guia didáctica musac 09. temporada expositiva enero - mayo 2009

guía musac 9del 26 de enero al 4 de mayo de 2008

guía musac 9del 26 de enero al 4 de mayo de 2008

Blanca LiTe voy a enseñar a bailar / I ’ll Show You How to Dance

H BoxAlice Anderson, Yael Bartana, Sebastián Díaz Morales, Dora García,

Judit Kúrtag, Valérie Mréjen, Shahryar Nashat y Su-Mei Tse

Dave Muller I Like Your Music I Love Your Music

Cerith Wyn Evans…visibleinvisible

LABORATORIO 987Benicàssim. El Festival / Benicàssim. The Festival

Carmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos,Álvaro Villarrubia y Massimo Vitali

Ivan Grubanov y Ángel de la RubiaDespués de todo / Afterall

PROYECTO VITRINASLa Imagen Editada / The Published Image

Blanca LiTe voy a enseñar a bailar / I ’ll Show You How to Dance

H BoxAlice Anderson, Yael Bartana, Sebastián Díaz Morales, Dora García,

Judit Kúrtag, Valérie Mréjen, Shahryar Nashat y Su-Mei Tse

Dave Muller I Like Your Music I Love Your Music

Cerith Wyn Evans…visibleinvisible

LABORATORIO 987Benicàssim. El Festival / Benicàssim. The Festival

Carmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos,Álvaro Villarrubia y Massimo Vitali

Ivan Grubanov y Ángel de la RubiaDespués de todo / Afterall


guía musac 9

Opening HoursTuesdays to Sundays:

Mornings: from 10:00 to 15:00 hAfternoons: from 16:00 to 21:00 h

Closed on Mondays. FREE ADMISSION

The cloakroom will close at 14:30 and 20:30 h. The visitors should leave fifteen minutes before

the closing time.

Access FacilitiesThe exhibition halls and installations of the museum can be accessed with wheelchairs

and strollers. In the cloakroom of the museum these wheelchairs may be requested for free.

CloakroomTo protect the works of art from possible

accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, packages, bags and purses bigger than 28 x 36 cm in size should be left in the

cloakroom.

AnimalsThe entry of animals is permitted to small dogs

and guide dogs.

Entry RegulationsPhotographs may be taken inside the museum

only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken

only in the entrance and the patios of the museum. Smoking is not permitted inside the

museum, nor entering with food and drinks.

TransportationBus Lines: 7, 11, 12 and 13

Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n.www.alsa.es

Railway Station: RENFE. C/ Astorga s/n.www.renfe.es

Airport: La Virgen del Camino Airport.7 km from the city center.

ParkingThere is a public parking area near the

museum.

HorarioDe martes a domingo:Mañanas: de 10:00 a 15:00 hTardes: de 16:00 a 21:00 hLunes cerrado. ENTRADA GRATUITA

La taquilla cierra a las 14:30 y a las 20:30 h. El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Facilidad de accesoPuede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la recepción del museo se podrá solicitar una silla de ruedas sin cargo.

RecepciónPara proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en la recepción las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes, bolsas y carteras de tamaño superior a 28 x 36 cm, así como cualquier bulto grande.

AnimalesEstá permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Normas de accesoSe permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de vídeo únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas.

Medios de transporteAutobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.esFerrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n.www.renfe.esAeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

AparcamientosMuy cerca del museo hay un aparcamiento público.

editaMUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónAvda. Reyes Leoneses, 2424008 León (España)Tel. +34 987 09 00 00Fax +34 987 09 11 [email protected]

coordinación editorialCarlos Ordás

proyecto gráficomenoslobos

impresiónGráficas Varona, s.a.

depósito legalS. XXXX-XXXX

fotografía© DEAC Musac (p.30)© Carlos S. Suárez (p.31)

Para la elaboración de esta Guía Musac 9 se ha utilizado papel ecológico libre de cloro y se han seguido procesos de impresión respetuosos con el medioambiente. Le rogamos que si no va a conservarla la recicle de manera adecuada. Gracias.

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Blanca Li

Cerith Wyn Evans

JUNTA DE CASTILLA Y LEÓNCONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMOConsejeraDña. María José Salgueiro CortiñasSecretario General D. José Rodríguez Sanz-PastorViceconsejero de CulturaD. Alberto Gutiérrez AlbercaDirector General de Patrimonio CulturalD. Enrique Saiz MartínDirectora General de Promoción e Instituciones CulturalesDña. Luisa Herrero Cabrejas

FUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓNDirector GeneralD. José Luis Fernández de DiosDirector de Artes PlásticasD. Rafael Doctor Roncero

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónDirectorRafael Doctor RonceroConservador JefeAgustín Pérez RubioCoordinadora GeneralKristine GuzmánCoordinaciónMarta GervenoHelena López CamachoCarlos OrdásTania PardoRegistroKoré EscobarJosefina ManzanalPrensaPaula ÁlvarezIzaskun SebastiánBiblioteca-Centro DocumentaciónAraceli CorboCarlos S. SuárezEducación y Acción CulturalBelén SolaAmparo MoroñoANDO C.B.Julia R. GallegoCristina ViñuelaGestor AdministrativoAndrés de la ViudaInformáticoDiego Rodríguez MedinaRestauraciónPablo BernabéMantenimientoMariano Javier RománRoberto GómezIbanoz Álvarez GutiérrezServicios AuxiliaresDALSER S.L.

COMITÉ DE ADQUISICIÓND. José Luis Fernández de DiosD. Rafael Doctor RonceroD. Agustín Pérez RubioDña. Estrella de DiegoD. José Guirao CabreraD. Javier HernandoD. Octavio Zaya

La Junta de Castilla y León presenta el nuevo periodo expositivo del Museo de Arte Contempo-ráneo de Castilla y León, MUSAC, con el objetivo de seguir manteniendo e incrementando los parámetros de calidad e interés artístico que han permitido a nuestro Museo afianzarse entre la crítica y el público como un referente imprescindible de la creación contemporánea dentro y fuera de nuestra Comunidad.

En esta ocasión, el programa, en su línea de prestigio y búsqueda de los elementos de mayor proyección artística en el panorama actual, presenta tres nuevas e importantes exposiciones, en-cabezadas por la muestra de Cerith Wyn Evans, uno de los artistas británicos que con más fuerza ha destacado en el universo creativo de las últimas décadas, para continuar con una muestra monográfica sobre dibujos, en diferentes formatos, de uno de los artistas norteamericanos de mayor prestigio en la actualidad, Dave Muller; así como con la importante exposición individual de la coreógrafa española Blanca Li, de la que se mostrará una selección de sus creaciones más importantes.

Igualmente, las salas del museo acogerán el proyecto de vídeo H Box, a través del cual se presentará la obra audiovisual de ocho artistas internacionales y contaremos, como todas las tem-poradas, con dos intervenciones específicas en el Laboratorio 987. En la primera, se expondrán algunas de las fotografías del proyecto Benicàssim. El Festival, realizado este verano durante el co-nocido evento musical y, la segunda, la muestra Después de todo recogerá obras de Ivan Grubanov y Ángel de la Rubia. Finalmente, el Proyecto Vitrinas nos presentará en La Imagen Editada una selección de publicaciones sobre arte contemporáneo de cuatro de las más importantes editoriales internacionales en la actualidad.

