HISTORIA DEL ARTE IISEGUNDO PARCIAL:

ANALISIS DE LOS PERIODOS ROMANICOS, GOTICO, RENACENTISTA, BARROCO, MANIERISMO Y ARQUITECTURA MEDIEVAL

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INDICE

-Periodo Románico Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual

-Periodo Gótico Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual

-Periodo Renacentista Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual

-Periodo Manierista Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual

-Periodo Barroco (inconcluso) Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

-Bibliografía

Periodo Románico

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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

El arte románico es aquel que se difundió y reino por la Europa Occidental y en el Oriente

latino desde el siglo X al siglo XIII. Este se encuentra ligado al arte carolingio y a una

serie de cambios políticos y religiosos. Dice L.Bréhier (1947) en Historia General del Arte

“El nombre que ha recibido parece establecer, con relación al arte antiguo...Esta

asimilación es ficticia” (p. 73). Agrega además “El arte del antiguo Oriente y el de los

Bárbaros tienen más parte en la génesis del arte románico que la que corresponde al arte

clásico” (p. 73).

Como legado de la época carolingia se presenta como un arte cosmopolita y se manifiesta

en todas las regiones presentando rasgos comunes, el cual a medida que se desarrollaba

adquiría un carácter cada vez más particularista y regionalista.

Este regionalismo nace del derrumbamiento del poder político de la época final del

imperio carolingio, lo que conllevo a una desaparición, momentánea, de las corrientes

generales, y se debió explorar entonces los recursos materiales de la región y desarrollar

una nueva técnica. El mismo desconocimiento de los constructores, la perdida de las

técnicas tradicionales, los llevo a buscar su originalidad, su propia iniciativa. Las

soluciones fueron diversas, todo dependía de la región. Estos progresos técnicos no se

limitaron a la arquitectura, se extendieron también hacia las artes suntuarias.

El regionalismo con el que nació esta corriente, se atenuó con la aparición de las

corrientes generales, dado que con las grandes peregrinaciones a Santiago, Jerusalén y

Roma se pusieron en boga algunos tipos de monumentos, como las iglesias construidas a

imitación del Santo Sepulcro o las grandes basílicas del camino de Santiago.

También el nomadismo de los maestros de obra como los arquitectos, pintores y

escultores, que seguían en ocasiones las peregrinaciones y por lo cual es normal ver

obras donde se nota la influencia de maestros de escuelas diferentes.

Los grandes acontecimientos políticos y políticos tuvieron fuerte repercusión, las

conquistas de los normandos introdujeron su arte a Inglaterra; las cruzadas de España

llevaron, seguido del clero francés, a arquitectos y escultores; la Palestina, con la

fundación de estados cristianos, llevó a maestros de diferentes escuelas.

En el arte bárbaro lo esencial era el ornato, que imponía sus normas a la arquitectura, en

el románico es inverso, el objeto más pequeño está subordinado a las reglas del edificio y

los adornos esculpidos están bajo las conveniencias arquitectónicas.

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Rasgos generales del periodo artístico

El arte románico fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las

diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media. Además de que

su progreso siempre estuvo ligado a los progresos de la técnica arquitectónica.

Su manifestación más importante es la iglesia, desde la gran catedral hasta la ermita

rural, pero recién cuando se volvió a encontrar el secreto el secreto de la talla y el

modelado de la piedra se pudieron creas los conjuntos grandiosos de arquitectura y de la

escultura. La historia de la arquitectura románica es la transición de las concepciones

abstractas y cosmopolitas de la época carolingia al particularismo, con una evolución lenta

que no alcanzó su cúspide hasta el perfeccionamiento de las técnicas de construcción.

Desde el siglo X hasta el XIII se dio esa transición, que se desarrolló en varias etapas y

con duración desigual. Por ejemplo a fines del siglo X aparecen tendencias regionalistas

en la España mozárabe, en Auvernia y en Turena, pero en cambio en Neustria y Austrasia

la tradición carolingia se perpetuó por más tiempo.

Elementos nuevos se introdujeron progresivamente en la arquitectura de la iglesia que

difundieron progresivamente por Occidente, sin tener todavía un carácter regional, como

lo fueron la planta de cabecera con deambulatorio y capillas radiales cabecera llamada

benedictina, con un ábside precedido de un presbiterio de varios tramos que se

comunican por arcos abiertos con las absidiolas en que terminan las naves bajas; con

nave mayor con bóveda de cañón, contrarrestada por las bóvedas de las naves laterales,

también se emplean arcos dobles que descansaban sobre los pilares para sostener la

bóveda mayor. Esto en un primer periodo de arte románico, donde las técnicas aun no

habían sido perfeccionadas.

La escultura y la pintura se subordinan a la arquitectura, no se caracterizan por el

naturalismo, más bien por la rigidez, la simetría y el simbolismo. Estas revisten la

superficie de que ofrecían los muros y las bóvedas de las iglesias. También está presente

la pintura historiada, que era original del periodo carolingio y aquí es simplemente un

desarrollo de dicha técnica. Todas las obras intentan generalmente adaptarse a la

representación de la figura humana y temas de la iconografía religiosa, pero todavía no

logra representarse formas vivas. Se busca la armonía de las formas por lo que es común

que las representaciones se presten a un esquema geométrico, pero su búsqueda por el

naturalismo los llevó a emanciparse de la ley del cuadro.

