la revista 53

Octu

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2013

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$87

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53EL MUNDO DEL BUEN GUSTO

N o . 5 3 | O c T U B r E 2 0 1 3 | L a r E v i S T a . M x

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p . 6 0 Dupuis,di seño de c o le c ción

E l N u E v o ( y d E s E a b l E ) r o s t r o d E l l a d r ó

Ellas al frente, l a s mujere s se hac en c arg o de l a arquit e c tura

lóbulo frontal: la mirada, la planeación y los bocetos están aquí

¡EurEka! Celebramos nuestro quinto aniversario

lóbulo parietal: lo que se mira, se transforma aquí en ideas y asociaciones visuales y sensoriales

Imaginarespacios

Corteza cerebral: lo que hacen otros arquitectos, diseñadores y artistas se integra aquí y se vuelve algo nuevo

lóbulo occipital: la memoria visual está en este sitio: todo lo que el creador vio en su vida se encuentra aquí

p.54

p.82

t o d o s o b r E d E s i g N W E E k

2 0 1 3

J o y a s d E d a N i E l a N o r i N d E r

@marcelamaya

la Carta editorialNo. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

ocas frases son tan apropiadas y vigentes como la que Sir Alec Issigonis dijo en 1950: “Un came-

llo es un caballo diseñado por un comité.” Y es que el eterno debate sobre qué es buen diseño con-

tinua: ¿es más importante que sea funcional o hermoso? Los materiales, ¿qué papel juegan?, ¿es fundamental que resista el paso del tiempo o es meramente ornamental? Podríamos contestar sí a todo, pues no hay forma sin función; aunque lo opuesto, tristemente es mucho más común. Lo que bien es cierto es que todo objeto es dise-ño: bueno, malo, funcional o no. Ésa es otra historia. Todo lo que tocamos, vemos y sentimos tiene diseño. La naturaleza ha inspirado al hombre desde que se dio a la tarea de imitarla y, después, de mejorarla. En nuestra civilización hay tantos diseños como mentes creativas. Y entonces, ¿qué es un buen diseño? ¿Acaso se puede eva-luar? Para mí, un buen diseño es el que te hace feliz, sea por lo que evoca en ti –en un aspecto emocional–, o bien porque hace cualquier aspecto de tu vida más fácil. Hoy podemos hablar de “buen diseño” en campos como la medicina, la construcción sustentable e incluso la agri-cultura biológica. Como dijo el ilustrador y artista nor-teamericano Roi James: “El diseño es la inteligencia hecha visible.”

En este número, dedicado al diseño, tuvimos la opor-tunidad de platicar con uno de los grandes, Michael Renner, quien estuvo de paso por nuestro país para dar una conferencia sobre la profesión que a él lo ha pues-to en el Olimpo de los grandes: el diseño. Renner es director del programa de comunicación visual de la Basel School of Design, en Suiza y, en una cálida en-trevista con Andrea Villanueva, se expresó así de su oficio: “El diseño es algo que existe entre la propagan-da y el arte; la comunicación visual exitosa es aquella que sorprende a la gente, que hace que una persona se

detenga a pensar, y que sea diferente a todos los estímu-los que nos rodean.”

En la joyería hay diseños atemporales, pero cuando el diseñador es contemporáneo, el resultado es siempre afortunado, pues donde se pudiera creer que no hay mu-cho campo de innovación, el resultado es sorprendente. Daniela Norinder es un claro ejemplo de que la inspiración está en todos lados, solamente hay que saber observar. Brasileña de nacimiento, pero creativamente internacional, Daniela ha llevado el mundo de la alta joyería a otra di-mensión y sus creaciones son el secreto mejor guardado de los amantes del lujo máximo. Y hablando de reinven-tarse, creo que no hay mejor ejemplo que la casa Lladró, una firma española tradicional y legendaria, que hoy re-gresa al mundo del diseño contemporáneo de la mano de nombres como Jaime Hayon y el estudio japonés Devil-robots, quienes han tomado esta meticulosa factura de trabajar la cerámica a mano, llevándola al siglo XXI con diseños contemporáneos. Así nació Atelier Lladró, mismo que hoy llega a México a la mejor embajada del diseño nacional: el estudio de Héctor Esrawe y donde tuvimos una interesante plática con Stefano Basile, quien estuvo de paso en la Ciudad de México para presentar la línea y demostrar que hoy somos una capital muy importante dentro del circuito del diseño mundial.

Y cerramos con broche de oro, celebrando los cua-renta años de una firma nacional que ha sido un estan-darte dentro del mundo de interiorismo en nuestro país: Dupuis. Más que una tienda, esta casa ha representado, literalmente, la evolución de un carácter tan mexicano como sofisticado. Hoy, el museo Franz Mayer les rinde homenaje con un recorrido por cuarenta años de un estilo que ha encarnado nuestra historia, raíces y artesa-nía: diseño mexicano que es un orgullo compartir.

¡Que lo disfruten!

el ContenidoNo. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

p.40 C C e n t r a l e s

40 La Plática con Jana y Cecilia Prietopor Marcela Aguilar y MayaLas fundadoras de Dupuis nos cuentan su historia.

46 Michael Renner, un estudioso del diseñopor Andrea VillanuevaEl diseñador suizo visitó la Ciudad de México y nos contó sobre la importancia de los procesos.

54 Design Weekpor Daniela Cuevas GuerreroLa semana del diseño en México vuelve para celebrar su quinto aniversario.

60 Atelier Lladró, invitado de honor de Héctor Esrawe por Andrea VillanuevaLa casa española entra al siglo xxi con diseños del futuro.

66 Se hace arquitectu-ra: la cara femeninapor Ximena OrozcoLa joven arquitecta hace una re-flexión sobre lo que significa ser mujer y arquitecta en México.

74 Crate & Barrel: la narrativa del diseñopor Inés MarrónLa tienda de diseño surgida en Chicago tiene una gran historia digna de conocerse.

Fe de erratas: En la edición 52 de La Revista, por un error de la redacción, omitimos el crédito de la fotografía de la página 77 de la sección El Coleccionista. La imagen proviene de un periódico propiedad de Rodrigo Rivero Lake, quien generosamente nos otorgó los derechos.

p.82

el ContenidoNo. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

F F I n a l e s

78 El RelojOmega y la Good Planet Foundation se unen en favor de los océanos del mundo.

82 La JoyaLas joyas de Daniela Norinder son la delicia de las amantes de las piedras preciosas.

88 El ObjetoThe Rug Company recupera técnicas ances-trales para crear tapetes contemporáneos.

92 El ColeccionistaLa curiosidad nos lleva a encontrar relacio-nes que no sabíamos que estaban ahí.

94 PeriferiasVivir en el momento es una tarea difícil que debemos enfrentar a diario.

96 El LibroRoger Vivier es uno de los grandes del dise-ño de zapatos. Descubra su historia.

p.18A a B r I D O r e s

18 El BlogDesde la nueva bolsa Louis Vuitton hasta los mejores muebles para exteriores. Nuestras recomendaciones para este mes.

32 De la A a la ZEl diseño es parte de todas las facetas de nuestra vida cotidiana. Aquí, una muestra.

p.78

La revista el mundo del buen gusto es una publicación de a editores, Shakespeare 21-802, Col. Anzures C.P.11590, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de vida de A Editores. Revista mensual. número 53, octubre 2013. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30. Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.

el Directorio

Colaboradores Benjamín Alcántara |Michel Bellego | Daniela Cuevas Guerrero | Ignacio Galar Hermés Galvão | Yurex Omazkin | Ximena Orozco | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán | Cristián Zarabozo

Consejo Editorial Ausbert de Arce | Carmen Cordera | Allan Fis | Bruno Newman | Mónica PatiñoRicardo Salas | Gonzalo Tassier | Ignacio Urquiza

@ _ l a r e v I s t a l a r e v I s t a , El Mundo del Buen Gusto

l a r e v I s t a . m x

Las opiniones de los autores no necesariamente repre-sentan el punto de vista de los editores o la editorial.

Información para anunciantes: [email protected]

Suscríbase por un año al (55) 5281 0568 y reciba mensualmente, en su domicilio, La Revista.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

No. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

DirecciónEduardo SanmiguelDirector general

Marcela Aguilar y MayaDirectora asociada

Mariana Castro Directora de proyectos especiales

Leonardo Kourchenko Director ejecutivo

Editorial Julieta García Directora [email protected]

Andrea Villanueva Coordinadora editorial [email protected]

Susana Paz Corrección de estilo

Arte Cynthia MárquezDirectora de [email protected]

Yair OrozcoDiseño grá[email protected]

Elia CórdovaDirectora de producció[email protected]

Fernanda CarrascoEdición fotográ[email protected]

ComercialEva Feldman Ejecutiva de cuenta [email protected]

Juan Carlos SierraEjecutivo de cuenta [email protected]

18 | la revista

Con líneas definidas que sugieren la caligrafía de una W, un cuerpo de tres partes en varios mate-riales compone el nuevo bolso —lleno de sorpre-sas— de la casa francesa. Se trata de una bolsa geométrica y generosa, suave pero no muy blanda, con un tallado perfecto que unifica la comodidad de una cartera grande con el porte de un acceso-rio sofisticado.

Será un clásico instantáneo, sí, pero también pro-porciona a las mujeres el vigor de una apariencia juvenil. Esto se da gracias a una perfecta combina-ción de tradición e innovación, una que solamente podría haber sido creada por Louis Vuitton. Por fuera, la W combina la superficie suave y sedosa de cueros exóticos con el emblemático lienzo de mo-nograma o con el efecto aterciopelado, con borda-do en cuero inspirado en el arte de la tapicería. Por dentro no es menos ingeniosa, ya que el espacio está inteligentemente diseñado con diversos bol-sillos, que ofrecen un lugar lógico para todos los objetos que puede necesitar la mujer de hoy.

La calidad impecable de cada uno de los ele-mentos representa la enorme tradición de la casa Vuitton y es así como la última incorporación a la familia Louis Vuitton tiene todo tipo de encanto.

W de Louis VuittonTradición e innovación en un solo objetoMasaryk 460, Polanco, México, D.F. | louisvuitton.com

Louis Vuitton

el BlogA pág. 018El otoño llega con un nuevo bolso Vuitton, el agua tónica más elegante y todo sobre el diseño en nuestras vidas.

A B R I D O R E S

por: La Redacción fotos: Cortesía

Prefall 2013La silueta de la colección Prefall 2013 evoca la dé-cada de los 60 de forma notable y pura. Una de las inspiraciones de Marc Jacobs fue la sencilla ele-gancia de Jeanne Moreau en la película de Truffaut The Bride Wore Black. Las prendas tienen lujosos pero austeros detalles masculinos contrastados con encaje. Repetido en los estampados trompe l’oeil, jacquard o tejido de lana, el encaje imita

el efecto de un pequeño velo creando un toque de misterio. Algunas de las chaquetas reflejan detalles de sastrería que se asemejan a aquellos empleados por Louis Vuitton mismo. Pero el toque de Marc Jacobs está claramente presente con un lujo festivo que juega con las tensiones contradictorias pero complementarias entre la New Wave y la edad de la inocencia.

20 | la revista

A B R I D O R E SA

Los bartenders más imaginativos compitenTales of the Cocktail es una semana cada año en la que los mejores bar-mans del mundo se juntan en Nueva Orleans para competir y deleitar a los asistentes. Bombay Sapphire pre-sentó su concurso Most Imaginative Bartender ALL-STAR Competition, el cual se llevó a cabo en la Casa del Blues. Seis barmans concursa-ron por el título en cocteles cuyo ingrediente principal fue el nuevo Bombay Sapphire East. Por primera vez la ganadora fue una mujer: Cricket Nelson. ¿Su coctel del triunfo? El Sapphire East Love Game con té Earl Grey con infusión de rosas, jarabe de capullo de rosa, jugo de lima, albaha-ca tailandesa fresca y, por supuesto, Bombay Sapphire East Gin.

Las Ventanas al Paraíso, A Rosewood Resort, abrió dentro de sus instalaciones una tienda del Museo de Arte Popular (tienda MAP). Así, la boutique de La Galería de Las Ven-tanas ofrece a los huéspedes del resort un via-je cultural a través de sus textiles, joyas, ce-rámicas, artesanías en hierro, madera, cestería, piezas de vidrio soplado, juguetes y máscaras. Con cada compra, los huéspedes

se llevan a casa una parte de la cultura de nuestro país y apoyan la magnífica labor de la tienda del MAP.

“Estamos felices de contar con la gran oportunidad de ofrecer a nuestros huéspedes lo mejor y más auténtico del arte popular mexicano, proveniente de diferentes regiones del país”, comentó Martein van Wagenberg, Director General de Las Ventanas al Paraí-

so. “El compromiso de la tienda del MAP en promover el tradicional trabajo artesanal mexicano es extremadamente admirable y tener sus productos aquí enriquece la expe-riencia de nuestros huéspedes”. La tienda del MAP ofrece una exquisita selección de artesanías y productos que encantarán has-ta al cliente más exigente.

Bombay SapphireUn líquido encantador

→bombaysapphire.com |

@BombayMx

La cultura de la ginebra en México sigue creciendo y para los que gustan de tomar solamente lo mejor, Bombay Sapphire es la opción. La creación de Bombay Sa-pphire es realmente única, se fabrica en Cheshire, Inglaterra, desde 1987, con una receta de 1761. Mientras que la mayoría de las ginebras hierven sus ingredientes botánicos directamente en el alcohol para darle sabor, Bombay Sapphire lo ob-tiene a través del proceso de infusión de vapor. Los diez botánicos utilizados para crear esta ginebra se separan del alcohol en una cesta de cobre perforada y cuan-do el vapor la atraviesa, el distintivo sabor se libera extrayendo los aromas y aceites de los botánicos. El resultado: un líquido complejo y aromático, nítido, de aroma a enebro y especias, con predominio de cítricos. Es suave, ligera, fresca y, sobre todo, muy equilibrada, ligeramente dulce y con final picante. —DCG

Arte popular en el paraísoLa tienda del MAP llega a Baja California

→tiendamap.com | Tienda Map |

@TiendaMAP

2 2 | la revista

A B R I D O R E SABebidas b’ui lanza b’ui tonicEl mezclador ideal

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La botellaPara verse aún mejor, los productos b’ui vienen en una botella de vidrio transparente. El material es comple-tamente inerte, por lo que no altera el sabor del agua y resiste los cambios bruscos de temperatura. El envase es reciclable y las tintas usadas para la serigrafía no contienen metales ni dañan el ambiente.

buiwater.com | buiwater |

@buiwater

b’ui tonic desafía la receta tradicional del agua tónica y crea una bebida para los paladares más exigentes. La línea de bebidas b’ui lanza su agua tónica b’ui tonic, la cual seguramente se converti-rá en la favorita de muchos para acompañar des-tilados como la ginebra o el vodka. b’ui tonic in-corpora lima a su receta para equilibrar la amargura de la quinina. Además, se han incluido distintas especias pensadas para acentuar los bo-tánicos de la ginebra y/o potenciar los sabores del vodka. El balance de la lima y las especias con la quinina, hacen de b’ui tonic una bebida que tam-bién puede disfrutarse sola.

Bebidas b’ui continúa su proyecto de ofrecer produc-tos naturales, de mucha calidad, para así fomentar un modo de vida sano: b’ui tonic está endulzado con stevia, una planta que sirve de edulcorante natural y la vuelve una bebida ligera y de muy bajas calorías. b’ui tonic es el resultado de una profunda investi-gación en torno a la creciente demanda de mezcla-dores que estén a la altura de bebidas espirituosas sofisticadas.

