phillippe starck
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ÍNDICE
Biografía y Obra 1
Phillipp Starck en su contexto histórico.
Documentación Gráfica 18
Obra de Phillippe Starck.
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”El diseño no sirve para nada. Me avergüenzo de ser diseñador. Hace tres o
cuatro años, entregue mi empresa a la gente que trabaja para mí. Quiero
implicarme menos. Ya no me interesan los arquitectos y los diseñadores, y ya
no quiero hablar de diseño...Nunca dejó de producir, pero podría decirse que lo
hago por puro ocio”. (Entrevista en Die Zeit)
Phillippe Starck (1), considerado un “chico rebelde”, es apreciado por sus cualidades
de culto e inteligente autodidacta, de creador libre de conformismos, y, a la vez,
poseedor de una grandísima profesionalidad.
Ensayar una definición ideológica o estilística de Philippe Starck sería, seguramente,
quedar atrapados en un sin fin de valores y formulas excluyentes de otros estilos
Echar mano, que para eso está, de un vocablo generosamente neutral, el eclecticismo,
por medio del cual uno se reserva el placer de disfrutar sin culpa de todo cuanto le
parece bueno, venga de donde venga. Pero tampoco esta disposición abierta del
espíritu resultada en absoluto reveladora, ya que se trata del recurso hoy en boga para
decir, con pretensión filosófica, que “uno opta en cada momento por lo que le viene en
gana” y eso a menudo no depende de otra cosa que de los altibajos del humor… Es
difícil entender esta forma tan libre de pensar, pero en mi opinión es importante dejar a
cada uno la autoría de sus propios juicios con respecto a Philippe Starck.
Puede ser considerado el heredero de la tradición aeroespacial francesa, gracias, en
parte, a que su padre fue un reconocido diseñador de aeroplanos. Por este motivo sus
productos están todos organizados según secciones aerodinámicas, estructuras
súperligeras y arcos apuntados. Su empeño profesional se ha encaminado hacia la
búsqueda de una nueva calidad de vida a través de la experimentación constante de
tecnologías que permiten ensayar posibilidades expresivas inéditas.
La búsqueda de Starck se ha venido desarrollando entre la tensión de abandonar el
trabajo estético por una urgencia de tipo político-social, y la indagación de las
posibilidades expresivas de los materiales empleados. En realidad, diseña
instintivamente y con ironía, proponiéndose a sí mismo como icono de sus propios
productos, en una tradición entre la fantasía y la inteligencia típica del “chico de
campo” francés, aparentemente ingenuo, pero a la hora de la verdad atento estratega
de la película publicitaria de su propia firma.
Nació el 18 de enero de 1949 en París y cursará sus estudios en la escuela privada
Notre Dame de Santa-Cruz a Neuilly-sur-Seine y luego en la Escuela Nissim de
Camondo en París. Pasó su infancia bajo la mesa de dibujo de su padre el cual, según
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el propio Starck dice, le transmitió el deseo de crear y la capacidad de soñar. De niño,
pertenecía a ese tipo de escolares a quienes el ritmo académico aburre hasta la llegar
al absentismo, a falta de estímulos creativos más fuerte.
Las décadas de 1960 y 1970 estuvieron marcadas por la internacionalización de la
cultura y el desarrollo de la industria cultural. También estuvo marcada por grandes
conflictos bélicos, como la Guerra de Vietnam (1964 – 1975) y la crisis energética
consecuencia directa de la cuarta guerra árabe-israelí que estalló en octubre de 1973,
dando lugar a un aumento del 300% en el precio del crudo durante tres meses. Por
otra parte, caen las dictaduras de España y Portugal, con la Revolución de los
Claveles de 1974 en este último. El joven Phillipe tenía 25 años y ya había demostrado
su instinto empresarial al abrir una compañía para el diseño y la producción de objetos
hinchables en 1968 y se había convertido en director artístico de Pierre Cardin en el
año 1969. Sus primeros trabajos importantes datan de los años setenta. En 1974,
monta Starck Products estableciéndose en los Estados Unidos, en pleno escándalo
Waltergate, por el que el presidente Richard Nixon presenta su dimisión. A finales de
los setenta recibe el encargo para el proyecto de un local nocturno en París, el Night
Club Le Bains Douches que marcó un hito en su carrera. En cuanto a sus diseños de
objetos y productos podemos destacar la luminaria Easylight (2), de 1979, un aparato
que evoca la simplicidad formal total al tiempo que realza su estilo industrializado.
Como podemos ver por sus primeras obras, su diseño estuvo muy condicionado por
aquellos tiempos en que las producciones artísticas y las corrientes culturales
profundizaron más en el centro del sistema capitalista y se propagaron rápidamente
desde Europa y Estados Unidos. Algunas de esas producciones como los Beatles, los
Rolling Stones, el cine “de protesta” y el “de reflexión” tuvieron un vigoroso impacto
entre los sectores juveniles, creando corrientes de mal estar y revolución.
La cultura y sociedad en los años sesenta y setenta, estuvieron plasmados por el
protagonismo de los jóvenes. El deseo de cambios revolucionarios y la necesidad de
adoptar actitudes radicales, vanguardistas y de ruptura con el sistema, fueron las
notas distintivas de la cultura de una gran parte de la sociedad en aquellos años. Se
crean nuevos grupos feministas, al tiempo que se enfatiza en estos años la Revolución
Sexual, que tuvo su inicio en la década de 1950 y su máximo desarrollo entre 1960 y
1980.Casi ninguna esfera de la vida cultural estuvo ajena a ese espíritu cuestionador y
de transformación de todo lo existente, en el que se entremezclaron las influencias de
la globalización con las raíces nacionales y populares de cada región. Una generación
joven de rockeros, folcloristas, artistas de vanguardia, intelectuales y militantes
políticos fueron la expresión de esos anhelos y utopías.
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Por influencia de todo esto, aparecerá primero en Reino Unido y después en algunos
países del norte de Europa y Estados Unidos el fenómeno Punk, un género
musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970.