De esta forma, y tras la muestra Existencias realizada para conmemorar los dos años de trayec-toria del centro, el MUSAC retoma su habitual programa expositivo, decidido a seguir trabajando y avanzando en ese objetivo que vamos consolidando cada día y que está convirtiendo a Castilla y León, una vez más en la Historia del Arte, en una tierra y una sociedad abierta a todas las co-rrientes artísticas y comprometida con lo mejor de la creación moderna.

María José Salgueiro CortiñasConsejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León

Continuando con el proyecto editorial iniciado en enero de 2007 en el Proyecto Vitrinas de MUSAC con El mundo de hoy en 20 libros de fotografía, la exposición La Imagen Editada se centra en mostrar la labor de publicación de la imagen fotográfica de cuatro importantes editoriales de marcada persona-lidad y de gran calidad técnica como las españolas ACTAR y LUNWERG, la norteamericana Twin Palms y la alemana Steidl.

La muestra reflexiona sobre el importante papel de las editoriales en la difusión de la fotografía con-temporánea, para lo cual se han seleccionado veinte libros de fotografía publicados por cada una de estas editoriales en los últimos años que se exhibirán en un tiempo aproximado de tres semanas. ACTAR será la

encargada de inaugurar este proyecto, continuará la norteamericana Twin Palms, seguida de LUNWERG y finalizará el proyecto la editorial alemana Steidl.

La exposición se presenta en el Proyecto Vitri-nas del MUSAC y cuenta con un montaje de cuida-do diseño, realizado para la ocasión, donde se han colocado veinte mesas que funcionan a modo de atril con dos sillas enfrentadas donde el espectador puede sentarse libremente a contemplar cada una de las publicaciones.

Gracias al trabajo profesional realizado por es-tas editoriales, el acercamiento de este arte al espec-tador resulta más sencillo y factible. El MUSAC, a través de la muestra La Imagen Editada, pretende promover este acercamiento entre la imagen foto-gráfica y el público que se hace posible a través de la labor editorial.


Leading on from a project that began in January 2007 in MUSAC’s Showcases with Today’s World in 20 Photography Books, the new exhibition The Pu-blished Image, focuses on the work of four leading publishing houses, within the field of photography, highlighting their personality and technical quality: ACTAR and LUNWERG from Spain, Twin Palms in the US and Steidl in Germany.

The show intends to highlight the key role pla-yed by publishing houses in the dissemination of contemporary photography. To this end, MUSAC has selected 20 photography books published by each of these companies in recent years. Each project will be on display for around three weeks. ACTAR will open the show, followed by US pu-

blisher Twin Palms, then LUNWERG and finally German publisher Steidl.

The exhibition take place at MUSAC’s Showcase Project and it is shown on a carefully designed dis-play structured around 20 tables acting as lecterns with two facing chairs, where viewers can sit at ease and study each of the publications.

By virtue of publishing houses’ highly skilful work, viewers can gain easier and more viable ac-cess to artwork. With the exhibition The Published Image, MUSAC intends to strengthen that bond between photography and the viewer that can only exist thanks to the work of the publisher.

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LABORATORIO 987Benicàssim. El FestivalCarmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos,Álvaro Villarrubia y Massimo VitaliDel 26 de enero al 2 de marzo de 2008

Por segundo año consecutivo, MUSAC y FIB Heineken, se dieron cita en Benicàssim. En el mar-co del Fib-Art, una selección de vídeo-creaciones procedentes de los fondos de la colección del museo leonés viajaron al recinto del Festival, donde durante los días que duró el evento –entre el 19 y 22 de julio de 2007–, el arte en movimiento de artistas emer-gentes y consagrados de la talla de Fikret Atay, Patty Chang, Jesper Just, Cristina Lucas, Bjørn Melhus, Fernando Renes, Pipilotti Rist o Martín Sastre, pudo ser disfrutado por miles de jóvenes que una vez más acudieron a su cita anual con la música. Pero este nuevo encuentro entre la música y la creación más actual contó con una importante novedad: si en 2006 el viaje de la institución museística al Festival venía marcado tanto por la innovación en el formato expo-sitivo que ha venido persiguiendo desde sus comien-zos, como por el traslado de un producto netamente reservado a espacios culturales de élite como son los museos, la XIII edición del Festival supuso un viaje de vuelta, un retorno; a través de la construcción de

un retrato de este acontecimiento musical destinado al esparcimiento colectivo, el Festival es ahora quien se adentra en esos canales reservados a la “alta cul-tura” a través de un proyecto editorial y expositivo titulado Benicàssim. El Festival y posible gracias a la Fundación Bancaja.

Así, seis fotógrafos de reconocido prestigio inter-nacional como son Carmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos, Álvaro Villarrubia y Massimo Vitali, viajaron al Festival para captar con su cámara los distintos pálpitos que conforman el pulso de la espectacular cita anual con la música y que han dado lugar a una publicación de gran formato producida en colaboración con ACTAR. Presentada en el Laborato-rio 987, la exposición itinerará por distintos espacios expositivos asociados a la Obra Social de Bancaja, así como otros centros universitarios y culturales del terri-torio nacional durante un período de dos años.

Sin duda, Benicàssim. El Festival perpetúa lo efímero de la música y la experiencia única de su celebración colectiva.

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For the second year in a row, MUSAC and FIB Heineken convened in Benicàssim. Within the Fib-Art framework, a selection of video creations belon-ging to the holdings of Leon’s museum’s collection were taken to the Festival site, where, during the days the event lasted – from July 19th to 22nd, 2007 – the moving art of emerging and established artists of standing, such as Fikret Atay, Patty Chang, Jesper Just, Cristina Lucas, Bjørn Melhus, Fernando Renes, Pipilotti Rist and Martín Sastre, could be enjoyed by thousands of young people who once again attended the yearly musical gathering. But this new encounter between music and the most contemporary creation included an important novelty: whereas in 2006 the museum institution’s journey to the Festival was un-derscored by the innovation in exhibition format it has been pursuing since its beginnings, in addition to the circulation of a product largely reserved for elite cultural spaces such as museums, the 13th edition of the Festival involved a return trip; through the cons-truction of a portrayal of this musical event designed for collective entertainment, the Festival now enters into those channels customarily reserved for “high culture” through an editorial and exhibition project Pág. 6 Ángel Marcos • Pág. 7 Cristina García Rodero

titled Benicàssim. The Festival made possible by the Fundación Bancaja.

Thus, six internationally acclaimed photogra-phers, Carmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos, Álvaro Villarrubia and Massimo Vitali travelled to the Festival to capture with their cameras the beat of the spectacular an-nual musical gathering, which has given rise to a large format publication produced in collaboration with ACTAR. For its official presentation, this book is accompanied by an exhibition in the MUSAC spa-ce known as Laboratorio 987. Afterwards, the show will travel to different exhibition spaces associated with Bancaja’s social endeavours programme, as well as other university and cultural centres in Spain, for a period of two years.

Undoubtedly, Benicàssim. The Festival perpe-tuates what is ephemeral in music and the unique experience of its collective celebration.