Artesanos y artistasAlgunas piezas de la línea son tejidas por una maravillosa comunidad de artesanos situada en el Valle del Mezquital. Moda in Casa lleva a cabo un proyecto de desarrollo sustentable al activar una región inhóspita en un centro no sólo de trabajo,

sino también de aprendizaje. Y como es innegable la importancia del intercambio cultural, el maestro tejedor viajó con el equipo de diseño de Moda in Casa a Oriente para aprender nuevas técnicas y trasmitirlas a tejedores mexicanos.

La decoración y el diseño de interiores no tienen por qué quedarse únicamente dentro de la casa. Es por esto que en Moda in Casa se creó la línea Tropicana, para que los exteriores de su hogar sean tan elegantes como los interiores. Todo surgió a partir de hacer de los exteriores una composición ideal para casas de campo, terrazas, bares y hoteles que hacen de la naturaleza su principal escenario. Esta línea es el resultado de travesías e intercambios culturales y el equipo de diseño de Moda in Casa se apoyó en la experiencia italiana de Mario Terra-neo, un hombre dedicado a la traducción entre el diseño y el objeto. La creación de Tropicana fue un proceso de investigación y selección de materiales que cumplieran con el reto de convivir a “cielo abierto” y resistir la intemperie. Por eso se utilizan materiales como madera tropical Bojomah y telas especiales como Sunbrella, con pigmentos resistentes a rayos UV. Con esta línea, deseará pasar el mayor tiempo posible en los exteriores de su hogar.

Exteriores a la moda

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01 (800) 008 6632 | modaincasa.com | Moda in Casa |

@modaincasa

Tropicana de Moda in Casa

La botellaPara verse aún mejor, los productos b’ui vienen en una botella de vidrio transparente. El material es comple

24 | la revista

A B R I D O R E SA

Registre su productoAl registrar el número de producto en montblanc.com/signatureforgood, usted podrá monitorear el progreso de la iniciativa y descubrir las diferentes formas en que UNICEF está mejorando las oportuni-dades educativas para los niños, no sólo con la construcción de escuelas, sino también transformán-dolas en espacios seguros donde los niños pueden aprender y jugar.

Montblanc y UNICEFEn apoyo a la educación

→signatureforgood.montblanc.com | Montblanc |

@montblanc_world

La cultura de la palabra escrita es uno de los logros más antiguos de la humanidad y es una parte intrínseca de Montblanc. El emblemá-tico artículo de escritura Meisterstück de la marca encarna la palabra escrita, representando un estilo de vida de éxito, cultura y educación. El compromiso con la cultura es también parte de la marca y por esta razón, Montblanc lanzó el programa Signature for Good en apoyo a los proyectos educativos de UNICEF. Con este objetivo, UNICEF y Montblanc lanzan la nueva colección “Signature for Good”. Hasta la fecha, gracias a importantes iniciativas mundiales, han logrado recau-dar más de cinco millones de dólares.

Cada instrumento de escritura, artículo de piel y pieza de joyería cuenta con una serie individual, este número está asociado a un “la-drillo”, una referencia a la construcción y funcionamiento de las es-cuelas: lo que indica que el propietario del producto tiene una cuota simbólica en el programa y está contribuyendo a la construcción de un futuro mejor y más próspero, un ladrillo a la vez.

¿Qué es el bindi?Las piezas con destellos circulares y siluetas punteadas han sido ins-piradas en el bindi, que en sánscrito significa “pequeña partícula” y es un elemento decorativo –un punto de color rojo o una joya en la parte central de la frente– utilizado en Asia meridional y el sudeste asiático. La tradición esotérica del tantra considera al área que está entre las cejas, donde se coloca el bindi, el sexto chacra conocido también como “el tercer ojo”. Es ahí donde se aloja la sabiduría oculta y el bindi retiene esta energía y fortalece la intuición y la concentración.

BINDI De Berger Joyeros

→Masaryk 428, Polanco, México, D.F. | (55) 5281 4122 | berger.com.mx

La India tiene una historia en joyería de cinco mil años. Ahí, los diamantes eran utilizados como íconos religiosos. Los hin-dúes pensaban que el color de diamante reflejaba la casta del portador, y por eso los más valiosos eran los diamantes puros incoloros. Muchos de los diamantes hindúes más famosos y antiguos son rose cut, un corte antiguo de facetas irregulares. Debido al estatus divino de la gema, el interés principal de los antiguos lapidarios era conservar el peso del diamante, por lo que su pulido era muy limitado e impreciso. Este corte ha renacido y Berger Joyeros trae a nuestro país esta importante tendencia mundial con piezas dignas de cualquier maharani. Pendientes, anillo, brazalete y pendantiff de diamantes rose cut, briolette y brillantes montados sobre oro blanco componen la mística colección Bindi de Berger Joyeros.

http://signatureforgood.montblanc.com/

26 | la revista

A B R I D O R E SA

50 piezas de conversaciónElegidas por el Palacio de Hierro→

casapalacio.com.mx, vivetotalmentepalacio.com.mx | Casa Palacio |

@Casa_Palacio

Desde su fundación, Casa Palacio ha sido más que una tienda y ahora da una paso adelante con el primer libro editado por Casa Palacio, 50 piezas de conversación, con imágenes del fotó-grafo mexicano Pablo Morales. Este libro es una pequeña muestra de la enorme colección de objetos extraordinarios que viven en Casa Palacio, objetos alrededor de los cuales se de-sarrollan proyectos que acaban por convertirse en ese ideal que buscamos todos y al que lla-mamos hogar.

Casa Palacio edita por primera vez un libro que resume artísticamente el impacto que los objetos decorativos tienen en la vida diaria. El director de Casa Palacio, Ignacio Reynoso, men-ciona que más allá de simples productos, lo im-portante es lo que significan en nuestras vidas: “No existe un mejor medio que la fotografía para transmitir lo que hacemos y cómo lograr que un espacio sea armónico y adecuado, un espacio que hable de las personas que lo habitan.

En Casa Palacio nos parece un tema fundamen-tal y deseábamos expresarlo más allá de lo co-mercial, buscamos hacerlo artísticamente”.

Lo cual lograron gracias a las imágenes del fotógrafo mexicano Pablo Morales y Lorenza Caraza, que ilustran el libro de manera atrevida, provocadora y sensual. Por medio de texturas y colores da vida a piezas de diseño que saca de su hábitat natural para transformarlos en per-sonajes que cuentan una historia y emiten emo-ciones. “Sé que los objetos algunas veces pasan a segundo término. Es difícil vestir un producto que se vende como una obra de arte. A pesar de eso, ha sido el proyecto más emocionante que he hecho en mi vida”, comenta Pablo Morales sobre su proyecto con Casa Palacio.

“Nuestro quehacer, es convertir la vida de las personas en una experiencia más funcional, más sana, más bella”, puntualizó el director de Casa Palacio, quien dejó entrever que habrá mucho más por venir. —DCG

Pablo MoralesPor más de 15 años el fotógrafo Pablo Morales y Lorenza Caraza han trabajado en equipo y son la mancuerna perfecta que se refleja en cada una de las fotografías del libro. Pablo aporta su sensibilidad, profundo conocimiento de la fotogra-fía y la técnica para un manejo muy personal de luz y sombras. Mientras que Lorenza tiene una creatividad única que brota del alma con una seguridad y refinamiento asombro-sos. El resultado: imágenes ricas y elocuentes que nos invitan a soñar, desear y a conversar.

28 | la revista

A B R I D O R E SA

Peyrelongue Chronos nos tiene acostumbrados a joyas exquisitas decoradas con piedras sin igual. Por supuesto, su nueva colección, Océan Saphir, no podía ser la excepción. Esta nueva entrega está com-puesta por joyas de zafiros y diamantes. Se cree que estas piedras son símbolo de sinceridad, fidelidad y verdad, por esta razón son ideales para celebrar un aniversario o acontecimiento importante. Además, algunos otros creen que el zafiro —piedra predilec-ta de la corona inglesa— es fuente de paz, sabiduría

y alegría. La colección está compuesta por una gar-gantilla con 38.03 quilates de zafiros en corte cora-zón y gota, además de 29.97 quilates de diamantes con cortes brillante, gota y marquís; un anillo con un zafiro de 12.69 quilates en corte cushion y 1.31 quilates de diamantes, y un par de aretes de 21.5 quilates de zafiros y 22.48 quilates de diamantes. Todo montado en oro de 18 quilates. Sin duda, un regalo que además de lujo le traerá la buena suerte que suelen venir con el zafiro.

Colección Océan Saphir de Peyrelongue Olas de lujo y seducción

→Masaryk 431, Polanco, México, D.F. | (55) 5264 3843

¿Un rubí azul?El zafiro es la piedra hermana del rubí, simple-mente en otro color. Estas dos piedras provienen del mismo material: el corindón mineral, que es la segunda piedra preciosa más dura después del diamante. Aunque azul es el color clásico del zafiro, éste se puede encontrar en una amplia gama de co-lores, incluyendo amarillo, rosado y verde.

Viajar entre México y Europa no tiene por qué ser una experiencia ago-tadora y con La Première de Air France, no solamente no será cansado sino que se convertirá en una experiencia única, exclusiva y personalizada.

Al viajar con un boleto de La Première usted puede disfrutar en el Ae-ropuerto París- Charles de Gaulle 2 de beneficios que van desde acceso exclusivo al salón VIP hasta servicio especializado para estacionamiento de estancia temporal. Además, tendrá asignado un acompañante para realizar los trámites de migración y aduanas. En el salón VIP podrá dis-frutar de un desayuno, almuerzo o cena de una selección de platillos elaborada por Alain Ducasse para Air France.

Ya en el vuelo tendrá disponible un menú nuevo cada mes, con una entrada y dos platos fuertes exclusivos diseñados por el estudio culinario Servair, de Joël Robuchon, Guy Martin y Jacques Le Divellec.

Air France El lujo de La Première entre México y Europa

→airfrance.com.mx |

@AirFranceMX

Lujo en todo el mundoLa Première de Air France está disponible en 25 destinos, entre los que se encuentran Boston, Nueva York, Sao Paulo, Hong Kong, Shanghai y Johannesburgo.

3 0 | la revista

A B R I D O R E SA

Tips de aplicación Para una mejor aplicación es mejor comenzar con un poco de delineador de labios, sobre su forma natural, para conseguir una mejor definición. Para aumentar la duración del lipstick, hay que aplicarlo en toda la superficie de los labios, limpiar el exceso con un pañuelo y repetir. Con este método quedará prácticamente perfecto.

Revlon presentó cinco tonos nuevos de su inigualable Super Lustrous. Formulado para proporcionar un bri-llo máximo y un color superior al de cualquier otro. Todos los nuevos to-nos —Pink Cognito, Rich Girl Red, Plum Velour, Kissable Pink, Fuchsia Shock— son perfectos para la tem-porada de otoño, pero nuestro favo-rito es sin duda el Rich Girl Red. Viene adicionado, además, con vita-mina E y aceite de aguacate para acondicionar los labios. Un toque moderno para uno de los lipsticks más clásicos.

Super Lustrous De Revlon

→revlon.mx | RevlonMx |

@REVLONMexico

Los perfumistas Daphné Bugey y Olivier Cresp se unieron para crear Kenzo Amour. La fragancia es un perfume sensual, suave y feliz, que evoca viajes a Asia y trae consigo recuerdos de países como la India, Indonesia, Japón, Birmania, Tailan-dia. Todos lugares de vibrantes colores y reconocibles perfu-mes. Entre los aromas que conforman la fragancia se encuen-tran flor de frangipani de Bali, flor de cerezo del Japón, madera de Tanaka e incienso. Así como sabores de arroz, vainilla y té blanco de China. El frasco —diseñado por el egipcio Karim Rashid— representa a un pájaro abstracto, imaginario y colorido: blanco, naranja, fucsia. Es un frasco de curvas sensuales y puras, inspirado —tal como la fragancia— en viajes a tierras exóticas. Como todas las fragancias Kenzo, Amour es un respiro.

Kenzo Amour, La versión más romántica de Kenzo

→kenzoparfums.com | KENZO Parfums |

@kenzoMX

Kenzo Amour, La versión más romántica de Kenzo

→→kenzoparfums.com | KENZO Parfums | @kenzoMX

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El diseño y la vida

(cotidiana)

El buen diseño va mucho más allá de un simple objeto boni-to: necesita transformar e impactar al mismo tiempo que cumple su propósito. El lado estético es solamente una pe-queña parte, se trata de cómo funcionan las cosas, de des-cubrir nuevas formas para hacer nuestras vidas un poco más sencillas y divertidas. Son conceptos sobre la vida ideal traducidos en una forma tangible. Algunas veces llaman nuestra atención por ser innovadoras y diferentes y otras son simplemente funcionales. Sea como sea, estamos rodeados de diseño: desde los cubiertos con los que comemos hasta los espacios en donde vivimos y la forma en la que nos trans-portamos de un lugar a otro. Y como todo en esta vida, el diseño ha evolucionado y cambiado con el tiempo, transfor-

mando al mismo tiempo todo lo que nos rodea.

por: Daniela Cuevas Guerrero

De la A a la Z

dezeen.comMuestra los mejores proyectos de arqui-tectura y diseño de interiores de todo el mundo, es uno de los blogs de diseño más reconocidos e influyentes.

designsponge.comLa creadora de este blog, Grace Bonney, tiene un visión única de la industria y en su blog da a conocer tendencias, espa-cios, productos y hasta proyectos de diseño que puede hacer cualquier per-sona en su casa.

selectism.comUno de los blogs de Title Media que cubre las últimas noticias, nuevas tendencias y productos del mundo de la moda, el arte y el diseño.

coolhuntermx.comPresentan y promueven el trabajo de mexicanos que están un paso adelante en temas de diseño, arte, moda, arqui-tectura, así como los últimos proyectos que se han comenzado a desarrollar en el país.

Blogs que lo dejarán picadoSi le gusta enterarse de lo último en diseño y conocer las tendencias actuales, estos blogs lo mantendrán al tanto y se convertirá en casi un experto.

e• •en lín e a

en línea

a B R I D O R E S

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A

El cuchillo, la cuchara y la triste historia del tenedorPorque no siempre fueron parte de una mesa bien puesta, los cubiertos han cambiado con el paso del tiempo. La cuchara (del latín cochleare) fue el primer utensilio para comer, pero en lugar de ser tal como la conocemos hoy, la gente de antaño usaba conchas o trozos de madera. Fueron los romanos en el siglo I quienes le pusieron el man-go a la cuchara. Durante la Edad Media, los anfitriones proveían a sus invitados de cucharas hechas de madera o cornamentas, mientras que la realeza comía con cucharas de oro y la gente de clase alta de plata. El cuchillo ha sido usado como arma y herramienta desde la prehistoria, pero no fue diseñado para su uso en la mesa hasta tiempos relativamente recientes. Durante la Edad Media en Europa, los anfitriones no proveían cuchi-llería para sus invitados, así que todos cargaban sus propios cuchillos (generalmente colgados del cinturón). Como también eran armas, su uso en la mesa era peligroso. Una vez que se empezaron a usar tenedores, su punta afila-da ya no era necesaria en la mesa, por lo que el rey Luis XVI de Francia decretó que se redondearan las puntas de todos los cuchillos, resolviendo tanto los problemas de violencia como los de malos modales.El tenedor ha tenido muy mala fama y hasta se le tachó de instrumento diabólico que ofendía a Dios. Pero el recha-zo que tuvo durante siglos fue más por la falta de habilidad de los comensales que por cualquier otra cosa. Se lastimaban pinchándose los labios, las encías y la lengua, ya que en ese entonces eran planos, con dos puntas y mucho más difíciles de manejar. Así, el tenedor desapareció de Europa por más de 300 años hasta que Catalina de Medici lo puso de moda en su boda en 1533. En el siglo XVII se generalizó la tercera punta, en Italia se añadió la cuarta para comer spaguetti y finalmente, a comienzos del siglo XVIII, el tenedor que conocemos actualmente fue desarrollado en Alemania.