“El punk es la lucha constante contra el miedo de las repercusiones sociales.”
Greg Graffin vocalista de BadReligion.
En su naturaleza original, la cultura del Punk ha sido principalmente la de la libertad
individual, con conceptos tales como el individualismo y el pensamiento libre. La
ideología Punk contiene muy a menudo una visión crítica del mundo, presentando a
las sociedades modernas como limitadoras de la humanidad. La forma originaria del
Punk era una forma expresionista de transgresión, buscando liberarse de los corsés
estéticos y de la opresión, de la autoridad y en no estar de acuerdo en la sociedad
convencional, así como de los estigmas sociales, siendo siempre lo "políticamente
incorrecto", lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradición. A pesar de todo en las
décadas posteriores, se verá absorbido por una oleada comercial y derivará en otros
movimientos fuera de este género, de los cuales el más representativo es el Pop.
Es importante aclarar que no se puede analizar la línea en que fue discurriendo el arte
de este último cuarto de siglo a partir de 1975. El arte contemporáneo y como nos
acercamos a él ha cambiado mucho desde la década de los sesenta, aún más en la de
los setenta. Una de las razones fundamentales estriba en la inexistencia de un estilo
único, así como, y más en la actualidad, por la interrelación entre artistas y estilos de
distintos lugares del mundo, hecho más que favorecido por los medios de
comunicación. A partir de los años setenta dejará de lado las vanguardias de la
primera mitad del siglo XX (cubismo, fauvismo, surrealismo...) al tiempo que el arte
occidental ya no regentará su hegemonía como movimiento, sino que se valorarán las
culturas de otras regiones no solo como un mero objeto exótico que influye en los
artistas, sino que también alcanzará un valor propio. Por otra parte, los años ochenta
estarán muy influidos y serán una consecuencia directa de las dos décadas anteriores.
Volviendo a Phillippe, en 1983, recibió el encargo de trabajar para el presidente de la
República Francesa, François Mitterrand. Este le encargó la decoración interior de los
apartamentos privados del Palacio del Elíseo (3), asunto que Starck resolvió
basándose en la tradición de lujo y elegancia de las artes decorativas francesas. A raíz
de este proyecto recibe su primer reconocimiento público. En una entrevista con
Matilde M. Oriola (especial revista On84, Phillippe Starck) afirma que “En este trabajo
lo que yo quería era coordinar funcionalismo y estética. Al final, hice la habitación de
dormir y la biblioteca, que son lugares muy sofisticados. Por ejemplo, las cortinas
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funcionan con un sistema de contrapesos que provoca un plegado automático; cuando
tocas algo... up! up!, hay cables que se mueven y hacen que la caída de la cortina se
parezca a la bajada del telón en el teatro. C´estamusan! […] No hay ninguna razón
para que hoy en día la gente siga viviendo con los muebles de sus abuelos.”
Centrándonos en el mobiliario, destaca sobre todo el diseño del sillón Richard III, un
mueble atado al mismo tiempo a la tradición francesa y a la industria con un gran
porcentaje de humor e ironía. Podríamos denominarlo mueble “carcasa” ya que, su
fachada aparenta un aspecto austero pero regio, mientras que si lo estudiamos bien,
caemos en la cuenta de nuestro engaño. En definitiva es un juego de transgresión e
ironía sobre el “buen gusto”.
En esta época comienza también a diseñar muebles y a dirigir empresas italianas e
internacionales. A mediados de los ochenta realiza la decoración de los interiores del
Café Costes (4) en París y se encarga de los interiores del café Manin en Tokio.
También fue el responsable de la decoración de los interiores del Hotel Royalton de
Nueva York y proyectó los planos para los locales de la cuchillería francesa Lagouiole.
Volviendo al Café Costes, algunos diseñadores y críticos lo han considerado como la
obre maestra del Posmodernismo, otros lo ven un lugar retro, otros un local
expresionista alemán y, como el propio Phillipe afirma, otros ven lo que quieren. Para
concretar, podemos decir que es un lugar puramente funcionalista, que ha sido
concebido para que todo el mundo encuentre allí lo que quiera. “Café Costes es
esencialmente un ejercicio semántico, un volver otra vez sobre la comunicación,
porque lo único que quería el propietario era hacer un local popular que gustara a todo
el mundo”. En este espacio podemos encontrar uno de los más aplaudidos trabajos del
diseñador: La Silla Costes, diseñada en un principio para este local y uno de sus
clásicos más reconocidos. El diseño de esta silla, con sólo tres patas, responde a la
necesidad de facilitar la labor de los camareros del café. El cojín acolchado ofrece
comodidad, mientras que el respaldo curvo y las tres patas crean el perfil visual
artístico de la pieza y de su apariencia moderna.
A finales de los ochenta construye el barco "La Fiamma" para la empresa Asahi y
construye el edificio Nani Nani para Rikugo en Tokio. Además se ocupó del diseño de
interiores del Teatriz y del Ramses en Madrid y fue el responsable de la decoración de
interiores del Hotel Paramont.
El Teatro Teatriz (5) de Madrid, es un antiguo teatro reconvertido en restaurante de
alta cocina internacional. Podemos ver un gran salto en fuerza y sutileza, al tiempo
que una gran manipulación escenográfica entre el café Costes y esta obra. El acceso,
y el espacio del escenario nos evocan momentos sublimes del mundo de la
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representación teatral y operística. Esta manipulación nos ofrece una visión romántica
del futuro, ecléctica e irónica, como es común en su obra, lejos de sus planteamientos
iniciales. La sensación de manipulación, persiste y con gran intensidad en todos los
recorridos y en las diferentes escalas que se encuentran en los diversos elementos y
que ayudan a crear la vertiente mágica de toda esta representación arquitectónica.
