INSTITUCION EDUCATIVA LA LIBERTAD – BUCARAMANGA Carrera 31 No. 101 – 24 B. La Libertad

GESTION ACADEMICA

GA-FTO: 01

Versión: 1

GUIA DE CLASE TALLER EVALUACION Fecha: mayo 2020 No. No. (Intermedia, periodo, quiz)

AREA: ASIGNATURA: DOCENTE:

PERIODO: 2 GRADO: 9-a FECHA:

TEMA:

LOGRO:

INSTRUCCIÓN: NOMBRE ESTUDIANTE: David Andres Santos Mosquera

GRADO Y GRUPO:

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

REALIZAR MAPAS CONCEPTUALES SOBRE CADA TEMA. (ENTREGA EL 20 DE MAYO)

MOVIMIENTO ARTISTICO A TRAVES DE LA HISTORIA

Roma La cultura romana tiene como trasfondo una historia de expansión, conquista y control ocupando Italia, el Mediterráneo occidental y oriental (los pueblos helenísticos). Roma se convierte en el centro desde donde se organiza todo. Esto posibilitó la unión del Mediterráneo mediante la aplicación administrativa central, una sólida economía de conjunto, una misma creencia religiosa, lenguaje (latín) y moneda. El hombre romano cree que la vida está regida por las divinidades y que todo lo que acontece en el plano terrenal es producto de la voluntad de estos que podrían aplastarle, ayudarle, protegerle y enviarle prosperidad. Asimismo, el sedimento de la religión romana se encuentra en el poder político. Es el Estado el que rige los asuntos religiosos desde la introducción de nuevas deidades hasta la educación sacerdotal, lo que conlleva a un control total que se evidencia en la organización urbana, social, cultural y artística. Con el Imperio la figura del emperador pasa a ser venerada como un dios, creándose el culto al emperador.

Características del arte romano

El arte románico se desarrolló en una época de pobreza y aislamiento comercial en toda Europa, El feudalismo. El arte románicos desarrollo durante los siglos XI, XII y a mediados del XIII, época en que comienza el arte gótico.

El arte románico tiene varias características comunes independientes de donde se desarrolle:

1) Es un arte funcional. Es un arte no para ser visto, sino para existir y ser practicado. El material utilizado eran las piedras en forma de bóveda. La pintura y esculturas servían para resaltar la arquitectura.

2) Es un arte del material. El arte románico resalta la belleza de los materiales que utiliza, se convierte en tema de sí mismo.

3) Es un arte de lo sagrado. Los románicos fueron los que introdujeron las escenas historiadas hasta que los capitales. Tanto el sentido de la función como el del material sitúan al arte románico al borde de la creación de la naturaleza.

ARTE BIZANTINO Contempla un largo período donde se percibe florecimiento y decadencia de sus creaciones. Representa la expresión estética del Imperio romano en Oriente.

PINTURA Refleja el poder de la religión. Como en el Paleocristiano, se sigue creando la iconografía con función didáctica hasta el siglo VIII cuando brota la crisis iconoclasta que permanece durante un siglo aproximadamente. Esto se debe a que las religiones islámicas y judaicas creen que la imagen contiene lo maligno y esto no permite alcanzar lo divino. De esta manera, los iconoclastas destruyen toda representación religiosa que son sustituidas por otras de carácter profano. Además de pinturas murales y mosaicos, aparece el icono, de carácter sagrado. Son cuadros bidimensionales de pequeño formato, pintados al temple con colores opacos cuya iconografía se circunscribe a Cristo, la Virgen y los santos. Al ser fácil su traslado, cumplían la función de enseñar la doctrina. Así mismo, se recurre a la miniatura, ya incluida en el Paleocristiano, para ilustrar las obras de Antiguo y Nuevo Testamento. La pintura bizantina arrastra la esencia de la paleocristiana en cuanto al esquematismo de las figuras, la inexpresividad y el simbolismo. De otra parte, la jerarquización de los personajes en función de su importancia, la composición de los elementos desproporcionados de las escenas y el predominio de las masas de color sobre el dibujo son constantes del arte pictórico bizantino. Características principales del arte bizantino Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales. Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores. Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo). Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central. En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados. En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra. La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano. Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II; Pintura bizantina Arquitectura bizantina En la arquitectura bizantina podemos destacar la construcción de iglesias grandes e imponentes, cuya principal característica fue la presencia de cúpulas sostenidas por columnas, utilizando decoraciones y pinturas religiosas, dentro de las iglesias. Es muy diversa y grandiosa, utilizando un plano de la basílica que se heredó de los romanos, un plano circular que se heredó de los martiria y la cruz se heredó de los griegos. Esta Arquitectura se caracteriza por multiplicar los arcos, las cúpulas, las columnas y las bóvedas para conseguir un tamaño mayor. La obra más destacada de la arquitectura bizantina es la Basílica de Santa Sofía que está en Estambul. ARTE BIZANTINO MOSAICOS Este tipo de arte estaba muy generalizada en el imperio bizantino, especialmente en la edad de oro, la época del reinado del emperador Justiniano (526 a 565). Las imágenes de mosaico estaban formadas por artistas que utilizaban los pedazos de piedra pequeños y coloridos pegados en la pared. Imágenes religiosas y del emperador fueron los temas principales. Estos mosaicos son característicos por tener abundante color y luz, ejerciendo funciones didácticas y sobre todo simbólicas. La técnica que se utilizada es la de opus tesélateme y prácticamente se basa en mezclar vidrios de color con piedras. Este tipo de mosaicos se pueden observar en muchas cúpulas y muros interiores. En los muros el espacio es simbólicamente dividido en tres partes: inferior para las representaciones terrestres, media para las representaciones de transición y superior para el cielo. Cúpulas Bizantinas Este tipo de cúpulas es el elemento más destacado en la arquitectura bizantina. Las cúpulas son numerosas, amplias y con forma circulares. Estos elementos de la arquitectura fueron evolucionando con el paso del tiempo hasta tener forma de cebolla. Arcos Bizantinos Los arcos eran un elemento esencial de este tipo de arte. Podemos encontrar varios arcos el arco ciego que normalmente era un elemento decorativo. El arco medio punto que sostenía las paredes. Las arcadas paralelas que se utilizaban para los muros externos. Estos arcos buscaban que los muros se vieran más amplios y las iglesias pudieran contar con varias ventanas para que entrara la luz natural y diera un simbolismo espiritual. Columna Bizantina Las columnas bizantinas solían ser decorativas y colaboraban con el juego de colores y de luces que caracterizaba a las obras bizantinas. La gran mayoría de ellas eran color mármol, pero también se pueden encontrar de color rojo. Su decoración estaba compuesta por una gran variedad de decoración, pero destacaban los intricados con motivos vegetales.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES DEL ARTE BIZANTINO Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales. Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores. Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo). Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central. En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados. En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra. La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano. Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II. ARTE ROMÁNICO Hacia el siglo XI la Europa cristiana goza de una unidad política, religiosa y cultural tras dos intentos fallidos que le antecedió con el reinado de Carlomagno y posteriormente bajo el poder otoniano. Le precede los años de terror y temor de las poblaciones cristianas de Europa por la llegada del fin del milenio justificado también por la oleada de guerras, invasiones, plagas y hambre que consolidó la necesidad de fe y refugio en una religión salvadora como decía ser la cristiana. El arte románico surge bajo esta atmósfera. Es un lenguaje artístico eminentemente cristiano que abarca un amplio territorio y que contiene sus propias características de acuerdo a la región en que se desarrolle sin perder la unidad como estilo artístico. Surge en el sur de Francia y en el recorrido al Camino de Santiago, siendo Italia, Francia, Inglaterra, Alemania y España los países donde la expresión tuvo mayores exponentes en todas las manifestaciones del arte. Su origen se debe en el poder alcanzado por la Iglesia Católica bajo la cual tiene lugar el monaquismo y las peregrinaciones. PINTURA Prima en muros, como en el ábside de la iglesia. Es una pintura de figuras hieráticas, perfiladas con un marcado contorno, enmarcadas en un espacio plano desprovisto de volumen y perspectiva. Aquí también la esencia es lo que trasciende y por ende las representaciones carecen de realismo y expresividad. (Ábside de San Clemente de Tahúlla) ARTE GÓTICO Nace a mediados del siglo XII con la arquitectura que se desarrolla al norte de Francia, aun cuando el románico sigue vigente en otras partes de Europa occidental. Es un arte urbano y burgués, dado que se desarrolla en el entorno citadino gracias a la financiación aportada por los burgueses. Hacia mediados del siglo XIII la escultura cobra protagonismo mientras que la pintura no verá su apogeo hasta la primera mitad del siglo XIV. Características del arte gótico: Secuencia temporal La llegada del gótico tuvo una secuencia en el tiempo: comenzó en Francia, luego se extendió a Inglaterra y España, y bastante tiempo después llegaría a Alemania; más tarde aún, a Italia. ARTE RELIGIOSO Arte gótico religioso El estilo gótico le da franca preeminencia a lo religioso. El arte gótico se manifestó solo en las disciplinas más ligadas a lo estético (arquitectura, pintura y escultura), en tanto manifestaciones humanas con posibilidad de consagrarse a Dios, ya que el estilo gótico le da franca preeminencia a lo religioso.

