EL JAZZ 4º ESO1. INTRODUCCIóN: CÓMO ESCUCHAR JAZZ

Para escuchar una pieza de jazz lo más apropiado es empezar por el bajo. En una pieza de Jazz tradicional el bajo suele tocar una pulsación constante, por lo que se puede seguir con facilidad. Después debes intentar identificar la batería. Se puede escuchar cómo va coordinada con la parte del bajo. Una vez que se ha identificado la base que interpretan la batería y el bajo, escucha el acompañamiento armónico, interpretado por un piano o un banjo. El ritmo suele ser muy marcado. Después prueba a seguir la melodía principal y después la segunda línea que hace un contrapunto con la primera.

Un aspecto fundamental del jazz es la improvisación. Improvisar es componer música al tiempo que se interpreta. Aunque este procedimiento es poco frecuente en la música clásica de las culturas europeas (basada generalmente en composiciones escritas que no dejan lugar a la improvisación), la música clásica india, el flamenco español, la música celta, y muchas formas musicales de África y Oriente Medio se centran en ella. Y por supuesto, la improvisación es fundamental en el jazz. Pero, aunque su esencia consiste en que los intérpretes se sienten muy libres, su coherencia y significado dependen de la atención a unas pautas comunes, dadas por la melodía principal, el ritmo y/o la armonía.Aunque la improvisación es esencial en el jazz, si no estás familiarizado con este tipo de música, puede que te resulte difícil diferenciar las artes que han sido escritas o memorizadas de antemano a aquellas que son improvisadas. Una estrategia consiste la “rutina” que utiliza gran parte e los músicos de jazz.En una pieza, suelen comenzar con una melodía que conocen todos. Primero, los instrumentos melódicos (trompeta, clarinete,etc) la tocancopeta sobre el acompañamiento del bajo, la batería, el banjo y/o el piano. A continuación, estos últimos continúan tocando el acompañamiento, y los instrumentos melódicos comienzan a improvisar diferentes melodías sobre él. Los acordes que se tocan en el acompañamiento sirven de guía al solista. En otras palabras, una vez que la melodía ha terminado comienzan las improvisaciones, que se extienden hasta que se vuelve a escuchar la melodía principal. En este sentido, es muy importante que al escuchar una pieza puede memorizar la melodía original. Si la tarareas mientras escuchas las improvisaciones de los solistas, sabrás exactamente cuándo comienzan y cuándo terminan.

2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL JAZZ

2.1. CARACTERÍSTICAS

1. Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la

parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente.

2. La improvisación . La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz de los años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creado nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.

3. El timbre: Su sonoridad deriva directamente del canto africano e indirectamente del habla y del lenguaje africano. El jazz ha conservado el sonido abierto y la cualidad típicamente africano.

4. La sonoridad del jazz también puede hallarse en el individualismo y la inflexión personal del sonido del músico de jazz.

2.2. INSTRUMENTOS

El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos que utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: ls que marcan el ritmo (rítmicos) y los que toca la melodía (melódicos)Rítmicos:Batería: se empezó a utilizar muy tempranamente pero como instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación.Contrabajo: tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.Guitarrapiano

Melódicos:piano: utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.Trompeta: tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.Saxofón: se puso de moda con coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker.Banjo: era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

2.3. AGRUPACIONESLas agrupaciones instrumentales en jazz son muy variadas, pueden ir desde un instrumento solista a grandes bandas de hasta 50 músicos. Las más comunes son:TRÍO: Formado generalmente por dos instrumentos rítmicos (batería y contrabajo) y uno melódico, que suele ser el piano o la guitarra. Esta agrupación se puso de moda a partir de los años 40 con el inicio del jazz moderno.

CUARTETO: Es quizás la agrupación más característica. Consiste en añadir a la anterior un instrumento de viento, trompeta o saxofón. En un QUINTETO habrá dos instrumentos de viento.BIG BAND: Las más comunes cuentan con una sección de ritmo (piano, contrabajo, batería y guitarra) y otra de viento (saxofones, trompetas y trombones). La época más importante de este tipo de agrupaciones fue en los años 30 o “era swing”.

