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Jacques Ibert 1890–19621 Impromptu 1.47

Alexander Glazunov 1865–19362 Albumblatt 4.26

George Enescu 1881–19553 Légende 6.21

Edvard Hagerup Bull 1922–20124 Perpetuum mobile 1.44

Giacomo Puccini 1858–19245 Storiella d'amore 3.306 Sole e amore 1.377 E l’uccellino 1.158 Canto d’anime 1.399 Avanti Urania! 1.18

Øistein Sommerfeldt 1919–1994Divertimento Op.21 for solo trumpet

10 I. Allegro 2.2111 II. Larghetto 3.3512 III. Allegro con brio 1.35

Manuel de Falla 1876–1946Siete canciones populares españolas

13 I. El Paño moruno 1.1314 II. Seguidilla murciana 1.0615 III. Asturiana 2.3416 IV. Jota 2.4117 V. Nana (Berceuse) 1.4118 VI. Canción 0.5919 VII. Polo 1.25

Paul Hindemith 1895–1963Trumpet Sonata

20 I. Mit Kraft 5.0021 II. Mäßig bewegt 2.2622 III. Trauermusik. Sehr langsam 7.39

Sergei Rachmaninov 1873–194323 Vocalise Op.34 No.14 5.05

Fritz Kreisler 1875–196224 Marche miniature viennoise 3.1025 Toy Soldiers’ March 1.49

68.04

Tine Thing Helseth trumpetKathryn Stott piano

IntroductionThe first time Kathy and I ever played together was live on Norwegian radio (NRK). It was at a festival in Stavanger, and we had barely uttered two words to eachother before the red light was turned on and we played the opening bars of Enescu’s Légende. I was immediately immensely inspired. We spoke the same musicallanguage – we decided we needed to do this more often. Every disc is personal, and this one is no exception. The mix of core trumpet and piano repertoire that I discovered when I was very young and new additions in

the form of transcriptions is a mix I truly love. In a way, you can say that this list of music is, for me, a perfect evening of music-making, starting with the playful, jazz-inspired Impromptu by Ibert and ending with the monumental sonata by Hindemith, the closing chorale of which quotes ‘All men must die’ – not much can follow that.But a longing Vocalise and two characteristic Kreisler pieces leave us on a slightly happier note when the evening is over. Putting together a full recital programme is always a joyful challenge; joyful because being able to choose repertoire for a whole evening is a true privilege, a chal-

lenge because there is normally so much music that we would like to play, and it’s sometimes hard to discover which journey you’d like your audience to experience,and which worlds you’d like them to visit. This disc is a journey that will hopefully take you as a listener to several emotional places, but please remember: I’m merelythe tour guide – the journey is completely your own.� TINE THING HELSETH, 2013

Let the trumpet singTine Thing Helseth’s album unites original trumpet works with arrangements of pieces originally written for voice or another solo instrument. Her repertoire choiceswere guided chiefly by the affective powers of each work and her goal to combine those works together into an inventive and coherent recital journey. Helseth citesthe example of Rachmaninov’s Vocalise, first performed in Moscow in January 1916 and subsequently arranged for just about every conceivable combination ofnstruments. 'I want to be able to show the true palette of colours and range of textures that the trumpet can display and I think it’s important to go beyond the sportaspect of trumpet-playing,’ comments Helseth. ‘The trumpet is as much an expressive instrument as violin, flute or the human voice. We trumpeters can show this tobe the case in a piece like Vocalise.’Jacques Ibert won the coveted Prix de Rome at his first attempt in 1919, and established his reputation as one of the leading French composers of his generation

with a series of fine orchestral and stage works in the 1920s. His Impromptu was published in 1951 and swiftly entered the mainstream of trumpet and piano reper-toire. The miniature composition’s cocktail of confidence, wit and lyrical charm is encapsulated within its ecstatic opening, emerging with lightning speed out of foursubdued repeated octaves in the piano into a forthright trumpet tune that in turn yields to a jaunty dialogue between the two instruments.Alexander Glazunov was a big man, monumental in his physical bulk and also generous enough, despite his conservatism and nostalgia for pre-Revolutionary times,

to encourage forward-looking students under his care as director of the former St Petersburg Conservatory. His Albumblatt was completed in 1899, the year of hisfirst appointment as professor at the Conservatory. The work’s yearning principal melody, a true song without words, and waltz-like central section echo a world ofaristocratic soirées and balls, evocative of the social setting and spirit of scenes from Tolstoy’s War and Peace.Légende stands among the finest things in the trumpet repertoire. It was created in 1906 for Merri Franquin, professor of trumpet at the Paris Conservatoire and

