TECNICAS DE ANIMACION

(ANIMER)

IMER MORALES COYOTE

Los 12 Principios De La Animacion

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CAPÍTULO 1

Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época. Estos 12 pincipios ayudaron a que el oficio de la animación pasara de ser algo novedoso a ser una forma de arte. Fueron aplicados inicialmente a los clásicos animados de Disney, como Blancanieves, en 1937, Pinocho y Fantasía, en el 40, Dumbo, en el 41 y Bambi, en 1942.

Estos principios hoy siguen funcionando, ayudan a crear personajes y situaciones más creíbles, proporcionan sensación de realidad. Para 3D estos principios se han tenido que reinterpretar y expandir, incluso se han tenido que añadir algunos principios adicionales que den soporte a los nuevos estilos y técnicas utilizados en la animación. Esto es poeque en los años 30, el estilo dominante era la animación narrativa cartoon pose a pose. Durante este tiempo, las técnicas y los estilos de la animación han cambiado

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1- ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech)La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más drámatico. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.

2-ANTICIPACIÓN (Anticipation)Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí mis-ma y la reacción (recuperación, término de la acción).

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3-PUESTA EN ESCENA (Staging)Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a po-siciones y acciones específicas de los personajes. Poniendo en escena las posiciones claves de los persona-jes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción – reacción, son dos ejemplos.

4-ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose)Éstas son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción conti-nua, paso a paso, hasta concluír una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movi-mientos en series estructuradas de poses clave.La acción directa se distingue por la fluidez del movimiento, proporciona un look fresco, suelto y desenfa-dado. Influye la creatividad.En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial, es una animación más controlada que vie-ne determinada por el número de poses y las poses intermedias. Se pueden mezclar estas dos técnicas.

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5-ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping action)Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movi-miento continúa hasta finalizar su curso. En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje. En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la po-sición del personaje.En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simu-laciones dinámicas de la ropa o el pelo.

6-FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out)Este mide la velocidad del objeto, en cierto punto el objeto tendrá una velocidad menor, pero cuando avanza, su velocidad aumenta.

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7-ARCOS (Arcs)Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en tra-yectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

8-ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action)Son todas aquellas que se derivan de la acción principal, que son consecuencia de ésta y que, por lo tanto, complementan a la acción principal, pero están supeditadas a ella.

En esta ocasión trabajamos en animación continua entre una pose extrema y la siguiente de la animación principal. A lo largo de este proceso vamos creando los dibujos de ruptura que constituirán nuevos dibu-jos clave junto con las poses extremas y que enriquecerán y matizarán la acción.

La acción secundaria depende siempre de la acción principal, ya que mientras una dicta las fuerzas que rigen el movimiento, la otra actúa con respecto a dichas fuerzas y como reacción a ellas. La acción secunda-ria no es ni intencionada ni planeada por el animador, es paralela a la principal y surge espontáneamente de ella

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9-SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)Cuando nosotros realizamos nuestra animación, tenemos que tener en cuenta al momento la linea de tiempo, No obstante, el timing no consiste solamente en que las partes del cuerpo se muevan a velocidades similares, sino que engloba el resto de las otras leyes ya que si las aplicas, pero con mal timing, también serás un anima-dor chapuzas. Conocer el timing para un plano en concreto es tan elemental que de-

10-EXAGERACIÓN (Exageration)Esto es para darle un toque de exageración a nuestro personaje, como de asombro pero con un toque humorista y exagerado, u otras cosas mas.

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11-MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS (WEIGHT AND DEPTH)En el ordenador la ley de la gravedad no existe (hablo en términos de animación de personajes; no simula-ción de dinámicas), por lo que nuevamente nos toca a nosotros, sufridos animadores, engañar a la audiencia haciéndoles creer que existe.La cadera del personaje baja cuando ninguna pierna está evitando que vaya al suelo. Por contra, una vez ini-ciado el contacto con el suelo y cuando esa fuerza es transmitida a la cadera (debería dejarse ver una mínima rotación), ésta empezará a subir.Cuando animes una caída, ten en cuenta que debemos aplicar la Ley de aceleración y desaceleración gradual a medias: aunque existe una aceleración por la que nuestro personaje empieza a caer, al llegar al suelo no existe frenada alguna, por lo que rebota-

12-PERSONALIDAD (Acting)Todo personaje tiene que tener su propia personalidad, no actuar siempre de la misma manera, el anima-dor que sabe aplicar un buen acting se diferencia del resto por que no se limita a mover controladores, sino que dota al personaje de personalidad; lo hace actuar. Y aquí no basta con ponerle cara de asustado cuando tiene miedo o hacerlo reír cuando algo le hace gracia (es de lógica); se trata de inventar gestos, muecas, ex-presiones o cualesquiera recursos más o menos sutiles, más o menos evidentes, que contribuyan a reforzar la personalidad que queremos que la audiencia capte.

Un flipbook es un libro que contiene una se-rie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuan-do las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio.

El primer flipbook apareció en septiembre de 1868, cuando fue patentado por John Barnes Linnet con el nombre de kineógrafo (cineógrafo etimológicamente imagen en movimiento). Fue la primera forma de ani-

mación que empleó una secuencia lineal de imágenes en lugar de circular (el viejo fena-quistiscopio). El pionero de cine alemán Max Skladanowsky, exhibió por primera vez sus imágenes fotográficas en serie en forma de flipbook en 1894, mientras que él y su hermano Emil no desarrollaron su pro-pio proyector de cine hasta el año siguiente. En 1895, Thomas Edison inventó una for-ma mecanizada llamada el mutoscopio, que

FLIPBOOK

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CAPÍTULO 2

El flipbook es una herramienta de animación practica y anticuada, pero no por ello obsoleta, si bien viene siendo la técnica mas simple y ancestral del mundo de la animación, su concepto y su utilidad sigue siendo esencial para quien desee iniciarse en este pequeño mundillo.

“Una animación sencilla, creativa. detallada hasta donde la imaginación nos lleve, tan extensa o corta como nuestro dedo nos lo permita”

montaba las páginas en un cilindro rotativo.

El flipbook debe llevar un orden de fotogra-ma que determine los puntos claves de la animación deseada, ejemplo: si deseas ani-mar un movimiento digamos una caminata, que se desate en carrera y regrese al punto de inicio, deberás seleccionar minuciosa-mente tu punto de arranque, tu clímax y tu desenlace. Recomiendo ampliamente contar el total de cuadros que utilizaras como foto-gramas, para ello te sugiero que enumeres cada cuadro en orden para que a la hora de digitalizar tu flipbook te resulte mas senci-llo.

Hay dos maneras de presentar un flipbook, analógicamente, mediante su reproducción en papel y dando la velocidad de cuadro por segundo con el dedo.

(se recomienda practicar la reproducción análoga con anterioridad para poder mane-jar mejor la velocidad de reproducción ósea el manejo de las hojas con los dedos)

La otra manera resulta mas pulida, y es que mediante el apoyo de herramientas compu-tacionales podemos capturar la animación dentro de nuestra pc, recomiendo el uso de “frame by frame” para Mac. un programa fá-cil y rápido para darle animación dentro de la computadora a nuestro flipbook, de igual

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UN PEQUEÑO EJEMPLO HEHCHO POR MI, DEJANDO DE LADO LA CALIDAD ES MAS O MENOS EL CONCEPTO QUE SE DESEA MOSTRAR.

Ejemplo de movimiento de flipbook

manera hay dos métodos para esta cap-tura digital.

Escaneo imagen por imagen, para una captura profesional, mas apreciable.

Captura fotográfica, esta puede ser una opción rápida y barata, pero puede va-riar bastante la calidad.

Una vez digitalizado se usa el programa frame by frame para producir una peque-ña película animada, usando simplemen-te las capturas de tu flipbook.

(Sencillo, creativo, expresivo y entreteni-do, resulta el procedimiento de un

flipbook, un buen primer paso en la ani-mación).

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FOTOGRAMA ANÁLOGO

CAPTURA DE PANTALLA FRAME BY FRAME

Persistencia Retiniana

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CAPÍTULO 3

Fenómeno visual descubierto por el científico belga Joseph Plateau que demuestra como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpida y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza; si no existiese, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual móvil y continua. El cine aprovecha este efecto y provoca ese "enlace" proyectando más de diez imágenes por segundo (generalmente a 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento.

Fue creado en 1830 por dos personas si-multáneamente Plateau y Stampfer, el cual consiste en dibujos parecidos en po-siciones diferentes, los cuales están en una placa circular lisa, que al hacerla gi-rar frente a un espejo se crea la ilusión de imagen en movimiento.

Consiste en varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligera-mente diferentes, distribuidos por una placa circular lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una ima-gen en movimiento. Poco después de su invención, Plateau descubrió que el número de imágenes para lograr una ilusión de movimiento ópti-ma era dieciséis, lo que con posterioridad aplicarían los primeros ci-neastas usando dieciséis fotogramas por segundo para las primeras películas.

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JOSEPH-ANTOINE FERDINAND PLATEAU (BRUSELAS, BÉLGICA, 14 DE OCTUBRE DE 1801 – GANTE, BÉLGICA, 15 DE SEPTIEMBRE DE 1883) FUE UN FÍSICO BELGA QUE DEFINIÓ EN 1829 EL PRINCIPIO DE LA PERSISTENCIA DE LA VISIÓN. EN 1832 INVENTÓ EL FENAQUISTISCOPIO, UNO DE LOS PRECURSORES DEL CINEMATÓGRAFO. LLEVÓ A CABO INVESTIGACIONES SOBRE LA CAPILARIDAD ENTRE LÁMINAS DELGADAS LÍQUIDAS Y EN 1861 DEMOSTRÓ QUE LAS SUPERFICIES RESULTANTES SON MÍNIMAS. LA GENERALIZACIÓN DE ESTOS RESULTADOS LA ENUNCIÓ MEDIANTE LAS LEYES DE PLATEAU.