Cubiertos inventadosPor si esos no fueran suficien-te, ahora tenemos cubiertos extraños como los famosos sporks (cuchara y tenedor en uno), spife (cuchara y cuchillo en uno) y los knorks (cuchillo y tenedor en uno). ¿Un dato curioso del retraso de occiden-te? Los palillos de madera para comer fueron desarrollados en China hace 5 mil años.

Guía de cubiertos (para no quedar en ridículo)Ha pasado mucho tiempo desde aquellas cenas de la edad Media en que los tenedores lastimaban a quienes intentaban utilizarlos. Hoy, la gran tragedia se da cuando al sentarse a la mesa, las opciones de cubiertos son tantas que confunden. no haga el ridículo con esta pequeña guía de cubiertos que tenemos

para usted.

1. Tenedor para ensalada

2. Tenedor principal

3. Cuchillo principal

4. Cuchara para sopa

5. Cuchara para té

6. Cuchillo para mantequilla

7. Tenedor para pescado

8. Cuchillo para pescado

9. Tenedor para postre

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Herr a Mie nTaHerraMienTa

4. Cuchara para sopa

2. Tenedor principal

a B R I D O R E S

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Del celífero a la bicicleta:La evolución del transporte que nació de un juguete Las primeras referencias halladas están en jeroglíficos egipcios donde se descri-be a un hombre montado sobre un apa-rato formado por dos ruedas unidas a un potro. En China se describe uno similar pero con ruedas de bambú.

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Tra ns p orTeTransporTe

1690 El Conde Mede de Sivrac inventó el celífero, un juguete que se propulsaba y dirigía im-pulsando los pies contra el suelo.

1816 Karl Von Drais diseñó el primer vehículo de dos ruedas con dirección: la draisiana. Este vehículo sin pedales se dirigía con una vara de madera unida a la rueda delantera.

Guzzini: Infinite Italian DesignMoreno Gentili Rizzoli, 2013Este libro describe el desarrollo de la compa-ñía Guzzini, 100 años de historia en fascinan-tes detalles. Un amplio catálogo con todo tipo de artículos para cocina y hogar con un di-seño espectacular pero a la vez prácticos y reciclables.

Domestic Art: Curated InteriorsMolly Moore, Robert Brinkley y Laurann ClaridgeAssouline Publishing, 2008Los editores de este libro buscaron tanto lo extraño como lo común. Llámelo como quie-ra: lujo, locura, conjuntos excéntricos, mo-dernismo temperamental, un libro que muestra un increíble vistazo a un género de diseño que resulta inspirador.

Raymond Loewy: Never Leave Well Enough Alone! Philippe TretiackAssouline Publishing, 2005Raymond Loewy fue un ingeniero y visiona-rio que decidió integrar el movimiento a sus diseños. Sus dibujos del camión Coca Cola y el paquete de Lucky Strike moldearon la visión del siglo XX. Con fotografías de diseños de Loewy, el libro es un tributo al diseñador.

The Big Book of Chic Miles ReddAssouline Publishing, 2012El aclamado diseñador de interiores, Miles Redd es conocido por su visión única, la cual ha resultado en espacios audaces y sofisti-cados, llenos de fantasía. Este libro —lujo-samente ilustrado— presenta una diversa selección de sus interiores únicos para los amantes del diseño ecléctico.

Para aprender de diseñoLos libros, además de ser objetos de diseño, pueden contener aún mucho más diseño en su interior. Para aquellos que respiran diseño —ya sea de moda, interiores, gráfico— estos cinco libros son esenciales. Y, bueno, tam-bién para aquellos que lo que quieren es adornar su sala.

l• •libros

libros

Happy HomeCharlotte Hedeman GueniauRizzoli, 2013Una colección de ideas prácticas y proyectos de hágalo-usted-mismo para transformar cualquier espacio con buen diseño, comodi-dad y diversión. Se trata de un libro para quien quiere dar un poco de color a su vida con ac-cesorios y texturas.

1816

Las mejores plumas fuenteHay quienes prefieren escri-bir en su iphone y también los fanáticos de los sharpies, pero no hay nada como sentir la tinta caer sobre el papel cuando se utiliza una pluma fuente. Éstas son nuestras favoritas.

1. pilot Vanishing point. la más sencilla de nuestra lista pero también una de las más confiables.

2. Montblanc Meis-terstück solitaire Doué Geometric Dimension. no es necesario describir la calidad y elegancia de una Montblanc, ¿o sí?

3. TWsbi 540. la más mo-derna y actual de todas. Uno puede elegir el color de la tinta no solamente por cómo se verá sobre el papel, sino también a través de su envase. transparente.

4. louis Vuitton Cabinet d’ecriture. la casa fran-cesa creó recientemente una línea de escritura que incluye algunas de las plumas más hermosas del mundo.

5. Waterman Charleston. Con sus líneas estilo art déco, no habrá quien se resista a este elegante producto.

d e l a a a l a z

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A

1839 Se introducen los pedales con el velocípedo de Kirkpatrick McMillan.

1861 Ernest Michaux pone pedales en la rueda delantera de una vieja draisiana, la “Michau-lina” se empezó a producir en serie.

1873 James Starley produjo la primera bici con casi todas las características de la famosa bici-cleta de rueda alta. La rueda delantera era tres veces más grande que la de atrás.

Gracias a los celulares, tabletas y com-putadoras, escribir a mano es cada vez menos común, no obstante, nadie pue-de negar que la escritura a mano tiene sus ventajas, además de una cierta ma-gia. La palabra pluma se deriva del latín penna (pluma o penacho) y eso es lo que los primeros bolígrafos eran: plumas o cañas talladas. La pluma de ave surgió hace 2 mil 700 años y fue el instrumen-to de escritura que dominó por más de mil años. Las más comunes eran de gan-so y las caras y bonitas, de cisne. Para hacer líneas finas, las de cuervo eran ideales, pero se usaban también las de águila, búho, halcón y pavo. Su uso se desvaneció con la llegada de puntas de acero producidas en masa en el siglo XIX. Nicolás Bion diseñó la primer pluma fuen-te en 1702. Mientras que el origen de la pluma moderna se dio a fines del siglo XIX cuando, Lewis Waterman perdió una gran suma de dinero al derramar la tinta de su pluma sobre el contrato de seguros que estaba a punto de firmar con un cliente millonario. Así nació la primer plu-ma estilográfica moderna, la pluma fuen-te ideal de Waterman. La punta con una bolita fue inventada en 1888 por John

Loud. Siguiendo con las mejoras en el flujo de tinta, George Parker patentó en 1894 un nuevo alimentador que evitó las molestas manchas en los dedos. En 1950 fue introducido el cartucho de tinta desechable, de plástico o vidrio, y fácil de reemplazar, con un éxito inmediato. La introducción del bolígrafo o pluma ató-mica opacó la invención del cartucho y acabó con el negocio de las plumas fuen-te, que hasta la fecha son instrumentos de escritura clásicos y de colección.

p• •plU M a

plUMa

Del tintero al papel

a B R I D O R E S

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1884 Aparece la primera bicicleta con transmisión a cadena y las dos ruedas iguales, de John Kemp Starley tenía el nombre de Rover Safe-ty Bicycle y se le conocía como la bicicleta segura porque incluía frenos.

1941 El italiano Ghiggini añade el cambio de mar-chas a la bicicleta, fue un gran cambio para quienes buscaban mayor control.

1970Se crea la bicicleta de montaña.

Patricia UrquiolaDestaca por sus originales diseños de objetos y mobiliario. Autora de algunas de las piezas más emblemáticas del panorama actual, creó la colec-ción Maia para Kettal, una de sus obras más re-presentativas. Ha colaborado con grandes maes-tros del diseño y trabaja con las firmas punteras del panorama internacional del mueble. Es la autora del sofá Lowland y el contenedor One, pie-zas que la han convertido en una de las estrellas del diseño italiano.

Philippe StarkDiseñador industrial francés reconocido mun-dialmente por la funcionalidad y estética de sus diseños. Su humor, conciencia por las implica-ciones ecológicas, así como su determinación para defender la inteligencia de lo útil y la utilidad de la inteligencia, ha resultado en creaciones icónicas. Desde productos para la vida diaria como un exprimidor hasta yates y hoteles que siempre van más allá de los límites del diseño contemporáneo.

Verner PantonEste diseñador industrial danés es considerado uno de los más influyentes del diseño de mobi-liario del siglo XX. Conocido por sus diseños inno-vadores y futuristas –construidos en plástico con colores brillantes– se hizo famoso con sus mue-bles basados en formas geométricas, en especial la famosa silla Panton. Sus creaciones son reco-nocidas por fusionar suelos, paredes y techos con muebles, lámparas, etc., para formar una unidad tan perfecta como indivisible.

Ettore SottsassArquitecto y diseñador austriaco que se mudo a Italia para estudiar y trabajar a partir de la segun-da mitad del siglo XX. Fue fundador del Grupo de Diseño Memphis y consultor de diseño para Oli-vetti, donde trabajó durante más de 20 años. Hizo muchas cosas nuevas y diferentes, diseñó la má-quina de escribir Valentine, que sigue expuesta desde el año de su creación en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Los maestros del diseño

Porque con materiales comunes transforman espacios y objetos en formas inesperadas, estos cuatro personajes –locos por las for-mas y los colores– han hecho historia en el mundo del diseño. Conozca un poco más sobre los creadores de aquellos objetos que seguramente ya conoce a la perfección.

e• •e s T ilo

esTilo19701884

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2013 Los diseñadores Skyrill y Marin Myftiu lan-zan la bicicleta eléctrica del año. Aunque la primera salió al mercado en el siglo XIX, no se habían visto cambios significativos hasta ahora.

2006 Sir Clive Sincalir inventó la bicicleta plegable de nombre A-bike. Obtiene dimensiones mi-núsculas una vez plegada.

2011 FLIZ es una bicicleta poco convencional, es como correr y andar en bici al mismo tiempo.

2011

OVNI, Objeto Vernacular No Identificado por Paula Silva-Ruval-caba para Le porc shopPiezas multifunciona-les que usan proce-sos de manufactura simples, que ofrecen a quien lo compra la capacidad de ser creador. cargocollective.com

Escritorio Stilleven por Valentín Garal para PecaLleva lo privado a lo público con su exhibidor de lana, un pequeño escritorio en madera de nogal y un espejo.peca.com.mx

Lino de Notwaste DesignLino puede detener tus fotografías o lo puede desarmar para usarlo como portavasos.notwastedesign.com

Los indispensablesPorque el diseño, además de hacer nuestras vidas más fáciles, les da un poco de estilo y color, estos artículos darán un toque

especial a cualquier lugar de la casa.

I• •in

Dis p e ns a blein

Dispensable

AAKKOSET de KAYIWAEsta repisa puede usarse por atrás y por delante para sostener libros, CD, revistas, etc., o de-jarlo vacío y usarlo como separador de ambientes.kayiwa.fi/english

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Ñom Ñom Ñom de Emiliano GodoyImagine que su bowl favorito se ha adapta-do a sus manos con el paso del tiempo para que acomode sus dedos a la perfección y disfrute mejor de una sopa calientita.emilianogodoy.com

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Una cosa es decorar un espacio y otra muy diferente es crear un estilo, trascender modas y tendencias hasta llegar a consolidar un espíritu que, a pesar de ser vigente, sea atemporal. Jana y Cecilia Prieto han llevado la batuta dentro del más refinado estilo mexicano durante cuatro décadas. Y no piensan detenerse ahí…

por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar

La pLpLp ática

con:Jana y Cecilia Prieto

Dupuis,la creación de un estilo

pág. 041C E N T R A L E S

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C C E N T R A L E S

◆ ◉ ◆ MAM: Dupuis comienza como una tienda de objetos de decora-ción, pero después deviene todo un estilo, un pilar dentro del estilo mexicano…

CP: Así es. El “estilo Dupuis” es un modo de vida muy integral, pues empezamos a hacer cosas aisladas que después tuvieron sentido cuando se volvieron una unidad: nacieron los espacios homogéneos, donde cada objeto interactuaba con el otro.JP: El primer espacio Dupuis nace en una casa, la de mi her-mana Coca, en el Pedregal. Así que nunca te sentías en una tienda y la gente disfrutaba del ambiente, del espacio en su totalidad, y les daban ganas ¡de mudarse ahí! Al mismo tiem-po, era un estilo bastante ecléctico, con antigüedades, cosas modernas, artesanías y el gran hilo conductor, que era la tra-dición mexicana y nuestra enorme herencia cultural. Un es-tilo bastante sencillo pero a la vez muy sofisticado, que es el arte decorativo mexicano, puesto hoy, en tu casa. Fue darle un nuevo sentido a lo que entonces se usaba.

Más que una marca de muebles, Dupuis es un estilo de vida que nace en el año de 1973 con Roberto y Georgina Dupuis y Alejandra y Cecilia Prieto. Sus diseños han marcado un antes y un después dentro del diseño en México, con inspiraciones tan fuertes como el arquitecto Luis Barragán y los pintores Chucho Reyes y Mathias Goeritz. Cuarenta años después, Dupuis sigue tan fresco e innovador como el primer día. Aquí, una plática con “el alma” detrás de cada espacio, Ceci y Jana Prieto.

Dentro del Museo Franz Mayer de la Ciudad de México se lleva a cabo la muestra “Du-puis: la creación de un estilo”. En ésta se reúnen piezas de diseño representativas de una de las más importantes marcas mexicanas dedicadas al interiorismo, la alta decoración y el diseño integral.

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CD U P U I S , L A C R E A C I Ó N D E U N E S T I L O

MAM: ¿Cómo ha evolucionado?

CP: La cosa es que a nosotras nos empezó a llamar el diseño. Y al diseñar, vas con los artesanos mexicanos y los diriges en sus diseños para hacerlo más contem-poráneo, más sencillo y más moderno, más sobrio, con dirección. Y fue entonces cuando se detonó un estilo diferente, pues eran ya diseños propios, que evo-lucionaban con las épocas, pero siempre estaban li-gados a nuestras raíces.

MAM: Una de las grandes aportaciones de Dupuis es que se le dio un gran valor decorativo a lo mexicano, que en esa época no era común. Llega entonces esta marca hecha en México que le da diseño a lo mexicano, lo revalora y nos sorprende.

CP: Esto fue lo básico. En los años 50, cuando mis pa-dres se hicieron la casa con Luis Barragán, resultó que todos sus amigos les decían: “Está mono su ranchito…” (risas), porque el estilo de la época era lo francés, con tapetes persas, cómodas de Boulle, candiles… Y llega Luis Barragán y les pone un petate y muebles muy sencillos, de madera. Fue un shock que regalaran sus cosas tan “finas” para poner cosas simples. Incluso, Barragán llegó al extremo de ¡rasparle la pintura al piano de mi mamá! Ahora lo ves y está espectacular, pues era de una madera buenísima, pero en ese mo-mento fue un shock. Después fundieron toda su plata de estilo europeo para hacer cazuelas estilo mexicano en plata. Mis padres se fueron al extremo para romper con el malinchismo.

MAM: Me imagino el cambio de pensamiento que debió haber sido “mutar” al minimalismo al construir su casa con Barragán….

JP: Barragán le dijo a mi mamá que podía llevar so-lamente una cosa a la casa nueva y mi mamá se llevó su tapete persa, que claro, en ese contexto simple, sobrio, lucía increíble, pero tuvo que dejar todos sus muebles. Y es que el primer gran minimalista fue Luis Barragán. Al grado de que en casa de mis papás ha-bía dos ventanas, una que veía al Popocatépetl y al Iztaccíhuatl, y la otra que veía al Ajusco; mi papá había heredado de su padre un José María Velasco, pero Barragán no se lo dejó colgar, pues decía que para qué querían poner esa “estampita” ¡teniendo esas vistas!

