parte 3
TRANSCRIPT
Parte 3
El neo expresionismo alemán
Encontramos que sin lugar a dudas los alemanes tienen un sentido de cómo hacer historia del arte, un sentimiento que, si no eres alemán, no entenderías que hoy, hacer arte tiene que que tener como protagonista, la historia.
Los artistas alemanes después de la segunda guerra mundial, entendieron la vuelta a la pintura como el medio más eficaz para encontrar la razón histórica de su presente y la forma más directa de confrontar la modernidad y reencontrarse con sus raíces y su tradición cultural. En nuevo alemán se ha definido volviendo a la visión romántica. Aun dándole razón a el peligro de la idea de esta apreciación de la historia, la verdad es que puede llegar a tener validez una visión del arte que toma la “verdadera” identidad nacional como antídoto al nacionalismo.
D.B. Kuspit reconoce que el explicar el fenómeno de la nueva pintura alemana, obedece al método del arte romántico. A un romanticismo proyectado en la suma de contradicciones que sugieren la nueva y la vieja escuela de Alemania, entre el “trascendental” espíritu alemán y la historia de la nación germánica, entre la tradición y la modernidad.
El precedente de los años cincuenta
La recuperación de lo vanguardista se alimento en esencia de referencias ajenas, lo cual provoco, una abstracción mimética y oficial que negó la propia historia, una abstracción reflejo de la libertad que quería borrar la pesadilla nazi.En los 50’s y 60’s se practico un arte experimental abstracto y que a partir de 1957 tuvo un apoyo decidido de Jean Pierre Willhelm que fundó la galería 22, por la que pasaron los más significativos artistas informalistas y expresionistas franceses y norteamericanos.
La lenta recuperación de los siglos de identidad
Los primeros intentos de recuperar referencias propias en una generación de artistas berlineses como Georg Baselitz, Karl Horst Hodicke y Bernd Koberling, tratando de dejar de lado la abstracción y las influencias foráneas, incorporaron la figuración a su trabajo alentando un arte más expresionista y más cercano a la supuesta tradición germánica.
Las principales aportaciones individuales
En 1961 el mestizaje entre lo propio y lo foráneo se plasmo en los trabajos de dos jóvenes estudiantes, Georg Baselitz y Eugene Schonebeck, que publicaron su primer manifiesto “pandemónium” en un tono apocalíptico, a mitad de camino entre Nietzsche y Lautréamont, Baudelaire y Artud; a este
manifiesto le sucedió otro en 1962 en el que los dos artistas enfatizaron el pesimista sentimiento de aislamiento del individuo alemán ante de su entorno.
El debate critico generado en torno al neo expresionismo
Wolfang Becker acuñase la expresión neue Wilden “nuevos salvajes, para clasificar las maneras y trayectorias tan diversas de la que se puede considerar la segunda generación de artistas neoexprecionistas, el nuevo arte alemán salió de sus fronteras de sus fronteras a través de exposiciones epocales organizadas en diversas ciudades europeas, su salida, supuso el inicio de un reconocimiento internacional, pero también de un fuerte debate critico.
En su vuelta a la obsoleta convención de la pintura, los neo expresionistas alemanes fueron entendidos como seguidores de un arte neo burgués y por ello considerado decadente.
Afortunadamente no todo fueron criticas, pues el debate en torno al neo expresionismo alemán, conto con importantes voces proclives, como la del crítico alemán Wolfang Max Faust, y las del critico Donald B. Kuspit, el cual manifestó su pensamiento en distintos ensayos.
La consolidación de la nueva pintura alemana en Europa
Según Irving Sandler la documenta 7 pretendió afirmar no solo los expresionismos sino la supremacía cultural de Europa sobre estados unidos.
Aunque el debate se inicio en Europa, lo cierto es que el nuevo arte alemán, con casi unanimidad critica, se fue asentando en los primeros años de la década de los ochenta, siendo importantes en este sentido la Documenta 7 de Kassel comisariada por Rudi Funchs; la documenta 7 se propuso suministrar un marco dialectico entre la expresión cultural autóctona y la internacional.
La primera generación de neo expresionistas
Esta concentra dos generaciones distintas; la primera también llamada generación 1961 cuyos elementos constituyen los núcleos de Düsseldorf y Berlín.Y la segunda de artistas nacidos posguerra, integrada por los Neue Wilde.
