historia del grabado

5/14/2018 Historia Del Grabado - slidepdf.com

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Historia de las técnicas de grabado

Las técnicas de grabado tienen su origen en China, a raíz de la invención del papel hacia el año 105.El grabado en relieve prosperó en Europa en el siglo XV, cuando llegaron a este continente las técnicasde la fabricación de papel procedentes de Oriente. Desde entonces el grabado en relieve se ha visto

incrementado con las técnicas antes descritas y se continúa practicando como una de las bellas artes.

Litografías y grabados a fibra en China

Las litografías son anteriores a cualquier forma de grabado a la fibra. Para que los alumnos chinos pudieran estudiar sus libros sagrados, los textos clásicos y las correspondientes imágenes sagradas erancincelados en grandes losas planas de piedra. Una vez grabadas las líneas, se aplicaba un papelhúmedo sobre la superficie, de tal manera que el papel quedara introducido en las ranuras queformaban el diseño. A continuación se aplicaba la tinta sobre todo el papel, pero no manchaba laszonas del mismo que estaban metidas en las ranuras. Entonces se levantaba cuidadosamente el papel yla imagen que había sido tallada aparecía en líneas blancas sobre un fondo negro. En esta técnicaradica la verdadera esencia del grabado que continuó desarrollándose con la difusión del budismodesde la India hasta China; una sola plantilla servía para estampar en el papel las imágenes y el texto.Este método de combinar texto e imágenes se llama libro xilográfico.

El grabado a fibra chino más antiguo que se conserva, con texto e imágenes combinadas, es unfamoso manuscrito budista, de unos 5 m de largo, del Sutra del Diamante (868, Museo Británico,Londres). Estas primitivas estampas devocionales eran reproducciones de dibujos de artesanosanónimos, de muy distinta calidad. La tosquedad de las imágenes indica que se reproducían pensando poco en su presentación artística, pero tal como ocurriría en Europa en el siglo XV, estas obrastempranas del arte popular fueron muy importantes para el desarrollo de la estampación.

Hacia final de la dinastía Ming, en la década de 1640, apareció un texto llamado Jardín grande comoun grano de mostaza. Se trataba en realidad de una enciclopedia de la pintura destinada a la formacióne inspiración de los artistas. Muchos de sus bellos e instructivos grabados a la fibra eran en color. Unareimpresión del Manual de pintura llegó a Japón, y con ella la técnica básica del grabado a la fibra,después desarrollada por los artistas japoneses.

Grabados japoneses

No se puede separar la historia de los grabados japoneses del desarrollo del arte en China y de latécnica del grabado en relieve inventada en este país.

El estilo del arte gráfico japonés surgido a mediados del siglo XVIII se conoce como Ukiyo-e, quesignifica ‘imágenes del mundo flotante’. Las primeras estampas Ukiyo-e eran en blanco y negro.

Estaban creadas para el gran público y eran efímeras, semejantes a las tarjetas postales. Algunas sedestinaban a la decoración del hogar y otras marcaban las pautas de la moda y de la conducta delmomento. Pronto se introdujo la estampación en color con múltiples plantillas. Las formas planas ysólidas, los colores muy empleados en el teatro, el diseño y la composición caracterizan el Ukiyo-e posterior, que se apoyó para su florecimiento en el teatro popular japonés, kabuki, ya que entre lostemas favoritos se encontraban los retratos de los actores populares en papeles dramáticos. De lamisma manera que las estampas teatrales anunciaban famosas escenas del teatro, había estampas de bellas mujeres para anunciar el mundo de las prostitutas. El artista más vinculado a este último periodo



es Toshusai Sharaku. Sus grabados son melodramáticos y ponen de relieve los rasgos facialesexagerados y los bellos trajes de los personajes.

Otro tema popular de Ukiyo-e eran las escenas de género. Harunobu se dedicó especialmente a la belleza femenina, representando muchachas llenas de gracia y encanto poético. Quizá el artista másnotable en la representación de la figura femenina fue el imaginativo Utamaro que, con poéticos trazosy gran seguridad en el dibujo, creó imágenes íntimas y eróticas con delicados detalles compositivos.

Grabados japoneses del siglo XIX

La ola

La obra de Hokusai comprende algunos de los mejores grabados paisajísticos japoneses. Entre losmiles de grabados que realizó durante su prolífica carrera se encuentra la famosa serie Treinta y seis

vistas del monte Fuji (c. 1826-1833). En La ola vemos el monte Fuji al fondo y en primer planounas embarcaciones a punto de ser destrozadas por la enorme ola.

