2020-01-14 — 18Lisbonne, Portugal[Lisbon, Portugal]

Présentation du Sensing Salon,

un groupe d’étude de quatre jours et projet

performatif de Valentina Desideri et

Denise Ferreira da Silva, et organisation du symposium

Toward a Transformative Theory of Justice

à HANGAR en collaboration avec Kunsthalle Lissabon.

[Presentation of the Sensing Salon,

a four-day study group and performative project by Valentina Desideri and Denise Ferreira

da Silva and organization of the symposium

Toward a Transformative Theory of Justice

at HANGAR, produced in collaboration with

Kunsthalle Lissabon.]

2019-05-17Malines, Belgique

[Mechelen, Belgium]

Première du film The Empire of Law de Daniela Ortiz dans le cadre de

la Biennale Contour 9

[Premiere of the film The Empire of Law by Daniela Ortiz as part

Commissaire [Curator] Nata a Petre in-Bachelez avec

[with]

Saddie Choua, Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva & Arely Amaut,

Nilbar Güre , Ibro Hasanovi , Jelena Jure a,

Doruntina Kastrati, Kaltrina Krasniqi, Pedro Neves

Marques, Christian Nyampeta, Daniela Ortiz,

Monira Al Qadiri, Lala Ra i , Kengné Téguia.

Commissaires [Curators]Nata a Petre in-Bachelez

& Bettina Steinbrügge

Not Fully Human,

N’ot Human at All

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2020–10–242021–01–24

Hambourg, Allemagne[Hamburg, Germany]

Exposition collective Not Fully Human, Not Human at All au Kunstverein

à Hambourg

[Group exhibition Not Fully Human, Not Human at All

at Kunstverein Hamburg]

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2020-01-14 — 18Lisbonne, Portugal[Lisbon, Portugal]

Présentation du Sensing Salon,

un groupe d’étude de quatre jours et projet

performatif de Valentina Desideri et

Denise Ferreira da Silva, et organisation du symposium

Toward a Transformative Theory of Justice

à HANGAR en collaboration avec Kunsthalle Lissabon.

[Presentation of the Sensing Salon,

a four-day study group and performative project by Valentina Desideri and Denise Ferreira

da Silva and organization of the symposium

Toward a Transformative Theory of Justice

avec[with]

Arely Amaut, Mamadou Ba,

Ana Balona de Oliveira, Ana Bigotte Vieira,

Paula Caspão, Valentina Desideri, Denise Ferreira

da Silva, Mark Harris, Stacey Ho, Raquel Lima,

Kobe Matthys, Fallon Mayanja, Margarida

Mendes, Jota Mombaça, Arjuna Neuman.

avec [with]

Saddie Choua, Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva & Arely Amaut,

Nilbar Güre, Ibro Hasanovi, Jelena Jurea,

Doruntina Kastrati, Kaltrina Krasniqi, Pedro Neves

avec [with]

Saddie Choua, Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva & Arely Amaut,

Nilbar Güre, Ibro Hasanovi, Doruntina

Kastrati, Olivier Marboeuf, Daniela Ortiz, Lala Rai,

Kengné Téguia.

Commissaire [Curator]Nataa Petrein-Bachelez

en collaboration avec [in collaboration with] Émilie Villez & Salma

2021-042021–07

Paris, France

Exposition collective Not Fully Human, Not Human at All

à KADIST

[Group exhibition Not Fully Human, Not Human at All

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FR 3

Avec EE-0, Lala Raščić re-contextualise le mythe d’Arachné en y associant des anecdotes de recherche de terrain, dans et autour, de Prizren au Kosovo, dans le but de spéculer sur ce mythe à partir d’une approche féministe. Dans le récit d’Ovide, Arachné est transformée en araignée après avoir remporté une compétition de tissage contre la déesse Athéna. L’orgueil en ce talent l’a conduite, en définitive, à son châtiment. Au temps d’Ovide, le tissage et l’écriture sont métaphoriquement associés, ce qui permet d’avancer une interprétation du mythe comme exégèse sur le rôle de l’écrivain·e sous un  régime autocratique. Dans sa vidéo, Raščić introduit la répression de savoirs féminins anciens aux côtés de mythes urbains locaux et de phénomènes actuels, sociaux, culturels et écologiques. Cela est incarné par une performeuse qui, tout en récitant un texte composé par les éléments invoqués, se métamorphose graduellement en l’araignée Arachné. L’œuvre fait référence à son lieu de production, le Kosovo, le plus jeune État d’Europe, et traite la notion du devenir à travers une présentation symbolique de la genèse, la transformation et la métamorphose. EE-0 est la première itération pour le développement du projet, Europa Entreprise fondé par Andreja Dugandžić, Jelena Petrović et Lala Raščić.

Ce projet a été produit en collaboration avec KADIST, Paris et la fondation Lumbardhi (cf. page 33), Prizren dans le cadre du projet Not Fully Human, Not Human at All.

[05 ]EE-0, 2018 Vidéo, 37 min Courtesy Lala Raščić, collection KADIST

Lala Ra i [05]

Lala Raščić (vit et travaille à Sarajevo et Zagreb) explore les formes de culture tangibles et intangibles pour construire des histoires rendues manifestes par la vidéo, la performance, l’installation et le dessin. Son travail découle de son intérêt pour les pratiques de la narration contemporaine et antique, les systèmes de production du savoir ainsi que le folklore et la mythologie. Sa pratique est ancrée dans le récit et s’appuie sur la subversion de tropes et l’exploration de leurs potentialités transformatrices lorsqu’ils sont confrontés aux ontologies contemporaines.

4 EN

With EE-0, Lala Raščić recontextualises the myth of Arachne, combining it with anecdotes sourced from field research in and around Prizren, Kosovo, in order to speculate on the myth from a feminist perspective. In Ovid’s account, Arachne is transformed into a spider after winning a weaving competition against the goddess Athena. Her arrogance in this skill ultimately leads to her punishment. As weaving and writing were often metaphorically linked in Ovid’s time, the myth can also be interpreted as a comment on the role of the writer under an autocratic regime. In her video, Raščić presents notions of repressed ancient female knowledge alongside local urban myths and current social, ecological and cultural phenomena. This is enacted by a performer, who presents a text composed of these elements as she gradually transforms into the spider character of Arachne. Reacting to the specific site of production in Kosovo—Europe’s youngest nation-state—this notion of becoming is explored through the symbolic presentation of genesis, transformation, and metamorphosis. EE-0 is the first iteration for the further development of the Europa Enterprise project founded by Andreja Dugandžić, Jelena Petrović and Lala Raščić.

This project was co-produced and co- commissioned by KADIST, Paris, as a part of Not Fully Human, Not  Human at All together with Lumbardhi Foundation (see page 32), Prizren.

[05 ]EE-0, 2018 Single channel video, 37 min Courtesy Lala Raščić, KADIST collection

Lala Raščić (lives and works in Sarajevo and Zagreb) explores tangible and intangible cultural forms to build narra-tives that are manifested through video, performances, installations, and drawings. Her work proceeds from an interest in contemporary and ancient storytelling practices, systems of mediated knowledge production, as well as folklore and mythology. Her work is anchored in the narrative and is based on the subversion of civilizational tropes and the exploration of their transformative potential set against the backdrop of contemporary ontologies.

Lala Ra i [05]

Lala Ra iEE-0

Production shot [image de production], 201�.Photo: Elmedina Arapi

FR 7

[06 ; a] Les peintures de la série The Rebellion of the Roots, illustrent des situations dans lesquelles des plantes tropicales séquestrées dans des jardins botaniques et des serres européennes sont protégées et couvées par les esprits des populations racisées, mortes à cause du racisme européen. Ces plantes trouvent leurs propres moyens de rendre justice et de confronter les politicien·ne·s responsables du racisme structurel et institutionnel.

[06 ; b] Le film The Empire of Law fait une analyse critique de la relation entre le droit, la justice et le colonialisme, à partir de l’architecture, de l’histoire et du contexte de deux Palais de justice : le Palais de justice de Bruxelles (Belgique) et sa copie, le Palais de justice de Lima (Pérou). Le film lève le voile sur le rôle du système légal dans la construction des structures globales extractivistes, racistes et néo-coloniales.

Au cours de l’histoire, la loi a servi d’instrument de légitimation du colonialisme : les lois des Indes de 1512 et la conférence de Berlin en 1885 en sont les exemples. Encore aujourd’hui, l’idée de justice est mobilisée pour appuyer des politiques violentes de contrôles migratoires, à savoir, le durcissement de la persécution, la détention et la déportation de migrant·e·s des anciennes colonies. De ce fait, Ortiz parle d’un projet européen de construction d’un « empire de loi », un empire qui prend racine dans le colonialisme et dans lequel il n’y pas de justice pour les territoires colonisés et leurs populations.

