El cuerpo humano revelado: anatomía, arte y radiología.

Aníbal J. Morillo, MD.

Radiólogo institucional, Coordinador Académico del programa de posgrado en radiología del Departamento de Imágenes Diagnósticas del Hospital Universitario de la Fundación Santa Fe de Bogotá.

Prólogo

En septiembre de 2007, mi jefe me avanzó un peculiar correo electrónico: la artista Lina

Espinosa, profesora del Departamento de Arte de la Universidad de los Andes, estaba

interesada en saber si alguno de los radiólogos del Departamento de Imágenes

Diagnósticas podría dictar una conferencia sobre anatomía, dirigida a los estudiantes de

su cátedra, llamada Laboratorio del Cuerpo.

No pude sino quedar gratamente sorprendido por ese mensaje, pues uno de mis proyectos

personales, que había comenzado a trabajar desde hacía por lo menos tres años, era

precisamente el de hacer una investigación sobre las relaciones existentes entre el arte, la

anatomía y la radiología.

Acepté gustoso la invitación, pues era la oportunidad para convertir en algo concreto el

trabajo realizado en los últimos años, consistente en lecturas sobre arte, anatomía, historia

y radiología. Al fin podría compartir algunos de esos cientos de imágenes que había

recopilado, con la intención de mostrar a mis colegas y estudiantes una visión diferente

de la anatomía a través de su historia. Cuando en el año 2004 propuse incluir una

conferencia así en el programa de Anatomía Radiológica dirigido a los estudiantes de

tercer semestre de la Facultad de Medicina, no fue posible encontrar un espacio para

concretar esa propuesta. En favor de la idea –y la necesidad- de completar un ciclo de

conferencias que complementara el apretado programa académico con contenidos de

índole más técnica y científica, mi propuesta fue ignorada.

Así, en octubre de 2007 se hizo realidad mi sueño de intentar acercarme a la sensibilidad

artística desde mi apasionamiento por la historia, la anatomía, el arte y la radiología. Este

documento pretende reproducir parte de esa experiencia, cuya entusiasta acogida ya me

ha permitido repetirla en el Departamento de Arte, presentarla ante algunos de mis

colegas y proyectarla hacia nuevos y más variados auditorios. Por cuestión de espacio,

incluyo en este documento sólo una pequeña muestra de los cientos de imágenes que

ilustran la presentación oral.

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Advertencia: contenido explícito. Esta presentación contiene imágenes que pueden ser consideradas

excesivamente crudas. Se recomienda la compañía de un adulto no impresionable.

Estos apuntes son una compilación de índole educativa, con la que se pretende divulgar información relacionada o no con la radiología y ciencias afines o disímiles. Se basa en referencias bibliográficas,

conferencias, esquemas y experiencia personal (que no siempre es sinónimo de vejez). Cualquier laxitud en las normas de autoría se cobija en la intención docente y sin ánimo de lucro de esta información. Aunque se han hecho esfuerzos para dar un adecuado reconocimiento a las fuentes utilizadas, plagiadas o modificadas, en algunos casos no ha sido posible recuperar esta información bibliográfica. La interred ha demostrado ser

una fuente inagotable de referencias, esquemas y fotografías. El uso de motores de búsqueda convencionales permite una velocidad de navegación tan alta, que en ocasiones se pierde la pista de los sitios visitados, con la consiguiente omisión involuntaria de las respectivas referencias. Sin embargo, un viajero virtual avezado puede rehacer el camino navegado o encontrar nuevos senderos por las diferentes

disciplinas del conocimiento.

Aunque lestos apuntes son de uso y divulgación libre, para evitar la propagación de violaciones flagrantes a los derechos de autor, se recomienda abstenerse de utilizar las fotografías, figuras, esquemas y tablas con

fines diferentes a los de la formación personal, ilustración o diversión.

La ciencia está en permanente evolución. La lectura de estos apuntes debe ser crítica y complementada con otras fuentes de información. El autor no se hace responsable por el contenido o veracidad de esta

información o por las consecuencias derivadas de conductas o decisiones tomadas con base en estos apuntes.

Introducción

En noviembre de 1895, un físico llamado Wilhelm Conrad Röntgen cambió la historia de

la medicina. En la oscuridad de su laboratorio, en la Universidad de Wurzburgo,

Alemania, Röntgen llevó a cabo algunos experimentos con un tubo de rayos catódicos,

cuando fue testigo de un fenómeno sorprendente. Detectó una sombra de su propia

mano, pero no era una sombra común, sino una muy particular, en la que pudo discernir

algunas de las partes que son invisibles a simple vista, como los huesos. El

descubrimiento resultó siendo un momento de pánico, pues podía significar que se estaba

volviendo loco. Es así como invitó a su esposa, Anna Bertha, a su laboratorio, y le pidió

que pusiera su mano sobre una placa fotográfica, a la vez que la irradió con esta extraña

emanación, a la que bautizó rayos X , por su naturaleza desconocida. De esta manera,

obtuvo la primera radiografía hecha a una persona, demostración que le produjo gran

alivio, pues significaba que no estaba alucinando.

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Sin embargo, para Anna Bertha, la visión de sus propios huesos le pareció como una

premonición de su muerte.

(http://ajmorillo.blogspot.com/2006/01/haiku-radiolgico-perspectivas.html)

Había nacido la fotografía Röntgen. En esa época, ver no era «bien visto». El cuerpo

humano no estaba concebido como algo digno de ver. Incluso para los médicos, el

examen médico podía incluir la palpación, pero era impensable usar el sentido de la vista

para el análisis semiológico. El cuerpo siempre debía mantenerse cubierto. Así, no es

difícil comprender el impacto que tuvo para algunos sectores el hecho de que pudiera

verse el interior del cuerpo humano, como lo testimonian algunas declaraciones en la

prensa:

«…La consecuencia del descubrimiento parece ser que se pueden ver los huesos de las personas. No hace falta discutir acerca de la repulsiva indecencia de este hecho… Quizá lo mejor sería que las naciones civilizadas unieran esfuerzos para quemar todos los trabajos sobre los rayos Röntgen, que ejecutaran a los descubridores, recogieran todo y lo enviaran al fondo del océano. Que los peces contemplen sus propios huesos, nosotros no…»

Para 1900, la radiología se había establecido como un método de diagnóstico médico.

Paralelamente, se encontraron también algunos usos no médicos para los rayos X, con los

cuales se podían estudiar objetos diversos. Por ejemplo, el análisis de especímenes

arqueológicos o el estudio de instrumentos musicales. La radiografía se ha usado para

analizar obras de arte. Gracias a que los óleos y otras pinturas tienen algunos pigmentos

metálicos, es posible descubrir, con rayos X, los trazos sobre los cuales se ha dibujado

una obra. Así, los rayos X pueden revelar los procesos creativos por los que pasa el artista

para llegar a su obra final.