En el siglo XIX, las preferencias pasaron de los temas figurativos a los paisajes. Los maestrosindiscutibles en la representación de estos últimos fueron Hokusai e Hiroshige.

Hokusai solía firmar sus obras como ‘el loco por la pintura’. Representaba detalladamente loscambios de estación, fascinado por todos los aspectos de la naturaleza; sus estudios de aves, cataratas,olas, insectos, peces, árboles y montañas forman un famoso libro de dibujos, de 13 volúmenes,

llamado Hokusai manga (comenzado en 1814).Hiroshige hacía hincapié en la calidad de la línea, consiguiendo también extraordinarios efectos de

color contra color. Sus sorprendentes estampas se caracterizan por una degradación que va de lacoloración intensa a una simple pizca de color, junto con un modelado muy estilizado. Destacan entresus obras las series de estampas sobre los viajeros en la carretera de Tokaido (1804) y las Sesenta y

nueve estaciones de la carretera de Kiso.

Hacia 1856 París descubrió los grabados de Hokusai, y pronto se dieron a conocer muchos más. Elentusiasmo que provocaron puso de moda todo lo japonés, tendencia que perduraría en París durante40 años y que ejercería una gran influencia sobre el arte moderno.



Grabados góticos

Los primeros grabados a la fibra que se realizaron en el mundo occidental datan del siglo XV,coincidiendo con el establecimiento de molinos de papel en varias zonas de Alemania, Francia e Italia.Los primeros dibujos, de estilo gótico, fueron tallados toscamente en tacos de madera, entintados yestampados. Las primeras estampas realizadas de esta manera se utilizaban para jugar a los naipes,entretenimiento popular de la época; se vendían baratas y se podían producir en grandes cantidades. Enel periodo gótico, la mayor parte de la vida se centraba alrededor de la Iglesia, por lo que el clero

utilizaba estampas con fines devocionales, distribuyéndolas entre los fieles. Estas estampasrepresentaban escenas de la vida Jesús, de la Virgen María y de los santos, así como historias de laBiblia. Con la fabricación de un papel de buena calidad y barato mejoró la calidad de la estampación yse produjeron muchos libros ilustrados.

Grabados renacentistas

El artista más ilustre del renacimiento en el norte de Europa fue Alberto Durero. Había nacido en Nuremberg en 1471 y, aunque se había formado inicialmente como orfebre, llegó a ser el primer granmaestro gráfico. Su notable capacidad con el buril y la gubia, junto con su atenta observación de lanaturaleza y su pasión por el grabado, le hicieron merecedor del éxito y de la admiración de suscontemporáneos. Dignas de mención son algunas de sus magníficas estampas como El caballero, la

Muerte y el Diablo (1513), así como sus numerosas series de estampas religiosas.El grabador holandés Lucas van Leyden, sobre el que ejercieron gran influencia Durero y el estilo

clásico de sus contemporáneos italianos, representó paisajes holandeses y escenas de interior con manodiestra y sensibilidad. Sus grabados tuvieron gran significación en la fundación de la escuela holandesade pintura en el siguiente siglo. El grabador italiano Marcantonio Raimondi creó imágenes clásicas quedenotan claro sentido de la composición y el detalle y gran sensibilidad. Por aquel entonces laimportancia del grabado en Francia y en España era insignificante.

Hacia mediados del siglo XVI los grabados habían alcanzado gran popularidad y se utilizaban paratodas las formas de ilustración, incluyendo los estudios topográficos y los retratos.

Grandes Exponentes del Grabado Europeo

Alberto Durero

(1471-1528)

El artista más famoso del renacimiento alemán conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos,grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del sigloXVI de su propio país y de los Países Bajos.

Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg. Su padre, Alberto Durero el Viejo, era orfebre yfue el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del artealemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas

alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos comoRobert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden. El concepto empírico del mundode la gente del norte (basado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante elsiglo XVI el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de loshumanistas italianos por el norte de Europa, infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del artealemán, de tradición más conservadora.

Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval —representada con ricastexturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle— con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se



planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interésempírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. En su abundantecorrespondencia —especialmente en las cartas al humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda lavida— y en diversas publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran laclave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico. Desdeaproximadamente 1507 hasta su muerte tomó notas y realizó dibujos para su tratado másconocido,Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros sobre las proporciones humanas,

publicado póstumamente en 1528). Sin embargo, otros artistas contemporáneos suyos, con unaorientación de tipo más visual que literaria, ponían mayor atención en los grabados en planchas decobre y madera de Durero, que en sus escritos dirigidos a orientarlos en la modernización de su artecon desnudos de corte clásico y temas idealizados, propios del renacimiento italiano.