Cette œuvre, produite dans le cadre du projet Not Fully Human, Not Human at All sera présentée sur la plateforme KVL (KADIST Video Library ) pendant l’exposition. The Empire of Law (2019) est une vidéo réalisée en colla-boration avec Laurens Dhaenens. Elle a été produite en collaboration par KADIST Paris avec Netwerk Aalst (cf. page 33) et la Biennale Contour 9. Remerciements à la Collection Famille Servais.

[06 ; a]The Rebellion of the Roots, 2020 Acrylique sur bois, quinze peintures, 21 × 29,7 cm chacune Courtesy Daniela Ortiz

[06 ; b]The Empire of Law, 2019 Vidéo, 30 min 12 sec Courtesy Daniela Ortiz

Daniela Ortiz [06]

Dans sa pratique, Daniela Ortiz (vit et  travaille à Urubamba) aspire à concevoir des  narrations

visuelles dans lesquelles les concepts de nationalité, de racisation, de classe  sociale et de genre sont examinés dans le but d’analyser de manière critique, les structures du pouvoir colonial, patriarcal et capitaliste. Ses  récents projets et recherches ont pour objet, le  système de contrôle migratoire européen : en particulier, les liens de ce système avec le colonialisme et les structures légales mises en place par les institutions pour infliger des violences aux communautés racisées. Elle a également  produit des projets sur la haute société péru-vienne et son rapport à l’exploita tion des travailleur·euse·s domestiques. Récemment, sa pratique artistique s’est orientée vers des travaux visuels et manuels. Elle a produit des œuvres d’art en céramique, des collages et s’est aussi intéressée à des formats tels que les livres pour enfants dans le but de s’éloigner des concepts esthétiques eurocentrés de l’art.

En dehors de sa pratique artistique, elle est mère celibataire d’un enfant de trois ans, donne des conférences, organise des workshops, participe à des débats et lutte contre le système de contrôle migratoire européen et le racisme institutionnel.

Daniela OrtizImage du processus de la série de peintures

The Rebellion of the Roots

EN8

[06 ; a] These paintings depict a series of situations in which tropical plants kidnapped in botanical gardens and greenhouses of Europe are protected and nurtured by the spirits of racialized people who died in the hands of European racism. These plants find their own way to confront and make justice in regard to those politicians responsible of institutional and structural racism.

[06 ; b] The Empire of Law is a film that aims to critically analyse the relationship between law, justice and colonialism. It does so based on the architecture, history and context of two law courts: the Brussels Palace of Justice (Belgium) and the copy of this building, the Palace of Justice in Lima (Peru). In this manner, it unveils the role of the legal system in the construction of extra-ctivist, racist and neo-colonial global structures.

Throughout history, the law has served as a legitimating tool of colonialism. The Law of the Indies of 1512 and The Berlin Act of 1885 are clear examples. Even today, however, the idea of justice is used to approve violent migratory control policies, including the strengthening of the persecution, detention and deportation of migrant people from former colonies. As a result, Ortiz speaks of a European project of creating The Empire of Law, an empire rooted in colonialism, in which justice to the colonial territories and racialized people can never be found.

The commission, produced in the framework of the project Not Fully Human, Not Human at All will be screened on the KADIST Video Library. The Empire of Law (2019) is a video made in collaboration with Laurens Dhaenens. It was co-produced and co-commissioned by KADIST, Paris, together with Netwerk Aalst (see page 32), and Contour Biennale 9. With special thanks to Servais Family Collection.

[06 ; a]The Rebellion of the Roots, 2020 Acrylic on wooden board, Fifteen pieces, 21 × 29.7 cm each Courtesy Daniela Ortiz

[06 ; b]The Empire of Law, 2019 Single channel video, 30 min 12 sec Courtesy Daniela Ortiz

Through her work Daniela Ortiz (lives and works in Urubamba) aims to generate visual narratives in which the concepts of nationality, raciali-zation, social class and genre are explored in order to critically understand structures of colonial, patriarchal and capitalist power. Her recent projects and research revolve around the European migratory control system, its links to colonialism and the legal structure created by institutions in order to inflict violence towards racialized communities. Ortiz has also produced projects about the Peruvian upper class and its exploitative relationship with domestic workers. Recently her artistic practice has turned back into visual and manual work, developing art pieces in ceramic, collage and in formats such as children books in order to take distance from eurocentric conceptual art aesthetics. Besides her artistic practice she is a single mother of a three-year old child, gives talks, workshops, and participates in various discussions and struggles against the European migratory control system and institutional racism.

Daniela Ortiz [06]

Daniela OrtizImage of the process of painting

The Rebellion of the Roots

FR 11

Cette installation incarne la lecture « poéthique » de la question : comment la pandémie de la COVID-19 affecte-t-elle l’humain ? Et si, au lieu d’apporter des solutions, réponses directes ou interprétations définitives, la lecture parvenait à nous aider à mieux naviguer la complexité de l’existence. Chaque lecture expose des possibles, révèle des obstacles et déplace nos pers-pectives. Au-delà des principes de non-contradiction et d’identité, une lecture crée un espace dans lequel de multiples articulations de situations et d’événements coexistent en dehors d’une direction ou d’un sens  imposé. Faisant interagir leurs pratiques entre elles, Arely Amaut, Valentina Desideri et Denise Ferreira da Silva expéri-mentent avec des outils de lectures inspirés de pratiques, connues et nouvelles, telles que le tarot, la thérapie politique, la chiromancie, la « Fake Therapy », le Reiki, l’astrologie, les « Andean Oracles » et la philosophie. Ainsi, Sensing Salon a pour but d’élargir les horizons de l’interprétation, en d’autres termes, d’ouvrir les champs du possible et déstabiliser les réels. En janvier 2020, dans le cadre du projet Not Fully Human, Not Human at All à HANGAR, Lisbonne, le Sensing Salon a convié des invité·e·s ainsi que des artistes basé·e·s à Lisbonne, des activistes et des intellectuel·le·s à participer à un groupe d’étude autour de la question : « Que deviendrait l’humain s’il s’exprimait à travers les éléments ? » Les conversations, expériences et expérimentations de cette semaine, ainsi que la crise globale qui l’a suivie, a rendu impossible d’évincer la question : comment la pandémie de la COVID-19 affecte-t-elle l’humain ? Ces lectures en ont émergé.

Ce projet a été produit en collaboration par KADIST, Paris, HANGAR (cf. page 33), Lisbonne et Kunsthalle Lissabon (cf. page 33), Lisbonne.

[04]Sensing Salon, 2020, Installation, matériaux divers Conceptualisation par Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva, Arely Amaut. Design graphique par Arely Amaut

Valentina Desideri/Denise Ferreira da Silva/Arely Amaut[04]

Sensing Salon est un projet dirigé par Valentina Desideri (vit et travaille à Lisbonne), Denise Ferreira da Silva et Arely Amaut (vivent et travaillent à Vancouver, sur le territoire tradi-tionnel, ancestral et non cédé des populations Musqueam (xwm kw m) de langue h mi ) qui étudient et investissent le potentiel transformatif de l’art thérapeuthique. Dans ce cadre, elles font interagir diverses disciplines dont la danse, la théorie, l’art visuel et le design. Valentina Desideri explore la création artistique comme forme d’étude et l’étude comme forme de création artistique ; écrivaine et théoricienne, Denise Ferreira da Silva est également professeure et directrice du Social Justice  Institute (GRSJ) de l’Uni-versité de Colombie- Britannique et Arely Amaut est une artiste et graphiste qui étudie l’art numérique.

Valentina Desideri/Denise Ferreira da Silva/Arely Amaut Sensing Salon

HANGAR, Lisbonne, photo : Nuno Barroso

EN12

This installation images a poethical reading for the question: how is the COVID-19 pandemic affecting the human? What if, instead of providing a resolution, a direct answer, or a definite interpretation, a reading helped us to navigate the complexity of existence. Each reading exposes possibilities, reveals obstructions, and shifts perspectives. Beyond the principles of non- contradiction and identity, readings design a space where multiple articulations of situations and events coexist outside of an imposed single meaning or direction. Drawing from each other’s practices, Arely Amaut, Valentina Desideri and Denise Ferreira da Silva experiment with ‘reading tools’ inspired by well-known and newly designed practices—such as the Tarots, Political Therapy, Palmistry, Fake Therapy as well as Reiki, Astrology, Andean Oracles and Philosophy. As such, Sensing Salon aims at expanding the horizon of interpretation, that is, to open up possibilities and unsettle realities. As part of Not Fully Human, Not Human at All at HANGAR in Lisbon in January 2020, the Sensing Salon invited guests as well as Lisbon-based artists, activists and intellectuals to join a study group departing from the question “what would become of the human if expressed through the elements?” The conversation, experience and experiments of that week, as well as the global crisis that followed it, made it impossible to avoid the question: “how is the COVID-19 pandemic affecting the human?”, hence this reading emerges here.