LABORATORIO 987Ivan Grubanov y Ángel de la RubiaDespués de todo / AfterallDel 13 de marzo al 4 de mayo de 2008

El Laboratorio 987 presenta a partir del próximo 13 de marzo su nueva programación, que se iniciará con un diálogo entre la obra de los artistas Ivan Gru-banov y Ángel de la Rubia, la muestra titulada Des-pués de todo / Afterall, estará centrada en la reflexión sobre nuestro pasado más reciente, la huella de la memoria, la historia y las connotaciones políticas en la sociedad actual.

Por un lado, el fotógrafo español Ángel de la Rubia (Vigo, 1981), formado en el campo de la fo-tografía, desarrolla un trabajo centrado, fundamen-talmente, en la imagen documental. Uno de sus pri-meros proyectos estaba relacionado con registrar y documentar gráficamente las excavaciones realizadas en Oviedo por la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica que se han llevado a cabo en

La Fosa de Valdediós. Imágenes de fosas comunes, huesos, retratos de testigos que sufrieron la represión franquista, excavaciones, exhumaciones, etc. Sus imágenes inciden en los lugares donde permanece aún latente la huella de un pasado histórico reciente. Si ha documentado las consecuencias de la Guerra Civil española, también han sido Bosnia o el Líbano los lugares elegidos para desarrollar una exhaustiva investigación mediante la imagen fotográfica. Sus fo-tografías reflejan la vida cotidiana de los habitantes de estos dos países en pleno siglo XXI, y es precisa-mente en ese reflejo de cotidianidad donde el joven

fotógrafo se detiene para mostrarnos lo próximo y a la vez lejano que el espectador se encuentra de las circunstancias de esos habitantes. Una vez más, De la Rubia, vuelve al lugar donde aconteció la trage-dia, conviviendo y empapándose de su cultura para devolvernos unos instantes de cotidianidad: paisajes nevados, mercadillos callejeros, jóvenes ante un es-pejo, etc. Influenciado por la fotografía documental e incluso los reporteros de guerra como Luc Delhaye, Ángel de la Rubia nos muestra un mundo en el que la memoria y los recuerdos están presentes en cada una de las imágenes congeladas.

Por otro lado, Ivan Grubanov (Belgrado, Serbia, 1976) plantea una serie de intrínsecos planteamien-tos políticos que derivan del pasado histórico de su país. Tal es el caso de la serie de dibujos titulada

Afterimages, donde el artista explora los iconos reli-giosos comunes en la religión católica y ortodoxa y a través de la simplificación de líneas resalta la esencia de los símbolos. La serie se completa con tres pin-turas de gran formato y con un vídeo. Grubanov toma como punto de partida las obras maestras de la pintura religiosa, creando una serie de dibujos donde la alineación de determinados elementos implica en sí misma una declaración de intenciones. Pintor de formación, Grubanov se ha expresado en numerosas ocasiones utilizando esta disciplina. En las pinturas continúa la misma técnica conceptual que en los

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dibujos. También ha realizado vídeos como el titula-do Beauty of Believing (La belleza de la creencia).

En este caso, la búsqueda de la memoria y la huella del pasado que lleva a cabo Ángel de la Rubia mediante la fotografía, se enfrenta en este diálogo a la mirada del artista serbio, Ivan Grubanov quien revisa acontecimientos políticos de su país, partien-do de lo global al referirse a culturas en decadencia. Fotografías, dibujos y pintura son las técnicas pre-sentes en esta primera exposición que inaugura la nueva temporada del Laboratorio 987.

Laboratorio 987’s new exhibition programme be-gins on 13 March with a conversation between the artworks of Ivan Grubanov and Ángel de la Rubia, in an exhibition by the title of Después de todo / Af-terall, focused on a review of our most recent past, the footprint of memory, history and the political assumptions of contemporary society.

On the one hand we have the Spanish artist Án-gel de la Rubia (Vigo, 1981), who is trained in the field of photography and currently works mainly in the media of documentary snapshots. One of his first projects was to record the excavations carried out in Oviedo by the Association for the Recovery of Historical Memory, who endeavoured to uncover the collective graves at Fosa de Valdediós. Images of group burials, bones, portraits of surviving witnes-ses who suffered repression under General Franco, excavations, exhumations, etc. His pictures focus on those places where the weight of recent history is still very much alive. In addition to the Spanish Civil War, he has also documented Bosnia and Lebanon,

where he carried out an extensive photographic re-search. His photographs capture the everyday life of the people living in these countries in the 21st century. It is precisely the banality of the everyday that this young photographer pauses on to reveal how near and yet how far the viewer is from the-se people’s circumstances. Now again, de la Rubia revisits the scene where tragedy took place, living it and dwelling on its culture, in order to provide us snapshots of its everyday reality. Snow-covered landscapes, street markets, young people gazing into the mirror... Influenced by documentary photogra-phy or even war reporters like Luc Delhaye, Ángel de la Rubia lays before us a world where memory and recollection are present in each frozen frame.

On the other hand, Ivan Grubanov (Belgrade, Serbia, 1976) posits a set of implicit political stan-ces derived from his country’s recent history. This is the approach behind a series of drawings named Afterimages, where the artist explores the icons sha-red by the Catholic and Orthodox confessions and, through a simplification of lines, reveals the essence behind the symbols. The series is complemented by three large-format paintings and a video. Grubanov takes masterpieces of religious art as his starting point, creating a set of images where the placement of certain elements implies in itself a statement of intentions. Trained as a painter, Grubanov uses the medium frequently, aplying the same conceptual te-chniques to his paintings as to his drawings. He has also worked in video, producing a piece titled Beauty of Believing.

In this case, the quest for recollection and traces of the past that Ángel de la Rubia engages in through the medium of photography comes face to face with the gaze of the Serbian artist Ivan Grubanov, who revisits his country’s own political developments, achieving a global relevance through his observations regarding cultures in decline. Photography, drawing and painting are the techniques present in this exhibi-tion that opens the new season at Laboratorio 987.

Pág. 8Ivan Grubanov. Afterimages. 2006. Tinta sobre papel. 30 x 40 cm

Pág. 9Ángel de la Rubia. De la serie Líbano (Silencio). 2006. Fotografía color. 125 x 100 cm

Blanca LiTe voy a enseñar a bailar /I’ll Show You How to Dance

MUSAC presenta la primera exposición que realiza la coreógrafa y bailarina Blanca Li (Granada, 1964)en un contexto especializado en arte contemporá-neo. Esta misma iniciativa da cuenta de las múltiples vertientes sobre las que se despliega su creatividad prácticamente desde los inicios de su trayectoria. Decir de ella que es una artista polifacética no daría cuenta de en qué medida su trabajo como coreó-grafa, bailarina, intérprete o cineasta surge de una actitud basada tanto en la integración de múltiples lenguajes, estilos, géneros y culturas, como en la uti-lización de todos los canales y soportes expresivos a su alcance. El cine, el vídeo, la performance, los anuncios publicitarios, la escena, los vídeos musi-cales, el baile, la escritura coreográfica o el musical

son herramientas que ella cruza, mezcla, yuxtapone, al igual que hace con las referencias culturales y es-téticas que utiliza e integra en sus trabajos: el baile clásico, el flamenco, el hip-hop, las tribus y culturas urbanas, la danza contemporánea, los media, la coci-na, la casa, el gimnasio, etc. Todo ello forma parte de una capacidad para la hibridación y la combinación que en su caso encuentra su mejor canal expresivo a través de la contaminación, el juego, la subversión y la parodia.

