían trabajado pero de una forma mas poética. La utilización de materiales que no pertenecen al mundo artístico. El trabajo es un trabajo violento, agresivo.

Desde Gaugin se mira el arte no producido por el arte Europeo, después de la Segunda Guerra aparecen nuevas formas de intereses por formas no fomentadas del mundo occidental. Es interesante ver cómo se produce este interés por artistas en varios lugares del mundo en este momento, el rescate de poner el valor sobre aquellos que no están atados al hombre belicoso y capaz de hacer guerra.

ARGENTINA. ARTE EN LOS AÑOS POST- PERONISTAS

En argentina los años después del peronismo son muy interesantes. En Argentina el arte se va a un arte que no es geométrico, no es ordenado, no es científico. Muy por lo contrario es altamente poético en su fealdad, geométrico.

En los años del peronismo, que surgieron estos grupos de arte concreto, también convivían estas manifestaciones de arte concreto (lo nacional, el gaucho, los paisajes nacionales), las cuales el peronismo aprovecha para manifestar su postura política. En el peronismo, se siguen apoyando los artes nacionales y conservadores, si se prefería mostrar de Argentina un arte que se quería sacar de encima el conservadurismo peronista, si se quería mostrar una imagen de una Argentina progresista, moderna, lo que había que mostrar eran estas versiones de los artistas geométricos, concretos.

Estos eran los artistas modernos de la argentina, los artistas mas de vanguardia. El post- peronismo hace una campaña de apoyo a las artes para poder matar al peronismo que había estado en el poder y mostrar la imagen de una argentina post peronista, renovada y moderna.

INSTANCIAS DE PROMOCIÓN ARTÍSTICA QUE EL PERONISMO NO CREO:

1956: creación del Museo de Arte Moderno (Rafael Squirru) 1955-63: Jorge Romero Brest: Director del Museo Nacional de Bellas Artes. 1958: Creación de Fundación Di Tella e Instituto Di Tella Di Tella funda los electrodomésticos que consumió toda

la sociedad argentina en la década del 60. Las heladeras fueron un icono porque fueron utilizadas por todas las amas de casa de argentina. También tuvo importancia a nivel cultural, en el 58 los hijos de Di Tella crean la fundación Di Tella. A partir de los capitales por la empresa crean el instituto Di Tella que tenia diferentes institutos de investigación.

1960: creación Galería Lirolay (Germaine Derbecq) promociono a los artistas jóvenes, revolucionarios, modernos que van a surgir en Argentina en estos años.

Años de desarrollo de la critica surgen revistas especializadas. En todos los diarios hay críticos especializados que organizan el gusto artístico de la época.

INFORMALISMO ARGENTINO Kenneth Kemble Alberto Greco Jorge López Anaya lo abandona rápidamente y se dedica a la investigación en las universidades. Fue un gran

profesor. Luis Alberto Wells Mario Pucciarelli

El informalismo implica:

Espontaneidad Gestualidad Indeterminación formal es decir la no forma Utilización de carton, de chapas, de trapos, de papeles viejos.

Las obras informalistas a partir de la utilización del universo de materias no tiene una explicación única. Estos chorreados, este desorden que tienen las obras informalistas, son obras que nos permiten una múltiple interpretación, múltiples sentidos, ambigüedad.

El informalismo tiene una corta vida en Argentina. Se consolida en pocos años: en el 58 y 59.

Consolidación:

o Julio 1959: primera muestra Movimiento Informalita (Galeria Van Riel)o Noviembre 1958: segunda muestra (Museo Sivori)

o 1960: muestra Alberto Burri (Di Tella en MNBA)

Antecedentes:

1957: muestra Que cosa es el coso. (Sociedad Estimulo Bellas Artes)o un grupo intenta mostrar un quiebre con el arte concreto de la década del 50. Entre las piezas que

muestran, hay objetos que no se comprenden, que no pueden ser definidos como pintura, ni como escultura ni como instalación. Son denominados por estos artistas como COSOS. No tienen forma de determinar que objeto están haciendo y están produciendo. Se muestra algo que no se entiende.