FENAQUISTISCOPIO

El estroboscopio es un instrumento in-ventado por el matemático e inventor austríaco Simon von Stampfer hacia 1829, que permite visualizar un objeto que está girando como si estuviera in-móvil o girando muy lentamente. Este principio es usado para el estudio de objetos en rotación o vibración, como las partes de máquinas y las cuerdas vibratorias. Fue desarrollado en la mis-ma época en la que el físico belga Jo-seph Plateau daba a conocer su fena-quistiscopio.

Permite encender y apagar alguna luz, en un lapso dado, la cantidad de veces que uno desee. Este dispositivo es muy utilizado en la producción de películas para dar la sensación de movimientos rápidos.

En esencia un estroboscopio está dota-do de una lámpara, normalmente del ti-po de descarga gaseosa de xenón, simi-

lar a las empleadas en los flashes de fo-tografía, con la diferencia de que en lu-gar de un destello, emite una serie de ellos consecutivos y con una frecuen-cia regulable. Si tenemos un objeto que está girando a N revoluciones por minu-to y regulamos la frecuencia del estro-boscopio a N destellos por minuto e ilu-minamos con él el objeto giratorio, és-te, al ser iluminado siempre en la mis-ma posición, aparecerá a la vista como inmóvil.

Si la frecuencia de los destellos no coin-cide exactamente con la de giro, pero se aproxima mucho a ella, veremos el objeto moverse lentamente, adelante o atrás según que la frecuencia de deste-llo del estroboscopio sea, respectiva-mente, inferior o superior a la de giro.

De manera inversa, si se pega en un dis-co giratorio diversas imágenes corres-pondientes a distintas fases del movi-

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miento de un objeto y se lo ilumina con el estroboscopio de tal forma que se produzca un destello cada vez que pa-se ante la vista una imagen, quedando el plato sin iluminar durante el espacio que media entre una imagen y otra, el resultado será que el objeto será obser-vado en movimiento. En este principio, denominado efecto estroboscópico, es-tán basadas las películas de dibujos animados.

Efecto estroboscópico

El efecto estroboscópico es un efecto óptico que produce el movimiento iluso-rio necesario para la proyección cine-matográfica. Lo desarrolla Max Werthei-mer, de la corriente de la Gestalt. Su ex-perimento consiste en poner dos ba-rras de luz a un centímetro de distan-cia e ir variando la velocidad en que se encienden las luces y el intervalo hasta lograr que se perciba un movimiento continuo. Lo consigue entre los 60 y los 200 milisegundos (a mayor velocidad la iluminación parece simultánea y a menor se distingue claramente que pri-mero se ilumina una y luego la otra).

En este fenómeno están basados los es-troboscopios, empleados para exami-nar con detalle y sin contacto físico el comportamiento de partes mecánicas en movimiento. Los estroboscopios se-

rán uno de los elementos previos al pro-yector cinematográfico que se basa en este efecto para la percepción del movi-miento continuo entre fotogramas.

Los destellos de iluminación normal-

mente son producidos mediante una lámpara de descarga gaseosa como, por ejemplo, una lámpara fluorescente, aunque generalmente se emplean lám-paras de flash por su mayor intensidad luminosa.

Corrección: La corrección de este efec-to se realiza alternando luminarias so-bre las distintas fases con suministros trifásicos con un retraso de 120º res-pecto al anterior. el efecto estrobosco-pico también puede corregirse en las lámparas fluorescentes colocando un condensador en serie con la lámpara.

Sus primeros intentos habían fallado porque el obturador ma

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Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el 9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de mayo de 1904. Sus experi-mentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

Gracias a este experimento, Muybridge ideó una nueva técnica en la que la pista para el motivo en movimiento tenía una longitud de unos 40 metros. En paralelo a ella había una batería fija con 24 cámaras fotográficas, y en ambos extremos de la pista, colocadas en ángu-los de 90º y de 60º, había otras dos baterías de cáma-ras.

PELÍCULA 3.1 EL EXPERIMENTO DEL CABALLO EN MOVIMIENTO

Sus primeros intentos ha-bían fallado porque el obtura-dor manual era demasiado lento como para lograr un tiempo de exposición tan bre-ve como precisaba. Así pues, inventó un obturador mecáni-co, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y de-jaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición récord de 1/500 de segundo.

Stanford, impresionado con el resultado del experimento, que se conocería más tarde con el título El caballo en mo-vimiento, encargó la búsqueda de un estudio fotográfico para poder captar todas las fases sucesivas del movimien-to de un caballo. Los experimentos se reanudaron en el re-formado rancho de Stanford durante el verano de 1878.

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Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918) fue un inventor y pionero del cine de anima-ción francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora consi-derable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como me-dio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves es-cenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento.

PELÍCULA 3.2 PAUVRE PIERROT (1892)

El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio. El ingenio tu-vo un gran éxito comercial co-mo juguete y obtuvo una men-ción especial en la Exposición Universal de París de 1878.

PRAXINOSCOPIO

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Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por lide-rar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albo-res de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas co-loreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Mé-liès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus pe-lículas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje impo-sible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásti-cos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Fotogrma del viaje a la luna

Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elemen-tos mediante el parado de la cá-mara, y también lo fue en la ex-posición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.

n 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

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Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas téc-nicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor,

pintor, periodista e ilusionista.Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisi-nos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.

Fantasmagorie es un filme francés animado por Émile Cohl, en 1908. Es uno de los prime-ros ejemplos de la animación tradicional (a ma-no) , y considerado por los historiadores del ci-ne como la primera película de dibujos anima-dos La película consiste en gran parte de una figura de palo en movimiento sobre y encon-trando todo tipo de objetos de morphing, El personaje principal es dibujado por la mano del artista en la cámara, y los personajes princi-pales son un payaso y un caballero .

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James Start Blackton ( 5 de agosto de 1875 - 13 de agosto de 1941) fue un productor de películas mudas. Es conside-rado el padre de la animación estadounidense.Nació en Sheffield, Inglaterra, en 1875. Cuando tenía 10 años, Blackton y su familia emigraron a Nueva York. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Rea-der, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica. Blackton y Smith produjeron

Animadores

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CAPÍTULO 4

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Richard WilliamsRichard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, On-tario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de ani-mación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). Tam-bién animó al personaje La pantera rosa para los crédi-tos de dos de sus películas.

CarreraComenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Ca-rol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Os-car por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

El ladrón de BagdadEn 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una pelí-cula de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un públi-co más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la produc-ción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyec-to debido a la competencia que ejercía la película de Disney Aladdín. Comple-tion Bond completó la animación en Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert. La creación de Calvert fue distribuida en 1994 como The Prin-cess and the Cobbler. Miramax luego adquirió los derechos del proyecto para poder escribir y animar nuevamente la película, agregando diálogos y nueva música. El producto de Miramax fue estrenado en 1995 bajo el título Arabian Knight. En 2006, un seguidor del trabajo de Williams creó un DVD que in-cluía la versión original, incluyendo en las partes sin finalizar, dibujos e inclu-so partes del storyboard.

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Zenas Winsor McCayConocido como Winsor McCay (Woodstock, Ontario, Canadá, 26 de septiem-bre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de 1934) fue un historietista estadouni-dense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio.

La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publica-ción en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911. El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Little Ne-mo in Slumberland está considerada una de las obras clásicas del cómic de todos los tiempos. Cada página de la serie corresponde a un sueño del niño Nemo –"nadie", en latín–, y tiene una estructura recurrente: en todas las páginas, en una pequeña viñeta del ángulo inferior derecho, Nemo despier-

ta; la página siguiente, sin embargo, retoma el sueño donde había quedado

la noche anterior, lo que confiere a la serie una estructura folletinesca que permite introducir numerosos personajes secundarios y mostrar un mundo

de los sueños (Slumberland) de una gran riqueza narrativa. El éxito de la tira hizo que se realizasen adaptaciones teatrales en Broad-way, y un cortometraje de animación, titulado simplemente Little Nemo (1909). Debe tenerse en cuenta que, a diferencia de otros clásicos del cómic, Little Nemo no era distribuida por syndicates a otras publicaciones, por lo cual su popularidad se debió a su difusión en un solo periódico, centrado en el área de Nueva York.

A LITTLE NEMO

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Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 − Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y director de animación italiano radi-cado en Argentina responsable de los dos primeros largometra-jes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo.

Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibu-jos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la ani-mación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cade-na de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la pelícu-la. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo), además de varias maquetas que repre-sentaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argenti-na, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.

En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que ha-cía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugna-ban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pú-blicaEl 16 de septiembre de 1931, Cristiani estrenó Peludópolis, el pri-mer largometraje de animación sonoro, de 80 min. Trataba acerca de la corrupta ‘ciudad del Peludo’ (que era el apodo del expresiden-te Hipólito Yrigoyen [1852-1933]).

Después del incendio, Cristiani se retiró y fue olvidado por un lar-go período, hasta que a principio de los años ochenta se le rindie-ron homenajes tanto en la Argentina como en Italia.Murió en su casa, en la ciudad de Bernal (provincia de Buenos Ai-res), el 2 de agosto de 1984.

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Pat Sullivan y Otto Mesmer(Feline Follies)

Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular has-ta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción.