former pupil of the great Jean-Baptiste Arban. Franquin fought and won a testing battle to introduce the C trumpet to common use at the Conservatoire, promoting itahead of the low F instrument then favoured by orchestral players. While the sound of Franquin’s ‘half-length’ trumpet divided contemporary opinion, its cause wasfurthered by the quality and expressive potential of Enescu’s beguiling composition. The composer deploys his highly developed feeling for tonal and textural contraststo eloquent effect, allowing the trumpet’s melodic line to evolve naturally from the opening piano chorale, heightening the work’s build up of tension with outbursts oftriple tonguing, lip slurs and flamboyant scale passages, and introducing a mute to modify the solo instrument’s sound as the music draws to an elegiac close.Edvard Hagerup Bull’s Perpetuum mobile bears the subtitle ‘Hommage à Johann Strauss’, an apt tribute to the Viennese composer’s eponymous ‘musical joke’.

Bull, who died at the age of 89 in March 2012, was the son of a prominent Norwegian banker, author and composer and related to the famous 19th-century violinistOle Bull. His multifarious output includes a trumpet concerto and the sparkling Perpetuum mobile, which he completed in 1995 following his return to Norway afteralmost three decades in Paris.The French capital played a part in Øistein Sommerfeldt’s artistic evolution. He crowned his studies at the Norwegian Academy of Music in the late 1940s with

two extended visits to Paris for composition lessons from Nadia Boulanger. It was to the folk music and traditional sacred songs of his native land, however, thatSommerfeldt turned for direct and lasting inspiration. His Divertimento for solo trumpet, conceived in 1970, effortlessly combines high-spirited fanfares with simplemelodies in its outer movements. The melancholy of the work’s central Larghetto is intensified by recollections of the trumpet’s military heritage, heard in the

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reiterated triplet figures that punctuate the flow of its sombre melody. ‘The piece is well known to trumpet students in Norway,’ says Helseth, ‘and I want to introduceit to as many people as possible.’‘Tomorrow I shall be sending you two sonatas, the one for clarinet and the one for trumpet,’ Paul Hindemith wrote to his publisher on 29 November 1939. ‘I

assume,’ the composer continued, ‘you will be drumming up the attention of the whole pack of experts, particularly for the trumpet sonata; it is maybe the bestthing I have succeeded in doing in recent times, and that is a good sign, as I do not regard any of my newest productions as of little value.’ Hindemith began writinga series of sonatas for almost every orchestral instrument in 1935. The Sonata for trumpet and piano, among the finest of the set, states its themes with crystalclarity, projecting a monumental character into its first movement and unlocking a mood of nervous energy in its successor. The work’s finale, subtitled Trauermusik(‘mourning music’), closes with a haunting statement of the 17th-century chorale melody ‘Alle Menschen müssen sterben’ (‘All men must die’), offering cold comfortto a world afflicted by armed conflict, oppression and suffering.Although Puccini noted in later life that he needed ‘the great window of the stage’ to feel most at ease as a composer, his early romanze and salon songs contain

a strong flavour of the impassioned lyricism and dramatic contrasts that hallmark his operas. Storiella d’amore, the composer’s first published piece, appeared inOctober 1883 in a weekly magazine of popular music. Puccini scholars have traced the ancestry of melodies in the composer’s opera Edgar and in Mimì’s Act I aria,‘Mi chiamano Mimì’, from La bohème to themes from Storiella d’amore. The delightful salon song Sole e amore appeared in print in 1888 in the magazine Paganiniand was later filleted to provide material for the quartet that closes the third act of La bohème. E l’ucellino was created in 1899 as a lullaby for the son of one ofPuccini’s closest friends, Guglielmo Lippi, who had died almost two years earlier. The composition’s simple beauty lies within the intimate confines of a cradle songto its dedicatee, the infant Memmo Lippi.Canto d’anime was written to help demonstrate the new technology of sound recording. The piece was initiated by Alfred Michaelis, the ambitious manager of the Italian

office of the Gramophone Company Limited (predecessor of EMI Classics). He asked Puccini, among other leading Italian and French composers, to write a song‘expressly for the Gramophone’. Puccini eventually accepted the commission and Luigi Illica supplied lyrics for the new piece. After several twists and turns in the story,during which Puccini was seriously injured in a car crash and Michaelis was dismissed from his job, Canto d’anime was completed by the close of 1904 and recorded forthe Gramophone & Typewriter label three years later. Avanti Urania!, completed at Torre del Lago in October 1896, was written to mark the relaunch under the Italian flagand the name Urania of the former Queen Mary, a Scottish-built steamer recently purchased by the song’s dedicatee, Anna, the Marchesa Ginori Lisci.Manuel de Falla, who achieved considerable success as composer and pianist after moving to Paris in 1907, returned to his native Spain seven years later at the