Part of this project was co-produced and co- commissioned by KADIST, Paris, together with HANGAR (see page 32), Lisbon and Kunsthalle Lissabon (see page 32), Lisbon.

[04]Sensing Salon, 2020 Installation, various materials Conceptualization by Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva, Arely Amaut. Graphic design by Arely Amaut

Sensing Salon is a project led by Valentina Desideri (lives and works in Lisbon), Denise Ferreira da Silva and Arely Amaut (live and work in Vancouver, on the traditional, ancestral and unceded territory of the h mi speaking Musqueam (xwm kw m) people) that researches and enacts the transformative potential of the healing arts. In doing so they draw on their diverse backgrounds that include dance, theory, visual art, and design. Valentina Desideri explores art making as a form of study and study as a form of making art; Denise Ferreira da Silva is a writer and theorist, she is a professor and director of The Social Justice Institute (GRSJ) at the University of British Columbia; and Arely Amaut is a visual artist and graphic designer who investigates digital crafts.

Valentina Desideri/Denise Ferreira da Silva/Arely Amaut [04]

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Sensing SalonHANGAR, Lisbon, photo: Nuno Barroso

FR 15

Saddie Choua crée une installation à des fins de  recherches sur la douleur et le traumatisme résultant du racisme. Inspirée de l’expérience des salons et tout en promouvant un esprit de sororité, Lamb Chops Should Not Be Overcooked adresse le racisme et le dépassement de ses effets psychologiques et physiques. Convoquant son histoire personnelle ainsi que celle de sa famille dans ses recherches sur la douleur provoquée par le racisme, Saddie Choua interroge la question du  discours sur l’autre. Où se positionne l’altérité dans la hiérarchie du pouvoir et comment l’oppression et l’exploitation peuvent-elles être effacées ou exotisées ? Saddie Choua invite ses visiteur·euse·s à réfléchir sur leurs consom-mation d’images et de discours sur l’autre, et comment ces facteurs affectent la représentation de soi et sa conscience historique. Devrions-nous réfuter la mémoire pour dire une autre histoire, ou est-ce que la suppression et la recomposition de certaines associations ou références sont suffisantes pour créer du changement au sein des narrations et représentations ? Par conséquent, le travail de Saddie Choua peut être lu comme un  essai visuel autoréflexif qui interroge la relation entre le·la créateur·rice et l’image. Dans cette installation, l’artiste associe un ensemble de plantes et d’objets à des livres, recettes, médicaments, potions et liquides qui ont, selon son expérience et ses connaissances, des vertus thérapeutiques. Elle invite ses visiteur·euse·s à s’asseoir et réfléchir sur les possibilités du soin de soi avec Toni Morrisson et Audre Lorde, entre autres. L’installation a été produite pour la Biennale Contour 9, Malines.

[09]Lamb Chops Should Not Be Overcooked, 2020 Installation (plantes, meubles, vidéo et autres matériaux) Courtesy Saddie Choua

Saddie Choua [09]

Saddie Choua (vit et travaille à Bruxelles) est  artiste, documentariste et écrivaine. Elle produit des travaux inspirés de la politique, en associant sa pratique artistique et sa forma-tion académique. À travers ses documentaires, installations vidéos, collages et courts récits, elle met en lumière les discriminations raciales et ethniques, les discriminations à l’encontre des femmes, le colonialisme, la classe et ses chats. Saddie Choua établit une rupture dans le langage visuel médiatique et confronte l’exotisme et le sexisme, souvent évoqués au sein de la pseudo-réalité qui nous entoure. Son objectif n’est pas celui de raconter d’autres histoires mais de créer des situations dans lesquelles le·la lecteur·rice/specta-teur·rice découvre les mécanismes de pouvoir sous-jacents qui déterminent notre culture médiatique.

Saddie Choua Lamb Chops Should Not Be Overcooked Image du processus de production, 2020

16 EN

Saddie Choua installs a setting functioning as a basis for her research into pain and trauma that results from racism. Deriving from salon hosting’s experiences, Lamb Chops Should Not Be Overcooked, tackles racism and the overcoming of its psychological and physical effects while promoting a spirit of sisterhood. By bringing her personal life and her family’s story into her research on pain resulting from racism, Saddie Choua questions the discourses around ‘the other’. Where does this otherness sit in the hierarchy of power, and how could oppression and exploitation be concealed or exoticized? Saddie Choua asks her visitors to think about how they consume images and discourse about the other, and how they affect one’s self-image and historical consciousness. Does one first have to refute memory to tell another story, or is the removal or recombining of certain associations and references already sufficient for creating a change in narration and representation? Saddie Choua’s work can therefore be read as a self-reflective visual essay that questions the relationship between maker and image. In the installation, the artist associates a set of plants and objects with books, recipes, medications, potions and liquids that according to her experience and accu-mulated knowledge have a healing function. She invites visitors to sit down and reflect on the possibilities of self- care with Toni Morrisson, Audre Lorde, among others. The installation was commissioned for Contour Biennale 9, Mechelen.

[09]Lamb Chops Should Not Be Overcooked, 2020 Installation (plants, furniture, video, and various materials)Courtesy Saddie Choua

Saddie Choua [09]

Saddie Choua (lives and works in Brussels) is a visual artist, documentary maker and  writer. By making the bridge between art and her own academic background, Choua creates politically inspired work. In her documentaries, video installations, mixed media collages and short stories she highlights racial/ethnic discrimina-tion, discrimination against women, colonia-lism, class and her cats. Choua breaks through the (visual) language of media and confronts the exoticism and sexism that are often evoked in the pseudo-reality around us. Her goal is not to tell other stories but to create ‘situations’ through which the reader/viewer discovers the underlying power mechanisms that determine our media culture.

Saddie Choua Lamb Chops Should Not Be Overcooked

Production process image, 2020

Les fondements du projet Not Fully Human, Not Human at All ont été posés il y a quelques années de cela. En 2016, KADIST a élaboré une nouvelle série de programmes régionaux qui permettraient d’engager une collaboration institutionnelle dans une région spécifique, ainsi que des nouvelles productions d’œuvres.

J’avais suivi le programme et déjà travaillé étroitement avec KADIST au cours des années précédentes, et ayant contribué à des projets collaboratifs à l’échelle européenne, l’invitation que l’on m’a faite de concevoir ce programme régional est arrivée au bon moment. Originaire d’ex-Yougoslavie, le sort tourmenté de celles et ceux qui avaient cherché asile pour échapper à la sanglante guerre civile en Bosnie ne m’était pas inconnu ; je l’avais éprouvé par l’intermédiaire des membres de ma famille. Je suivais donc attentivement ce qui arrivait depuis 2015 aux groupes de migrant�e�s et de réfugi� � s forc��s dans l’espace de l’Union européenne, à ses frontières maritimes orientales comme méridionales. Les processus de mobilisation civique et de mutualisation entre différentes structures et organisations de soutien, qui s’étaient rapidement engagés, semblaient en contraste total avec les lois de plus en plus violentes et déshumani-santes qui surgissaient comme des champignons de part et d’autre de l’Europe ; l’Union européenne négociait la sécurisation de ses frontières et définissait des quotas d’êtres humains comme sur un marché boursier. En hausse depuis des décennies déjà, les partis d’extrême droite se sont fait remarquer par des démonstrations d’inhumanité et de manipulation plus affirmées encore que lors des récentes guerres de Yougoslavie. Cinq ans plus tard, ce courant a malheureusement étendu son emprise à l’Europe tout entière, se faisant plus menaçant que jamais dans les nouveaux contextes imposés par la pandémie de la COVID-19. Il est devenu évident que les stratégies politiques et sanitaires mises en place durant l’épidémie

19 Nata a Petre in-Bachelez FR

font sinistrement écho au concept de « disposabilité » de certains êtres humains racisés.

Le titre de ce projet est emprunté à l’essai de Donna Haraway « Ecce Homo, Ain’t (Ar’n’t) I a Woman, and Inappropriate/d Others (1) ». Elle y fait référence à Hortense Spillers et à son texte fondateur « Mama’s Baby, Papa’s Maybe: An American Grammar Book » pour décrire l’inexistence de toute subjectivité juridique des femmes asservies ( 2). Spillers a donné aux études féministes noires un texte jalon, dans lequel elle établit des liens entre les structures familiales des êtres en servitude et leurs résonances dans les communautés africaines- américaines contemporaines. De la même manière, l’héritage de l’histoire coloniale européenne continue d’infliger des violences aux subjectivités racisées contemporaines qui « n’ont jamais été humaines », pour citer l’artiste, performeur�euse et écrivain � e brésilien�ne Jota Mombaça. À ce propos, la poétesse Suhaiymah Manzoor-Khan ( 3), figure du spoken word, rétorque : « Si vous avez besoin de moi pour prouver mon humanité, je ne suis pas celle qui n’est pas humaine. ». Comme l’a démontré Malcom Ferdinand, le projet colonial a par ailleurs réduit au statut d’objets subordonnés non seulement des populations entières, mais aussi des milieux naturels et non humains qui venaient alimenter un « mode de vie colonial (4) ».

