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El Renacimiento italiano 1

LA PINTURA DEL RENACIMIENTO

Rasgos

generales

- Técnicas variadas: pintura mural al fresco, temple sobre madera; y desde el S. XV aparece el óleo (influencia flamenca) y el lienzo (inventado por los venecianos)

- Temas religiosos o profanos (históricos, mitológicos, etc.). Los temas religiosos se secularizan. Importancia del retrato .

- Las escenas se enmarcan en la naturaleza o en una arquitectura clásica. - Importancia de la perspectiva, sistema pictórico que trata de simular la profundidad en una

superficie plana. Es el principal logro de la pintura renacentista. Puede ser:

Lineal, ideada por Brunelleschi, parte de la idea de que cuanto más lejos están los objetos más pequeños se deben representar. Para ello se utiliza una pirámide visual formada por

unas líneas que parte de la base y confluyen en un punto de fuga. Es propia del

Quattrocento.

Aérea, surge de las teorías de Leonardo, que se basan en el estudio de la transformación de la percepción de los objetos en función de la distancia y de la luz. Los contornos de las

figuras se desdibujan a medida que se alejan porque aumenta la cantidad de aire entre ellas

y nosotros).

- Importancia del dibujo en el Quattrocento y del color en el Cinquencento y, especialmente, en la escuela veneciana.

- La luz es uniforme en el Quattrocento y selectiva en el Cinquecento. - La composición es simétrica y se organiza en esquemas geométricos, excepto en el

Manierismo.

- La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, siendo el cuerpo humano bello y proporcionado como en la escultura- la principal preocupación. El desnudo permite al artista

alardear de sus conocimientos anatómicos. En el Manierismo se rompe la belleza ideal.

QUATTROCENTO

Florencia es el principal centro artístico aunque en la segunda mitad se forman escuelas de cierta originalidad en

otras ciudades italianas. Importancia del dibujo como delimitador de las formas. Preocupación por representar la

profundidad mediante las leyes de la perspectiva (las líneas de la composición tienden al punto de fuga), por el

volumen y por la composición. Interés por la anatomía humana y el

paisaje. Detallismo anecdótico. Pintura al fresco o temple; a finales del S.

XV se empieza a usar el óleo.

FRA ANGÉLICO . Artista de transición entre el Gótico (fondos dorados,

figuras curvilíneas, delicadas e irreales) y el Renacimiento (interés por la

perspectiva, elementos arquitectónicos y decorativos clásicos). La

Anunciación del Museo del Prado.

MASACCIO . Iniciador del nuevo estilo al aplicar las leyes de la perspectiva para

simular profundidad, espacio y volumen. Influencia de Giotto: volumen y

grandiosidad de las figuras gracias al sombreado, fuerte expresividad psicológica y

movilidad. Destacan los frescos de la iglesia de Santa Mª de Novella con la La

Trinidad y los de la capilla Brancacci con el Tributo de la moneda y Adán y Eva

expulsados del

Paraíso


PAOLLO UCELLO también domina la perspectiva y el escorzo.

Escenas de batallas de gran interés narrativo. La batalla de San

Romano.

PIERO DE LA FRANCESCA.

No trabaja en Florencia sino para grandes familias de ciudades

pequeñas. Su estilo es muy personal con figuras geométricas,

escultóricas y serenas; composiciones muy cuidadas, interés por

la perspectiva e importancia de la luz y el color. Destacan los

frescos de la Veracruz con el Sueño de Constantino donde

emplea luz artificial y la Flagelación de Cristo. Otras obras:

díptico con los retratos de los duques de Urbino y La Virgen,

los Santos y Federico de Montefeltro,

con el duque arrodillado ante la Virgen.

FILIPPO LIPPI . Imágenes dulces y angelicales de sus Madonnas en medio de verdes

parajes.

BOTTICELLI . Pintor de gran refinamiento y delicadeza, admirador de la belleza

femenina (cuerpos elegantes,

ligeros, de largas cabelleras y

rostros melancólicos y tristes,

vestidos con finas gasas que

trasparentan la anatomía).

Introdujo los temas mitológicos

con paisajes idealizados y cuerpos desnudos. La

primavera y el nacimiento de Venus. También fue un

importante retratista.

GUIRLANDAIO. Arte narrativo que muestra los usos y costumbres de la época

con gran minuciosidad. Los cuadros religiosos como la Adoración de los Magos

parecen cuadros de género. También es un gran retratista que capta la psicología

de los personajes como en El anciano con su nieto.

PERUGINO. Principal representante de la escuela de Umbría, preocupada por

los espacios abiertos, amplios y llenos de luz, y las composiciones simétricas y

ordenadas. Es el maestro de Rafael. Figuras

delicadas y de expresión soñadora. La

entrega de las llaves y El matrimonio de la

Virgen.

ANDREA MANTENGA , de la escuela

de Padua, con figuras duras y

grandiosas que parecen esculturas.

Dominio de la perspectiva y el escorzo.