3. LAS FUENTES DEL JAZZ

Entre los siglos XVIII y XIX miles de personas fueron llevadas como esclavos desde el África Occidental hasta América. El comercio de esclavos recogió a la fuerza a senegaleses, yorubas... cada uno con sus tradiciones propias y los depositó en las plantaciones de tabaco, azúcar y algodón del Caribe y sur de los EEUU.Las tradiciones de los esclavos no eran iguales entre sí, ni tampoco lo eran las de sus propietarios.Los católicos (franceses, portugueses y españoles) respetaron más la cultura del África Occidental que los protestantes británicos, que prohibieron los bailes y tambores. Pero los esclavos siguieron haciendo su música que, al mezclarse con la de los europeos, dio origen a nuevos estilos musicales.Uno de los primeros resultados fue consecuencia de la mezcla entre la música africana y la religiosa europea. Las enseñanzas de las iglesias metodistas y anabaptistas se usaron para la instrucción de los esclavos en las plantaciones de los estados sureños. Estos tenían que aprender a hablar inglés, adoptar la religión de sus propietarios y participar en los servicios religiosos. Y adoptaban la nueva religión con verdadero entusiasmo, ya que su vida en la Tierra no podía ser peor, muchos creían que sus sufrimientos serían recompensados en la vida futura que llevarían en el cielo.De esta forma, los negros aprendieron muchos de los himnos y canciones espirituales de los blancos.

3.1. LOS ESPIRITUALESLa mejor forma de relacionarse con dios era a través de la música. Así nacieron los espirituales negros, canciones de tema religioso en las que se mezclaba la polirritmia característica de la música africana con las melodías de los himnos religiosos.Muchos de estos himnos fueron aprendidos mediante la antigua costumbre escocesa del “responso”: el predicador canta una línea y la congregación la repite después o responde cantando palabras como “aleluya”.El parecido del los responsos con la forma de la canción de trabajo tradicional africana contribuyó, indudablemente, a la popularidad de este estilo. Muchos de los textos de los himnos se usaron, en parte o en su totalidad como base para los espirituales negros, que se cantaban en las reuniones al aire libre.En la interpretación, los espirituales negros diferían de los blancos. Era significativo el uso de síncopas, introducidas por grupos, dentro de la congregación, que variaban los acentos por retraso o anticipación de la nota esperada.

Los contratiempos eran marcados por palmas y en aquellas confesiones que lo permitían, por el “baile sagrado”, sin cruzar los pies.Estructuralmente, era común el canto responsorial, ya fuera en respuesta a un verso o la estrofa cantada por el líder, o por medio del canto colectivo y la segunda mitad del verso iniciado en solitario. Las cualidades del timbre vocal, incluyendo el uso de falsetes ásperos y agudos, y los gritos y clamores interpolados, como “¡gloria!”, u otras frases de ánimo oafirmación, enriquecían el sonido.Cuando terminó la guerra civil Americana (1865), los negros dejaron de ser esclavos, y algunos se dedicaron a hacer un espectáculo de su música. Uno de estos grupos fue el Fisk Jubileo Singers, famoso coro de una de las primeras universidades negras norteamericanas que presentó los espirituales negros en europea en 1875. A partir de ahí, el espiritual adquirió gran popularidad.

3.2. LAS CANCIONES DE TRABAJO

Son las canciones que interpretaban los esclavos mientras realizaban sus tareas. Eran canciones responsoriales, en las que un solista interpretaba una estrofa, y el coro (el resto de los compañeros) le respondían con un estribillo. El ritmo lo marcaban todos a la vez con el martillo mientras picaban piedra. Así el trabajo se hacía “más llevadero”.