Se identifican en la arquitectura gótica tres etapas o períodos:

• Gótico temprano. La bóveda de crucería aparece en algunas iglesias (ejemplo: Catedral de Norte Dame)

• Gótico clásico. Las catedrales ganan más altura aún a través de un piso de ventanales, que otorga luz casi vertical (ejemplo: Catedral de Chartres)

• Gótico radiante (o razonan). Aparecen como dominantes los elementos radiales, surgen los grandes rosetones (ejemplo: reconstrucción de la abadía de Saint Denis).

RENACIMIENTO El Renacimiento se centra en la grandeza del ser humano como individuo, autosuficiente y racional, capaz de generar juicios propios. Defiende, por tanto, el antropocentrismo frente al teocentrismo que imperó en la Edad Media aspecto determinante para el inicio de la libertad de expresión del arte. El arte del Renacimiento supuso un rechazo hacia el período medieval, sobre todo, hacia el arte gótico pues suponía una etapa de creación bárbara. Ante esto, el artista vuelca la mirada hacia la cultura grecolatina, estudia la Naturaleza en sí misma y aplica las matemáticas y la ciencia para lograr el ideal de belleza. También, el artista humanista estará siempre en un proceso de cambio lo que deviene en una multiplicidad de variantes de un mismo fenómeno. RENACIMIENTO ITALIANO Se desarrolla en el s. (Quattrocento) y el sexi (Cinquecento). Hacia el 1500 en Italia, algunos artistas como Miguel Ángel, Rafael, Tintoretto o Tiziano se toman ciertas libertades no comprendidas dentro del clasicismo renacentista cuyos códigos debían ser inalterables. A esa manera espontánea y subjetiva de interpretar lo clásico se le denominó «manierismo» como una tendencia del Renacimiento. A él se adscriben varios artistas que emulan el estilo pictórico de Buonarroti o Rafael como los dos creadores paradigmáticos, mientras que en arquitectura la transformación tuvo menor fuerza. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA El intento de aparentar la realidad mediante la perspectiva lineal para dar la profundidad (espacio tridimensional) y el juego de luces y sombras es el problema primordial. Además, hay una evolución hacia una pintura que logra el dominio del espacio, del volumen y del movimiento. Se realizan obras de gran formato con temas mitológicos, algo novedoso teniendo en cuenta que solo estas dimensiones estaban destinadas a los temas religiosos. Da Vinci incluye el sumito o esfumado, perspectiva aérea, y perfecciona el claroscuro con lo cual lo representado se enriquece y suaviza. Las técnicas a desarrollar son el óleo sobre tabla, sobre pergamino, el fresco y el temple; menos frecuente el grabado en madera y en metal, también la acuarela. MANIERISMO El manierismo es una tendencia del Renacimiento que adoptaron varios artistas en el siglo XVI. La historiografía lo sitúa después de 1520, fecha de la muerte de Rafael Sanzio. Será un arte a la maniera de, siendo en pintura las figuras de Miguel Ángel y Rafael, genios del Renacimiento italiano los paradigmas a seguir. Se pudiera hablar de un arte intelectualizado que no observa la Naturaleza para la construcción de sus figuras desde el punto de vista pictórico, sino que a partir de la subjetividad del autor se crea un nuevo canon; sin embargo, persiste el interés hacia el clasicismo. CARACTERÍSTICAS GENERALES Prima lo decorativo, el lujo, el claroscuro en fachada, la multiplicidad de puntos focales. Los espacios serán manipulados para lograr el engaño visual, se tenderá al carácter teatral y escenográfico de los edificios que tendrán estrecha relación con los exteriores urbanos y jardines. Pintura La pintura manierista renuncia a la unidad compositiva y prefiere representar en un mismo espacio irreal varias escenas inconexas donde el juego de luces y sombras contrasta con el cromatismo hiriente de la figura perfilada, alargada y serpentinita.

ORIGEN Y CARACTERÍSTICAS DE MANIERISMO

El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Ronda nini)

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura, sobre todo, la línea o figura serpentinita, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.

Arquitectura manierista

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno. En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica. La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