El segundo periodo, del siglo XI al XII es el periodo de las escuelas arquitectónicas, donde

las escuelas provinciales no son más que grupos unidos por un principio común.

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Análisis de un ejemplo arquitectónico

Basílica de San Isidoro, año 1063. Se construyo sobre una iglesia visigoda donde primero

se hizo el panteón real, su culminación puede datar del 1149 donde encuentra la última

consagración por parte del rey Alfonso VII a su hermana Doña Sancha, las cuales son

sobre las cuales son presentes en abovedado. Se considera a doña Urraca, hija

de Fernando I la que impulso la ampliación del panteón, aunque los datos históricos son

considerados algo confusos.

Con las buenas relaciones que mantiene con la abadía de Cluny se produce una

intensificación del románico en el Reino de Castilla y León que coincide con el comienza

de las peregrinaciones a Santiago. Fue consagrada a San Isidoro en 1063, sus reliquias

fueron traídas de Sevilla.

Adopta la forma de 3 naves que se separan por pilares cruciformes, con la bóveda central

cubierta por una bóveda de cañón, mientras que las laterales de bóvedas de arista.

También se abren 3 ábsides semicirculares, su estilo nos remite a la herencia del primer

románico. Posee además dos puertas monumentales, la del Cordero y la del Perdón, la

primera comparte el estilo de los escultóricos de Compostela, mientras presenta

analogías con la puerta de Miégeville de San Saturnino de Tolouse (1110-1115). Su

planta es de cruz latina.

Las columnas poseen capiteles historiados, elemento decorativo que representa escenas

con figuras con fines ilustrativos y moralizantes religiosos, de influencia del tronco

piramidal invertido bizantino. En el capitel del panteón hay una gran variedad iconográfica,

no muy depurada, algo tosca, pero de un gran valor expresivo.

El tímpano de la puerta del cordero presenta el sacrificio de Isaac y en la puerta del

perdón se nos presenta la muerte, resurrección y ascensión, siguiendo lo clásico de

primer momento cristiano, común dentro del estilo románico.

Otro aspecto particular es la influencia hispano-musulmana, común a las iglesias del

camino de Santiago es la decoración ajedrezada. Otro rasgo de sobrevivencia de la época

mozárabe son los arcos polilobulados de crucero.

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Análisis de un ejemplo de escultura

La fachada de las Platerías, fachada de la catedral de Santiago de Compostela, edificada

entre 1103 y 1117, autor, varios maestros.

Aunque la misma contiene relieves románicos originales, algunos derivan de un puerta

que nunca se construyo y de la fachada del paraíso, siendo algunos trasladados acá

cuando se reconstruyo la puerta norte.

Tiene la particularidad que las figuras no comportan el orden primitivo, y estas

representan escenas del nuevo testamento. El relieve de tipo religioso se distribuye en

dos tímpanos: el de la derecha muestra la doble naturaleza de Jesús, siendo arriba la

representación de la adoración de los Reyes Mago, la divinidad, y debajo de esto escenas

de la pasión, la humanidad. El tímpano de la izquierda a un Cristo tentado en el desierto,

para luego mostrar como vence al pecado, de hombre a Dios. También en este tímpano

se representa la figura de una mujer sosteniendo una calavera que según varias fuentes

sería Eva, la madre de los pecadores con la calavera en el regazo, esa calavera es el

fruto de su pecado original, el hombre se convierte en eso gracias a ella.

En los estribos que acompañan al tímpano aparecen figuras del antiguo testamento, en

especial David. Las jambas están formadas por columnas de fustes diferentes, tenemos 3

tipos: fustes lisos, entorchados y otros con figuras de santos como Moisés y San Andrés.

Compostela también recibió la influencia de las peregrinaciones del camino de Santiago

por lo que comparten la figura de Isaac, además de Ángeles con trompetas se representa

en el centro las figuras del Salvador y Santiago, además de un medallón con dios padre.

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Análisis de un ejemplo de pintura

Anunciación a los Pastores, panteón real de San Isidoro. Autor desconocido, datación

imprecisa, tuvo que ser posterior a 1063 cuando se terminó de construir el panteón y

anterior al 1149, feche de su consagración como iglesia.

La escena representa a tres pastores que cuidan a su rebaño cerdos y cabras, mientras

un ángel, de forma alargada, les avisa sobre el nacimiento de Jesús, arboles y ramas

decoran le escena situándola en el monte. Dicha representación se representa en un

plano de 360 grados, adaptándose a su ubicación, la bóveda lugar que decora del

panteón.

Hay un predominio de colores cálidos, como el ocre, marrón, rojizo. También, como

elemento característico del arte románico, es la carencia de expresividad de las figuras,

dado que se denota una falta de sorpresa ante la anunciación del ángel.

La ausencia de naturalismo de la escena también se verifica en la posición total de la

escena, lo que le da un sentido irreal, también su falta de perspectiva puede llevarnos a

esta apreciación, con árboles y ramas representadas de manera esquemática que tienen

una función puramente situacional de lo representado

En estas obras románicas estos aspectos obedecen a un sentido artístico y religioso, por

lo que arte figurativo, pictórico y escultórico debe tener una función didáctica, como

también decorativa, por lo cual la estética pasa a otro plano. Lo importante es que la

escena quede representada claramente, por eso se nota un predominio de la línea para

definir formas y figuras.