Los pintores de Dusseldorf
De los artistas de la primera generación vinculados a la ciudad de Dusseldorf, destacan dos pintores: Gerhard Ritcher y Sgimar Polke, estos modificaron las nociones supuestamente en crisis de estilo, autoría, expresividad y autenticidad. En compañía de Manfred Kuttner y K. FischerLueg abrieron una exposición en un antiguo local de la Kaiserstrasse en la que plantearon definitiva oposición, ideológica y formal, tanto al arte
pop norteamericano, que en aquellos momentos se imputaba como la vanguardia internacional por excelencia.
Gerhard Richter que había llegado a Düsseldorf en 1961 dos meses antes de que se construyera el muro de 48 km que separaba lo dos sectores de la ciudad, inicio su obra personal cuestionando la naturaleza de la representación a partir de la relación fotografía-pintura.
G. Richter empezó a reproducir al oleo motivos extraídos directamente de imágenes fotográficas, por lo común con gamas de blancos, negros y grises fotográficas para evitar respuestas de carácter emocional, “el gris. Afirmo G. Richter, garantiza la indiferencia y evita afirmaciones definitivas”.
Tras estas primeras obras, G.R. se intereso por la historia de la pintura “versionando” cuadros de distintas épocas, Irmeline Lebeer, dice que G.R. no pretende copiar fotografías, ni pintar telas que se parezcan a fotografías, sino que intenta crear fotografías a través de medios plásticos.
En el campo de la fotografía-pintura introduce el color y nuevas referencias temáticas: paisajes románticos venecianos, cuadros de velas alusivas al tema de la vanitas. La experiencia me ha demostrado que no existe ninguna diferencia entre una tela realista y una abstracta; ambas crean un efecto parecido en los espectadores.
Los nuevos expresionistas en Berlín
Georg Baselitz de nombre Georg Kern, practicó la inversión del motivo, es decir introdujo una pintura iconográficamente figurativa, como retratos, desnudos, paisajes, animales, etc.
Desde finales de los 60’s Baselitz pinta ornamentos con contenido que tienen por fundamento decodificar valores, crear desarmonías y provocar en el espectador una actitud de oposición.
Markus Lüpertz trabaja con un incipiente expresionismo cuyo tratamiento del color y pincelada tiene mucho que ver con el informalismo de Wols y Emile Schumacher.
La definición de mi pintura, comenta el artista, es hacer vivir las formas muertas, la realidad jamás me ha interesado. Me esfuerzo en crear una pintura fría y sin contenido.
Entre Düsseldorf y Berlín
Tras un primer periodo en el que proyecta sus conocimientos matemáticos, de cibernética y de teoría de la información a una pintura extremadamente icónica; imágenes de el mundo, muy próxima al diseño gráfico.
A partir de 1970, A.R. Penck crea un lenguaje de signos simples y esquemáticos con el afán de que sean comprensibles a nivel universal.
Paralelamente publica sus textos Standart Making (1970), Ich Standart Literature (1978), en los que define las claves de su pintura; “un intento de llegar a la abstracción a través de la reducción resuelta con cromatismo reducido a blancos, negros y rojos.
Y si queremos darnos una concepción de la realidad más filosófica y literaria, podemos citar a Anselm Kiefer que se apropió de una actitud cultural procedente de la tradición romántica germánica, en la línea de novalis, de que el fundamentalmente le interesa el concepto de noche; de ahí, el tono sombrío y sobrio de los cuadros.
La obra de Kiefer revela un conflicto entre dos mundos contradictorios, entre el artista y la sociedad, el artista no suele usar información de primera mano, sino que le gusta la distorsión de esta cuando ha pasado por varios transmisores, pues lo que realmente le interesa es el mundo del desperdicio.
Jörg Immendorf tiene la idea de que la pintura, en una línea cercana a la tradición Agip Prop, es un instrumento de lucha contra el sistema imperialista.
A partir de 1976, el pintor concreta su antiimperialismo y su critica ante la situación de Alemania dividida, lo que lo lleva a presentar en cada una de sus telas de gran formato, verdaderos cuadros de historia totalmente apartados de la inmediatez política de su etapa Agip Prop.Este artista se define a si mismo como esquizofrénico, que al tiempo que instaura una forma artística, inmediatamente la combate.
La segunda generación de neo expresionistas
Respecto a la primera generación volcada en cuestiones existenciales y de identidad, los artistas de la segunda generación incurren sobre todo, en temas sociales que difícilmente separan de las personales.El cambio que representa a esta segunda generación, supone un replanteamiento de las relaciones entre problemas de estilo, imagen y conflictos personales.