4. ORÍGENES DEL JAZZ

Cuando se abolió la esclavitud (1865), en Norteamérica había cuatro millones de esclavos negros. Aunque la tolerancia de los blancos para las costumbres africanas había sido mínima, y una vez abolida la esclavitud la discriminación racial cumplió la tarea de los capataces, la convivencia de ambos grupos era demasiado estrecha como para no influirse mutuamente. Así las música del África Occidental y de Europa se unieron definitivamente, dando origen a las distintas modalidades del jazz, según el predominio de la música africana o europea.

4.1. EL RAGTIME

Ragtime significa literalmente “ragged time” o “ritmo sincopado”, y tuvo su origen a finales del siglo XIX en los caféss y burdeles de las ciudadesdel sur de EEUU.Es ante todo un estilo escrito (mientras el jazz es principalmente una improvisación), que adquirió gran popularidad debido a la difusión que tuvo gracias a la imprenta.Por aquella época las partituras eran aun el principal medio de difusión de la música, y el piano era el instrumento de los aficionados con alguna instrucción musical. Por eso, aunque algunos críticos lo desaprobaron por haberse engendrado en los burdeles, y el estilo se

difundió en la comunidad blanca por medio de pianos caseros y las partituras simplificadas que guiaban al pianista aficionado.Cientos de ragtimes de Scott Joplin y otros compositores se publicaron entre 1895 y 1910, no sólo en partituras, sino también en rollos de pianola que transcribían directamente la partitura sin ayuda de intérprete. Así, los ragtimes de moda podían escucharse en pianolas mecánicas que funcionaban con monedas.En el ragtime se advierten algunas de as características propias de las marchas militares (un estilo de música europea muy popular en la mayoría de las ciudades estadounidenses a finales del siglo XIX), etre otras, los tiempos marcados, similares a los del bombo y el platillo, de la mano izquierda del pianista.Estructuralemte consta de 4 periodos (strains) de 16 compases, con una introducción, a veces de 4 compases. Los patroes comunes de estos strains eran AABBACCDD, ABBCCDD y AABBCCA. Aunque la mayoría estaban escritos en compás de 2/4, y en muchos se indicaba Tempo de marcia en su encabezamiento.La decadencia del ragtime se remonta, tal vez, al momento en que las grabaciones sustituyeron como principal fuente de diversión doméstica, a los rollos de pianola y a su supresión hacia 1915 por el jazz. Para aquel entonces ya había influido en compositores europeos como Satie, Stravinsky, Milhaud o Hindemith.Sin embargo, a finales de los años 60, algunos intérpretes y compositores descubrieron en el ragtime clásico un importante tipo de música seria americana para piano, un eslabón, por así decir, entre las tradiciones populares y las clásicas. Estos y otros músicos compusieron nuevos rags que debían mucho al estilo de Scott Joplin.El ragtime se incluyó entonces en numerosos conciertos y bandas sonoras cinematográficas, así como en otras facetas de la vida musical norteamericana.

4.2. EL BLUES

El blues es un tipo de canción propia de la gente de color de los EEUU que surgió en la segunda mitad del XIX, en las zonas rurales de los estados del sur, y adquirió gran popularidad, llegando a ser uno de los elementos fundamentales de casi todos los tipos de jazz y de gran parte de la música popular. En los primeros blues, los cantantes, acompañados por un banjo o una guitarra, expresaban sus sentimientos, temores y esperanzas de una forma muy particular.El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía leer música, y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Los intérpretes daban gran importancia a la capacidad de poner rima a una canción, y para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música, se desarrollaron una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de 12 compases.Literalmente, la palabra “blue” significa triste o azul. Sin embargo, en la música puede describir:

1. un estado de tristeza, o una música que puede producir cierta melancolía.2. Una estructura poética formada por dos versos que s erepiten más uno distinto

que rima con los primeros.

3. Un tipo de música determinado4. un tipo de secuencia o progresión armónica. Un blues puede ser rápido o lento y

aunque generalmente es triste, también los hay alegres. Puede tener texto o puede ser simplemente instrumental, y la secuencia de acordes puede ser simple o compleja.

5. Un tipo de escala (la escala de blues)6. cualquier combinación de los aspectos mencionados.

El blues produce a menudo en efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada escala de Blues, que consiste en bajar medio tono el tercer, el quinto y/o el séptimo grafo de una escala diatónica.