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Un radiólogo en busca del alma del violín. Ámbito Médico, noviembre de 2005.

Dos disciplinas tan disímiles como el arte y la radiología convergen en varios ejemplos

del modernismo, como lo demostró Robert Rauschenberg con su Booster, de 1967.En

1985, Andy Warhol dibujó un cráneo, en una obra que recuerda la transparencia de los

rayos X: Philip’s Skull (CAT Scan). El recurso de la transparencia de los huesos para

simular radiografías también es usado por artistas como Ted Meyer (Structural

Abnormalities, 1992) y Sheila Pinkel (Instinct Extinct?, ca. 1970). En el arte moderno

también hay alusiones directas a la radiología, como en el homenaje de David Teplica a

Miguel Ángel Buonarroti (Birth of Man with Homage to Michelangelo, 1987).

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Las imágenes diagnósticas pueden ser manipuladas para mostrarlas como obras de arte.

Al agregar color y manipular sus formas, la información médica adquiere un cierto matiz

artístico, como lo muestra William Ewing en su libro Inside Information. Imaging the

Human Body (1996).

Birth of Man with Homage to Michelangelo. David Teplica, 1987.

Mi colega Jorge Andrés Delgado, director del Instituto de Alta Tecnología Médica de

Antioquia, en Medellín, Colombia, ha logrado unas bellas imágenes con la técnica de

resonancia magnética, en las que fusiona la fotografía a color y la representación en

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escala de grises del interior de varios frutos locales, como la piña (Ananas comosus), la

pitaya amarilla (Selenicereus megalanthas), la mandarina (Citrus reticulata) y el lulo

(Solanum quitoense), entre otras.

En la práctica diaria, ocasionalmente encontramos excusas para usar la radiografía de

manera no convencional, como en el caso de un niño-paciente, a quien sólo pudimos

convencer de dejarse hacer un examen diagnóstico después de mostrarle una radiografía

de su propio juguete:

(http://ajmorillo.blogspot.com/2005/12/el-ojo-del-fotgrafo-algunos-fisilogos.html).

Para algunos, el diagnóstico mediante imágenes es un arte. El artista Seiju Toda combina

en sus obras la escultura y la fotografía con la radiografía, y logra el paso hacia la imagen

radiográfica como arte, en su X=t. The Art of X-Ray Photography (1995), donde muestra

varias preparaciones que incluyen partes de primates y otros esqueletos, junto con

maquetas que luego son fotografiadas con rayos X. Después de la primera versión de

esta conferencia en el año 2007, el estudiante de arte Andrés Cuervo me envió unas

imágenes seudorradiográficas que logró con la técnica del óleo, en las que es evidente la

alusión a la técnica diagnóstica.

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Los rayos X trascienden el ámbito médico y hacen parte de la cultura popular. Hoy en

día, casi cualquier persona sabe que existe una tecnología capaz de revelar nuestro

interior. La industria cinematográfica, la prensa, las caricaturas, entre otras, se han

encargado de divulgar la radiología. Cualquier niño sabe de la existencia de los rayos X.

De hecho, cuando a mis hijas les han pedido que representen mi trabajo en un dibujo,

cada una, a sus siete años, ha tenido una percepción bastante clara de lo que supone la

transparencia de los rayos X.

María José Morillo, 2004. María Lucía Morillo, 2007.

He dicho alguna vez que los radiólogos somos voyeuristas de oficio. Vemos a través de y

más allá, y nuestro principal objeto de estudio es el cuerpo, cuyo interior somos capaces

de ver con diferentes técnicas. Es así como se nos revela el cuerpo humano, en una

confluencia de anatomía, arte y radiología. Esta presentación pretende hacer un recorrido

no cronológico de dicha confluencia.

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Anatomía, arte y radiología

El interés por el cuerpo surge casi desde los comienzos de la humanidad. En casi todas las

culturas hay un conocimiento de las entrañas, relacionado con las prácticas de sacrificio y

despiece de animales. Las prácticas funerarias llevan a una familiaridad con la anatomía

humana, que no es exclusiva de las culturas que embalsaman a sus muertos. Sin

embargo, el cuerpo está lleno de significados y es común que haya temor para explorarlo.

El cuerpo es sagrado para el islam, pues pertence a dios, no al hombre. En la religión

católica, el estar hecho a imagen y semejanza de Dios significa que el cuerpo es como un

templo. A partir de la expulsión del paraíso, el cuerpo es vil, la carne débil y corrupta.

Una forma de conocer el cuerpo es a través de las heridas, que son como una ventana al

interior. De hecho, algunos de los primeros manuales médicos del medioevo estaban

dedicados a la descripción de las heridas. La manera de representarlas era mediante

esquemas conocidos como figuras heridas, en las que simultáneamente se demostraban

casi todas las posibles heridas a las que podía estar expuesta una persona, un cuerpo lleno

de puntos álgicos. La herida como ventana y el uso de figuras heridas se manifiesta en el

arte moderno de Lina Espinosa, en su serie Puntos Álgidos, de 2002.  La disección de

cadáveres se inicia en la Alejandría helénica con Herófilo y Erasístrato. Además de la

disección, parece probable que ellos practicaran la vivisección, es decir, la disección en

seres vivos.

El gran sufrimiento inflingido a los animales disecados en vida era justificado por el

interés en conocer el funcionamiento del cuerpo. Pero tratar de llevar los límites de la

curiosidad científica hasta la disección de seres humanos no tiene defensa posible. La

única forma de justificarlo era practicando la vivisección ¡en esclavos!

Después de Herófilo, otro de los padres de la medicina fue Galeno, quien llevó a cabo

una extensa descripción de la anatomía, pero con la falsa creencia de que los humanos

compartían funciones y aspectos anatómicos con otros animales. Muchas de sus

descripciones resultaron desacertadas, pues se basaron en disecciones de mamíferos

diferentes al hombre. Algunas de las primeras representaciones del cuerpo humano son

esquemáticas, donde el realismo no era relevante.

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Los esquemas médicos no son anatómicos, están llenos de significados, descripciones de

enfermedades y de la influencia zodiacal. El cuerpo es mostrado como una ayuda

didáctica. Los manuales médicos de Asia Menor se basan en los cinco sistemas

Galénicos: huesos, nervios, músculos, venas y arterias. Estos manuales fueron traducidos

a varios idiomas, manteniendo el sistema de esquemas. A pesar de las imprecisiones de la

anatomía de Galeno, sus enseñanzas fueron asumidas como una doctrina, que tuvo

vigencia durante varios siglos.