Después de estudiar con su padre, Durero entró con 15 años como aprendiz del pintor y grabador Michael Wolgemut. Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a la considerable tarea derealizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Nuremberg (1493) de Hartmann Schedel, y es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchasde madera. Durante toda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicacionesy era común que los pintores de ese periodo estuvieran también cualificados para realizar xilografías ygrabados para ellas. Como era costumbre entre los jóvenes que habían acabado su periodo deaprendizaje, Durero emprendió un viaje de estudios en 1490. En 1492 llegó a Colmar, donde intentóentrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer que, cosa que no sabía Durero,había muerto en 1491. Los hermanos de Schongauer le aconsejaron que se dirigiera al centro de publicaciones de Basilea, en Suiza, para buscar trabajo. En Basilea y después en Estrasburgo, Durerorealizó ilustraciones para varias publicaciones, entre las que se encuentra Das Narrenschiff deSebastian Brant en 1494 (traducida en 1507 como La nave de los locos). Durante esta primera etapa desu vida, comprendida entre su aprendizaje y su regreso a Nuremberg en 1494, su arte refleja unaenorme facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Dichas cualidadesson especialmente evidentes en una serie de autorretratos, entre los que se encuentra uno de sus dibujosmás antiguos (1484, Albertina, Viena) que hizo a la edad de 13 años, un retrato de expresión seria

dibujado en 1491 (Colecciones de la Universidad, Erlangen, Alemania), y otro retrato en el queaparece como un joven seguro de sí mismo (1493, Louvre, París).

Después de casarse con Agnes Frey en Nuremberg en 1494, Durero viajó a Italia. Allí realizóacuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, probablemente durante su viaje de regreso,como por ejemplo una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres). Durante los diez añossiguientes en Nuremberg, desde 1495 a 1505, produjo un gran número de obras que le ayudaron aasentar su fama. Entre ellas destaca la serie de ilustraciones para grabar en madera de El Apocalipsis

(1498), los grabados de La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504). Éstas y otras obrasde este periodo muestran, en su conjunto, una maestría técnica cada vez mayor en el arte de laxilografía y el grabado, un manejo de las proporciones humanas basado en los textos del tratadistaromano Vitrubio y una brillante capacidad para incorporar detalles de la naturaleza en obras que

reflejan el entorno con gran realismo. En 1497 pintó su Autorretrato (Museo del Prado, Madrid) y en1500 el de la Pinacoteca de Munich, en el que se representa con las características que habitualmentese atribuyen a Cristo, y expresa de forma visual la preocupación que demostró durante toda su vida por elevar la categoría del artista por encima de la del mero artesano.



La melancolía

En el grabado La melancolía (1514) Alberto Durero simboliza la relación entre la ética, la teología ylas ideas intelectuales. La melancolía representa al artista, que posee el conocimiento y la técnica para crear pero cuya inspiración se resiste a levantar vuelo.

Durero volvió a viajar a Italia entre 1505 y 1507. En Venecia conoció al gran maestro Giovanni Belliniy a otros artistas, y la Fundación de Comerciantes Alemanes le encargó una obra importante: el retablode La fiesta del Rosario (1506, Museo Nacional, Praga). En 1507 regresó a Nuremberg donde comenzóun segundo periodo de una ingente producción artística con obras como el retablo para la iglesia de losdominicos de Frankfurt (1508-1509, destruido en un incendio en 1729), la tabla de la Adoración de la

Trinidad (1508-1511, Kunsthistorische Museum, Viena), Eva (1507, Museo del Prado, Madrid);retratos; y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos ediciones de la Pasión, los grabados enmadera para el Arco del triunfo encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Maximiliano I, yuna serie de grabados como El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), San Jerónimo (1514) y La

melancolía (1514). Mediante el grabado de línea Durero consiguió crear diferentes gamas desombreado y texturas con las que logró plasmar formas tridimensionales con una maestría nunca antessuperada.

En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España aAquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación.Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, yde allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato deestos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañerosartistas, especialmente en Amberes. Su audiencia con Carlos I resultó satisfactoria. Regresó a Nuremberg, donde habría de permanecer hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras sondos grandes tablas en las que están representados Los cuatro apóstoles (c. 1526, Alte Pinakothek Munich), que ofreció como regalo a la ciudad de Nuremberg.