El Cristo muerto o en La muerte de la

Virgen del Museo del Prado.


CINQUECENTO

Roma se convierte en el centro artístico gracias al mecenazgo de los papas. La pintura de esta etapa se caracteriza

por: claridad y sencillez en los temas única escena sin elementos superfluos- y en las composiciones (casi siempre

triangulares; severidad y monumentalidad de las formas; pérdida de importancia del dibujo frente a la luz y el

color; iluminación más real con matices- y con juegos de luces y sombras. Es la culminación de los ideales

clásicos: belleza ideal, orden, simetría, equilibrio y serenidad.

LEONARDO DA VINCI . Modelo de

los campos del conocimiento. Es contemporáneo de la 2ª generación del

Quattrocento pero su pintura representa al Cinquecento por la claridad y sencillez

de las composiciones, por la monumentalidad de las figuras y por romper con la

tradición florentina de predominio del dibujo al pintar de forma suelta y

preocuparse por los efectos del claroscuro. Interés por el hombre sus rasgos físicos

y psicológicos- y la naturaleza. Sus aportaciones son la perspectiva área y el

sfumato (contornos vagos y difuminados que consigue con juegos de luces y

sombras). Sus obras principales: la Virgen de las Rocas, la Dama del Armiño, la

Última Cena, la Gioconda y Santa Ana, la Virgen y el Niño.

RAFAEL SANZIO . A partir de diversas influencias crea un estilo personal con

el que culmina el ideal renacentista (equilibrio, armonía y serenidad). Es un gran

dibujante, retratista y emplea una rica gama cromática. De su etapa de formación,

destaca la obra Desposorios de la Virgen, muy influida por su maestro Perugino

(composiciones ordenadas y rostros delicados). Al independizarse, se traslada a

Florencia donde recoge la influencia de Leonardo y Miguel Ángel. Sus

Maddonnas (del Gran Duque, del Jilguero o del Prado) recuerdan a la pintura de

Leonardo (composiciones piramidales, rostros y paisajes desdibujados por el

sfumato, búsqueda de la belleza idealizada y serena). Después marcha a Roma

donde el papa Julio II le encarga la decoración con frescos de estancias vaticanas.

En la Stanza della Signatura desarrolla escenas que representan los distintos

campos del pensamiento como La Escuela de Atenas que simboliza la verdad

filosófica o verdad racional. Como retratista destacó por la agudeza psicológica

(Retrato de un cardenal, Baltasar Castiglione, Julio II, etc.).

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI . En su primera pintura, Tondo Doni, ya aparecen los rasgos de su estilo:

dominio del dibujo, figuras atléticas, musculosas, monumentales,

expresivas y dinámicas, en las que se deja ver la influencia de la escultura,

y una rica gama de colores. El papa Julio II le obliga a realizar los frescos

de los techos y partes altas de la Capilla Sixtina (sus paredes habían sido

decoradas por otros pintores renacentistas). Miguel Ángel establece el

programa iconográfico y realiza una obra colosal. La bóveda está dividida

en arquitecturas fingidas; en el centro pintó historias del Génesis,

separadas de las laterales por los ignudis (desnudos); en los laterales, los

siete profetas y las sibilas en distintas actitudes (leen, meditan o escriben

como siguiendo la inspiración divina). La escena de la Creación del

hombre es la más conocida.

De nuevo, los papas Clemente VII y Paulo III, le vuelven a encomendar

pintar la pared del fondo donde representa el Juicio Final, momento en el

que se manifiesta el pesimismo que ha invadido al autor y a sus

contemporáneos. En el Juicio final inicia el Manierismo: las figuras se

alargan hasta la desproporción, se retuercen en escorzos forzados, el

colorido se vuelve más lúgubre y transmiten dramatismo y angustia. Es

otro conjunto grandioso organizado en grupos cerrados pero dinámicos.


MANIERISMO

Desequilibrio e inestabilidad, desproporción,

confusión, movimiento, línea serpentina o

helicoidal, composiciones rebuscadas, cuerpo

humano alargado e irrealidad. Originalidad del

artista. Efecto sorpresa.

Colores estridentes e irreales. Luz artificial.

Los principales representante son: Miguel

Ángel (El Juicio Final), Pontormo (El

Descendimeinto), Bronzino (Venus abrazando

a Cupido), Corregio (Dánae, Ganímedes) y

Parmigianino (Virgen del cuello largo)

LA ESCUELA VENECIANA

Las condiciones de la ciudad de Venecia: neblina que desdibuja los contornos, la luz dorada, la alegría de vivir de

una sociedad rica y la influencia oriental por el activo comercio, favorecieron la creación de una escuela de pintura

original que influirá mucho en el arte barroco. Sus rasgos son: predominio del color sobre el dibujo; gran

sensualidad al captar las calidades de los cuerpos femeninos desnudos y de los

brillos de los objetos lujosos; exaltación del lujo y de la riqueza: palacios, telas,

joyas, etc.; importancia del paisaje y de los temas secundarios u anecdóticos;

aparición de elementos exóticos (objetos y animales), sobretodo en Veronés.