Son muchos los elementos que se introducen y que remiten a situaciones de confort
con el entorno, muy alejadas de las que se pueden experimentar habitualmente. En
cuanto al mobiliario y objetos que se introducen en la obra, no podemos negar su
tendencia eclética y neoclasicista en los espacios comunes chocando con el
exagerado minimalismo de los recorridos privados y de servicios. Detalles como
tiradores de armarios, luminarias, patas de mesas y sillas… todo es producto de su
incansable obsesión de diseñar desde un punto de vista, primero funcional y después
estilístico y en este caso, kitch y cargado de lujos, apostando, a pesar de esto, por la
tecnología y lo industrial.
También en Madrid, proyectó el restaurante Ramses (6). Su ambiente tan peculiar, se
caracteriza por los contrastes, la mezcla de lo antiguo con lo moderno y lo refinado con
lo descarnado. El universo de Starck se plasma en el Ramses con un estilo que bebe
del barroco y el kistch sin perder el toque refinado y elegante, un aura que unifica todo
el espacio dándole una difícil pero conseguida línea de continuidad. Contó con la
mano del artista Luis Urculo, que inundó con sus ideogramas desde las pizarras hasta
la carta de la sala. Podemos toparnos aquí con molduras doradas y balaustres
plateados que contrastan con aires más industriales, combinando el mobiliario
estilizado y afrancesado con muros de ladrillo vivo, grafittis, negras paredes en las que
se dibujan las obras de Urculo, combinadas con otras de sedoso brillo. En una de las
paredes se abre una gruta bajo un arco de ladrillo, otro de los rincones mágicos y
misteriosos de este espacio.
Es interesante entender uno de los criterios más característicos de Phillipe. Como el
mismo dice “Para mí es exactamente lo mismo trabajar con un cuchillo, con la pata de
una silla, con un edificio como el de Tokyo o en la dirección artística de una ciudad
entera como la de Nîmes. Siempre el problema es el mismo, el de la escala”. La
finalidad del objeto no tiene importancia, no importa el tamaño, para él todos ellos son
un medio de expresión. A propósito de esto, en una ocasión comparó la cubertería
Pointus (7) y el edificio Nani Nani (8), de Tokio. Desde su punto de vista un edificio es
más simple que un cuchillo. Un cuchillo es un objeto que debe incluir una carga
cultural, histórica y funcional enorme y todo ello resumido en un objeto que ofrece
pocos medios para expresarse, porque se juega al milímetro. Extrañamente, un
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edificio tiene menos parámetros y ofrece más medios para mostrarlos. Por otro lado,
es importante decir que mientras que la cubertería se consideró un éxito total y un
diseño de lo más acertado, en edificio fue bautizado también como “Lo Innombrable”.
Hacia finales de la década del ochenta comenzaron tibiamente a ubicarse en los
tableros de los estudios los ordenadores. En este momento empezaron a surgir
diseños y arquitecturas experimentales y con nuevas concepciones espaciales, cuyo
estilo se denominó deconstructivismo (que bebe del constructivismo ruso y de su
inspiración formal). Los ejemplos más emblemáticos de este movimiento fue el
Museo Guggenheim (26) de Bilbao diseñado por el arquitecto canadiense Frank O.
Gehry o el Aeropuerto de Kansai diseñado por el arquitecto Renzo Piano. Volviendo al
edificio de Starck, aunque se consideró un éxito formal y funcional, fue un desastre en
lo que a relación al entorno se refiere siendo un volumen abusivo que eclipsa al barrio
en el que se encuentra.
En lo referente a su diseño de mobiliario, esta década será mucho más productiva que
la anterior. Destacan muchos trabajos como las sillas Pat Conley (9) o la Wendy
Wright (10), dos piezas cuya forma, una vez analizada, está sometida a una estricta
geometría, utilizando el círculo y el cuadrado. Por otra parte, es importante hablar aquí
del concepto de confort para Phillippe Starck, puesto que, a pesar de su forma y
geometría, ambas se adaptan a la ergonomía propia del cuerpo humano. La meta final
de un mueble y sobre todo si es un elemento de asiento, es el confort. Como dice el
diseñador es simplemente obligatorio, aunque también se plantea que algunos de
estos muebles piden otras cosas, ya que el mobiliario se ha convertido en una bandera
cultural y la gente necesita estas banderas culturales para sentirse más seguros y para
poder utilizarlos mejor. “Algunos de mis muebles son totalmente aconfortables, sin
embargo tienen una especificidad”.
Otra gran preocupación para Starck es el almacenaje de los productos que diseña, ya
sean elementos apilables o plegables. Un ejemplo de lo primero es la silla Wendy
Wright, citada anteriormente, mientras que un ejemplo de lo segundo puede ser la
mesa Dole Melipone (11), la cual rediseñará durante la década siguiente. Esta mesa
es un ejemplo de lo minucioso y racional que un diseño puede llegar a ser, puesto que,
a pesar de existir ya muchos métodos de plegado, Phillippe diseñó la suya propia, la
cual podría parecernos “el método más complejo de plegar una mesa”, pero no lo es.
La necesidad de optimizar el almacenaje lo explica el propio Starck: “El hecho de que
sean plegables o desmontables, es uno de los parámetros que viene del conocimiento
de la vida moderna que dice que hoy la energía es cara, entonces digo: pues voy a
hacer cosas que ocupen menos sitio para que se puedan transportar más fácilmente y
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consuman menos energía, que ocupen menos sitio en el almacén puesto que hoy en
día los metros cuadrados son muy caros”.También podemos comprobar el interés del
diseñador por utilizar más de un material, combinando las patas de acero con la tapa
de vidrio que le aporta ligereza visual. No podemos dejar de hablar de uno de sus hitos
en diseño de luminarias, Ara (12), un elemento de mesa con forma de cuerno de una
aleación de acero.