La calidad de la obra de Durero, la cantidad prodigiosa de su producción artística y la influencia queejerció sobre sus contemporáneos fueron de una importancia enorme para la historia del arte. En un



contexto más amplio, su interés por la geometría y las proporciones matemáticas, su profundo sentidode la historia, sus observaciones de la naturaleza y la conciencia que tenía de su propio potencialcreativo son una demostración del espíritu de constante curiosidad intelectual del renacimiento.

Schongauer, Martin

(1445-1491), pintor y grabador alemán, famoso por sus 115 estampas de temas religiosos. Nació enColmar, Alsacia (hoy Francia), donde pasó la mayor parte de su vida. La mayoría de sus obras no están

autentificadas o datadas con exactitud. Sus últimas pinturas góticas muestran la fuerte influencia de los pintores flamencos, especialmente de Rogier van der Weyden. Aunque fue muy prolífico, sólo seconservan algunos de sus lienzos. La Virgen del rosal, también conocida como La Virgen y el niño en

el jardín de las rosas, es una de sus obras maestras, un retablo monumental, realizado en 1473 para laiglesia de San Martín en Colmar.

Los grabados en cobre de Schongauer muestran una riqueza y madurez especial, debido a su habilidadcomo pintor. Fue el primer grabador de su tiempo en el norte de Europa y sus diseños decorativostuvieron una gran influencia en el desarrollo del arte alemán, sobre todo en la obra de Alberto Durero.Sus grabados, todos ellos de temática religiosa, muestran un excelente estudio del detalle, unaeconomía en la composición y una gran gama de contrastes y texturas de luces y sombras, muchomayores que las que habían utilizado los estampadores anteriores. Entre sus grabados más conocidosdestacan La muerte de la Virgen, uno de los más grandes y primeros trabajos, y La Pasión de Cristo, unconjunto de 12 grabados ejecutados más tarde (c. 1477), cuando había empezado a trabajar sobre planchas más pequeñas.

Grabados barrocos

Las tres cruces

Rembrandt era famoso tanto por sus pinturas como por sus grabados. Las tres cruces (1653, MuseoBritánico, Londres) es la primera versión de un aguafuerte que el artista reelaboró en más de cuatroocasiones.



Para los artistas barrocos del siglo XVII una imagen podía ser más que la simple descripción de larealidad si además impactaba emocionalmente. Se otorgaba gran importancia a la representación de losgestos, llegando a exagerarlos incluso hasta lo grotesco.

En el siglo XVII la talla dulce y el aguafuerte estaban representados en Francia por la obra de Robert Nanteuil y Jacques Uot, dos artistas procedentes de escuelas muy diferentes. Robert Nanteuil realizabadistinguidos retratos cortesanos, con grabados dibujados por él mismo o copiando pinturas de otrosartistas. Sus obras alcanzaron gran popularidad y llamaron la atención sobre el trazado escultórico, lacalidad de moldeado y la delicadeza que esta técnica permitía.

Jacques Callot, natural de la provincia de Lorena, fue el primer artista importante en desarrollar elaguafuerte como técnica artística. Descubrió que con varias inmersiones de una lámina en ácido se podía conseguir la ilusión de la perspectiva en el grabado, creando los diferentes términos de unaescena. Los experimentos de Callot hicieron posible grabar al aguafuerte imágenes de gran detalle enláminas diminutas y con su gran competencia técnica creó extraordinarios dibujos de gran variedad detemas. Los monarcas españoles y franceses le encargaron que documentara diferentes acontecimientoshistóricos y, entre los aguafuertes realizados en tiempos de guerra, Callot produjo su propia serie deestampas, amargas y devastadoras, titulada Grandes miserias de la guerra (1633).

Callot se unió, durante algún tiempo, a una banda de gitanos, y este hecho influiría en sus series deestampas sobre la Commedia dell’arte (1618) y Gobbi (1622). Con imágenes grotescas y humorísticas,retrató a enanos y a mendigos en gran variedad de trajes y posturas. Para muchos, lo mejor de la obrade Callot son sus vistas de ciudades y de ferias campestres, como la estampa de gran formato Feria de

Impruneta (1620) en la que representó más de 1.000 figuras.