5. HISTORIA DEL JAZZ

5.1.NUEVA ORLEANS

El jazz nació en Nueva Orleans, un importante puerto en el estado americano de Louisiana que, a finales del siglo XIX, era una ciudad próspera, llena de bares y salones de baile, en los que se interpretaba música en vivo. En la década de 1890, muchos elementos musicales y sociales, hicieron posible el nacimiento de esta nueva música. Las bandas de instrumentos de metal, los lbues y el efecto estimulante de los rags pianísticos desempeñaron en ello su papel. Tras la Guerra cicil y la desmovilización, la abundancia de instrumentos militares baratos (trompetas, trombones, tambores, bombos y platillos) proporcionó los medios para que los músicos de color pudiesen adquirirlos. Así formaron sus bandas, en las que tocaban sus propias versiones de las marchas europeas en desfiles, bailes, exursiones por el río y funerales, introduciendo ritmos sincopados y cambiando algunas notas de las melodías originales o improvisando nuevas melodías.Por otra parte, en 1897 se permitió la creación de un bario legal e burdeles que se llamó Storyville hasta 1917, año en que se cerró por considerarse nocivo para la moral. Con sus prostíbulos y teatros, dio impulso inesperado a esta nueva música que no conocía inhibiciones y que, despreciada por los árbitros de la cultura, y luego vilipendiada por la prensa, en la década del veinte se continuaba considerando una música inferior. Pero las “casas del placer” se convirtieron en lucrativa fuente de trabajo para jóvenes pianistas como Jelly Roll Morton. Los pianistas tocaban en los slaones de los burdeles, las bandas más numerosas en las calles y las pequeñas (formadas por unos 6 o 7 músicos que tocaban la corneta o trompeta, clarinete, trombón, banjo o piano, contrabajo o tuba y batería) en salones y clubes.Para los descendientes recientes de las sociedades del áfrica Occidental, dedicar su música al culto a los difuntos suponía un recuerdo de su hogar. En Nueva Orleans, la tradición de la música para funerales y desfiles se remonta al siglo XVIII, cuando los franceses permitían a los esclavos enterrar a sus muertos. Las practicas de las bandas fúnebres, que

tocaban marchas de clara influencia europea, tuvieron vinculación directa con el nacimiento del jazz.Durante la ceremonia, los músicos se separaban en dos secciones, una frente a otra, a cada lado de la entrada, e iban interpretando marchas escritas: si no sabían leer, como sucedía a menudo, tocaban de oído. Mientras interpretaban las lentas y solemnes marchas, el cortejo fúnebre entraba en el cementerio.Pero el regreso de la banda a la ciudad no constituía parte de la ceremonia. Una vez que la banda estaba a respetable distancia del cementerio, practicaba un rito propio: tras el redoblar de los tambores y los sonidos repentinos de la trompeta, comenzaba una música muy alegre que era improvisada por el grupo. Temas favoritos del jazz posterior de Nueva Orleans, como When the Saint go marching in, eran melodías que tocaban las bandas de los funerales al volver a casa.Las primeras manifestaciones del jazz tuvieron sus raíces en el ragtime, el blues y la música de las bandas de metal. Sin embargo, casi al mismo tiempo, surgieron otras bandas en las que:

gran parte de la música era improvisada el ritmo era más relajado, anticipando lo que sería el swing se generaban composiciones que conformaran un repertorio propio la improvisación colectiva creó un producto musical más complejo que el del

ragtime, el blues o las marchas.