En una ocasión Phillippe dijo que si se analiza todo el trabajo del hombre, nos damos
cuenta de que siempre está construyendo prótesis, muletas, y que existe un fuerte
deseo de convertirse en seres biónicos. También sabemos que trabajó diseñando
relojes para diferentes marcas de todo el mundo. Vale la pena destacar el trabajo que
realizó con una marca japonesa con la intención de diseñar un reloj subcutáneo (13),
es decir, un reloj que se colocaría bajo la piel, que tendrá muchos servicios
incorporados y se llevaría para toda la vida. Este proyecto puede trasladarnos a una
historia de ciencia ficción de Isaac Asimov o del propio Julio Verne en otros tiempos,
muy posiblemente influido por los acontecimientos históricos que lo enmarcan.
El inicio de este decenio está claramente marcado por el aumento de las tensiones de
la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética. La amenaza nuclear se hace
más potente que nunca. Chernóbil, localidad ucraniana al norte de Kiev, se convierte
en el símbolo de la incapacidad del hombre para controlar el monstruo que ha creado:
el riesgo continuo e inapelable de la técnica nuclear.
En el plano económico, el presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, presenta
una serie de medidas de libre mercado, popularmente conocidas como Reaganomics,
que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros. Por otra parte,
las diferencias en el desarrollo entre los diferentes pueblos del mundo se evidencian
con la hambruna que devasta a varios países de África. Se celebrarán de forma
simultánea dos conciertos de Live Aid, que tuvo su precedente con el Concierto para
Bangladesh (1971),cuyo motivo fue recaudar fondos en beneficio de los países de
África oriental, en concreto, Sudán, Etiopía y Somalia. Pocos meses antes, se publicó
la canción We Are the World con los mismos fines. La existencia del sida se hace
pública por primera vez en junio de 1981 y acabará presentándose ante el mundo
como una epidemia de enormes proporciones, que da al traste de alguna manera con
aquello de “haz el amor y no la guerra”. En noviembre de 1989 el muro de Berlín, que
encarnaba la división de dicha ciudad (y de toda Europa) desde el fin de la Segunda
Guerra Mundial, fue demolido por los propios berlineses, dando con ello el golpe de
gracia a la era soviética.
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La irrupción de la informática y los videojuegos se hace cada vez más popular y
comienza a extenderse una industria que fue generando beneficios superiores a los
del cine o la literatura del momento. Este hecho implicó una nueva forma de aprender,
interactuar, pensar o entretenerse e influyó notablemente en la cultura, la moda,
la música, en las exhibiciones televisivas y del séptimo arte.
La cultura musical influirá considerablemente en esta década como una vía de escape
y una forma de expresión del descontento de las nuevas generaciones. Podemos
empezar hablando del asesinato de John Lennon en 1980 como un pistoletazo de
salida para la música de esta época. También fallecerá, un año después, Bob Marley a
causa de un cáncer. Se iniciarán las trasmisiones del canal de televisión MTV, que
marcará el inicio de una nueva era en la música. Aparece en el plano musical la figura
de Madonna, y Michael Jackson comenzará su carrera en solitario; ambos acabarán
siendo apodados como “el rey y la reina del pop”.Es en este momento cuando se
populariza este nuevo estilo musical, que terminará influyendo desde el punto de vista
estético en otros ámbitos de la cultura como el arte, la publicidad e incluso el diseño.
El Pop o Popular Music comienza durante los años 50 y hace referencia a una
combinación de distintos géneros musicales altamente populares dentro de una
sociedad. La música negra por ejemplo se popularizó y alcanzó un gran éxito en estos
años a través de la discográfica Motown (1959). Este tipo de música es hecha
básicamente para ser comercializada. Históricamente, la expresión "música pop" no
era entendida como un género musical con características concretas. Fue, y es, un
arte sin barreras culturales, democratizado, accesible a cualquier espectador y
fuertemente influido por los medios de comunicación de masas. Lo catalogado como
Pop era entendido como lo contrario a la música de culto del momento. Era música
para gente de escasa cultura musical y esta misma definición podría extenderse y dar
origen a todo el mundo del arte. Marcó un verdadero cisma con todo lo visto
anteriormente, dándole otro valor a muchas ramas que siempre habían sido
consideradas de menor interés con respecto al que se podría denominar “gran arte” ya
fuera la publicidad, las revistas ilustradas o el diseño industrial.
El estilo Pop o PopArt nació como reacción al expresionismo abstracto (movimiento
dominante en ese momento) y al arte individualista y de élite, lo que conllevó que se
manifestara a través de medios gráficos en cuya naturaleza no está explicita la obra
única, sino la multiplicidad, y que se fijará en elementos contrarios a la alta cultura,
originando lo que se denominó de forma peyorativa “arte de supermercado”, lleno de
latas de sopa, marcas de refrescos, tiras de cómic y retratos de personajes famosos
cuyo rostro se repetía hasta el infinito.
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Para entender este movimiento en el mundo del arte no podemos dejar de hablar y
vale la pena detenerse en su figura más influyente: Andrew Warhola, Jr, comúnmente
conocido como Andy Warhol (27) (1928-1987). Tras una exitosa carrera como
ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura,
cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación
con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace
entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales,
celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes
urbanos.
"En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos" Andy Warhol.
Publicó "La filosofía de Andy Warhol" (1975), en la que exponía su pensamiento con
rotundidad y sentido del humor: "Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen
negocio es el mejor arte". Fundó la revista de sociedad Interview, que se convirtió en
una buena lanzadera para artistas de PopArt y otros movimientos. Centró su
producción en crear obras llamativas que gustasen al mayor público posible. Buscó
recuperar imágenes tradicionales y escapar de las corrientes más conceptuales y
abstractas.
"Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero
amo el plástico. Quiero ser plástico." Andy Warhol.
Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de
galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo
como los de Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y
Michael Jackson. Tuvo una segunda juventud para la crítica y los negocios durante
los 80, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del
arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel
momento y el movimiento de la transvanguardia europea. Warhol fue un firme
defensor del "negocio del arte" y el "arte del negocio".
La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional pero
inspiró a muchas figuras y sobretodo iconos de esta época. Su influencia sobre la
llamada New Wave, como la banda Devo y sobre la formación de artistas jóvenes,
como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada
"Andy Warhol" en su Hunky Dory (1971).