El título escogido para su presentación en el MUSAC es Te voy a enseñar a bailar, una decla-ración de principios para una muestra en la que el movimiento y el baile quieren afirmar y construir la libertad de los cuerpos y del espectador. Blanca Li

transforma nuestras rutinas y actos diarios, nuestros códigos sociales y de conducta, nuestra relación con los objetos cotidianos y con nuestros cuerpos, para proponer una atmósfera de comunicación y desin-hibición.

Las obras que se exponen surgen del propio universo creativo de Blanca Li, de sus piezas de danza, de sus películas, de las colaboraciones que ha realizado con otros artistas. En unos casos se muestran tal y como fueron concebidas original-mente, como su cortometraje Angoisse (1998), en el que la propia Blanca construye un hilarante mun-do de pesadilla lleno de desgracias ante el miedo a perder un avión, su pieza de vídeo La paella (1998), en la que escenifica una surrealista clase de cocina, o las que ha realizado en colaboración con Pablo Reinoso, donde se enfrenta a la disfuncionalidad de los muebles creados por Reinoso en las acciones de

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Thoneteando (2006), o se somete en el vídeo Sean-ces (2004) a una sesión de psicoanálisis en la que el movimiento ha sustituido a la palabra. En otros, son replanteadas y recreadas para dar cabida al especta-dor como intérprete, como el espacio sonoro y vi-sual creado en la instalación Disco o la recreación del vídeo musical de Daft Punk, All Around the World (1997), realizado por Michel Gondry con coreografía de la propia Blanca Li.

En este sentido, se presenta también una buena parte de sus colaboraciones para publicidad y vídeos musicales, y una selección de las secuencias bailadas que forman parte de su primer largometraje titulado Le Défi (2001). El visionado de estos trabajos simul-táneamente permite conocer sin duda las múltiples facetas de su trayectoria, pero también descubrir enlaces y conexiones entre la diversidad de medios y canales abordados por ella. En este conjunto de propuestas es donde probablemente se manifiestan de manera más clara y directa algunos de los ele-

mentos que la caracterizan, como la sensación de in-mediatez y espontaneidad que impregna su mundo, la multiculturalidad y la permeabilidad ante todo lo que circula a nuestro alrededor. Especialmente signi-ficativo es su largometraje Le Défi, que asume el reto de rodar un musical centrado en la cultura hip-hop, y lo hace desde una cercanía poco habitual.

Habituada a la colaboración, al cruce de miradas que supone el trabajo en la escena, en el cine o en la publicidad, a la relación entre bailarín y coreógrafa, entre intérprete y director, se ha propuesto en esta ex-posición cruzar su universo creativo con el de otros artistas. Es el caso del vídeo de Sylvie Fleury, con Blan-ca Li como intérprete y coreógrafa, producido por el MUSAC para esta exposición. El resultado es una at-mósfera surrealista de juego de iconos, una reflexión sobre la mujer, sobre la libertad y la identidad, sobre la moda y la belleza, sobre el tiempo y los objetos.

Págs. 10 y 11Pablo Reinoso. Thoneteando. 2006. Vídeo color y sonido. 6’ 23’’

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Una parte destacada de esta exposición es la creación de tres nuevas obras de Blanca Li, plantea-das como vídeo-instalaciones, que abren de manera decidida una nueva línea de propuestas en su tra-yectoria. Una vertiente que se nutre a partes iguales de la performance, la danza y el trabajo específico para vídeo. Producidas para esta muestra por el MUSAC, se presentan Fitness at Home, Clase de baile y Sala de máquinas. En Fitness at Home una familia obsesionada por la salud y el físico encuentra en los objetos de uso cotidiano y en sus actividades diarias una eficaz fuente de ejercicio, casa-oficina-gimnasio intercambian sus papeles de la misma manera que los electrodomésticos se abren a nuevas e insospechadas posibilidades. En Clase de baile, Blanca Li invita al espectador a entrar en un convencional estudio de baile para recibir una sesión de danza impartida por ella misma. En Sala de máquinas, podemos asistir una sesión de gimnasia improvisada sobre unos apa-ratos que sólo nos resultan vagamente familiares a

nuevas máquinas nuevos ejercicios. La presencia de los aparatos creados por la artista Lucy Orta invitan al espectador a seguir el modelo o a improvisar.

Estas tres obras muestran bien un elemento característico que muy a menudo forma parte del trabajo de Blanca Li como es la parodia, la ironía convertida en juego subversivo que busca produ-cir en el espectador una actitud liberadora que tiene mucho que ver con la construcción de una actitud autoparódica. Provocar esa capacidad para reírnos de nosotros mismos tiene mucho que ver con la modificación del modo de percepción del espectador. Blanca Li en estas piezas nos descubre la cercanía del cuerpo con lo cotidiano y con sus rituales y lo transforma en danza, una danza que se manifiesta como experiencia corporal lúdica. Nos descubre el mimetismo del gesto con relación a re-ferentes perfectamente establecidos y asentados en

nuestro entorno cotidiano y lo altera, modificando así nuestra percepción del cuerpo, de nuestros pro-pios gestos y movimientos.

Blanca Li nos invita mediante esta exposición a transformar signos básicos de nuestra experiencia ordinaria y con ello a transformar la relación con nuestro propio cuerpo. En definitiva nos enseña a bailar, nos invita a improvisar.

Pág. 12 (arriba)Blanca Li. Fitness at home. 2007. Vídeo color y sonido. 3’ 30’’

Pág. 12 (abajo)Pablo Reinoso. Thoneteando. 2006. Vídeo color y sonido. 6’ 23’’

Pág. 13Sylvie Fleury. Villa Aparaxia. 2007. Vídeo color y sonido. 9’

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MUSAC is to host choreographer and dancer Blan-ca Li’s first exhibition in a specialised modern art context. Under the title I’ll Show You How to Dance, Blanca Li unfurls the many aspects of her multidi-mensional work as choreographer, dancer, performer and filmmaker. Faithful to an approach based on the integration of different languages, styles, genres and cultures, as well as the use of all channels and medias available, Blanca Li conjures a complex creative uni-verse that brings together new and previous works: the short film Angoisse (1998), the video piece La paella (1998), the Thoneteando actions (2006), a mu-sic video for Daft Punk’s All Around the World (1997) or advertising and music videos included in Le Défi (2001). Alongside this work, Blanca Li is to unveil new video installations produced by MUSAC and based on the performances, dance and specific work for video she is currently exploring: Fitness at Home, Clase de baile and Sala de máquinas. The intensity of her own work is heightened through collaborations with other artists throughout the project: Charles

Carcopino, Paco Delgado, Sylvie Fleury, Tao Gutié-rrez, Rafa Linares, Lola, Lucy Orta or Pablo Reinoso are some of the people who have contributed to this joyful body experience and to the artist’s invitation to alter our own physical perceptions.