GIORGIONE es el creador de la escuela. La Tempestad y la Venus dormida son

obras de gran influencia.

TIZIANO es el más notable y completo de los maestros venecianos. En sus primeras

obras da importancia al dibujo

pero después crea un estilo a base

manchas en el que domina el

color. Es un portentoso retratista,

su retrato de corte (Carlos V,

Isabel de Portugal, Felipe II) en el que resalta la condición social

del personaje, creará escuela en Europa. Pinta multitud de temas:

mitológicos (Dánae y la lluvia de oro, La Bacanal, la Venus de

Urbino, Baco y Ariadna, etc.) religiosos (Magdalena, Santo

Entierro, La

Gloria,).

VERONÉS es el pintor del lujo y el refinamiento, sus cuadros son

auténticas crónicas sociales de la Venecia de su tiempo,

ambientados en fondos arquitectónicos muy amplios. Bodas de

Caná y Jesús ante los doctores.

TINTORETTO es un ejemplo de

pintor manierista (tensión e

inquietud, estilización de las figuras,

dinamismo, fuertes escorzos,

inestabilidad de las figuras, tonos

fríos, luz irreal y fuertes contrastes

de luz y sombra). El milagro de San

Marcos, el traslado de San Marcos,

El Lavatorio de los pies, Susana y

los viejos, etc.


IV . LA PINTURA RENACENTISTA

4.1. CARACTERÍSTICAS GENE RALES DE LA PINTURA RENACENTI STA.

El arte de la pintura experimenta durante el Renacimiento una importante evolución, a partir de las

experiencias de Giotto recogidas por Masaccio, aportando innovaciones que son la base de la pintura moderna. A

pesar de las peculiaridades de cada artista, se pueden establecer unos rasgos comunes:

- Las técnicas son variadas, pues se hace tanto la pintura mural al fresco-que alcanza su culminación en la Capilla Sixtina- como la pintura de caballete, sobre madera con temple de huevo hasta mediados del S. XV,

momento en que se introduce el óleo por influencia flamenca y el lienzo inventado por los venecianos.

- Los temas son religiosos o profanos (mitológicos, alegóricos e históricos) dependiendo de quién encargue la obra. Se observa una secularización de los temas religiosos: los personajes son tratados como personas

humanas. El retrato empieza a adquirir gran importancia en la Florencia del S. XV (Botticelli) como

consecuencia del culto al ser humano y el afán de los burgueses por inmortalizarse; en ellos se reflejan los

rasgos individuales físicos y anímicos del personaje así como su situación social.

- La arquitectura y la naturaleza se introducen dentro del cuadro como fondo en el que se desarrollan las escenas.

- La perspectiva es la gran conquista del Renacimiento en el que se descubre la posibilidad de representar en un plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera dimensión (la profundidad). En un primer momento

se consigue la perspectiva lineal y después llegará la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal es característica del Quattrocento formulada por Brunelleschi en 1416 y desarrollada por Alberti en su tratado De pintura-. Toma como punto de partida la idea de que a más

distancia se encuentren los objetos más pequeños se han de presentar y para ello se trazaban unas líneas de

fuga que se unen en un punto creando una especie de pirámide visual. El espacio pictórico es como una

ventana abierta en la que las figuras se sitúan según un orden establecido marcado por la proporción.

La perspectiva aérea, surge de las teorías de Leonardo, y se basa en la idea de que cuanto más alejados estén las figuras mayor es la cantidad de aire que se interpone entre ellas y nosotros; la lejanía desdibuja los

contornos y colores originando el sfumato.

- La composición es simétrica y se organiza en esquemas geométricos elementales: triángulo, círculo, pentágono, excepto en el Manierismo.

- El dibujo tiene gran importancia entre los pintores del Quattrocento: los pintores delimitan las figuras con líneas nítidas y firmes; mientras que en Cinquecento, en especial en Venecia, pierde interés frente al color.

- La luz en el Quattrocento es conceptual, es decir, no se puede adivinar la procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual. En el Cinquecento surge la idea de la luz dirigida que ilumina

selectivamente.

- La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, siendo el cuerpo humano bello y proporcionadocomo en la escultura- la principal preocupación. En muchos casos aparece desnudo, lo que permite al artista alardear

de sus conocimientos en la representación de la anatomía. En el Manierismo se rompe con este concepto de

belleza ideal.

4.2. LA PINTURA DEL QUATT ROCENTO

Se caracteriza por la importancia del dibujo como delimitador de las formas, por la preocupación por

captar la profundidad del espacio usando las leyes de la perspectiva (la mayoría de las líneas de la composición

tienden hacia el punto de fuga) y por la composición. A esto se suma el gran interés por el estudio de la anatomía

humana y por el paisaje que enmarca las figuras. La luz se emplea para unificar el ambiente y definir los planos. En

la pintura mural se sigue utilizando el fresco y sobre tabla el temple y el óleo (2ª mitad del S. XV)


a) La primera generación florentina

En la primera mitad, hay artistas que mantienen aún la conexión con el gótico como Fra Angélico que huyen

de la realidad, con figuras refinadas, colores vivos y afán decorativo; pero también hay otro grupo de artistas

preocupados por el espacio y el volumen, con mayor sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos

como Masaccio, Paolo Ucello y Piero de la Francesca.