Esta escena es parte de un conjunto mayor donde se representan escenas relativas al

nacimiento, la pasión y el juicio final. Denominada San Isidoro como la Capilla Sixtina del

románico por su conservación destaca el nivel que alcanzo el arte románico.

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Herencia del periodo románico en la actualidad

La herencia actual del románico se ve solo en lo que ha sobrevivido desde dicho periodo,

en ese caso y mejor conservados, los edificios religiosos (catedrales, basílicas, iglesias,

monasterios) y en cuanto a la arquitectura civil llego un poco menos conservada, en lo

que son puentes, castillos, murallas, torres, etc).

Tal vez la no perduración en formas actuales del arte románico se debe a que se

caracterizo por un periodo donde no se había logrado un perfeccionamiento de la técnica,

por lo cual, su arquitectura de un carácter tosco fue abandonado después de encontrarse

nuevamente con las técnicas olvidadas durante dicho periodo, solo encontradas al final.

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Periodo gótico

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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

Su inicio es fruto del gran desarrollo económico, cultural y científico de Europa Occidental

entre los siglos XII y XVI, que al igual que en periodo anterior las nuevas formas nacen de

la espiritualidad religiosa. Es la evolución del arte románico y se desarrolla hasta bien

entrado el renacimiento. Surge en Francia y se desarrolla en todo Occidente y tuvo

diferentes desarrollos temporales dependiendo de la zona.

Frente a un románico que refleja una sociedad ruralizada, el gótico coincide con un gran

desarrollo urbano y lleva a su máxima expresión a las catedrales. La arquitectura

independiza a las otras artes plásticas, las cuales ya no se encuentran subordinadas a lo

arquitectónico. Sus mejores ejemplos se encuentran en Francia, Alemania, Inglaterra y

España.

Frente a las oscuras iglesias rurales del románico, el gótico llena de luz a las catedrales,

aunque existe una continuidad en el predominio de lo religioso en el arte.

El desarrollo del capitalismo conlleva a las obras del gótico representen verdaderos

desafíos económicos haciendo que la grandes obras por su largo periodo de finalización

desarrollen en las mismas una sucesión de estilos arquitectónicos. La mayoría sabía que

al iniciar sus obras, que seguramente no la verían finalizada, incluso sus hijos y nietos.

Incluso se implementan desafíos técnicos y económicos, muchas veces por rivalidad

política, que hacen al iniciar una obra no se planifique su finalización, ejemplos de esto

son las catedrales de Siena y Florencia.

El gótico se corresponde con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas, tendiendo a

llevar a las figuras divinas se aproximen más a lo humano, llenándolos de emociones.

También comienza un avance en la perspectiva y en cuestiones como los soportes para

un mejor desarrollo del arte mobiliario. Las artes decorativas y suntuarias tuvieron un

amplio desarrollo.

Todavía no hay una consideración liberal del arte y el artista, quedando a consideración

de simples artesanos, el artista no alcanzaba aun su carácter profesional.

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Rasgos generales del periodo artístico

El auge de las ciudades, el fortalecimiento del poder real y la mejora de las técnicas de

permitieron construir catedrales que representaban el poder político de la ciudad

Sus elementos característicos en la construcción son la bóveda de crucería, el arco ojival

y los arbotantes. El peso de la bóveda que el románico se ejercía con una presión

horizontal, en el gótico se concentraba en ángulos donde confluyen las fuerzas de la

bóveda y contrarrestado por los arbotantes, medios arcos adosado al muro, que las

liberan de soportar el peso total Esto permitió elevar la altura de los muros, dando una

gran verticalidad a las catedrales góticas, a lo que también permite la abertura de grandes

ventanales decorados con vidriería y llenando de luminosidad a las construcciones. Los

primeros ejemplos clásicos de esta arquitectura son la iglesia de Saint Denis (1132) y

Notre-Dame (1163-1245). Desde aquí se extendió hacia el resto de Europa.

En los últimos siglos evoluciono hacia el estilo flamígero, que se caracterizó por la

complejidad de sus crucerías y arcos, y la riqueza decorativa de las catedrales. Hubo un

auge en lo civil, sobre todo en los palacios de gobierno. En las catedrales se mantiene la

cruz latina.

La escultura comenzó con la continuación de las tallas decorativas de las obras

arquitectónicas, cumpliendo la función moralista y evangelizadora del románico, pero de a

poco se va emancipando hacia el abandono del relieve por bulto redondo. Existe una

influencia romana y griega en su estilo. La escultura francesa influenció más a la escultura

española y alemana, siendo las escultura inglesa más limitada a monumentos funerarios y

decoraciones no figurativas, esto seguramente producto a la iconoclastia cisterciense.

La pintura nace posterior a la arquitectura y la escultura, no encontrándose claramente un

punto de transición entre románico y gótico, pero tienen una clara diferencia viéndose en

el gótico un estilo sombrío, oscuro y emotivo que el periodo anterior. Se considera que

este quiebre podría verse en Francia alrededor del 1200, en Alemania en el 1220 y

aproximadamente al 1300 en Italia.