Pág. 14 (arriba)Blanca Li (con la colaboración de Lucy Horta). Sala de máquinas. 2007.

Vídeo color y sonido. 6’ 23’’

Pág. 14 (abajo)Sylvie Fleury. Villa Aparaxia. 2007. Vídeo color y sonido. 9’

Pág. 15Alí Mahdavi. Retrato de Blanca Li, s.a. Fotografía color

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6 H BoxShahryar Nashat • Dora García • Yael Bartana• Judit Kúrtag • Valérie Mréjen • Alice Anderson •Sebastián Díaz Morales • Su-Mei Tse

MUSAC presenta H Box, un espacio de proyección nómada diseñado por el artista-arquitecto Didier Faustino bajo la dirección artística de Benjamin Weil y el patrocinio de Hermès, en el que se visionan ocho nuevas vídeo-creaciones de jóvenes artistas de ámbi-to internacional: Alice Anderson (Reino Unido), Yael Bartana (Israel), Sebastián Díaz Morales (Argenti-na), Dora García (España), Judit Kúrtag (Hungría), Valérie Mréjen (Francia), Shahryar Nashat (Suiza) y Su-Mei Tse (Luxemburgo).

El proyecto, promovido y financiado por Hermès dentro de su programa de creación artística, ha permi-tido la creación ex profeso para este espacio de obra de ocho vídeo-artistas. Cuatro nuevas programaciones

darán continuidad a H Box durante los próximos años. Benjamin Weil, comisario y director artísti-co del proyecto, ha seleccionado para esta ocasión a ocho artistas internacionales que expondrán su obra en un espacio exento diseñado, ex profeso, por el artista-arquitecto Didier Faustino. A esta dimensión internacional se añade el interés de las etapas que esta exposición itinerante realizará en museos de todo el mundo. Su viaje, que se iniciará en el Centre Pompidou de París, continuará, tras su estancia en el MUSAC, en el MUDAM, Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean de Luxemburgo y la TATE de Lon-dres, visitando posteriormente otros espacios expo-sitivos de Asia y América.

Pág. 16 Sebastián Díaz Morales. Oracle. 2007. Vídeo color y sonido. 11’

Pág. 17Judit Kurtág. Midway. 2007. Vídeo Color y sonido. 17’

H Boxprograma de vídeo

SHAHRYAR NASHATPlaques (Slab), 2007

DORA GARCÍAHôtel Wolfers, 2007

YAEL BARTANAMary-Koszmary, 2007

JUDIT KÚRTAGMidway, 2007

VALÉRIE MRÉJENBulles, 2007

ALICE ANDERSONBluebeard, 2007

SEBASTIÁN DÍAZ MORALESOracle, 2007

SU-MEI TSEOpen Score, 2007

MUSAC presents H Box, a nomad screening spa-ce designed by artist and architect Didier Fiuza Faustino under Benjamin Weil’s art direction and supported by Hermès, which will display eight new video creations by international young artists: Alice Anderson (United Kingdom), Yael Bartana (Israel), Sebastián Díaz-Morales (Argentina), Dora García (Spain), Judit Kúrtag (Hungary), Valérie Mréjen (France), Shahryar Nashat (Switzerland) and Su-Mei Tse (Luxembourg).

The project, promoted and supported by Hermès under its artistic creation programme, has commis-sioned ad hoc works for the H Box from eight video artists. The project will develop through four further programmes over the coming years. Benjamin Weil, the project’s curator and art director, called on eight international artists whose work will be screened in a free-standing construction designed by artist and architect Didier Fiuza Faustino. The artists’ interna-tional extraction is particularly relevant in view of the travelling exhibition’s schedule to tour museums around the world. Having kicked off at Paris’ Centre Pompidou, the H Box is now coming to MUSAC and will then move on to MUDAM, Luxembourg’s Mu-sée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, and the TATE in London, later heading for exhibition venues in Asia and the Americas.

Dave MullerI Like Your Music I Love Your Music

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Artista, comisario, agitador cultural, dj y coleccionis-ta de discos, Dave Muller (San Francisco, California, 1964) goza de gran prestigio en el panorama norte-americano, destacando sus proyectos para el Saint Louis Art Museum, la Bienal del Whitney, o el SFMO-MA. I Like Your Music I Love Your Music (Me gusta tu música, amo tu música) es su primera exposición individual en nuestro país, y presenta una recopilación de los trabajos del artista de los últimos años en torno a su tema fundamental: el valor cultural de la música y su reciprocidad social, tanto como retrato individual como colectivo. Los discos, en este caso representa-dos por dibujos de sus lomos, carátulas o por archi-vos sonoros de canciones, son un punto de entrada a la historia personal y los recuerdos del artista, pero también a los de los espectadores y a la construcción de la identidad cultural a través de la música. Muller concibe la música como una red de intercambios y relaciones estéticas, sociales y personales.

Dave Muller comenzó a destacar en los años no-venta en la escena de San Francisco y Los Angeles, con el dibujo como principal disciplina, que siempre ha desarrollado unida a su pasión por la música, como trompetista, coleccionista de discos y dj. A través de sus apropiaciones de imágenes referentes al mundo del arte –y sobre todo al de la música–, ha conseguido trasladar al campo expandido del dibujo logrando una especie de retrato e intrahistoria a partir de estas coor-denadas que le son cercanas. Así, durante los años no-venta centró su actividad en torno al apropiacionismo de las imágenes de la cultura y el arte contemporáneo, realizando invitaciones para exposiciones de amigos, dibujando imágenes extraídas de los medios, así como portadas de Art Forum o pósters de exposiciones en el MOMA, Blum & Poe, Santa Monica Art Museum, etc. Así, su universo cultural aparece ligado al de compa-ñeros de generación como Sam Durant, Anne Collier, Jorge Pardo o Andrea Bowers.

Muller fue también durante un tiempo asistente del artista Mike Nelly, con el que participó en va-rias de las performances de la Destroy All Monster, banda que formaron Mike Nelly, Jim Shaw y Cary Loren, entre otros, y en la que colaboraba como trompetista y performer. Es asimismo reconocido como un destacado agitador cultural no solamente por sus performances y sesiones de dj en numero-sos eventos culturales y musicales, sino también por ser el creador de Three Day Weekend, un evento en el que él, ejerciendo de comisario de exposiciones, seleccionaba trabajos de artistas y amigos para que

durante un largo fin de semana ocurrieran en un de-terminado espacio eventos como la presentación de trabajos, conciertos, performances, pases de vídeos, etc. Esta actividad, que comenzó a llevarse a cabo de una manera totalmente underground en Los Angeles en 1994, fue poco a poco tomando fuerza y se ha realizado en ciudades como Nueva York, Londres,

Págs. 18 y 20The Beggining of the Middle, the Middle of the Middle and the End of the Middle.

2005. Instalación, técnica mixta y acrílico sobre muro. Medidas variables

Pág. 19 (izquierda)Mike’s Top Ten (PINK). 2004. Acrílico sobre papel. 218,5 x 96,5 cm

Pág. 19 (derecha)Jeff’s Top Ten (For the last month I was single). 2004.