1958: muestras individuales

OBRAS INFORMALISTAS Y CARACTERISTICAS

1) KENNETH KEMBLE Kenneth Kemble: TreguaNo deja de ser estetizante, pero utiliza trapos de piso y pintura chorreada. Es típica del informalismo internacional, puede ser de Kemble como de cualquier artista internacional. Una materia agredida, materia bruta. En este momento Berni empieza a pensar a Juanito Laguna y a Ramona Montel. Berni miró muy activamente lo que hacían los artistas Informalistas, mucho más jóvenes que él.

Kenneth Kemble: Paisaje suburbano, 1958 y Kenneth Kemble: Paisaje suburbano II, 1958Chapas oxidadas. Chapas pegadas. No dejan de ser obras políticas, es muy difícil no mostrar una pintura apolítica. Hace alusión claramente a los asentamientos en los cordones urbanos de esa masa de gente que se traslada del campo a la ciudad: chapas oxidadas que aluden también a la villa miseria, lata de aceite de autos. Kenneth Kemble es muy cercano a lo que después va a ser Berni. Las obras de Kemble fueron expuestas muy cercanas en una muestra del MALBA que se llamaba “Berni y sus contemporáneos”: en el mismo momento trabajan los dos el mismo tema con materiales distintos. El asentamiento miserable de gente que inmigra del interior del país a los lugares urbanos. En dos diferentes momentos, hablan de un mismo tema.

Kenneth Kemble: Prohibida, 1960

También trabaja con arpillera y clavos, todo lo que el mundo le da para trabajar con sus obras. Se puede interpretar lo que se quiera mediante ese tajo que se abre, lejos de salir elementos vitales salen clavos, aunque también hay muchas alusiones de carácter erótico de las obras de estos artistas: podría ser una vagina que agrede, hay muchas citas eróticas

2) MARTA MINUJIN

Marta Minujín Sin título, 1962

Es increíble ver que ella surgió de esta movida informalista amiga que trabajaban tan profundamente con la materia. Tiene 20 años cuando gana una beca y se va a París y cuando le finaliza la beca en el 62 y tiene que volver a Argentina decide quemar toda su obra, esa que

tiene que ver con cajas, cartones y colchones. Recorrió los hospiltaes de París que con colchones viejos armaba instalaciones inmundas y sucias, decide quemar todos y esa acción de quemar: ella pide que desarmen las obras a artistas amigos y abren nuevas. En un terreno baldío después de este juego ella prende fuego todas las obras creando el primer HAPPENING de La Destrucción. Arte nuevo que surge en los 60, un arte de la acción, un arte del cuerpo, en la que el arte no necesita de una materialidad concreta. Gran parte de los movimientos del 60 tienen que ver con la ACCION, la inmaterialidad del arte en los 60. La acción de Marta Minujín y muchos otros como obra de arte.

EXPOSICION ARTE DESTRUCTIVOLos artistas de Qué cosa es el coso? En el 57, que habían sido contratados y pormovidos por la Instituciones que surguieron después del 55, en el 61 dijeron ya basta. Se creyeron tan revolucionarios dos años antes, pero ahora todos la entienden: el estados los protege, la gente los entiende, los promueven. Si son esencialmente inconformistas tienen que destruir todo lo que habían hecho

Organizan esta muestra de Arte Destructivo: toman objetos que toman de la calle, despanzurran el sillón pero de manera muy erótica. Todo tiene una connotación muy loca: la fotografía que ponen como ícono de la disconformidad de lo que ocurría es la imagen de un mateo destruido. Ellos que habían sido los creadores de esta pintura violenta de mostrar la crisis después de la guerra, fue totalmente aceptada por las Instituciones, lo que los llevó a la destrucción