Esta nueva modalidad del jazz (conocida como jazz clásico, jazz tradicional o estilo de Nueva Orleans) era interpretada por bandas que tocaban en cafés y salas de baile de dicha ciudad. Por este estilo Nueva Orleans entendemos generalmente un grupo pequeño de diferentes instrumentos, sonde el intérprete de corneta o trompeta que expone el tema, es el “lider” o director de la banda. El clarinete añade frases decorativas en el registro agudo y el trombón toca en los graves otras melodías (más simples que las del clarinete). Estos instrumentos (y algunas veces un cantante) se van sucediendo de uno en uno en la interpretación de a melodía principal, mientras los otros siguen tocando riffs o melodías contrapuntísticas improvisadas. Los solistas tienen el apoyo de la sección rítmica, donde hay una batería integrada por unos pocos instrumentos que mantiene un ritmo invariable: un banjo o un piano emite acordes incansablemente, y un contrabajo ( o una tuba) toca la línea del bajo.De las numerosas bandas que había en nueva Orleans a comienzos de siglo, llegaron a adquirir gran popularidad, entre otras, la Buddy Bolden y la Joe “king” Oliver's Creole Band.Al escucahr a los primeros grupos de Nueva Orleans, da la sensación de que la música no es improvisada. Nadie hace solos largos, y nunca se desvían demasiado del tema original. Pero ese sonido es engañoso. Las primeras bandas de jazz de Nueva Orleans funcionaban como bandas callejeras: todos tocaban al mismo tiempo, entretejiendo las líneas que definen el tema. Pero las líneas se adornan y modifican constantemente, con una manera de tocar que se llama “contrapunto libre”. En las bandas tradicionales de Nueva Orleans, la interacción principal se da entre la fuerza de la trompeta o corneta, las sonoras sinuosas

líneas del trombón y las melodías más punzantes del clarinete. Aunque al evolucionar el jazz la instrumentación, este sonido característico persistió hasta bien entrados los años 30.

5.2. DIXIELAND 1917

Nueva Orleans siguió siendo el centro del jazz hasta 1917, cuando muchos de sus bares y salones de baile fueron cerrados. Los músicos de jazz perdieron su trabajo y abandonaron la ciudad. Así viajaron hacia el norte, a San Lusi Kansas, Cicago y Nueva York, llevando con ellos su música. Desde ese momento, el sonido clásico y tradicional del jazz de Nueva orleans fue evolucionando y dando lugar a numerosos estilos. Aunque no fue un solo músico quien creó el jazz ni quien desencadenó sus cambios, han existido genios de excepción que enriquecieron con nuevos e ingeniosos sonidos las distintas modalidades del jazz.Muchos jazzftien pronto descubrieron que la vida era mejor en el note. Mientras en Nueva Orleans solían cobrar un dólar por noche, en Chicago llegaron a percibir 25 dólares a la semana.Allí algunas bandas de Nueva Orleans grabaron sus primeros discos. También surgieron nuevas bandas formadas por músicos blancos, que imitaban el esilo de Nueva Orleans, entre otras, la New Orleans Rhythm Kings o la Original dixieland Jazz Band. Por el nombre de esta última, el Dixieland, como estilo, fue identificado como un jazz blanco tocado a la manera de los conjuntos tradicionales. Sin embargo, el término también se utiliza como sinónimo de la música de Nueva Orleans y, por tanto, del jazz negro emanado del sur. Aunque estas bandas llegaron a ser muy famosas, ninguna de ellas pudo competir con el sonido peculiar de la banda de Louis Armstrong.Louis Armstrong al igual que muchos músicos de Nueva Orleans, había comenzado a trabajar en los cafés, salas de baile y burdeles de Stroyville. Allí conoció a los músicos más famosos de la ciudad, como el trompetista Joe “king” Oliver, con quien continuó trabajando en Chicago hasta que, en 1925, formó su propia banda.Durante más de 50 años, Armstrong dominó el mundo del jazz y fue músico del nuevo género mas querido y famoso de todos los tiempos. Poseía unas ideas atrevidas, un ritmo contagioso, una imaginación musical desbordante y una técnica revolucionaria.

5.3. EL SWING (AÑOS 30)

En 1923 se derogó la prohibición del alcohol en EEUU y este hcho, junto a los éxitos y la popularidad de formaciones de músicos blancos com Benny Goodman o glen Miller contribuyó a que el jazz perdiera, al menos en parte, el calificativo de música marginal.En la segunda mitad de los años 30 el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de florecimiento. Es el estilo que se conoce como “mainstream” (literalmente se traduce por corriente principal), época intermedia entre el jazz tradicional y el jazz moderno.