En 1482, la Iglesia Católica permite la disección, mediante un dictamen del papa Sixto

IV, que pone como condición el que los restos mortales fueran de quien hubiera sido

ejecutado por sus crímenes, y siempre que después se le diera cristiana sepultura. La

disección se lleva al ámbito público, y se realiza en anfiteatros, donde llegan muchas

personas, por curiosidad o interés. Una vez permitida, la disección es un ritual que sirve

para aumentar el conocimiento del cuerpo. La disección constituye un ritual, cuyo orden

es dictado por la descomposición de los cadáveres. Como en las prácticas de

embalsamamiento, las vísceras deben retirarse primero, pues su putrefacción puede

impedir el estudio de las demás estructuras anatómicas. La época propicia para las

disecciones es el invierno, pues el frío ayuda a preservar los cuerpos por más tiempo. La

práctica de la disección se disemina rápidamente, en lugares compartidos por estudiosos y

curiosos.

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La lección de anatomía del Dr. Pieter Paauw. Jacques de Ghein II. Grabado: Andreas Stock, ca. 1615.

En los dibujos de los anfiteatros se incluyen algunos animales, ya sea con ánimo

simbólico, como los simios y las cabras, o como representación de lo práctico: perros que

pueden servir para encargarse de algunos de los desechos de las disecciones. La

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disección toma dos caminos: el del arte y el de la academia. Los artistas se interesan en la

disección, principalmente para el conocimiento de los músculos que van a representar en

sus esculturas y dibujos. En el ámbito científico, la disección tiene un matiz académico.

Academia di Pittori.Pietro Francesco Alberti, ca. 1600.

En las academias de arte se estudiaban los conceptos de geometría y perspectiva, y la

anatomía era fundamental. El esqueleto humano servía para comprender las relaciones de

las partes del cuerpo. Los estudiantes de arte podían participar en disecciones, para

conocer y comprender los detalles que les servirían para sus obras. Para producir

resultados creíbles, era necesario conocer la anatomía muscular. La anatomía se establece

como una cátedra para el arte, donde las demostraciones de los anatomistas servían a los

estudiantes para conocer mejor el cuerpo que luego irían a representar en sus obras. Los

cadáveres son colgados de los techos de los anfiteatros con cuerdas para ser exhibidos a

los estudiantes por los anatomistas.

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Elementi di anatomia fisiologica applicata alle belle arti figurative. Francesco Bertinatti, 1837-1839.

La estética del cuerpo se remonta a las figuras griegas y romanas, como referentes para

los artistas. Los estudios de las esculturas antiguas y el estudio de los torsos van a dictar

la manera de representar el cuerpo.

La estética grecorromana se manifiesta en grandes esculturas de hombres, héroes y

dioses. La piel es un símbolo de transferencia de identidad. Los cazadores usan la piel de

sus presas para adquirir algunas de sus habilidades. La estética del cuerpo está ligada al

concepto de belleza. Los artistas estudian el cuerpo como una colección de partes que

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pueden ser ensambladas para lograr un todo. El concepto de belleza también puede

analizarse por partes, formas, figuras y detalles de caras y otros referentes anatómicos.

El torso es la figura central de la estética del cuerpo. El torso es recurrente en el arte y en

las representaciones de la anatomía. El Torso de Belvedere se convierte en referencia y en

inspiración para la figura corporal. En El Juicio Final, Miguel Ángel Buonarroti

representa el martirio de San

Bartolomé. El cuerpo que sostiene la

piel desollada está claramente basado

en el Torso de Belvedere. El rostro de

la piel es un autorretrato de Miguel

Ángel.

Greek and Roman Galleries. The Metropolitan Museum of Art. El cuerpo de proporciones y facies perfectas. La piel del animal cazado lista para ser usada por el cazador. Foto por A.J. Morillo, NY, 2007.

En La anatomia del corpo humano (1589), el anatomista español Juan Valverde de

Amusco muestra cómo, al retirar la piel, el cuerpo es revelado. El desollado, a su vez, usa

la piel de una fiera a manera de abrigo. La anatomía para artistas se constituye en una

serie de manuales que indican la manera de ensamblar las partes del cuerpo para lograr

figuras aceptables desde el punto de vista estético.

En 1608, Odoardo Fialetti presenta Il vero modo et ordine per dissegnar tutte le parti et

membro del corpo humano. La anatomía en el arte logra que se pierda la identidad del

cuerpo. Los artistas muestran partes, no personas. Existe una gramática del arte

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anatómico, que enseña a los artistas la manera de ordenar y diseñar un cuerpo, con

representaciones detalladas y descripciones que tratan de comprender su funcionamiento.

Leonardo da Vinci presenta esquemas anatómicos, basados en sus propias disecciones y

en sus concepciones del funcionamiento del cuerpo. A la vez que muestra dibujos de gran

precisión anatómica, Leonardo presenta esquemas en los que remplaza músculos por

cuerdas. Más de un siglo y medio después de Leonardo, Borelli, en su De motu animalum

(1680), representa la visión mecanicística del cuerpo. El cuerpo como una máquina,

provista de poleas y palancas, se rige por los principios físicos conocidos en la época.

El artista se vuelve anatomista. Leonardo participa en varias disecciones. El artista se

encuentra con una estética inesperada, la de la muerte. Los cadáveres tienen una belleza

particular. Las cuerdas, que solían usarse en la cátedra anatómica para sujetar los

cadáveres a ser exhibidos, aparecen ahora como símbolo, sujetando cuerpos inermes

desde el vacío, quizá como una manera de mostrar que aferrarse a lo terreno puede ser

algo vano e inútil.

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Estudio de un cadáver para El Prisionero de Chillon. Ford Madox Brown, 1856.

La muerte tiene su propia estética. Surgen las Vanitas,

figuras de lo vano, esculturas o pequeñas figuras decorativas

talladas en marfil con gran atención a los detalles que

muestran esqueletos en poses reflexivas, como símbolos de

muerte. En estas figuras hay otros simbolismos: el complejo

mecanismo de un reloj, que representa el paso inexorable del

tiempo. Los objetos que rodean a los esqueletos tienen

también significados propios. Un cetro representa la

monarquía, un azadón es un símbolo de las clases más bajas.

El casco de un guerrero y una tiara papal a los pies del

mismo esqueleto tienen un significado claro: la muerte nos

iguala a todos.

Además de su interés científico, la disección es un evento público que brinda una

oportunidad única para ser un manifiesto moralizante. En The reward of Cruelty (1750),

John Bell ilustra el fin de un hombre que ha atormentado animales y que ha asesinado a

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su amante embarazada: su castigo ejemplarizante es terminar en la mesa de disecciones

de los cirujanos y barberos. El sufrimiento de este hombre no es necesariamente físico.