Kenneth Kemble muestra esas obras hechas con materiales asquerosos pero que se vuelven estéticos y poéticos. Pero él muestra paraguas despanzurrados, sillas colgadas, muñecas rotas sobre una plataforma negra que dan sensación horrible, ataúdes quemados. Los materiales que trabajan, y que otros conceptos de la belleza se cuelan: lo asqueroso, lo inmundo, lo procaz, lo feo, lo violento son categorías que ahora entran al mundo del arte

El arte desde Duchamp en adelante, dejó de ser bello, el artista dejó de ser el gran creador como Miguel Ángel, Botticelli y Manet. El artista puede constituirse en un mero señalador de objetos y materiales para que eso comprado por el artista se constituya en una obra del mundo artístico, y eso que no sabemos cómo se llama, no puede ser caracterizado definitivamente. Las cosas que elijen son todas cosas de la calle.

“Estamos lejos del concepto del S XIX: hacer arte no es hacer algo lindo, creativo, sino también puede ser la rotura”

ALBERTO GRECO

Alberto Greco: Pintura, 1960Es un artista que trabaja con los informalistas argentinos, de los más importantes dentro de la vanguardia argentina, pero que pronto se va a Europa y queda allí. El pronto abandona el informalismo también. Esta pintura tiene algo de madera y alquitrán: no tiene nada de humanidad. Es uno de los artistas que hacía pis sobre sus obras, para que los ácidos de su orina crearan modificaciones químicas de la materia. La vida había cambiado en el S XX, y el artista es uno metido en la vida y en la materia. El S XX fue uno híper revolucionario: guerras, descubrimientos científicos. Hace telas muy texturadas, alquitrán, arena, pero rápidamente se va a París y durante la misma gestión del Arte Informalista en Argentina el está yendo y volviendo a las distintas capitales EuropeasAlberto Greco: “Vivo Dito” en París y Madrid, 1962

Hace en París un proceso de DESMATERIALIZACION de la MATERIA: empieza a hacer un arte de acción. Empieza a cuestionarse a principio de los 60 la manera de hacer arte, por qué no hacer otra cosa? “Una obra tiene sentido en el hacer, mientras se hace, como aventura y sin saber qué va a suceder. Una vez construida no tiene sentido, se ha convertido en el mejor de los casos en un cadáver sagrado”

Empieza a hacer una nueva forma de arte: el Vivo Dito, el vivo y el dedo que señala lo vivo . El acto de señalar y mostrar algo es el momento artístico. Hacía un círculo de tiza alrededor de un personaje que caminaba por la calle y lo firmaba. Firma Greco alrededor de personas que transitan, y queda el registro fotográfico

A través de estas acciones muestra una nueva forma artística, la de la ACCION: sólo queda un registro, no queda la obra en sí. En el mundo entero queda esta época del arte de la acción

Marca como el mundo del arte puede incorporar la inmaterialidad a la esfera de lo que es arte. Cambió mucho lo que se considera arte desde el S XIX a hoy. No en vano los 60 fueron tan revolucionarios

Su arte era señalar lo que quedaba incluido

En el 62 cuando se organiza la Bienal de Venecia, la madre de todas las Bienales, Berni obtiene el Gran Premio de Grabado. Pero en esa Bienal Greco le tiró ratas al Presidente Italiano. Fue echado de Italia pero la acción la conoció todo el mundo. En 1962 dice que “el arte vivo es la aventura de lo real … el artista enseñará a ver no con el cuadro sino con el dedo … enseñará a ver eso que sucede en la CALLE”: la calle y el espacio público es lo que constituye el espacio del arte en los 60.

El nivel de innovación y revolución de Greco, hizo que él se suicidara. Él tenía una pareja, Claudio, que lo abandona. Cuando Claudio lo abandona, escribe un cuaderno de poesías, una declaración de amor, intervenida de maneras muy diversas. Finalmente se suicida en el 65 cortándose las venas, y con la sangre escribe en la pared “ésta es mi mejor obra” y se escribe en la mano izquierda la palabra “fin”. Antes de quedarse dormido por las pastillas, realiza su última performance.