Acrílico sobre papel. 218,5 x 96,5 cm

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Berlín o Tokio, tanto en importantes instituciones –Royal College of Art, Londres o en colaboración con la Bienal del Whitney, Nueva York– como en espacios alternativos.

Cabe destacar que el mundo de la música va unido al de Muller no sólo por su actividad como músico y dj, sino por su compulsión coleccionista de todo tipo de música y los artefactos que de ésta se desprenden, como los propios vinilos, casetes, etc. Todo este material es la base primigenia para elabo-rar el discurso de sus últimos trabajos centrándose en los artefactos de la cultura musical y en la inci-dencia de éstos en el propio terreno artístico.

La muestra I Like Your Music I Love Your Mu-sic toma parte de su título de la exposición que en 2004 Dave Muller realizó en la galería Blum & Poe de Los Angeles, titulada I Like Your Music. Haciendo un puente entre 2003 y la actualidad, el artista com-pleta el recorrido que lleva realizando durante estos últimos años en torno a la música como generador esencial de su práctica artística. La exposición, que no pretende ser una retrospectiva sino un proyecto que condense gran parte de la labor de este artista, se articula en torno a cuatro espacios.

En el espacio que da entrada a la muestra, al igual que ocurría en su exposición I Like Your Mu-sic, Muller trata los temas de la identidad y el retra-to. Así, sobre las paredes se pueden ver acuarelas de gran tamaño representando los lomos de las fundas de LP que han cambiado la vida del artista. Los Top Ten son la particular manera que Dave Muller tiene de retratarse a sí mismo y a las personas de su en-torno. El artista pide a una persona –su galerista, su

mujer, sus amigos, etc.– que le proporcione una lista de sus diez discos favoritos y a partir de ahí dibuja los lomos de éstos reproducidos con las medidas exactas de altura de esa persona, produciéndose así un retrato no sólo formal sino también de la identi-dad cultural del individuo.

En el siguiente espacio encontramos la instalación mural The Beginning of the Middle, the Middle of the Middle and the End of the Middle (2005). Este wall drawing o dibujo sobre pared, cuyo título podríamos

traducir como “El principio de la mitad, la mitad de la mitad y el final de la mitad”, fue presentado por primera vez en la Bienal de Lyon, posteriormente en su individual en la Gladstone Gallery de Nueva York y actualmente forma parte de la Colección MUSAC. Muller desarrolla una especie de paisaje cronológico en el que comienza a rastrear una suerte de historia de la música, y donde el propio paisaje se vuelve y se re-compone en el sentido natural de los acontecimientos. Así, el año de la bomba atómica está representado a

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través de una palmera o la inserción de la música pop a partir de una bola de cristal sobre la línea cronoló-gica. De todas maneras, esta idea de Muller va más allá por cuanto sus propios pensamientos, criterios y visiones quedan patentes en el dibujo, aconteciendo que a partir de la música retro en el año 2013 el rock habrá muerto, representado aquí por un desierto. En el dibujo vemos representados momentos de la mú-sica pop, la black music y otros estilos que sobre todo son esenciales para entender el desarrollo de la música norteamericana, contexto al que pertenece el artista. La instalación se completa con obras independientes que acompañan al mural, para, de esta forma, comple-tar su visión y armar el mundo musical que nos quiere transmitir Muller con ésta “su” historia musical.

En esta sala Muller presenta además tres de sus piezas de archivos sonoros o estaciones de radio, tituladas genéricamente Where I’m At Is… (Donde estoy es…), obras siempre en proceso de crecimiento en las que el artista compila todo su archivo musical, formado por más de 90.000 canciones en este mo-mento, que él compra o descarga de Internet, para reproducirlas a través de tres pequeños transmisores de radio por cada una de las piezas.

En el tercer espacio, Muller, a partir de pequeños segmentos dispares de información, crea un todo co-

herente pero abierto. Así, los Beatles se unen a una teoría matemática, que reflejada en una bola de disco-teca y unida a su vez al libro de Piero Scaruffi Historia de la Música Rock, junto con las canciones favoritas de la hija del artista, dan lugar a un conjunto que Muller plasma sobre las paredes de la sala.

Por último, se accede a una suerte de panteón de-dicado a la instalación The Way We Live Now (2007), traducible como “La forma en la que vivimos hoy”. Este espacio aparece ocupado por dibujos de Muller extraídos de recortes del libro Please Kill Me (“Por favor, mátame”) en los que se reflejan los nombres, identidades y años de fallecimiento de numerosos mitos de la cultura norteamericana, que van desde el poeta William Burroughs hasta el fotógrafo Robert Mapplethorpe, pasando por Edie Sedgwick, el actor John Belushi o músicos como Sid Vicious. En definiti-va, The Way We Live Now da a entender al espectador el peso de la cultura contemporánea en la formación de nuestras identidades.

Pág. 21Self-portrait (In the studio). 2006. Acrílico sobre papel. 244 x 140 / 262 x 94 cm

Pág. 22The Way We Live Now (detalle). 2007.

Instalación, acrílico sobre papel y técnica mixta. Medidas variables

Pág. 23January 2007, According to NY Times (With The Beatles). 2006.

Acrílico sobre papel. 212 x 202 cm

Artist, curator, cultural agitator, dj and record co-llector, Muller is highly acclaimed on the American scene, particularly for his projects at the Saint Louis Art Museum, the Whitney Biennial or the SFMO-MA. For I Like Your Music I Love Your Music the artist brings to MUSAC a selection of recent works around his key theme: the cultural value of music and its social reciprocal relevance, both as an indi-vidual and a collective portrait. Records, represented here in drawings of their spines, covers or in sound files, etc., provide the point of entry to the artist’s personal history and recollections, but also to the viewer’s, pointing the way to the construction of

cultural identity through music. Muller sees music as a network of exchanges and aesthetic, social and personal relationships.

I Like Your Music I Love Your Music draws part of its title from Dave Muller’s 2004 exhibition at the Blum & Poe gallery in Los Angeles, I Like Your Mu-sic. Bridging the gap between 2003 and today, the ar-tist completes the cycle covered over the recent years around the theme of music as a core generator of his artistic practice. The exhibition, which does not set out to provide a retrospective, but rather a project that brings together major elements of the artist’s work, is structured around four different spaces.

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4 Cerith Wyn Evans...visibleinvisible

Durante los últimos años, Cerith Wyn Evans se ha convertido en un punto de referencia imprescindible, y su sofisticada obra –y la disposición de ésta para conectarse y relacionarse a través de evocaciones y encubrimientos–, ha inspirado a muchos artistas emergentes. Esta obra está concebida inequívoca-mente por su relación crítica e histórica frente a las posibilidades y vicisitudes tanto del cine como de la escritura. Las relaciones inusuales entre el espacio, la luz, el lenguaje y los objetos, así como lo seductor y lo indeciso de éstos, las ha tomado de aquéllos. Sin embargo, mientras sus piezas e instalaciones echan mano de una amplia gama de géneros, medios y dis-cursos, tanto cultos como populares, siempre existe cierto desdén por los lugares comunes, siempre hay

opacidad, y la experiencia de la obra suele implicar la aceptación de la imposibilidad de inmediatez y coherencia.