No se pretende ilustrar un caso de vivisección, sino una disección post mortem, donde no

hay dolor, pero hay denigración, pues su cuerpo es mutilado, sus vísceras son alimento

The Reward of Cruelty. John Bell, 1750.

para perros, y sus huesos serán hervidos para armar esqueletos didácticos.

Con la disección surgen los profesores de anatomía, el primero de los cuales es Mondini.

Su texto sigue la anatomía de Galeno, y sirve de referencia para los disectores. El

profesor de anatomía está distante, y lee desde un podio un texto lleno de errores

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anatómicos. Mientras tanto, el disector, un cirujano o barbero, separa con sus

instrumentos las partes del cuerpo y revela lo que cree entender de la lectura del profesor.

La anatomía académica es representada por Berengario como un hombre desollado

rodeado de una aureola de conocimiento. El mensaje es que el cuerpo es una fuente de

iluminación intelectual.

La disección, una vez permitida, se usa para aprender del cuerpo. La Lección de

Anatomía del Dr. Tulp es un bello ejemplo de retratismo en el ambiente de la enseñanza

anatómica. El médico señala a sus alumnos la anatomía del antebrazo, que parece haber

sido copiada de un atlas de anatomía. Un libro abierto a los pies de la mesa de disección

le da a la sesión su carácter académico. A diferencia de la usanza de la época, los

protagonistas, que parecen estar más interesados en mirar al retratista que al anatomista,

no aparecen todos de frente. Sin embargo, todos ellos están iluminados por una fuente de

luz. El uso de la luz pone al cadáver como fuente de iluminación. Todos los rostros en el

cuadro están iluminados. El único rostro que tiene una sombra que lo opaca es el del

cadáver.

La Lección de Anatomía del Dr. Tulp. Rembrandt van Rijn.

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Muchos textos de anatomía para barberos y cirujanos tienen como frontispicio la

ilustración de una disección, siguiendo la práctica medieval de un anatomista que lee un

texto mientras su disector explora y señala el cadáver. Los esqueletos como modelos

didácticos siguen apareciendo en diferentes imágenes.

Más de un milenio después de la anatomía de Galeno, que para ese momento es casi una

doctrina, surge un revolucionario de la anatomía, el primero en atreverse a contradecir a

quien fuera considerado uno de los padres de la

medicina. Andreas Vesalius, un Belga en la

Universidad de Padua, sugiere que el anatomista

debe ser quien participa en la disección. Dice

que se debe estudiar al hombre para conocer al

hombre, y es uno de los primeros en asociarse

con un artista para demostrar sus

descubrimientos anatómicos. En este caso, Jan

Stephan van Kalkar. Siguiendo las instrucciones

de Vesalio, y tratando de dibujar fielmente lo

que observa en la sala de disección, con la

premura del tiempo que descompone los cadáveres, logra unos grabados en madera que

van a ser el estándar de la anatomía para las siguientes generaciones de anatomistas.

Vesalio instruye a Van Kalkar para que dibuje con gran precisión un cráneo humano

sobre el de un perro, como mensaje de que

la anatomía vesaliana es superior a la

galénica.

En los dibujos que acompañan los textos de

Vesalio, el torso sigue siendo una

referencia anatómica y estética. La

anatomía adquiere su propia estética. No

solamente hay precisión anatómica, sino

que al artista se le permite complementar la

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representación del conocimiento con sus aportes. Las figuras anatómicas se presentan en

poses reflexivas, se superponen sobre paisajes y otros simbolismos, incluso con textos de

mensajes moralistas explícitos. El dramatismo de las figuras de Jan van Kalkar se vuelve

un referente para los anatomistas que sucederán a Vesalio, y para los dibujantes y

grabadistas que surgirán y se asociarán con ellos. Persiste el simbolismo de las cuerdas

que aferran a los cuerpos, quizá a lo terrenal, aunque comúnmente no se ilustra el

extremo de la cuerda que sostiene a esos cuerpos.

Un siglo después de Vesalio, los dibujos de Gérard de Lairesse y los grabados de

Abraham Blooteling y Peter van Gunst, guiados por el anatomista Govaert Bidloo, siguen

representando la anatomía con mucho detalle, ya sea mediante la disección minuciosa de

los diferentes sistemas, o mediante la continuidad en la representación de figuras

desolladas en poses similares a las vesalianas, sobre paisajes que cada artista cambia

según su entorno o su preferencia.

De hecho, algunas de las figuras que siguen a las de van Kalkar y Vesalio son plagiadas

de ellos. El español Juan Valverde no tuvo problema en usar una figura de un esqueleto

de Vesalio para presentarla como un nuevo esqueleto, cuando en realidad era una figura

anatómica en espejo, representada sobre un paisaje un poco diferente al original.

Dos artistas se asociaron a Juan Valverde de Amusco: el dibujante Gaspar Becerra y el

grabadista Nicolas Beatrizet, claramente influídos por van Kalkar. La estética de la figura

anatómica sigue representada en cadáveres desollados en poses vivientes, en algunos

detalles pastorales, paisajismo y mensajes morales. Sigue vigente la combinación de la

precisión anatómica con cierta libertad artística.

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Juan Valverde de Amusco presenta una figura dramática de un anatomista que diseca,

pero que a la vez ha sido disecado. El anatomista dirige su mirada al cielo, de donde le

serán revelados los secretos del cuerpo humano, en una especie de «conócete a ti mismo»

(Nosce te ipsum) de tinte casi macabro.

La anatomia del corpo humano. Juan Valverde de Amusco, 1589.

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En la historia de la representación gráfica de la anatomía hay algunos pocos ejemplos de

médicos que, al tener cierta habilidad artística, no se asociaron a dibujantes o grabadistas,

sino que hicieron sus propios dibujos. Uno de los ejemplos más representativos es el

descanso de un desollado de la Myotomia reformata del Dr. William Cowper, una

dramática figura lograda con la técnica de la tiza roja.

Resting ecorché in landscape. William Cowper, Myotomia Reformata, 1724.

Valverde de Amusco guía a sus artistas Becera y Beatrizet para la intensa representación

de un desollado que lleva aún la daga con la que separa su propia piel, en una actitud en

la que parece asumir con dignidad su sufrimiento. Cuando esa imagen es trasladada a los

tiempos modernos, su realismo puede ser impactante. Esa es la propuesta del anatomista

Günter von Hagens, quien reproduce la estética de la figura desollada adaptada a la vida

cotidiana de los siglos XX y XXI. En sus diferentes versiones de la exposición

BodyWorks, el profesor von Hagens presenta una serie de cadáveres humanos

conservados mediante una técnica especial de plastificado, a los que somete a disecciones

que no sólo muestran precisión anatómica sino clara libertad artística.