Los Neue Wilde
Una potencializarían del “yo” como fuente máxima de lo instintivo y por la práctica de una pintura agresivamente satírica respecto a la pequeña burguesía y a todo tipo de convención social.
K.H. Hödicke, fue el que despertó un mayor interés entre los llamados pintores violentos que en 1977 fundaron la galería Moritplatz.
K.H. Hödicke, R. Fetting, H. Midendorf, Salomé y B. Zimmer encontraron pluralismo, variedad de medios y alcance internacional, además compartían una temática muy parecida que reafirmaba el cuerpo humano.
El grupo Mühlheimer Freiheit
En colonia, 6 artistas: Peter Bommels, Jiri George Dokoupil, gerard Kever, Hans Peter Adamski, Walter Dahn y Gerhard Naschberger constituyeron en 1981 el grupo, el cual compartió la voluntad de un estilo libre, un subjetivismo máximo, y actitud rebelde, agresiva, cercana a la mentalidad punk y marginal aunque sin despegarse del arte conceptual.
Para los artistas de este grupo, la imagen pintada no trata de enseñar o mostrar sino de funcionar como un lugar de fascinación o de seducción en el que el individuo acaba encontrando un espacio social.
Los artistas de Hamburgo
Encabezaos por Albert Oehlen, que se describe como un pintor cínico que recurre a temas fuertes de contenido social.
Para los artistas de este grupo, la imagen pintada no es tanto un reflejo directo del “yo” o de su existencia, sino un parámetro conceptual y analítico de la sociedad.
Capitulo decimoLa transvanguardia italianaEl arte como genius loci
Emergió a principios de los años ochenta ligado a los discursos de eclecticismo, tomaron la citación como principal modelo creativo.
La afirmación del genius loci
A. Bonito Oliva sentó las bases de un arte pos conceptual y neo vanguardista representado por las obras de artistas como Bagnoli, Salvadori, Chia y Clemente.
Bonito aposto por un arte que creaba desequilibrios en el sistema metafísico y frente a la unidad y equilibrio oponía lo fragmentario, el residuo y la teoría de la catástrofe potenciadora de discontinuidades.
La teoría de la transvanguardia, los textos manifiesto
Oliva bonito público un nuevo texto, the italian, que puede considerarse el manifiesto de la transvanguardia, esta aparece como la única vanguardia posible a la vez que como la única tendencia capaz de recuperar el genius loci.
Bonito vio en la transvanguardia un neomanismerio, es decir, encontró una vanguardia que no mira al futuro, sino que reivindica su propio pasado, el del periodo moderno, el ve al artista como un sujeto dulce que se autoexcluye de los grandes debates sociales.
La proyección internacional de la nueva pintura italiana.
El año 1982 fue decisivo, pues fue la exposición transvanguardia: Italia/América celebrada en Módena en la que bonito planteo la confrontación entre artistas europeos y norteamericanos que tenían en común un mismo nomadismo cultural y un acusado eclecticismo estilístico.
De los artistas transvanguardistas, la crítica y el público norteamericanos destacaron su originalidad, sustentada en el retorno a la tradición figurativa autóctona y su capacidad de crear un arte solamente italiano que tendrían Giorgio de chirico el modelo más inmediato.
Los artistas de la transvanguardia
Sandro Chia
Reivindico el uso de la figuración de iconografía mitológica.
Enzo cucchi crea paisajes invadidos por extrañas criaturas llenas de resonancia de las culturas primitivas y medievales y de la tradición italiana moderna y contemporánea.
En su etapa romana pinta roma como el greco pintó Toledo, con una visión en fuga hacia lo alto, como una llama captada en el momento en que está a punto de desaparecer.
Francesco clemente
Comienza sus estudios de arquitectura en roma en 1970, entre el 71 y 78 estudia sanscrito, y se identifica con la tradición hindú de concepción de la vida.
La crítica lo considera el artista paradigmático de la transvanguardia y el neo manierismo.
Mimmo Paladino
Realizo una pintura con constantes referencias simbólicas, tipológicas y técnicas de la antigüedad. Concibe sus obras si fueran grandes superficies en las que se hallan desde objetos familiares al mundo contemporáneo hasta figuras arquetípicas y en 1983 empieza a realizar formas escultóricas.