Las orquestas seguían siendo el marco ideal para el lucimiento de los solistas y a la vez favorecieron la eclosión de nuevos talentos como el saxofonista Lester Young y el contrabajista Jhon Kirby.Fue el momento también de la aparición de dos grandes cantantes: Bille Holiday y Ella Fitzgerald, quienes, junto a Sarah Vaughan, reinarán hasta nuestros días como diosas entre las voces del jazz.En comparación con el jazz anterior, en el swing se observan las siguientes características:

1. La música es interpretada por big bands.2. El uso de saxofones es más común ahora.3. La batería integrada por más instrumentos, y se incorpora el chaston.4. La improvisación colectiva es poco frecuente. Sólo suele improvisar un solista

acompañado por la banda.5. El ritmo es menos macado.6. Muchos de los arreglos requerían un alto nivel técnico en la ejecución de los

instrumentos.7. El banjo es reemplazado por una guitarra.

Uno de los elementos característicos en la piezas de swing s el uso de esquemas melódicos repetidos o riffs. En ocasiones estos riffs “pasaban” de una sección a otra en la banda, estructurándose a modo de “pregunta y respuesta”.

5.4. EL BEBOP (AÑOS 40)El jazz tras la segunda guerra mundial. En 1941, los EEUU entraron oficialmente en la guerra y buena parte de los músicos de jazz sevieron obligados a veostir uniforme militar y a colaborar con las bandas del ejército a grabar discos destinados al esparcimiento de la tropa. En Europa tampoco se respiraban buenos aires para es música que los nacionalsocialistas calificaban de “degenerada”.La influencia de la guerra en la vida de los músicos y sobre todo las ansias de innovación de los más jóvenes contribuirían a una renovación del jazz.El club Minton's Playhouse sería la cuna de un nuevo estilo, el bebop, que tiene en Charlie Parker y Dizzi Gillespie a sus líderes indiscutibles. Los músicos de jazz ya no encontraban en el mundo del espectáculo el lugar adecuado para expresar su talento, simplificando las cosas, si Louis Armstrong representó en su momento la toma de conciencia del solista dentro de las formaciones de jazz, los bopper representaron una toma de conciencia mucho más amplia, se trata de volver a los orígenes, de reinterpretar y reescribir la tradición mediante la exploración de los ritmos y los tempos a la vez.Entre los nuevos músicos, Thelenius Monk sería uno de los primeros en adaptar el piano al bebop, igual harían Charles Mingus con el contrabajo y Miles Davis con la trompeta entre otros muchos.La escena del jazz de la segunda mitad de los años 40 era un auténtico hervidero, pues, ante el nacimiento del bebop, los representantes de la tradición trataron de revitalizar el estilo de Nueva Orleans, a la vez que la música afrocuabana, instalada en Nueva York, se adueñó de buena parte de las salas de baile.Fue también la época del gran triunfo de la cantante Ella Fitzgerald, con unos recursos técnicos incomparables como el “scat”, forma vocal basada en sílabas onomatopéyicas (ya

utilizada por Louis Armstrong) que permite competir con la improvisación instrumental. Junto a ella destacaron como ls más grandes figuras del jazz vocal Billie Holiday, con un estilo más intimista y Sarah Vaughan, la cantante más emblemática del bebop.Además de los clásicos como Armstrong, Basie o Ellington y de los modernos Parker y gillespie, el rhythm and blues vivía un momento dee splendor con la aparición de figuras como Ray Charles, Etta James o Chuck Berry. Incluso parecía que algo empezaba a cambiar en la política estadounidense, surgiendo las primeras emisoras radiofónicas destinadas al público afroamericano y desterrando etiquetas como la de “race records” que se habían destinado a esta música.