BARROCO El estilo barroco en las artes es una expresión de carácter teatral y agitado en sus formas. Centra su atención en la experiencia a través del claroscuro, del movimiento, de la composición, de la representación natural cuyos efectos visuales crean un resultado ilusorio que a la vez desconcierta a la vez que atrae y persuade, Italia sigue siendo el foco cultural. Nace en Roma a mediados del siglo XVII y recorre Europa donde cada país lo desarrollará según sus tradiciones locales, historia e influencias. Sin embargo, París será la ciudad que lo acoge en la segunda mitad del siglo XVII al caer el patronazgo papal en Italia. Este arte es fuertemente avalado por los poderes hegemónicos de la sociedad que desean afianzar, en el caso de la Iglesia, su carácter religioso mientras que el Estado y la burguesía pretenden demostrar su grandeza a nivel económico, social y político. PINTURA Es característico la manipulación de la luz (del exterior o del interior) con el propósito de realzar un grupo en específico según el interés del artista. La iluminación puede ser intensa o contrastada lo que permite mostrar las cualidades de lo representado (Bodegón con cacharro, Zurbarán). El dramatismo de la obra será dado por la técnica del tenebrismo y el uso de la perspectiva aérea que le confiere un sentido teatral; también por el apoyo de la composición abierta mediante el uso de las líneas diagonales y cruzadas, el manejo de los ropajes, el color y el claroscuro. Otras tendencias pictóricas serán el naturalismo y el clasicismo dentro del barroco. Pintores de la maestría de Aníbal Carracci (techo de la galería Farnesio) y Caravaggio (san Mateo escribiendo el Evangelio) son los dos artistas que imponen propuestas encontradas en Italia. Importantes fueron Pietro de la Cortona, Giovanni Battista Gaulle, Luca Giordano, Andrea Pozo; los españoles José de Ribera, Alonso Cano, Murillo, Zurbarán, Coello, Velázquez (Vieja friendo huevos) et al. Rubens (Helena Forment con sus hijos) Rococó El arte rococó surge en París y se extiende por todo el territorio francés -en el siglo XVIII durante los reinados de Luis XV y XVI-, como reacción al orden vigente marcado por el absolutismo. Posteriormente es acogido en otros países, teniendo en Alemania y Austria un auge sin igual. Convive con el arte barroco tardío y con el Neoclasicismo, siendo entonces su periodo de muy corta duración. Son los cortesanos y burgueses los demandantes de un arte que respete los derechos del hombre y, por tanto, en este caso, que exprese la felicidad de la vida desligado totalmente de todo sustrato político y religioso. El Rococó con una función ornamental busca crear sensaciones mediante la espontaneidad de la composición, lo refinado, la opulencia y la elegancia para reafirmar el modo exquisito de vida de sus consumidores. Por ello tiende al horror vacui en la decoración de interiores, al empleo de una rica paleta cromática -a veces viva otras opaca-, a las formas naturales, sinuosas y exóticas de influencia oriental, al movimiento y a la asimetría. PINTURA Predomina la composición abierta, la profundidad y el movimiento. Asimismo, el color es el protagonista y no el dibujo. Se desarrolla el género mitológico, el retrato, el paisajismo, el bodegón, además de temas profanos como las escenas pastorales y de la corte. Destacan Francisco de Goya en sus inicios trabaja para la realeza y la nobleza dedicándose a la realización de retratos (Gaspar Melchor de Jovellanos) por lo que es bien reclamado hasta que el interés por el pensamiento filosófico de la ilustración aniquila su inclinación hacia su “pintura rococó. ROMANTICISMO Ya hacia finales del siglo XVIII comienza a gestarse el movimiento romántico, pero es en el XIX que afecta a toda Europa como fenómeno nuevo. Perdura en toda la primera mitad del siglo y se opone al estilo Neoclásico. El movimiento romántico concibe el arte de otro modo: el sentimiento y la subjetividad del artista será lo que prime en la obra de arte; por tanto, se verán varias formas de expresión dentro del movimiento sin que predomine un estilo concreto. Por otra parte, el artista se siente incomprendido y se refugia en la soledad, con lo cual nace un nuevo concepto de artista, este desarrollará un nuevo método para crear pues se basa en el boceto que es en definitiva el que transmite con más fuerza el momento y su sello. Serán la música y la pintura los mayores exponentes del Romanticismo por ser los géneros donde mejor se manifiesta la sensibilidad personal.

Es aquí donde el paisaje protagonizará dentro de la pintura y también el carácter nacionalista sentimiento colectivo que inundará a muchos artistas que apoyan las causas liberales. El artista centra su atención en el pasado, en las raíces de los pueblos, sobre todo la cultura medieval, y nuevamente se refuerza la religiosidad que se había perdido con la Ilustración. Muchas veces las pinturas románticas tienen una connotación literaria por ese afán del gusto hacia el público. PINTURA En Francia, Théodore Géricault refleja los hechos contemporáneos y realza la figura de la víctima ya no del poder. Pintó temas históricos desde otra perspectiva y con un marcado realismo y sentimiento. Las catástrofes, los dementes, las tropas de Napoleón…, serán asuntos transgresores que, en su época, tuvo a más de un detractor, (La balsa de la medusa). REALISMO Basado en la corriente filosófica del Positivismo que proclama la verificación de todas las cosas mediante los sentidos, el artista representa lo que ha comprobado por sí mismo y ausente de cualquier pincelada imaginaria. Únicamente se centra en los hechos contemporáneos que es lo verdadero para él. De tal forma está en contra de los preceptos románticos e introduce nuevos temas de carácter social como la miseria y la desigualdad. Campesinos y obreros serán su foco de atención. Surge en Francia a partir del descontento de la clase obrera por el papel que toma la burguesía luego de la revolución de 1830 en la que lejos del liberalismo se instaura una nueva burguesía dominante, conservadora y capitalista, lo que hace que en el año 1848 estalla la segunda revolución burguesa y el artista se percate de que el arte debe tener una razón social, de ahí el acercamiento a la clase trabajadora. Nota importante: Amantes de la Naturaleza y su representación fiel. IMPRESIONISMO El término impresionismo lo plantea un crítico tras la exposición que se organiza en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Esta exposición supuso la unificación entre los artistas del movimiento y una manera de hacerse conocer pues de sus obras dependen sus vidas. De este modo se organizan exposiciones individuales y colectivas, surge la figura del marchante y los artistas se desligan de las academias pretendiendo ser independientes. El movimiento, en pintura, dominó las décadas posteriores a la segunda mitad del siglo XIX, entre 1860 y 1870 en París. El artista impresionista rompe radicalmente con la pintura precedente pues su mirada hacia la Naturaleza de las cosas, ya sea un paisaje natural o arquitectónico, personas, animales, la atmósfera y más no será con un carácter mimético sino retiniano. Es decir, el punto de vista, literalmente, será lo que el artista imprime en sus obras, lo que el ojo es capaz de captar en una impresión; para ello salen al exterior, al aire libre para captar el momento. Por lo tanto, los aspectos fundamentales que caracterizan al movimiento serán la luz como protagonista, el espacio aprehensivo, el que es capaz de captar el interés del espectador a través de los sentidos, en este caso el visual y el instante. Lo cromático se aplicará en sus formas puras para que el ojo resuelva el teorema; no habrá acabados uniformes, ni un contorno dado por la línea, ni interés en el tema. Se apoyan de los descubrimientos de Cereal sobre los colores primarios y binarios, de los encuadres de la fotografía y de las estampas japonesas. Édouard Manet, será el precursor del movimiento, (El almuerzo en la hierba); el paisajista Claude Monet, (La estación de San Lázaro); el pintor Pierre Auguste Renoir quien se interesa por la figura humana (Grandes bañistas) y Edgar Degas centra su atención hacia la vida urbana sobre todo hacia los trabajadores, pinta en su taller y retoma el dibujo, Bailarina basculando (Bailarina verde) son claros exponentes del Impresionismo. No menos destacados son Camille Pizarro, Alfred Sisley, Verte Moritos, Joaquín Sorolla. Edgar Degas recreó unas 150 esculturas. Estas fueron encontradas tras su muerte en su taller, pero en cera o barro. La única escultura que mostró y finalizó fue La pequeña bailarina de catorce años. También despunta Medardo Rosso, (Aetas Aurea) que junto a Rodin y Degas lo han considerado padres de la escultura moderna. SIMBOLISMO Sus principales exponentes son Gustav Klimt (Retrato de Adele Bloch-Bauer I), Gustav Moreau, Pierre Pubis de Cavanes, Arnold Bocín (su obra se mueve entre el Romanticismo y el Simbolismo), Odilón Redon, Edvard Münch y James Enser precursores del expresionismo y Ferdinand Helder, (El lector) -uno de los principales pintores más importantes del movimiento en Centroeuropa- quienes le imprimen un carácter subjetivo, onírico y visionario. Pintan lo invisible, lo que parte del interior. Será una obra que se nutre de la fantasía y de la imaginación. El grupo de Los Nabos, está considerado como parte del movimiento y fue puntera en la última década del XIX con Paul Ser usier al frente. MODERNISMO Estilo artístico que se adopta con un espíritu diferente debido a las características culturales de cada país comenzando por las variadas denominaciones con el que se conoce: Modern Style en Inglaterra, Art Nouveau en Francia, Modernismo en Cataluña, estile Liberty en Italia o Jugendstil en Alemania, por poner algunos ejemplos. Es un estilo de