beginning of the First World War. He carried with him the manuscript of his Siete canciones populares españolas, the contents of which married traditional Spanish folkmelodies to Falla’s imaginative harmonies. ‘Falla later worked with the violinist Pavel Kochanski to create a version for violin and piano, so there’s an ideal precedentfor transcribing them for trumpet,’ Helseth observes. She adds that growing audience interest in transcriptions and arrangements reflects a healthy shift away from rigidnotions of textual fidelity and the sanctity of the printed work. In short, transcriptions reconnect with an age in which composers, performers and publishers routinelyrecycled works in multiple forms.Fritz Kreisler’s famous pastiche compositions, which he passed off for many years as the rediscovered scores of ‘past masters’, helped subvert notions of authorial

integrity and reminded 20th-century audiences of the power of a name to shape an artwork’s reception. His original pieces for violin and piano include the Toy Soldiers’March, written in 1917, three years after his discharge from the Austrian army after being wounded, and Marche miniature viennoise, a nostalgic product of 1925.‘I have a need to express myself,’ says Tine Thing Helseth, ‘and I do that through melody. From an early age, I always preferred playing beautiful melodies rather

than technically difficult but often dull trumpet pieces. Because I enjoyed playing tunes, it influenced how I think about the way I approach all those fast passagestoday. Playing fast should not just be about showing off; it has to go deeper than that.’� ANDREW STEWART, 2013

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EinleitungDas allererste Mal, dass Kathy und ich zusammen spielten, war live im norwegischen Radio (NRK). Ich war bei einem Festival in Stavanger und wir hatten kaum zweiWorte miteinander gewechselt, als das rote Licht anging und wir mit den ersten Takten von Enescus Légende begannen. Ich war auf der Stelle begeistert. Wirsprachen die gleiche musikalische Sprache und entschlossen uns, öfter zusammen zu spielen. Jede Veröffentlichung ist eine persönliche Angelegenheit und diese bildet keine Ausnahme. Ich liebe diese Mischung aus Werken des Standardrepertoires für

Trompete und Klavier, die ich kennenlernte, als ich noch sehr jung war, und der neuen Zusätze in Form von Transkriptionen. In gewisser Weise kann man wohl sagen,dass diese Liste von Stücken für mich den perfekten Musikabend darstellt, vom Beginn mit der spielerischen, jazzigen Impromptu von Ibert bis zur monumentalenHindemith-Sonate am Ende, deren abschließende Choralzeile lautet „Alle Menschen müssen sterben“ – darauf kann nicht mehr viel folgen. Doch eine sehnsuchtsvolleVocalise und zwei charakteristische Kreisler-Stücke lassen den Abend doch noch etwas fröhlicher ausklingen.Es ist immer eine freudige Herausforderung, ein komplettes Auftrittsprogramm zusammenzustellen; freudig, da es ein echtes Privileg ist, das Repertoire für einen

ganzen Abend auswählen zu dürfen, eine Herausforderung deshalb, weil es immer so viele Stücke gibt, die man gerne spielen würde, und es manchmal schwer fällt,sich zu entscheiden, auf welche musikalische Reise man das Publikum schicken möchte und welche Welten man ihm zeigen möchte.Diese Aufnahme wird Sie als Zuhörer hoffentlich mit auf die Reise an einige emotional bewegende Orte nehmen, doch vergessen Sie nicht: Ich bin nur die

Reiseführerin, die Reise bleibt Ihre eigene.TINE THING HELSETH

Der Gesang der TrompeteAuf Tine Thing Helseths Album finden sich Original-Trompetenstücke und Arrangements von Stücken, die im Original für Singstimme oder ein anderes Soloinstrumentgeschrieben wurden. Bei der Repertoireauswahl orientierte sie sich hauptsächlich an der emotionalen Kraft der einzelnen Stücke und an ihrem Ziel, diese Werke zueiner einfallsreichen und zusammenhängenden musikalischen Reise zu kombinieren. Helseth gibt hier als Beispiel Rachmaninoffs Vocalise an, welche zuerst imJanuar 1916 in Moskau aufgeführt wurde und danach für fast jede vorstellbare Instrumental-kombination arrangiert wurde. „Ich möchte die gesamte Palette an Farbenund Texturen zeigen, die die Trompete zum Ausdruck bringen kann, und ich denke, es ist wichtig, das Trompetespiel nicht auf einen sportlichen Aspekt zu reduzieren“,kommentiert Helseth. „Die Trompete ist genau so ein expressives Instrument wie die Violine, die Querflöte oder die menschliche Stimme. Wir Trompeter können diesin einem Stück wie der Vocalise klar herausstellen.“Jacques Ibert gewann 1919 im ersten Anlauf den begehrten Prix de Rome und erwarb mit einer Reiher brillanter Orchester- und Bühnenwerke in den 1920er Jahren