Aprendimos a apreciar todo lo mexicano pues con-vivíamos con Chucho Reyes quien, además de ser el gran consejero de Barragán, era un gran esteta. Ade-más, adoraba todas las “chácharas”, y nos lo transmi-tía: las esferas, los tibores, las ollas, los santitos… Lo estético en mi casa importaba mucho: era importante la comida, sus colores, dónde te sentabas para ver la luz que entraba de las ventanas.

a p r e n d i m o s a a p r e c i a r t o d o l o m e x i c a n o , p u e s c o n v i v í a m o s c o n c h u c h o r e y e s , q u i e n e r a u n g r a n e s t e t a .

–Jana Prieto

D u p u i S S A N Á N gE L

Altavista 115, San Ángel Inn,T. (55)5550 6169 / 5550 6398

dupuis.com.mx

Contacto general:T. (55) 5595 [email protected]

Además Dupuis tiene presencia en Santa Fe, Interlomas, Lomas y San Ángel, donde está la tienda más añeja de la marca.

mailto:[email protected]

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C C E N T R A L E S

CP: Era una manera de vivir, todo tenía que ser estético. Y así crecimos. El ambiente siempre fue vital. Pero la mayor importancia fue la que le dieron los clientes, pues se enamoraban del ambiente, de los espacios completos, del aire que se respiraba. Más que decorar, era el crear eso, un ambiente.

MAM: ¿Fue difícil que los clientes adoptaran este“nuevo” estilo?

CP: El gran reto fue educar a la gente, pues pensaban que una talavera era “chafa”, y no sabían las horas de trabajo que había atrás, lo difícil y laborioso que resultaba. Había que revalorizar lo mexicano. Al principio, la mayoría de nuestros clientes compraban [nuestros objetos] para sus casas de campo. Pero poco a poco la gente comenzó a adoptar nuestro estilo para sus casas en la Ciudad de México, de-jando atrás la idea de que decorábamos “ranchitos”; sobre todo los jóvenes. Costó trabajo introducir muchas cosas; por ejemplo, el vidrio soplado. La gente pensaba erróneamente que estaba defectuoso, pero luego llegaban los extranjeros y era justamen-te lo que buscaban, lo hecho a mano.

MAM: El espíritu Dupuis realza lo cotidiano, pues valo-rar lo cotidiano es valorar tu vida.

CP: Eso llega cuando empiezas a diseñar tus cosas, puesto que al principio escoges de entre lo que hay. Nosotras luego comenzamos a crear y a darle dise-ño contemporáneo a los objetos hechos a mano y resulta una mezcla muy afortunada, sobre todo con la extraordinaria mano de obra que hay en México. Logramos consolidar una gran red de artesanos, de proveedores, y también a elegir los mejores mate-riales posibles para que los buenos diseños fueran muy duraderos.

MAM: ¿Creen que a la hora de rediseñar o reinterpretar los estilos típicos artesanales se pierda la esencia de los estilos típicos mexicanos?

CP: Más bien se rescata. Todo, si no evoluciona, se muere. JP: Es importante que sobrevivan los métodos de hacer las cosas, pero hay que ayudar a nuestros artesanos a que vendan. Todo lo fino debe de con-servarse, como el rebozo tradicional, por ejemplo. Y al mismo tiempo, hay que usar ese trabajo para objetos modernos. Yo creo que una cosa no se pelea con la otra.

MAM: Dupuis cambia la mirada, la manera de relacio-narnos con lo mexicano, refinándolo, y dándole grande-za al objeto cotidiano mexicano, desde la cazuela hasta el molcajete. Hay un antes y un después de Dupuis.

CP: También el usar los objetos y que sea práctico. Antes todo era en plata, pero luego las nuevas ge-neraciones ya no querían estar limpiando, enton-ces surgió el pewter como una opción en platones

l a p r i n i c p a l m e t a d e d u p u i s e s o f r e c e r p r o d u c t o s d e c a l i d a d y d a r t r a b a j o a a r t e s a n o s y c r e a d o r e s , p o r e s t a r a z ó n e n d u p u i s i m p o r t a n s o l a m e n t e u n a m í n i m a p a r t e d e l o s p r o d u c t o s q u e v e n d e n .

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CD U P U I S , L A C R E A C I Ó N D E U N E S T I L O

Piezas de museo

las piezas de decoración y diseño de dupuis son, auténtica-mente, piezas de museo. tan es así que ahora están exhibidas en el museo franz mayer. “dupuis. la creación de un estilo. 1973-2013” es una exposición que se inauguró el 23 de agos-to y durará hasta el 20 de octubre de este año. en ella, es po-sible visitar ese estilo confortable que ha sido la bandera de la marca desde sus orígenes. eduardo prieto lópez le pidió a luis barragán que le constru-yera su casa. el arquitecto accedió, pero a cambio solicitó que todo llevara su estilo. chucho reyes, quien era un colaborador cercano de barragán y un pintor único, con una sensibilidad muy particular, se unió a barragán para diseñar los interiores de la casa prieto. recurrieron a muebles de madera sólida, telas artesanales y eliminaron todo lo que parecía adorno superficial. la posterior búsqueda y desarrollo de dupuis tuvo eso como punto de partida, de tal forma que avanzó con paso firme hacia lo sencillo y elegante, siempre usando materiales y trabajo de artesanos mexicanos.

M u S E o F R A N z M Ay E R

Museo Franz MayerHidalgo 45, Centro Histórico, México, D.F.T. (55) 5518 2266franzmayer.org.mx

Sala LogiaMartes a viernes de 10:00 a 17:00 hrs.Sábado y domingo de 10 a 19:00 horas.

y juegos de servicio que podrías utilizar sin tanta ce-remonia.

MAM: ¿Cómo nace el despacho de diseño Dupuis?

JP: Dentro del despacho de proyectos hacemos las casas como un traje a la medida. Entendemos cómo quiere vivir la persona, y cómo va a ser utilizado el espacio. Cada proyecto es un reto en sí mismo, a la vez muy divertido. Y siempre hay un estilo, un hilo conductor que es esta herencia de lo mexicano, de lo artesanal, pero contemporáneo. Y es el estilo personal del cliente, pero con nuestro contexto o estética, y quedan cosas muy padres, siempre únicas.

MAM: ¿Cuál es hoy el gran reto que enfrenta Dupuis?

CP: Hay mucha competencia con todo lo hecho en China y con la producción en masa, [porque ya te copian todo], por lo que el resto está en seguir ofre-ciendo cosas buenas que, aunque son más costosas, tienen el factor de lo hecho a mano. Además, es im-portante gustar a los jóvenes que buscan gran diseño y materiales. Así que el gran reto está en hacer que lo mexicano sea competitivo en este sentido.

MAM: ¿Todo lo que ofrece Dupuis está hecho en México?

JP: Realmente importamos muy poco, y cuando lo hacemos es porque va con nuestro estilo y comple-menta nuestros espacios. Pero nuestra principal con-signa es dar trabajo en México y que los artesanos produzcan, con el fin de seguir rescatando tradiciones artesanales. Y esto nos ayuda a hacer cosas más in-teresantes.

MAM: ¿Dónde está hoy en día la inspiración?

JP: Sobre todo en la naturaleza. Todo lo que sea re-ciclar, conservar, volver a usar y reinterpretar al ob-jeto ya “usado”. La mezcla de materiales: un fierro con un espejo viejo, maderas naturales poco trabaja-das, llantas de coche, piedras… También estamos innovando con nuevos materiales como la piedra mezclada con resina, o telas con resinas. Hay que buscar ser diferentes, y hoy la clave está en explorar nuevos materiales. Hay que salirse de lo que todo mundo tiene, y en la naturaleza está la inspiración.

MAM: ¿Cómo definirían el estilo mexicano contemporáneo?

JP: Es una mezcla de todas nuestras tradiciones, de forma simplificada, y sofisticada. CP: Un estilo sobrio, acogedor y cálido. Con historia, tradición. JP: Y es un estilo muy atemporal, vigente, que no en-vejece, no pasa de moda.

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Un estudioso del diseño

Michael Renner es un estudioso del diseño. Sí, es diseñador, pero va mucho más allá de dedicarse únicamente a crear. El director del programa de Comunicación Visual de Basel School of Design en Suiza, busca analizar la imagen tal como se ha analizado el lengua-je y, a su manera, lo está logrando. Nos contó cómo lo hace en su más reciente visita a la Ciudad de México.


Michaelpor: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de CENTRO y Michael Renner

Renner

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Michael Renner dirige el programa de Comunicación Visual de Basel School of Design y fue invitado por CENTRO para dar una conferencia y un taller a sus alumnos. Agradecemos la invita-ción de la universidad, así como todas sus atenciones.

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C C E N T R A L E S

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CM i c h a e l R e n n e R : u n e s t u d i o s o d e l d i s e ñ o

La primera vez que Renner “diseñó” algo fue en su primer día de clases de kinder. La maes-tra pidió al pequeño Michael y sus compa-ñeros crear un árbol de cerezas. El diseñador creó, con un poco de papel y unas tijeras, un árbol color café con varias cerezas rojas. Y una negra. Esto causó un gran revuelo entre sus padres y su maestra. Todos querían saber qué había detrás de la misteriosa cereza ne-gra. ¿Y qué había? En realidad, nada. Pero fue en ese momento que se dio cuenta del impacto que puede tener en las personas una imagen. Desde entonces no ha parado.

Tras estudiar diseño gráfico con las per-sonas que prácticamente definieron lo que sería esa carrera en el siglo xx, su enorme curiosidad lo llevó a buscar suerte en Esta-dos Unidos. Con solamente esa curiosidad y su portafolio bajo el brazo, llegó en 1987

a Silicon Valley e inmediatamente obtuvo un empleo en Apple. En Apple, Michael Renner tuvo su primer encuentro con la tecnología, lo cual fue para él una “opor-tunidad fantástica, el poder usar la compu-tadora como una herramienta en una eta-pa tan temprana”. Ahí también pudo conocer lo que se convertiría algún día en Illustrator, como cuenta, fue la primera vez que uno podía dibujar algo en una pantalla y verlo impreso como se había creado, sin alteraciones. Que todo esto fuera antes del internet, significó una experiencia comple-tamente nueva al trabajar en una compañía como Apple.

Renner estudió diseño gráfico en la pres-tigiada Basel School of Design, aunque en los años 80, cuando iba a la escuela, ésta tenía otro nombre. Tras regresar en 1999 a

Suiza —y a su alma mater ahora como pro-fesor— comenzó a enseñar dibujo, diseño de la información, diseño interactivo y mé-todos del diseño. Hoy es director del progra-ma de Comunicación Visual, en el que se conjuntan distintas áreas del diseño: nuevos medios, tipografía y creación de imágenes. La pregunta en este caso podría ser, ¿qué es realmente la comunicación visual? Michael Renner lo define como algo que existe entre la propaganda y el arte, y la comunicación visual exitosa es aquella que sorprende a la gente, que hace que una persona se detenga a pensar y que es diferente a todos los estí-mulos que nos rodean.

Es en la escuela Basel donde —a pesar de tener su propio despacho— Michael Renner trabaja, crea e investiga. Entre los proyectos que ha creado con su despacho,

The Basel School of Design

La prestigiosa escuela Basel School of Design ha influenciado de gran manera el diseño gráfico del mundo desde los años 60. Bajo la dirección de Armin Hofmann y Emil Ruder se crearon cur-sos —como diseño gráfico y tipografía— que se convirtieron en modelo para la educación visual. Hoy es conocida oficialmente como el Instituto de Comunicación Visual/Escuela de Diseño de Basel y es parte de la Universidad de Ciencias Aplicadas del Noroeste de Suiza (FHNW por sus siglas en inglés). Se trata de un programa con toda la tradición del diseño suizo pero con la in-novación necesaria para el mundo actual.

Sí, el diseño ofrece “una experiencia estética, lujo e innovación”, pero también es una disciplina que muchos otros —como ingenieros y científicos— utilizan como inspiración para crear objetos y herramientas que hacen la vida más fácil y no solamente más hermosa.

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C C E N T R A L E S

se encuentra uno muy relacionado al dise-ño clásico mexicano pero visto desde una perspectiva completamente moderna. En el año 2000 Renner trabajó en una expo-sición sobre el trabajo de Luis Barragán, Luis Barragán, the quiet revolution que comen-zó en el Vitra Design Museum, en Weil am Rhein, Alemania. Para esta muestra, que fue una especie de tributo al arquitecto mexicano, Renner creó terminales interac-tivas en las que en una pantalla los visitan-tes podían hacer clic en diferentes partes de la construcción así como ver de forma animada planos, bocetos y modelos.

En cuanto a sus proyectos de investiga-ción —realizados con la universidad— se encuentran estudios que comparan la rela-ción entre nuestra mente y las letras con la relación que llevamos con las imágenes. Uno

de éstos fue un estudio con manchas y dibu-jos abstractos en el que los participantes ha-cían conexiones. El diseñador quisiera que la imagen en algún momento llegue a ser estudiada de la forma en que las palabras y el lenguaje lo han sido a través de los años. Una especie de semiótica de la imagen.

Diseño para toDosPara Michael Renner, como para tantos pro-fesionales del diseño, la disciplina en la que se desenvuelve es vital para el desarrollo de la humanidad. Sí, el diseño ofrece “una ex-periencia estética, lujo e innovación”, pero también es una disciplina que muchas otras —como ingenieros y científicos— utilizan como inspiración para crear objetos y he-rramientas que hacen la vida más fácil y no solamente más hermosa.

Para lograr esto, asegura que lo más im-portante en el diseño es el proceso, mucho más que el resultado: “Tener muchos boce-tos es más importante que tener un resulta-do brillante al final”. Al referirse a ello, se nota claramente que se está hablando con alguien que proviene del diseño europeo. A diferencia del diseño americano, en Basel todo —absolutamente todo— está enfoca-do al proceso.

Michael Renner ha diseñado alrededor de 30 libros y ha escrito artículos sobre el proceso del diseño, es además experto en comunicación visual y en el arte de diseñar la información. Sobre todo, se trata de un visionario, un estudioso y un soñador. Al-guien que puede hacer con el diseño —y su proceso— un mundo un poco mejor.

Para lograr esto, asegura que lo más importante en el diseño es el proceso, mucho más que el resultado: “Tener muchos bocetos es más importante que tener un resultado brillante al final”.

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CM i c h a e l R e n n e R : u n e s t u d i o s o d e l d i s e ñ o

La moneda, tarjeta de presentación de un país

En el año 2005 Michael Renner participó en un concurso creado por el Banco Nacional de Suiza en el que desde hace más de 100 años se diseñan nuevos billetes. Diez diseñadores fueron invitados para crear la moneda que re-presentara mejor al país. Suiza es un país pro-lífero en áreas como la ciencia y la música, además de ser conocido por su banca. Para Renner, la moneda es la tarjeta de presenta-ción de un país y diseñó unos billetes que presentan a Suiza como un lugar abierto al mundo. Por supuesto, los bocetos fueron para él la parte más importante del proceso y esto está presente en el resultado: son billetes que representan las facetas de Suiza de una forma no tan literal. Renner no fue el ganador, pero de cualquier forma logró representar lo que es para él la relación entre la imagen y la econo-mía, las imágenes y el mercado. Establecien-do así la importancia de las representaciones gráficas en nuestra vida.