Otto Messmer nació en West Hoboken, Nueva Jersey el primer amor de Messmer fue la animación. Inspirado por las películas animadas de Winsor McCay, como How a Mosqui-to Operates, Messmer comenzó a crear sus propias tiras cómi-cas para periódicos locales en 1912, el mismo año en que cono-ció a Anne Mason, que luego se convertiría en su esposa en 1934. Uno de sus cómics, “Fun”, formó parte de la página de tiras cómicas del periódico New York World. Firmó un contra-to con Jack Cohn de Universal Studios en 1915 para producir una película de prueba, con un personaje creado por Messmer llamado Motor Mat. Nunca se llevó a cabo, pero atrajo la aten-ción del animador Pat Sullivan. Messmer trabajaría luego para Sullivan, quien se encargó de los negocios, dejando a Messmer las responsabilidades creativas. Cuando Sullivan cumplía una condena de nueve meses de prisión en 1917, Messmer trabajó un tiempo con Mayer, hasta que Messmer fue llamado para participar en la Primera Guerra Mundial.Cuando Messmer regresó a Estados Unidos en 1919, volvió al estudio de Sullivan, contratado por el director Earl Hurd de Paramount Screen Magazine para hacer un cortometraje que acompañaría a una película. Sullivan le dio el proyecto a Mess-mer, cuyo resultado fue, Feline Follies, protagonizado por Fé-lix, un gato negro que había creado, que daba buena suerte a la gente en problemas. Félix fue el primer personaje animado creado y emitido para la gran pantalla, al igual que el primero en convertirse en un producto comercial.

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Lotte Reiniger

Charlotte Reiniger (2 de junio de 1899 Berlín-Charlottenburg, Impe-rio Alemán - † 19 de junio de 1981 Dettenhausen, RFA) Le interesó el cine desde su adolescencia, especialmente las películas de Georges Méliès, por sus efectos especiales; y más tarde las del ac-tor y director Paul Wegener, hoy recordado por sus dos versiones de Der Golem. En 1915, la joven asistió a una conferencia de Wegener y quedó entusiasmada antes las posibilidades del cine de animación.Consiguió convencer a sus padres para que le permitieran entrar en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener (1916-17). En un intento de llamar la atención de su héroe, distante y muy ocupado, se dedicó a confeccionar las siluetas de los otros acto-res del grupo en sus respectivos papeles. Logró el efecto deseado, y pronto empezó a trabajar con Wegener, realizando siluetas para los rótulos intercalados de las películas: Rübezahls Hochzeit ("La boda del gigante Ruebezahls", 1916) y Der Rattenfänger von Hameln ("El flautista de Hamelín", 1918); así como los decorados y accesorios de la película Die schone prinzessin von China ("La bella princesa de Chi-na", 1916).1Gracias al éxito de su trabajo y a la recomendación de Wegener, consi-guió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de In-novaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de silue-tas, Das Ornament des verliebten Herzens ("El ornamento del cora-zón enamorado", 1919). En dicho estudio conoció también a Carl Koch, con el que se casaría en 1921, y que colaboraría con ella en casi todas sus películas.En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con pro-ducción y fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anun-cios publicitarios (la agencia de publicidad Pinschewer contrató a va-rios animadores abstractos durante la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de imagen real (en particu-lar, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época, Reiniger se convirtió en le centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores alemanes

En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largome-traje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cer-ca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva,2 con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches.

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Max Fleischer(Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Pope-ye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas.Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine cap-turados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para produ-cir dibujos animados y cortometrajes.Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincroniza-ción de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.

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Walter Benjamin Lantz (Nueva Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899 – Burbank, EE. UU., 22 de marzo de 1994) Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer cor-to animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el di-nosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspi-ró a dedicarse a la animación.Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibu-jos que tenía en el garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka además le consiguió un nuevo trabajo, como re-partidor en el New York American, su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el periódico, se dedicó a la escue-la de arte. Lantz luego comenzó a trabajar en los John R. Bray Studios en Nueva York para la serie Colonel Heeza Liar. En 1924, Lantz comienza a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primera serie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y lue-go como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett. En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal.Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz decidió que necesitaba un nuevo personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunk eran algunos de los personajes creados por Lantz y sus empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940.En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford. En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo. Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nue-vo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda.Mel Blanc hizo la voz del personaje durante los tres primeros episodios. Cuando Blanc aceptó un contrato de tiempo completo con Leon Schlesin-ger Productions/Warner Bros. y dejó el estudio de Lantz, el cómico Ben Hardaway, quien ayudó en la creación de Knock Knock, se dedicó a ha-cer la voz. Aun así, la voz de Blanc fue usada en otros dibujos animados del personaje.Durante 1948, el estudio de Lantz tuvo una nominación al premio Óscar debido a la canción “The Woody Woodpecker Song”,

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Anthony Frederick Sarg

(21 abril 1880 a 17 febrero 1942), conocida profesional-mente como Tony Sarg, era un alemán Americana titiri-tero e ilustrador. Fue descrito como "Puppet Master de Estados Unidos", y en su biografía como el padre de la marioneta moderna en América del Norte.Se había criado en torno a los títeres , heredado la colec-ción de su abuela, de ellos se desarrolló como un pasa-tiempo que mejora la impresión que causó en otros artis-tas, y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profe-sión. En 1920, se convirtió en un ciudadano naturaliza-do de los Estados Unidos.En 1921 Sarg anima la película The First Circus, un dibu-jo de la invención para el productor Herbert M. Dawley, que fue acreditado como co-animador.En 1928, diseñó, y su protegido Bil Baird construido de globos llenos de helio de hasta 125 pies (40 m) de largo, parecido a los animales, para la institución de Nueva York de Macy tienda por departamentos, que implica una serie de problemas familiares de los títeres, los cua-les participaron en el desfile del Día de Acción de Gra-cias . En 1935, emprendió la obra de títeres relaciona-dos con el diseño de la pantalla, de la ventana de anima-ción elaborada de Macy entre Acción de Gracias y Navi-dad.

El pináculo de la visibilidad de Sarg estaba en la Feria Mundial de Chicago de 1933 , donde su audiencia acu-mulada fue de 3.000.000; Baird estaba muy involucra-do en esta producción, al igual que Rufus y Margo Rose . Los tres abandonaron su estudio ese año para iniciar una nuevo ellos mismos.

Sarg no innovó tanto como otros estudios de títeres en competencia, y sus fortunas económicas se redujeron, y a la vez fue a la quiebra , montó su última producción, en 1939.

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Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de

1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt DisneyEn su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los persona-jes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.

Disney e Iwwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commer-cial Artists" en enero de 1920. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción ex-cedían a los ingresos que proporcionaban.

MICKEY MOUSETras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Dis-ney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus pri-meras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indi-can que el ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero que más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse" por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.8La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su con-tinuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers pro-porcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947.

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Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables, no eran todavía suficientes para Disney, quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje. Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción de un largometraje animado sobre Blanca-nieves, se bautizó al proyecto como "la locura de Disney", y todo el mun-do estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estu-dio. Tanto Lillian como Roy trataron de disuadir a Disney de sus planes. Éste contrató al profesor Don Graham, del Instituto de Arte Chouinard, para que formase a la plantilla del estudio, y utilizó los cortos de la serie "Silly Symphonies" como laboratorio para experimentar acerca de la ani-mación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos espe-cializados y aparatos como la cámara multiplano.odos estos esfuerzos iban dirigidos a elevar el nivel tecnológico del estu-dio para que fuese capaz de producir una película de la calidad requerida por Disney. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enani-tos ("Snow White and the Seven Dwarfs") se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero. Para conse-guir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of Ame-rica, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto. El presu-puesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Thea-ter el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ova-ción.Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el pri-mero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actua-les) en su estreno.

El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estu-dios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: Pinocho y Fanta-sía. La segunda, en concreto, constituía una apuesta bastante arriesgada: sin un argumento unitario, consistía en la puesta en imágenes animadas de ocho piezas de música clásica (entre otros, de Beethoven, Bach y Stra-vinski), al estilo de las "Silly Symphonies". Los resultados fueron bastan-te irregulares.Al mismo tiempo, seguían creándose nuevos cortos de las estrellas de la casa (Mickey, Donald, Goofy y Pluto), destacando cortometrajes como El sastrecillo valiente (1938) y The Pointer (1939), ambas protagonizadas por el ratón Mickey. La producción de cortos de la serie "Silly Sympho-nies" concluyó en 1939.

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La importancia de Walt Disney en la historia del cine de animación difícilmente puede pasar desapercibida. Fue pio-nero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cáma-ra multiplano, y en el plazo de unos doce años (entre 1928 y 1940), logró convertir los antes menospreciados dibujos animados en un sofisticado medio de expresión artística.Contó con un equipo de animadores de primera fila cuyos méritos, sin embargo, quedaron siempre difuminados, pues de la publicidad de la compañía parecía deducirse que era el propio Disney el autor material de todas las pelícu-las. El caso de Iwerks es paradigmático: a pesar de su importancia en los primeros cortometrajes de la compañía, y en la creación de Mickey Mouse, apenas es conocido en la actualidad.Walt Disney convirtió los dibujos animados en un producto de consumo de masas. En varias ocasiones, aceptó con total franqueza que su objetivo era llegar al mayor número posible de espectadores, por encima de cualquier conside-ración de tipo artístico. Aunque muchas de sus películas son obras maestras del cine de dibujos animados, con el tiempo el interés por halagar los gustos del público acentuó una cierta tendencia al kitsch y al excesivo sentimentalis-mo. Tras su muerte, los dibujos animados de The Walt Disney Company continuaron en la misma línea.El éxito de las películas de Disney tuvo como consecuencia que su cine llegara a ser considerado por gran parte del público como la única forma posible de hacer cine de dibujos animados, lo cual dificultó en gran medida la aparición de propuestas alternativas dentro del cine de animación.

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Berthold Bartosch (29 diciembre 1893 hasta 13 no-viembre 1968) fue un director de cine, nacido en Bohemia región de Austria-Hungría (ahora parte de la República Checa ).