eine Reputation als einer der führenden französischen Komponisten seiner Generation. Sein Impromptu wurde 1951 veröffentlicht und entwickelte sich schnell zueinem beliebten Standard im Repertoire für Trompete und Klavier. Der Cocktail aus Selbstvertrauen, Witz und lyrischem Charme, der die Kompositionsminiatur aus-zeichnet, findet sich schon in ihrer ekstatischen Eröffnung, die sich rasant aus vier gedämpften wiederholten Oktaven auf dem Klavier geradeheraus in eineTrompetenmelodie entwickelt, welche dann einem munteren Dialog zwischen den beiden Instrumenten Platz macht. Alexander Glasunow war ein großer Mann, monumental, was seine physischen Ausmaße anging, und auch großzügig genug, trotz seiner konservativen Ansichten und

seiner Nostalgie für vorrevolutionäre Zeiten als Direktor des ehemaligen St. Petersburger Konservatoriums fortschrittlich denkende Studenten zu unterstützen. SeinAlbumblatt wurde 1899 fertiggestellt, das Jahr seiner Berufung zum Professor am Konservatorium. Die sehnsüchtige Hauptmelodie des Werkes, ein wahres Lied ohneWorte, und der walzerähnliche Mittelteil klingen wie ein Nachgesang auf eine Welt voller aristokratischer Soireen und Bälle und beschwören die sozialen Umstände undden Geist von Szenen aus Tolstois Krieg und Frieden herauf.Légende ist eines der besten Stücke im Trompetenrepertoire. Es wurde 1906 für Merri Franquin geschrieben, Trompetenprofessor am Pariser Konservatorium und

ehemaliger Schüler des großen Jean-Baptiste Arban. Franquin focht und gewann einen schwierigen Kampf für die Einführung der C-Trompete zur allgemeinenVerwendung am Konservatorium und gegen die tiefere F-Trompete, die damals von Orchesterspielern vorgezogen wurde. Während die zeitgenössischen Meinungenüber den Klang der Franquin’schen „halblangen“ Trompete auseinandergingen, so wurde ihre Sache doch allein durch die Qualität und das expressive Potential vonEnescus betörender Komposition weiter gefördert. Der Komponist setzt sein hoch entwickeltes Gespür für tonale und strukturelle Kontraste auf beeindruckend effekt-volle Weise ein. Die Trompetenmelodie entwickelt sich natürlich aus dem eröffnenden Klavierchoral heraus, die Anspannung erhöht sich durch dreifachenZungenschlag, Lippenbindung und exaltierte Tonleiterpassagen und schließlich wird ein Dämpfer eingesetzt, der den Klang des Soloinstrumentes modifiziert, und dieMusik kommt zu einem elegischen Ende.

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Edvard Hagerup Bulls Perpetuum mobile trägt den Untertitel „Hommage à Johann Strauss“, ein passender Tribut an den gleichnamigen „musikalischen Scherz“ desWiener Komponisten. Bull, der im März 2012 im Alter von 89 Jahren starb, war der Sohn eines bekannten norwegischen Bankiers, Autors und Komponisten und warmit Ole Bull verwandt, dem berühmten Violinisten aus dem 19. Jahrhundert. Sein vielseitiger Werkskatalog beinhaltet ein Trompetenkonzert und das glanzvollePerpetuum mobile, welches er 1995 nach seiner Rückkehr nach Norwegen nach beinahe drei Jahrzehnten in Paris fertigstellte.Die französische Hauptstadt spielte auch in der künstlerischen Entwicklung von Øistein Sommerfeldt eine Rolle. Er krönte seine Studien an der Norwegischen

Musikakademie in den späten 1940ern mit zwei längeren Paris-Aufenthalten, um bei Nadia Boulanger Komposition zu studieren. Doch unmittelbare und dauerhafteInspiration bezog Sommerfeldt aus der Volksmusik und den traditionellen geistlichen Gesängen seines Heimatlandes. Sein 1970 entstandenes Divertimento fürSolotrompete kombiniert in den Ecksätzen anstrengungslos energische Fanfaren mit schlichten Melodien. Die Melancholie des zentralen Larghetto verstärkt sichdurch Rückbesinnungen auf das militärische Erbe der Trompete. Diese zeigen sich in wiederholten Triolenfiguren, die den Fluss der düsteren Melodie interpunktieren.„Dieses Stück ist unter norwegischen Trompetenstudenten sehr bekannt“, sagt Helseth, „und ich möchte es gerne so vielen Menschen wie möglich präsentieren.“ „Morgen werde ich Dir zwei Sonaten schicken, eine für Klarinette und eine für Trompete“, schrieb Paul Hindemith am 29. November 1939 an seinen Verleger.