FRA ANGÉLICO (395-1455)

Es un fraile dominico, nacido en un pueblo de la Toscaza, que pasó su vida entre el convento de San Marcos

(Florencia), Orvieto y Roma, donde intervino en la decoración del Vaticano. Su obra representa la continuidad con

el gótico internacional y con el espíritu religioso medieval: fondos dorados, figuras curvilíneas, tiernas y delicadas

que recuerdan a la escuela de Siena. Pero desde 1430, por

influencia de Masaccio, introduce en sus composiciones la

perspectiva, el volumen y los elementos arquitectónicos y

decorativos clásicos. Por tanto, une elementos medievales y

renacentistas. Entre sus obras destacan los frescos del convento de

San Marcos y las Anunciaciones llenas de dulzura y tranquilidad.

La Anunciación del Museo del Prado (hacia 1432) es su obra

más conocida. Fue realizada para la iglesia de Santo Domingo en

Fiésole, en temple sobre tabla. Presenta a los personajes

principales (el ángel y la virgen) enmarcados en un pórtico

renacentista (influencia de Brunelleschi). En el fondo aparece la

escena de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. En la obra se

unen los elementos góticos (tonos dorados, figuras estilizadas,

curvilíneas, delicadas e irreales) con el interés por la perspectiva

y el volumen del nuevo estilo renacentista.

MASACCIO (1401-1428)

Su obra ha tenido una gran importancia en la historia de la pintura, a

pesar de su corta vida, al ser el primero en utilizar las leyes de la

perspectiva lineal creando la sensación de profundidad, espacio y

volumen. Por ello, se le considera el introductor del nuevo estilo

renacentista. Su pintura parte de la influencia de Giotto: sus figuras son

monumentales y grandiosas para lo que utiliza el sombreado, tienen fuerte

expresividad psicológica y movilidad en el espacio.

Sus obras más representativas son los frescos de la iglesia de Santa Mª de

Novella y los de la capilla Brancacci.

En Santa Mª de Novella realizó La Trinidad, una pintura al fresco

en el que las figuras se insertan en un marco

arquitectónico, característico del momento, regido

por las leyes matemáticas de la perspectiva: las líneas

rectas se unen en un punto de fuga y las figuras

ocupan un lugar estudiado y delimitado por unas

proporciones rigurosas, situándose en distintos niveles

de profundidad: Dios y Cristo, San Juan y la Virgen,

los donantes y, en primer plano, el sepulcro con un

esqueleto. La composición es totalmente simétrica:

está dividida en dos mitades iguales separadas por el

eje de la cruz. El espacio pictórico está organizado en

figuras geométricas. La línea predomina sobre el

color. El dibujo es sintético con pocos detalles-

debido a la técnica al fresco. El color es utilizado para

dar mayor armonía al cuadro: el rojo y el azul (frío y

cálido) alternan para evitar que una parte del cuadro

sea más importante que otra. La luz contribuye a dar


volumen creando claroscuros que dan tridimensionalidad a las figuras

Los frescos de la Capilla Brancacci (1424-1427) de la iglesia del Carmen de

Florencia son la obra maestra de Masaccio. En ellos se observa el interés por los

volúmenes grandiosos, una fuerte expresividad y caracterización individual y, sobretodo,

preocupación por el espacio. En la escena de la Expulsión de Adán y Eva del Paraíso

expresa el dolor y la angustia o la vergüenza por haber cometido el primer pecado.

En la misma Capilla Brancacci encontramos el Tributo de la moneda, una escena de la vida de San Pedro,

que narra un episodio en tres secuencias. En el centro aparece Cristo rodeado de sus discípulos y el recaudador que

exige con la mano tendida el tributo para el templo. Cristo le dice a San Pedro que coja un pez y dentro encontrará

la moneda. En la escena de la izquierda, Pedro extrae la moneda y en la de la derecha se la entrega al funcionario.

En esta obra se vuelve a observar el interés por la perspectiva y por la expresión de los sentimientos (los rostros de

los apóstoles reflejan la tensión del momento). La luz es utilizada creando efectos de claroscuro- para dar mayor

sensación de volumen a las figuras al igual que el sombrado. El tema se ha interpretado como una alusión al nuevo

sistema fiscal impuesto en la época por la Iglesia para recaudar más impuestos.

PAOLO UCELLO (1397-1475)

Es también un maestro en el dominio de la

perspectiva. Pinta escenas de batallas como La

batalla de San Romano en la que demuestra un

gran interés narrativo (como un cuento). Es

también un maestro de los escorzos1.