Y con un trabajo figurativo referido a los mitos, a la imaginería popular, a la historia y a la memoria Nino Longobardi propone una nueva vía transvanguardista que rinde homenaje a figuras como Caravaggio, Goya, y artistas de los 30’s, el materializa este homenaje valiéndose de naturalezas muertas alusivas a las vanitas.
Capitulo undécimo
La figuración neoexprecionista en Francia
Como primera manifestación de retour a las prácticas figurativas, hay que mencionar la creación del grupo en 1979 Bato, que fue el nombre del grupo pero también el de un simulacro, revista de la que solo se publico una edición de 100 ejemplares hechos a mano que en sus páginas que se unían en una bolsa de plástico y que acompañaban de una anotación según la cual debían ser consultadas con un sombrero sobre la cabeza, se encontraban dibujos, pinturas y objetos pegados a las paginas.
Las Exposiciones
En una nueva exposición organizada por el artista fluxus Ben Vautier en Niza, se invento la llamada figuración libre, es decir, figuración popular y espontanea, en respuesta francesa a los neo expresionismos y el arte del grafiti.
La figuración libre y sus artistas
Los artistas de la figuración libre, en su distanciamiento de las maneras tradicionales de la historia del arte, apostaron por un distintivo expresionismo, mezcla de espontaneidad e ingenuidad naif, situado, en las antípodas de la violencia de los nuevos expresionistas alemanes y del culto a las citas de los transvanguardistas italianos.
La reivindicación de lo instintivo, halló en Robert Combas a uno de sus más singulares representantes. el recupera el concepto de narración y el espacio mental del Art. Brut en grandes “cuadros de historia” entendidos como macro cómics, en los que satura el espacio.
Los artistas de la figuración culta
Los representantes se empeñaron en un proceso de vuelta a la historia del arte y a sus valores, similar al hecho por los artistas italianos y, en menor grado, por los alemanes.
Jean-Michel Alberola
Es el mayor exponente de la figuración culta. Sus obras se recrean en el tema de la mirada concupiscente reprimida, pasando por guiños a culturas no occidentales, como la africana, y citas, desde su condición de católico practicante a la historia de las religiones.
Gerard Garouste,
Lo culto en la obra de este artista reivindicador de una vuelta a la tradición de la pintura de historia y a las convenciones de la pintura de tema, que plantea en escenas en las que las influencias plásticas de Rafael, del último Tintoretto y de El Greco salen a relucir con una excesiva teatralidad.
Capitulo duodécimo
El arte español en la era del entusiasmo
Se suele considerar 1982, año de la subida al poder del socialismo, como inicio de la era del entusiasmo, una era representada, en lo artístico, por una política de apoyo y promoción del nuevo arte español, tanto de puertas adentro, en lo que sería una amplia profesionalización del sector del arte, como de puertas afuera, en el sentido de tener una activa participación en el pasar de las corrientes internacionales.
La reivindicación de un arte volcado en su propia especificidad
“El arte español de los ochenta se fraguo en la década de los setenta,” confirmo Valeriano Bozal.
J. M. Bonet
Instala los antecedentes del arte de los ochenta en las experiencias de la joven figuración madrileña de Carlos Alcolea, Carlos Franco, Rafael Pérez Mínguez y Guillermo Pérez Villalta, experiencias formadas en una Madrid totalmente enfrentada al conceptualismo.
Dos exposiciones celebradas en Barcelona en 1976, enfatizaron una pintura que acentuaba sus elementos específicos que eran: el soporte, la superficie y el color, una pintura presentada como alternativa muy radical a los comportamientos de carácter conceptual.
El papel de las exposiciones
La primera gran ofensiva pictoricista en tímida sintonía con los nuevos aires de época, fue la que en 1979 reunió en la exposición 1980 a pintores figurativos ya con cierto reconocimiento como Carlos Alcolea y Guillermo Pérez Villalta, también a otros pintores emergentes de esos momentos como Miguel Ángel Campano.
El arte del momento hizo que 1980 no fuese libre de controversias que enfrentaron a los defensores del arte de los 60’s y 70’s, entre los que se contaban los historiadores y críticos Valeriano Bozal y Tomas Llorens, con los promotores del nuevo arte.
Más que una apuesta de futuro con nuevas propuestas pictóricas, Madrid D.F. fue una reunión de artistas que manifestaron una voluntad de estilo de vida.
Las aportaciones individuales
La figuración española de finales de los 70’s y principios de los 80’s presentan muchos adeudos a la generación de pintores que habían iniciado su trabajo en los 70’s liderada por Luis Gordillo, es fruto de una suma de influencias como el opo, nueva figuración y el realismo cotidiano.