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Desollados a través del tiempo. A la izquierda, la versión de Valverde de Amusco, en un grabado en madera. A la derecha, casi medio milenio después, la interpretación moderna de Günther von Hagens, mediante la plastificación de cadáveres reales.

Por tratarse de cuerpos humanos reales, en poses comunes, las disecciones de von Hagens

resultan impresionantes. Aunque parece que todos los cuerpos que muestra fueron

donados voluntariamente, sus exhibiciones han sido muy controvertidas. Cinco siglos

después de Vesalio, von Hagens recupera la estética de entonces y la adapta al mundo

moderno.

Günther von Hagens y BodyWorks.

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Los anatomistas que siguen a Vesalio continúan usando los principios estéticos de la vida

y de la muerte. De nuevo, Bidloo, de la mano de de Lairesse y de van Gunst nos muestran

un amplio espectro de imágenes, que van del dramatismo de la mesa de disección a la

figura artística por excelencia, hasta la representación anatómica de la resurrección en un

esqueleto que representa el resurgimiento de la tumba.

Si la cátedra de anatomía se basó en el estudio de los cuerpos para lograr resultados

estéticos creíbles, el estudio de la anatomía se aplicó en forma inversa: a partir de las

estatuas, se estudió la anatomía. Las figuras que sirvieron de referente estético fueron

analizadas desde el punto de vista anatómico. Un bello ejemplo de este uso de la

anatomía para comprender el arte es el de Jean-Galbert Salvage, en un grabado de Jean

Bosq donde se representa un gladiador como un desollado.

En este uso de la anatomía aplicada a las bellas artes, Francesco Bertinatti hace

transparente la estética de la figura griega Lo Spinario, la estatua del niño que trata de

sacarse una espina de su pie. En 1837, inicia su trabajo de representar a dicha estatua

como si pudiera ver su interior. En su obra analiza los elementos de la anatomía y la

fisiología aplicada a las bellas artes, con la salvedad de que aún faltaba cerca de medio

siglo para el descubrimiento de los rayos X.

Sin duda, el artista que es capaz de demostrar la

anatomía con tanto detalle, puede trasladar sus

conocimientos anatómicos a la figura artística. El

primer referente anatómico es el cuerpo del

hombre. La anatomía es falocéntrica, la mujer es

representada inicialmente en una actitud

pudorosa, como en el bello ejemplo de Jan

Stephan van Kalkar, una especie de Adán con un

cráneo en su mano izquierda y una Eva

dibujados para el atlas de anatomía de Vesalio.

De la figura femenina también se muestra el torso. La mujer se muestra como una

máquina para la fertilidad. El torso femenino es de interés obstétrico. De hecho, muchos

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anatomistas favorecen la representación anatómica fetal, en la cual se elimina por

completo el torso, con dibujos de fetos aislados, íntegros o disecados para mostar sus

partes.

La estética se aplica en mujeres que despliegan su fertilidad en forma de flor, técnica que

también se usa en los infantes. Odoardo Fialetti, en 1626, presenta algunos ejemplos de

esta estética.

El útero grávido también pasó por una fase de representación esquemática. De los dibujos

simplistas que representan a los fetos como homúnculos diminutos asentados en la

matriz, se llega a un gran detalle anatómico, que se favorece por la mortalidad materna.

Los cadáveres de mujeres embarazadas fueron muy apetecidos para los anatomistas, pues

esos cadáveres representaban la oportunidad de conocer el desarrollo del cuerpo humano.

De hecho, algunos anatomistas pagaban importantes sumas de dinero a los sepultureros, a

parteras y a médicos que pudieran proveerlos de especímenes para el estudio del

embarazo en sus diferentes etapas. Jan van Rymsdyk, en 1774, logra dibujar con gran

detalle los torsos de mujeres embarazadas, bajo la guía científica de los hermanos

William y John Hunter, pioneros de la escuela de anatomía inglesa.

Jan van Rymsdyk dibuja con gran detalle los genitales femeninos, bajo la tutela de los

hermanos Hunter. Mediante un recurso que resulta casi ingenuo, el mismo artista presenta

una versión en la que los genitales externos quedan ocultos tras un libro, quizá en un

intento por darle un aire académico a la disección del torso femenino en estado de

embarazo.

En 1886, Gustave Courbet presenta el torso femenino como origen del mundo, en un

controvertido cuadro por haber sido demasiado revelador en la época en que fue creado.

Los anatomistas usaron recursos que parecían adelantarlos a su época. En 1872, Christian

Wilhelm Braune presenta varios ejemplos de dibujos basados en cortes. Usó cadáveres

congelados, seccionados en diferentes planos u orientaciones, para mostrar las relaciones

anatómicas entre las diferentes estructuras internas, en una manera que no sería aplicada a

las imágenes diagnósticas sino más de un siglo después.

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Otra muestra de ingenio para el estudio y la demostración de la anatomía está

representada en los modelos de cera, hechos a escala o en tamaño natural, y con piezas

desarmables que permitieron conocer el torso y su contenido. La técnica del modelado en

cera es especialmente dramática, tanto por su realismo tridimensional como por el uso de

colores que imitan lo que los anatomistas han tratado de dibujar durante siglos: el cuerpo

humano revelado en su interior. La Venus de Clemente Susini es uno de los más bellos

ejemplos de la colección del Museo La Specola de Milán, quizá la muestra más completa

de la estética del modelo anatómico. El pionero de los modelos de la escuela italiana fue

el anatomista y patólogo Felice Fontana. Uno de los primeros modeladores fue Giuseppe

Ferrini, cuyos colaboradores principales fueron Antonio Matteuci y Clemente Susini,

quien sería reconocido como el mayor y más famoso modelador o ceroplasta de la

escuela florentina.

El conocimiento cotidiano se aplica a la estética de la anatomía. Algunos grabados flamencos

del siglo XVII representan la anatomía humana en un contexto que hoy llamaríamos global, con

alusiones al «estado del arte» en la ciencia: alquimia, astrología, astronomía, zoología, botánica

y quiromancia, entre otros. Las edades del hombre son representadas en las cuatro estaciones.

En cada estación se incluyen las aves y plantas más representativas, que incluyen golondrinas,

tórtolas, cigüeñas o cormoranes. En la representación del invierno coinciden la hoja de tabaco,

como conexión con el nuevo mundo, y el descenso a la tumba.

En contraste, la ciencia anatómica se basa en la precisión y el detalle. De los grabados en

madera, se pasa al grabado en cobre, técnica que permite mayor definición de los detalles.

Los anatomistas pueden presentar sus descubrimientos ante sus pares académicos gracias

al detalle de sus dibujos. Johann Wirsung, de la Universidad de Padua, consultó su

descubrimiento del conducto pancreático a varios de los más renombrados anatomistas

europeos del momento. Aunque su asesino quiso robarle la autoría del descubrimiento, su

detallado grabado en cobre ya había divulgado copias de su dibujo por la Europa

científica.