Título central

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Génesis creativaarquitectura y diseño

p.p. 54-58 Design Week se ha forjado un nombre en México gracias a una labor cuidadosa que hoy cumple cinco años. Si quiere conocer lo que los ojos entrenados han elegido como lo mejor del diseño, debe darse una vuelta a todo los eventos que DW propone.

p.p. 60-64Las nuevas generaciones tienen en común algo con sus abuelos: el deseo de tener un Lladró. Gracias a una renovación de imagen, diseño y discurso, la marca española está a la vanguardia de nuevo. Y en México es posible adquirir alguna de sus piezas.

p.p. 66-73La arquitectura en México goza de gran tradición, pero hay un escaso registro de mujeres destacadas en la materia. Afortunadamente, esto ha cambiado en los últimos años. Aquí, exploramos sus aportaciones, propuestas y visión.

Los espacios imaginadosLa filosofía popular atribuye al lado izquierdo del cerebro la geometría, el orden, el concierto y al derecho la creatividad, las emociones y la fantasía. Para que la arquitectura y el diseño se den, es necesaria la integración de ambos hemisferios. La creatividad de los diseñadores y arquitectos se da en una frontera que suele rehuir a la mayoría. Este cerebro y el que aparece en la portada señalan las distintas partes que se “iluminan” en este grupo selecto de creadores con orden.

Octubre se ha convertido en el mes de diseño por excelencia con todo tipo de eventos que giran en torno a hacer nuestra vida más sencilla y estética. En éste, su quinto año, Design Week México tiene a Brasil como país invitado.


por: Daniela Cuevas Guerrero fotos: Cortesía de Design Week México

d E S i gN w E E k

m é x i C o 2013

16 a 24 de octubreTwitter: @MxDesignWeekdesignweekmexico.com

Design WeekMéxico

http://www.designweekmexico.com

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C C E N T R A L E S

La iniciativa celebra este año su quinto aniversario y este mes estará lleno de eventos, conferencias, documentales, ex-hibiciones y recorridos que contribuyen al fortalecimiento cultural de nuestro país. Con nuevas alianzas internaciona-les, Design Week México es una plata-forma que une a arquitectos, diseñadores, estudiantes y amantes del diseño para proyectar e impulsar la creatividad y el desarrollo de la industria en México.

CinCo añosSe dice fácil, pero a lo largo de estos años Design Week México ha sido testigo de la evolución del diseño nacional. Éste conserva la calidad y funcionalidad pero se transforma de manera constante. La creatividad del diseño mexicano cada vez crece más, incluso en comparación con el año 2009, cuando nace Design Week México gracias a un grupo de profesio-nales y, sobre todo, apasionados por el diseño. ¿El único objetivo de la iniciativa? Posicionar a México a escala mundial como un protagonista del diseño, bus-cando siempre apoyar el diseño genuino. En este quinto año, Design Week celebra a la mujer y hace un reconocimiento a la riqueza de su práctica profesional así como a su impacto y creciente visibilidad en el mundo del diseño. Su búsqueda y contribución han dado paso a nuevas visiones y formas de expresión de gran relevancia.

Lugares y fechas

design House17-28 octubreRubén Dario 157, Polanco

Estructuras efímeras 4+419 octubre Parque Polanco

diseño contenido 19 octubre Parque Lincoln

gastronomía + diseño19 y 20 de octubreCalle Virgilio en Polanco

Ruta del diseño22 octubreDiferentes galerías y showrooms

Arquitectura, interiorismo y todo lo relacionado con el mundo del diseño se reúnen durante el mes de octubre para ser parte de Design Week México.

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C C E N T R A L E S

Design Week MéxiCo y el TaMayoEl Museo Tamayo es parte fundamental de las ac-tividades que se llevan a cabo durante Design Week. A partir del 16 octubre y hasta enero del 2014 ha-brá dos muestras relacionadas con esta iniciativa. La primera es parte de Pabellón Design Week y presenta el trabajo de Tatiana Bilbao en un ejerci-cio que combina el arte, el diseño y la arquitectura para crear un espacio temporal en el exterior del Museo Tamayo. La joven arquitecta realizará una composición tridimensional de comunicación es-pacial y visual que se relacione con su privilegiado entorno: el Bosque de Chapultepec y sus usuarios. La segunda es la muestra escultórica de Julio Le Parc, G.R.A.V. Ésta contiene obra interactiva de Julio Le Parc con interesantes propiedades geomé-tricas que experimentan en relación con el público y el espacio para que el espectador se involucre de manera total con la obra.

MéxiCo, Brasil y el fuTuroEl país invitado para el 2013 es Brasil y junto con el Brazilian Furniture Organization, Design Week México presentará lo mejor del diseño brasileño. A través de la exposición Meet in Brazil y la Ruta del Diseño 2013 podrá conocer el trabajo de la escue-la de diseño brasileño, sus exponentes, industria y propuestas. Así, con la participación de un país tan lleno de creatividad como el nuestro, Design Week México celebra cinco años y espera cumplir muchos, muchos más.

Los eventos

Design Week México lleva a cabo distintos eventos como Design House: la decora-ción de una casa por distintos diseñado-res y arquitectos. Este evento se ha con-vertido en uno de los íconos de DWM. Por otro lado se encuentra la nueva iniciativa Estructuras efímeras 4+4, en la que es-tudiantes y profesionales buscan un acer-camiento entre el espacio, el público y la arquitectura. Otra nueva iniciativa, en el corazón del parque Lincoln, creará un espacio temporal en donde contenedores de carga se convierten en galerías y áreas de exhibición con el fin de acercar a la comunidad con el trabajo de artistas y diseñadores emergentes. La relación en-tre el diseño y la gastronomía nacional tomará de manera temporal la calle Vir-gilio, en pleno Polanco, para convertirse en un espacio peatonal con mesas, mú-sica y comida. Por último, usted puede ser parte de la Ruta del Diseño. Conozca lo último en colecciones y lanzamientos en una serie de aperturas y cocteles en cada uno de los showrooms participantes de esta inusual ruta.

En esta quinta edición, Design Week México celebra a la mujer y hace un reconocimiento a la riqueza de su práctica profesional así como a su impacto y creciente visibilidad en el mundo del diseño.

El trabajo del brasileño Gandia

Blasco se presentará como parte de la muestra del país

invitado.

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Stefano Basile, director de desarrollo internacional de Lladró en el showroom de Héctor Esrawe.

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Una historia

En 1953 los hermanos Juan, José y Vicente Lladró decidieron experimentar con porcelana y un horno moruno en su natal Almàssera (Valencia). Cinco años después tuvieron que mudar su taller a la población vecina de Tavernes Blanques debido a la demanda inesperada de sus productos. Fue tal el crecimiento, que en 1962 decidieron crear una Escuela de For-mación Profesional y cinco años después se inició la construcción de La Ciudad de la Porcelana: un área de fábricas, oficinas e instalaciones deportivas para los trabajadores.

Los años 70 estuvieron marcados por éxito en el mercado norteamericano y se cambió el logotipo. Ya en los 80, los hermanos dieron la entrada de tres de sus hijos al Consejo de Administración y son ellos quienes hoy dirigen la empresa familiar. En 1986 se inaugura el Museo Lladró de Nueva York en un edificio que conserva el encanto urbanístico de los años 20.

En 2005 surge el proyecto Re-Cyclos, en el que importantes diseñadores crean nuevos objetos a partir de piezas clásicas de la marca y, un año des-pués, la empresa comienza a colaborar con Jaime Hayon, quien ha ayudado a afianzar Lladró Atelier. Bajo su dirección artística se engloban las coleccio-nes The Parrot Party, Metropolis y The Guest, entre otras. Además, la empresa ha recibido reconocimien-tos como los Premios Príncipe Felipe a la Internacio-nalización, a la Competitividad y a la Gestión de Marca Renombrada que el mismo Príncipe de Asturias entregó a los hermanos.

AtelierLladró,Hasta hace no mucho, pensar en Lladró era pensar en figurines clásicos, con formas y motivos más pertinentes para una residen-cia antigua que para una casa de diseño contemporáneo. Eso ha cambiado radicalmente. Hoy, de la mano de Jaime Hayón –y a pesar de que se siguen fabricando las figuras tradicionales– la casa española ha dado un paso hacia la modernidad con Atelier Lladró. Stefano Basile, director de desarrollo internacional, visitó la Ciudad de México para la presentación en el showroom de Héctor Esrawe y nos platicó todo sobre este gran paso.


por: Andrea Villanueva fotos: Ignacio Galar y cortesía de Lladró

invitado de honor de Héctor Esrawe

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C C E N T R A L E S

Hace algunos años, los jóvenes artesanos —aunque uno pensaría que los esculto-res y decoradores que trabajan en las figuras son tan legendarios como las pie-zas, el mayor de ellos no llega aún a los 50 años— comenzaron a crear piezas innovadoras para ellos mismos, experi-mentando simplemente con su tiempo libre y todos los materiales a su disposi-ción. Tras descubrir esta inquietud y to-das las figuras que habían creado, la fa-milia decidió dar un espacio a las nuevas ideas y creó Lladró Atelier.

Ahora, Atelier Lladró llega a México como invitado especial en el showroom del diseñador mexicano Héctor Esrawe. Lladró, a través de Stefano Basile, co-noció a Héctor en la feria de diseño Ha-bitat Valencia hace tres años. Siendo su ciudad de origen, la casa española orga-nizaba paneles y el diseñador mexicano fue uno de los invitados.

Héctor Esrawe abrió las puertas de su impecable espacio en Polanco para presentar en México la línea Lladró Ate-lier que, dicho sea de paso, no está para

nada fuera de lugar dentro de la deco-ración del showroom. ¿Y, entonces, qué es Lladró Atelier? Se trata de un espacio concebido para potenciar la creatividad de los diseñadores internos de la marca así como dar cabida a nuevos proyectos externos todos producidos, por supuesto, en porcelana. Para lograr su cometido, Lladró enlistó al reconocido diseñador español Jaime Hayon (pronúnciese Ha-yón, con acento), quien a su vez se ha encargado de crear colaboraciones que han resultado en colecciones como The Parrot Party, Metropolis y The Guest, entre otras, de las cuales habrá piezas en el estudio de Esrawe como cuenta Basile.

Líneas ateLierThe Guest, concebido por Jaime Hayon, es un extraño personaje creado inicial-mente en blanco y negro como un lienzo para que artistas contemporáneas crea-ran su propia versión. Hasta hoy, además de la primera versión diseñada por el mismo Hayon, el artista americano Tim Biskup y el estudio japonés Devilrobots

tienen sus dos versiones del “invitado”, cada tamaño con su propio diseño. Por supuesto, las piezas se han convertido en un bestseller, incluso la base en blanco o negro. Otras de las líneas con presencia en el espacio con una selección de piezas de las colecciones The Parrot Party, The Fantasy Collection, Naturofantastic y Metro-polis. Naturofantastic es una innovadora opción de jarrones, saleros y demás ob-jetos que se usan, principalmente, en un comedor; es decir l’Art de la Table. Por su parte, The Parrot Party es una colección de objetos funcionales —como espejos y lámparas— de líneas completamente depuradas, pero adornados con pájaros de vistoso plumaje, que van desde loros hasta cacatúas, periquitos y agapornis de colores. Metropolis deja de lado la na-turaleza y se inspira en una imaginaria ciudad futurista representada en jarrones, lámparas, espejos y cajas, todos ellos con forma de edificio. Y por último, aunque no menos importante, The Fantasy Collec-tion —diseñada por el mismo Hayon— es una reinterpretación mágica y fantástica de los temas habituales de Lladró, como una escena familiar. Como el propio ar-tista lo describe, “es de una contamina-ción positiva de mi mundo al de Lladró”.

La mancuerna entre Lladró y Jaime Hayon ha creado un universo alternati-vo para los amantes del diseño contem-poráneo. Porque al final, como dice Ste-fano, una casa no es un hogar sin unas cuantas figuras curiosas qué admirar.

The Family Portrait de Jaime HayonUno de los temas prin-cipales en las piezas tradicionales de Lladró es la familia y Jaime Hayon actualizó la idea con un retrato de una familia completamente contemporánea. Entre otras cosas, la imagen incluye los zapatos que Hayon diseñó para la marca de zapatos Camper, así como la famosa lámpara Jo-sephine que hizo para Metalarte.

Mencionar a la casa española Lladró genera casi siempre una reacción prácticamente instantánea. Ésta puede ser solamente el recuerdo de una figura en casa de los abue-los, pero las imágenes de una campesina o un guerrero chino le han hecho espacio a formas completamente nue-vas e innovadoras.

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CL L a d r ó a t e L i e r , i n v i t a d o d e h o n o r d e h é c t o r e s r a w e

Su nuevo hogar en Madison AvenueA finales de 2012 Lladró inauguró una tienda en el corazón de Manhattan con un estilo completamente inno-vador. El local fue diseñado por Jaime Hayon y tiene un diseño minimalista en colores neutrales para evitar que el fondo compita con las piezas. Definitivamente un paso más de la casa hacia el futuro.

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C C E N T R A L E S

La casa reclutó a importantes chefs españoles para crear recetas en torno a las piezas Lladró Atelier. María José San Román –de La terraza del Gourmet en Alicante– eligió la colección The Parrot Party. Aquí, una de sus creaciones: tiradito vegetal.

Héctor Esrawe es un diseñador en toda la extensión de la palabra y se ha dedicado principalmente al diseño de interiores y mobiliario. Vive y tra-baja en la Ciudad de México y espera en los próximos años internacionali-zar el nombre de su estudio.

The Guest

The Guest es una de las colecciones favoritas de Lladró Atelier. Cada uno es diseñado por un artista diferente; estas piezas fueron creadas (de arriba a abajo) por Tim Biskup, Jaime Hayon y Devilrobots.

Ingredientes250 g de las siguientes verduras en partes iguales: tomate, pepino, rábano, nabo, brócoli, zanahoria, hongo, calabaza y espárrago verde.20 g de almendra tierna.50 g de caviar de esturión.50 ml de aceite de oliva variedad cornicabra.200 g de almendra tierna para la leche.200 ml de agua.

PreparaciónHacer la leche de almendra en una licuadora, mezclar el caviar con el aceite con cuidado de no romper las huevas y cortar en mandolina o fiam-brera todas las verduras a 3 mm.

Nota: servir las verduras frescas y el caviar a temperatura ambiente.

MontajePintar la base del plato con la leche de almendras, colocar encima las verduras repitiendo secuencias de manera que haya de todas en cual-quier bocado. Por último, dejar caer con cuidado el caviar y el aceite.

Cocinando con Lladró: tiradito vegetal

S h o w R o o M h é C To R E S R Aw E

Alejandro Dumas 124, Polanco, México, D.F.T. (55) 5553 9611Twitter: @hesraweesrawe.com

Crate & Barrel:

por: Inés Marrón fotos: Cortesía de Crate & Barrel

La emblemática tienda Crate & Barrel llega a México. Su nueva presidenta, Marta Calle, aporta una visión lúdica e imaginativa a las colecciones que ofrece este almacén de diseño.


“Tiene que haber otras parejas como nosotros”, le dijo a su esposa, Carole, “con buen gusto y nada de dinero. ¿Por qué no abrimos una tienda?”

La pareja volvía apenas de su viaje de luna de miel al Caribe, a las Islas Vírgenes, para ser más precisos. En ese lugar, según contó Gordon más tarde, encontraron tiendas con diseños escandinavos muy atractivos, pero con precios accesibles. Ahí compraron esos platos inspiradores.