NEOFIGURACIONSurgen estos tres artistas del Informalismo: Rómulo Macció, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega que vuelven a la figura. El nombre explican que vuelven a la figura, un poco menos evidente. Aparecen nuevamente los hombres: el origen de la humanidad. Esos monstruos que aparecen y parecen surgir de la materia son otra vez el hombre. La neo figuración, la nueva figura. La figura desde el caos que nos propone el informalismo salen monstruos.

Jorge de la Vega Intimidades de un tímido, 1964

Arma monstruos del collage: trapos, fichas de póker. Son monstruos, pero son humanos. Es un hombre tímido que no sabe qué hacer y sale de las informalidades de la materia. Va a ser también cantante y va a cantar en el DI Tella.

DÉCADA DEL 60: INSTITUTO DI TELLA, POP ART, EXPERIENCIAS VISUALES 67-68DECADA DEL 60, ARGENTINA:

- Instituto Di Tella- Pop Art- Experiencias visuales 67 – 68

Frondizi por malestares dentro de los grupos mas conservadores del ejercito es removido en el 62. Tuvo una política de privatización del petróleo y conformación de empresas multinacionales con capitales extranjeros que colaborasen con el desarrollo económico e industrial que Frondizi se proponía. Desarrollo.

Desarrollismo: supone un acercamiento al bloque comunista. A partir de la revolución cubana, USA exige un posicionamiento a favor o en contra de la revolución. Frondizi entiende relaciones comerciales posibles con la nueva revolución cubana y esto crea malestar en las relaciones con los conservadores. Las promesas de desarrollo de Frondiszi constataban con el peronismo por un lado y con las FFAA por el otro.

- 1963 Ilia general Ongania - Intelectual Jorge Romero Brest. Nombrado director del museo de bellas artes.

ARTE

- 1956: creación del museo de Arte Moderno ( Rafael Squirru)- 1958: Creacion de la fundación Di tella e Institutto Ditella- Años de desarrllo de la critica- 1960: creación de Galeria lirolay

DECADA DEL 60

El instituto Di Tella fue para el mundo de las artes plásticas una especie de faro, guía para los artistas jóvenes. La movida cultural que tuvo lugar fue impresionante. Igualmente la cultura no paso solo por acá sino que la movida cultural fue mucho mas amplia y heterogénea. Importancia de la televisión como medio masivo y como factor de infiltración en las casas particulares. Todo lo que sucedía sucedía a través de la televisión. Impacto fuertísimo. Época que la juventud adquiere por primera vez una preeminencia social, pasa a ser considerado un actor social. Antes los jóvenes no aparecían en los intereses de la industria, moda, etc. Ahora pasan a ser un actor social al que atender. Década donde estalla la guerra de Vietnam. Mundo se parte en dos. Mitad mira a Estados Unidos y la otra a Rusia.El post peronismo tiene ejes importantes para el desarrollo cultural. El nombramiento de Jorge Romero Brest, critico, intelectual, promotor cultural nombrado director del MNBA. Creación en el 58 del Instituto Di Tella (pasa a ser dirigido por Romero Brest). También se produce un gran estimulo de la critica, se crea el Museo Nacional de arte moderno y la galería Lirolay.