„Ich nehme doch an, Du wirst die ganze Riege von Experten darauf aufmerksam machen, besonders auf die Trompetensonate; die gehört mit zum Besten, das mir inletzter Zeit gelungen ist, und das ist ein gutes Zeichen, denn keine meiner jüngsten Produktionen scheinen mir von geringem Wert.“ 1935 begann Hindemith damit,eine Reihe von Sonaten für beinahe jedes Orchesterinstrument zu schreiben. In der Sonate für Trompete und Klavier, einer der besten aus der Reihe, werden dieThemen kristallklar präsentiert, was dem ersten Satz einen monumentalen Charakter verleiht und im nachfolgenden Satz eine nervöse Energie freisetzt. Das Finaledes Werkes trägt den Untertitel Trauermusik und schließt mit der eindringlichen Choralmelodie „Alle Menschen müssen sterben“ aus dem 17. Jahrhundert. Ein kalterTrost in einer von bewaffneten Konflikten, Unterdrückung und Leid geprägten Welt.Auch wenn Puccini später schrieb, dass er das „große Fenster der Bühne“ brauche, um sich als Komponist ganz in seinem Element zu fühlen, weisen schon

seine frühen Romanzen und die Salonlieder einen starken Anklang an die bewegte Lyrik und die dramatischen Kontraste auf, die seine Opern prägen. Storiellad’amore, das erste veröffentlichte Stück des Komponisten, erschien im Oktober 1883 in einem Wochenmagazin für populäre Musik. Puccini-Forscher haben Melodienaus Puccinis Oper Edgar und Mimìs Arie „Mi chiamano Mimì“ im ersten Akt von La bohème auf Themen aus Storiella d’amore zurückverfolgen können. Dasbezaubernde Salonlied Sole e amore erschien 1888 als Abdruck im Magazin Paganini und wurde später zerlegt, um Material für das Quartett zu gewinnen, das dendritten Akt von La bohème abschließt. E l’ucellino wurde im Jahr 1899 als Wiegenlied für den Sohn von Guglielmo Lippi geschrieben, einem engen Freund Puccinis,der beinahe zwei Jahre zuvor gestorben war. Die schlichte Schönheit der Komposition liegt in ihrer Intimität und der Begrenzung ihrer Form als Wiegenlied für daskleine Kind Memmo Lippi begründet. Canto d’anime wurde geschrieben, um die neue Technologie der Tonaufnahme zu demonstrieren. Das Stück wurde von Alfred Michaelis in Auftrag gegeben,

dem ambitionierten Leiter der italienischen Zweigstelle der Gramophone Company Limited (dem Vorläufer von EMI Classics). Er bat Puccini und weitere führendeitalienische und französische Komponisten darum, ein Stück „speziell für das Grammophon“ zu schreiben. Puccini nahm den Auftrag an und Luigi Illica verfasste denText für das neue Stück. Es folgten diverse widrige Ereignisse; Puccini wurde in einem Autounfall schwer verletzt, Michaelis wurde gekündigt und so wurde Cantod’anime Ende 1904 fertiggestellt und erst drei Jahre später bei Gramophone & Typewriter als Aufnahme veröffentlicht. Avanti Urania! wurde im Oktober 1896 in Torredel Lago fertiggestellt und war anlässlich der Umbenennung der Queen Mary, eines ehemaligen schottischen Dampfers, in Urania geschrieben worden. Das Schiff warvon der Widmungsträgerin des Stückes, Anna, der Marchesa Ginori Lisci, aufgekauft worden und lief unter italienischer Flagge erneut vom Stapel. Manuel de Falla, der nach seiner Umsiedelung nach Paris 1907 beachtliche Erfolge als Komponist und Pianist erzielt hatte, kehrte sieben Jahre später zu Beginn

des Ersten Weltkrieges wieder in seine spanische Heimat zurück. Im Gepäck trug er das Manuskript zu Siete canciones populares españolas, in denen sich traditionel-le spanische Volksmusikmelodien mit de Fallas einfallsreichen Harmonien verbanden. „De Falla arbeitete später mit dem Violinisten Pavel Kochanski an einer Versionfür Violine und Klavier zusammen, wir haben hier also einen idealen Präzedenzfall, auf den man bei der Transkription für Trompete verweisen kann“, bemerkt Helseth.Sie fügt hinzu, dass das wachsende Publikumsinteresse an Transkriptionen und Arrangements eine begrüßenswerte Wegbewegung von den starren Konzepten derWerktreue und der Heiligkeit des gedruckten Werkes ausdrückt. Transkriptionen verbinden uns wieder mit einer Zeit, in der Komponisten, Künstler und Verleger häufig Werke auf verschiedene Weise in unterschiedlichen Formen wiederverwendeten.