Callot contribuyó de gran manera al desarrollo del grabado. Sin embargo, en el siglo XVII, Rembrandtcreó imágenes de extraordinaria fuerza y sutileza, eclipsando al resto de los artistas del género. Su producción abarca una amplia gama de temas que van desde el retrato y las escenas religiosas hasta el paisaje. Entre sus estampas cabe destacar Autorretrato del artista recostado en un poyo de piedra

(1639).

Los temas que contribuyeron al florecimiento de la escuela de grabado holandesa son el retrato, el paisaje, los estudios de interior y las escenas de la vida cotidiana. Ferdinand Bol, Adriaen van Ostade yAnthony Waterloo representaron en sus aguafuertes la forma de vida holandesa. Bol realizó excelentesretratos, Van Ostade destacó por sus escenas campesinas y de las manos de Waterloo salieron bellos paisajes.

El taller del maestro flamenco Petrus Paulus Rubens, en Amberes, era muy activo. Muchos artistas produjeron un verdadero aluvión de grabados sacados de los apuntes y de los dibujos del maestro. Eldiscípulo de Rubens con más talento fue Anthony van Dyck, que se estableció en Inglaterra en 1632 ytrabajó como pintor de corte para Carlos I. Con la colaboración de otros artistas, Van Dyck acometió latarea de grabar al aguafuerte 128 retratos de los hombres más famosos del momento. Esta colección,conocida como Iconografía (1634-1641), se caracteriza por su economía de líneas y su excelencia

técnica.

Grabados del siglo XVIII

Durante dos siglos el arte de grabar en madera, la xilografía, que había pasado por una época dedecaimiento en Europa debido al triunfo del grabado sobre metales, resurgió con fuerza a finales delsiglo XVIII gracias a una serie de avances técnicos. Las ilustraciones de Gustave Doré, pintor ygrabador francés, representan una de las épocas de mayor esplendor del grabado en madera.Inspirándose en los primeros románticos ingleses y alemanes, indiferente a las novedades, ilustró



algunas de las obras cumbre de la literatura universal: El Quijote de Miguel de Cervantes, la Divina

Comedia de Dante, El paraíso perdido de Milton, obras de Rabelais y de Balzac. Pintó tambiénnumerosos paisajes, con una concepción muy alejada de las tendencias de la época, lo que le granjeó laincomprensión del público francés. Otros artistas franceses como François Boucher y Jean-HonoréFragonard documentaron la vida de la corte con sus dibujos y apuntes, de los que los más importanteseditores sacaron grabados que alcanzaron gran popularidad.

Hasta el siglo XVIII Inglaterra no tenía una gran tradición de la técnica del grabado. Sin embargo, sereproducían los retratos académicos de la nobleza y de la aristocracia por medio de la técnica de lamedia tinta. Mientras el retratista Joshua Reynolds continuaba prefiriendo la tradición académica, untriunvirato de artistas satíricos, con William Hogarth a la cabeza, se dedicó a combatir esta tradición.Con sus grabados, Hogarth, James Gillray y Thomas Rowlandson satirizaron casi todos los aspectos dela vida en la Inglaterra del siglo XVIII. La tónica de sus estampas iba desde la suave reflexiónmoralizadora hasta el comentario salvaje y en algunos casos la obscenidad.

Durante el siglo XVIII las técnicas de grabado volvieron a florecer en Italia, como lo demuestran lasobras de Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto y Giovanni Battista Piranesi. Los grabados de Tiepolo secaracterizan por la delicadeza de las líneas y por el sentido de espaciosidad que conseguíaeconomizando líneas y detalles. El trazado de Canaletto, sólido pero con un toque de ligereza, le

permitió captar el ambiente de la Venecia del siglo XVIII en sus representaciones de patios, canales y bellas arquitecturas. Piranesi, con su pasado de arquitecto y su destreza con el buril, encontró una vía para canalizar su pasión por las antigüedades romanas. Grabó varios miles de estampas, entre las quedestaca la serie Prisiones (1745; 2ª edición 1760-1761); se trata de vistas de gran tamaño de cárcelesimaginarias, representadas con espectaculares detalles arquitectónicos, en los que se combina lalobreguez misteriosa de las mazmorras con la majestad de los techos de altas bóvedas, lasinterminables escaleras y los macizos puentes interiores.

Grabados del siglo XIX

El sueño de la razón produce monstruos



El sueño de la razón produce monstruos (1797-1799) pertenece a Los caprichos, serie de grabadosen la que Francisco de Goya hace una sátira de la sociedad y de la Iglesia y da rienda suelta a sufantasía. Se cree que la figura dormida es un autorretrato del pintor.