En 1930 Bartosch creó la película de 30 minutos titulado L'idee ( La Idea ) a la que tiene más recordado por. La pelí-cula es descrita como la primera poesía, trabajo serio y trá-gico en la animación. Caracteres y telones de fondo de la película fueron compuestas de varias capas de diferentes tipos de papel de semi-transparente a grueso de cartón . Efectos especiales como halos , el humo y la niebla se hi-cieron con espuma propagación en placas de vidrio y ilu-minado desde atrás. Bartosch basa la película en una nove-la sin palabras de grabados en madera por Frans Masere-el , La Idea (1920).L'idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntua-ción por el compositor Arthur Honegger , incluyendo un ondes Martenot , que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico de la historia del cine. Al año siguiente, Franz Waxman puntuación 's para Liliom (1934) utilizó un theremin .De 1935 a 1939, Bartosch trabajó en una película contra la guerra, St. Francis o pesadilla y los sueños. Cuando los na-zis invadieron París, él depositó la película en la Ci-némathèque Française . La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen pocas imágenes fijas.En 1948, pasó un año trabajando para la UNESCO en Pa-rís tutoría George Dunning , un animador londinense co-nocida por su relación con los Beatles película de anima-ción 's, Yellow Submarine (1968).

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William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-di-ciembre 06, 1954) fue un estadounidense de ori-gen irlandés Animación escritor , animador , direc-tor y artista . Él es mejor conocido por la creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma estilo de animación y para racionalizar el Gato Fé-lix . De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación ani-mada suelta de George Herriman 's Krazy Kat de Margaret J. Winkler y de 1929 a 1934, trabajó co-mo animador, storyman y director en el Walter Lantz Studio en el Oswald el conejo afortunado se-

rie.

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Charle s Martin "Chuck" Jones 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de

2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.Jones se unió a Leon Schlesinger Productions en 1933, un estudio independiente que producía cortometrajes de Looney Tu-nes y Merrie Melodies para Warner Bros..El primer dibujo animado dirigido por Jones fue The Night Watchman (1938), don-de aparecía un gato antropomórfico llamado Sniffles. Al año siguiente dirigió Prest-O Change-O, un cortometraje donde apa-rece un conejo blanco anónimo, considerado como uno de los prototipos de Bugs Bunny. Muchos de sus primeros trabajos fueron criticados por seguir una línea similar a los de Walt Disney, anteponiendo la ternura al humor. Durante 1941 y 1942 su estilo de animación cambió, siendo influido por Friz Freleng y Tex Avery principalmente. Según palabras de Jones: «Después de The Draft Horse (1941), me di cuenta que podía hacer reír a la gente - no sólo entretenerlos».ntre los años 1940 y 50 creó numerosos personajes, incluyendo al gato Claude, Marc Antony y Pussyfoot, Charlie Dog, Mar-vin el Marciano y Michigan J. Frog. Sus creaciones más populares, Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos, ideados junto al guionista Michael Maltese, aparecieron por primera vez en los cortometrajes Odor-Able Kitty (1945) y Fast and Furry-ous (1948) respectivamente. En 1950, su cortometraje For Scent-imental Reasons, protagonizado por Pepé Le Pew, recibió el Ós-car al mejor cortometraje animado. Ese mismo año, su cinta So Much for So Little obtuvo el Óscar al mejor documental cor-to, empatando con A Chance to Live. A pesar de haber dirigido ambos cortometrajes, fue el productor Edward Selzer quien aceptó los premios.

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Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 1906 –26 de mayo de

1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Loo-ney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más impor-tantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred Quimby. Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo ni-vel de liderazgo que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuan-do su contrato terminó en 1940.Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la pelí-cula La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar.Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear corto-metrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mu-daron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Ro-sa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión.

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Oskar Fischinger (22 de junio de 1900 - 31 de ene-ro de 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, don-de combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exi-lió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936.Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La se-gunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no reci-bió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de

que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

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Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de

mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero esta-dounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany.Clampett estuvo bajo el mando de Tex Avery ese mismo año, y los dos crea-ron un estilo de animación diferente, que destacaría a Warner Bros. de sus competidores. Trabajando en un edificio de madera aparte del resto de los animadores, Avery y Clampett descubrieron que no eran los únicos en el edi-ficio. Compartían además el lugar junto a un gran número de termitas. Nom-braron al edificio Termite Terrace, nombre utilizado por fanáticos e historia-dores para referirse al estudio. Se unieron animadores como Chuck Jones, Virgil Ross y Sid Sutherland, y trabajaron prácticamente sin interferencias durante ese año en su nuevo estilo de humor. Clampett fue promovido a director en 1937, y entró en su propia era dorada. Sus dibujos animados se volvieron más violentos, irreverentes y surrealistas, sus personajes se convirtieron en los más alocados de los creados por directo-res de Warner. Clampett fue influenciado por el artista Salvador Dalí, esto es demostrado en el cortometraje Porky in Wackyland (1938), donde la historia toma lugar en un escenario basado en obras del pintor, con objetos derreti-dos y formas abstractas.Durante los próximos nueve años, Clampett creó algunos de los dibujos ani-mados más populares del estudio, como Porky in Wackyland (1938), Bugs Bunny Gets the Boid (1942), A Tale of Two Kitties (debut de Piolín), Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943), Russian Rhapsody (1944), The Great Piggy Bank Robbery (1946) y The Big Snooze (1946), su último cortometraje para el estudio. La influencia de Clampett permitió que Warner se diferencia-ra de Disney y siguiera el camino que los ha distinguido desde entonces.Clampett trabajó por un tiempo en Screen Gems como escritor, pero en 1949, se dedicó a la televisión donde creó su programa de marionetas Time for Beany. El programa ganó tres premios Emmy y tuvo entre sus fanáticos a Groucho Marx y Albert Einstein. A fines de los años 1950, Clampett fue con-tratado por Associated Artists Productions para catalogar los dibujos anima-dos de Warner que habían adquirido. En 1952 creó la serie de televisión Thunderbolt and Wondercolt, y en 1954 dirigió Willy The Wolf, además creó e hizo la voz de un personaje en el programa Buffalo Billy. En 1959, creó una versión animada del programa titulada Beany and Cecil, que fue emitido por ABC en 1962 y estuvo al aire durante los próximos cinco años.En los años posteriores, Clampett participó en campus universitarios y festi-vales de animación donde habló sobre la historia de la animación. En 1975 fue la figura central de un documental titulado Bugs Bunny: Superstar, el primer documental en examinar seriamente la historia de los dibujos anima-dos de Warner Bros. La colección de Clampett, dibujos, cortometrajes, perte-nencias de personajes famosos, entre otros, sirvieron para ilustrar el docu-mental.Bob Clampett murió de un ataque cardíaco el 4 de mayo de 1984, a cuatro días de su cumpleaños número 71.

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James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidenseTrabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blan-canieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes.Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras com-pañías que creaban comerciales animados para televisión.Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967.Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobio-grafía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadouniden-se.

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Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de

marzo de 1901 – Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadou-nidense, famoso por su trabajo con Walt Disney.Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero ("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en Estados Uni-dos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido.Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Ar-tists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923.De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atri-buye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofre-ció financiarle unos estudios propios.El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagoni-zó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patro-cinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estu-dio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Sympho-nies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar.Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Dis-ney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su me-jor trabajo.En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nue-vas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, duran-te los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.Iwerks era conocido por la velocidad con que trabajaba. Se decía que era capaz de realizar más de 700 dibujos en un solo día.Murió de un infarto de miocardio en Burbank, California.

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William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de

2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televi-sión estadounidense.Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis eco-nómica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permi-tió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria. En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersó-nicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepota-mo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Bar-bera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991. En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de War-ner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy, y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millo-nes de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.

En 1930 se incorporó al estudio animado Harman-Ising, responsable de los dibujos animados Looney Tunes y Merrie Melodies. A pesar de care-cer de formación en materia de animación, pasó a encabezar el departa-mento de coloreado del estudio. Sin embargo, su labor fue más allá de solamente colorear los dibujos, ya que también escribió algunas letras de las canciones que servían como temas de apertura y cierre de esos pro-gramas. En sus primeros años ahí, el estudio estaba asociado con Leon Schlesinger, de Pacific Title and Art, que emitía el material de Harman-I-sing por medio de Warner Bros. Sin embargo, una vez que Hugh Har-man y Rudolph Ising decidieron prescindir de su asociación con Schle-singer y comenzar, en cambio, a producir sus dibujos animados de for-ma independiente para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), en 1933, Hanna optó por seguir colaborando con Harman e Ising.En 1936, Hanna dirigió su primera serie de dibujos animados, To Spring, que formó parte de la colección Happy Harmonies de Harman-I-sing. Al año siguiente, MGM finalizó su asociación con Harman-Ising y comenzó a producir sus propios dibujos animados.

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Tom y Jerry aparecieron por primera vez en The Midnight Snack (1941).Hanna y Barbera continuarían colaborando casi de for-ma exclusiva en esta serie por los próximos 17 años, llegando a dirigir más de 114 cortometrajes del gato y el ratón. En la Segun-da Guerra Mundial, continuaron animando películas con enfoque educativo. Desde el principio, concibieron que Tom y Jerry debía tener más acción que diálogo entre los protagonistas. A pesar de su popularidad, se la ha criticado al catalogarla como «ex-tremadamente violenta». El programa obtuvo su primer premio Óscar en su 11° entrega, The Yankee Doodle Mouse (1943), cu-ya trama está basada en la época bélica. En total, Tom y Jerry tuvo 14 nominaciones en dichos galardones, de las cuales ganó en siete ocasiones. Ninguna otra serie animada ha ganado más premios, ni tampoco otra que contuviera a los mismos personajes. Los personajes aparecieron también en otras películas de imagen real de MGM, entre ellas Anchors Aweigh (1945) e Invitation to the Dance (1956) con Gene Kelly, y Dangerous When Wet (1953) con Esther Williams.