Los movimientos que surgirían derivados de esta nueva libertad artística, llena de
cambios, fueron el Land Art (arte de la tierra cuyo representante es el artista Christo),
el Minimal (concentrado en el orden y la simplicidad) y el arte conceptual. El Minimal
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es un movimiento centrado en la práctica del reduccionismo, de restar a la obra de arte
cualquier elemento de estilo o de reconocimiento de dicho estilo. Esto conllevó que
aquellos contenidos no estéticos de la obra cobraran importancia, anunciando ya una
de las principales características del denominado arte conceptual: lo importante no es
la obra en sí, sino el proceso mental que nos lleva a ella, apartándose del concepto
tradicional de creación y centrándose en la idea por encima del objeto. Ejemplos de
esto los encontramos en la obra de artistas como el italiano Pistoletto (28) o el español
Richard Serra (29). Será este un periodo de reflexión en que los artistas no se
preocuparán por los aspectos materiales, poniendo al servicio del espectador todo
tipo de medios de entendimiento (grabaciones, documentos, fotografías, etc). Hubo y
hay muchas tendencias conceptuales, como las performance, un concepto genérico
creado en la década de los setenta para todo aquello que tuviera que ver con el arte
de acción teatral o gestual, en definitiva el conceptual enfatiza la ausencia de objeto
artístico intentando plasmar la idea a través de muy distintos medios, manteniéndose
el espectador en una postura pasiva.
Llegados a en este término podemos comprender las influencias y movimientos
artísticos que recogen la actual obra de Phillipe Starck, la posmodernidad. A grandes
rasgos, este término abarca un amplio rango de manifestaciones culturales, artísticas y
filosóficas surgidas a partir de la segunda mitad del siglo XX. En general, el
posmodernismo se define, no por sí mismo, sino en oposición al modernismo, por
considerar que este último no alcanzó los objetivos que se había planteado, lo que dio
como resultado una postura radical en la búsqueda de nuevas soluciones, cuyo eje
común es el rechazo de la modernidad. Recordemos la provocativa pasión de Andy
Warhol por el plástico como sinónimo de lo superfluo, o pensemos en el escepticismo
de Phillippe Starck y sofá “carcasa” diseñado para la decoración interior del Palacio del
Eliseo. Podría decirse que en principio la Posmodernidad acepta que “la forma ya no
sigue a la función”.
“Las vanguardias murieron de éxito.” Carmen Lage.
Algunas propuestas del posmodernismo se orientan hacia la crítica de las vanguardias
de la modernidad, es por esto que proponen cambios radicales en nuestra manera de
razonar y actuar; por ejemplo, surgen propuestas como la exploración y el estudio de
las expresiones y formas más tradicionales, por considerarlas libres del academicismo
racional de la modernidad. Es importante para entender la posmodernidad, tener en
cuenta algunos conceptos relacionados con el diseño moderno. Su razón de ser era la
búsqueda constante de una mayor funcionalidad, practicidad y economía en los
objetos, que serían orientados a la producción y no al consumo. Así, el diseño
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moderno se identifica como una actividad centrada en la forma, que parte de un
análisis de las necesidades y el contexto, para guiar un proceso racional, que
desemboca en la especificación de aquellos factores que determinan las soluciones
formales; un elemento clave de este proceso lo constituye la postura moral que
determina al “buen diseño”.
Por lo tanto, queda claro que el fin del movimiento Posmoderno, es diferenciarse y
revelarse contra los conceptualismos de su predecesor. Aunque se aplica a corrientes
muy diversas, todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en
su intento de renovación radical de las formas tradicionales del arte, la cultura, el
pensamiento y la vida social. Uno de los mayores problemas a la hora de tratar este
tema resulta justamente en llegar a un concepto o definición precisa de lo que es la
postmodernidad. La dificultad en esta tarea resulta de diversos factores, entre los
cuales los principales inconvenientes son la actualidad, y por lo tanto la escasez e
imprecisión de los datos a analizar y la falta de un marco teórico válido para poder
hacerlo extensivo a todos los hechos que se van dando a lo largo de este complejo
proceso.
“No rechazo el pasado, tengo mi propia visión, pero no por ello voy a
sumergirme en él y tampoco se desprende de ello que me interese por el
futuro. Yo me intereso por la esencia de las cosas, y esta esencia es
intemporal, la calidad está en todas partes, en el pasado, en el hoy y en el
futuro, y únicamente a nosotros nos corresponde ser lo suficientemente
inteligentes y clarividentes para reconocer los signos de los productos
culturales; esto nos permitirá proyectarnos en el espacio, en el tiempo, en la
materia y en las necesidades”. Phillippe Starck
Histórica, ideológica y metodológicamente diversos, el Movimiento Moderno y el
Posmodernismo comparten sin embargo un parecido de familia centrado en la idea de
que la renovación radical de las formas tradicionales en el arte, la cultura, el
pensamiento y la vida social. Un buen ejemplo que explica la diferencia y la evolución
de un movimiento a otro podría ser el siguiente:
“Diseño como signo. Para algunos autores el esfuerzo por diseñar objetos más
funcionales ha llegado a su límite, puesto que, por ejemplo, científicamente podríamos
definir las características ergonómicas de la silla ideal, por lo que ahondar en aspectos
funcionales (en su dimensión ergonómica) carece de sentido. Por lo tanto al diseñador
solo le queda configurar formas cuyo propósito central es significar, ya sea
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intenciones, status o argumentos de diversa índole. En realidad se están diseñando
signos.”
Dos de los impulsores y máximos exponentes del Posmodernismo fueron el grupo
Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini. Memphis se
presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán. Entre los diseñadores
que componían el grupo Menphis podemos mencionar a Peter Shire, Michael Graves,
el español Javier Mariscal, y Mateo Thun bajo la dirección de Ettore Sottsass (30)
(diseñador de la estantería Carlton entre otros muchos) que fue quien formó el grupo
en 1980.