El gótico aumenta el realismo y naturalismo, buscando una aproximación de la naturaleza

que será el ideal renacentista. La pintura durante el gótico desarrollo cuatro técnicas:

Frescos

Vidrierías

Pintura sobre tabla

Miniaturas

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Análisis8 de un ejemplo arquitectónico

Nôtre-Dame (1163-1245), su autor es desconocido, se sabe que Juan de Chelles hizo la

fachada del crucero meridional, pero esto fue casi medio siglo después de la

consagración del altar mayor.

La catedral está formada por dos torres de 69 metros de altura que le da un carácter

espigado monumental. Esta catedral se encuentra en Île de la Cité, núcleo geográfico

desde donde floreció posteriormente París. Más allá que las torres se terminaron hacia la

mitad del siglo XIII, algunas secciones siguieron avanzando hasta bien entrado el siglo

XIV.

Esta catedral posee plana de cruz latina, con un cuerpo de cinco naves con dos capillas

laterales, donde la capilla mayor está rodeada por una girola o deambulatorio de doble

nave, entendiéndose a la girola como el espacio que rodea al altar mayor.

Presenta las características de otros templos góticos temprano, con sus 3 pisos

característicos: primer nivel con arcos formeros apuntados sobre columnas, segundo nivel

con una tribuna comunicada con la nave central, y un tercer nivel de ventanales. Se

denota una configuración simétrica en las torres dando una fachada armónica.

El rosetón y las anchas ventanas ojivales y la galería de columnas otorgan a la fachada,

además del tratamiento decorativo, transparencia y ligereza en sus parte altas. Al

adentrarse su interior presenta naves divididas por filas de columnas con fustes

cilíndricos, con soporte monótonos, terminando en sus capiteles con ornamentación

vegetal de flora de la región de París.

El ornamento esculpido, debido a su relieve, dota a las torres de un bonito juego de

sombras y luces.

La calidad escultórica es extraordinaria debido a que aquí se encontraba la corte, el

centro del reino y fueron capaces de traer a los mejores maestros en todos los ramos.

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Análisis8 de un ejemplo escultórico

La fachada oeste de Nôtre-Dame tiene tres puertas: Puerta de Santa Ana al sur, Puerta

del Juicio Final en la parte central y Puerta de la Virgen al norte. Aquí nos centraremos en

la puerta del juicio final o central.

Data de principios del siglo XIII, aunque hay que tener cuidado en su observación ya que

posee restauraciones del siglo XIX. Cuenta con tres registros:

En el superior aparece Cristo-Hombre, con ángeles, uno a cada lado, portando los

elementos de la pasión, intercedidos por San Juan y María. El Cristo humanizado es típico

de gótico, dotándolo, más bien reforzando su naturaleza humana.

El friso inferior es una reparación hecho en el siglo XIX, de Viollet Le Duc, pero que busca

reproducir los restos que sobrevivieron a la revolución. Representa la resurrección de los

fallecidos para que sean juzgados por Cristo, donde los muertos salen de los sepulcros,

mientras ángeles tocan trompeteas anunciando el juicio final.

En el registro central se presenta a los bienaventurados, mirando a Cristo mientras el

arcángel San Miguel pesa las almas y los demonios que tratan de inclinar la balanza a su

favor. Los condenados aparecen encadenados y empujados por otros demonios al

abismo.

El gran espacio permite una gran ilustración de la escena con una gran cantidad de

figuras. La temática del juicio final se continúa en las arquivoltas, mostrando los extremos

del mundo, condenados a la derecha, bienaventurados a la izquierda. Con un gran

espacio para la representación, se ofrece una vasta lista de personajes tales como

ángeles, patriarcas, demonios, etc.

La parte de los bienaventurados se muestra ordenada y con poca expresividad, mientras

que los condenados mostraban una gran expresividad, desorden y agitación fruto del

sufrimiento. En el zócalo de las jambas fue elegido para colocar los vicios, virtudes y

signos zodiacales, poseedoras de una gran belleza y técnica.

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Análisis8 de un ejemplo de pintura

Políptico de Gante o La Adoración del Cordero Místico, datado del 1432, es un óleo sobre

tabla hecho por Jan Van Eyck y Hubert Van Eyck, por encargo de Joos Vyd, consta de

doce tablas al óleo. Abierto mide 340x440cm, siendo así uno de los de mayor dimensión

del norte de Europa en el siglo XV.

El tema central es bíblico, versa sobre la redención del hombre por el sacrificio de Jesús.

Ofrecía una lectura cristiana desde la anunciación (en su exterior) hasta la adoración (en

su interior). Normalmente se mostraba cerrado, pero en las festividades se abría. La

apertura del mismo dejaba ver un colorido magnífico, de colores vivos, de las

representaciones de su interior. Más allá del simbolismo cristiano, estos oleos presentan

un simbolismo esotérico escondido, junto a una serie de referencia cultas a la pintura

italiana. Su simbolismo fue reelaborado a través del pintor renacentista Masaccio que le

confirió simbolismo más allá de los elementos visibles. El político es considerado un hito

en la historia del arte debido a que marca la transición de la pintura gótica a la del

Renacimiento.