Para finales de los años 1960, Hanna-Barbera era el estudio de animación televisiva más exitoso en la industria. En total, produ-jo más de 3000 capítulos animados de media hora de duración,41 de 138 series televisivas.48 Algunas de sus programas más notables son La Hormiga Atómica, Canuto y Canito (una imitación de uno de sus otros programas, Spike and Tyke, para MGM), Johnny Quest, Josie and the Pussycats, Maguila Gorila, Pixie, Dixie y el gato Jinks, Tiro Loco McGraw, el Inspector Ardilla y Don Gato.5 6 Esta última se basó en el personaje Sargento Bilko, de Phil Silvers,49 aunque ha habido reportes erróneos de que el Sargento Bilko había sido la inspiración del oso Yogi, en vez de la de Don Gato.29 Otras producciones de Hanna-Barbera in-cluyen Scooby-Doo (1969–1986) y Los Pitufos (1981–1989),23 y especiales animados inspirados en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, Las habichuelas mágicas, Cyrano de Bergerac y Charlotte's Web

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Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery)

(26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la War-ner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extien-de a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad. Avery comenzó su carrera de animación en el estudio de Walter Lantz en los años 30, trabajando en Oswald the Lucky Rabbit. Mientras trabajaba en una oficina, un clip metálico voló hacia el ojo izquierdo de Avery quien perdió el uso de ese ojo. Algunos especulan que la carencia de percepción de profundidad fue lo que le dio su mirada única en la animación y su esti-lo tan extraño de dirigir.Avery, con la ayuda de Clampett, de Jones, y del nuevo director asociado Frank Tashlin, puso los cimientos para la funda-ción de un estilo de animación que destronó al estudio de Walt Disney co-mo el rey de películas cortas animadas, creando una legión de estrellas de caricaturas cuyos nombres todavía brillan en el mundo de hoy. Avery estu-vo profundamente implicado: de carácter perfeccionista, Avery tramó cons-tantemente chistes para las caricaturas, proporcionó su voz periódicamen-te para los personajes (incluyendo su risa de vientre, una marca registra-da), y ejerció tal control sobre la realización de los cortos que él mismo qui-taría fotogramas del negativo final si consideraba que el tiempo de algún chiste visual no era absolutamente correcto.El Pato Lucas, Bugs Bunny fueron algunos de sus personajes característi-cos,

Hacia 1942, Avery se encontraba empleado en la Metro-Goldwyn-Mayer, trabajando en la división de caricaturas bajo la supervisión de Fred Quimby. Avery sentía que Schlesinger lo había sofocado; en la MGM, la creatividad de Avery alcanzó su pico. Sus caricaturas se sabían poseedoras de una locura escarpada, paso frenético, y una inclinación para jugar con el medio de la animación y el film en general que pocos otros directores se atrevieron a buscar. La MGM también le ofreció presupuestos más grandes y un nivel más alto de calidad que el que habían tenido sus películas en la Warner. Estos cambios fueron evidentes en su primer corto para la MGM, The Blitz Wolf, una parodia de Adolf Hitler que fue nominada a los Pre-mios de la Academia como mejor corto de animación en 1942.El personaje más famoso de la MGM de Avery debutó en Dumbhounded en 1943. El perro Droopy (originalmente “Happy Hound”) era un perro cal-mado, pequeño, de movimientos lentos y lento-hablar que siempre ganaba hacia el final.

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John hubley. Fue el director artístico general de la UPA des-de su creación, después de verse obligado a dejar la Disney por participar a finales de los 40 en la huelga que los trabajadores le hicieron a esa empresa por mejoras salariales, este artista laboró allí en varios largometrajes que van desde Blanca Nieves y los 7 Enanitos hasta Fantasía, en la cual llegó a dirigir la parte titula-da The Rite of Spring .

Hubley vio en la UPA la posibilidad de hacer cortos animados que no fueran los del gato persiguiendo al ratón y que tuvieran diseños mas novedosos los personajes y los fondos de películas.La cinta The Dover Boy de Chuck Jones le sugirió que la clave estaba en la semianimación.Crea en 1949 a Mister Magoo inspirado en un tío cegato, el artis-ta consideraba que trabajar personajes fijos limitaban sus posibi-lidades creadoras y le entrego este protagonista a otros directo-res de la compañía para que continuaran narrando historias en futuros cartoons.Cuando desapareció la UPA, otros Studios hicieron Show para la televisión con Magoo y otros personajes secundarios que lo acompañaban en sus primeros cartoon.

La UPA recibió la orden de despedir a Hubley en 1952 como cas-tigo por negarse a declarar ante el Macarthismo, este entonces creó Storyboard Studios y se propuso junto a su esposa Faith pro-ducir con sus postulados estéticos un corto animado anual con los cuales ganó los premios Oscar de su categoría en los años 1959, 1962 y 1966.Con su equipo produjo también mini cortos dibujados para la se-rie Sesame Street, que se intercalaban entre actos que interpreta-ban Muppets de los creados por Jim Henson. Junto a este texto aparecen dos fotogramas que son muestra de esto último.Hubley falleció el 21 de febrero de 1977 a la edad de 62 años, su esposa Faith sin el acompañamiento de John realizo 25 películas hasta su fallecimiento en el 2001.Juntos habían realizado 23 filmes.

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Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciem-

bre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y produc-tor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de anima-ción Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y con-vertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo.

Barbera estudió en las escuelas de arte Art Students League of New York y Pratt Institute, siendo posteriormente contratado por Fleischer Studios para trabajar en el departamento de pintura. En 1932 se incorporó a Van Beuren Studios, donde fue guionista y animador. Allí trabajó en dibujos animados como Cubby Bear y Rainbow Parades, y produjo además los cor-tometrajes de los personajes Tom y Jerry-estos no presentaban similitud alguna con el gato y el ratón del mismo nombre. Cuando el estudio fue ce-rrado en 1936, Barbera se trasladó al estudio de Paul Terry, Terrytoons.En 1940 Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje Puss Gets the Boot, protagonizado por un gato gris llamado Jasper y un ratón de color café. La cinta fue nominada a un premio Óscar en la categoría mejor cortometraje animado. Sin embargo, el estudio buscaba una mayor diversidad dentro de sus trabajos, por lo que el productor Fred Quimby -a pesar del éxito del cortometraje- decidió no realizar más dibujos animados del gato y el ratón.Durante este periodo, Hanna había pensado en volver al estudio de Rudolf Ising, quien también había producido el cortometraje. Quimby fi-nalmente permitió que continuaran con la temática del gato y el ratón, por lo que Barbera y Hanna comenzaron a crear numerosos cortometrajes, bautizando a sus personajes como Tom y Jerry.

En 1957, Barbera se unió nuevamente con William Hanna con el objetivo de producir dibujos animados para televisión y cine. Ambos tenían diferen-tes habilidades que utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos, mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la ani-mación, elaboración de guiones y elección de empleados. Las decisiones eran tomadas por ambos, pero el cargo de presidente de la compañía iba alternando. La compañía fue bautizada H-B Enterprises, pero el nombre fue posteriormente cambiado a Hanna-Barbera Productions.El primer trabajo del estudio fue The Ruff & Reddy Show, una serie que mostraba la amistad entre un gato y un perro. A pesar de no obtener una buena respuesta por sus cortometrajes de Loopy De Loop, Hanna-Barbera logró crear dos exitosas series de televisión: The Huckleberry Hound Show y The Yogi Bear Show.

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RAY HARRYHAUSEN (1920-2013)

Antes de que la animación se convirtiese en un juego de niños ricos gracias a las maquinitas, existía un genio llamado Ray Ha-rryhausen que conseguía levantar admiración empleando con maestría la técnica del stop motion.Con su enorme talento, influenciado por el maestro Willis O’Brien (responsable del stop motion de, entre otras, la obra maes-tra de 1933 “King Kong”) este grande del cine logró efectos especiales que todavía hoy en día consiguen levantar fascinación, convirtiendo sus mejores trabajos en auténticos títulos de culto del género fantástico.Ray Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Amante del mundo de la ciencia-ficción y la fantasía desde niño, Ray formó parte de clubes de aficionados a estos géneros, intimando desde su adoles-cencia con el conocido escritor Ray Bradbury.

Fue el citado Willis O’Brien el que impulsó a Harryhausen a dedicarse al mundo de la animación de marionetas y maquetas me-diante el stop motion, llegando a colaborar con su maestro en “El Gran Gorila” (1949), que dirigió Ernest B. Schoedsack y pro-dujo Merian C. Cooper y nada menos que John Ford, quien también dirigió varias escenas.Unos años antes Ray se había curtido en la animación dirigiendo cortos junto a George Pal, alcanzando un dominio del stop motion que le llevaría a sus máximos logros décadas más tarde.Al margen de los efectos Harryhausen también realizó sus pini-tos como director de fotografía, ejerciendo tal labor con el seudónimo de Jerome Wray en “La historia de Caperucita Roja” (1949), película que también produjo.“El monstruo de tiempos remotos” (1953), monster movie basada en una historia de Bradbury, fue la primera ocasión en la que Harryhausen firmaba en solitario como autor de los efectos de animación.

“La Tierra contra los platillos voladores” (1956), “20 millions miles to Earth” (1957) y “Simbad y la princesa” (1958), título, al igual que el anterior, dirigido por Nathan Juran.En los años 60 Ray Harryhausen filmaría “Los viajes de Gulliver” (1960), adaptación de la sátira de Jonathan Swift, “La isla misteriosa” (1961), basada en la novela de Julio Verne, “Jason y los Argonautas” (1963), probablemente su mejor trabajo con Don Chaffey en la dirección, “La gran sorpresa” (1964), adaptando a H. G. Wells con dirección de nuevo de Juran, “Hace un millón de años” (1966), aventuras prehistóricas con Raquel Welch, y “El valle Gwangi” (1969), con dirección de Jim O’Connolly

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Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6 de sep-tiembre de 2003, Simi Valley, California) fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro.Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabras:Compositores de música han visto un trabajo similar al musi-cal en sus composiciones visuales.Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adora-ba sus pinturas.