La multitude des actes de déshumanisation, son histoire et ses formes actuelles au sein de l’espace géopolitique européen sont ainsi devenus l’un des centres de gravité du projet, avec pour objectif d’engager une discussion avec les artistes et les institutions collaboratrices sur le privilège blanc, les processus de racisation, l’exclusion et sur les luttes reliées qui ont lieu au sein même du paysage institutionnel de l’art. Le concept du projet et la forme tentaculaire qui lui est propre ont été éloquemment adoptés par plusieurs institutions petites et moyennes d’Europe centrale, du Sud-Est, du Sud-Ouest et de l’Ouest : KADIST ; Lumbardhi Foundation à Prizren, Kosovo ; Netwerk à Alost, Belgique, en collaboration avec la Biennale Contour 9 ; Kunsthalle Lissabon et HANGAR,

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toutes deux basées à Lisbonne, Portugal ; et le Kunstverein à Hambourg, Allemagne. Par des discussions, des échanges, des séminaires ( 5), la commande collective de trois projets artistiques a été portée par Émilie Villez, Ares Shporta et Donjetë Murati, João Mourão et Luís Silva, Bruno Leitão et Mónica de Miranda, Pieternel Vermoortel et aux tout débuts Els Silvrants- Barclay, Bettina Steinbrügge, leurs collaborateur�rice↝s et moi-même. Nous avons créé un espace de réflexivité institutionnelle et de critique curatoriale constructive, auxquelles ont contribué de manière organique, tout au long de ces quatre années, un certain nombre d’invit� � s – penseur�se�s, praticien�ne�s de la culture et activistes –, ainsi que les trois nouvelles productions artistiques. Au cours des discussions portant sur les évolutions ins-titutionnelles, le groupe a constaté avec effroi que la présence de l’extrême droite dans les sphères politiques de nombreux pays européens avait provoqué des changements profonds dans les conditions de création et de présentation de l’art contemporain, parmi lesquels des pressions sociales, politiques et économiques de plus en plus accentuées, une mise au silence, une appropriation, voire une récupération dangereuse.

L’exposition qui se tient à KADIST est une version réduite de celle présentée au Kunstverein à Hambourg, élaborée en collaboration avec Bettina Steinbrügge lors de la première vague de la pandémie de la COVID-19, au printemps 2020. L’épidémie et le premier confinement consécutif de l’Europe tout entière ont considérablement affecté les discussions et les décisions curatoriales ; le temps semblait se rallonger, la mobilité des personnes était considérablement réduite et le soin mutuel intensifié.

Les artistes invit��s qui composent l’exposition Not Fully Human, Not Human at All contemplent les ruines de la catégorie « humain », le fait que l’humain ne soit plus un concept désirable, pour reprendre Olivier Marboeuf (qui rejoint l’exposition après le premier volet à Hambourg), et les aspects contemporains du processus de déshu-manisation, afin d’observer comment ils se réfèrent aux mythes et aux récits qui ont fondé l’Europe. Les artistes

FR 21Nata a Petre in-Bachelez

montr� � s dans l’exposition racontent la toxicité des sociétés au sein desquelles ils et elles vivent, soulignant l’importance d’une ré-humanisation et de nouveaux types d’humain � e�s (6), portant une préoccupation éthique, écologique, esthétique et affective.

L’exposition s’ouvre sur un échafaudage, qui est une structure de soutien au film de Doruntina Kastrati sur la vulnérabilité et l’empouvoirement des ouvriers du bâtiment au Kosovo. Kastrati y explore leur labeur quotidien, leur handicap à venir et l’histoire de la construction d’une autoroute. À travers l’installation, on entrevoit le film d’Ibro Hasanovi , qui dépeint avec délicatesse les mouvements intimes et émotionnels qui traversent les familles se faisant leurs adieux, les personnes quittant leur foyer et les migrant�e�s dont l’avenir est incertain. Des corps se pressent les uns contre les autres, tous anxieux de trouver place dans un bus au départ. Le film intime l� spectateur � rice de reconnaître et d’in-terroger le contexte et les raisons pour lesquelles des personnes cherchent asile, mais sans jamais fournir de réponse. Les photographies de Nilbar Güre sont tirées d’une série où l’on voit des sujets féminins livrer à l’objectif des performances qui jouent avec les conditions de visibilité et d’invisibilité, souvent en utilisant des vêtements ou des textiles qui créent une multiplicité de références. L’artiste elle-même regarde ces femmes à travers le prisme de son éducation multiculturelle : les origines kurdes alévies de son père, les racines de sa mère née sur les rives de la mer Noire.

L’installation Sensing Salon conçue par Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva et Arely Amaut, aborde la question brûlante des effets de la crise de la COVID-19 sur l’humain. Par différentes techniques de divination et par des lectures poétiques et politiques, deux cartes de tarot, la Tour (« une image de l’effondre-ment, de l’effondrement de la structure, la structure sociale qui n’était plus nécessaire et qui devait dispa-raître ») alliée au Dix de Coupe (« une certaine manière de se rassembler »), apparaissent au centre de leur lecture. L’installation est la continuation d’une nouvelle

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production réalisée en collaboration avec Kunsthalle Lissabon et HANGAR, à Lisbonne, qui posait la ques-tion suivante : « Et si nous considérions l’être humain au regard des éléments ? »

La redécouverte des connaissances séculaires et du pouvoir réprimé des femmes par l’expérience renouvelée des mythes urbains locaux, de la mythologie grecque ainsi que des phénomènes sociologiques, écologiques et cultu-rels sont ce qu’explore l’installation vidéo de Lala Ra i , présentée en milieu de parcours. Le mythe grec d’Ara-chné y est recontextualisé au fil d’une narration poétique, en un saut imaginatif depuis l’Antiquité jusque dans la science-fiction. Ra i a mené ses recherches, élaboré sa performance et assuré la production en collaboration avec la fondation Lumbardhi située à Prizren (Kosovo), ville dont les légendes urbaines et les mythes oraux ont été tissés dans le récit de l’œuvre.

Une juxtaposition des peintures à l’acrylique de Daniela Ortiz et des dessins d’Olivier Marboeuf offre un témoignage du tournant décolonial, du « grand retour » des êtres humains opprimés, assassinés, déshumanisés. Ortiz imagine la manière dont les plantes tropicales importées de colonies européennes pourraient se rebeller contre l’architecture européenne, engloutissant des bâtiments de Bruxelles, Hambourg et Lima. Elle relie la transplantation d’une flore non européenne à une forme de migration, que l’on accorde aux plantes et aux styles architecturaux, mais pas aux êtres humains. Inspirés de son poème « Bleu Pays », les dessins de Marboeuf sont le récit incarné d’un � e défunt�e, qui est pour lui la seule position depuis laquelle un individu issu d’une minorité peut parler aujourd’hui.

Exposer sa vulnérabilité et son pouvoir d’agir en créant des identités non normatives est le mouvement au cœur du travail de Kengné Téguia, Sourd depuis son enfance. L’artiste aborde sa condition à travers le concept de cyborg et a créé une installation sonore dynamique, qui lui permet de communiquer ses expériences quotidiennes aux membres s/Sourd↝e�s du public qui visitent les es-

Not Fully Human/Not Human At All FR 23Nata a Petre in-Bachelez

paces institutionnels validistes. Quant à l’installation de Saddie Choua, elle entremêle sa vie personnelle à ses recherches sur la douleur qui résulte de la discrimina­tion et du racisme. Choua pratique des méthodes de changement, inspirées du soin de soi et de la guérison, à l’intérieur du discours sur « l’autre ». Dans le même temps, elle questionne les manières dont un·e artiste peut faire œuvre de la douleur des autres.

Parallèlement à l’exposition, un programme de vidéos d’artistes sera diffusé sur la plateforme en ligne, Kadist Video Library. Il rassemble le travail d’artistes qui explorent la variété des formes complexes de déshuma­nisation et leurs effets, examinant ce qui est devenu un élément fondamental de l’identité européenne.

Plusieurs moments discursifs conçus avec Initiative for Practices and Visions of Radical Care et Qalqalah accompagneront l’exposition.