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Fritz Kreislers berühmte Pastiche-Kompositionen, die er über viele Jahre als wiederentdeckte Werke „alter Meister“ ausgab, halfen dabei, das Konzept derschöpferischen Unantastbarkeit anzukratzen, und erinnerten das Publikum des 20. Jahrhunderts daran, welch großen Einfluss ein berühmter Name auf die Rezeptioneines Werkes hat. Zu seinen Originalstücken für Violine und Piano gehören der Marsch der Spielzeugsoldaten, den er 1917 schrieb, drei Jahre nach seiner Entlassungaus der österreichischen Armee aufgrund einer Verwundung, und der Marche miniature viennoise, ein nostalgisches Produkt aus dem Jahre 1925.„Ich habe ein Bedürfnis, mich auszudrücken“, sagt Tine Thing Helseth, „und ich drücke mich über Melodien aus. Schon seit meiner Kindheit spiele ich lieber schöne

Melodien als technisch anspruchsvolle, aber häufig langweilige Trompetenstücke. Dass ich gerne Melodien spielte, hat die Art und Weise beeinflusst, wie ich heuteschnelle Passagen gedanklich angehe. Beim schnellen Spielen sollte man nicht nur sein technisches Können zur Schau stellen; es sollte um mehr gehen.“ANDREW STEWARTÜbersetzungen: Leandra Rhoese

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IntroductionLa première fois que Kathy et moi avons joué ensemble, c’était en direct à la radio norvégienne (NRK). C’était lors d’un festival à Stavanger, et nous avions à peineéchangé deux mots que le rouge était mis et que nous jouions les premières mesures de la Légende d’Enesco. J’ai aussitôt été immensément inspirée. Nousparlions la même langue musicale – et avons décidé qu’il fallait faire cela plus souvent. Tout disque est personnel, et celui-ci ne fait pas exception. Le mélange de répertoire de base pour trompette et piano que j’ai découvert quand j’étais très jeune et

de nouveaux ajouts en forme de transcriptions est un mélange que j’aime vraiment. D’une certaine manière, on peut dire que ce programme est, pour moi, une soiréemusicale parfaite, commençant par l’Impromptu enjouée d’Ibert, inspirée par le jazz, et se terminant par la monumentale sonate de Hindemith, dont le choral finalcite « Tous les hommes doivent mourir » – il ne pourrait y avoir grand-chose après. Mais une nostalgique Vocalise et deux pièces caractéristiques de Kreisler nouslaissent sur une note plus légère à la fin de la soirée. Composer un programme complet de récital est toujours un joyeux défi ; joyeux, parce que pouvoir choisir un répertoire pour toute une soirée est un vrai privilège ;

et un défi, parce qu’il y a normalement tant de musique qu’on voudrait jouer, et qu’il est parfois difficile de découvrir le genre de voyage que le public voudrait faire,et les mondes qu’on aimerait lui faire visiter. Ce disque est un voyage qui, je l’espère, vous emmènera en tant qu’auditeur en différents endroits, sur le plan desémotions. Mais, rappelez-vous : je suis simplement le guide – le voyage n’appartient qu’à vous.TINE THING HELSETHTraduction : Dennis Collins

Que la trompette chante !L’album de Tine Thing Helseth réunit des œuvres originales pour trompette et des arrangements de pièces écrites à l’origine pour voix ou pour un autre instrumentsoliste. Ses choix de répertoire ont été guidés principalement par les capacités émotionnelles de chaque œuvre et sa volonté de combiner ces œuvres dans unparcours musical inventif et cohérent. Pour Tine Thing Helseth, la Vocalise de Rachmaninov – créée à Moscou en janvier 1916 et qui a été arrangée par la suite pourtoutes sortes de combinaisons instrumentales – en est un bon exemple. « Je veux pouvoir montrer la vraie palette de couleurs et de textures que peut déployer latrompette et je pense qu’il est important d’aller au-delà de l’aspect sportif du jeu de la trompette », affirme-t-elle. « La trompette est un instrument aussi expressifque le violon, la flûte ou la voix humaine. Nous, les trompettistes, nous pouvons montrer que c’est le cas dans une œuvre comme Vocalise. »Jacques Ibert, qui a remporté le très convoité Prix de Rome lors de sa première tentative en 1919, a établi dans les années 1920 sa réputation comme l’un des

principaux compositeurs français de sa génération avec une série d’œuvres orchestrales et scéniques remarquables. Publié en 1951, son Impromptu est rapidemententré dans le répertoire classique pour trompette et piano. Cette miniature, qui mélange le ton de la confidence, l’esprit et le charme lyrique, est résumée par un débutextatique d’où émerge, sur des accélérations brillantes sur quatre octaves répétées au piano, un air franc de trompette qui mène, en retour, à un dialogue enjoué entre lesdeux instruments.Alexandre Glazounov était un homme grand et massif dans son apparence physique. Malgré son conservatisme et sa nostalgie pour l’époque prérévolutionnaire, il était

aussi suffisamment généreux pour soutenir les étudiants avant-gardistes placés sous sa responsabilité en tant que directeur de l’ancien Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Son Albumblatt a été terminé en 1899, l’année de sa première nomination en tant que professeur au Conservatoire. L’ardente mélodie principale de l’œuvre, véritable chant sans paroles, et la section centrale en forme de valse renvoient à l’univers des soirées et des bals aristocratiques évocateurs du cadresocial et de l’esprit du roman Guerre et Paix de Tolstoï. Légende figure parmi les pièces les plus réussies du répertoire de trompette. Cette œuvre a été conçue en 1906 pour Merri Franquin, le professeur de trompette du