Tanto los artistas como los anatomistas se interesan por las proporciones. Leonardo nos

presenta su hombre de Vitruvio, una de las primeras imágenes en las que se hace alusión

  26 

directa a la importancia de las proporciones en el dibujo anatómico. El hombre circular

(Homo ad circulum) y el hombre cuadrado (homo ad quadratum) superpuestos,

comparten la cabeza, pero no el centro, que en el cuadrado es el pubis. Leonardo hace

anotaciones (escritas en letra en espejo) sobre las relaciones proporcionales del cuerpo.

La vista lateral del pie es igual de largo que la cabeza y el brazo. El ancho de los hombros

es igual a la distancia del codo a la punta de los dedos. El muslo es un cuarto de la altura

total.

El inglés William Cheselden es uno de los más claros representantes del detalles y la

precisión en el dibujo anatómico. Su dibujante Gerard van der Grucht muestra la

importancia de las proporciones al comparar las dimensiones del esqueleto humano con

las del cráneo de un caballo, en otro ejemplo del mensaje vesaliano de la supremacía del

estudio de la anatomía humana sobre la animal.

Otro ejemplo del interés en la precisión de las proporciones, también de Cheselden, es la

representación de un niño que lleva en su mano el húmero de un adulto. Además del

paralelismo entre el niño y el adulto, el artista muestra una coincidencia geométrica, al

presentar en disposición paralela el eje del brazo del niño y el del hueso del brazo del

adulto que lleva como trofeo. Siguiendo la estética impuesta por Vesalio y van Kalkar un

par de siglos antes, Cheselden presenta a los esqueletos de su Osteographia en medio de

escenas pastorales y paisajes que también muestran gran detalle. Otro de sus ejemplos de

la importancia de las proporciones es el de un esqueleto de un niño, que muestra en

actitud contemplativa, abrazado a la cadera del que podría ser uno de sus padres,

representado como un esqueleto inconcluso de tamaño proporcional a su edad mayor.

El interés por las proporciones se manifiesta en el arte a lo largo de su historia. Los

dibujantes, pintores y escultores se interesan por el estudio de las dimensiones y la

geometría, y definen un plan para lograr representar en sus obras cuerpos creíbles, hechos

de partes de tamaños congruentes. Aunque no es común en el arte anatómico, hay casos

en los que el artista quiere mostrar figuras desfiguradas. Para desmentir los rumores

acerca de que la precisión en sus esculturas era debido al uso de moldes en yeso

obtenidos de sus modelos, Rodin comenzó a hacer que las manos y los pies de sus

  27 

esculturas fueran desproporcionadamente grandes, efecto que sólo era posible si, en vez

de la «trampa» de tomar moldes, el artista las esculpía directamente.

En el arte colombiano tenemos el ejemplo de Coriolano Leudo, en cuyos bosquejos se

evidencian los trazos que van a determinar la proporcionalidad de las partes del cuerpo.

A pesar del desarrollo de la técnica del dibujo, el esquema anatómico seguía vigente,

aunque con mayor precisión que la de los dibujos de Asia Menor. Por su índole

académica, los dibujos estaban atiborrados de información, de tal manera que podían

recordar los diagramas de los puntos moxa de la medicina oriental. Es el caso del manual

del Dr. Engelbert Kaemperer, médico jefe de la embajada holandesa en Japón hacia el

año 1700. Japón había cerrado sus puertas a los demás países, pero Holanda mantenía su

puerto comercial en Nagasaki, donde tenía unas oficinas la Dutch East India Company.

El manual de Kaemperer fue la primera fuente para occidente de esta práctica médica.

Para Bartolommeo Eustachi, de la Universidad de Padua, los esquemas llenos de líneas

para enumerar las partes anatómicas no eran apropiados desde el punto de vista estético.

Es así como presenta una manera novedosa de mostrar la anatomía corporal, con un

sistema de referencias que no se superponen al dibujo anatómico, técnica que luego sería

aplicada a la cartografía. No en vano, las colecciones anatómicas adquieren el mismo

nombre que las representaciones geográficas: atlas.

A pesar de haber sido un defensor de la fisiología galénica, en contra de las innovaciones

presentadas por Vesalio, Eustaquio hizo varios descubrimientos importantes en la

anatomía humana, como la comunicación entre el oído y la cavidad oral que hoy lleva su

nombre, la trompa de Eustaquio. Antes de Eustaquio no se conocían las glándulas

suprarrenales ni el conducto linfático torácico; Eustaquio también hizo grandes aportes al

conocimiento de la anatomía uterina y de los nervios ópticos. Sus láminas, elaboradas por

un arquitecto, se extraviaron en la biblioteca del Vaticano durante más de un siglo.

Aunque las publicó en 1564 (año del naufragio en el que murió Vesalio cuando iba en su

camino de peregrinación hacia Tierra Santa) bajo el título Opuscula anatomica, sólo

fueron difundidas ampliamente hasta 1714, cuando Giovanni Maria Lancisi, médico

personal del Papa, hizo que las publicaran bajo el nevo título de Tabulæ Anatomicæ.

  28 

A Eustaquio debemos la representación del cuerpo como un mapa. En 1783 presenta su Tabulæ anatomicæ, con dibujos de Pietro Matteo Pini y grabados Giulio de ‘Musi.

Estas láminas habrían de competir con las de varios anatomistas asociados a artistas de gran

calidad, que publicaron sus propias colecciones de anatomía en el siglo XVIII. El Suizo

Albrecht von Haller fue uno de ellos, quien desde la Universidad de Leyden, hizo disecciones

detalladas que fueron dibujadas por Joel Paul Kaltenhofer y luego grabadas en placas de cobre

por George Daniel Heumann. El realismo de las láminas de von Haller explica la fama de la

  29 

Universidad de Leyden, reconocida como el segundo centro universitario de importancia en el

estudio de la anatomía, después de la Universidad de Padua.

Cattani retoma el detalle y la precisión anatómica, junto con la estética de la anatomía. De

nuevo, aparecen las cuerdas de las que cuelgan las partes corporales ilustradas.

Osteographia e myographia. Antonio Cattani, 1790.

A pesar de las limitaciones por el estado precario de la tecnología de impresión masiva,

uno de los más importantes textos de anatomía, que hoy sigue siendo referencia

indispensable en las facultades de medicina, es la Anatomía de Gray, de 1800. En ese

texto, el torso sigue siendo un referente estético común. El detalle de las láminas y

descripciones es coherente con el ánimo académico del texto, aunque no es difícil

suponer que muchos médicos no tendrían los recursos para acceder a los libros de texto.