Engel fue uno de los animadores que abandonaron las gran-des compañías y se unieron para formar la United Produc-tions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Ge-rald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas.En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor pro-lífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba

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Norman McLaren (Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de enero de 1987) fue un animador y direc-tor de cine canadiense de origen escocés reconocido por sus traba-jos en el National Film Board of Canada.Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Gue-rra Mundial. En 1941 fue invitado a Canadá a trabajar para el Na-tional Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a ani-madores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la ima-gen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora

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Peter Foldes, nacido el 1924 en Budapest , Hungría , y murió 29

de marzo 1977 en París , fue un director y animador de nacionalidad

británica. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de pelí-

culas de animación en colaboración con su esposa Joan, comen-zando por el Génesis alegórica Animated (1952), un examen más detallado (1953) y Una visión a corto (1956).

Una visión corta se convirtió en una de las películas de anima-ción británica más influyentes que se han hecho, cuando se pro-yectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan . Aunque se recomendaba a los niños a salir de la ha-bitación, todavía causó indignación y alarma con la representa-ción gráfica de los horrores de la guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen despavoridos como un extraño misil vuela por encima. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios miran hacia arriba. El misil ex-plota, destruyendo seres humanos, los animales salvajes y de la propia Tierra. Llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue a la altura tanto de la Guerra Fría como de la paranoia nuclear.

Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en uno de los pioneros de la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF . Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su pelícu-la Hunger , que recibió el Premio del Jurado en la categoría de

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Heinz Edelmann (Ústí nad Labem, Checoslovaquia, 20 de junio de 1934 - Stuttgart, Alemania, 21 de julio de 2009).

Fue un ilustrador y diseñador alemán.Reconocido principalmente por ser el director artístico y diseñador de personajes del film de 1968, Yellow Submarine , dónde aparecían los miembros del grupo musical The Beatles en una visión psicodélica y animada. También diseñó a Curro, la mascota de la Exposición Univer-sal de Sevilla 1992.

Tras formarse en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, trabajó como diseñador freelance y profesor a finales de los cincuenta. Enton-ces colaboró también con una radio en la realización de carteles, se ini-ció en el diseño editorial y en la ilustración de revistas infantiles, antes de empezar a experimentar un trazo muy peculiar, suave y estilizado al mismo tiempo. Sus obras llamaron la atención de Al Brodax, produc-tor estadounidense que a mediados de los sesenta lanzó The Beatles, una serie de dibujos animados basados en las vivencias de la banda, y que en 1968 acabó produciendo el largometraje de animación Submari-no amarillo. Fue él quien eligió a Edelmann para que creara un univer-so gráfico acorde a la música de los cuatro de Liverpool. La estética de la película resultó ser uno de sus rasgos más característicos.

Los trabajos sucesivos de Edelmann en el ámbito publicitario le valieron éxi-to y excelentes críticas y, pese a que no quería ser identificado con un estilo definido, se le acabó asociando a un trazo que mezcla sensibilidad expresio-nista e impresionista y sentido del humor. Y, desde luego, no le faltó ironía al presentar al concurso para la selección de la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992 un pájaro con patas de elefante, además de un pi-co y una cresta multicolor que hacía referencia a los cin-co continentes. Curro fue elegido entre más de veinte dibujos y compitió en la selección final con propuestas de Antonio Mingote y el alicantino Miguel Calatayud.

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Jiří Trnka(Pilsen, 24 de febrero de 1912 - Praga, 30 de diciembre de 1969) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la anima-ción con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.

Desde entonces, Trnka ilustró numerosos libros infantiles. A lo largo de su vida, intervino como ilustrador en unas 130 obras, la mayoría de literatura infantil. Fueron especialmente celebradas sus ilustraciones para los cuentos de los hermanos Grimm, así como para coleccio-nes de cuentos tradicionales checos, de autores como Jirí Horák y Jan Pálenícek. También relacionadas con el folclore de su país están sus ilustraciones para Bajaja, de Vladimír Holan, publicado en 1955, y que sería el punto de partida para un posterior largometraje animado.En algunos casos, su tarea como ilustrador le proporcionó las ideas para la realización de películas de animación, como ocurrió con Bajaja, o Sen noci svatojanske (El sueño de una noche de verano).

Fundó con Eduard Hofman y Jiří Brdečka un verdadero estudio de animación, llamado Bratři v Triku. Comenzó su actividad en el estudio realizando algunos cortometrajes de dibujos animados en celuloide: Zasadil dědek řepu (El abuelo plantó una remolacha, 1945); Zvířátka a petrovští (Los animales y los bandidos, 1946), premiado en el primer Festival de Cannes; Pérák a SS (El saltador y los hombres de las SS, 1946), una película antinazi; y Dárek (El regalo, 1946), una sátira sobre los valores de la clase media de un tono experimental cercano al surrealismo.

Su primer largometraje, la película Špaliček ("El año checo", 1947), basada en un libro ilustrado por Mikoláš Aleš. El filme está compuesto de seis cortometrajes, en los que se ponen brillantemente en escena las leyendas y costumbres de su país, tomando como hilo argumental las estaciones del año: el carnaval (Masopust), la primavera (Jaro), la leyenda de San Procopio (Legenda o svatem Prokopu), la procesión (Pout), fiesta en la aldea (Posviceni), y el belén (Betlem).

1948, La siguiente película que produjeron fue Cisaruv slavík ("El ruiseñor del emperador", 1949), basado en un cuento de Hans Christian Andersen. A diferencia del anterior, es un verdadero largometraje, con unidad argumental. En la película intervinieron también actores reales (dos niños, Jaromir Sobota y Helena Patrocková), aunque sólo en el prólogo que antecede al cuento propiamente dicho.

Se considera su testamento artístico el cortometraje Ruka ("La mano", 1965), el último rodado por el cineasta. En palabras de Bendazzi, Ruka es "una especie de himno rabioso a la libertad creativa". En el corto, un escultor recibe la visita de una enorme mano, que le exige la realización de una escultura de sí misma. Al rechazar el artista la imposición, es perseguido de forma constante por la mano, que termina induciéndole al suicidio e, incluso, oficiando su funeral. Este último cortometraje de Trnka se considera una protesta contra las condicio-nes impuestas por el estado comunista checoslovaco a la creación artística, e incluso hay quien ha visto en ella una anticipación de la lla-mada Primavera de Praga.

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Manuel García Ferré

(Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un ar-tista gráfico, historietista y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, sien-do el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Largui-rucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como ima-gen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterio-ridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televi-sión. Durante varias décadas (1970-2000) las revistas Billiken y Anteojito fue-ron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Ar-gentina.En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se trans-mitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia.

Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito, Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita.En 2009, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilus-tre mediante la ley nº 3.150. Se realizó una ceremonia con la presencia del dibu-jante y otras autoridades comunales.

¿Se pueden enganchar hoy los chicos con un personaje tan ingenuo?, le pregun-taron en 2012 durante una entrevista con Clarín. Ferré respondió:

"Mientras al chico le des imaginación, le des aventura y le des personajes bue-nos y malos... El chico en esencia es bueno, es travieso, pícaro, lo que pasa es que los mayores les informamos con otro método. Y creemos que son más inteli-gentes, porque les damos mucha más información, pero eso no quiere decir que estén maduros. El chico tiene los mismos móviles siempre: la ambición, el que-rer, el poseer, el coleccionar... Los móviles de aventuras, de imaginación, de de-seos, son los mismos"

Manuel García Ferré

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Osamu Tezuka

(Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a me-nudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga, debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el pro-fundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Se estima que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cu-yas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. Las obras de Tezuka son numerosas, pero las dos más famosas y elaboradas son sin duda Buda y Fénix.

De entre las obras menos conocidas del genio nipón caben destacar por su belleza Mañana los pájaros, oda apocalíptica del fin de la ra-za humana a mano de unos pájaros superdesarrollados y Oda a Kirihito en la que Tezuka guía por unos de sus escenarios favoritos, el mundo de la medicina, de la ciencia y del humanismo. En "El árbol que da sombra" (Hidenari no Ki, 1981), aborda la época final del sho-gunato (1850-1870), tomando como hilo conductor las aventuras de sus antepasados médicos, que tenían restringido el ejercicio de la medicina occidental "holandesa", frente a la medicina oficial "evidencialista".

Tezuka fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos man-gas. Creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("As-troboy", que contaría con dos versiones más en años posteriores). Luego vendrían Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financie-ras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.

En 1965, tras leer el manga Astro Boy, fue invitado por Stanley Kubrick a ser el director artístico de 2001, Odisea del Espacio. Oferta que rechazó al suponerle trasladarse al Inglaterra durante largo tiempo.La empresa Disney, que tanto había influido a Tezuka en sus inicios, crearía una de sus mejores obras (El Rey León), basándose en una de las grandes obras de Tezuka, Janguru Taitei ("Kimba el león blanco").

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Ralph Bakshi

(Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 diri-gió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World (1992), que mezcla ima-gen real con dibujos animados.

En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largo-metrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977.En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando téc-nicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas.En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Ji-mi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazet-ta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las ga-rras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes rea-les y en la cual trabaja con Brad Pitt y Kim Basinger.A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utili-zando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimien-tos y dibujo.