Grandes Exponentes del Arte del Grabado

Francisco de Goya

(1746-1828), pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura de su

país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Édouard Manet, Pablo Picasso ygran parte de la pintura contemporánea. Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a unestilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en

la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), siguen causando, hoy día, el mismoimpacto que en el momento en que fueron realizadas.

Goya nació en la pequeña localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de1746. Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeñanobleza de Aragón. Poco se sabe de su niñez. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y comenzó suformación artística a los 14 años, momento en el que entró como aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local competente aunque poco conocido, donde Goya pasó cuatro años. En 1763 el joven artista

viajó a Madrid, donde esperaba ganar un premio en la Academia de San Fernando (fundada en 1752).Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemánAnton Raphael Mengs. Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse Goya más adelante) tuvouna enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargoimportante, los frescos de la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771, 1780-1782), y que seinstalara más tarde en la corte.

En 1771 fue a Italia donde pasó aproximadamente un año. Su actividad durante esa época esrelativamente desconocida; se sabe que pasó algunos meses en Roma y también que participó en unconcurso de la Academia de Parma en el que logró una mención. A su vuelta a España, alrededor de1773, se presentó a varios proyectos para la realización de frescos, entre ellos el de la Cartuja de Aula

Dei, cerca de Zaragoza, en 1774, donde sus pinturas prefiguran las de sus mejores frescos realizados enla iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798, fecha en la que comenzó a hacer grabados partiendo de la obra de Velázquez que, junto con la de Rembrandt, sería fuente de inspiración durantetoda su vida.

En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor decámara, decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio. Goya disfrutó de una posición especialen la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muyimportante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de historia. Éstosúltimos se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica yheroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana. Los cartones para tapices que realizó a

finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la visión fresca yamable que ofrecen de la vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz que,hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del sigloXVII David Teniers. Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajesde la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Obras como Carlos III, cazador (1786-1788); Los duques de Osuna y sus hijos (1788) ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro la Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington) demuestran que en esa época pintabacon un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su contemporáneo inglés Thomas



Gainsborough. Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son: La maja desnuda

(1800-1803) y La maja vestida (1800-1803).

En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que ledejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que,con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. Series posteriores,como los Los desastres de la guerra o Fatales consecuencias de la sangrienta guerra en España con

Buonaparte y otros caprichos enfáticos, (1810) y Los disparates (1820-1823), presentan comentariosaún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad. Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses yciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica. En 1814 realizó El 2 de mayo de

1808 en Madrid: la lucha con los mamelucos y El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la

montaña del Príncipe Pío y pinturas posteriores (ambos en el Museo del Prado). Estas pinturas reflejanel horror y dramatismo de las brutales masacres de grupos de españoles desarmados que luchaban enlas calles de Madrid contra los soldados franceses. Ambas están pintadas, como muchas de las últimasobras de Goya, con pinceladas de grueso empaste de tonalidades oscuras y con puntos de amarillo yrojo brillante.

Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de sucarrera, como La familia de Carlos IV (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sinla idealización habitual.

Las célebres Pinturas negras (c. 1820, Museo del Prado) reciben su nombre por su espantosocontenido y no tanto por su colorido y son las obras más sobresalientes de sus últimos años.Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras deMadrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873. Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c.1821-1823), Aquelarre, el gran cabrón (1821-1823). Predominan los tonos negros, marrones y grises ydemuestran que su carácter era cada vez más sombrío. Posiblemente se agravó por la opresivasituación política de España por lo que tras la primera etapa absolutista del rey Fernando VII y el

Trienio constitucional (1821-1823), decidió exiliarse a Francia en 1824. En Burdeos trabajó la técnica,entonces nueva, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas, que se consideranentre las mejores litografías que se han hecho. Aunque hizo una breve visita a Madrid en 1826, muriódos años más tarde en el exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828. Goya no dejó herederos artísticosinmediatos, pero su influencia fue muy fuerte en los grabados y en la pintura de mediados del sigloXIX y en el arte del siglo XX.

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Los artistas más destacados del siglo XIX realizaron una amplia gama de grabados, notables por ladiversidad y lo atractivo de sus temas. El español Francisco de Goya, por ejemplo, combinó elaguatinta con el aguafuerte para producir visiones veraces de las locuras de la humanidad y de las

atrocidades de la guerra. Su personalísimo estilo queda especialmente patente en la serie de Loscaprichos (1797-1799) en la que, casi con ferocidad, arremete contra el clero y contra el gobierno por su riqueza, su corrupción y su hipocresía. Durante la guerra de la Independencia contra la ocupaciónfrancesa (1808-1814), Goya creó su segunda serie de grabados más famosa, los Desastres de la guerra

(1810), con imágenes aterradoras del espantoso destino que sufren las personas atrapadas en ella.