Por otra parte estaba el estudio Alchimia, un grupo experimental que producía diseños
eclécticos y contrarios a lo que se venía haciendo. Estaban a favor del
sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño
del pasado. Frecuentemente mostraban su oposición al diseño racional tomando
objetos cotidianos y aplicándolos a diversas formas de decoración, por ejemplo la silla
Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por Alessandro Mendini.
Trataban de volver a un diseño "humanizado" a través de la personificación de los
objetos o de la búsqueda de un sentido integrado de los distintos estilos sin dejar de
lado la ironía.
La década de los noventa comenzó con grandes cambios en la política internacional.
Tras la caída del muro de Berlín se desencadenó la desintegración de la URSS, dando
nacimiento a nuevos estados independientes y permitiendo la reforma política en las
naciones que habían permanecido bajo su influjo, así como de muchos de los
gobiernos autoritarios anticomunistas promovidos por Estados Unidos para contener al
bloque soviético. Pero sin duda alguna, el cambio más transcendental y que
revoluciono no solo la cultura, sino la vida especialmente urbana de esta época fueron
los avances tecnológicos, en especial los domésticos. Desde mediados de esta época,
las nuevas generaciones contaban ya con ordenadores en sus casas y la
generalización de internet que a partir de 1994 conectaría en todo el globo nuevas
vidas, haciendo que nuestro mundo pareciese cada vez más pequeño.
Refiriéndonos a la cultura y al arte, los años noventa, antes que cualquier otra cosa,
fueron los años siguientes, es decir, los que siguieron al periodo especialmente
ruidoso de los felices ochenta, cargados, como ya hemos visto, de triunfalismo, de
expectativas desmesuradas y de mucha banalidad. Las ilusiones del cambio pronto se
encallaron, en el mundo del arte, con la demostración continua de que todos esos
supuestos esfuerzos de normalización, apenas si tenían fundamento real donde echar
13
raíz. De todas formas es muy difícil, incluso más que para la década de los ochenta,
definir una serie de características y movimientos, de forma objetiva de este periodo
por encontrarse demasiado próximo al presente. Destacará el arte urbano a través de
formas de expresión tales como el graffiti, cuyo más reconocido exponente es Banksy
(31), que surgió en los muros de las grandes ciudades y viajó en sus trenes o la
música Rap que se expresa a través de la recitación rítmica y juegos de palabras.
Starck seguirá incansable con su prolífico trabajo en esta nueva década. En 1991
participa en la construcción del Groningen Museum, construye el edificio de oficinas Le
Baron Vert en Osaka para Meisei y se ocupó de una serie de residencias particulares
en París, Los Ángeles y Madrid.
Los diseños de este periodo dejaran atrás la geometría propia de la década anterior
para dar paso a diseños cargados de humor, color, formas más amables y curvas…
podríamos considerar estos diseños más positivos. Aquí comprobamos la herencia
que Phillippe recibe del Posmodernismo y de los grupos, anteriormente citados,
Menphis y Archimia y su interés por la experimentación pero también por el
sentimentalismo, la búsqueda de mejorar la forma de vida de la sociedad, la emoción y
el regreso a la tradición. Dice querer ayudar de diversas maneras a la gente, unas
veces de forma funcional, otras de manera moral, creando objetos de carácter
simbólico y crítico. Un ejemplo lo podemos ver en el uso y significado que dará al color
en estos diseños, “cuando escojo los colores lo hago por razones puramente
simbólicas; el gris, cuando el gobierno era de derechas hace quince años, cuando ya
no había vida cultural ni creativa en Francia. Muebles en negro, cuando tocamos el
fondo de la crisis. Muebles plateados cuando empezamos a trabajar mejor y pudimos
ser un poco más alegres. Y ahora muebles dorados, porque es tiempo de volver a
hacerse preguntas y porque el dorado es un color típico freudiano, un color de
simbolismo mental” (cita de 1998).Esto puede observarse en diseños como su silla
Ero´s (14) o su silla Toy (15), esta última fabricada en varios colores y cubriendo la
necesidad de almacenarlas de forma apilable. La ironía está latente en su silla
Heritage (16), una mecedora que escapa de las formas y materiales tradicionales para
realizarse en metacrilato transparente. El nombre del siguiente ejemplo es una clara
descripción de una intención ingenua e infantil, Dadada (17), un hibrido entre asiento y
abstracto caballito de juguete, que inspiro la pieza TheTooth (18) (2002). Phillippe
explico que la pieza se inspiraba, como bien dice su nombre, en una muela, pero
también admitió que en su opinión unas posaderas son el mejor lugar para asentar las
nuestras propias. A pesar de este concepto, aparentemente poco elegante, los
acabados de esta pieza son en bronce, plateado y dorado, dándole un carácter de lujo
14
e incluso exceso. Fue utilizado en el Saint Martins Lane Hotel de Londres. Otros
objetos que siguen esta tendencia son su teléfono Ola (19), el cual asemeja un animal
marino (recuerda a una lamprea), su escobilla Excalibur (20), o su Rosy Angelys (21),
lámpara encantadora y femenina con minifalda.
Destaca también otro diseño, el taburete WW Stool (22), elemento de plástico y tres
patas y forma puramente orgánica. En la entrevista para Oriola, Starck dice lo
siguiente: “Cuando hago muebles de tres patas, por ejemplo, es porque tres patas
tienen más tensión que cuatro y es más inteligente. Cuatro es pesado, es tonto. Tres
es la tensión justa”.
Llegados a este punto no podemos dejar de hablar de la que quizá sea la pieza más
representativa, tan alabada que parece rozar la perfección y al tiempo tachada de
nada funcional; en realidad no es ni más ni menos que un icono: el Juicy Salif (23),
más comúnmente llamado El Exprimidor de Phillippe Starck. Se podría afirmar que su
forma extraña, pero encantadora, no responde a un estilo propio sino más bien a una
manera de pensar, a un estilo de vida, lo que suele seducir a muchos compradores.