En la parte posterior se presentan colores más sobrios con respecto a la vista interior. En

esta parte exterior observamos en la parte superior 4 figuras que predicen la llegada de

Cristo, dos de ellas pertenecen a la tradición pagana y dos a las bíblicas Las dos sibilas

representan profetisas de la mitología griega, y luego tenemos a Zacarías y Miqueas.

, las cuales a través de su mirada o su posicionamiento dirigen la composición hacia el

centro donde se encuentran el arcángel Miguel y la virgen María, la anunciación.

Debajo los donantes Joos Vijdt y Lysbette Borluut con sus santos protectores al centro,

Juan Bautista y san Juan Evangelista.

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Herencia del periodo gótico en la actualidad

El arte gótico en la actualidad es protagonista de múltiples elogios y estudios por parte de

investigadores, historiadores e ingenieros, debido a que como en diversas obras del

periodo, para llegar a realizar una obra se tardó mucho, hasta casi 200 años en algunos

casos, para terminar la construcción. La visión de los artistas y arquitectos de la época,

hay que tener presente, era a futuro. La realización de las megas construcciones tenían

como fin su disfrute para futuras generaciones.

En la actualidad existen enigmas sobre la elaboración de algunos edificios, puesto que ni

siquiera en el siglo XIX se ha llegado a resolver como se edificaron ciertas

construcciones, ni arquitectos, ni ingenieros lo han llegado a revelar.

En el siglo XIX el entusiasmo romántico por lo medieval llevó a la restauración de edificios

góticos, por lo que se llego incluso a establecer un estilo neogótico, a imitación del original

y marcando una diferencia desde aquí con lo romántico.

Hoy en día se presentan algunos edificios, religiosos de estilo neogótico, en nuestro país,

un ejemplo de eso es la Iglesia de las Carmelitas.

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Periodo renacentista

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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

Este periodo comprende los siglos XV y XVI, se caracteriza por ser un momento de

ruptura de la historia de la arquitectura y el arte, sobre todo un quiebre con el gótico. Se

divide a la historia de la arquitectura en dos grandes periodos:

Siglo XV o Renacimiento Temprano o Quattrocento

Siglo XVI o Cinquecento, dividido a su vez en la fase final o de madurez, y la fase llamada

manierismo o bajo renacimiento o renacimiento tardío.

Giorgio Vasari formuló la idea del nuevo nacimiento del arte antiguo que suponía una

conciencia histórica individual, de hecho el renacimiento marca la ruptura de la tradición

artística de la edad media, a la que calificó al estilo medieval como un estilo de bárbaros.

En renacimiento supone una nueva forma de entender el arte, las artes liberales ahora

están bajo protección de los príncipes y burguesía, naciendo así los mecenas como las

familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi.

El periodo del Quattrocento comprende el desarrollo temprano que se desarrolla en Italia.

Luego el periodo del Cinquecento o alto renacimiento se centra en el primera cuarto del

siglo XVI. Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de

Europa se mantiene el gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener,

salvo casos concretos, hasta el siglo XVI.

En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, la considerará como

un legado nacional, cosa que proporcionó una amplia base para una evolución estilística,

siendo aquí el precedente de todas las naciones. Fuera de Italia la antigüedad clásica

supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo del Renacimiento dependerá

constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o

formados allí hicieron el papel de transmisores del arte renacentista.

Un caso puntual es Inglaterra donde las formas del Renacimiento tardarían mucho más

tiempo en imponerse que en España o Francia, recién a finales del siglo XVI y comienzos

del XVII la arquitectura isabelina significo una apertura hacia la arquitectura italiana,

aunque también recibió influencias de la arquitectura inglesa.

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Rasgos generales del periodo artístico

La Arquitectura del Renacimiento estuvo relacionada con una visión del mundo sostenida

en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo. Igualmente aunque el

Renacimiento representa una ruptura rotunda con el medievo, las ideas no surgieron las

ideas no nacieron totalmente desprendida de este, buscaron sí desprenderse del acervo

gótico. Podemos destacar cuatro rasgos generales del periodo arquitectónico:

Búsqueda del ideal clásico con clasicismo, los hombres miraban al mundo greco-

romano como modelo para su sociedad, donde los conceptos de belleza fueron

objeto de concreción siguiendo los fundamentos clásicos.

Visión profana sobre los temas religiosos, desde la visión del cristianismo, que

tuvo gran influencia, dado que al surgir en Italia, la iglesia católica fue decisiva

para su arte, donde los valores fueron considerados paganos.

Influencia de la naturaleza debido a que esta era vista como la creación suprema

de la obra de Dios y lo más próximo a la creación y por ende la perfección. Por eso

se pasa a la inspiración en la naturaleza.

Antropocentrismo y humanismo, se vuelve su mirada al ser humano, se deja atrás

el teocentrismo medieval, en vez de ser creado a imagen de Dios, es tomado

como medida y referencia del Universo.

Otra realidad del renacimiento es la espacialidad con la incorporación de la

perspectiva, noción de diseño como forma de conocimiento. El dominio del lenguaje

clásico llega a los edificios haciendo posible el estudio del espacio perspectivo.