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Terry Vance Gilliam Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al carde-nal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sue-ños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

• Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada), Interpretada por el grupo de comediantes Monty Python y codirigida con Terry Jones (1975) • Jabberwocky (La bestia del reino) (1977) • Time Bandits (Los héroes del tiempo, título en España y Los ladrones del tiempo, título en Argentina) (1981) • The Crimson Permanent Assurance, cortometraje incluido en *The Meaning of Life (El sentido de la vida) ( • Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Con un destacado elenco (Robin Williams, Uma Thurman entre otros) da vida a una alocada fantasía ligeramente basada en las aventuras del barón del siglo XVIII, incluyendo algunos de sus tópicos malabarismos sobre la realidad y la ilusión. • Twelve Monkeys (Doce monos) (1995). Un viajero del tiempo (Bruce Willis) regresa a nuestra época para estudiar una terrible epidemia que barrerá a la Humanidad, sólo para descubrir con horror que nada de lo que haga podrá impedir el desastre. (inspirado del corto "La Jetée" (1962), de Chris Marker) • Fear and Loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) (1998). Johnny Depp interpreta a un periodista, Hunter S. Thompson, que junto a un amigo, Dr. Gonzo (Benicio del Toro) no deja droga por probar, en la ciudad de Las Vegas en la década de los 70. • The Brothers Grimm (Los hermanos Grimm) (2005) • Tideland (2005) • The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009)

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Donald Virgil Bluth

(nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre to-do por ser el creador de numerosas películas de dibujos anima-dos, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secre-to de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Produc-tions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había tra-bajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de ani-mación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mer-cado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio de-mostró sus habilidades en su primera producción, titulada Ban-jo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arca-de con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba ví-deo pregrabado en un disco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la mis-

ma tecnología que Dragon's Lair.

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Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de 1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel.En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la ca-rrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alema-nia, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país.Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros pla-nos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festi-val de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presenta-das fueron galardonadas.Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado por Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artísti-ca. A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes buscan afecto y son solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director.En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una histo-ria de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado.En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por Gael García Ber-nal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por la academia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera, premio que fi-nalmente recayó en la cinta alemana En algún lugar de África. Se mantuvo como la cinta mexicana más taquillera y con mayor número de espectadores hasta 2013, año en el que fue desbancada por Nosotros los Nobles.Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) y Sexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.

ANIMADORES MEXICANOS

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CAPÍTULO 5

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Bill Meléndez(José Luis Cuauhtémoc Meléndez, Hermosillo, de So-nora, 15 de noviembre de 1916 - Santa Mónica, de Cali-fornia, 2 de septiembre del 2008) fue un animador, director de cine y productor cinematográfico mexica-no-estadounidense, conocido por sus dibujos anima-dos de Warner Brothers y por la serie Charlie Brown: en esta última, hacía la voz de Snoopy y la de Woodstock.Meléndez fue educado en escuelas públicas en Dou-glas (Arizona), y más tarde en el Chouinard Arts Insti-tute (que se convertiría después en el California Insti-tute for the Arts).En 1938, Walt Disney empleó a Meléndez para traba-jar en cortometrajes animados y en películas como Bambi, Fantasía, y Dumbo.Después se unió al equipo de Leon Schlesinger en los estudios de Warner Brothers. Como miembro de los equipos de Bob Clampett y Art Davis, animó numero-sos cortometrajes de Bugs Bunny y del Pato Lucas. UPA (United Productions of America) lo incorporó a su nómina en 1948, y con esa compañía trabajaría en muchos programas publicitarios, incluidos los de Ge-rald McBoing-Boing y Madeline.Después de un decenio con las dos casas productoras, Meléndez fundó su propia compañía en 1964: Bill Me-lendez Productions, que presentó al público A Charlie Brown Christmas, programa especial de navidad radio-difundido anualmente, por el que ganó un Premio Emmy y un premio George Foster Peabody a pesar de tener que trabajar con poca anticipación y con un pre-supuesto escaso. Meléndez doblaba la voz de Snoopy, personaje que normalmente no habla en los especia-les. Meléndez conoció a Charles Schulz en 1959, cuan-

do era director de animación de una serie de anuncios para el coche Ford Falcon. En breve y autorizado por Schultz, Meléndez sería el único animador de los per-sonajes de Carlitos.En 1989, Meléndez trabajó en más de 75 capítulos es-peciales de la serie Carlitos.

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Juan Arthenack (1891-1940) estudió en la Academia de San Carlos y a los 16 años trabajó en El Imparcial. Fue creador de la tira Adelaido el conquistador, que se dio a conocer en El Universal Gráfico entre 1929 a 1940. Además de su habilidad para el dibujo, demostró facultades histriónicas al participar en El rompecabezas de Jua-nillo, filme mudo estrenado a fines de septiembre de 1919. Un semanario de Excélsior, Revista de revistas, comentaba en octubre sobre esta cinta, a la que califi-caba de “primera película cómica del cine nacional”: “por las pantallas de los cinematógrafos metropolita-nos han desfilado en divertida sucesión las escenas de la primera cinta que, con argumento cómico e in-terpretada por artistas mexicanos, ha salido de talle-res nacionales”.

Nos referimos a la película El rompecabezas de Jua-nillo, editada por la Compañía Mexicana Manufactu-rera de Películas e interpretada por el conocido dibu-jante Juan Arthenack, quien esta vez, y no sin éxito, abandonó lápices y gráfico para ir a sufrir percances y golpizas ante el imposible objetivo que fijara para largo tiempo las divertidas peripecias del ‘bruja’ que al fin y al cabo, gracias a los consejos de bella carto-manciana, resuelve el problema de la vida.El argumento de esta cinta es, como todos los del gé-nero, un pretexto para enhebrar situaciones compro-metidas para el protagonista, situaciones de las que las más veces sale (que nos los digan si no, Chaplin, Linder o Deed) aporreado y maltrecho. Por ello el va-lor de una película cómica radica de modo muy espe-cial en el mismo actor. Sin embargo, justo es decir que aún dentro de esa sustancialidad inherente a la clase, el argumento de El rompecabezas de Juanillo nos presenta algo original y bien hilado.

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Fernando Ruiz

Los tres Reyes Magos fue el primer largometraje de animación mexicana; fue dirigido por Fernando Ruiz y Adolfo Torres Portil-lo en base a una idea de Rosario Castellanos. Se estrenó en 1976 después de dos años de trabajo. Tres años más tarde, la UNICEF convocó a Ruiz a crear una de las diez partes de la serie Los diez derechos del niño. No contento con ello, el animador mexicano desarrolló el proyecto de una serie animada: La oruga Pepina. Lamentablemente tuvo problemas con la guionista y la obra se acabó en España por los animadores Santiago y José Luis Moro bajo el nombre de Katy, la oruga en 1981.

Adolfo Torres Portillo

fue el autor de más de 50 guiones llevados a la pantalla. Inició como guionista de La hija de la otra (Dir. Vicente Oroná, 1950) y como argumentista en La justicia del lobo (Dir. Vicente Oroná, 1951) y Cuando levanta la niebla (Dir. Emilio Indio Fernández, 1952). Sus películas más sobresalientes como guionista son: Chu-cho el Roto (Dir. Miguel M. Delgado, 1954), El caballo blanco (Dir. Rafael Baledón, 1961), El Arracadas (Dir. Alberto Maris-cal,1977), Lagunilla mi barrio (Dir. Raúl Araiza,1980), Lagunilla 2 (Dir. Abel Salazar, 1981), El héroe desconocido (Dir. Julián Pas-tor, 1981), El diablo, el santo y el tonto (Dir. Rafael Villaseñor Ku-ri, 1985) y Que Dios se lo pague (Dir. Raúl Araiza, 1989).Escribió los argumentos de: La mujer marcada (Dir. Miguel Mo-rayta, 1957), La llorona (Dir. René Cardona, 1959), Tres Romeos y una Julieta (Dir. Chano Urueta, 1960) y Caperucita y pulgarcito (Dir. Roberto Rodríguez, 1960), entre otros. Torres Portillo escri-bió guiones al lado de Íñigo de Martino, Luis Spota, José Revuel-tas, Julio Bracho, Rafael Baledón y Gregorio Wallerstein.Adolfo Torres Portillo fue el realizador de la película Los 3 Reyes Magos (1974), una de las contadas cintas de animación de largo-metraje que se han hecho en México. También fue productor y guionista de Intimidades de una secretaria (Dir. José María Fer-nández Unsaín,1970) y de Una pura y dos con sal (Dir. Rafael Vi-llaseñor Kuri, 1981). Incursionó como actor en la película El se-cuestro (Dir. José María Fernández Unsaín, 1972).Torres Portillo incursionó en el ámbito de la televisión mexicana cuando escribió el guión del programa Viva México (Dir. Héctor Bonilla), transmitido por el canal 2 de Televisa en septiembre de 1983.

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René Castillo Rivera

Es un animador mexicano especializa-do en la técnica del stop-motion, con la que ha realizado cortometrajes co-mo Sin Sostén y Hasta los huesos. Ha ganado más de 50 premios interna-cionales y una nominación a la Pal-ma de Oro en Cannes.

Nació en el Distrito Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estu-dios Superiores de Occidente. Fascina-do con la animación en plastilina, rea-liza con Antonio Urrutia el cortome-traje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al Ariel al Mejor Cortometraje de Anima-ción; para embarcarse después en la dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).

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Juan José Medina Dávalos.

Nace en Guadalajara, Jalisco, en 1974. Es egre-sado de la escuela de Artes Plásticas de la Uni-versidad de Guadalajara, (1989-1994) y de la es-cuela de Medios Audiovisuales de la misma Uni-versidad (1994-1996). Como pintor y escultor ha participado en más de treinta exposiciones colectivas e individuales. Gracias a la codirec-ción del cortometraje El octavo Día, la creación (2000) ha conseguido diversos reconocimien-tos en festivales dentro y fuera del país. Además ha participado en una docena de producciones como animador y director de arte.

La breve sinopsis del filme que le valió su fama dentro del genero, y que viene siendo un gran ejemplo de animacion mexicana contempora-nea.

El Octavo dia La creacion:Al término del octavo día, el Creador se ha refu-giado en un oscuro calabozo. Obsesionado por trascender manipula la vida hasta el extremo y trata de engendrar al ser perfecto que lo inmor-talice.

ANIMADORES CONTEMPORANEOS

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CAPÍTULO 6

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Akiyuki Shinbo Nacido el 27 de septiembre de 1961 en Fukushima, Japón, es un director de animación. Shinbo empezó su carrera co-mo animador en 1981 en el Studio One Pattern. Luego hizo su debut como director con Metal Fighter Miku, en 1994. Es notable por su participación en un gran número de traba-jos de Shaft desde 2004. Su estilo es único y muy reconoci-ble debido a la gran cantidad de imágenes surrealistas y fre-cuentes cortes a textos y fotografías.