Sus líneas estilizadas, su composición poco convencional y el aluminio fundido hacen
de éste un objeto estéticamente agradable, innovador, original y elegante que le
promete al usuario que una actividad cotidiana puede transformarse en un momento
extraordinario. Pero después de verlo y analizar su forma surge una pregunta obvia…
¿Cómo se exprime la naranja? o... ¿Cómo se interactúa con este objeto de diseño? Su
forma no da muchas pistas, aunque parece sencilla y sofisticada. Preguntas como
dónde se pone el vaso, o cómo se agarra el exprimidor y cómo se extrae todo el jugo
surgen rápidamente. El propio Phillippe afirmó que no diseñó el exprimidor
propiamente para exprimir, evidenciando una autentica contradicción, “el diseño está
concebido para no ser usado, sino para crear conversaciones, discusión, gusto y
disgusto por él”. Aunque en muchos diseños anteriores tenían también esta intención,
aquí la provocación es innegable y podría situarnos en aquellos años setenta de los
que hablamos en páginas anteriores, por esa necesidad de crear en este caso
inquietud, más que rechazo, hacia ese objeto de consumo que queremos adquirir,
propia de aquellas corrientes ochenteras, del “arte de supermercado” y de la pasión de
Andy Warhol por alcanzar “el arte del negocio”.
A finales de los 90 crea el catálogo de Good Goods (24). Con este, Starck trató y trata,
de ofrecer un catálogo con esos objetos a los que a él le gusta llamar “no-productos”
para “no-consumidores. Afirma que durante unos años se dedicó a estudiar los pros y
contras de una serie de objetos cotidianos, al igual que las necesidades y deseos de la
sociedad de la que forman parte, buscando resolver el dilema entre objetos bonitos y
15
buenos. Los “no-productos” deben cumplir, según dice Phillippe, una serie de
requisitos indispensables basados en diversos criterios: “justificación de su existencia,
integridad de su propósito, vida útil, elaboración moral, didactismo, relevancia política,
importancia simbólica, significado sexual, responsabilidad humana, coste justo, precio
adecuado, creatividad, y a veces, humor y poesía, respeto”. Philippe Starck ha creído
en el verde de moda mucho antes que los movimientos ecológicos, por respeto al
futuro del planeta. El catálogo de Good Goods también incluye su propia compañía de
alimentos orgánicos. Más recientemente, desarrolló el concepto de "ecología
democrática" mediante la creación de turbinas eólicas asequibles para el hogar,
concepto que pronto será seguido por el de energía solar. En la entrevista que realiza
para Oriola ella le pregunta:
“Para muchos resulta sorprendente su rechazo de la madera. ¿Lo hace usted por una
mera razón de ecologismo?
Completamente. Otro de los parámetros que utilizo es la coincidencia de los recursos
naturales que hay en la Tierra. Hoy se pueden fabricar muebles sin tener que cortar un
árbol o matar una vaca. A veces hay que hacerlo un poquito, pero yo lo evito al
máximo. Cuando utilizo madera es contrachapado o aglomerado, a partir de polvo, y lo
utilizo poco; nunca madera maciza. Acabo de firmar un contrato con Kartell para
diseñar toda una colección de muebles estrictamenteen plástico, y debo decir que fue
el día le plus merveilleux de ma vie, porque para mí el material más noble es el que
sale de la inteligencia del hombre, es decir, las materias sintéticas o las plásticas.
Madera, piel o diamantes son azares milagrosos de la naturaleza, pero como yo no
soy el autor de la naturaleza... sólo me intereso por los productos que vienen de la
inteligencia del hombre. Del resto, je m 'en fous! Repito, cortar un árbol para sentarse
encima c‘est un escandale!”
Con la llegada del nuevo siglo, la producción de Phillippe Stack fue disminuyendo,
dedicándose más a colaboraciones con grandes empresas como Camper (diseño de
zapatos), Aprilia (fábrica de motocicletas), Parrot (con la cual diseño unos auriculares)
Volteis (diseñando un coche eléctrico) o Apple. También realiza varios veleros y yates
de lujo, entre los que podríamos destacar Wedge Too, el Virtuella (25), o el más
reciente Venus, encargado para el cofundador de Apple, Steve Jobs.
En la actualidad, aunque ya hemos dicho que sus producciones han disminuido, su
influencia se sigue viendo hoy en las revistas de diseño, tanto en los objetos como en
los ambientes recreados, en aparatos sanitarios o luminarias, hasta el punto de formar
parte del catálogo de Vitra junto a los grandes maestros del diseño. En cualquier caso,
16
hay que decir que Starck no fue el único, pero sí el gran referente; Alberto Liévore
probablemente no habría diseñado su sillón Manolete sin su influencia. De todas
formas, dentro de todo el contexto histórico que acompañó a la figura que centró
nuestro trabajo, es obligado detenerse como mínimo y centrándonos en el diseño
español, desarrollado fundamentalmente en Cataluña y los países mediterráneos, en
Javier Mariscal (32) y Vicent Martínez (33).
“Yo me intereso por la esencia de las cosas […] y reconocer los signos de los
productos culturales”. Phillippe Starck
Si bien en la obra de Phillippe se recogen estos dos principios, hasta el punto de ser
más que un eclético alguien que diseña como quiere y no simplemente como le
conviene. Javier Mariscal (1950), proveniente del mundo del diseño gráfico y la
ilustración, crea personajes como Cobi, diseña para Nani Marquina estampados de
tejidos con estilos que van desde el informalismo hasta en Pop. Tiene la cabeza llena
de imágenes que transadla a sus diseños de forma divertida y aparentemente
caprichosa, testigo en los años 80 que algo de eso han tenido. Se verá influido
también por las escuelas de diseño, Memphis y Archimia, anteriormente citadas, en
sus imágenes nostálgicas de ciudades costeras y en sus colores saturados.
En el otro extremo se encuentra Vicent Martinez (1849), diseñador de clara tendencia
minimalista que se queda con la esencia de las cosas como único argumento. Es fiel al
principio de coherencia formal, diálogos entre material y tecnología, y función y forma.