Esto sucedía en Estados Unidos, en 1961, en Chicago. La pareja compuesta por Gordon y Carole Segal comenzó entonces un trayecto hacia el buen gusto accesible. Se habían casado apenas y sabían, por experiencia propia, que poner una mesa de regalos en las tiendas locales (en su caso, Mar-shall Field’s, la añeja tienda departamental de Chicago) implicaba aceptar que no recibirían prácticamente nada de lo que realmente les gustaba o que pondrían en aprietos a

La inspiración llegó en el lugar menos romántico de todos: el fregadero. Mientras lavaba los platos, Gordon Segal, uno de los fundadores de Crate & Barrel, encontró el futuro.

la narrativa del diseño

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CC r a t e & B a r r e L : L a n a r r a t i v a d e L d i S e ñ o

sus amigos, jóvenes como ellos, que es-taban haciéndose camino por la vida. Los platos escandinavos eran la solución.

Carole le siguió la corriente a su ma-rido y entraron en comunicación con importadores de Chicago y algunos ven-dedores que iban por el mundo cargando una maleta con muestras. “Había toma-do clases de contabilidad y finanzas, pero siempre había trabajado en el restauran-te de mi papá. Carole disfrutaba mucho recibiendo gente y tenía un gran sentido del diseño. Así que pensé que necesitá-bamos 20 mil dólares para poder arran-car. De nuestros ahorros y de los regalos de boda teníamos ya los primeros 10 mil. Así que fui por todos lados tratando de convencer gente con la idea de que, por 10 mil dólares, podían tener la mitad de esta gran idea”, explicó Gordon en 2012.

Finalmente, con 7 mil dólares presta-dos por sus padres, abrieron su primera tienda en diciembre de 1962. Era un año tumultuoso: el conflicto entre Estados Unidos y Cuba fue in crescendo a partir del embargo que el presidente Kennedy impuso a Fidel Castro, en febrero. El conflicto de Bahía de Cochinos sucedió justo entonces y el mundo parecía estar en una crisis sin solución. A pesar de eso —o tal vez con el conflicto como aliento— la vida cultural era efervescente. En In-glaterra, los Beatles sacaban su primer sencillo, mientras que se comenzaba en

Francia la construcción del Concorde y se realizaba la primera transmisión te-levisada trasatlántica. El mundo estaba por cambiar, así que la propuesta de los jóvenes Segal tenía pertinencia.

Su tienda estaba ubicada en un lugar viejo del centro de Chicago y los recién casados no tenían dinero para arreglar el espacio. Así que decidieron cubrir las pa-redes con madera y poner clavos en ellas —ahí colgarían los objetos en venta.

Les llegaron cajones de pino desde Suecia con los artículos que ofertarían. Y de Francia, barriles con más objetos. La tienda no tenía nombre, pero el acomodo que logró Carole era muy llamativo y en-traron personas casi de inmediato. Una de ellas sugirió que le pusieran “barriles y cajones” pero Carole prefirió invertir los nombres: así surgió Crate & Barrel.

La pareja hacía viajes a los lugares en los que podía obtener productos ar-tesanales de muy buena calidad que pu-dieran vender a precio razonable una vez de vuelta en Estados Unidos.

Como tenían una sola tienda y de-bían viajar, contrataron a una vendedo-ra para que atendiera el local. Cuando salían a uno de sus viajes de selección de productos, la vendedora decía: “Los niños no están”, porque eran más jóve-nes que ella —y que casi toda la clien-tela que los frecuentaba.

Crate & Barrel fue en ascenso de una forma casi astronómica; para 1998 era tan grande y tan buen negocio, que la alemana Otto Group compró casi todas sus acciones, aunque los Segal siguieron teniendo bajo su tutela algo así como la dirección artística de la tienda.

El nombre de la tienda surgió de los cajones de pino de Suecia y barriles de Francia en los que llegaban los objetos que venderían: “barriles y cajones”, o invertido, Crate & Barrel.

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C C E N T R A L E S

Tiendas en México

Próximamente abrirán en Antara y en otros lugares del país. Por lo pronto, puede satisfacer sus deseos de buen diseño en:

Paseo InterlomasVialidad de la Barranca 9, Estado de MéxicoT. (55) 5291 2921/ 5291 3335

Arcos BosquesPaseo de Tamarindos 90, Bosques de las Lomas, México, D.F.T. (55) 9135 0378 / 9135 0379

crateandbarrel.com.mx@CrateBarrelMXFB: Crate and Barrel México

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CC r a t e & B a r r e L : L a n a r r a t i v a d e L d i S e ñ o

Marta Calle es la nueva Presidenta de Crate & Barrel internacional y la entre-vistamos recientemente. Su nombra-miento en 2012 ha sido recibido con entusiasmo en muy distintos grupos. Con ella al frente, la marca ha regresado a sus orígenes, a algo más natural y sencillo: buen diseño a precios espectaculares.

Calle, colombiana, nació en una fa-milia interesada por el diseño. (Marta, quien ha viajado por todo el mundo y suele codearse con CEOs de varias em-presas, describe a su madre como “la mujer más elegante que conozco”). Ese interés fue fundamental para ella y le ayudó a descubrir su pasión por el di-seño desde muy joven.

Cuando entró a Crate & Barrel tomó como punto de partida las palabras que eran fundamentales para Gordon y Ca-role (precisamente la sencillez, una forma más pura de diseño y materiales cálidos) para hacer un filtro. Ella y sus compra-dores pasaron por ese tamiz todas las

compras que harían, a fin de recuperar el aliento de los primeros años.

Pero Marta no sólo ha hecho eso para Crate & Barrel, sino algo mucho más notable: ha creado la idea de una narra-tiva para trabajar sobre lo que cada una de las tiendas vende. Calle imagina un escenario específico y piensa en todo lo que debería estar incluido ahí. “En mi cabeza yo tengo una cabaña hermosa —que algún día compraré— y la arreglo. Veo Remodelista o Pinterest y me digo a mí misma: ‘Esto quedaría genial en mi ca-baña en el bosque’. Estoy construyéndo-la en mi cabeza…” Así es como piensa las compras de la marca. Hay “escenas” en su imaginación: una comida familiar, una cena con los amigos, una celebración íntima, un fin de semana dedicado al descanso, una casa en la playa.

¿Cómo hacer de todo eso algo chic, bien diseñado, cuidado y elegante? A ello se enfocan Marta y su equipo. “Todo lo que ves aquí”, dice Calle señalando es-

tantes, muebles y los artículos que la ro-dean en una de sus tiendas, “parece ele-gido por un solo par de ojos, aunque no sea así”. Son distintas miradas que con-fluyen en una misma idea. Esto no quie-re decir que los objetos que pueden ad-quirirse sean monótonos; más bien, es un gusto ecléctico con una misma in-tención porque, parafraseando a Calle, uno quiere tener en su casa cosas que indiquen que uno ha viajado, ha cono-cido lugares y ha tenido la oportunidad de adquirir todas esas cosas.

En 2012 Crate & Barrel cumplió 50 años de existir. Los Segal no están más a cargo de la operación (Gordon renun-ció a su cargo como CEO en 2008), pero siguen emocionándose cuando ven que alguien cruza el aeropuerto con una bol-sa de la marca que crearon. “Ha sido un viaje divertido”, dijo Gordon de sus años frente a una marca que revolucionó la decoración de interiores.

Los invitados de Marta

otra iniciativa de Marta Calle ha sido asociar a la marca con diseñadores reconocidos, invitándolos a crear objetos en exclusiva para Crate & Barrel. Una de las invitadas más sonadas fue la diseñadora italiana Paola na-vone, una de las primeras personas en con-vertirse en un ícono del diseño (una especie de “rock star” del diseño) en los años 80, cuando se presentó en la Feria del Mueble de Milán. Para Crate & Barrel, navone ha di-señado platos, lámparas, una banca y has-ta cubiertos, usando una amplia gama de materiales y texturas.

La narrativa como visión

Con el nombramiento de Marta Calle como Presidenta de la marca, Crate & Barrel ha regresado a sus orígenes, a algo más natural y sencillo. Simplemente buen diseño.

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OMEGASeamaster Planet Ocean 600M Good Planet

y su cruzada por el medio ambienteOMEGA presenta el Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet, un reloj novedoso pero ligado profundamente a los orígenes

de la marca. Conozca el único reloj que ayuda a los océanos con su venta.

FF I N A L E S

el Relojpor: Lucía Mesa fotos: Cortesía de Omega

pág. 078Un reloj para ayudar a los mares y una dise-ñadora de joyas sin igual acompañan a las alfombras más fashion del mundo.

o m e g a y l o s m a r e s F

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La casa relojera OMEGA tiene un fuer-te vínculo con los mares y todo lo relacionado con ellos. Esto se ve hoy representado en su más novedoso reloj, el Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet. Este nuevo reloj de pulsera rinde un homenaje a la reconocida organi-zación ambientalista Good Planet Foundation y al trabajo que ésta realiza a favor del medio ambiente y, sobre todo, de los ecosistemas submarinos. OMEGA desarrolló su primer reloj de submarinismo verdadero en 1932 y desde entonces su relación con el mar solamente ha ido en crecimiento. Este nuevo reloj no podía ser la excepción, y al estar inspirado en la Good Planet Foundation —la cual recibe un porcentaje de las ganancias— los colores del océano están presentes en cada una de las piezas.

El Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet luce tan bien como el bien que le hace a los ecosistemas marinos, ya que su diseño está inspirado en los colores del océano. Este guardatiempo se ofrece con brazalete en acero noble o con una pulsera estilo deportivo en caucho azul. Y al igual que todos los OMEGA Seamaster Planet Ocean, fue diseñado teniendo en cuenta que sus fanáticos aman la aventura extre-ma, por lo tanto es hermético hasta 60 bar (600m/2000 pies).

El reloj se presenta con una esfera lacada en azul con ín-dices aplicados. Las agujas de las horas y el segundero son pulidas, facetadas y rodiadas, así como la aguja GMT de alu-minio están revestidas con Super-LumiNova, que emite una luz azul claro. Además, el revestimiento de Super-LumiNova de la aguja de los minutos rodiada emite una luz verde.

OMEGA ha encargado al activista del medio am-biente, fotógrafo y realizador cinematográfico Yann Arthus-Bertrand producir y dirigir una pe-lícula sobre los océanos terrestres. Su película Home fue el primer largometraje realizado sólo con tomas aéreas, totalmente filmado desde helicópteros, en vuelo sobre más de 50 países. Se centra en el efecto que 200 mil años de pre-sencia humana en la Tierra ha producido en 4 mil

millones de años de evolución natural. El direc-tor la ha planteado como una llamada urgente a la acción.

Stephen Urquhart, presidente de OMEGA, habla del cineasta: “Nadie podría realizarla me-jor. Yann Arthus-Bertrand es a la vez un ecolo-gista y el máximo especialista del mundo en fotografía aérea; una combinación única de cualidades que le permitió comunicar cinema-

tográficamente la majestad y la belleza de los océanos”. Arthus-Bertrand comentó acerca de su colaboración con la compañía: “OMEGA y yo trabajamos juntos, para crear una película que refleje de modo significativo la belleza de los océanos y nos recuerde a todos que tenemos que proteger esas asombrosas fuentes de vida”. La película está disponible desde principios de este año.

OMEGA y Yann Arthus-Bertrand producirán una película sobre los océanos de la Tierra

F I N A L E S F

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OMEGA y GoodPlanet anuncian la colaboración Planet Ocean

OMEGA y GoodPlanet son los encargados de una iniciativa que intentará aumentar la conciencia en cuanto a la necesidad de proteger los océanos, al mostrar su belle-za y explicar los retos a que la humanidad y las aguas oceánicas han de enfrentarse juntas. El proyecto busca colaborar en la producción de libros y materiales centra-dos no sólo en el majestuoso esplendor de los océanos sino, además, en educar a la gente sobre lo que hay que hacer para preservarlos.

o m e g a y l o s m a r e s F

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La ventana de la fecha está situada a las tres. El cristal de za-firo, convexo, resistente a las ralladuras y con tratamiento antirreflejante en ambas caras, protege la esfera, por debajo y sobre la superficie del agua.

El reloj es ideal para viajeros frecuentes, ya que la escala GMT naranja brillante sobre el bisel y la aguja GMT central permiten visualizar la hora en dos husos horarios.

La escala de 24 horas, lacada en naranja, destaca sobre el bisel bidireccional pulido azul, es el complemento perfecto para la válvula de escape de helio situada a las 10 en la caja de acero cepillado y pulido de 43.5 mm. El fondo lleva gra-bada la inscripción “Good Planet Foundation” y está dotado de un cristal de zafiro resistente a las ralladuras que permite apreciar la revolucionaria tecnología OMEGA.

InnOvAcIón y cOnSErvAcIón fuSIOnAdOSEl exclusivo calibre OMEGA 8605 Co-Axial, un movimiento automático con rueda de escape Co-Axial en tres niveles y espiral de silicio Si14, late sin parar en el interior del Seamas-ter Planet Ocean 600M Good Planet. Este extraordinario reloj ofrece un enorme grado de confiabilidad y estabilidad de cronometraje, además de que es entregado en un exclusivo

estuche de auténtica madera de bambú. Un verdadero tribu-to a la fructífera asociación entre OMEGA y la Good Planet Foundation y a los logros de la organización en la conservación del medio ambiente.

OMEGA y LA GOOd PLAnEt fOundAtIOn: PrESErvAr dE LA MAnO LOS OcéAnOS La Good Planet Foundation, fundada en 2005, incita a los habitantes de la Tierra a llevar un estilo de vida respetuoso con el medio ambiente. Además, plantea soluciones optimistas pero también realistas para el desarrollo sostenible. La asocia-ción entre OMEGA y Good Planet nació en 2011; su objeti-vo común es desarrollar la conciencia sobre la majestuosidad y la belleza de los océanos, los peligros que enfrentan y la importancia de preservar y apreciar esos recursos naturales.

OMEGA dedica una parte de las ventas del Seamaster Pla-net Ocean 600M Good Planet al patrocinio de un proyecto para preservar los manglares y algas marinas en el Sudeste de Asia y educar a la población local sobre la conservación de estos importantes recursos naturales, esenciales para el equili-brio del ecosistema. ¿Qué mejor que un reloj estético y funcional que además ayuda a conservar nuestro planeta?

OMEGA y yO trAbAjArEMOS juntOS PArA crEAr unA PE-LícuLA quE rEfLEjE LA bELLEzA dE LOS OcéAnOS y nOS rEcuErdE A tOdOS quE tEnEMOS quE PrOtEGEr ESAS ASOMbrOSAS fuEntES dE vIdA.

–Yann Arthus-Bertrand

La Good Planet Foundation,

incita a llevar un estilo de vida respetuoso

con el medio ambiente

Daniela Norinder irradia un brillo que ofus-ca los ojos y, al mismo tiempo, atrae de in-mediato. La primera vez que la vi, no sé si fueron las esmeraldas de sus aretes (enor-mes, magníficas, verdes como el mar de Tulum) o los recuerdos de viajes y espejis-mos que contaba en la mesa lo que más me llamó la atención de ella, con un estilo úni-co y, claro, la novedad hipnótica que exhi-bía discretamente en la fiesta. Eran joyas muy diferentes a las que lucían las otras invitadas, y yo todavía no sabía por qué, pero algo me decía que no se trataba apenas de un conjunto de piedras preciosas presas en metal, lapidadas, raras, caras. Fue en la primavera de 2009 y acababa de regresar de México, donde vivió diez años y al que convirtió en su país de adoración. De re-greso a Brasil, lo único que quería era re-descubrir su tierra natal —y todo lo que quería Sao Paulo, a partir de entonces, fue descubrirla. No fue de la noche a la maña-na, ni por el entusiasmo del momento o por ser el hit de la temporada, que su nom-bre se difundió y que sus creaciones pasa-

ron a alegrar los salones de la ciudad. No tardó, digamos que fue el

momento propicio para mos-trar, sin pretensión al-

por: Hermés Galvão fotos: Almir Pastore con retratos de Benjamín Alcántara traducción: Fátima Raatebla Joya

Daniela NorinderJoyas con espíritu latinoDaniela Norinder diseña joyas que más que ornamentos deberían ser considerados sueños. Se trata de piezas de cientos de colores, inspiradas en Brasil, en el arte, en el cine. Y sí, resultan tan únicas como la misma creadora. Aquí le presentamos un adelanto de Daniela Norinder. Jewels, libro de A Editores que se publica este mes.