En París, la litografía constituía un medio barato para reproducir imágenes a gran escala en forma deestampas, periódicos e ilustraciones de libros. Honoré Daumier era la voz de la clase media; estabaespecialmente dotado para la sátira política y el comentario social, y el reinado corrupto de Carlos Xfue el abono perfecto para su fecundo cerebro. Periódicos como Le Charivari difundieron sus



observaciones agudas y mordaces sobre el gobierno, la abogacía y las clases superiores, con susnumerosas debilidades.

William Blake entró, en 1772, como aprendiz en el taller de un grabador y durante siete años realizógrabados para anticuarios. Durante la década de 1780 trabajó como grabador mientras investigaba losmedios para estampar a la vez sus propios poemas e ilustraciones. Realizó varios libros de poesíamística acompañada de sus ilustraciones únicas y extrañas. Entre sus obras más inquietantes cabeseñalar las ilustraciones para el Libro de Job (1826).

Entre los artistas franceses de mediados del siglo XIX destaca el melancólico Charles Meryon. Másimportante que su técnica como aguafuertista era su manera de ver su amado París, sobre todo las partes más antiguas destinadas a ser demolidas. Representó el encanto y la elegancia de esos viejosedificios con un estilo de gran dramatismo.

Desde la década de 1860 hasta finales del siglo, el grabado japonés ejerció una enorme influenciasobre el arte y los artistas europeos. Se dice que el artista parisino Félix Braquemond recibió un envíode platos de porcelana de Japón, envueltos en estampas de Hokusai. Entusiasmado, enseñó éstas a susamigos impresionistas, quienes quedaron muy sorprendidos por su composición plana, vigorosa yasimétrica. Las litografías de Edgar Degas que representan mujeres bañándose y vistiéndose, evocaneste estilo japonés. El exponente más llamativo y original de este japonesismo fue quizá Henri deToulouse-Lautrec. Tomando el cromatismo de las estampas japonesas, que va desde el tono más tenueal más brillante, así como sus imágenes características, dibujó carteles en los que captó la esencia delencanto y de la elegancia.

La popularidad de la litografía en color aumentó gracias a la influencia del artista de carteles JulesChéret. Las bellas litografías en color de Pierre Bonnard y Édouard Vuillard retratan escenas urbanasde París y las intimidades de la vida familiar. Gracias a la obra de Chéret, junto con la de ThéophileSteinlen y la de Toulouse-Lautrec, el cartel se convirtió en un poderoso medio publicitario. El artistacheco Alphonse Mucha puso de relieve, en sus elegantes carteles, la línea sensual y el talantedecorativo que constituían la esencia del movimiento Art Nouveau de finales de siglo.

El artista noruego Edvard Munch creó grabados a la fibra y litografías que se caracterizan por unasimágenes muy personales llenas de fuerza y de pasión. Sus mujeres suelen ser exuberantes y sensuales;sus hombres parecen cargados de angustia y de tensiones internas.

Grabados del siglo XX

Desde el fauvismo, el cubismo y el expresionismo hasta el surrealismo, el expresionismo abstracto, elOp Art y el Pop Art, los numerosos movimientos artísticos que configuran la historia del arte de estesiglo resultan insólitos en cuanto a su cantidad y a su diversidad, así como en cuanto a la rapidez conque se han desarrollado. Los grabadores han desempeñado un papel en cada uno de ellos.

En los albores del siglo XX París seguía siendo el centro del arte occidental, incluyendo las técnicas degrabado. Henri Matisse, Georges Rouault y André Derain formaban parte del grupo de

postimpresionistas que, utilizando el color de manera libre y llamativa, constituían el movimientoconocido como fauvismo. Estos jóvenes artistas utilizaban el color sin ningún tipo de contenciones yasí aparece en sus grabados, excepto en la obra gráfica de Matisse cuyas estampas más importantes sonlitografías en blanco y negro. Para sus numerosas odaliscas (modelos posando como bellezas de unharén), Matisse eligió un fondo con dibujos, muy decorativo, mientras que la modelo lleva un trajeexótico al estilo persa; con esta atmósfera rica y opulenta, en blanco y negro, consigue sugerir laintensidad de un fuerte cromatismo.