De hecho, un buen número de las láminas que han sobrevivido al tiempo pertenecen a las

colecciones privadas de coleccionistas de arte, personas cuyos intereses no eran

necesariamente académicos.

Las láminas anatómicas seguían teniendo un interés artístico, además del probable interés

científico en el cuerpo, humano o animal. Los dibujos podían mostrar gran detalle en la

demostración de membranas, pequeños vasos sanguíneos, ganglios y otras estructuras que

a la vez demostraban la habilidad del disector para explorar cuidadosamente sus cuerpos

y especímenes, sin dañarlos en el proceso.

  30 

A la vez, algunas de las imágenes podían mostrar simultáneamente la perspectiva desde

varios puntos de vista, en un estilo que casi podría ser considerado cubista.

Los cuerpos no sólo podían ser desollados, sino desmembrados. El estudio de la

anatomía, como en el estudio artístico del cuerpo, se podía hacer por partes. Para poner

los restos disecados en un contexto académico, se usa el recurso del libro como símbolo.

Las partes dibujadas reposan sobre textos.

El torso sigue siendo el referente estético en

diversas ilustraciones a lo largo de varios

siglos de anatomía académica. Dos hermanos

irlandeses, Joseph Maclise, el anatomista, y

Daniel, el dibujante, presentan sus figuras

anatómicas dirigidas a la comunidad médica,

en las que llama la atención el que puede ser

considerado como el primer ejemplo del uso

de un cuerpo de un hombre de raza negra.

Surgical Anatomy. Joseph & Daniel Maclise, 1856.

Uno de los más bellos ejemplos de detalle artistico es el de Jan Wandelaar, el grabadista

del anatomista Bernard Siegfried Albinus. Su libertad artistica se muestra en los

detallados paisajes que elabora Wandelaar como fondo para los también muy precisos

dibujos anatómicos de los huesos y músculos del hombre. Las poses de sus cadáveres

desollados se basan en modelos vivos, cuya constitución era similar a la de los cuerpos

disecados. El artista usa el grabado en cobre, que permite mucho mayor detalle y filigrana

que el grabado en madera, para llenar el fondo de cada lámina con paisajes altamente

elaborados, llenos de alusiones religiosas y naturalistas.

  31 

Mediante el uso de cambios en el trazo de las líneas sobre la placa de cobre, el artista

Wandelaar logra resaltar la figura anatómica sobre un fondo que da la impresión de estar

ligeramente desenfocado, y puede hacer que los tonos de la figura anatómica sean

concordantes con los de su fondo. Albinus y Wandelaar retoman la estética vesaliana en

sus representaciones anatómicas. La precisión anatómica de los dibujos es evidente en el

detalle de cada hueso y cada músculo, bellamente representados por el artista.

El 22 de julio de 1741, desembarcó en Rotterdam el navío Knapenhof , bajo órdenes del

capitán Douwemout van der Meer. Su mascota personal era una bella y dócil hembra de

un extraño mamífero traído de la india, una rinoceronte llamada Clara. Clara tenía cuatro

años de edad en ese entonces, y por ser solamente el quinto ejemplar de su especie en

llegar a la Europa modena, fue exhibida con gran éxito en varias ciudades. Doscientos

veintiseis años atrás, había llegado a Portugal el que fuera considerado el primer

rinoceronte indio en ser visto en Europa. Su fama trascendió al ser dibujado por el

famoso pintor alemán Alberto Durero, quien nunca tuvo la oportunidad de ver a ese

mamífero en persona. Su grabado se basó en descripciones, y ha sido considerado como

la más influyente imagen de un animal en la historia del arte.

Clara debió causar una fuerte impresión en el artista Jan Wandelaar, pues en 1742 la usó

como fondo para uno de los esquemas anatómicos de los músculos humanos, en una

lámina que se constituye en un ejemplo de la libertad artísica en la representación

anatómica, una de mis favoritas en la historia del arte anatómico.

  32 

El cuarto orden de los músculos. Tabulæ sceleti et musculorum corporis humani, Bernhard Siegfried Albinus, Jan Wandelaar, 1747.

La disección misma ha sido dibujada en diferentes momentos de la historia de la

anatomía. Los artistas utilizan el recurso de la disección fuera de contexto, para demostrar

cadáveres en poses que pueden parecer absurdas en un contexto anatómico. Los cortes

transversales o en otros planos, cuya única finalidad era la de conocer las relaciones entre

  33 

los órganos, sólo vuelven a ser útiles siglos después, cuando surgen los métodos de

imágenes diagnósticas basados en cortes. La estética anatómica cobra matices casi

macabros, en un contexto que parece surrealista.

Otro recurso usado por los artistas anatómicos es el matiz erótico. Así como los cuerpos

disecados, cortados o desollados son mostrados en escenas pastorales y moralistas, se

encuentran alusiones directas al erotismo, con personajes representados sobre lechos

nupciales, en posiciones eróticas, comunes a las de obras de arte que no están dentro del

contexto científico. Las posiciones en las que son representados algunos cuerpos y torsos

son las mismas que simbolizan la sexualidad y la sensualidad. La anatomia, entonces,

tiene su propia estetica erótica. No se explica de otra manera que el fondo utilizado sea

una alcoba, y que las figuras que sirven para la representación anatómica adopten poses

sensuales.

Los cuerpos representados pueden hacer alusiones a personajes míticos, o tener un

referente bíblico, como en el caso de la leyenda del adulterio, conocida a través de la

historia de David y Betsabé. David espía a Bestabé mientras ella se baña, sabiendo que

lleva en su vientre su hijo, a pesar de que ella está casada con Urías. La escena, que ha

sido representada en el arte pictórico, tiene su equivalente anatómico en una de las

láminas de Estienne, que incluye la representación del embarazo adúltero mediante una

ventana que muestra el contenido del vientre de Betsabé.

De lo estético se llega a lo macabro. La representación de fetos en actitud juguetona,

como si fueran niños vivos, pero que juegan con embriones que penden de hilos y

cuerdas. Ruysch pone a varios niños cual si fueran una orquesta infantil de aire fúnebre,

en un bosque de partes anatómicas, quizá los desechos de sus disecciones. En otro de sus

bosques de tráqueas y bronquios, los niños lloran, usando pañuelos hechos de diferentes

membranas. Estas dramáticas imágenes pretendían representar la grave situación de la

mortalidad infantil.

  34 

Thesaurus anatomicus primus, de Frederik Ruysch. Grabados de Cornelius Huyberts, 1701.

La estética que puede ser considerada macabra se observa en el recurso de varios artistas,

que muestran a los cadáveres desollados o desmembrados, pero aún vivos, casi como

recuerdo de la práctica de la vivisección.