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guna, su preciosa revelación. Ahora veo sus exuberantes rubíes en las alfombras rojas y las turmalinas paraíba que buscan como si fueran secreto de estado (y que sólo ella tiene en cantidad e intensidad), poblando los sueños de las mujeres. Y me doy cuenta que su historia, de vida y obra, por más mundana e internacional que sea, tiene sangre latina en las venas: es un Brasil puro y profundo, colorido de piedras y con formas variadas.

Existe una generosidad en el talento intuitivo de Daniela que me hace ver un país más reluciente; un gigante generoso por la propia naturaleza que creó aquí dentro artistas con la mirada hacia todos los lados, inclusive hacia afuera. Pues te-nemos y queremos demostrar que somos más y no apenas uno más; y viene de la joyería de Daniela —y de toda la gene-ración que la acompaña— uno de nues-tros mayores diferenciales que ahora, más que nunca, el mundo aprendió a valorar y a adorar: también hacemos música con las piedras preciosas que brotan de nues-tra tierra como en casi ningún otro lugar. Y Daniela compone, mezcla y elabora la materia bruta, o lo que viene de la raíz. Con ella todo se transforma, se lapida.

Nunca se dilapida; es poesía concreta con todos los quilates.

La joyera que supo mezclar el pasado con el presente se convirtió en algo pre-cioso, referencias de antaño y design de hoy; todo lo que sale de sus manos es moderno pero tiene un aire de joya de familia, herencia de la abuela y recuerdos de viajes lejanos, culturas exuberantes y realidades distantes. Tiene un toque de la Rusia zarina de los huevos de Fabergé, un baño de oro del Londres de la reale-za y una bohemia burguesa de París; mezcla de Belle Époque, art déco, moder-nismo y avant-garde. Está en su adn, en la memoria. De ahí, Daniela se convirtió en uno de los grandes exponentes de la nueva generación de diseñadores que sorprenden por presentar colecciones audaces, que salen de lo ordinario, per-fectas para mujeres decididas y que no tienen miedo de eliminar a sus rivales.

Su producción se alínea con los ideales de los que circulan por el planeta buscan-do novedades. Daniela también busca inspiración en las artes, en lo pictórico y en lo abstracto; en las exposiciones e ins-talaciones, en la mutación constante de lo cotidiano, en lo efímero del presente

D a n i e l a n o r i n D e r : j o y a s c o n e s p í r i t u l a t i n o F

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y en lo eterno del pasado, hoy resguardado en los museos de Nueva York a Shanghái, Mumbai y así sucesivamente. También veo el futuro delineado en su obra, que flirtea con la vibración de las galerías de Berlín y Estambul, con los artistas contemporáneos quienes, como ella, empiezan ahora a hacer historia para ser recordados para siempre.

Hay un diálogo constante, y a veces in-consciente, con el trabajo de artistas con-temporáneos como Anselm Reyle y Beatriz Milhazes, Tracey Emin y Francesco Vizzoli. Es neo pop con barroco, un juego de geome-trías y movimientos inusitados que proponen formas imprevisibles, diseños sorprendentes y, al mismo tiempo dotados de una simpli-cidad única. Se nota más cuando se exa-mina profundamente los prototipos de Daniela; pasa por el cubismo de Picasso y también por su periodo azul; por los jar-dines impresionistas de Monet y las luces impresionantes de Renoir. Y se inspira tam-bién en el film noir, en sueños con Lauren Bacall y Veronica Lake, y en “respiracio-nes” de tinta caliente. De cerca, mezcla siluetas de Frida Kahlo y Di Cavalcanti, Barragán y Niemeyer… ¡Es Bossa Nova con pimienta, red carpet con green chilli! “No pienso en colecciones: son el resultado de un proceso que no tiene fórmula”, explica. “Creo todos los días, incluso cuando estoy triste. Las cosas nacen después de una ex-posición que vi, de una situación del día a día, de una película; en fin, de algo que me conmueve. ¡Lo importante es siempre estar conectada!”. Siento que sus ideas y proyec-tos mezclan ocio, trabajo y placer con una alquimia fina. Tal vez sea el secreto del éxito, o por lo menos la respuesta para en-tender cómo y por qué Daniela vive en un proceso constante de creación y pensa-miento, cuestionamiento.

Causan conmoción sus anillos, aretes y pulseras con piedras raras, de lapidaciones sorprendentes, trabajadas minuciosamente en forma exclusiva. El proceso es artesanal, pues las piedras, aún en su estado bruto, son su mayor fuente de inspiración. La creación empieza con ellas. Las examina con una mirada precisa, busca la faceta que más la atrae y después proyecta la estructura. El resultado son deseos de consumo inmedia-to, diferenciados por la belleza de los tonos,

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la proporción armoniosa y por el diseño vanguardista. Inspirada por las formas de la naturaleza, la diseñadora entiende la joya como un testimonio social de su época y ela-bora cada pieza como si fuese la única, des-de la posición del metal y de las piedras, al tipo de engaste y la calidad de las gemas. “No me dan miedo los colores, las texturas o los materiales; todo es válido en la crea-ción”, cuenta Daniela. “Y el contacto diario con los proveedores de piedras, en mi taller, con mis orfebres y visitando las ferias de jo-yería en Brasil y en el extranjero, al igual que participando en cursos de actualización en gemología y diseño, con temas sobre nue-vos descubrimientos y nuevos procesos de confección, son parte de un proceso de evo-lución que nunca puede detenerse”.

La pasión de la artista por la joyería viene de su infancia, cuando quedó deslumbrada por el brillo y por las formas de las piedras. Estudió y aprendió con los grandes maestros el arte de la orfebrería y lapidación. “Uno adquiere los conocimientos, la práctica y la experiencia, pero la creatividad, uno nace con ella”. Sus piezas son puro reflejo de su personalidad: sencillas, contemporáneas y llenas de actitud. Existe una audacia en atre-verse a y en saber mezclar diferentes precio-

sidades, ya sea en las colecciones pret-à-porter o de alta joyería. En cada una de ellas, es transparente el extremo cuidado en todos los detalles y el alto grado de exigencia en términos de calidad. “Mis joyas tienen una historia y cada una de ellas es diseñada de forma individual. Las piedras que seleccio-no están llenas de personalidad y magnetis-mo que enganchan la mirada. Como las piedras no siempre presentan la misma for-ma, al crear una joya, difícilmente habrá otra igual. Y ahí reside su belleza, en su singularidad”, comenta. “Al transportar mi esencia al objeto, transformo mis joyas en pequeñas y delicadas obras de arte”. De hecho, sus piezas sorprenden por su osadía, obteniendo el estatus de obra de arte. “To-das las piezas deben ser atemporales y ca-paces de captar y reflejar la personalidad de quien las vaya a usar”, dice.

Sus epifanías también surgen de las ex-pediciones que ha hecho por todo el mundo, de los buceos en Rio de Janeiro, de los safa-ris y desiertos africanos y de las culturas mi-lenarias del Lejano Oriente. Juega con tex-turas de flora y fauna, ojos de tigre y raíces de la sabana; agua y tierra; Amazonia y Sa-hara, todo al mismo tiempo. Tiene el azul Majorelle y el pigmento exacto de las Dunas

de Merzouga, del sol de la Toscana y del profundo azul marino del mar Egeo. De la India vienen sus pigmentos y los elementos que aportan un aura transcendental a sus creaciones, todas divinas. Su Shangri-La envuelve yapa malas y otros talismanes boho que son colocados sobre la mesa —y los ojos verdes jade de Daniela brillan cuando hablan de sus creaciones: ¡es Jaipur con Brick Lane! Collares y aretes, anillos y pulseras de oro resplandeciente y piedras encantadoras, la esmeralda omnipresente —su pasión incon-dicional— dan forma a todo lo que ella vio y lo que le gustó en la vida, desde las últimas andanzas hasta los primeros recuerdos. “Lo que hago tiene un toque de rock y de espí-ritu bohemio”, afirma.

Con personalidad y estilo propio, la di-señadora conquistó a clientas que buscan, al igual que ella, ideas que escapen de lo obvio y que se alejen de lo aburrido. Ado-ra trabajar con varios tipos de piedra, es-pecialmente las piedras brasileñas por su color intenso, que en sus manos se trans-forman en novedades impactantes. “Es la energía que tienen, con sus diferentes lapi-daciones, que guía todo lo que hago”, ex-plica. “Me gusta combinar la alta joyería con la posibilidad de conectar a mis clientas con

Las joyas tienen una esencia

realmente brasileña que muestra los oríge-

nes de Daniela.


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Inspiración

Daniela toma casi cualquier cosa como fuente de inspiración, pero hay algunos aspectos de la vida que ocupan un lugar importante en su lista. Todo lo rela-cionado con el cabaret, el film noir y hasta el drama de Fritz Lang, pueden ser encontrados entre sus pie-zas. De este mismo género cinematográfico surgen mujeres como Lauren Bacall o Jane Birkin, algunas de las mujeres que mayor influencia han tenido sobre la diseñadora.

Las estructuras de Oscar Niemeyer en Brasilia son otras de las enormes influencias en el trabajo de Daniela. La geometría de los edificios creados por Niemeyer para esta ciudad que no existió sino hasta la segunda mitad del siglo XX está presente en las piezas. Como la incansable viajera que es, Daniela toma, por ejemplo, el art déco del edificio Chrysler de Nueva York, pero sin dejar nunca de lado su sabor latino y sus orígenes. Algunas piezas surgen de aque-llas joyas antiguas con las que recuerda a su abuela, pero mucho más grandes, brillantes y atrevidas. Así, Daniela Norinder usa toda la inspiración que la rodea para dar a las mujeres el toque que necesitan para realzar su belleza.


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la naturaleza, pues creo que cada joya pue-de tener el poder de traer beneficios físicos, emocionales y mentales”. Para ello, cuenta con una poderosa colección de diamantes, aguamarinas, berilos, morganitas, zafiros de todos los colores, rubíes, turmalinas y tantas otras, para crear joyas sofisticadas con líneas clásicas, pero que se distinguen por la osadía de movimientos, formas y mix armonioso de gemas de muchos colores y metales.

Teoría combinada con práctica, lanzó colecciones que equilibran lo emocional y lo comercial, piezas atrevidas, pero que no pierden la esencia tradicional. En sus manos, nada pasa desapercibido y todo cuidado es poco cuando se trata de aprovechar al máxi-mo el brillo de cada gema. Daniela descubrió la joyería cuando todavía era una niña, a los nueve años, al mirar con admiración a su abuela materna, su mayor referencia de la verdadera adoración al mundo de los quila-tes. De los recuerdos de infancia nació su primera pieza, un corazón de esmeraldas que hoy ayuda a contar su historia en el ofi-

cio. Sus colecciones palpitan de energía y referencias que van desde los momentos idí-licos del film noir, pasando por tendencias de la temporada e incursiones a las creacio-nes más comerciales que ni por eso pierden su carácter original. Sus joyas nacen de una unión de experiencias personales, fascinación por los materiales, perfeccionismo innato, lo mejor del espíritu brasileño y un altísimo nivel de orfebrería, con complejidad técnica y simplicidad de formas que sorprenden y apasionan. Adaptó el savoir-faire aprendido en el Viejo Mundo a la realidad latinoame-ricana, menos clásica y mucho más relajada. Jugó con colores y formas, exploró el movi-miento de las flores y plantas tropicales y mostró en las ferias internacionales que, yes, tenemos ideas. Verdaderos objetos de con-templación, reliquias eternas.

La preciosidad de Daniela está en su ca-pacidad de hacer concretas las abstracciones que pueblan su imaginario, sensaciones y deseos reflejados en piezas de un rompeca-bezas que, una vez reunidas, traducen su

espíritu inquieto y curioso. De las experien-cias de vida nacen las creaciones que ayudan a contar la historia de una joyera en busca de experimentaciones y de nuevos significa-dos para su trabajo. En sus manos, las reli-quias llegan a dimensiones sorprendentes y sensibles, se convierten en obras de un arte que trasciende el espíritu comercial. Su don es hacer de la joya un bien, que protege y refleja el brillo personal de quien la usa. Des-de la energía de quien la crea, a una sinergia con quien la compra, éste es el gran inter-cambio, éste es el gran estímulo.

Más que colecciones, nos presenta histo-rias contadas en capítulos por una mente brillante, de fuerte personalidad y extrema-damente romántica. De principio a fin, pie-dras raras y maravillas engarzadas; la libertad y la tradición van de la mano en un equilibrio vibrante en invenciones que viajan por el inconsciente y se convierten en un sueño po-sible, ideales para quien coquetea con lo lú-dico, perfectas para quien ve el mundo por el ojo mágico.

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por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de The Rug Companyel Objeto

The Rug Companyy el arte de hacer alfombrasA 10 mil metros de altura, en lo más alto de los Himalaya, comienza el camino de cada una de las alfombras de The Rug Company. Conozca la historia de la compañía y el largo camino que hay entre la lana y una alfombra terminada.

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T H e R u g C o m p A n y y e l A R T e d e H A C e R A l f o m b R A s

Las alfombras son uno de esos pro-ductos de casa que no gozan de una gran populari-dad, recuerdan a casas antiguas y sin personalidad. Por esta razón, Christopher Sharp y su esposa Suzanne decidieron fundar en Londres en 1997 su compañía, The Rug Company, con el objeti-vo de fusionar el ancestral oficio artesanal de tejer tapetes con diseño contemporáneo. En ese enton-ces, la industria de las alfombras estaba en una especie de espiral descendente, reproduciendo diseños de los siglos xviii y xix —considerados la época de gloria de los tapetes— y sin ofrecer nada a las siguientes generaciones.

Su rápido éxito en Londres llevó a trc a abrir su primera sala de exhibición internacional en Soho, Nueva York, en el 2002, seguida por otras en México (2007), Miami (2008) y Chicago (2010). Hoy, The Rug Company ha consolidado su repu-tación como el líder de tapetes contemporáneos hechos a mano y cuenta con 19 salas de exhibi-ción entre las que se encuentran Londres, Madrid, Bruselas, Copenhague, Moscú, Nueva York, Hong Kong, Los Ángeles, Beirut, Miami y, por supuesto, la Ciudad de México.

EL artE dE hacEr aLfombrasLos tapetes de The Rug Company son creados ar-tesanalmente como una obra de arte. Cada uno es hecho por completo a mano y requiere de cuatro a seis meses de elaboración y el trabajo de alrededor de 20 personas. El proceso sigue técnicas ancestra-les y se realiza con las más lujosas materias primas: lana tibetana, mohair, cashmere e hilos de seda natu-rales. Pero todo comienza en la meseta tibetana donde, gracias a las condiciones climáticas extremas, los borregos de la región tienen una lana que crece de forma lenta y de gran grosor para que no sientan el intenso frío. Gracias a eso, la lana de los borregos tibetanos suele ser más larga, elástica, fuerte y bri-llante que la de otros borregos.