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1. Donna J. Haraway, « Ecce homo, “ne suis-je pas une femme ?” et autres inapproprié/es : de l’humain dans un paysage post- humaniste », traduit de l’anglais par Laurence Allard, Le Manifeste cyborg et autres essais, anthologie établie par Laurence Allard, Delphine Gardey et Nathalie Magnan, Paris, Exils Éditeur, 2007, p. 221-242. « Les esclaves étaient sans position, non situées dans le système des noms ; elles étaient spécifiquement sans place et à vendre [disposable]. Dans cet ordre du discours, les femmes blanches n’étaient pas légalement et symboliquement tout à fait humaines ; les esclaves n’étaient pas des humains du tout, légalement ou symboliquement », p. 234.

2. Hortense J. Spillers, « Mama’s Baby, Papa’s Maybe: An American Grammar Book », Diacritics, 17 ( 2), Baltimore, The Johns Hopkins University Press, 1987, pp. 65–81.

3. Suhaiymah Manzoor-Khan, “This Is Not A humanizing Poem”, https://www.youtube.com/watch?v=G9Sz2BQdMF8, 20 juin 2017.

4. Malcom Ferdinand, « Une écologie décoloniale : penser l’écologie depuis le monde caribéen », Paris, Seuil, 2019.

5. Des conférences inaugurales ont accompagné chacune des trois nouvelles productions artis­tiques : Jelena Petrovi a ouvert le séminaire adossé au projet de Lala Ra i à Prizren, Yuderkys Espinosa Miñoso a présenté celui de Daniela Ortiz à Alost et Raquel Lima a clôturé le workshop du Sensing Salon à Lisbonne.

6. S’appuyant sur les écrits de Hortense Spillers et de Sylvia Wynter, Alexander G. Weheliye a introduit le concept d’« assemblages racisants », qui définit la race non comme une classification bio­logique ou culturelle, mais comme un ensemble de processus socio­politiques visant à discipliner l’humanité en l’organisant selon les catégories d’individu pleinement humain, pas tout à fait humain et non humain. Voir « Habeas Viscus: Racializing Assemblages, Biopolitics, and Black Feminist Theories of the Human », Durham, Duke University Press, 2014.

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The foundation for the project Not Fully Human, Not Human at All was laid a few years ago. In 2016, KADIST formulated a new series of regional projects that would enable institutional collaborations in a specific region, while engaging three artistic commissions.

Having followed the program and already worked closely with KADIST for a few years, and having been involved in a few collaborative projects of European scale, the invitation to conceive this regional project came in timely. Originating from former Yugoslavia and having experienced through my family members the twisted fate of people who sought refuge in order to escape the bloody civil war in Bosnia, I was alert about what was happening to the groups of forced migrants and r efugees within the space of the European Union since 2015, both on its most eastern and most southern maritime borders. Processes of rapid civic mobilization and mutualization of various supporting structures and organizations appeared in total contrast with increasingly violent and dehumanizing laws that were popping up as mushrooms from the European Union, negotiating about securing its borders and defining the numbers of humans, as on a stock exchange market. While on the rise since decades, the extreme right wing parties made themselves very present even more prone to inhumanity and manipulation than during the recent Yugoslav war. Unfortunately, it was a tendency that five years later took over the whole of Europe and became ever more threatening under the new sanitary conditions in relation to the COVID-19 pandemic. It became clear that the political and sanitary strategies put in place during pandemics echoed horribly the concept of disposability of certain racialized humans.

The title of the project is borrowed from Donna Haraway’s text “Ecce Homo, Aint’ (Ar’n’t) I a Woman, and Inappropriate/d Others” (1) where she refers to

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Hortense Spillers and her seminal text “Mama’s Baby, Papa’s Maybe: An American Grammar Book”(2) when describing enslaved women’s inexisting legal subjectivity. Spillers created a milestone text for black feminist studies in which she drew connections between the structures of the enslaved families, and how this resonates with contemporary African American communities. In a similar way, the legacy of European settler colonialism continues and exercises its violence upon contemporary racialized subjectivities that “have never been human”, to quote the Brazilian performer and writer Jota Mombaça. Spoken word poet Suhaiymah Manzoor-Khan expresses this: “if you need me to prove my humanity, I am not the one that’s not human” ( 3). As shown by Malcom Ferdinand, the colonial project reduced not only entire populations, but also natural environments and non-humans into subservient objects which fed into a “colonial way of living”. (4)

The multitude of acts of dehumanization, its history and its actual forms within the European geopolitical space, thus became a gravitating centre for this project, with the aim of creating a discussion with the artists and col-laborating institutions about white privilege, racialization processes, exclusivity and the related struggles taking place within the art institutional landscape. The concept of the project and its particular tentacular shape was vividly embraced by several small and mid-scale institutions based in centre, south-east, south-west and west of Europe: KADIST; Lumbardhi Foundation in Prizren, Kosovo; Netwerk in Aalst, Belgium —in collaboration with Contour Biennale 9; Kunsthalle Lissabon and HANGAR, both in Lisbon, Portugal, and Kunstverein in Hamburg, Germany. Through engaged discussions, exchanges, and seminars ( 5),the co-commissioning of three projects, was carried by Émilie Villez, Ares Shporta and Donjetë Murati, João Mourão and Luís Silva, Bruno Leitão and Mónica de Miranda, Pieternel Vermoortel and Els Silvrants-Barclay in the early stages, as well as Bettina Steinbrügge, their collaborators and myself. We established a space of institutional self-reflexion and constructive curatorial criticality, to which a number of invited

27 ENNata a Petre in-BachelezNot Fully Human/Not Human At All

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theoreticians, cultural practitioners, activists and the three commissioned artistic projects contributed organically throughout the period of four years. During conversations about institutional changes, the group ob-served with horror how the presence of the extreme right wing in the political spheres of many European countries has induced some profound change in the conditions of creating and representing contemporary art; this involved increasing social, political and economic pressures, silencing, appropriation or even dangerous recuperation.

The exhibition at KADIST represents a scaled down version of the exhibition at Kunstverein in Hamburg which was concocted together with Bettina Steinbrügge during the first wave of the COVID-19 pandemic in spring 2020. The pandemic and the subsequent first lockdown across Europe largely affected all the curatorial discussions and decisions, time seemed expanded, mobility was drastically reduced and the care for each other intensified.

The invited artists who compose the exhibition Not Fully Human, Not Human at All, look at the ruins of the category of “human”, at the fact that the human is no longer a desirable concept, as Olivier Marboeuf (who joins the exhibition after the first episode in Hamburg ) puts it, and at the contemporary aspects of the dehumanization process in order to observe how they relate to the myths and narratives on which Europe has been founded. The artists presented in the exhibition narrate the toxicity of the societies where they live and point at the importance of re-humanization and new genres of the human, (6) with ethical, ecological, aesthetical and affective preoccupations.

The exhibition begins with a scaffolding that is a support-ing structure of Doruntina Kastrati’s film portraying the vulnerability and empowerment of construction workers in Kosovo. Kastrati has been exploring their daily physical labour, disability-in-becoming and the story of the building of a highway. Through the installation, one catches a glimpse of Ibro Hasanovi ’s film, delicately depicting the intimate and emotional movements when families say goodbye, when individuals leave their homes, and when

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the future, one of a migrant, is unknown. As bodies press upon each other, all anxious to take a spot in the next departing bus, the film implores the viewer to acknowledge and question how and why people seek refuge without providing an answer. Nilbar Güre ’ photographs are taken from a series where female subjects perform for the camera in ways that play between states of visibility and invisibility, often with the use of clothing or textiles that create multiple references. The artist herself is looking at these women through the prism of her own multicultural upbringing—her father’s Kurdish-Alevi background, her mother’s roots on the Black Sea.

The installation by Sensing Salon ( Valentina Desideri, Denise Ferreira da Silva and Arely Amaut) addresses the fervent question “What is the effect that the COVID-19 crisis is having on the Human?”. Through different divination techniques and poetical and political readings, the tarot cards of The Tower ( “an image of collapse, of collapse of the structure, the social structure that was no longer needed and needs to go”), crossed by the Ten of Cups ( “a certain way of coming together”) came as the centre of their reading. The installation is a continuation of their commissioned work done in collaboration with Kunsthalle Lissabon and HANGAR in Lisbon, where they posed the question “What if we considered the human through the elements?”.

Repressed ancient female knowledge and power, re- enacting of local urban myths, Greek mythology, as well as current sociological, ecological, and cultural phenomena, are what Lala Ra i explores in her video installation, half through the exhibition. The Greek myth of Arachne is re-contextualized in a poetic script, taking an imagi-native leap from antiquity into science fiction. Ra i ’s research, performance and production were done in collaboration with Lumbardhi Foundation in the city of Prizren (Kosovo), whose urban legends and oral myths were weaved into the work’s narrative.