Conservatoire de Paris et ancien élève du grand Jean-Baptiste Arban. Franquin lutta et réussit à imposer l’usage généralisé de la trompette en ut au Conservatoire, enfaisant sa promotion à la place de l’instrument en fa grave qui avait alors les faveurs des musiciens d’orchestre. Alors que le son de la trompette plus courte de Franquindivisait l’opinion de ses contemporains, sa cause fut favorisée par la qualité et le potentiel expressif de la séduisante composition d’Enesco. Le compositeur y déploie ungoût très soutenu pour les contrastes tonals et les oppositions de texture afin d’obtenir des effets éloquents. Cela permet à la ligne mélodique de la trompette d’évoluernaturellement depuis le choral initial joué piano, en soulignant la tension croissante de l’œuvre par des explosions de triples coups de langue, des passages en legatoet des gammes flamboyantes. Il emploie la sourdine pour modifier la sonorité de l’instrument soliste lorsque la musique s’oriente vers sa conclusion élégiaque.Sous-titré « Hommage à Johann Strauss », le Perpetuum mobile d’Edvard Hagerup Bull a été conçu comme un hommage justifié à la « plaisanterie musicale » du

compositeur éponyme viennois. Fils d’un important banquier norvégien, auteur et compositeur, Bull – qui est mort en mars 2012 à 89 ans – était apparenté à OleBull, le célèbre violoniste du XIXe siècle. Sa production très variée comprend un concerto pour trompette et le brillant Perpetuum mobile, qui a été achevé en 1995lors de son retour en Norvège après avoir passé près de trois décennies à Paris.

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La capitale française a également joué un rôle dans l’évolution artistique de Øistein Sommerfeldt. Après avoir terminé ses études à l’Académie de Musique deNorvège à la fin des années 1940, il effectua deux longs séjours à Paris pour prendre des leçons de composition avec Nadia Boulanger. C’est cependant vers lamusique folklorique et les chants sacrés traditionnels de son pays natal que Sommerfeldt s’est orienté pour y puiser une inspiration directe et durable. SonDivertimento pour trompette solo, composé en 1970, mêle sans effort dans ses mouvements extrêmes des fanfares animées et de simples mélodies. Au centre del’œuvre, le Larghetto central est intensifié par des souvenirs de l’héritage de la trompette militaire, que l’on entend dans les figures répétées de croches en trioletsqui ponctuent le cours de sa sombre mélodie. « L’œuvre est bien connue de ceux qui étudient la trompette en Norvège », affirme Helseth, « et je veux la faireconnaître au plus grand nombre de gens possible. » « Demain, je vous enverrai deux sonates, une pour clarinette et une pour trompette », écrivit Paul Hindemith à son éditeur le 29 novembre 1939. « Je suppose »,

poursuivait le compositeur, « que vous attirerez l’attention de tout le groupe des experts en particulier sur la sonate pour trompette ; c’est peut-être la meilleurechose que j’ai réussi à faire ces dernières années, et c’est un bon signe car je ne considère aucune de mes productions récentes comme étant de faible valeur. » En1935, Hindemith commença à écrire une série de sonates pour presque tous les instruments de l’orchestre. La Sonate pour trompette et piano – qui figure parmi lesmeilleures de la série – expose ses thèmes avec une clarté cristalline, créant un caractère monumental dans le premier mouvement et une atmosphère d’énergienerveuse dans les suivants. Le finale de l’œuvre, sous-titré Trauermusik (musique funèbre), conclut avec la citation obsédante d’une mélodie de choral du XVIIe

siècle : « Alle Menschen müssen sterben (Tous les hommes doivent mourir) », apportant un froid soulagement à un monde affligé par les conflits armés, l’oppressionet la souffrance. Bien que Puccini ait noté à la fin de sa vie qu’il avait besoin de « la grande fenêtre de la scène » pour se sentir le plus à son aise en tant que compositeur, ses