El arte renacentista va unido al ideal y la concepción realista de la ciencia. La

matemática se va convertir en la principal ayuda del arte que se preocupa en

fundamentar racionalmente el ideal de belleza.

El artista presupone una formación científica que le hace liberarse de las actitudes

medievales y elevarlo a rangos sociales superiores.

Los elementos constructivos son el arco de punto y columnas sustentadas por cúpula,

bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones. Los elementos decorativos son la

pilastra, frontones, pórticos, decoración heráldica, voluta, guirnaldas y medallones,

entre otras.

Desde un principio tuvo carácter profano y surgió en una ciudad en donde el Gótico

apenas había llegado, Florencia. La forma tradicional en templos es la planta central,

de origen romano.

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Análisis8 de un ejemplo arquitectónico

Basílica de San Lorenzo, construida entre 1418 – 1470 por Filippo Brunelleschi a encargo

de Cosme Medici. La dirección de su construcción estuvo a cargo de Michelozzo y

Manetti, y en su interior destacan la Sacritía Vieja y Nueva diseñandas la vieja por el

propia Brunelleschi, y la nueva por Miguel Ángel.

En un principio la construcción había sido decidida por ocho familias florentinas con la

idea que la iglesia contuviera una capilla para cada una de ellas, pero finalmente solo

Cosme Medici pudo hacer frente a esos gastos y fue el único que inicio la construcción.

Se intentaba crear una obra comparable con a las de la antigüedad al recuperar modelos

de las basílicas cristianas. Opta por la planta de cruz, capillas adosadas a los lados, tres

naves longitudinales, techumbre adintelada y arcos de medio punto romanos, además de

capiteles compuestos. La fachada se encuentra inconclusa.

Está inspirada de la basílica de Santa Cruz, gótica, dividida en 3 naves con capillas

laterales, en el centro del crucero tenemos una cúpula, con planta de cruz latina. La

cúpula dispuesta, es una cúpula de linterna. El especio quedó matemática y

geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actúa como

medida de las proporciones con referencia a la figura humana.

Los elementos dispuestos buscan la armonía y la belleza siguiendo lineamientos de las

primeras basílicas cristianas, además posee capiteles corintios de frondosa decoración

sustentados sobre columnas monolíticas. Además se jugó con alternancias de colores

tratando de lograr el bicromatismo propio de la arquitectura tradicional florentina.

La luz proviene de las ventanas y el techo tiene casetones copiados del Panteón de

Agripa. La graduación luminosa acentúa la perspectiva.

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Análisis8 de un ejemplo escultórico

Piedad del Vaticano, Ciudad del Vaticano, en mármol, creado entre 1498-1499 por Miguel

Ángel, ubicada en la Basílica de San Pedro. Sus dimensiones son 174 por 195cm.

Esta obra puede ser vista desde todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el

frontal.

Representa a la Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con

numerosos pliegues, sosteniendo a Cristo muerto, quien intencionalmente representa

mayor edad que la madre. La juventud es un idealismo propio renacentista, que se extrae

de la escultura clásica. Vasari dijo que es una obra que ningún artífice podrá añadir en

dibujo, ni en gracia, ni en fortaleza, ni en el cincelado del mármol.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Bilhéres de Lagraulas. El escultor

no opta por representar el tema de la Virgen con Cristo muerto sin recurrir al dramatismo

extremo con el que se había tratado el tema gótico final, sino que se intenta mostrar la

aceptación de su destino. Además en la belleza de María lo que se quiere representar es

su belleza de espíritu.

Tan sólo las llagas de las manos y pies y herida del costado nos recuerdan la pasión. El

rostro de María no tiene expresión de llanto o dolor exacerbado, sino un dolor comedido,

dado que ella conoce el destino al que estaba asignado.

El pulido es tal que el reflejo que toman los pliegues crean un juego de luces y sombras

de gran belleza plástica.

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Análisis8 de un ejemplo de pintura

La escuela de Atenas de Rafael Sanzio, hecha en boceto entre 1509 – 1510, y pintada

entre 1510 -1512, es una pintura en fresco sobre muro y está ubicada en el Vaticano. Sus

medidas son 500x770cm.

Contiene alrededor de 50 figuras que se encuentran en la escuela de Atenas, es típico

renacentista, cosa que denotan los arcos representados en las figura. Los actores más

importantes de la composición son Platón y Aristóteles. Representa la valorización de la

cultura clásica a través de la narración de una cesión entre filósofos, científicos y

matemáticos más importantes de la época.

Este cuadro consta con imágenes figurativas ya que se reconocen cosas de la realidad,

tiene cierta simetría y una estructura estática. El espacio es bidimensional pero sugiere lo

tridimensional debido a la perspectiva, una perspectiva cónica.

Sus formas no son geométricas, son orgánicas ya que se asocian con lo vivo. En cuanto a

los colores es una obra policromática, tendiente a colores locales.

Los filósofos: la identidad de algunos filósofos dentro de la pintura, como Platón y

Aristóteles, está clara, pero algunos estudiosos no coinciden con las de otros. Igualmente

existe una clasificación de los integrantes que es discutible.