A juxtaposition of Daniela Ortiz’ acrylic paintings and Olivier Marboeuf’s drawings is a testimony of the

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decolonial turn, and of the “great return” of the oppressed, killed, dehumanized humans. Ortiz imagines how tropical plants imported from European colonies might rebel against European architecture, engulfing buildings in Brussels, Hamburg, and Lima. She links the transplantation of non-European flora to a form of migration afforded to plants and architectural styles but not to human beings. Based on his poem Blue Land (Bleu Pays), Marboeuf’s drawings are incarnating the narration of a dead person, which for him is the only possible position from where a subject coming from a minority can speak today.

Exposing one’s vulnerability and ableism by creating non- normative identities lies at the heart of Kengné Téguia’s work, who has been Deaf since his childhood. He ap-proaches his own condition through the concept of cyborg and creates a vibrant sound installation through which he communicates his daily experiences to D/deaf members of the audience, visiting the ableist art institutional spaces. Saddie Choua’s installation brings her personal life into her research on pain resulting from discrimination and racism. Choua practices methods for change in the discourse around ‘the other’ that are based on self-care and healing. At the same time, she asks how to make work about the pain of others.

In parallel to the exhibition, a film program will be screened online on the Kadist Video Library, bringing together the work of artists looking into various complex forms and effects of dehumanization, and examining what has become a fundamental part of the European identity.

Several discursive events conceived together with Initiative for Practices and Visions of Radical Care and Qalqalah will accompany the exhibition.

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1. Donna Haraway, “Ecce Homo, Aint’ (Ar’n’t) I a Woman, and Innapropriate/d Others: Human in a Post-Humanist Landscape”, Feminists Theorize the Political, Routledge, 1992, pp. 87–101: ‘Slaves were unpositioned, unfixed, in a system of names; they were unlocated and so disposable. In these discursive frames, white women were not legally or sym-bolically fully human, slaves were not legally nor symbolically human at all.’ p. 94.

2. Hortense Spillers, “Mama’s Baby, Papa’s Maybe: An American Grammar Book”, Diacritics, vol. 17, no. 2, Baltimore: The Johns Hopkins University Press, 1987, pp. 65–81.

3. Suhaiymah Manzoor-Khan, “This Is Not A humanizing Poem”, https://www.youtube.com/watch?v=G9Sz2BQdMF8, June 20, 2017.

4. Malcom Ferdinand, « Une écologie décoloniale. Penser l’écologie depuis le monde caribéen », Paris: Seuil, 2019.

5. Keynote lectures accompanied each of the three commissioned projects: Jelena Petrovi opened the seminar in relation to Lala Ra i ’s project in Prizren, Yuderkys Espinosa Miñoso intro-duced Daniela Ortiz’ project in Aalst, and Raquel Lima closed the Sensing Salon’s assembly in Lisbon.

6. Drawing from Hortense Spillers and Sylvia Wynter, Alexander G. Weheliye presents the concept of “racializing assemblages” that construes race not as a biological or cultural classification but as a set of sociopolitical processes that discipline humanity into full humans, not-quite-humans, and nonhumans. In: Habeas Viscus. Racializing Assemblages, Biopoli-tics, and Black Feminist Theories of the Human, Durham: Duke University Press, 2014.

2� ENNata a Petre in-BachelezNot Fully Human/Not Human At All

Partenaires

[05] Partenaire de Lala Ra i et de l’œuvre EE-O.La fondation Lumbardhi a été créée en 2015, en réponse

à l’initiative de sauvegarde du cinéma Lumbardhi à Prizren, au Kosovo. Les intérêts de recherche de la fondation portent sur les transformations sociales qui ont suivi le processus de modernisation. Ses programmes incluent films, sons, conférences et productions en collaboration avec des artistes et des chercheur·e·s. Lumbardhi dirige la rénovation de l’ancien cinéma, dont l’issue est prévue pour son soixante-dixième anniversaire en 2022.

[06 ; b] Partenaire de Daniela Ortiz et de l’œuvre The Empire of Law.Depuis 2017, Netwerk s’est manifesté sous les traits d’une

« open house » dans la ville. Ses racines remontent au centre socio-culturel indépendant, Netwerk, fondé en 1981. Situé à Alost en Belgique et œuvrant en tant que centre international pour l’art contemporain et cinéma indépendant, ce lieu explore de nouvelles possibilités de relations entre les artistes, les publics et les institutions, tout en aspirant à proposer un meilleur soutien pour les innovations et productions artistiques.

[04] Partenaires de Valentina Desideri/Denise Ferreira da Silva/Arely Amaut, et du projet Sensing Salon.Né sous l’impulsion d’un groupe d’artistes, de commissaires

et de producteur·trice·s appartenant à l’association cultu-relle Xerem et leurs collaborateur·rice·s, HANGAR est un centre de recherche artistique situé dans le quartier de Graça à Lisbonne. Dédié à l’expérimentation, la recherche et la réflexion sur les pratiques artistiques, HANGAR vise à ce que ses projets, non seulement, unifient des ré-gions géographiques, des cultures et des identités mais aussi stimulent le développement de pratiques artistiques et théoriques.

Ouvert au public depuis Juillet 2009, Kunsthalle Lissabon est un modèle institutionnel basé sur les idées d’hospitalité, de générosité et de sociabilité. À travers des collaborations internationales et nationales, Kunsthalle Lissabon développe une réflexion continuelle sur les pratiques et les savoirs institutionnels au sein de l’art contemporain. Depuis son ouverture, l’espace a accueilli plus d’une quarantaine d’expositions et publié de nombreux ouvrages.

[� � � � � �� Partenaire de l’exposition finaleDepuis 1817, le Kunstverein à Hambourg s’est consacré à la

présentation et à la communication des positions artistiques émergentes contemporaines, servant de plateforme pour un examen constructif des nouvelles directions de l’art. Le Kunstverein à Hambourg a été et est continuellement dévoué au soutien des artistes qui produisent aujourd’hui et participent à l’aménagement de l’héritage culturel de demain.

[05] Collaborator of Lala Ra i and the artwork EE-0Lumbardhi was established in 2015 after the Initiative

for the Protection of Lumbardhi Cinema in Prizren, Kosovo. Its research studies social transformations following the modernisation process and programs include film, sound, talks and productions in collaboration with artists and researchers. Lumbardhi leads the reinstitution of the former cinema, set to be fully revitalised in its 70th anniversary in 2022.

[06 ; b] Collaborator of Daniela Ortiz and the artwork The Empire of LawSince 2017, Netwerk Aalst began to manifest itself as an open

house in the city. Its roots can be traced back to the Netwerk independent socio-cultural centre, founded in 1981. Located in Aalst, Belgium and functioning also as an inter-national centre for contemporary art and an independent cinema, it explores new possibilities for the relationship with artists, audiences and institutions as well as being a better support for artistic innovation and production.

[04] Collaborators of Valentina Desideri/ Denise Ferreira da Silva/ Arely Amaut, and their project Sensing SalonBorn out of the will of a group of artists, curators, and producers

belonging to Xerem and their close collaborators, HANGAR is an Artistic Research Center located in Graça, Lisbon. Dedicated to experimentation, research, and reflection on artistic practices, HANGAR seeks for its project to unify geographic locations, cultures and identities and stimulate the development of artistic and theoretical practices.

Opened to the public in July 2009, Kunsthalle Lissabon is an institutional model based on ideas of hospitality, generosity and sociability. Developing a continuous reflection on institutional knowledge and practice in the field of contem-porary art through international and national collaboration, it has —since its opening— presented more than forty exhibitions and has published numerous volumes.

[� � � � � �� Collaborator for the final exhibitionSince 1817, the Kunstverein in Hamburg has been dedicated

to the presentation and communication of upcoming, artistic positions of its time, serving as a platform for the constructive examination of new directions in art. The Kunstverein in Hamburg was and is continually dedicated to supporting those artists who produce work today and help design the cultural heritage of tomorrow.

Collaborators

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Avec Our Cemetery et Overhead (de la série TrabZONE, 2010), Nilbar Güreş réinvestit ses souvenirs d’enfance et revisite ses origines supposées à Trabzon, ville natale maternelle située au nord de la Turquie et qui borde la mer Noire. Chez l’artiste, le tissu est un matériau de premier plan, presque une entité centrale. On le  retrouve non seulement dans cette série mais aussi dans ses autres projets. Dans Our Cemetery, le tissu semble fondre en un seul corps, une mère et son enfant, et dans Overhead une femme agée se tient debout, doucement écrasée par un cube de tissus qu’elle a l’air de retenir sans grand effort.

L’utilisation de draps ultra-colorés et de motifs démodés révèle à la fois une appartenance et un rester- dehors, comme dans une étrange, ou indolente temporalité. Les photographies de Güreş, elle-même fortement attachée à rendre visibles les questions queer,  LGBTQ+ et des minorités, agissent comme des allégories  politiques qui plaident pour des alliances alternatives au sein de contextes traditionnaux et patriachaux. Elles sont  aussi des manifestes pour une inactivité collective et espiègle entre femmes.