DI TELLADe este panorama sale el Instituto Di Tella. Torcuato era un empresario italiano que viene a argentina y decide hacer un imperio industrial convencido de que la necesidad de que ese imperio industrial también tuviera un correlato en el mundo artístico. Muere y a los 10 años de su muerte, los hijos deciden crean la fundación Di Tella, capitales provenientes de la Industrial Di Tella a la que se suman capitales extranjeros (Rockefeller) y con este dinero crean el instituto Di Tella. Instituto que va a tener centros de investigación.Deciden completar la colección porque en el 60 Argentina cumplía 150 años de la revolución de mayo. Estaba convencido de la necesidad de apoyar el proyecto político de Frondizi entonces decide mostrar la colección en este contexto. Para cumplir esto va a Europa y Estados Unidos a comprar obras. Una enorme cantidad para mostrar en Mayo del 60.Le prestan todo un piso del MNBA para exhibir su colección recientemente ampliada. Esta acción de sinergia entre las acciones del estado y las del mundo privado a favor de la cultura es parte esencial del desarrollismo de Frondizi.Desarrollismo Di Tella quiso participar de este plan transformador para el país a través del mundo de la cultura y presenta su colección privada. Di Tella quería era que el arte argentino pasara a impactar a nivel internacional y que el publico argentino pudiera ver en Buenos Aires ese arte internacional que no llegaba. Instituto Di Tella dirigido por

Romero Brest. Pasa a gestionar los fondos de la Fundación. Se crean 4 institutos de investigación. El CAV lo va a dirigir Romero Brest. El CAV diseña una política con dos patas:

- Un premio nacional. Quien ganaba obtenía dinero para poder irse a una ciudad extranjera y hacer una carrera en esa ciudad. Primera salida de los artistas argentinos en el exterior con estos términos. Meterse, vivir en la ciudad elegida.- Un premio internacional. Venían artistas internacionales a competir con un jurado internacional por dinero. Los artistas argentinos entraron a través de Di Tella a tomar contacto con artistas de primera línea de todo el mundo.

Di Tella isnituto loco, instituto de la juventud. Fue una heterogeneidad de lenguajes artisticos y prouestas. Fue un centro de experimentación, un centro que acogio a los artistas mas revolucionarios del momento. Dejo hacer a estos artistas SIN CENSURA. Entonces la imagen que de Di Tella se tiene es un isnituto loco, moderno, vanguardista, rockero, fresco y no ese instituto que se dedico a la investigación artistica y que acogio también otras modalidades de arte.

MARTA MINUJINMarta fue una artista muy joven, precoz. En el 61 esta en Francia trabajando con colchones, cajas. Cuando termina su beca propone una acción que va a ser destruir todo lo que había hecho en su estadía parisina. Finalmente decide prenderla fuego. La destrucción. Esto representa un HAPPENING. Marta Minujin Revuélquese y viva, 1964.

Obra que es una suerte objeto grande donde uno puede entrar y jugar, revolcarse. Realizado con tela de colchones pintada y cocida por ella. Una obra que esta construida con un material menor, no nombre, para la participación del premio. No entendía el arte sin la participación del espectador.

La sociedad argentina en estos años no era una que podía aceptar con facilidad estas cosas que demandaban al espectador, lo comprometían y cuestionaban el buen gusto, las tradiciones conservadoras de la sociedad argentina.El instituto dejo hacer a los jóvenes artistas sin preguntarse, sin juzgar que iba a resultar de todo esto.

Marta Minujín La Destrucción, 1963

El primer Happening que hace participar a los artitas de la Destrucción de sus obras y que armaron obras nuevas, que terminó prendiéndolas fuegos. Terminó en el primer Happening

Se la asocio a los artitas “livianos” del Di Tella, lo que más se recuerda del Instituto, pero cada uno tenía una densidad como artista mucho más profunda. Tanto las sopas Campbell’s como las Marilyn de Warhol son repeticiones pintadas a mano: llevar al mundo artístico de objetos que circulaban las calles populares. Goma espuma, y tela.