1 Escorzo: modo de representar una figura en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. Un buen ejemplo aparece

en el Cristo muerto de Andrea Mantenga.


PIERO DE LA FRANCESCA (1416-1492)

No trabajó en Florencia sino en ciudades más pequeñas pero para las familias más conocidas del momento,

como los Malatesta de Rímini y los duques de Montefeltro de Urbino. Al estar apartado de Florencia, pudo crear un

estilo muy personal. Su interés por la perspectiva, por las matemáticas y la geometría, le llevó a escribir tratados.

Sus figuras son geométricas, escultóricas y serenas; sus escenas solemnes y sus composiciones muy cuidadas

siguiendo las leyes de la perspectiva. Uno de sus mayores atractivos es el uso de la luz que contribuye a crear

sólidos volúmenes- y el color.

Sus obras más destacadas son los frescos de la Veracruz de la iglesia de San Francisco de Arezzo en los

que aparece el Sueño de Constantino en el que introduce una luz artificial o la escena de la Flagelación de Cristo.

Flagelación de Cristo (1458-1460).

La obra se distribuye en dos partes: a la derecha y en un primer plano, tres hombres conversan; a la izquierda se

desarrolla el tema principal, la flagelación de Cristo. La columna central separa ambas escenas. Desde el punto de

vista compositivo es de un gran rigor matemático al situar las escenas en distinto marco arquitectónico unidas por

las baldosas del suelo. El punto de fuga es el verdugo que está azotando a Cristo. Los personajes son angulosos y

geométricos. La luz proviene del espectador y es diáfana (clara, limpia), ilumina todo el cuadro por igual y

contribuye a crear un ambiente de calma, ausencia de emociones y de intemporalidad. La temática ha tenido

muchas interpretaciones. La tradicional ve en el grupo de la derecha al duque de Urbino, Oddantonio II de

Montefeltro rodeado de los responsables de una conjuración que acabó con su vida; de forma que se compararía su

carácter de víctima inocente con la Pasión de Cristo.

Otras obras destacadas

son el díptico con los

retratos de los duques

de Urbino y La Virgen,

los Santos y Federico

de Montefeltro, con el

duque arrodillado ante

la Virgen.


FILIPPO LIPPI (1406-1469) es conocido

por las imágenes dulces y angelicales de sus

Madonnas en medio de verdes parajes.

También se preocupa por el volumen y la

perspectiva.

Sus obras más conocidas son: Virgen con el

niño y dos ángeles del Museo de los Ufizzi y

Madonna con niño de la Galería de arte de

Washington.

b) 2ª generación florentina

Desde 1460, la pintura adquiere mayor detallismo, refinamiento decorativo, suntuosidad e interés por los aspectos

concretos de la vida como consecuencia de la influencia flamenca. Los pintores más destacados son Botticelli y

Ghirlandaio.

SANDRO BOTTICELLI (1445-1510)

Se formó en el taller de Filippo Lippi y hacia 1470 abrió su propio taller. Es un pintor más filosófico o poético

que científico sin mucha preocupación por la perspectiva. Es un gran admirador de la belleza femenina. Sus figuras

tienen cuerpos elegantes, sinuosos, sensuales, ligeros, dando la sensación de ingravidez, con largas cabelleras y

rostros melancólicos y tristes, vestidos con finas gasas que dejan traslucir la anatomía humana.

Su técnica destaca por el dibujo nervioso de contornos precisos, las líneas ondulantes, la delicadeza y el

refinamiento que recuerdan al gótico.

Sus obras más destacadas son las composiciones mitológicas es el primer pintor desde la antigüedad en tratar

esos temas- con paisajes bastante idealizados y cuerpos desnudos que reflejan el espíritu humanista y neoplatónico

de la corte de los Médicis. Es también un gran retratista.

La Primavera (1482).Galería de los

Uffizi, Florencia. Temple sobre tabla.

Trata un tema alegórico que representa

un rito pagano, la llegada de la

primavera. En el jardín de la eterna

primavera, rodeada de naranjos, aparece

Venus, diosa del amor que destaca tanto

por su posición central como por tener

en torno a su cabeza una especie de

aureola con la vegetación. Sobre ella

vuela su hijo Cupido, que lanza los

dardos de amor hacia las tres Gracias

(Castidad, Belleza y Amor), unas

bellezas rubias, de ojos claros y

melancólicos, ataviadas con vaporosos

vestidos, que realizan una especie de

danza. Castitas, hacia la que apunta la

flecha de Cupido, se vuelve para

contemplar al dios Mercurio (mensajero de los dioses) y nexo de unión entre el cielo y la tierra. A la derecha,

Céfiro (dios del viento) que con su brisa ayuda a llegar a la primavera. Céfiro persigue a la ninfa Cloris, que en el

momento en que éste la toca empieza a expulsar flores por la boca para transformarse en Flora, diosa de la


vegetación y de las flores, que nos mira sonriente a la vez que parece ir esparciendo las flores que anuncian la

llegada de la nueva estación.