El artista francés Georges Braque y el español Pablo Picasso, trabajando juntos a principios de 1909,llegaron al cubismo, que convirtió la imagen realista en forma abstracta, disolviéndola en elementos



cúbicos y entrecruzando formas y planos. Los primeros grabados de Picasso (1904), que tenían como base un soberbio dibujo, denotan franqueza y compasión y evocan una naturaleza sombría ysentimental. En 1930 el editor Ambroise Vollard le encargó una serie de 100 grabados y Picasso creóla llamada Suite Vollard (editada en 1937) que constituye uno de los mayores logros gráficos delartista. Está compuesta por aguafuertes y aguatintas con temas que van desde el artista y sus modelosen el estudio hasta representaciones sensuales y conmovedoras de minotauros y retratos del propioVollard. Braque, Jacques Villon, Juan Gris y Louis Marcoussis realizaron también importantes

grabados cubistas en los que consiguieron una relación cálida y armoniosa entre la línea grabada y elcromatismo de la estampa.

El surrealismo, que buscaba las imágenes que manan del inconsciente y de los sueños, dio un buennúmero de grabadores famosos. Cabe destacar la obra del español Joan Miró, con sus litografías encolor deliciosamente fantásticas, y las obras de André Masson y de Yves Tanguy, en las que seencuentra un carácter fantástico similar con curiosas insinuaciones. En 1910, Marc Chagall llegaba aParís procedente de Rusia. A lo largo de su dilatada carrera, Chagall destacó como pintor y grabador,combinando una encantadora y folclórica ingenuidad con unas imágenes abigarradas y soñadoras. Sus principales obras gráficas son la serie del principio Mi vida (1922), los 105 aguafuertes que ilustranescenas de la Biblia (1956) y los 100 aguafuertes (1948) para la novela Las almas muertas del escritor ruso Nikolái Gógol.

A principios de siglo, y como reacción contra el impresionismo y el postimpresionismo, un grupo deartistas alemanes desarrollaron el expresionismo, estilo que hace hincapié en las emociones subjetivasy en las respuestas al mundo exterior. Como ocurría con el estilo gótico, el grabado a la fibra, marcadoy cercano, era la técnica perfecta. Los artistas Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, ErichHeckel y Otto Mueller, con base en Dresde, formaron el grupo denominado Die Brücke (El puente).Sus estilos variaban desde los fuertes contrastes producidos por secciones de madera toscamentecincelada de los grabados abocetados de Schmidt-Rottluff y los desabridos retratos de Heckel, hasta lascomposiciones líricas de figuras femeninas de Mueller.

En Munich emergió otro grupo, Der Blaue Reiter (El jinete azul) encabezado por el artista nacido en

Rusia Wassily Kandinsky. Sus miembros, junto con el suizo Paul Klee, desarrollaron una abstracciónrefinada, dominada por el ritmo de la línea y por un sentido dramático del color y desprovista deobjetos figurativos. Klee, como artista de prestigio, se separó pronto del grupo y se fue a trabajar solo aSuiza; empleaba imágenes de apariencia infantil, llenas de ingenuidad y fantasía para crear planteamientos personales muy complejos con implicaciones universales.

Los aguafuertes de John Sloan y de Edward Hopper, junto con las litografías de George Bellows,fueron los primeros grabados estadounidenses que captaron todos los aspectos de la vida urbana, de lamiseria a la magnificencia. Los tres artistas pertenecían a la escuela Ashcan, fundada en 1907, y queconstituyó el primer movimiento artístico que rompió con los estilos europeos.

La exposición denominada Armory Show, celebrada en 1913, llevó el modernismo a los grabadores de

Estados Unidos; sus repercusiones siguieron ejerciendo influencia durante muchos años.Tendencias recientes

A partir de 1950, el grabado se ha convertido en la principal forma de expresión para los artistas devanguardia. Entre los artistas contemporáneos que han destacado también como grabadores seencuentran los expresionistas abstractos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

Apartándose de la visión de los expresionistas abstractos surgieron jóvenes artistas de la cultura popular (Pop Art) que, combinando material de los medios de comunicación —revistas, periódicos,



películas y fotografías—, obtenían imaginativas representaciones. Artistas como Andy Warhol, RoyLichtenstein y Robert Indiana desafiaron la tradición gráfica al crear anuncios.

Bibliografía:

Cultura y Estéticas Contemporáneas………………………………….Editorial Puerto de Palos

Léxico Técnico de las Artes Visuales

Enciclopedia Encarta-Internet.

historia del grabado

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