[02]Our Cemetery [de la série TrabZONE], 2010 C-Print, 150 × 100 cm Courtesy de Nilbar Güreş et galerie Martin Janda

Overhead[de la série TrabZONE], 2010 C-Print, 100 × 150 cm Courtesy de Nilbar Güreş et galerie Martin Janda

Nilbar Güre [02]

Le langage visuel de Nilbar Güreş (vit et travaille à Istanbul et Vienne) s’inspire de la mobilité d’un monde globalisé tout en étant, profondément, axé autour de localités spéci-fiques et des identités qui s’y trouvent. Dans cette dualité, son travail parvient à saisir l’étrangeté qui surgit du sentiment d’exclusion de l’artiste.

Ses vidéos, photographies et collages, énigma-tiques et complexes, se concentrent sur des sujets presque ou quasiment invisibilisés et cherchent à déceler, des moments de clarté au sein de l’absurdité des événements de la vie quotidienne ou à l’inverse, des mises en scènes qui en exposent l’absurdité enfouie.

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In Our Cemetery and Overhead (from the TrabZONE series, 2010), Güreş re-enacts her childhood memories and revisits her supposed roots through her mother’s hometown Trabzon, a city on the Black Sea coast of northeast Turkey. In this photo series – and in all of Güreş’ projects, fabric is a primary material, almost a main persona ; in Our Cemetery, fabric seems to be binding a mother and a child into a common body. In  Overhead, a seemingly old woman stands still, being gently crushed by a cube of fabric that she holds as if without effort.

Güreş’ use of brightly colored drapes and outdated prints showcases a sense of both belonging and staying on the outside, as if in a bizarre –indolent– temporality. Strongly attached to making queer, LGBTQ+, and minority issues more visible, Güreş’ photos act both as political allegories which advocate for alternative alliances within traditional, patriarchal contexts, while also being a mani-fest for collective and playful idleness between women.

[02 ]Our Cemetery [From the series TrabZONE], 2010 C-Print, 150 × 100 cm Courtesy Nilbar Güreş and  Martin Janda Gallery

Overhead [From the series TrabZONE], 2010 C-Print, 100 × 150 cm Courtesy Nilbar Güreş and  Martin Janda Gallery

Nilbar Güreş’ (lives and works in Istanbul and Vienna) visual language draws from the mobility of a globalized world, yet at the same time revolves intensely around specific locali-ties and the identities they harbor. In this rift, her work often captures the queerness that arises from the artist’s own sense of being out of place. Often focusing on subjects who have little or no visibility, her intricate and elusive videos, photographs and collages attempt to find moments of clarity amongst absurd elements of quotidian life or, conversely, stage scenes that foreground the absurdity also hidden amidst it.

Nilbar Güre [02]

Nilbar Güre , Red Thread and Mirror from the series [de la série] Unknown Sports, 2009

Collage and mixed media on paper [collage et technique mixte sur papier].

Photo: Reha Arcan

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Dans ce film en noir et blanc, l’artiste dépeint, délica-tement, des moment intimes, des familles se faisant leurs adieux, des individus délaissant leurs maisons et les migrant·e·s dont le futur est empli d’incertitude. Filmé à partir d’une seule caméra à Pristina en 2015, le film montre les corps de passager·ère·s s’engageant dans le bus pour quitter le Kosovo, empruntant la même route qui plusieurs semaines après, deviendra le chemin de milliers de personnes en provenance des zones en guerre, en Syrie et Irak. Visiblement anxieux·ses de prendre place dans le prochain bus, il·elle·s s’assemblent et tombent les un·e·s sur les autres. Dans cette intime représentation d’instants pleins d’humanité, le film implore le·la spectateur·rice à reconnaître et saisir com-ment et pourquoi des populations cherchent un asile.

[03]Note on Multitude, 2015 Vidéo, 7 min 43 sec Courtesy Ibro Hasanović, collection KADIST

Ibro Hasanovi [03]

Témoin des catastrophes qui ont marqué la  rupture de la Yougoslavie, les films, photo-graphies et installations d’Ibro Hasanović (vit et travaille à Paris) ont pour sujet la mémoire collective et individuelle de l’histoire géopoli-tique. Ses travaux s’intéressent, en particulier, aux micro-événements et rendent l’Histoire avec un grand H saisissable, à l’échelle personnelle, presque anecdotique lorsque l’artiste traite des évenements insoutenables tels que la persécution, le déplacement et la torture. N’ayant pas recours à la morale ou à l’activisme comme moyen pour adresser l’amplitude de l’horreur des conflits armés récents et la belligérance éthique, l’artiste centre l’attention sur les implications de ces événements pour les individus ou certains groupes, exposés à cette violence ou à sa mémoire palpable. En effet, la violence, lors-qu’elle est omniprésente, n’est pas détectable comme étant outrageuse ou condamnable, au contraire, les gens ordinaires la perçoivent comme un acte performatif routinier. Hasanović ébranle l’ère contemporaine qui fait de la  violence un sous-produit de la politique ; comme un statu quo de l’époque.

Ibro Hasanovi , Note on Multitude, 2015

FR 41EN3�

In this black and white film, Hasanović delicately depicts intimate moments shared by families when they say goodbye, when individuals leave their homes, and when the future of a migrant remains unknown. Shot with a single camera in Pristina in 2015, it shows the bodies of passengers boarding a bus to leave Kosovo following the same route that weeks later would become the path-way of hundreds and hundreds of people coming mostly from the war zones in Syria and Iraq. They assemble and stumble over each other, visibly anxious to take a spot on the next departing bus. In its close portrayal of these very human moments, the film implores the viewer to acknowledge how and why people seek refuge.

[03]Note on Multitude, 2015 Single channel video 7 min 43 sec Courtesy Ibro Hasanović, KADIST collection

A witness of the catastrophes that marked the breakup of Yugoslavia, Ibro Hasanović’s (lives and works in Paris) film, photo, and installation practice has concerned itself with the individual and collective memory of geopolitical history. His work focuses on micro- events, making History with a capital H graspable on the level of the personal, even anecdotal in an attempt to tackle excruciating events such as war, loss, persecution, displa-cement and torture. Rather than addressing the full blown horror of recent armed conflicts and ethical belligerency in a moral or activist mode, the artist casts a closer look at what this entails for the individual or certain groups who are exposed to violence, or the sheer memory of it. Violence, when omnipresent, is not detected as being outrageous or blameful. Rather, ordinary people perceive it as a routinely performed act. Hasanović undermines the contemporary epoch that purports violence as a byproduct of politics; as a contemporary status quo.

Ibro Hasanovi [03]

La vidéo When it left, death didn’t even close our eyes est centrée sur le témoignage d’ouvriers de l’industrie de la construction au Kosovo. Ces ouvriers révèlent en quoi ce marché du travail, précaire et non réglementé, a des coûts humains graves pour ceux·elles qui y cherchent un travail. Ils s’expriment, notamment, sur les horaires de travail (12, 13, 15 heures, parfois, 24 heures) et ce dans des conditions qui vont à l’encontre des régulations prescrites ou des capacités humaines. L’une des princi-pales conséquences est un taux élevé d’accidents chez les ouvriers, ce qui entraîne leur exclusion de possibles futurs emplois dans cette industrie. Certains ouvriers admettent préférer la mort plutôt que la perte de la capacité à gagner leurs vies. La vidéo est insérée dans un échafaudage, visible depuis la rue, intégrant les témoignages au sein du chantier de construction.

« Je pense qu’il est mieux de mourir que d’être blessé au travail. Quand tu meurs, au moins tu accomplis quelque chose. Quand tu te blesses, tu dois vivre avec deux fardeaux : être handicapé et ne pas être en capacité de pouvoir subvenir aux besoins de ta famille. »

Citation d’un ouvrier interviewé par Kastrati dans When it left, death didn’t even close our eyes.

[01]When it left, death didn’t even close our eyes, 2020 Vidéo, installation in situ avec structures d’échafaudage, 13 min 51 secCourtesy Doruntina Kastrati

Doruntina Kastrati [01]

Le travail de Doruntina Kastrati (vit et travaille à Pristina) procède d’analyses de l’environ-nement urbain, des conditions sociales et de la politique du travail au Kosovo et dans la région. Ses films, sculptures et installations découlent de ces investigations.

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When it left, death didn’t even close our eyes centers on the testimonies of laborers working in Kosovo’s construction industry. These workers attest to how this precarious and unregulated labor market has serious human costs to those that have to seek its employment. They speak of how they are expected to work hours —from 12, 13, 15, even up to 24 hours—and in conditions far beyond prescribed regulations or normal human expectations. One of the primary consequences is a high rate of injury, which then precludes future work in the industry—some workers even admit that they would rather face death than lose the ability to earn a living. The video is inserted within a scaffolding structure and visible from the street, staging the testimonies within a construction site.