carácter internacional, no solo estuvo presente en Europa sino en América continental, de muy corta duración que, sin embargo, dominó las dos últimas décadas del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Nace a partir de la oposición en términos estéticos hacia la civilización industrial, el academicismo y el historicismo ecléctico para buscar una aproximación a las formas de la Naturaleza, anhelo que tiene su antecedente en la teoría de John Ruskin y de la producción del artista William Morris fundador del grupo Arts. & Drafts que, en esencia, los dos promulgaban por una vuelta a la artesanía con una producción hecha a mano. Intento que supuso un fracaso frente a la idea de progreso de la sociedad industrial. Sin embargo, estas teorías sientan las bases para el Modernismo que se fundamenta en la libertad del espacio y en la estética. La línea sin fin, ya sea curva, enrevesada será un elemento esencial y constante; la influencia oriental será determinante y, por supuesto, la mirada hacia las formas caprichosas que la Naturaleza brinda. Emplea los motivos vegetales, florales, los colores pasteles, las vidrieras translúcidas y mucho más. Los principales clientes son la clase burguesa. Es un movimiento de vanguardia que se inmiscuye en todas las artes y las imbrica; también ocupa el arte mueble y las artes decorativas. VANGUARDISMO Las vanguardias tendrán como objetivo fundamental romper con toda expresión precedente, tradicional y academicista para promover una estética nueva y autosuficiente. Emergen simultáneamente los diferentes movimientos con sus tendencias y habrá rivalidad y un carácter de experimentación que será la causa que determine la duración de los ismos. Características del vanguardismo

Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido con anterioridad, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, bayanismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:

• La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación Audacia y libertad de la forma.

• El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.

En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

FAUVISMO: Expresionismo, Cubismo y Futurismo son las primeras vanguardias concretas que comparten lo figurativo, la mirada hacia el arte primitivo y una nueva concepción del espacio. Características del Fauvismo El color fue lo que condicionó la forma de pintar, los artistas expresaban que mediante los colores podían expresar sus sentimientos. Pero no usaban los tonos naturalistas, sino que empleaban el color para tener más expresión. Las líneas gruesas, pinceladas vigorosas, sin mezclas ni matices de colores también caracterizan a este tipo de arte. Este estilo nuevamente lo que busca es una gran intensidad emocional con una simplificación de elementos. Los temas más cotidianos en este tipo de arte son personajes en interiores, retratos, naturaleza muerta y paisajes muy hermosos, las máscaras africanas y las estatuas. Principales Exponentes del Fauvismo Henri Matisse Líder y máximo expositor de este movimiento artístico, sus obras fueron planas donde el color prima incluso con un uso exagerado. El artista francés recibió reconocimiento internacional logrando la aprobación de coleccionistas y críticos de arte.

André Derain Su estilo fue más enfocado a personajes urbanos y campestres, no se preocupaba por la perspectiva ni la representación realista. Los colores que se usaban eran puros y con frecuencia se aplicaban directamente del tubo al lienzo; luego tuvo influencias en su arte por el cubismo. Maurice de Flamenco Se caracteriza por sus obras con paisajes dramáticos inspirados por Van Gogh, sus representaciones artísticas se centran en la naturaleza, el campo y eventualmente producía retratos. CUBISMO: Las señoritas de Aviñón de Picasso fue la obra que abrió el Cubismo. Rompió con la estética tradicional de representación al desfragmentar el espacio, trayendo a la superficie la composición geométrica de los diferentes ángulos del modelo. Picasso y Braque serán los iniciadores del movimiento al que se incorporan Juan Gris, Lager, Delaunay -portuguesa (la gran portuguesa)- et al. El Cubismo influyó en posteriores movimientos de vanguardia y transitó por varias etapas como el Preciso, el Cubismo clásico y el Cubismo sintético. Principales características del cubismo: El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un efecto visual disruptivo y fragmentado. Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la única herramienta válida para el pintor. El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad. En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del espectador. El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de todos los tiempos. Su estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual. Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente. Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes, retratos, bodegones. En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras, introdujeron nuevos materiales en el proceso; naciendo así los collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos, papeles, metales, cuerdas u otros objetos de uso diario. FUTURISMO: En Italia, en 1909, se lanzaba el primer Manifiesto futurista por Marinetti. Un año después, Boccioni (Dinamismo del cuerpo humano, boxeador), Carré, Russolo Balla y Severini firmaron el primer manifiesto de pintura futurista; en 1912, escultura y, en 1914, arquitectura. Es un movimiento bien influido por el Cubismo que proclama su amor deliberado a la violencia, al progreso, a la máquina y a la velocidad. A pesar de su marcada ideología política de espíritu fascista, aportó al arte la captación de la velocidad a través del movimiento. El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo. Change of Position, 1911. Marcel Duchamp. Desnudo bajando una escalera. 1912. Gino Severini, Tren suburbano. 1915. Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneamos). Particularidades: – Exaltación de la originalidad. – Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. – Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como

máquinas, deportes, guerra, etc. – Utilización de formas y colores para generar ritmos. – Colores resplandecientes – Transparencias – Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como

resultado da la impresión de dinamismo).

Arte abstracto

El primer pintor abstracto considerado como tal fue el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura.

Pero sería el ruso Vasili Kandinski quien establecería las bases del abstraccionismo como un movimiento artístico coherente, moderno e internacional, a través de lo que llamó “Abstracción lírica” entre 1910 y 1912.

A este movimiento vendrían a sumarse diversas y simultáneas exploraciones artísticas en torno a un “arte puro” en Rusia, Francia y posteriormente Alemania y Estados Unidos.

A pesar de que el arte abstracto engloba una cantidad importante de tendencias, propuestas y estilos, pueden resumirse sus características en:

• Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad para escapar de la realidad concreta. • Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la tridimensionalidad y en la geometría, a veces dándole

protagonismo al color. • Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de forma, color y línea cuyas reglas pertenecen al artista. • Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas de modo intuitivo, menos tradicional. • El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos concretos, dando cabida a los pensamientos y

las nociones mentales más difusas.

4. Tipos de arte abstracto

El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias que marquen su estilo, en:

• Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan, trazan espirales u otras formas semicirculares, como los nudos o el triskele o triskelion.

• Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir del color, de manera más o menos caótica u ordenada (secuencial, por ejemplo).

• Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a las formas geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso prefiere las formas matemáticas.

• Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que interpela al espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la intuición y lo sensible, no de la lógica.

• Gestual. Suerte de híbrido entre el abstraccionismo y el expresionismo, hace hincapié en el trazo y la pincelada, es decir, en el modo mismo en que la obra se compuso, para alcanzar la abstracción deseada.

• Minimalista. Un retorno a lo simple, a lo poco, a la ausencia en el cuadro. Puede darse con uno o dos colores, una forma simple o diversos planteamientos que son justamente mínimos, nunca recargados ni barrocos.

EL SURREALISMO: El arte surrealista es una corriente artística que tiene su base en Francia en la década de 1920; este modelo de arte busca inspirar olvidando la realidad, de tal forma que el artista encuentre una forma de encerrarse en sí mismo, en un impulso imaginario e irracional. Esta vanguardia artística causó en un inicio mucha controversia, pues rompía con las leyes de la pintura tradicional, con el objetivo de captar la atención directa del espectador, con imágenes fuera de la realidad y en ocasiones nada figurativas. En el arte surrealista el artista no representa vivencias pasadas, por el contrario, representa una realidad que está en el inconsciente o los sueño, de aquí que el arte surrealista sea uno de los estilos de arte más difícil de comprender e interpretar. El surrealismo tuvo sus inicios en la poesía, extendiéndose posteriormente a la pintura y escultura, concluyendo con la ideología comunista con un enfoque político. Sin lugar a dudas uno de los grandes exponentes del arte surrealista es Freud, quien en 1921 la interpretación de sus sueños poco a poco fue adentrándose a ese mundo fuera del ámbito de la conciencia. Características del arte surrealista El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento

Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón. Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejadas al espectador un tanto desorientado La imaginación se utiliza como lógica. Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages. El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura. La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos Los artistas inventan universos figurativos propios. El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales. Se divide en surrealismo figurativo y abstracto

desarrollo

La cultura romana tiene como trasfondo una historia de expansión, conquista y control ocupando Italia, el

Mediterráneo occidental y oriental (los pueblos helenísticos). Roma se convierte en el centro desde donde se organiza

todo. Esto posibilitó la unión del Mediterráneo mediante la aplicación administrativa central, una sólida economía de conjunto, una misma creencia religiosa, lenguaje (latín) y

moneda.