Marta Minujín el Minu-phone, 1967

Cuando uno entraba a estos teléfonos en EEUU, uno llamaba y eso se convertía en una fiesta de situaciones. Cuando el numero operaba el sistema uno veía su imagen reflejada en el televisor. Las predes subía agua coloreada. Arriba en el techo había un plato lleno de luves de colores, y además había un ruido. Una obra participativa que alude y toma el medio de comunicación que es el teléfono de comunicación e intervenida por la cultura del Pop. El Minu-phone todavía sigue en exposición en el espacio del arte del Espacio del Arte de la Fundación Telefónica

LEON FERRARILeón Ferrari La civilización occidental y cristiana. 1965. El instituto no solo acogía obras festivas, didácticas sino que también promocionaba y aceptaba arte de carácter político.Obra que Ferrari crea como denuncia de la guerra del Vietnam. Avión gigante con un cristo crucificado sobre el avión. A través de esta obra, esta condenando los abusos americanos. Obra genial en términos de realización material. Se ejerció sobre esta obra una suerte de censura.

POP ARTViene de la palabra arte popular. La vida es una gran inspiración para estos artistas que comienzan a usar todos los materiales nuevos que plantea la industria (plasticos, latex, aluminios) sino también van a hacer el gran impacto cultural de los medios masivos: la televisión, la radio y las revistas. Andy Warhol trabaja con las latas Campbell o con cosas que son iconos para la vida americana.

67 los artistas le pidieron a Romero Brest que no se sostuviera mas el sistema de plata para uno solo que el premio no sea para uno solo sino que repartiera entre todos los artistas participantes para las realizaciones de las obras. Brest acepto y de ahí que los artistas ofrecieron obras muy experimentales pero ninguno gano.

68 la participación de los artistas fue tan rara con obras tan raras, que involucraban el video y la fotografía que Brest no se animo a ponerle en el titulo premio Di Tella sino que lo llamo tan solo “Experencias”.

Oscar Bony La familia obrera, 1968. La familia exhibida arriba de una familia. Contrata una familia para ser exhibida en una tarima. In situ una familia obrera de carne y hueso, vestidos como la familia tipo peronista.

Ahí leían el diario, la mujer tejía, el hijo hacia la tarea, etc. No es una obra que tiene una materialidad. La obra de arte PIERDE su materia, se desmaterializa para transformarse en ACCION, PERFORMANCE. Títulos nuevos para lo que esta sucediendo.Clara objetualización de los seres humanos. Le pide al señor que vaya por el doble de su paga. Esto demuestra el capitalismo salvaje, uno que convierte al ser humano en un objeto. Esta denuncia puesta en el seño mas “fashion” del arte argentino. Bofetada a las practicas del capitalismo.No se propone representar una familia obrera sino presentarnos la verdadera familia en el espacio de arte. Es la vida misma la que va al espacio del arte. Ya no es el arte el que va a la vida sino la vida misma copa el mundo del arte . Además no es una familia cualquiera sino una asalariada que necesita objetivizarse para ganar dinero. Denuncia. Cuestión irónica, cuestión de reivindicación, cuestión de manipulación, cuestión de cierto cinismo.

VIDEO http://www.youtube.com/watch?v=8N5xbLtokZY

Roberto Plate Baños públicos, 1968. Maqueta de un baño. No era un baño sino la representación de un baño. Eran dos puertas con las marcas de damas y caballeros pero no tenia ninguna instalación sanitaria. La gente entraba, el publico se apropio del mismo como si fuera uno publico y lo lleno de grafitis. Muchos grafitis críticos del golpe militar del 66. Uno de los grafitis decía Ongania puto. La policía clausuro una ficción, una obra. Según el autor las cintas de clausura no hicieron mas que enriquecer la obra. Habla de una torpeza por parte del estado para entender que no era un baño de verdad.Produjo un gran escandalo. Los artistas decidieron cerrar la muestra, sacarlas al exterior y prenderlas fuego. Forma de protesta a la censura expuesta.El Instituto Di Tella que fue tan vanguardista que dejo hacer y experimentar, en ese momento no hizo nada entonces los artistas se sintieron estafados, protestaron e incendiaron sus obras. Las instituciones extranjeras que habían estado hasta el momento apoyando se retiraron. La fundación Di Tella no puedo seguir sola y dos años después el CAV cierra. Sin embargo, los años que duró, el Instituto fue uno de alta vanguardia y experimentación artística.