Aunque no existe unanimidad sobre el significado del cuadro, una interpretación muy extendida es la que lo

relaciona con un tema típico de la filosofía neoplatónica -el amor platónico-. Esta interpretación dice que bajo la

apariencia de un conjunto de escenas inconexas existe un hilo conductor en el relato: el amor carnal surge de la

tierra mediante la pasión (representada por Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de la ninfa Castitas

hacia Mercurio y la de éste mirando al cielo). Esto significaría que el amor carnal no es el verdadero porque

desaparece al tocarlo (como Cloris) sino el contemplativo, espiritual e idealizado (amor platónico).

La búsqueda de la belleza ideal rostros que reflejan paz y serenidad y cuerpos delicados-, los paños transparentes

que dejan traslucir la anotomía, el movimiento ondulante y el poco interés por la perspectiva son característicos de

Boticcelli. La composición estructurada a base de triángulos, la luz homogénea sin sombras- y los colores suaves

contribuyen a dar al cuadro serenidad.

El nacimiento de Venus (1485). Galería de los Uffizi, Florencia. Temple sobre lienzo.

El tema procede de la mitología

clásica, de un tema homérico

recogido en las Metamorfosis de

Ovidio. Venus, diosa del amor

nació de los genitales de Urano,

cortados por su hijo Crono y lanzados al mar. El cuadro no muestra el momento de su nacimiento sino de su llegada

a la playa de una de las islas dedicadas a ella, posiblemente Citerea. La diosa llega sobre una concha (símbolo de la

fertilidad) empujada por el soplo de Céfiro (dios del viento) que está abrazando a Cloris (diosa de la brisa),

personajes que simbolizan el amor (unión de la materia y el espíritu). Las rosas que caen a sus lados con las flores

sagradas de Venus, creadas a la vez que la diosa, simbolizan del amor por su belleza y fragancia pero, con sus

espinas, recuerdan el dolor que pueden traer. En la orilla, está esperándola la Hora o ninfa de la Primavera, ataviada

con un manto bordado de acianos (la planta de la primavera) y una guirnalda de mirto (planta sagrada de Venus)

para cubrirla con su manto. La diosa está representada como una Venus púdica, de clara inspiración praxiteliana,

que oculta sus partes íntimas con una ondulante cabellera. Es el primer gran retrato femenino desnudo desde la

Antigüedad posiblemente de una bella joven florentina, Simonetta Vespucci, que fue musa del pintor y de la que

se enamoró Giuliano de Médicis.

A diferencia de otros pintores renacentistas, Botticelli ignora la perspectiva de forma deliberada para centrar

la atención en el rostro de la diosa, que trasmite la melancolía y dulzura típica de sus figuras femeninas. El paisaje

está poco cuidado, formado por un sencillo fondo marino con olas y flores referido a los orígenes de la diosa, y

un grupo de árboles naranjos y laurel (representativos de la familia Médicis)- que serían el sagrado jardín de las

Hespérides (donde Céfiro raptó a Cloris).

Es una composición piramidal en la que todas las figuras convergen hacia la figura central; la luz, que emana

de Venus, contribuye a destacar la figura central. El dibujo es suave y preciso destacando la delicadeza del retrato

y el refinamiento de los detalles. Los colores son suaves y delicados, con un claro contraste entre la figura

masculina y la blancura de la Venus. Las figuras son de formas sinuosas y dan la sensación de ingravidez. Todo

ello hace que el conjunto transmita una sensación de calma y suavidad.

La obra no es una exaltación de la belleza física y del amor carnal sino de la inteligencia y el saber. Parece

expresar una idea neoplatónica que decía que el ser humano debía buscar la unidad entre la belleza, el amor y la

verdad, virtudes encarnadas en la Venus. Además, expresa otro rasgo del neoplatonismo: la unión del ideal

cristiano (bautismo que conduce a la vida) con el clasicismo.


DOMENICO GUIRLANDAIO (1449-1494)

Es el mejor ejemplo de pintor narrativo

que deja constancia de los usos y

costumbres de la época con gran

minuciosidad; por ejemplo, sus cuadros

religiosos como la Adoración de los

Magos parecen cuadros de género.

También es un gran retratista que posee

gran habilidad para captar la psicología

de los personajes.

Uno de los retratos más bellos es El

anciano con su nieto con una nariz

deformada por alguna enfermedad.

También pintó cuadros religiosos para

la Capilla Sixtina.

c) Escuela de Umbría

En la 2ª mitad de siglo se creó una escuela preocupada por el espacio abierto y por la creación de un paisaje

ordenado, claro, simétrico y lleno de luz. Su principal representante es PERUGINO (1448-1523), el maestro de

Rafael. Sus figuras son delicadas, femeninas, sentimentales y de expresión soñadora. Su obra principal es La

entrega de las llaves a San Pedro que decora la Capilla Sixtina y El matrimonio de la Virgen, en la que anticipa

las grandes composiciones de Rafael. También realizó muchas Madonnas de formas redondeadas y rostros dulces y

amables.

d) Escuela de Padua

En ella sobresale ANDREA

MANTENGA , un pintor muy

influido por la escultura de

Donatello, conocedor de la

perspectiva y los edificios de la

Antigüedad. Sus figuras son

grandiosas, por su dureza se

asemejan a esculturas, domina la

perspectiva y el escorzo como se ve

en su obra el Cristo muerto o en La

muerte de la Virgen del Museo del

Prado.