1)Es un arte funcional. Es un arte no para ser visto, sino para existir y ser practicado. El material utilizado eran las

piedras en forma de bóveda. La pintura y esculturas servían para resaltar la arquitectura.

2)Es un arte del material. El arte románico resalta la belleza de los materiales que utiliza, se convierte en tema

de sí mismo.

3)Es un arte de lo sagrado. Los románicos fueron los que introdujeron las escenas historiadas hasta que los capitales. Tanto el sentido de la función como el del

material sitúan al arte románico al borde de la creación de la naturaleza.

Roma

Características del arte romano

El hombre romano cree que la vida está regida por las divinidades y que todo lo que acontece en el plano terrenal es producto de la voluntad de estos que podrían aplastarle, ayudarle, protegerle y

enviarle prosperidad. Asimismo, el sedimento de la religión romana se encuentra en el poder político. Es el Estado el que rige los asuntos religiosos desde la introducción de nuevas deidades hasta la educación sacerdotal, lo que conlleva a un control total

que se evidencia en la organización urbana, social, cultural y artística. Con el Imperio la figura del emperador pasa a ser venerada como un dios, creándose el culto al emperador.

ARTE BIZANTINO

Contempla un largo período donde se percibe florecimiento y

decadencia de sus creaciones. Representa la expresión estética del Imperio romano en Oriente.

Arquitectura bizantina

En la arquitectura bizantina podemos destacar la

construcción de iglesias grandes e imponentes, cuya principal

característica fue la presencia de cúpulas sostenidas por columnas,

utilizando decoraciones y pinturas religiosas, dentro de las

iglesias. Es muy diversa y grandiosa, utilizando un plano de

la basílica que se heredó de los romanos, un plano circular que se heredó de los martiria y la cruz se

heredó de los griegos. Esta Arquitectura se caracteriza por

multiplicar los arcos, las cúpulas, las columnas y las bóvedas para conseguir un tamaño mayor. La

obra más destacada de la arquitectura bizantina es la

Basílica de Santa Sofía que está en Estambul.

ARTE BIZANTINO MOSAICOS

Este tipo de arte estaba muy generalizada en el imperio

bizantino, especialmente en la edad de oro, la época del reinado del emperador Justiniano (526 a 565). Las imágenes de mosaico estaban formadas por artistas que utilizaban los pedazos de piedra pequeños y coloridos

pegados en la pared. Imágenes religiosas y del emperador fueron

los temas principales. Estos mosaicos son característicos por

tener abundante color y luz, ejerciendo funciones didácticas y sobre todo simbólicas. La técnica

que se utilizada es la de opus tesselatum y prácticamente se

basa en mezclar vidrios de color con piedras. Este tipo de

mosaicos se pueden observar en muchas cúpulas y muros

interiores. En los muros el espacio es simbólicamente

dividido en tres partes: inferior para las representaciones terrestres, media para las

representaciones de transición y superior para el cielo.

Columna Bizantina

Las columnas bizantinas solían ser decorativas y colaboraban con el juego de colores y de luces que

caracterizaba a las obras bizantinas. La gran mayoría de ellas eran color mármol, pero

también se pueden encontrar de color rojo. Su decoración estaba

compuesta por una gran variedad de decoración pero destacaban

los intricados con motivos vegetales.

PINTURA Refleja el poder de la religión. Como en el Paleocristiano, se

sigue creando la iconografía con función didáctica hasta el siglo

VIII cuando brota la crisis iconoclasta que permanece

durante un siglo aproximadamente. Esto se debe a

que las religiones islámicas y judaicas creen que la imagen contiene lo maligno y esto no permite alcanzar lo divino. De esta manera, los iconoclastas

destruyen toda representación religiosa que son sustituidas por

otras de carácter profano. Además de pinturas murales y mosaicos, aparece el icono, de carácter sagrado. Son cuadros bidimensionales de pequeño

formato, pintados al temple con colores opacos cuya iconografía

se circunscribe a Cristo, la Virgen y los santos. Al ser fácil su

traslado, cumplían la función de enseñar la doctrina. Así mismo, se recurre a la miniatura, ya incluida en el Paleocristiano, para ilustrar

las obras de Antiguo y Nuevo Testamento.

Cúpulas Bizantinas

Este tipo de cúpulas es el elemento más destacado en la

arquitectura bizantina. Las cúpulas son numerosas, amplias y

con forma circulares. Estos elementos de la arquitectura

fueron evolucionando con el paso del tiempo hasta tener forma de

cebolla.

Arcos Bizantinos

Los arcos eran un elemento esencial de este tipo de arte.

Podemos encontrar varios arcos el arco ciego que normalmente era un elemento decorativo. El arco medio punto que sostenía

las paredes. Las arcadas paralelas que se utilizaban para los muros externos. Estos arcos buscaban

que los muros se vieran más amplios y las iglesias pudieran

contar con varias ventanas para que entrara la luz natural y diera

un simbolismo espiritual.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES DEL ARTE BIZANTINO

Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental,

principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de

estos diferentes aspectos culturales.

Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.

Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder

imperante del cristianismo). Es un arte estático, que tiene a

Cristo como tema central. En Arquitectura se destacaron las

basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega,

siendo una característica predominante el uso de arcos y

capiteles decorados. En el exterior continuaron usando

el ladrillo y la piedra. La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.

ARTE ROMÁNICO Hacia el siglo XI la Europa cristiana goza de una unidad política, religiosa y cultural tras dos intentos fallidos que le antecedió con el reinado de Carlomagno y posteriormente bajo el poder otoniano. Le precede los años de terror y temor de las poblaciones cristianas de Europa por la llegada del fin del milenio justificado también por la oleada de guerras, invasiones, plagas y hambre que consolidó la necesidad de fe y refugio en una religión salvadora como decía ser la cristiana. El arte románico surge bajo esta atmósfera. Es un lenguaje artístico eminentemente cristiano que abarca un amplio territorio y que contiene sus propias características de acuerdo a la región en que se desarrolle sin perder la unidad como estilo artístico. Surge en el sur de Francia y en el recorrido al Camino de Santiago, siendo Italia, Francia, Inglaterra, Alemania y España los países donde la expresión tuvo mayores exponentes en todas las manifestaciones del arte. Su origen se debe en el poder alcanzado por la Iglesia Católica bajo la cual tiene lugar el monaquismo y las peregrinaciones.

PINTURA Prima en muros, como en el ábside de la iglesia. Es una pintura de figuras hieráticas, perfiladas con un marcado contorno, enmarcadas en un espacio plano desprovisto de volumen y perspectiva. Aquí también la esencia es lo que trasciende y por ende las representaciones carecen de realismo y expresividad. (Ábside de San Clemente de Tahull)

Nace a mediados del siglo XII con la arquitectura que se desarrolla al norte de

Francia, aun cuando el románico sigue vigente en otras partes de Europa

occidental. Es un arte urbano y burgués, dado que se desarrolla en el entorno

citadino gracias a la financiación aportada por los burgueses.