Entre sus representantes están Guillermo Pérez Villalta que demostró su progresivo interés, que se mantuvo con seguimiento, por la perspectiva renacentista y también manierista.
Carlos Alcolea
Quizá lo más interesantes de la obra de Carlos Alcolea sea su increíble capacidad de recrear “atmosferas atípicas” llenas de personajes producto de su fantasía o arrancados de la realidad nocturna y funámbula cuyo toque de erudición literaria y filosófica le hace aparentemente estar más fascinado por Gilles Deleuze, que por la pintura en realidad.
Carlos Franco
Se inclinaba por figuraciones deformes y anamorficas que, sin embargo, mantienen un sentido muy marcado de cotidianidad.
Chema Cobo
Su obra surge de una reflexión sobre la perspectiva los puntos de vista inesperados, las deformaciones y los juegos de distorsión pictórica.
Este artista crea una distorsión entre manierista y perversa en la que lo cotidiano convive con lo mitológico y alegórico, sin descartar lo fantástico.
Manuel Quejido
La obra de él plantea una síntesis ente el Picasso cubista, el Matisse fauvista y decorativo, y la pintura de campos de color norteamericana sin olvidar las referencias a la tradición del barroco sevillano.
Miguel Ángel Campano
El es una opción paralela a la de M. Quejido, pues tras una primera fase influido por la abstracción geométrica del grupo Cuenca, se interesa por la abstracción gestual y el automatismo de la action painting norteamericana.
El estado de la cultura
En este ambiente de patente dominio de lo pictórico, tendría que nombrar la exposición Fuera de Formato, una especie de balance del arte conceptual español en la que participan algunos pero no todos lo escultores del momento. De ellos destaca la figura del valenciano:
Miquel Navarro
En sus obras de mediados de los 70’s, como la instalación “La ciudad” que patentiza ya una decidida voluntad interdisciplinaria y una visión pluralista de la escultura.
Las plataformas de recepción y promoción De las nuevas tendencias artísticas
En 1982 diversas instituciones pusieron en marcha iniciativas a la internacionalización del arte español.
En el campo de la profesionalización del sector del arte, hay que acentuar que 1982 fue el año de la primera Feria Arco en Madrid, que fue un certamen internacional de arte contemporáneo, que intentaba poner fin a la insuficiente presencia de artistas internacionales en las colecciones españolas, a la vez que promocionaba el arte español en el mercado internacional.
Las exposiciones epocales y la actividad de las galerías
La muestra de que de manera más clara sintonizo con el espíritu de los nuevos tiempos fue Cota Cero sobre el nivel del mar. K. Power aposto por varios pintores que compartían similares arrestos expresionistas, idénticas temperaturas creativas y un discurso involucrado en los nuevos valores de la posmodernidad.
Lejos de la participación en numerosas exposiciones colectivas, los artistas de los ochenta fueron reforzando sus trayectorias en exposiciones individuales organizadas por las galerías más comprometidas con el momento.
Los pintores de la abstracción neo expresionista
José Manuel Broto
Entra en los 80’s con una abstracción de trazo gestual, cuyo intenso lirismo sucede de los amplios campos de color.
Xavier Grau
Al igual que J.H. Broto, parte de una abstracción reduccionista a la que, a principios de los 80’s, incorpora una velada figuración gestual de cromatismo muy vibrante.
Los pintores de los neo expresionismos figurativos
Ferrán García Sevilla
Expresaba imaginación en sus obras, exceso de placer, perversión y, en general materialidad.
José María Sicilia
El muestra un acusado gusto por lo materico y por el hecho pictórico en sí, gusto que le acerca a la tradición del informalismo como a la del neo expresionismo de época, y que se evidencia en obras de gran formato, en las que objetos de uso domésticos hiperdimensionados, se convierten en gestos pictóricos.
M. Barcelo
El entusiasmo más cercano a las corrientes internacionales es, Miquel Barcelo. Con un juego pictórico indisciplinado y perverso, sigue la historia del arte, planteando una pintura sometida a problemas tan tradicionales como el dibujo, la perspectiva y la luz.
El papel de las Comunidades Autónomas
En la definición y financiamiento del entusiasmo artístico desempeñaron un importante papel los programas de apoyo y promoción cultural de las creadas comunidades autónomas, papel que en este primer tramo de los años 80’s tuvo sus principales frutos en Cataluña y Galicia.