Pero eso es sólo el principio, tras trasquilar a los borregos en los meses de verano, su lana viaja hacia Nepal, donde se somete a una variedad de trata-mientos tradicionales para convertirla en hilos que retienen las fortalezas de la lana original. Además, al ser rica en lanolina —una cera natural que pro-tege al animal de los elementos— la lana es más durable y resistente al agua. Un trabajo industrial eliminaría la lanolina, por lo tanto el trabajo debe ser manual y en este proceso los ásperos y enmara-ñados mechones de lana son cardados hasta que se vuelven sedosos y pueden hilarse en largas hebras. Posteriormente, estas hebras se sumergen en hir-vientes tinajas de color y se forman las madejas. Las alfombras The Rug Company son tan especiales porque el cardado se lleva a cabo de forma manual. Esta es la única forma de garantizar que las fibras de la lana permanezcan fuertes, largas e intactas.

cristophEr y suzannE sharp han viajado por distintas partEs dEL mundo comprando aLfombras y tapEtEs. tiEnEn una coLEcción quE Está En constantE EvoLución, rEaLmEntE Es una coLEcción dE coLEccionEs.

La lana de los borregos tibetanos

es más larga, elástica, fuerte y brillante

que la de otros borregos

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Producción ética

Para The Rug Company es esencial que sus tape-tes sean elaborados de forma ética y ambiental-mente responsable. La compañía es el principal patrocinador de la organización internacional sin fines de lucro Goodweave. Ésta trabaja para erra-dicar el trabajo infantil en la industria de los tape-tes, y para ofrecer oportunidades de educación a los niños del sureste de Asia.Para obtener la certificación de Goodweave es ne-cesario:• Demostrar que los tapetes son elaborados sin

trabajo infantil.• Aceptar inspecciones sin previo aviso.• Pagar salarios justos a los trabajadores. Por lo tanto, la etiqueta de Goodweave que acom-paña a todos nuestros tapetes garantiza que no han participado niños en la elaboración. Además, un porcentaje de las ganancias de cada uno se destina al apoyo de escuelas en India, Pakistán y Nepal.

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T H e R u g C o m p A n y y e l A R T e d e H A C e R A l f o m b R A s

Los tintes de anilina para asegurar la con-sistencia del color y evitar que se destiñan con el paso del tiempo.

El tratamiento manual es, inevitablemen-te, más tardado, laborioso y caro, pero los beneficios para la lana y las alfombras que se crean a partir de ella son mayores: además de producir tapetes de la mejor calidad po-sible, se apoya a artesanos locales en Nepal.

disEño contEmporánEoPero en el mundo del diseño de interiores actual, la calidad y un proceso artesanal no son suficientes. The Rug Company ofrece

un servicio de diseño personalizado además de su enorme catálogo. Uno puede crear una alfombra única a partir de cualquier idea, hay muchas combinaciones de colores para los patrones ya existentes, pero también se puede crear una opción completamente nueva: una foto, una combinación de colores, una obra de arte o hasta una imagen que usted soñó, cualquiera que sea el punto de partida, puede ser creado un tapete. Pero si a usted lo que le gusta son los pro-ductos de diseñador, éste es el lugar ideal. Con diseños de las casas de moda más im-portantes —piense en los grandes como

Alexander McQueen, Paul Smith, Vivienne Westwood, Diane von Fusternberg y Marni, entre otros— hay algo para todos.

Así, ya sea que escoja una alfombra tra-dicional, una de las más sencillas o una ba-sada en el sueño más psicodélico, The Rug Company puede crear un producto de la más alta calidad que seguirá —incluso en 100 años— lleno de colores brillantes y con un diseño vigente. Para la compañía, cada uno de sus tapetes cuenta una historia, ¿cuál será la suya?

Las diferentes líneas

• ColecciónContemporáneaDiseñada en casa por la directora creativa, Suzanne Sharp, y su experto equipo de diseñadores crean una selección de clá-sicos modernos.• ColeccióndeDiseñadoresInició en el año 2000 con la colaboración de 10 diseñadores de interiores líderes en Gran Bretaña, como Nina Campbell y Nicky Haslam. Ha ido creciendo hasta incluir alrededor de 40 de los más respe-tados diseñadores internacionales de moda, textiles, arquitectura, interiores y de producto. • ClásicosTejidosEsta colección está conformada por dise-ños tradicionales y piezas vintage. • ColecciónBoutiqueThe Rug Company decidió expandirse más allá del rug de su nombre y lanzó en 2009, una exquisita colección de cojines y cuadros, también hechos a mano como los tapetes.

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U n o b jet o, d e c ua l q u i e r lu g a r y t i e m p o, p u e d e l l eva r n o s a d e s c u br i r h i st o r i a s q u e jam á s i m a gi nam o s . N u e st r o

C o l e c c i o n i sta n o s c u e n ta s o br e u n o d e e st o s e p i s o d i o s .

D e l o b j e t o a l a a n é c d o t a

n este curioso trabajo de anticuario uno es llevado por constantes hallazgos y sor-presas que hacen descubrir y conocer tanto objetos que abren un panorama maravilloso del paso del hombre a través del tiempo, como conocer y descubrir a grandes personajes: importantes pensa-dores o gente que en cierta forma creó

y trascendió por algo importante que la hizo sui generis en su momento y que, por ello, tuvieron, crearon o coleccionaron objetos curiosos. Algunos de ellos afortunadamente aún se conservan y gracias a esta profesión, nos es posible verlos. Así, gracias a un queridísimo amigo, tuve la oportunidad de visitar una casa que se encuentra en pleno centro de la Ciudad de México, que tenía cerca de 100 años sin ser tocada. ❡ Al en-trar por el inmenso portón con bellos herrajes y chapetones en bronce que nos transporta al momento de su construcción, durante el siglo xviii, con una señorial presencia por la bella y austera fachada de piedra volcánica de tezontle color rojizo con un diseño en la misma piedra negrezco quemado, con rejas forjadas y magistralmente batidas en fierro, me envolvió extraño sentimiento al entrar a esta casona que también fun-giera como institución de beneficencia. ❡ Mi primera impre-sión fue el patio: con recias columnas y amplias arcadas que sostienen un pasillo superior cuyo acceso es a través de una escalera de piedra. Fue aquí donde se me informó el nombre de ésta: la Institución Liceaga. Entonces pasé inmediatamen-te y con ese deseo de descubrir qué era ese llamado de nostal-gia que se sentía flotando en el aire como emanado de las paredes. Caminé por enormes salones que contenían una extraña maquinaria desconocida para mí y que, fui descu-briendo, servía para la fabricación de vacunas y medicamen-tos. Pasé a un próximo salón que me llamó profundamente la atención, ya que solamente conservaba un escritorio al centro y, para darle una forma oval al cuarto rectangular, se tenía una gruesa tela sobre bastidores de madera pintada al óleo en color mostaza con diseños de influencia pompeyana. Ésta le daba un aire de gran señorío y posteriormente, otro anticua-rio y yo lo mandamos desarmar y conservamos para su pos-

terior venta. Tuve también la oportunidad y fortuna de com-prar algunos muebles, entre ellos este salón entero, sin tener en ese momento conocimiento de los personajes que habitaran parte del edificio donde se elaboraron cientos de miles de va-cunas de todo tipo. ❡ Pasé así de salón en salón con el tema repetitivo de esta extraña maquinaria —en estado de desuso pero que demostraba haber tenido una vida intensa de traba-jo— que me hacía sentir en un estado de paz al imaginar esa producción de tantísimas vacunas que allí se produjeron. La casa tenía una extraña vibración de paz, un sentimiento de victoria sobre los males que combatió y me quedó grabado en la mente un tibor balaustrado con bellas flores pintado al fres-co en azules y rojos sobre la pared, que junto a esos largos ventanales de hermosos herrajes salvaguardan todavía, al día de hoy, la privacidad del aposento. Así, estas flores pintadas sobre la pared me transmitieron un enorme sentimiento de nostalgia y, como a cualquier romántico —grupo al cual afor-tunadamente pertenezco— empecé en mi fantasía a crear un sinnúmero de historias, algunas de ellas probablemente im-pregnadas en esa pared. ❡ Aquí, como en varias ocasiones, se terminó la relación tras algunas visitas, la compra y el pago. Tiempo más tarde gracias a otro estimado amigo —el gran tocayo Rodrigo Reina Liceaga, cuyo apellido descubrí asocia-do a los personajes de esta casa— me sentí motivado. Como en diversas ocasiones, en las que un objeto o un personaje te llevan por una casual curiosidad a descubrir un campo diver-so de otros mundos, me encontré hilando descubrimientos y con lo ya guardado en mi memoria lo fui haciendo familiar. ❡ Fue esa sensación que tenemos cuando un conocido resul-ta ser el autor de algo que admiramos y surge entonces una cascada de pensamientos casuales que se unen en la mente, identificándolos como a uno solo. Así, la curiosidad, alma de todo descubrimiento, me llevó a buscar la identidad de este personaje de apellido Liceaga que sentía casi conocido y que describo a continuación: ❡ El doctor Casimiro Liceaga fundó el llamado Establecimiento de Ciencias Médicas, anteceden-te de la Escuela Nacional de Medicina. Liceaga colaboró con los investigadores de su tiempo que encontraron medidas para erradicar la fiebre amarilla, el gérmen del tifo y muchos otros

el Coleccionistapor Rodrigo Rivero Lake

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e l c o l e c c i o n i s t a

de los descubrimientos que pusieron a México a la cabeza en materia de salud a nivel mundial, culminando en 1896 con la creación del Hospital General. Viajó a Francia para estudiar los métodos más adelantados sobre la desinfección, sus efectos y logros en el mejoramiento social de la salud. Fue el año que se fundó en Francia el Instituto Pasteur, de donde Liceaga trajo a México el cerebro de una liebre inoculada de rabia para producir —en la casa descrita anteriormente— la pri-mera vacuna antirrábica, aplicándola en 1888 en nuestra ciu-dad y llevándola a todos los confines de nuestro país, dando con ello un paso agigantado a la solución a este mal. ❡ Incur-sionó Liceaga, con el espíritu de un verdadero hombre del

renacimiento, en los más destacados descubrimientos como la naciente fotografía, con la cual dejó importantes testimonios médicos, llegando inclusive a ser profesor de esta materia. Además de que su amor por la música lo llevó a ser el Secre-tario de la Sociedad Filarmónica de México. Fue creador de la conocida colonia Doctores en la Ciudad de México, urba-nización donde aplicó sus conocimientos sobre salud pública y donde las calles llevarían el nombre de todo doctor impor-tante en la historia de la medicina en México. ❡ Y así, una vez más completamos el conocimiento que descubrimos des-de un objeto, el cual nos hará descubrir a personajes protago-nistas de momentos importantes de la historia.

al centro, dos piezas estofadas que pertenecieron al doctor liceaga. Propiedad de Rodrigo Rivero lake.

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Periferias por Ana Terán

Si vAS A lAvAr loS PlAToS,

Vivir en el presente parece ser algo sumamente sencillo, algo que no necesitaría siquiera ser dicho. Pero no es así, se requiere de un acuerdo entre la mente, el cuerpo y todos lo demás elementos que nos componen. ¿Lo lograremos algún día?

lAvA loS PlAToSNo logro quitarme de la cabeza esa sencilla norma que recién leí en un libro del monje budista vietnamita Tich Nhat Hanh, sobre introducción a la meditación. The Miracle of Mind-fulness, título intraducible porque no hay término equivalente a “mindful-ness” en español, pero sería como El milagro de… la confluencia simultánea de todo eso que somos: mente, cuerpo, atención, sentimientos, percepción, conciencia.

Se dice fácil.Lo cierto es que me interesó por-

que me urge acallar el barullo de afue-ra, dejar de ensordecerme con los altos decibeles de la vida actual.

Pero a medida que avanzaba en la lectura me daba cuenta de que la apa-rentemente sencilla fórmula arrojaba luz sobre algunos conceptos que creí haber aprehendido hace un montón de años. Intuido, debería mejor decir.

Ciertas corrientes filosóficas occi-dentales —entre ellas la de Henri Bergson— contraponen la intuición a la razón, ven en la primera una facul-tad que expande la posibilidad de la segunda para conocer la realidad. Pero

la intuición, a diferencia de su sesuda compañera, no se explica, se experi-menta repentinamente. Sólo en el ins-tante. Ni ayer ni mañana ni hace un segundo. En el meritito presente, ese que en cuanto llega se va. Y llega otro.

La frase, en todo caso, me hizo co-brar conciencia de que apenas si atis-bo —como por una fina rendija— la verdad de tal postulado que, para col-mo de males, he izado como bandera personal: yo existo, y luego pienso… si acaso.

De modo que mi cabeza proyec-taba dos franchutes en el ring: en la lona, la razón de Descartes, y con el puño alzado, la intuición y duración de Bergson quien, por cierto y quizá no por azar, se casó con la hermana de quien dedicó su obra a la búsque-da del tiempo perdido: Marcel Proust.

Pero se trataba tan sólo de una imagen.

En cambio, “Si lavas lo platos, lava los platos” nos inserta de facto en el presente, aunque, a la vez, a mí me remite a la falsa creencia de que el cerebro femenino incluye un chip que nos facilita realizar varias faenas a la

vez. Dudo que seamos más o menos aptas que los hombres en cualquier terreno, como no se trate de la cons-titución corporal y sus derivados. Las diferencias, de haberlas, cabrían en la esfera del condicionamiento cultural, que endosaría la culpa de esa supues-ta capacidad de las mujeres a las con-quistas del género, a la esquizofrénica voluntad de alternar roles desde que el sol se levanta hasta que se acuesta… antes que nosotras, por supuesto, por-que quedan aún los platos de la cena por lavar.

Y ahora, lavándolos y preguntán-dome si quedan naranjas para el de-sayuno mientras escucho por el altavoz del celular los chismes de una colega, descubro que mi mente rebota sin ce-sar del futuro al pasado y, ¡oh, para-doja!, que en vez de ganar tiempo… lo pierdo. Malgasto la posibilidad que surge de lavar los platos poniendo en ello cuanto soy: la de gozarme en la tarea, la de entrar en ese oasis codi-ciado. Me pierdo de mí. Y, al hacerlo, rompo contacto conmigo misma, por ende con el mundo, con la única rique-za verdadera que tenemos: la vida.

ilustración: Yurex Omazkin

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por: La Redacciónel Libro

Cuando finalmente aCeptamos que los zapatos son mucho más que una simple herramien-ta para caminar de forma cómoda, nos damos cuenta de la gran obra de arte que pueden llegar a ser. Uno de los grandes artistas del calzado es, sin duda, Roger Vivier, quien comenzó su carrera de la mano de Yves Saint Laurent creando zapatos para la casa Christian Dior. Tras fundar su propia compañía creo los zapatos que acompañarían al famoso vestido Mondrian de Saint Laurent y que Catherine Deneuve hizo famosos en Belle du Jour de Luis Buñuel. El diseñador cerró su negocio poco antes de morir en 1998, pero su visión fue recuperada por TOD’s que contrató a Bruno Frisoni para revivir la marca en 2003. Y sí que lo ha logrado. Este libro es una representación de la tradición y evolución de la casa Vivier, acom-pañada de conversaciones entre el diseñador e Inès de la Fressange y Catherine Deneuve, así como una plática entre Bruno Frisoni y Cate Blanchet. Definitivamente, un regalo perfecto para esa fanática de los zapatos de quien no sabe la talla.

Roger Vivier Creador de zapatos y sueños

Casa palacioCentro Comercial AntaraMéxico, D.F.T. (55) 9138 3750casapalacio.com.mxvivetotalmentepalacio.com casa_palacio casa_palacio

librería RizzoliNewton 35, Col. Polanco México, D.F.T. (55) 5281 0568

Roger Vivier

por: La Redacciónel Libroel Libroel

Casa palaciopalaciopCentro Comercial AntaraMéxico, D.F.T. (55) 9138 3750casapalacio.com.mxcasapalacio.com.mxvivetotalmentepalacio.comvivetotalmentepalacio.com

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