Produce objetos tan sutiles y hermosos como la Torre D, o tan útiles como la Librería
Literatura Punt que con su doble fondo permite mayor capacidad de almacenamiento.
Volviendo a Phillipe Starck, decir ya para terminar que su creatividad y sus
innovaciones fueron apreciadas por muchas organizaciones culturales, públicas y
educativas. Se le concedió un Título por la Excelencia en la Universidad de Harvard en
1997, en 2005 otro al mejor diseñador del mundo, el premio Madrid a la Creatividad
2006 y finalmente el premio Awards al mejor diseño de interiores 2008.
En cuanto a su vida personal el mismo la ha definido como una vida monacal, muy al
margen de todo. Dice vivir retirado en cabañas de madera, a veces sin agua,
electricidad ni coche. En una entrevista confirmó que vivía en una pequeña isla de la
bahía de Venecia, de unos 800 metros de diámetro y sus vecinos eran pescadores de
almejas. Afirmó también que no utiliza ordenador justificando que no lo necesita ya
que él es el ordenador más rápido del mundo “Estoy aquí solamente para crear y no
veo un ordenador que cree mejor y más rápido que yo” asegura. Trabaja con el mismo
papel y lápiz que hace 30 años.
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La cita que la que iniciamos este trabajo está extraída de una conferencia ofrecida en
Lisboa en 2005: “El diseño no sirve para nada. Me avergüenzo de ser diseñador. Hace
tres o cuatro años, entregue mi empresa a la gente que trabaja para mí. Quiero
implicarme menos. Ya no me interesan los arquitectos y los diseñadores y ya no
quiero hablar de diseño...Nunca dejó de producir, pero podría decirse que lo hago por
puro ocio”. Algunos críticos tacharon como un arrebato sus palabras, pero sería más
generoso interpretarlo como un cuestionamiento autentico de un hombre
acostumbrado a ser tratado como un semidios en el pequeño universo actual del
diseño. Porque parece que las cosas están cambiando para él. Antes para Starck el
futuro pasaba por la democratización del diseño ya que según decía, el diseño era
elitista, y su deber era multiplicarlo y dar al mayor número posible de personas una
parte de la idea. Hoy, inmersos en la actual crisis económica, su receta mágica para
sobrevivir es "la posesión de la diferencia". Para cualquier empresa, ser diferente de
las demás es vital... pero en tiempos de crisis eso se convierte en un bien
extraordinario. Según él, la estrategia no se ha de basar en la bajada de precios,
mucho mejor ser únicos y así protegerse contra todo contratiempo.
“Ahora mismo, nuestra orientación se dirige hacia lo que llamamos la ecología
democrática, es decir, dar a la sociedad creaciones de alta tecnología a precios
asequibles, fácilmente encontrables y fácilmente utilizables, con el fin de
producir energía bajo diferentes formas […] Muchas cosas van a cambiar. Y las
crisis son positivas para eso. Los retos y las dificultades conforman la
verdadera belleza del hombre. Si no hay dificultades, nos ablandamos”.
AÑOS 70
OBRAS DE PHILLIPPE STARCK
1. El Diseñador (1949, Paris)
2. Easylight (1979)
3. Palacio del Elíseo (1983)
AÑOS 80
OBRAS DE PHILLIPPE STARCK
4. Café Costes
5. Teatro Teatriz
6. Restaurante Ramses
inaN inaN oicifidEsutnioP aíretrebuC7. 8.
OBRAS DE PHILLIPPE STARCK
9. Silla Pat Conley 10. Silla Wendy Wright
11. Mesa Dole Melipone 12. Luminaria Ara
13. Reloj sucutáneo
OBRAS DE PHILLIPPE STARCK
15. Silla Toy14. Silla Ero´s
16. Mecedora Heritage 17. Dadada 18. TheTooth
21. Luminaria Rosy Angelys
19. Teléfono Ola
22. WW Stool20. Escobilla Excalibur
AÑOS 90
OBRAS DE PHILLIPPE STARCK
23. Exprimidor Juicy Salif
24. Catálogo Good Goods
25. Velero Virtuella
16. Mecedora Heritage 17. Dadada
OTROS ARTISTAS DE REFERENCIA
26. Frank O. Gehry; Museo Guggenheim
27. Andy Warhol - Campbell Soup - Retrato de Michael Jackson
Duane Hanson; Mujer con carro de la compra (1969) Imagen del “arte de supermercado”
OTROS ARTISTAS DE REFERENCIA
28. Pistoletto; Venus de los Trapos (arte concep-
29. Richard Serra; Interior del Museo Guggenheim(arte conceptual)
30. Ettore Sottsass Grupo Memphis Estudio Alchimia
OTROS ARTISTAS DE REFERENCIA
31. Banksy; Arte urbano y de protesta
32. Javier Mariscal Imagen para Barcelona Diseño de Cobi (1992) Diseño de producto
OTROS ARTISTAS DE REFERENCIA
33. Vicent Martinez Colgador Single Punt Mobles Librelía Literatura Torre D
Banksy; Arte urbano y de protesta
BIBLIOGRAFÍA
ATLAS ILUSTRADO DEL DISEÑO. (ed) Susaeta
DECORATIVE ART. (ed) Taschen
DISEÑO DEL SIGLO XX. (ed) Taschem
PHILIPPE STARCK. Starck. (ed) Taschen.
REVISTA ON DISEÑO Nº 119. El Teatriz de Phillippe Starck.
REVISTA ON DISEÑO Nº 84. Starck
http://revisioninterior.blogspot.com.es/2009/11/philippe-starck.html
http://diariodesign.com/2010/05/la-casa-de-philippe-starck-en-paris-
fotografiada-por-todd-selby/
http://www.duravit.es/
http://comodoosinteriores.blogspot.com.es/2013/01/a-coruna-industrial-un-loft-
renovado.html
http://issuu.com/arquitectura-arquidea/docs/arquideamag3
http://www.delikatissen.com/category/antesdespues/