CIERRE EXPERIENCIAS DEL 1968 (CULTURA POP)

Arte sinético, que viene del movimiento, o el arte que demanda operación del lado del espectador para que el arte se ponga en movimiento. El gran artista del arte sinético es Julio Le Parc, artista argentino de los más importantes de arte óptico y sinético internacional, muy comprometido con el movimiento estudiantil del 68.

El Pop es una vanguardia internacional que sobre todo. Tiene un fuerte impacto y surgimiento más histórico en Londres: capital europea que después de la WWII mira con ciertos recelos los logros culturales y económicos de EEUU. Entonces surge ahí en crítica hacia la cultura norteamericana, mirada crítica de recelo inglesa a los medios masivos de comunicación, el consumo masivo de productos propio de la cultura americana, a los nuevos productos de EEUU para la exportación (hamburguesas, Hollywood, publicidad, Coca Cola) y por supuesto que esta postura POP respecto de la cultura popular se da en todos lados del mundo, con características particulares. El Pop argentino tiene grandes representantes

Primera Plana, Año IV, Buenos Aires, 23 al 29 de agosto

Portada de una revista, Primera Plana. Revista de debate cultural y político de primera línea en la década del 60. Lo que representa que una fotografía de un grupo de artistas aparezca en la portada de una revista, es que hay un interés de hacer llegar estas movidas artísticas, ya que el Instituto Di Tella era uno privado, con el apoyo de dos grandes fuentes de recursos. Pero lo interesante es ver la unión que tienen estas tendencias artísticas con la prensa: de qué manera los medios de comunicación van a ser agentes de difusión, y además materiales con los que los artistas Pop van a trabajar

La moda de los 60, la forma de vestirse, es de colores brillantes, telas sintéticas, anteojos, cultura que por supuesto da con tierra con la moda de los 50 en muy pocos años, que era todavía típicas imágenes que se popularizaron a través del cine como Audrey Hepburn y Marilyn Monroe, suerte de íconos de aparecer reproducidas por todos los medios y promovidas por Hollywood

Lo interesantes es ver que las modas femeninas cambiaron radicalmente cuando surgieron las modas del pop art que introducen nuevas telas, materiales, cortos. James Dean

es el protagonista de la movida masculina joven, James Dean introduce esta nueva moda masculina de la camperita y la remera. Son todos elementos que nos ayudan a entender la gran revolución de los 60.

EDGARDO GIMENEZ

Edgardo Giménez: Fuera de caja

Cuando cierra el Di Tella, los artistas quedan sin trabajo. Arman este emprendimiento económico, que era una suerte de elementos hechos por los artistas. Diseñaban objetos como los que consumimos hoy: pisapapeles, carteras de diseño

Objetos de la vida cotidiana diseñados por artistas y producidos a bajo costo. Son bellos porque introducen tecnologías y materiales nuevos del 60. Hasta ese momento no se conocían ensaladeras, cubiertos para servir de acrílico por ejemplo, y surgen aquí

AVISO ¿POR QUÉ SON TAN GENIALES? CON DALILA PUZZOVIO + CARLOS SQUIRRU + EDGARGO GIMÉNEZ, 1965

Se lo mandan a hacer a alguien que es AFICHISTA: surge en este momento. No eran artistas, sino pintores populares que eran un gremio