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Herencia del periodo RENACENTISTA en la actualidad

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Manierismo

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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa en

el cinquecento italiano, décadas centrales y finales del siglo XVI, como última parte del

renacimiento, un bajo renacimiento. Se definió, aunque su clasificación es problemática,

como la imitación de la maniera de los grandes maestros. Por ejemplo Tintoretto

pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano.

El origen del término “manierista” proviene de la palabra italiana maniera que significa

“personalidad artística” o “estilo” en lo más amplio de la palabra. Vasari teoriza sobre el

concepto, diciendo que representa la maniera, el elemento individual del arte. Representa

las fases temporales y estilísticas, la maniera griega, la maniera romana.

También se hace referencia que representa “alla maniera di”, a la manera de, es decir

siguiendo una línea de Da Vinci, Rafael o Miguel, pero a su vez manteniendo una clara

personalidad artística.

En el siglo XVII los clasicistas académicos usaron el término manierista de manera

peyorativa, se entendía como una fría técnica imitativa de los grandes maestros,

simplemente un ejercicio rebuscado.

A resultas de este desarrollo se dio una vuelta más a un estilo que se estaba agotando

dentro de los rígidos esquemas del canon. Así, en círculos independientes, como las

cortes privadas de ciertos príncipes y algunos núcleos de intelectuales, se patrocinó un

arte exagerado, críptico a veces, sólo apto para iniciados y paladares exquisitos.

Se lo ha intentado periodizar, aunque no hay un consenso para determinar en cuantas

partes o si tiene periodos, y cuáles son las duraciones. Se establecen por consenso tres

periodos:

Manierismo inicial o fase anticlásica, del 1515-1530 o 1550, con un contraste con

el clasicismo del Alto Renacimiento; o Manierismo tardío gótico, fuera de Italia,

donde se desarrollaron estilos híbridos locales.

Alto Manierismo en las décadas centrales del siglo XVI, ya consolidado como

estilo dominante, pero no único, en toda Europa. Acentuó el virtuosismo y el

intelectualismo.

Manierismo final en Italia desde 1580-90 y sobre el resto de Europa ya muy

avanzado el siglo XVII. Finalmente se termina confundiendo con el barroco y

desaparece.

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Rasgos generales del periodo artístico

Al Manierismo se lo entendió al principio como una imitación de la manera (maniera) de

los grandes maestros, luego se la entendió como una reacción hacia el ideal clasicista

contra el ideal de belleza y complicación laberíntica. Se exagera los movimientos, las

texturas, alteración del orden de los elementos del orden arquitectónico que representa

ese exceso que luego caracterizó al barroco y la violación de la figura como era entendida

en el renacimiento.

El Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte

como un estilo extravagante, decadente y degenerativo, cuya elegancia no fue

revalorizada hasta el siglo XX.

El arte italiano considera que el inicio del manierismo parte de un hecho violento e

histórico, el saqueo de Roma en 1527, que puso fin a la centralidad que tuvo la ciudad

papal, dispersando a los artistas y cambiando concepciones por las influencias.

La época coincide con la extensión de la influencia del Renacimiento italiano por toda

Europa occidental, de modo que el Renacimiento español o el Renacimiento nórdico se

solapan temporalmente con el Manierismo español y el Manierismo nórdico. Como

reacción al Manierismo, surgió en Italia la Contramaniera a mediados del siglo XVI.

En cuanto a lo arquitectónico todavía se mantienen las convenciones alto-renacentistas

de representaciones urbanas. La arquitectura manierista  es aquella fase de

la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de

la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca.

Rechazaba el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose más bien

en el contraste de normas. La carga pierde su peso mientras que el sostén no sostiene

nada, el punto de fuga no se concluye en un punto focal, como en la arquitectura barroca,

sino que terminan en nada, las estructuras verticales se tornan excesivas y le dan al

conjunto un equilibrio oscilante.

En lo decorativo aparece el fenómeno de lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del

imperio romano, redescubierto a fines del siglo XVI. Estas pinturas irracionales y

fantásticas están de moda durante el manierismo, por ejemplo las decoraciones del

Palacio de Te.

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Análisis de un ejemplo escultórico

La Iglesia del Gesù  o Iglesia del Santo Nombre de Jesús, situada en la plaza de Gesù en

Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús, un orden religioso de la iglesia

Católica. Su fachada es concebida con un precursor del barroco.

Fue concebida por primera vez en 1551 por San Ignacio de Loyola, el fundador de la

compañía de Jesús, y activo durante la Reforma Protestante y posterior Contrareforma, el

Gesù fue también el hogar del General Superior de la Compañía de Jesús hasta la

supresión del orden en 1773.

Aunque Miguel Ángel se ofreció a diseñar la iglesia gratis. Finalmente los principales

arquitectos Jacobo Vignola y Giacomo della Porta. La construcción comenzó en 1568 y

fue construida de acuerdo con las nuevas exigencias formuladas durante el Concilio de

Trento. No hay nártex, el visitante es proyectado inmediatamente en el cuerpo de la

iglesia, una simple nave central sin naves laterales, de manera que la congregación esté

junta y concentrada en el altar mayor. En lugar de naves laterales hay una serie de

capillas interconectadas detrás de entradas en forma de arco, cuya entrada está

controlada por balaustradas decorativas con rejas.