5.5. LOS AÑOS 50: BEBOP, COOL Y RHYTHM AND BLUES

En la relativamente breve historia del jazz, apenas un siglo, los cambios se han producido siempre a caballo sobre movimientos existentes, que no han desaparecido, sino que sólo han cedido la primera página de la actualidad sin llegar a extinguirse. Lo que en principio parecían “modas” son en realidad estilos, que se han afirmado con el paso del tiempo y están obligados a convivir en el amplio espacio de la música afroamericana. Esta situación se hace patente en los años 50.Por un lado algunos músicos blancos, como Chet Baker, rehuyeron el lado más explosivo del bebop sin renunciar a los progresos que éste suponía con un toque de lirismo y emoción a la que se aplica el nombre de cool jazz.El cool jazz, sin embargo es un movimiento amplio que abarca dese el llamado “jazz de cámara”, por ser demasiado elegante según algunos, del Modern Jazz Quartet, hasta colaboraciones irrepetibles como la Milles Davis y Gil Evans, pianista y compositor cuyos sabios arreglos, entre los mejores de la historia del jazz, crearon la atmósfera ideal para que el estilo intimista de Davis alcanzara algunos de sus puntos culminantes.Por otra parte con Max Roach, los jazz Messengers y las formaciohm and blues, la forma másnes del saxofonista sonny Rollins o del contrabajista Charles Mingus, el bebop proseguía su evolución, enriqueciéndose día a día con nuevos hallazgos que sentarían las bases del jazz moderno.Mientras tanto el rhythm and blues, la forma más popular de la música afroamericana, había alcanzado un desarrollo impaable gracias a figuras como Ray charles, Louis Jordan, Fats Domino o Chuck Berry.En el terreno estrictamente del jazz, algunos músicos surgidos del bebop comenzaron a cultivar el funk impregnado de resonancias del blues y del gospel, en el que mdestacarían organistas como Lou Bennet, guitarristas como Grant Gren o trompetistas como Donald Byrd. Su música es densa y tórrida, con ese mismo espíritu de trance místico heredado del gospell y que el soul haría suyo.

5.6. LOS AÑOS SESENTA: LA “NEW THING” Y EL SOULEn EEUU los años 60 vieron cómo los movimientos políticos y sociales afroamericanos adquirían cada vez mayor dimensión con líderes como Martí Luther King o Malcolm X, y

lograban el objetivo de la consecución de los derechos civiles que hasta entonces el racismo les había denegado.En este marco apareció la primera casa discográfica dirigida por un hombre de color, la Tamla Motown, responsable del lanzamiento de numerosas estrellas de rhythm and blues y el soul con una gran capacidad de penetración comercial, es el caso de Marvin Gaye, Aretha Franklin, Sam Cooke y sobre todo James Brown, apodado “Godfather of soul” (el padrino del soul), que supo transformar como nadie la esencia del gospell en experiencia mística laica, convirtiendo sus conciertos en actos de fervor casi religiosos.

Mientras tanto el pop británico de los Rolling Stone o Erick Clapton descubría el blues y lo divulgaba entre el público europeo a través de sus propias versiones, a menudo bastante alejadas del original, pero que sirvieron para dar a conocer a algunos de los maestros del blues.Así mientras una parte de la música afroamericana alcanzaba una dimensión como nunca se había conocido, el jazz vería el advenimiento de la “New Thing”, literalmente “la cosa nueva” o free jazz, una radical alteración de los principios musicales que habían regido anteriormente la improvisación. Músicos como Ornette Coleman o Cecil Taylor lideraron este movimiento revolucionario de tintes reivindicativos que chocó contra el muro e la incomprensión. Promovían una musica ajena al servilismo hacia el público blanco, que paradójicamente era el único que les prestaba atención, mientras el público afroamericano se decantaba hacia otros estilos. Aún hoy los coletazos del fee jazz tienen más eco en Europa que en Estados Unidos.Buena parte de los músicos del free jazz, excelentes instrumentistas, fueron poco a poco abandonando un callejón sin salida que les conducía a una situación de incomprensión musical generalizada.En resumen, el final de los años 60 fue una época de increíble proliferación de estilos y de géneros y el aficionado al jazz disponía de un amplísimo abanico de ofertas, desde el tradicionalismo de Armstrong a la vanguardia de Cecil Taylor o de Carles Mingus, pasando por las orquestas de Count Basie y Duque Ellington, por las diversas formaciones de Dizzy Gillespie, los Jazz Messengers, el blues de B.B. King, el soul o el rhythm and blues.