Fue colgado en la esquina del Instituto Di Tella. El gesto de autorretratarse por un afichista, y colgarlo en una famosa y transitada esquina porteña es muy impactante. No fue hecha por sus propias manos, el concepto de arte obtiene otras definiciones: la dematerialización del arte, deja de tener sustancia concreta ya que pueden ser acciones e ideas. Incluso obras que ni siquiera conlleven realización material del artista. Utilizan la lógica de circulación de la propaganda callejera: utilizan los medios populares de la publicidad callejera. Lo que ponen estos artistas es su propia imagen como artitas, pero de una manera bastante crítica. Las preguntas que surgían era de quién era, los artistas están tomando un medio extra artístico, tomando las herramientas de la publicidad para trabajar con ellas

Es una de las obras más importantes del grupo, ya que cuando pasó el contrato, se salió la obra. La obra entonces no es el afiche, sino la idea que hubo atrás lo que queda. De cualquier manera, a Giménez se le pidió que volviera a hacer esta obra, ya que es tan canónica de la década del 60 para estudiar la forma en que se valieron de otros medios para hacer arte, y se le pidió que la volviese hacer. Fue expuesta en la ruta de Bs As a Rosario, y ahora forma parte de un museo: algo que nació efímero finalmente se hace tan importante que la historia del arte demanda tener el objeto.

DALILA PUZZOVIO

Dalila Puzzovio Dalila Doble Plataforma, 1967

Grimoldi produjo los zapatos de Dalila mientras las producciones de la misma se exhibían en el Di Tella. Los premios de los artistas habían pedido que el dinero que ganaban se repartiera a todos los que intervenían en las obras. Exhibió las plataformas en el Di Tella mientras que Grimoldi las vendía. Además una tienda de la Galería del Este también vendía las plataformas. Uno iba a Di Tella las veía, y después se las compraba. Había una unión entre los circuitos de la economía porteña y el arte. Utilizaban publicidad y circuitos callejeros como el afiche, sino también comercialización y producción en la industria local. Fueron tan famosas las plataformas que la usaba toda la juventud de la década del 60

Dalila Puzzovio Autorretrato II, 1966

Se hace retratar por un afichista. La desproporción dice que la preparación de un afichista no era la de un artista, y se hace retratar como una odalisca, con una serie de joyas pintadas

a lo Kitsch, la imitación de los objetos de la alta cultura por parte de la baja cultura. Las mujeres compran todo el día objetos kitsch. Dalila Puzzovio se hace retratar por el afichista, y utiliza los recursos de las grandes divas de Hollywood, luces propias de las marquesinas y camarines de las grandes artistas y estrellas de Hollywood. En el piso propuso tirar almohadones llenos de un nuevo gas que permitía inflarlos para que alguien pueda sentarse a ver. Mezcla en la obra todos los elementos y tecnologías posibles

JUAN STOPPANI

Juan Stoppani Piano Kitsch, piano Pop y piano Camp

Pianos hechos en relación a los elementos de la cultura pop. Elementos Kitsch, que está hecho de las plumas de vedettes. EL segundo imita el terciopelo, hecho con un contact que lo imita. El tercero está hecho de una imitación de la tela militar. El origen es una IMITACION: contact que parece tela militar, y otro a una boa. Remite a la posibilidad de acercarse a la alta cultura por el piano

EDUARDO COSTA

Eduardo Costa Fashion Fiction I, 1966

Obra muy compleja de costa que contrata a Marisa Berensson, modelo muy conocida de EEUU. Costa le propone ser modelo de una producción y acción artística en Vogue. Costa realiza joyas nuevas y raras como este aro que cubría toda la oreja, y otras obras y joyas que cubrían todo el cuello como collares. La contrata, le pone las joyas, le saca fotos y arma campaña como si esas joyas fueran posible comprarlas. No eran para comprar, lo que le interesaba era utilizar los sistemas de propaganda en las revistas

La acción está en utilizar la circulación y la publicidad en la revista. Lo interesante es lo que elije para hacer su obra artística son los medios de comunicación. El arte y los medios: los medios de comunicación están permanentemente presentes, los medios como objeto para el arte, trabajar con ellos . Sus lógicas, sistemas de impresión y sistemas de circulación.