Estas exposiciones no respondían a un claro programa de afianzamiento del arte joven catalán, a diferencia de Galicia, donde el apoyo de los artistas locales más jóvenes se concreto en concursos, premios y bienales, como la Bienal de Arte de Pontevedra, y en la creación del Colectivo Atlántica.
Los artistas del colectivo Atlanta
De los artistas participantes de la aventura Atlántica, el que más se identifico con las raíces autóctonas fue Antón Patino, en cuyas obras asoma una iconografía claramente deudora de la tradición gallega medieval, románica sobre todo, sin olvidar las mascaras, los rostros recortados o los detalles vegetales que relacionan su pintura con un sentido primitivo de lo cultural.
Manchú Lamas
También integrante de este colectivo, practica una pintura en la que la plenitud, la simetría, la linealidad de los contornos, la opacidad cromática, la simplicidad la claridad y el contraste sirven a una iconografía totémica dominada por personajes de rasgos animalisticos que parecen extraídos del bestiario medieval.
Antón Lamazares
Utiliza el cartón, en cuyos surcos siembra color, para dar vida a personajes imaginarios pertenecientes a una mitología mística y caricaturesca, arraigada en tradiciones locales.
La indefinición de la escultura
Esta quedo reflejada en exposiciones como seis escultores y, especialmente en tres dimensiones, las dos celebradas en los anos 80s. En tres dimensiones supuso la confirmación del interés de una nueva generación de escultores y a la vez la connotación de la falta de objetivos o de guías comunes en tales esculturas. Y una indefinición conceptual y formal.
La larga sombra del entusiasmo
El entusiasmo de la primera mitad de la década de los ochenta se fue debilitando a los largo de la segunda mitad y en los primero años 90’s.
Como es frecuente que se dé en cualquier época de crisis, estos espejismos del entusiasmo se plasmaron en diversos fenómenos del signo contrapuesto.
Las últimas grandes exposiciones
Uno de los fenómenos más interesantes de ese momento de desaceleración del arte español, fue la afirmación de las prácticas escultóricas que en la primera mitad de la década de los ochenta habían empezado a manifestarse con cierta autonomía respecto a periodos anteriores.
De este movimiento se pueden destacar artistas como Ángel Bados, Txomin Badiola, Pello Irazu, María Luisa Fernández,
Juan Muñoz
Se interesa por el dialogo que los objetos mantienen con el espacio circundante. Esta voluntad escenográfica se ve reflejada en obras como “La tierra devastada”, donde incorpora soportes arquitectónicos en los que coloca figuras de pequeñas dimensiones, creando así “espacios dislocados”, que distorsionan las tradicionales normas de perspectiva y de percepción visual.
Cristina Iglesia
Artista formada en Londres. Su obra se preocupa primordialmente por el tratamiento de la materia y por los significados ambiguos de las tipologías arquitectónicas que integran sus espacios plásticos.
Susan Solano
La cual había trabajado en sus obras con materiales blandos, como maderas y lonas, incorpora el hierro a sus obras, un material que, con voluntad de revelar las marcas del proceso de fabricación, corta, dobla y enrolla en un buscado encuentro entre la fabricación industrial y la artesanal.
Jaume Plensa
Cuyos hierros fundidos daban cuerpo a monstruosos personajes de gran expresividad. Con estas obras J. Plensa quiso mostrar que el hierro podía ser modelado.
El fin del espejismo
El fin del espejismo significo el fin de la era del entusiasmo, con todo lo que ello significaba de fin del culto a lo joven, de las euforias mercantilistas y de las promesas no cumplidas.
Perejaume
Es un artista paradigmático de ese giro que da el arte español de la segunda mitad de la década de los ochenta, un giro que busca los aires de libertad necesarios que le permitan transitar eclécticamente, a modo de palimpsesto, por las diversas tendencias de la modernidad y la posmodernidad.
Desde lo conceptual hasta lo pictórico, desde el objeto o la realidad apropiadas hasta el marco, la firma y la galería dominadoras de la tradición artística.
En la historia del arte constantemente se ha hablado de la tendencia, del autor, incluso de la técnica, pero no se habla de lo que es más consustancial, que es el lugar, el artista define el lugar que es tan real como los lugares externos. De manera que se puede crear una confusión perfecta entre autor y toponimia.
En conclusión toda esta época fue un torbellino para los artistas que se trataban de abrir paso a la recuperación de historia y cultura en esos años tan atropellados por guerras y críticas.