Hacia mediados del siglo XIII la escultura cobra protagonismo mientras que la

pintura no verá su apogeo hasta la primera mitad del siglo XIV. Características del arte

gótico: Secuencia temporal La llegada del gótico tuvo una secuencia en

el tiempo: comenzó en Francia, luego se extendió a Inglaterra y España, y bastante tiempo después llegaría a Alemania; más

tarde aún, a Italia.

ARTE GÓTICO

. La bóveda de crucería aparece en algunas iglesias (ejemplo: Catedral de Norte Dame)

Gótico temprano.

. Las catedrales ganan más altura aún a través de un piso de ventanales, que otorga

luz casi vertical (ejemplo: Catedral de Chartres)

Gótico clásico

Aparecen como dominantes los elementos radiales, surgen los grandes rosetones

(ejemplo: reconstrucción de la abadía de Saint Denis).

Gótico radiante (o rayonnant)

Arte gótico religioso El estilo gótico le da franca preeminencia a

lo religioso. El arte gótico se manifestó solo en las

disciplinas más ligadas a lo estético (arquitectura, pintura y escultura), en tanto manifestaciones humanas con posibilidad

de consagrarse a Dios, ya que el estilo gótico le da franca preeminencia a lo

religioso.

ARTE RELIGIOSO

RENACIMIENTO

El Renacimiento se centra en la grandeza del ser humano como individuo, autosuficiente y racional, capaz de generar juicios propios. Defiende, por tanto, el antropocentrismo frente al teocentrismo que imperó en la Edad Media aspecto determinante para el inicio de la libertad de expresión del arte. El arte del Renacimiento supuso un rechazo hacia el período medieval, sobre todo, hacia el arte gótico pues suponía una etapa de creación bárbara. Ante esto, el artista vuelca la mirada hacia la cultura grecolatina, estudia la Naturaleza en sí misma y aplica las matemáticas y la ciencia para lograr el ideal de belleza. También, el artista humanista estará siempre en un proceso de cambio lo que deviene en una multiplicidad de variantes de un mismo fenómeno.

RENACIMIENTO

Se desarrolla en el s.XV (Quattrocento) y el s.XVI (Cinquecento). Hacia el 1500 en Italia, algunos artistas como Miguel Ángel, Rafael, TIntoretto o Tiziano se toman ciertas libertades no comprendidas dentro del clasicismo renacentista cuyos códigos debían ser inalterables. A esa manera espontánea y subjetiva de interpretar lo clásico se le denominó «manierismo» como una tendencia del Renacimiento. A él se adscriben varios artistas que emulan el estilo pictórico de Buonarroti o Rafael como los dos creadores paradigmáticos, mientras que en arquitectura la transformación tuvo menor fuerza.

RENACIMIENTO ITALIANO

El intento de aparentar la realidad mediante la perspectiva lineal para dar la profundidad (espacio tridimensional) y el juego de luces y sombras es el problema primordial. Además hay una evolución hacia una pintura que logra el dominio del espacio, del volumen y del movimiento. Se realizan obras de gran formato con temas mitológicos, algo novedoso teniendo en cuenta que solo estas dimensiones estaban destinadas a los temas religiosos. Da Vinci incluye el sfumato o esfumado, perspectiva aérea, y perfecciona el claroscuro con lo cual lo representado se enriquece y suaviza. Las técnicas a desarrollar son el óleo sobre tabla, sobre pergamino, el fresco y el temple; menos frecuente el grabado en madera y en metal, también la acuarela.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

MANIERISMO

El manierismo es una tendencia del Renacimiento que adoptaron varios artistas en el siglo XVI. La historiografía lo sitúa después de 1520, fecha de la muerte de Rafael Sanzio. Será un arte a la maniera de, siendo en pintura las figuras de Miguel Ángel y Rafael, genios del Renacimiento

italiano los paradigmas a seguir. Se pudiera hablar de un arte intelectualizado que no observa la Naturaleza para la construcción de

sus figuras desde el punto de vista pictórico sino que a partir de la subjetividad del autor se crea un nuevo canon; sin embargo, persiste el

interés hacia el clasicismo.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Prima lo decorativo, el lujo, el claroscuro en fachada, la multiplicidad de puntos focales. Los espacios serán manipulados para lograr el engaño

visual, se tenderá al carácter teatral y escenográfico de los edificios que tendrán estrecha relación con los exteriores urbanos y jardines.

Pintura La pintura manierista renuncia a la unidad compositiva y prefiere

representar en un mismo espacio irreal varias escenas inconexas donde el juego de luces y sombras contrasta con el cromatismo hiriente de la

figura perfilada, alargada y serpentinata.

ORIGEN Y CARACTERÍSTICAS DE MANIERISMO El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas

obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza

clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus

gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinita, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal

ascendente.

Arquitectura manierista En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de

composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno. En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no

cumplen una función arquitectónica. La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

BARROCO

El estilo barroco en las artes es una expresión de carácter teatral y agitado en sus formas. Centra su atención en la experiencia a través del claroscuro, del movimiento, de la composición, de la representación natural cuyos efectos visuales crean un resultado ilusorio que a la vez desconcierta a la vez que atrae y persuade, Italia sigue siendo el foco cultural. Nace en Roma a mediados del siglo XVII y recorre Europa donde cada país lo desarrollará según sus tradiciones locales, historia e influencias. Sin embargo, París será la ciudad que lo acoge en la segunda mitad del siglo XVII al caer el patronazgo papal en Italia. Este arte es fuertemente avalado por los poderes hegemónicos de la sociedad que desean afianzar, en el caso de la Iglesia, su carácter religioso mientras que el Estado y la burguesía pretenden demostrar su grandeza a nivel económico, social y político.

PINTURA Es característico la manipulación de la luz (del exterior o del interior) con el propósito de realzar un grupo en específico según el interés del artista. La iluminación puede ser intensa o contrastada lo que permite mostrar las cualidades de lo representado (Bodegón con cacharro, Zurbarán). El dramatismo de la obra será dado por la técnica del tenebrismo y el uso de la perspectiva aérea que le confiere un sentido teatral; también por el apoyo de la composición abierta mediante el uso de las líneas diagonales y cruzadas, el manejo de los ropajes, el color y el claroscuro. Otras tendencias pictóricas serán el naturalismo y el clasicismo dentro del barroco. Pintores de la maestría de Annibale Carracci (techo de la galería Farnesio) y Caravaggio (san Mateo escribiendo el Evangelio) son los dos artistas que imponen propuestas encontradas en Italia. Importantes fueron Pietro de la Cortona, Giovanni Battista Gaulli, Luca Giordano, Andrea Pozzo; los españoles José de Ribera, Alonso Cano, Murillo, Zurbarán, Coello, Velázquez (Vieja friendo huevos) et al. Rubens (Helena Fourment con sus hijos)

Rococó

El arte rococó surge en París y se extiende por todo el territorio francés -en el siglo XVIII durante los reinados de Luis XV y XVI-, como reacción al orden vigente marcado por el absolutismo. Posteriormente es acogido en otros países, teniendo en Alemania y Austria un auge sin igual. Convive con el arte barroco tardío y con el Neoclasicismo, siendo entonces su periodo de muy corta duración. Son los cortesanos y burgueses los demandantes de un arte que respete los derechos del hombre y por tanto, en este caso, que exprese la felicidad de la vida desligado totalmente de todo sustrato político y religioso. El Rococó con una función ornamental busca crear sensaciones mediante la espontaneidad de la composición, lo refinado, la opulencia y la elegancia para reafirmar el modo exquisito de vida de sus consumidores. Por ello tiende al horror vacui en la decoración de interiores, al empleo de una rica paleta cromática -a veces viva otras opaca-, a las formas naturales, sinuosas y exóticas de influencia oriental, al movimiento y a la asimetría.