La cúpula descansa sobre prominentes pilares del crucero, además por todos lados

revestimientos de mármol policromado incrustados son puestos de relieve gracias a los

dorados. Las bóvedas de cañón pintadas al fresco enriquecen la techumbre y retóricas

esculturas de mármol y estuco blanco. El ejemplo de Gesú no eliminó completamente la

tradicional iglesia basilical con naves laterales, pero después de que se asentara su

ejemplo, los experimentos con el plano de las iglesias barrocas, ovales o de cruz griega,

quedaron en gran medida limitadas a iglesias menores y capillas.

El rasgo más llamativo de la decoración interior es el fresco del techo: el Grandioso

Triunfo del Nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli. Gaulli también pintó al fresco la

cúpula.

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Análisis de un ejemplo escultórico

Perseo de Cellini, Florencia, 1545-1554, por Benvenuto Cellini. Escultura realizada

en bronce, de 320cm, considerada una de las obras cumbre de la

escultura manierista1 italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della

Signoria en Florencia, Italia. Esta estatua representa el triunfo de los Médicis sobre la

República de Florencia.:

Perseo se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto pedestal y

soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio por la línea abierta

(brazo separado). Se separa ligeramente del clasicismo por la modificación de los

cánones. No busca un ideal sino una pose humana que ofrezca una posición dinámica.

Representa el momento exacto de la decapitación de la Medusa, cuyo cuerpo pisotea.

Presenta dinamismo reflejado en el ligero contraposto de la pierna

El momento es intenso, pues Perseo mantiene la cabeza sangrante del monstruo con su

brazo izquierdo, el héroe todavía contiene la espada sangrante en su mano, además que

de la cabeza brota sangre a chorros, mientras las serpientes se retuercen.

La figura de Perseo se levanta sobre un pedestal, con gran variedad de adornos:

imágenes de máscaras, guirnaldas y cariátides manifiestan el trabajo de orfebrería del

artista. Sobresalen las cuatro estatuillas de bronce. El pedestal de Perseo reúne una serie

de elementos romanos y renacentistas propios de este escultor manierista.

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Análisis de un ejemplo de pinturas

Pontormo, Descendimiento de Cristo, 1528; Santa Felicità, Florencia.

Es el cuadro más conocido del artista italiano Pontormo. Se trata de un óleo que se

encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de Florencia, Italia. Tiene

unas dimensiones de 3,13 metros de alto por 1,92 m de ancho. Tardó tres años en acabar

este óvalo, desde 1525 hasta 1528.

 Es una de las creaciones del manierismo que marca las pautas para el futuro. La pintura

plasma un momento que, tradicionalmente, se ha considerado que es el de la deposición

de la cruz, aunque no hay ningún signo externo que lo evidencia: no hay referencias

al Gólgota, ni aparece la cruz. No puede ser un entierro de Cristo tampoco, pues falta el

sepulcro. Ni una Piedad, ya que no se observa una relación inmediata entre la Virgen y

Cristo.

El Descendimiento de Cristo es una de las obras más innovadoras del Cinquecento,

introduciendo Pontormo diferentes elementos típicamente manieristas. La simetría de las

obras Quattrocentistas se rompe para dejar paso a una composición ambigua, en la que

desaparecen las referencias arquitectónicas y la perspectiva tradicional para ubicar a los

personajes en un primer plano. La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura

retorcida que tiene su continuidad en los jóvenes que portan el pesado cuerpo.

En un segundo plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema

piramidal que se cierra con la mujer de la línea central. El empleo de una luz fría

transforma los colores que se convierten en irreales.

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Herencia del periodo manierista en la actualidad

A inicios de siglo XX, a la luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la

crítica revaloró la cultura manierista. El manierismo se consolido con un carácter artístico

independiente e identidad propia, es decir pasó de una valoración peyorativa del témino a

una acepción que la define con valores propios.

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BARROCO

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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo

Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre desde el siglo XVII al

XVIII. La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de

madures en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de

ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo.

Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera

sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la

complejidad barrocas. El papado reaccionó contra la división que provocó la reforma

iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la Contrarreforma.

La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio de

la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se puede afirmar que el

barroco es la expresión estética de la Contrarreforma.

Los orígenes de la palabra barroco no están claros. Podría derivar del

portugués barocco o del castellano barrueco, término que designa a un tipo de perlas de

forma irregular. La palabra es un epíteto acuñado con posterioridad y con connotaciones

negativas, que no define el estilo al que hace referencia. De cualquier modo, a finales del

siglo XVIII el término barroco pasó a formar parte del vocabulario de la crítica de arte

como una etiqueta para definir el estilo artístico del siglo XVII.

El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Podría parecer confuso,

por ejemplo, clasificar como barrocos a dos artistas tan diferentes como Rembrandt y

Gian Lorenzo Bernini; no obstante, y pese a las diferencias, su obra tiene indudables

elementos en común propios del barroco, como la preocupación por el potencial

dramático de la luz.

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Bibliografía

Historia general del arte, tomo 2, 3 y 4, Contenau, Georges,

Historia general del arte, tomo 2 y 3 Huisman, Georges,

webgrafía

www.artehistoria.com

http://arte.laguia2000.com/

https://es.wikipedia.org

www.arteguias.com

blogarteehistoria.blogspot.com

http://www.historiadelarte.us/

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