Con sus adaptaciones, montajes y composiciones de múltiples referencias, que usualmente favorecen modos de presentación con pliegues y disyunciones imperceptibles, Evans nunca privilegia ni fomenta una lectura fenomenológica del espacio ni el uso li-teral de los materiales. En cambio, las combinaciones de materiales inesperados –como neones luminosos, textos filosóficos, espejos, plantas y fuegos artificia-les–, y sus enlaces, afinidades y adyacencias donde a menudo se producen leves trastornos y desórdenes, apuntan a interrupciones e intrusiones que desplazan los registros y las percepciones. Nada es lo que parece: en este espacio multiforme e intertextual el énfasis pa-rece caer entre lo visible y lo invisible, entre presencias y ausencias. Lo que parece inescapable y prevalente es el establecimiento de lo que el artista enuncia como

una ocasión, un escenario, una cifra contra la metáfo-ra, “algo que suple algo que no suple nada”.

En efecto, la obra de Cerith Wyn Evans es una exploración de los límites de la visión a partir de la creación de escenarios donde objetos y represen-taciones se deslizan mas allá de lo retinal en una suerte de cifras sin compromiso, como frecuencias sin asignación. En este registro se disponen sus ya reconocidas “chandeliers” (2003-2007) –las lámparas colgantes de distintos estilos y orígenes, acompaña-das de pequeñas pantallas de ordenadores donde las más variadas fuentes literarias del siglo pasado (entre textos filosóficos, poemas, cartas, etc.) se transmiten a partir del código Morse que se transforma en luz intermitente para desplegar un espacio mágico de

significaciones “luminosas”–. Los tres nuevos “chan-deliers” que Evans ha creado expresamente para esta muestra selectiva en España añaden a su polifonía barroca un acento sin igual que remata la multitu-dinaria conversación y latido pestañeante que man-tienen las celebridades del siglo XX –salvo el caso “mitológico–simbólico” de Madame de La Fayette y el del Marqués de Sade–, que conforman el universo subjetivo del artista. Entre las entrevistas, los textos filosóficos, los poemas y las cartas de John Cage, Eve Kosofsky Sedwigk, J. G. Ballard, Judith Butler, James Merrill, Siegfried Marx, Michel de Certeau o Pierre Klosowski, fragmentos textuales del esperpento de Ramón María del Valle-Inclán, la minuciosa narrativa densa de Juan Benet y la agudeza analítica de Sánchez Ferlosio parpadean sus traducciones luminosas.

Su Dreamachine (1998), inspirada por el proto-tipo que diseñaron Brion Gysin y Ian Sommerville, indaga igualmente en la percepción: esta instalación

Pág. 24Mobius Strip. 1997. Neón. 100 x 50 cm

Pág. 25 y portadaLook at that picture…

How does it appear to you now? Does it seem to be

Persisting?Vista de la instalación en White Cube, Londres.

31 de octubre - 6 de diciembre, 2003

Págs. 26 y 27Dreamachine (I). 1998. Técnica mixta. Dimensiones variables

Pág. 28coloured chinese lanterns... 2007. Neón. 200 x 900 x 10 cm

Pág. 29The sky is thin as paper here... 2004.

Dos proyectores de diapositivas, unidad de disolución. 35’

–la primera que debemos experimentar y “ver” con los ojos cerrados– construye un espacio donde las pulsaciones y vibraciones de la luz cinemática acti-van en el cerebro un estado casi-hipnótico.

La oscilación significante del momumental tex-to de neón coloured chinese lanterns… (2007) reúne una vez más texto y luz, consciente e insconsciente,

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para transmitir emociones e ideas en una suerte de tejido mental que entretiene tanto los entrama-dos de la ilusión y del tiempo como los límites del lenguaje.

Estas obras, en definitiva, se emplazan, y toman presencia, en el deslizamiento entre lo visible y lo invisible, de lo visible en lo visible, desplegando con

elegancia y precisión, inteligencia y diversión, un territorio de vistas y visiones que altera y desafía nuestra percepción, “en el que algo sucede comple-tamente de nuevo por primera vez”.

Over recent years Cerith Wyn Evans has become an indispensable point of reference, and his sophistica-ted oeuvre – disposed to set up relationships through evocations and concealments – has inspired many emergent artists. It’s an oeuvre unmistakably concei-ved in terms of its critical and historical links with the possibilities and vicissitudes of film and writing, from where it has taken the unusual relations bet-ween space, light, language and objects, and their seductiveness and indefiniteness. However, while his works and installations turn to a wide range of genres, media and discourses, both highbrow and popular, they always encompass a certain disdain for the commonplace, a certain opacity, and the expe-rience of his oeuvre usually implies acceptance of the impossibility of immediacy and coherence.

With his adaptations, stagings and composi-tions embracing multiple references that usually

favor presentations characterized by imperceptible folds and disjunctions, Evans never privileges a phe-nomenological reading of space or a literal use of materials. And yet the combination of unexpected materials (such as bright neon lights, philosophical texts, mirrors, plants and fireworks) and their links, affinities and kinships, that often give rise to slight disturbances and disorders, suggest interruptions and intrusions that displace registers and percep-tions. Nothing is as it seems: in this multiform and intertextual space, emphasis appears to fall between the visible and the invisible, between presences and absences. What seems inescapable and prevailing is the establishment of what the artist enunciates as an occasion, a scenario, a cipher against metaphors, “something standing in for something that doesn’t stand in for something else.”

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“se encendieron linternas chinas coloreadas, en competición directa con la luz de la luna. se colocaron velas en nichos y se atornillaron fluorescentes a palos de madera para hacer surgir nítidas zonas de sombras. de manera intencionada, aunque despreocupada, todo había sido ocultado. los pensamientos flotan en estas atmósferas lumínicas, la noche hoy es más larga. aparecen dibujos brutales y se inundan los sótanos. en una casa de dios se han construido pasillos kilométricos. cuando entras en tales pasillos, compuestos completamente de piedra reflectante dura, te emborrachan los ecos. dentro de otra casa, todo está a la altura de lo que esperas. te muestran el interior para que lo admires. de repente, encuentras una carta de tu madre. te suplica que te sacrifiques por tu país. con ella estarás completamente solo. hay niebla por todas partes gracias a las máquinas de niebla que se habían montado...”