“I think it’s better to die than to get injured on the job. When you die, at least you have completed something. When you get injured, you have to live with two burdens in your life: being disabled and not being able to provide for your family.”

Statement from one of the workers interviewed by Kastrati in When it left, death didn’t even close our eyes.

[01]When it left, death didn’t even close our eyes, 2020 Video, specific installation made of scaffolding structures, 13 min 51 sec Courtesy Doruntina Kastrati

Doruntina Kastrati’s (lives and works in Pristina) work proceeds from analyzing the urban environment in Kosovo and the region, its social conditions, and its politics of labor. Her films, sculptures and installations derive from these investigations and report on their findings.

Doruntina Kastrati [01]

Doruntina Kastrati Research process image [image de recherche]

Photo: Nita Salihu Hoxha

FR 45Kengné Téguia

Performance Oreiginsau Kunstverein à Hambourg, 2020

#TheBLACKRevolutionwillbeDEAFinitelyLOUD

[08]InDEAFinite Vulnerability, 2020 Sons, matériaux diversL’installation sonore s’activera à chaque heure pendant 18 minutes Courtesy Kengné Téguia

Kengné Téguia [08]

Kengné Téguia est un artiste cyborg Noir Sourd Séropositif basé à Paris qui travaille à partir du son deafinitivement.

#TheBLACKRevolutionwillbeDEAFinitelyLOUD

#TheBLACKRevolutionwillbeDEAFinitelyLOUD

[08]InDEAFinite Vulnerability, 2020 Sounds, various materials.The sound installation will activate every full hour for 18 minutesCourtesy Kengné Téguia

Kengné Téguia is a Black Deaf HIV+ cyborg artist based in Paris, who works from sound deafinitely.

#TheBLACKRevolutionwillbeDEAFinitelyLOUD

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Kengné Téguia [08]

ENKengné Téguia

Performance OreiginsKunstverein in Hamburg, 2020

FR 49Olivier Marboeuf, Masque Bleu,Aquarelle sur papier [watercolor on paper], 2021

Une créature. À la surface de l’océan atlantique. Couverte de mollusques, ornée de coraux, elle fait  retour sur la scène du vivant, depuis les profondeurs. Matière en état de décomposition où tout un monde est  emmêlé. Île organique envahie d’un désordre de végétation ; des roches difformes, du feu. Elle reprend son souffle. Elle commence à déparler. Personne ne sait d’où elle vient, d’où elle revient, et personne ne comprend ce qu’elle dit dans le chaos de tous ces bruits. Hurlements, craquements, champignons asthmatiques, fracas d’os. Sifflement des gaz anciens qui s’échappent des yeux, fluides toxiques, infrasons. Certains croient reconnaître le bruissement de feuilles de bananier empoisonnées au chlordécone. D’autres quelques plaintes en créole et même le son des tempêtes quand elles fouettent les champs de canne à l’abandon. N’est-ce pas là plutôt une espèce disparue, un règne ignoré entre la mort et la vie, un monument fossile et bavard qui vient déranger la paix d’Europe ? Personne n’a mémoire de ce visage défiguré par les vers qui grouillent, les lichens et les trompes. Voici donc que s’annonce bruyamment l’histoire innommable, surgit depuis le Bleu Pays.

[07]Bleu Pays (une île), 2021 Dessins sous l’emprise d’une île vivanteFeutre et aquarelle sur papier, 21 × 29,7 cm et 15 × 21 cmCourtesy Olivier Marboeuf

Olivier Marboeuf [07]

Olivier Marboeuf est auteur, dessinateur, performeur et producteur de cinéma. Il a  fondé dans les années 90 les éditions Amok (devenues Frémok), éditeur de bande dessinée de recherche, puis l’Espace Khiasma, un centre d’art indépendant qu’il a dirigé aux Lilas (banlieue de Paris) de 2004 à 2018. Il partage actuellement son travail entre écrits théoriques et fictionnels autour de la représentation des corps et lieux minoritaires, le dessin et la production de films au sein de Spectre Productions. Ses textes récents sont visibles sur le blog Toujours Debout : https://olivier-marboeuf.com/

50 EN

A creature. On the Atlantic Ocean surface. Covered with mollusks, adorned with corals, it is coming back, from the depths, to the living’s scene. Decaying material, where a world is entangled. Organic island invaded by vegetation in disorder; deformed rocks, fire. It catches her breath. It starts to de-speak. Nobody knows where it is from, from where it is returning and nobody understands what it says in the chaos of all of this noise. Screams, cracking, asthmatic mushrooms, crashes of bones. Hissing of old gas that escape from the eyes, toxic fluids, infra-sounds. Some believe they recognize the rustle of the banana leaf poisoned with chlordecone. Others, a few complaints in Creole and even the sound of tempests when they whip sugar cane fields at will. Isn’t it instead an extinct species, an ignored reign between death and life, a talkative fossilised monument that comes to disturb Europe’s peace? No one remembers this face, disfigured by crawling worms, lichens and proboscis. This then is the noisy announcement of the unnameable story coming from the Blue Land.

[07]Blue Land (an Island), 2021 Drawings under the sway of a living island Drawing and watercolor on paper, 21 × 29.7 cm and 15 × 21 cmCourtesy Olivier Marboeuf

Olivier Marboeuf is an author, drawer, perfor-mance artist and film producer. In the 90s, he set up the Amok (now Frémok) publishing house, for comics and research, and Espace Khiasma, an independent art center that he managed in Les Lilas, on the outskirts of Paris, from 2004 to 2018. His work is now divided between theoretical and fiction  writings about the representation of minority bodies and places, drawing and film production at Spectre Productions. Most of his texts are available on the blog, Toujours Debout: https://olivier-marboeuf.com/

Olivier Marboeuf [07]

2018–11–052018–12–08

Paris, France

Résidence de Daniela Ortiz en France et organisation de deux

événements intitulés Monuments

(anti)coloniaux à KADIST

en collaboration avec l’ESAD de Grenoble

[Daniela Ortiz’s residency in France and organization of

two events titled (Anti)colonial monuments

at KADIST in collaboration with

ESAD Grenoble]

avec[with]

Ares Shporta,

directeur de la fondation Lumbardhi,

[director of Lumbardhi Foundation],

& Nataa Petrein-Bachelez.

avec[with]

avec[with]

Anaëlle Bohbot,

Binta Diaw, Simone Frangi,

Ru Kim, Lena Longefay, Daniela Ortiz,

Katia Schneller, Fanny Souade Sow, Edgar Tom Stockton, Yanireth Jimenez

Torres, Laura Villena.

2018–05–04Paris, France

Conférence Le développement

des institutions culturelles

2018–09–22Prizren, Kosovo

Installation vidéo in situ de EE-0

(Europa Enterprise 0) et performance de Lala Rai

au cinéma Lumbardhi

[Site-specific Video installation

and a live performance of EE-0

(Europa Enterprise 0) by Lala Rai

at Lumbardhi Cinema]

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avec [with]

Gigi Argyropoulou, Teodor Celakoski, Aslihan Demirtas,

Ivana Dragsic, Andreja Dugand i , iLiana Fokianaki, Eliza Hoxha, Bruno Leitão,

Romeo Kodra, Erëmirë Krasniqi, Marko Miletic,

Nata a Petre in-Bachelez, Jelena Petrovi , Armina

Pilav, Lala Ra i , Ares Shporta, Charlotte

Van Buylaere, Émilie Villez.

avec[with]

Walter Antonio Andino Midence, Black Speaks Back, Anissa Boujdaini,

Collectif Mémoire Coloniale, Laurens Dhaenens, Nada Ghosn, Lutte

contre les Discriminations, Yuderkys Espinosa Miñoso,

Anne Wetsi Mposa, Daniela Ortiz, Nata a

Petre in -Bachelez, Ares Shporta,

Els Silvrants-Barclay, Fatma Yildiz.

Not Fully Human,

N’ot Human at All

2017–09–16 — 17Prizren, Kosovo

Performance de Lala Ra i

et séminaire Europa Enterprise:

On Commoning à la Fondation Lumbardhi

[Performance by Lala Ra i and Seminar

Europa Enterprise: On Commoning at

Lumbardhi Foundation]

2018–05–04Paris, France

Conférence Le développement

des institutions culturelles au Kosovo

à KADIST

[Talk Institution Building and Cultural Ecology

in Kosovo at KADIST]

2018-10-26Alost, Belgique

[Aalst, Belgium]

Conférence The Empire of Law. Legality and Other

Narrative Tools of Colonialism

à Netwerk

[Talk The Empire of Law. Legality and Other

Narrative Tools of Colonialism at Netwerk]

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