PINTURA Predomina la composición abierta, la profundidad y el movimiento. Asimismo, el color es el protagonista y no el dibujo. Se desarrolla el género mitológico, el retrato, el paisajismo, el bodegón, además de temas profanos como las escenas pastorales y de la corte. Destacan Francisco de Goya en sus inicios trabaja para la realeza y la nobleza dedicándose a la realización de retratos (Gaspar Melchor de Jovellanos) por lo que es bien reclamado hasta que el interés por el pensamiento filosófico de la ilustración aniquila su inclinación hacia su “pintura rococó.

ROMANTICISMO

Ya hacia finales del siglo XVIII comienza a gestarse el movimiento romántico pero es en el XIX que afecta a toda Europa como fenómeno nuevo. Perdura en toda la primera mitad del siglo y se opone al estilo Neoclásico. El movimiento romántico concibe el arte de otro modo: el sentimiento y la subjetividad del artista será lo que prime en la obra de arte; por tanto, se verán varias formas de expresión dentro del movimiento sin que predomine un estilo concreto. Por otra parte, el artista se siente incomprendido y se refugia en la soledad, con lo cual nace un nuevo concepto de artista, este desarrollará un nuevo método para crear pues se basa en el boceto que es en definitiva el que transmite con más fuerza el momento y su sello. Serán la música y la pintura los mayores exponentes del Romanticismo por ser los géneros donde mejor se manifiesta la sensibilidad personal. Es aquí donde el paisaje protagonizará dentro de la pintura y también el carácter nacionalista sentimiento colectivo que inundará a muchos artistas que apoyan las causas liberales. El artista centra su atención en el pasado, en las raíces de los pueblos, sobre todo la cultura medieval, y nuevamente se refuerza la religiosidad que se había perdido con la Ilustración. Muchas veces las pinturas románticas tienen una connotación literaria por ese afán del gusto hacia el público.

PINTURA

Ya hacia finales del siglo XVIII comienza a gestarse el movimiento romántico pero es en el XIX que afecta a toda Europa como fenómeno nuevo. Perdura en toda la primera mitad del siglo y se opone al estilo Neoclásico. El movimiento romántico concibe el arte de otro modo: el sentimiento y la subjetividad del artista será lo que prime en la obra de arte; por tanto, se verán varias formas de expresión dentro del movimiento sin que predomine un estilo concreto. Por otra parte, el artista se siente incomprendido y se refugia en la soledad, con lo cual nace un nuevo concepto de artista, este desarrollará un nuevo método para crear pues se basa en el boceto que es en definitiva el que transmite con más fuerza el momento y su sello. Serán la música y la pintura los mayores exponentes del Romanticismo por ser los géneros donde mejor se manifiesta la sensibilidad personal. Es aquí donde el paisaje protagonizará dentro de la pintura y también el carácter nacionalista sentimiento colectivo que inundará a muchos artistas que apoyan las causas liberales. El artista centra su atención en el pasado, en las raíces de los pueblos, sobre todo la cultura medieval, y nuevamente se refuerza la religiosidad que se había perdido con la Ilustración. Muchas veces las pinturas románticas tienen una connotación literaria por ese afán del gusto hacia el público.

realismoBasado en la corriente filosófica del Positivismo que proclama la verificación de todas las cosas mediante los sentidos, el artista representa lo que ha comprobado por sí mismo y ausente de cualquier pincelada imaginaria. Únicamente se centra en los hechos contemporáneos que es lo verdadero para él. De tal forma está en contra de los preceptos románticos e introduce nuevos temas de carácter social como la miseria y la desigualdad. Campesinos y obreros serán su foco de atención. Surge en Francia a partir del descontento de la clase obrera por el papel que toma la burguesía luego de la revolución de 1830 en la que lejos del liberalismo se instaura una nueva burguesía dominante, conservadora y capitalista, lo que hace que en el año 1848 estalla la segunda revolución burguesa y el artista se percate de que el arte debe tener una razón social, de ahí el acercamiento a la clase trabajadora.

Nota importante: Amantes de la Naturaleza y su representación fiel.

IMPRESIONISMOEl término impresionismo lo plantea un crítico tras la exposición que se organiza en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Esta exposición supuso la unificación entre los artistas del movimiento y una manera de hacerse conocer pues de sus obras dependen sus vidas. De este modo se organizan exposiciones individuales y colectivas, surge la figura del marchante y los artistas se desligan de las academias pretendiendo ser independientes. El movimiento, en pintura, dominó las décadas posteriores a la segunda mitad del siglo XIX, entre 1860 y 1870 en París. El artista impresionista rompe radicalmente con la pintura precedente pues su mirada hacia la Naturaleza de las cosas, ya sea un paisaje natural o arquitectónico, personas, animales, la atmósfera y más no será con un carácter mimético sino retiniano. Es decir, el punto de vista, literalmente, será lo que el artista imprime en sus obras, lo que el ojo es capaz de captar en una impresión; para ello salen al exterior, al aire libre para captar el momento. Por lo tanto, los aspectos fundamentales que caracterizan al movimiento serán la luz como protagonista, el espacio aprehensivo, el que es capaz de captar el interés del espectador a través de los sentidos, en este caso el visual y el instante. Lo cromático se aplicará en sus formas puras para que el ojo resuelva el teorema; no habrá acabados uniformes, ni un contorno dado por la línea, ni interés en el tema. Se apoyan de los descubrimientos de Chevreul sobre los colores primarios y binarios, de los encuadres de la fotografía y de las estampas japonesas.

Édouard Manet, será el precursor del movimiento, (El almuerzo en la hierba); el paisajista Claude Monet, (La estación de San Lázaro); el pintor Pierre Auguste Renoir quien se interesa por la figura humana (Grandes bañistas) y Edgar Degas centra su atención hacia la vida urbana sobre todo hacia los trabajadores, pinta en su taller y retoma el dibujo, Bailarina basculando (Bailarina verde) son claros exponentes del Impresionismo. No menos destacados son Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Joaquín Sorolla. Edgar Degas recreó unas 150 esculturas. Estas fueron encontradas tras su muerte en su taller pero en cera o barro. La única escultura que mostró y finalizó fue La pequeña bailarina de catorce años. También despunta Medardo Rosso, (Aetas Aurea) que junto a Rodin y Degas lo han considerado padres de la escultura moderna.

SIMBOLISMO Sus principales exponentes son Gustav Klimt (Retrato de Adele Bloch-Bauer I), Gustav Moreau, Pierre Puvis de Chavanes, Arnold Böcklin (su obra se mueve entre el Romanticismo y el Simbolismo), Odilon Redon, Edvard Munch y James Ensor precursores del expresionismo y Ferdinand Hodler, (El lector) -uno de los principales pintores más importantes del movimiento en centroeuropa- quienes le imprimen un carácter subjetivo, onírico y visionario. Pintan lo invisible, lo que parte del interior. Será una obra que se nutre de la fantasía y de la imaginación. El grupo de Los Nabis, está considerado como parte del movimiento y fue puntera en la última década del XIX con Paul Serúsier al frente.