romanze et mélodies de salon de jeunesse trahissent déjà la forte saveur de lyrisme passionné et de contrastes dramatiques qui caractérise ses opéras. Premièreœuvre publiée du compositeur, Storiella d’amore est parue en 1883 dans un hebdomadaire de musique populaire. Les spécialistes de Puccini ont retrouvé dans lesthèmes de Storiella d’amore l’origine de mélodies de son opéra Edgar et de l’air de Mimì « Mi chiamano Mimì » du premier acte de La bohême. La charmante mélodiede salon Solo e amore est parue en 1888 dans le magazine Paganini. Elle fut complétée par la suite pour fournir des éléments musicaux au quatuor qui termine letroisième acte de La Bohême. Créé en 1899, E l’ucellino a été conçu comme une berceuse pour le fils d’un des amis les plus proches de Puccini, Guglielmo Lippi,qui était mort presque deux ans plus tôt. La beauté simple de cette œuvre réside dans les liens intimes qui unissent la berceuse à son dédicataire, le jeuneMemmo Lippi.Canto d’anime a été composé pour aider à expérimenter la nouvelle technologie de l’enregistrement sonore. L’œuvre a été conçue à l’initiative d’Alfred

Michaelis, l’ambitieux manager de la filiale italienne de la Gramophone Company Limited (prédécesseur de EMI Classics). Il demanda à Puccini, parmi d’autrescompositeurs importants italiens et français, d’écrire une mélodie « spécialement pour le Gramophone ». Puccini accepta finalement la commande et Luigi Illicafournit les paroles de la nouvelle pièce. Après plusieurs événements dans l’histoire de cette œuvre, durant lesquels Puccini fut sérieusement blessé dans unaccident de voiture et Michaelis renvoyé de son travail, Canto d’Anime fut terminé vers la fin de 1904 et enregistré par le label Gramophone & Typewriter troisans plus tard. Terminé à Torre del Lago en octobre 1896, Avanti Urania ! a été écrit pour marquer le nouveau lancement, sous pavillon italien et sous le nomd’Urania, de l’ancien Queen Mary, un paquebot écossais récemment acheté par la dédicataire de la mélodie, la marquise Anna Ginori Lisci.Ayant obtenu des succès considérables comme compositeur et pianiste après s’être installé à Paris en 1907, Manuel de Falla revint dans son Espagne natale

sept ans plus tard, au commencement de la Première Guerre mondiale. Il apportait avec lui le manuscrit des Siete canciones populares españolas dont le contenumélange des mélodies folkloriques espagnoles traditionnelles avec les harmonies imaginatives de Falla. « Falla travailla par la suite avec le violoniste Pavel Kochanskipour créer une version pour violon et piano ; c’était donc un précédent idéal pour transcrire ces mélodies pour trompette », observe Helseth. Elle ajoute que l’intérêtcroissant du public pour les transcriptions et les arrangements reflète un changement salutaire par rapport aux notions rigides de fidélité textuelle et au caractèresacré de l’œuvre imprimée. En bref, les transcriptions renouent avec une époque où les compositeurs, les interprètes et les éditeurs recyclaient couramment lesœuvres sous de multiples formes. Les célèbres pastiches de Fritz Kreisler, qu’il fit passer pendant de nombreuses années pour des partitions redécouvertes de « maîtres du passé », ont contribué

à bouleverser la notion d’intégrité de l’auteur. Elles ont aussi rappelé au public du XXe siècle l’importance d’un nom pour façonner la réception d’une œuvre d’art.Ses pièces originales pour violon et piano comprennent la Marche des petits soldats de plomb, écrite en 1917, trois ans après avoir été réformé de l’armée autri-chienne en raison d’une blessure, et la Marche miniature viennoise, qui est une pièce nostalgiquede 1925.« J’ai besoin de m’exprimer », affirme Tine Thing Helseth, « et je le fais au travers de la mélodie. Dès mon jeune âge, j’ai toujours préféré jouer de belles mélodies

plutôt que des pièces pour trompette difficiles techniquement mais souvent ennuyeuses. Le fait que j’aimais jouer des airs a influencé la manière dont je pensaisqu’il fallait aborder aujourd’hui tous ces passages rapides. Jouer vite ne doit pas être seulement un effet démonstratif ; cela doit être bien plus profond que cela. »ANDREW STEWARTTraduction : Jean-Jacques Velly

Recorded: 24–27.VI.2012, The Friary, LiverpoolProducer: Andrew CornallRecording engineer: Jonathan StokesPost-production: Ian Watson Product and marketing manager: Martin HarrisSenior production manager: Tara Persaud Photography: Paul Marc MitchellBack cover photography: Holger HageSet styling and vintage prop hire: Buttons and Roses EventsClothing provided by Ti MoCover design: Martin HarrisDesign: Paul Marc Mitchell for WLP Ltd.

2013 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company.2013 Warner Classics, Warner Music UK Ltd. A Warner Music Group Company.

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