4.3. LA PINTURA DE CINQUECENTO

En el primer cuarto del S. XVI, durante el Pleno Renacimiento, Roma se convierte en el centro artístico hacia

el que los grandes artistas son atraídos por los papas. La pintura de este periodo se caracteriza por:

- La claridad y sencillez en los temas y en las composiciones. Se eliminan como en la arquitectura- los elementos superfluos: cada cuadro representa una escena o destaca con claridad la acción y la figura principal.

Las composiciones son sencillas, generalmente, de esquemas triangulares.

- Las formas son severas y monumentales. - Se abandona la preocupación por el dibujo y los contornos muy definidos de las figuras y hay un predominio

de la luz y el color sobre la forma.

- La luz tiene un tratamiento más real con matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día y un interés por el juego de luces y sombras.

- La culminación de los ideales clásicos: búsqueda de la belleza ideal, del orden, de la simetría, el equilibrio y la serenidad.

LEONARDO DA VINCI

Leonardo da Vinci (1452-

ramas del saber: pintura, escultura, matemáticas, biología, ingeniería, aeronáutica, música, etc. Se formó como

pintor en el taller de Verrochio y fue contemporáneo de la 2ª generación de Quattrocento pero los rasgos de su

pintura claridad compositiva y monumentalidad de las figuras- lo convierten en un representante del

Cinquecento. Además, rompió con tradición florentina de predominio del dibujo para pintar de forma más suelta,

preocupándose más de los efectos de la luz, abriendo el camino a la escuela veneciana y a la pintura moderna.

La pintura es para él una actividad intelectual destinada a reproducir la realidad mediante el estudio de ser humano

de sus rasgos físicos (estudios anatómicos) y de los gestos que reflejan el carácter y las emociones - y de la

naturaleza que le rodea.

El estudio de la naturaleza le llevó a sus dos principales aportaciones:

- La perspectiva aérea: representación de la profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo porque la mayor cantidad de atmósfera que interfiere desdibuja los contornos y

colores.

- La técnica del sfumato: los contornos se difuminan utilizando contrastes suaves de luces y sombras que dan a las figuras un aire enigmático y

mutable al envolverlo todo en una neblina que produce la impresión de

inmersión en la atmósfera.

Entre sus obras más destacadas están:

La Virgen de las Rocas (hacia 1483). Museo del Louvre. Óleo sobre

cartón trasladado a lienzo en 1841. Representa una escena religiosa con la

Virgen, San Juan niño, el Niño Jesús que hace un gesto de bendición con

la mano y un ángel. La obra tiene una composición piramidal con un

suave claroscuro para modelar los volúmenes. El fondo es un paisaje

rocoso verde y húmedo envuelto en neblinas de contornos difuminados

por la lejanía.

La Dama del Armiño, es uno de los

cuatro retratos de mujer que pintó

Leonardo. Se trata de Cecilia Gallerani,

la amante de Ludovico Sforza, duque de

Milán, para el que Leonardo trabajo

durante un tiempo.


La Última Cena, pintada entre 1495 y 1497 para el refectorio del convento de Santa María delle Grazie en Milán,

experimentando con una mezcla

de óleo y temple que aplicó

sobre una pared cubierta con un

barniz, de ahí su mal estado de

conservación. Recoge le

momento tenso y dramático en

el que Cristo comunica a los

Apóstoles que uno de ellos le ha

traicionado. Esto le sirve para

expresar las distintas reacciones

emocionales mediante gestos-

de cada uno de los personajes

que reflejan distintos caracteres

humanos. En ella se aplica con

total precisión la teoría de la

perspectiva.

(Ver comentario)

El retrato de Mona Lisa, conocido como La Gioconda (1503).Museo del Louvre.

Óleo sobre tabla. Es un típico retrato renacentista pero no se sabe exactamente de quién. La hipótesis más aceptada es la de que se trata de Monna Lisa, la esposa de

un comerciante llamado Francesco del Giocondo, que acababa de dar a luz a su

segundo hijo y era costumbre encargar un retrato para conmemorar el hecho. Sin

embargo, el cuadro no llegó a sus manos porque Leonardo era muy inconstante, y

probablemente lo terminó años más tarde cuando ya vivía fuera de Florencia. En el

retrato hay dos focos de atención: el rostro con una expresión tranquila, una sonrisa

apenas dibujada y misteriosa, y las manos de un minucioso modelado. Los detalles

están muy cuidados: un fino velo cubre los cabellos, el escote está decorado con

bordados y las mangas brillan de forma natural. El paisaje es casi onírico. La

composición es equilibrada y piramidal. En esta obra lleva al extremo el

tratamiento de la luz a través del claroscuro y el sfumato creando una atmósfera que

envuelve a la figura en un velo misterioso. El retrato tuvo gran influencia ya en su

época; por ejemplo, Rafael adoptó esta técnica en sus retratos posteriores.

Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1508-1510). Museo del Louvre.

Óleo sobre tabla. El tema guarda relación con el culto a Santa Ana

madre de la Virgen- muy extendido en la época. Representa a tres

figuras entrelazadas que transmiten una apacible dulzura que

acentúa la iluminación suave y azulada. Las figuras femeninas-

madre e hija tienen un gran parecido pero contrasta la serenidad de

la madre con la actitud de la Virgen que agarra al niño con fuerza

para separarlo del cordero que simboliza su pasión. La escena se

desarrolla en un paisaje idealizado y rocoso como en la Virgen de

las Rocas- lo que refleja el interés de Leonardo por la geología. La

composición es piramidal. Utiliza la perspectiva aérea y el sfumato:

una suave neblina envuelve las figuras sobre todo los picos

montañosos parecen evaporarse en la atmósfera.


RAFAEL

Rafael Sanzio (1483-1520) sintetizó diversas influencias pero consiguió

crear un estilo personal que culmina el ideal renacentista (equilibrio, la

armonía y la serenidad); además de la maestría en el dibujo y la rica gama

cromática. Nacido en Urbino, mostró desde pequeño aptitudes para la

pintura. Empezó a trabajar para Perugino a los once años y colaboró con él

en distintos trabajos. De su maestro recoge el riguroso ordenamiento

compositivo y los rostros delicados.

A este periodo de formación se debe la obra de los Desposorios de la

Virgen de mucha similitud con dos obras de Perugino (La entrega de las

llaves a San Pedro y el Matrimonio de la Virgen). En ella utiliza una

composición ordenada simétricamente: en el centro está la Virgen, San José

y el sacerdote y a los lados se sitúan los demás personajes. Al fondo un

templete octogonal (recuerda a la arquitectura de Bramante) hacia el que

escapa la mirada del espectador.

Más tarde se independizó y marchó a Florencia donde recibe la

decisiva influencia de Leonardo y Miguel Ángel. Es en esta época cuando

pinta las Madonnas que recuerdan la pintura de Leonardo. En ellas recurre a

las composiciones piramidales y a los paisajes desdibujados. Son ejemplos la

belleza idealizada y serena, propia del Pleno Renacimiento.

- La Madonna del Gran Duque. Palacio Pitti. Se llama así por haber pertenecido al gran duque de Toscana, Fernando III. Parece que fue pinta en 1505 poco después de llegar a Florencia. La influencia de Leonardo es

muy fuerte (sfumato).

- Madonna del Jilguero. Museo de los Uffizi. La Virgen sostiene un libro, símbolo de la sabiduría, el jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juanito le ofrece a Jesús el jilguero como advertencia

sobre el futuro. La influencia de Leonardo es patente: composición triangular, claroscuro y tratamiento

atmosférico del paisaje del fondo. Los rostros están desdibujados mediante el sfumato.

- Madonna del Prado. Museo de Historia del Arte de Viena. Aparece el mismo tema de la Virgen, el Niño y san Juanito, frecuente en la pintura de la época. San Juan se arrodilla, sosteniendo un bastón que representa a la

cruz y el Niño lo coge. La composición piramidal (los dos niños desplazados a la izquierda se compensan con

la extensión del pie de la Virgen hacia la derecha), el paisaje idealizado y el sfumato que lo desdibuja. Son

rasgos típicos de Rafael el rojo intenso del traje y la importancia de la línea delimitando los contornos. Madonna del Gran Duque Madonna del Jilguero Madonna del Prado


En 1508 se traslada a Roma llamado por el papa

Julio II, que le encargó decorar al fresco varias

estancias privadas. La primera estancia que pintó fue

la Stanza della Signatura (lugar donde se celebran

sesiones de los tribunales religiosos). En sus muros

desarrolló todo un programa humanista con escenas

que aluden a los campos principales del pensamiento:

- La disputa del Sacramento, simboliza la verdad revelada o Teología que está representada por la Eucaristía frente a la Escuela de Atenas que se sitúa enfrente que simboliza la verdad filosófica o verdad racional.

(Ver comentario).

- Otros frescos son las Virtudes o alegorías de la Jurisprudencia, que representa a la Justicia y el Parnaso, que representa a las artes.

Continuó la decoración de las estancias vaticanas para León X, con El incendio del Borgo o La expulsión de

Heliodoro. En esta época ya se observa la influencia de Miguel Ángel en los estudios anatómicos.

Rafael también fue un gran retratista destacando el retrato de un cardenal, el Papa Julio II, de Baltasar de

Castiglione, etc. de gran penetración psicológica. Además, a la muerte de Bramante fue nombrado arquitecto de

San Pedro. Retrato de un cardenal Baltasar de Castioglione Julio II

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