MODERNISMO Estilo artístico que se adopta con un espíritu diferente debido a las características culturales de cada país comenzando por las variadas denominaciones con el que se conoce: Modern Style en Inglaterra, Art Nouveau en Francia, Modernisme en Cataluña, stile Liberty en italia o Jugendstil en Alemania, por poner algunos ejemplos. Es un estilo de carácter internacional, no solo estuvo presente en Europa sino en América continental, de muy corta duración que, sin embargo, dominó las dos últimas décadas del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Nace a partir de la oposición en términos estéticos hacia la civilización industrial, el academicismo y el historicismo ecléctico para buscar un aproximación a las formas de la Naturaleza, anhelo que tiene su antecedente en la teoría de John Ruskin y de la producción del artista William Morris fundador del grupo Arts & Crafts que, en esencia, los dos promulgaban por una vuelta a la artesanía con una producción hecha a mano. Intento que supuso un fracaso frente a la idea de progreso de la sociedad industrial. Sin embargo, estas teorías sientan las bases para el Modernismo que se fundamenta en la libertad del espacio y en la estética. La línea sin fin, ya sea curva, enrevesada será un elemento esencial y constante; la influencia oriental será determinante y, por supuesto, la mirada hacia las formas caprichosas que la Naturaleza brinda. Emplea los motivos vegetales, florales, los colores pasteles, las vidrieras translúcidas y mucho más. Los principales clientes son la clase burguesa. Es un movimiento de vanguardia que se inmiscuye en todas las artes y las imbrica; también ocupa el arte mueble y las artes decorativas.

VANGUARDISMO Las vanguardias tendrán como objetivo fundamental romper con toda expresión precedente, tradicional y academicista para promover una estética nueva y autosuficiente. Emergen simultáneamente los diferentes movimientos con sus tendencias y habrá rivalidad y un carácter de experimentación que será la causa que determine la duración de los ismos.

Características del vanguardismo Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido con anterioridad, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento. Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes: La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación Audacia y libertad de la forma. El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras. En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

FAUVISMO: Expresionismo, Cubismo y Futurismo son las primeras vanguardias concretas que comparten lo figurativo, la mirada hacia el arte primitivo y una nueva concepción del espacio. Características del Fauvismo El color fue lo que condicionó la forma de pintar, los artistas expresaban que mediante los colores podían expresar sus sentimientos.

Pero no usaban los tonos naturalistas, sino que empleaban el color para tener más expresión. Las líneas gruesas, pinceladas vigorosas, sin mezclas ni matices de colores también caracterizan a este tipo de arte. Este estilo nuevamente lo que busca es una gran intensidad emocional con una simplificación de elementos. Los temas más cotidianos en este tipo de arte son personajes en interiores, retratos, naturaleza muerta y paisajes muy hermosos, las máscaras africanas y las estatuas.

Principales Exponentes del Fauvismo Henri Matisse Líder y máximo expositor de este movimiento artístico, sus obras fueron planas donde el color prima incluso con un uso exagerado. El artista francés recibió reconocimiento internacional logrando la aprobación de coleccionistas y críticos de arte.

André Derain Su estilo fue más enfocado a personajes urbanos y campestres, no se preocupaba por la perspectiva ni la representación realista.

Los colores que se usaban eran puros y con frecuencia se aplicaban directamente del tubo al lienzo; luego tuvo influencias en su arte por el cubismo.

Maurice de Vlaminck Se caracteriza por sus obras con paisajes dramáticos inspirados por Van Gogh, sus representaciones artísticas se centran en la naturaleza, el campo y eventualmente producía retratos.

CUBISMO: Las señoritas de Avignon de Picasso fue la obra que abrió el Cubismo. Rompió con la estética tradicional de representación al desfragmentar el espacio, trayendo a la superficie la composición geométrica de los diferentes ángulos del modelo. Picasso y Braque serán los iniciadores del movimiento al que se incorporan Juan Gris, Léger, Delaunay -Portuguesa (la gran Portuguesa)- et al. El Cubismo influyó en posteriores movimientos de vanguardia y transitó por varias etapas como el Precubismo, el Cubismo clásico y el Cubismo sintético.

Principales características del cubismo: El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un efecto visual disruptivo y fragmentado. Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la única herramienta válida para el pintor. El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad. En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del espectador. El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de todos los tiempos. Su estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual. Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente. Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes, retratos, bodegones. En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras, introdujeron nuevos materiales en el proceso; naciendo así los collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos, papeles, metales, cuerdas u otros objetos de uso diario.

1FUTURISMO:

En Italia, en 1909, se lanzaba el primer Manifiesto futurista por Marinetti. Un año después, Boccioni (Dinamismo del cuerpo humano,

boxeador), Carrá, Russolo Balla y Severini firmaron el primer manifiesto de pintura futurista; en 1912, escultura y, en 1914,

arquitectura.

Es un movimiento bien influido por el Cubismo que proclama su amor deliberado a la violencia, al progreso, a la máquina y a la velocidad. A pesar de su marcada ideología política de espíritu fascista, aportó al

arte la captación de la velocidad a través del movimiento. El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación

de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el

academicismo.

Change of Position, 1911. Marcel Duchamp. Desnudo bajando una escalera. 1912. Gino Severini, Tren suburbano. 1915.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado

del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las

posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la

repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).

2.Particularidades: Exaltación de la originalidad.

Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los

automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

Utilización de formas y colores para generar ritmos. Colores resplandecientes

Transparencias Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de

imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

Arte abstracto El primer pintor abstracto considerado como tal fue el lituano

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura.

Pero sería el ruso Vasili Kandinski quien establecería las bases del abstraccionismo como un movimiento artístico coherente, moderno

e internacional, a través de lo que llamó “Abstracción lírica” entre 1910 y 1912.

A este movimiento vendrían a sumarse diversas y simultáneas exploraciones artísticas en torno a un “arte puro” en Rusia, Francia y

posteriormente Alemania y Estados Unidos.

3.A pesar de que el arte abstracto engloba una cantidad importante de tendencias, propuestas y estilos, pueden resumirse sus

características en: Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad

para escapar de la realidad concreta. Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la

tridimensionalidad y en la geometría, a veces dándole protagonismo al color.

Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de forma, color y línea cuyas reglas pertenecen al artista.

Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas de modo intuitivo, menos tradicional.

El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos concretos, dando cabida a los pensamientos y las nociones mentales

más difusas.

Tipos de arte abstracto El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias que marquen

su estilo, en: Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan,

trazan espirales u otras formas semicirculares, como los nudos o el triskele o triskelion.

Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir del color, de manera más o menos caótica u ordenada

(secuencial, por ejemplo). Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a

las formas geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso prefiere las formas matemáticas.

Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que interpela al espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la

intuición y lo sensible, no de la lógica.

EL SURREALISMO: El arte surrealista es una corriente artística que tiene su base en Francia en la década de 1920; este modelo de arte busca inspirar olvidando la realidad, de tal forma que el artista encuentre una forma de encerrarse en sí mismo, en un impulso imaginario e irracional.

Esta vanguardia artística causó en un inicio mucha controversia, pues rompía con las leyes de la pintura tradicional, con el objetivo de captar la atención directa del espectador, con imágenes fuera de la realidad y en ocasiones nada figurativas.

En el arte surrealista el artista no representa vivencias pasadas, por el contrario, representa una realidad que está en el inconsciente o los sueño, de aquí que el arte surrealista sea uno de los estilos de arte más difícil de comprender e interpretar.

El surrealismo tuvo sus inicios en la poesía, extendiéndose posteriormente a la pintura y escultura, concluyendo con la ideología comunista con un enfoque político.

Sin lugar a dudas uno de los grandes exponentes del arte surrealista es Freud, quien en 1921 la interpretación de sus sueños poco a poco fue adentrándose a ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Características del arte surrealista El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón. Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejadas al espectador un tanto desorientado La imaginación se utiliza como lógica. Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages. El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura. La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos Los artistas inventan universos figurativos propios. El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales. Se divide en surrealismo figurativo y abstracto