5.7.LOS AÑOS 70 Y EL ESPÍRITU DE FUSIÓN

En el mundo de la música todo había cambiado: la difusión discográfica el tipo de conciertos, la radio, la radio, la televisión... ya nada era lo mismo, y la música, al igual que otras artes, como el cine, es también negocio. Jimi Hendrix y otros se habían aventurado en el mundo del rock con una música eléctrica de marcado acento afroamericano y habían conseguido un éxito notable. El rock, la música progresiva, el pop y otras etiquetas semejantes vendían, el jazz no podía quedarse fuera y así a algún genio se le ocurrió el concepto de “fusión”, en el que había un poco de todo.Como en los años del bebop, surgirán de nuevo las polémicas y muchos consideraban a Miles Davis y a su jazz-rock o fusión fuera del jazz o todo lo más como un género menor.

Los años 60 verían desaparecer a algunas de las grandes figuras del jazz de todos los tiempos como Armstrong o Ellington y a muchos les faltó para augurar la defunción de toda la música del jazz. Los históricos desaparecían y los jóvenes se vendían por un puñado de dólares al todopoderoso rock. La realidad, sin embargo, fue muy diferente, al música afroamericana no había muerto, no sólo el jazz, el blues o el rhythm and blues proseguían su camino, sino que no cesaban de surgir nuevas formas y nuevos músicos como la “salsa neoyorkina”, heredada de la tradición afrocubana de los primeros músicos latinos llegados a Nueva York e impregnaba de influencia del jazz y del soul, o el funk e músicos como George Clinton.El enorme celo interpretativo de los músicos dio lugar a una espectacular evolución del os sonidos, no sólo se habían añadido instrumentos sino ue también las técnicas progresaron con gran rapidez, cabe citar a Jaco Pastorius que transformó el bajo ecléctico, o Joe Zawinul el uso de los teclados.Los años setenta no significaron, ni muchos menos, el declive del jazz y de la música afroamericana en general, sino una nueva etapa de transición.

5.8.VUELTA A LOS ORÍGENES Y NUEVAS PERSPECTIVAS

Los ños ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación,M;iles Davis regresó a los escenarios tras una larga ausencia rodeado de músicos jóvenes. El jazz recibía apoyo institucional: incluso en España el gobierno subvencionaba giras y conciertos, en Francia se condecoraba a los músicos en Estados Unidos, antes de tener un presidente saxofonista, Ronald Reagan ya invitaba a Miles Davis a la Casa Blanca.El jazz seguía siendo minoriatario pero tenía un público consolidado. Comenzaba a dspuntar una nueva generación de músicos que seguía caminos diferentes, los unos tras la pista de la siempre anhelada vanguardia ylos otros por el camino del regreso a los orígenes. Entre losprimeros los Weather Report con Omar Hakim, el infatigable John McLaughlin o el siempre ingenioso Lester Bowie. Entre los que se decantaron por los orígenes el protagonista es Wynton Marsalis, técnicamente irreprochable, su estética despertó los más diversos comentarios.Los años noventa han confirmado esas numerosas corrientes dispersas. El jazz no tan sólo no ha muerto, sino que quizá está más presente que nunca en la actualidad musical. El auge del rap, la recuperación del bebop, el “revival” del soul, los éxitos comerciales del funk y sus derivados, la aparición e nuevas bandas del más puro estilo Nueva Orleans, la actualidad del blues o incluso el éxito en las discotecas del “acid jazz” son síntomas de la buena salud de esta música cuando ya ronda el siglo de existencia bajo el nombre de “jazz”.