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VISITAS GUIADASVisitas con un educador del MUSAC, de una hora de duración las que se ofrecen las claves principales para que el espectador disfrute con más conocimien-tos de las exposiciones. Actividad gratuita y sin inscripción previa (mínimo de 6 personas). Hay que solicitar un aparato receptor de sonido en la taquilla del museo cinco minutos antes del comienzo de la actividad.Horarios: De martes a jueves a las 19:00 hViernes a las 17:00, 18:00 y 19:00 hSábados y domingos a las 11:00, 12:00, 13:00, 17:00, 18:00, 19:00 y 20:00 hActividad gratuita

ACTIVIDADES PARA ADULTOSTALLERES:Fotografía y arquitectura de interiores.Olga Cuesta Arte Sonoro. La expresividad amplificada del cuerpoRui Costa y Manuela Barile Performance multidisciplinarFechas y horarios por confirmar www.talleresmusac.blogspot.com

CURSOS:Curso de Introducción al Arte del S.XXTaller de Análisis y Cultura VisualCine Documental. Realidad y Vanguardia.Del 12 de enero al 15 de marzoSábados de 17:00 a 20:00 h

OTRAS ACTIVIDADES:Mirar para hablar (I)9 sesiones: sábados a las 12:30 y a las 18:30 hMirar para hablar (II) 9 sesiones: domingos a las 12:30 hTertulias de CineViernes a las 17:00 hDocumental del MesEl primer jueves de cada mesPrograma de radio Musac AbiertoRadio universitaria. Lunes a las 18:30 h 106.6 FM León y 105.0 FM PonferradaSe escuchan en Internet: www.radiouniversitaria.com

PEQUEAMIGOS MUSACAgrupación de amigos del museo para niños entre 5 y 12 añoshttp://pequeamigosmusac.blogspot.comSábados de 12:00 a 14:00 h y de 18:00 a 20:00 hDomingos de 12:00 a 14:00 hInscripción gratuita

MUSAC ESCUELAPrograma que ofrece visitas-taller para el público es-colar, desde Educación Infantil hasta Bachillerato.www.musacescuela.blogspot.comActividad gratuita previa reserva

DEACDepartamento de Educación y Acción [email protected] · Tlf: 987 091 101 · Fax: 987 091 111

BIBLIOTECA-CENTRO DE DOCUMENTACIÓNDEL MUSAC

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La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, que ya cuenta con más de 6.500 volúmenes, está es-pecializada en Arte Contemporáneo a nivel nacional e internacional, con las incursiones necesarias en los antecedentes.La Biblioteca-Centro de Documentación está ubi-cada en la planta baja del museo, con acceso directo desde el vestíbulo y consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de mate-rial audiovisual, hemeroteca y acceso a Internet; y la planta alta, que alberga el fondo bibliográfico. La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general. No es nece-sario carnet de usuario, ya que no hay servicio de préstamo.

SERVICIOSLa Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC ofrece:· Consulta en sala de los fondos de libre acceso.· Información y referencia.· Acceso al catálogo informatizado de la biblioteca.· Acceso a Internet y conexión libre con wireless.· DSI (Difusión Selectiva de Información) y Alerta

Informativa (exposiciones actuales, becas y certá-menes).

· Visionado de material audiovisual (VHS, DVD y CDROM).

· Préstamo interbibliotecario restringido.· Atención al público on-line.

Horario:Martes a sábado de 11:00 a 14:30 h y de 17:00 a 20:00 hDomingos, lunes y festivos: cerrado.e-mail: [email protected]

The MUSAC Library-Documentation Center, that already has more than 6.500 volumes, specializes in Contemporary Art. It places special emphasis on the past two decades, with a multidisciplinary perspec-tive on the national and international levels, and the necessary incursions into the past.The Library-Documentation Center is located on the ground floor of the building, with direct access from the main lobby. It consists of two floors: the ground floor is reserved for consultation and Internet and the upper floor is dedicated to bibliographic funds.

SERVICESThe Library-Documentation Center offers:· Consultation of funds with free access.· Information and reference.· Access to library catalogues.· Access to the Internet.· Information on exhibitions, grants and artistic con-

tests.· Preview of audiovisual material (VHS, DVD and

CDROM).· Interlibrary lending restricted.· On-line public assistance.

Opening hours:Tuesdays to Sundays: 11:00 - 14:30 / 17:00 - 20:00 hClosed on Sundays, Mondays and Holidays.e-mail: [email protected]

LABORATORIO 987

Benicàssim. El Festival / Benicàssim. The Festival ARTISTAS Carmela García, Cristina García Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos, Álvaro Villarrubia y Massimo VitaliIDEA ORIGINAL Rafael Doctor Roncero y Nacho Santos Cidrás

[p.6] © Ángel Marcos • [p.7] © Cristina García RoderoPATROCINADOR OFICIAL

Ivan Grubanov y Ángel de la RubiaDespués de todo / Afterall COMISARIADO Y TExTO Tania Pardo

[p.8] Cortesía Galería Nogueras-Blanchard • [p.9] Colección MUSAC

PROYECTO VITRINAS

La Imagen Editada / The Published ImageUN PROYECTO DE Rafael Doctor Roncero y Araceli Corbo

Blanca LiTe voy a enseñar a bailar / I ’ll Show You How to DanceARTISTAS COLABORADORES Charles Carcopino, Paco Delgado, Sylvie Fleury, Tao Gutiérrez, Rafa Linares, Lola, Lucy Orta y Pablo ReinosoCOMISARIADO Y TExTO Alberto MartínCOORDINACIóN Kristine Guzman, Helena López Camacho

[pp.10-12] © Pablo Reinoso. Cortesía de Pablo Reinoso • [p.12] © Blanca Li. Cortesía de Blanca Li • [pp.13-14] © Sylvie Fleury. Cortesía de Sylvie Fleury • [p.14] © Blanca Li/Lucy Horta. Cortesía de las artistas • [p.15] © Ali Mahdavi. Cortesía de Blanca Li

H BoxARTISTAS Alice Anderson (Reino Unido), Yael Bartana (Israel), Sebastián Díaz Morales (Argentina), Dora García (España), Judit Kúrtag (Hungría), Valérie Mréjen (Francia), Shahryar Nashat (Suiza) y Su-Mei Tse (Luxemburgo)COMISARIADO Benjamin WeilESPACIO ARQUITECTóNICO Didier Fiuza Faustino, Bureau des MésarchitecturesCOORDINACIóN Sylvie Pitou (Hermès Paris), Helena López Camacho (MUSAC)

[p.16] © Sebastián Díaz Morales. Cortesía del artista. Producido por Hermès • [p.17] © Judit Kúrtag. Cortesía de la artista. Producido por Hermès

IDEA ORIGINAL Y PRODUCCIóN

Dave Muller I Like Your Music I Love Your MusicCOMISARIADO Y TExTO Agustín Pérez RubioCOORDINACIóN Carlos Ordás

[p.18 y 20] © Dave Muller. Cortesía de Gladstone Gallery. Foto: David Regen. Colección MUSAC • [p.19] © Dave Muller. Cortesía del artista y Blum & Poe, Los Angeles. Foto: Joshua White • [p.21] © Dave Muller. Cortesía del artista y Blum & Poe, Los Angeles • [p.22] © Dave Muller. Cortesía de Gladstone Gallery • [p.23] © Dave Muller. Cortesía de Deste Foundation, Atenas

Cerith Wyn Evans…visibleinvisibleCOMISARIADO Y TExTO Octavio ZayaCOORDINACIóN Marta Gerveno

[p.24] © Cerith Wyn Evans. Cortesía Jay Jopling/White Cube, Londres, UK. Foto: Stephen White • [p.25 y portada] © Cerith Wyn Evans. Cortesía Jay Jopling/White Cube, Londres, UK. Foto: James Meara • [pp.26 a 28] © Cerith Wyn Evans. Cortesía Jay Jopling/White Cube, Lon-dres, UK • [p.29] © Cerith Wyn Evans. Cortesía Jay Jopling/White Cube, Londres, UK & Galerie Daniel Buchholz, Colonia, Alemania

CON LA COLABORACIóN DE

guia didáctica musac 09. temporada expositiva enero - mayo 2009

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