Tras graduarse del "Tokyo Design Gakuin" (Instituto de Di-seño de Tokio), Shinbo empezó su carrera como animador en el Studio One Pattern, en la serie de 1981 Urusei Yatsu-ra. En 1990, participó como director de unidad en la pro-ducción de Studio Pierrot Karakuri Kengō Den Musashi Lord y empezó a trabajar con storyboards para Yu Yu Ha-kusho en 1992.Shinbo dirigió por completo su primera serie en 1994, Me-tal Fighter Miku. Uno de sus trabajos más importantes es The SoulTaker (2001), donde empezó a desarrollar su pro-pio estilo como director. En 2004, siguió mejorando su esti-lo con Le Portrait de Petit Cossette, animado por Daume.También en 2004, Shinbo fue contratado por Seven Arcs para trabajar en Triangle Heart y su popular spin-off, Mahō Shōjo Lyrical Nanoha. Junto con Shin Ōnuma y Tatsuya Oishi, Shinbo fue contratado por el nuevo director jefe de Shaft Mitsutoshi Kubota, como "supervisor", director, y "educador" de los nuevos miembros del estudio. Desde en-tonces, ha participado en la mayoría de producciones de Shaft.Shinbo dirigió series conocidas tales como Bakemonogatari y Hidamari Sketch. Durante la producción de estas, Shinbo informó al productor Atsuhiro Iwakami de su deseo de crear una serie mahō shōjo. Iwakami le pidió a Ume Aoki que hiciera el diseño de personajes y contrató a Gen Urobu-chi, de Nitroplus, para el guion. Esto llevó a la creación de Puella Magi Madoka Magica, que Shinbo dirigió en 2011. En primavera del mismo año, Shinbo dirigió Denpa Onna to Seishun Otoko, basado en una serie de novelas ligeras.

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Jonathan "John" R . Dilworth

(nacido el 14 de febrero 1963), también conocido como "Dilly", es un americano animador . Él es me-jor conocido como el productor , director , guionista y creador de la serie de televisión animada Coraje, el perro cobarde .Dilworth asistió a la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, donde se graduó en 1985 con una Li-cenciatura en Artes. Después de la graduación, Dilworth se convirtió en un director de arte de Baldi, Bloom y Whelan Advertising, pero continuó trabajando en sus propias películas en su tiempo libre, proporcionando gran parte de su propia finan-ciación. Su cortometraje de animación, El pollo del espacio exterior, fue nominado para un Premio de la Academia en 1996. Cartoon Network tarde encar-gó Dilworth para convertir el corto en una serie, que finalmente se convirtió en la popular y aclama-da por la crítica Agallas, el perro cobarde . Dilworth es el presidente de Stretch Films, una de diseño con sede en Nueva York y el estudio de animación, que él fundó en 1991. También trabajó en la apertura ori-ginal para Nicktoons y para el espectáculo Doug .

Corto Angry Cabaret de Dilworth también fue ofreci-do en MTV 's 1994 Animation Weekend. Su película La ruptura fue Dirdy Birdy. Fue consultor de la ani-mación de Gumby: The Movie .Dilworth aparece en pixelación secuencias en el 2013 corto de animación Subconsciente contraseña por Chris Landreth. Dilworth está fuertemente influenciado por Bob Clampett . Su película, La vida en transición, se in-cluyó en el Animation Show of Shows .

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BLU. Este artista basado en Buenos Aires realiza animaciones mediante la conocida técnica del Stop Motion para dar vida a sus impre-sionantes graffitis, realizados en lugares em-blemáticos a lo largo y ancho del globo, mez-clando el sentido de aventura con la rutina urbana en videos a cada cuál más sorpren-dente y más elaborado que el anterior.Se puden consultar sus obras de este impe-cable artista urbano (graffitis, dibujos, vi-deos y merchandaising) en su propia web o ver los tres vídeos realizados y publicados en la red hasta la fecha.

El Street Art ha sido considerado tradicio-nalmente como puro vandalismo y inten-ción de ensuciar y degradar espacios públi-cos es hoy día una de las disciplinas más ‘trendy’ que constituye una de las formas ar-tísticas más virales de Internet. Reivindicar el espacio público trabajando principalmen-te en el efecto sorpresa desatado en el obser-vador de las obras, con la finalidad de trans-mitir un mensaje por encima de únicamen-te elaborar una decoración de los exterio-res.

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Ishida Hiroyasu

Es un estudiante de la Universidad de Kyo-to Seika. Que produce de forma indepen-diente varios cortometrajes de animación y los publica en Internet.

En 2009, sus dos y medio minutos de corto titulado "Fumiko no Kokuhaku" (Confesión de Fumiko) le valió la atención internacio-nal a través de Internet. Ganó el Premio de Vídeo YouTube japonés para su video que produjo a los 21 años de edad.

Shida aspira a ser un animador profe-sional. Ha sido elogiado por el direc-tor Mamoru Hosoda ([La chica que saltaba a través del tiempo) y su tra-bajo ha sido publicado en la revista Newtype.

La mayor parte de su trabajo directa-mente esta en la Inter-net, en los sitios mas populares donde se pueda reproducir vi-deo el mas popular y conocido seria youtu-be.

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Genndy Tartakovsky (17 de enero de 1970) es un animador ruso. Es conocido por series anima-das como El laboratorio de Dexter, The Powerpuff Girls, Samurai Jack, Star Wars: Clone Wars, y Sym-Bionic Titan. Tartakovsky ha obtenido 12 nominaciones para los premios Emmy y ha ganado en tres ocasiones. Ha sido además nominado cuatro veces a los premios Annie.

Durante el inicio de su carrera tuvo pequeños trabajos en series como Bat-man: La serie animada y El Crítico. Craig McCracken, que trabajaba en Hanna-Barbera, logró que el estudio contratara a Tartakovsky y Renzetti para trabajar en el programa Dos perros tontos. Mientras realizaba storyboards para el programa, Tartakovsky inventó algunas de sus series más conocidas.

La serie El laboratorio de Dexter, estrenada en 1996, surgió de un corto-metraje que realizó mientras estudiaba en el California Institute of the Arts. La serie es protagonizada por Dexter, un niño genio que tiene un laboratorio secreto en su habitación, y que está en constante conflicto con su hermana Dee-Dee. Tartakovksy además escribió y dibujó el cómic nú-mero 25 de Dexter, titulado "Stubble Trouble" y publicado por DC Co-mics en agosto de 2001. Fue también productor de la serie The Powerpuff Girls, para la cual dirigió varios episodios. La serie muestra a tres niñas con superpoderes que luchan contra el mal. Fue además el director de animación de la película The Powerpuff Girls Movie. Otra de las series que creó fue Samurai Jack, que mezcla géneros como la acción y la cien-cia ficción fantástica. Estos tres proyectos fueron nominados a los pre-mios Emmy, siendo Samurai Jack el ganador como "mejor programa ani-mado de menos de una hora" en 2004.George Lucas, creador de la saga Star Wars, contrató a Tartakovsky para dirigir Star Wars: The Clone Wars. La serie fue estrenada en 2003 y na-rra las Guerras Clon, ocurridas entre las películas Attack of the Clones y Revenge of the Sith. El proyecto ganó tres premios Emmy: dos por "me-jor programa animado de menos de una hora" (2004 y 2005) y otro por "mejor logro individual en animación" (para el diseñador de fondos Jus-tin Thompson en 2005). Tartakovsky ha declarado no tener planes de vol-ver a trabajar en otro proyecto de Star Wars

Tartakovsky fue contratado por Sony Pictures Animation en 2011 para dirigir la película Hotel Transylvania. La historia gira en torno a un hotel administrado por Drácula, donde diversos monstruos van a descansar lejos de la presencia de los humanos.18 Entre los actores involucrados se encuentran Adam Sandler, Andy Samberg, Steve Buscemi, Selena Gomez y Kevin James.

Creemos Un Personaje:

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CAPITULO EXTRA

Hemos aprendido bastante a lo largo de este libro, sabemos ahora los principios básicos de la animación, conocemos a los padres de la industria, a los innovadores, a los contemporáneos y por sobre todo a los soñadores que constituyeron un mundo completamente aparte. La animación es un arte, o mejor dicho la industria visual mas grande desde el cine, ahora so-lo falta algo que hemos dejado para el final, pero no por ello es menos importante, es mas qui-zás esta es la parte mas sustancial del animador. y por su puesto me refiero a que por vez pri-mera tendrás la oportunidad de crear un personaje.

Estudio gestual del personaje: el estudio gestual, es la variedad de caras que tu personaje ba-sado en su personalidad podría llegar a utilizar, si el personaje es frío, obviamente deberá te-ner expresiones, melancólicas, agresivas quizás, y muy distantes, si tu personaje es alegre, por el contrario deberá poder, sonreír, hacer caras exageradas y graciosas.Es tu trabajo poder definir que clase de expresiones podrá tu personaje realizar, y para ello deberás presentar una serie de ejemplos, realizados debidamente con algún programa digital o en este caso en particular, en acetato bien pintado con pintura acrílica por el reverso.

Para poder diseñar un buen estudio gestual deberías presentar un perfilado del personaje, donde expliques en palabras breves, todo lo que sea de vital importancia saber del personaje sus gustos, sus miedos, sus traumas, su adicciones, sus amores, etc. ahí podrás especificar también cualidades físicas, desde estatura, color de piel, complextura, en fin. Para poder de-mostrar un poco de profesionalismo a la hora de presentar tu personaje te recomiendo de an-te mano, poner su perfilado acompañado de un dibujo debidamente colorado que aterrice to-das tus ideas.

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GRACIAS POR LEER

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IMER MORALES COYOTE