Algunos artistas no médicos aprendieron anatomía y se dedicaron con entusiasmo a la

disección de cadáveres, casi siempre autodidacta. Uno de los más importantes ejemplos

de artistas-disectores, después de Leonardo, fue Gamelin. Sus obras anatómicas tienen un

matiz artístico que puede derivarse del hecho de que ningún médico, en busca de la

precisión desde el punto de vista anatómico, dirigía sus dibujos. Sus esqueletos pueden

representar la resurrección, la crucifixión de un cadáver desollado y la actitud de oración,

en imágenes que hacen pensar que el movimiento surrealista no fue una idea original, a

pesar de haber surgido siglos después.

  35 

\

Noveau recueil d’osteologie et de myologie. Jacques Gamelin, grabados de Lavalée, 1779.

  36 

La trompeta anuncia «Levántate muerto y ven a tu Juicio».

Dibujos de Jacques Gamelin, grabados de Lavalée. 1779.

«Reza para no caer en tentaciones»

  37 

Los dibujos puramente artísticos de Gamelin muestran un profundo conocimiento

anatómico, que le permite reproducir, de manera creíble, la musculosa superficie de sus

desnudos.

Se obtienen logros artísticos con fundamento en el conocimiento anatómico. En el dibujo

colombiano del siglo XX, Eladio Vélez y Coriolano Leudo muestran precisión

anatómica: la piel y los músculos superficiales son representados con detalle en sus

dibujos basados en modelos vivos. Incluso en las representaciones más esquemáticas del

cuerpo en el arte moderno, hay cierto conocimiento anatómico, que permite al artista la

libertad de distorsionar la anatomía, hasta volverla esquemática o simbólica. En el arte

moderno, el cuerpo puede ser tratado como un símbolo, más que como una

representación fiel de una forma.

El artista inglés Damien Hirst, famoso por haber logrado en 2008 las más altas ventas de

obras de un solo artista en la reconocida casa de subastas Sotheby’s de Londres, ha

creado obras en las que combina arte moderno y anatomía, como en el caso de su

gigantesca escultura Virgen Madre, de la que hay ahora dos versiones, una en Nueva

York (calle 53E y Park) y la segunda en Londres (Plaza de Picadilly). Su famoso cráneo

incrustado con 8601 diamantes tiene un valor que supera los 100 millones de dólares, la

obra de arte que ostenta el título de ser la más costosa jamás realizada. Se supone que el

título de esa obra (For the Love of God) representa la reacción de la madre del artista

(«Por el amor de Dios, ¿qué más vas a hacer?»).

Otro artista que se dedicó a las representaciones anatómicas, basado en sus propias

disecciones, fue Jacques Fabien Gautier D’Agoty. Alumno de Jacob Christoph Le Blon, a

quien le aprendió la técnica de la mezzotinta, técnica tricrómica de impresión a color.

D’Agoty aporta a la técnica el uso de cuatro separaciones de color, incluyendo el negro.

El uso de la tinta negra le imprime un especial dramatismo a las sombrías imágenes de

D’Agoty. Aunque sus dibujos son muy elaborados, no tienen la precisión anatómica de

los dibujos guiados por anatomistas, con mayor conocimiento del tema.

  38 

La tinta negra aporta un especial dramatismo a las impactantes figuras de Jacques Fabien Gautier D’Agoty. Anatomie générale des visceres en situation, 1752.

Aunque inicialmente fueron los artistas quienes se encargaron de despersonalizar el

cuerpo, representándolo como partes de un ensamblaje, fueron los mismos artistas

quienes devolvieron la identidad a sus cuerpos. Los cuerpos son representados con los

detalles de sus facciones. Los cadáveres que aparecen cortados con fines científicos,

pueden ser identificados por sus rasgos y señales particulares.

A la vez, en la medicina moderna, se trata de que sus partes no sean identificables. Los

dibujos o fotografías de los rostros se cubren parcialmente; con la intención de mantener

la confidencialidad, se eliminan los nombres en las imágenes diagnósticas que se

presentan en conferencias, con el resultado paralelo de volver anónimos a los pacientes.

  39 

En los tiempos modernos, surge The Visible Human Project, una colección de más de 1800

cortes transversales hechos sobre un cadáver congelado, para el estudio detallado de la

anatomía sobre un cuerpo real.

Curiosamente, el cadáver proviene, como

siglos atrás, del ajusticiamiento. A

diferencia de los primeros cuerpos

utilizados como objeto de estudio en la

historia de la anatomía, en este caso el

cadáver se obtuvo por donación. Resulta

interesante saber que el cadáver usado es

el de un hombre, como en los inicios

falocéntricos de la anatomía.

The Visible Human Project. Center for Human Simulation. University of Colorado, 1993.

Los cortes, sin embargo, no son anónimos. El cuerpo utilizado perteneció a Joseph Paul

Jernigan, un hombre condenado por asesinato. Su ejecución fue mediante inyección letal en el

estado de Texas, EE.UU. El proyecto siguió con el cuerpo de una mujer, cuyo nombre sigue en

el anonimato. Se trataba de una ama de casa del estado de Maryland, que falleció por un infarto

agudo del miocardio a los 59 años, aparentemente donada a la ciencia por su esposo. Varios

cadáveres más han sido finamente cortados luego de ser congelados, para completar la colección

de cortes en diferentes planos que representan la anatomía humana. Con la tecnología actual,

estos cortes han sido digitalizados para lograr una anatomía virtual. El arte del pasado se logra

con la técnica del presente, obteniendo como resultado un cadáver que puede disecarse una y

  40 

otra vez, un desollado virtual, cuya información anatómica es basada en cortes reales.

La práctica actual de la radiología permite hacer manipulaciones similares, sin dolor. Podemos

visualizar desde la piel hasta el interior, en forma de cortes o en tres

dimensiones. Las imágenes modernas simulan los cortes de

cadáveres congelados.

Radiología moderna. Las técnicas actuales de escanografía y resonancia magnética permiten hacer reconstrucciones tridimensionales por capas, desde la superficie hasta los huesos, en blanco y negro o a color. Los cortes se pueden hacer en cualquier plano, para revelar el interior del cuerpo humano.

El conocimiento anatómico es fundamental para lograr los cortes requeridos para resolver cada

situación que se presenta como la manifestación de una enfermedad. Los radiólogos modernos

deben dominar el arte del corte.

Muchos atlas de anatomía modernos se basan en cortes obtenidos con técnicas de imágenes

diagnósticas. El cuerpo por partes, o el cuerpo como un todo, en secciones o reconstrucciones

obtenidas de la práctica diaria de la radiología; anatomía real para el ámbito académico.

  41 

La tecnología médica se puede usar también para lograr una imagen desollada

progresivamente, de la piel hasta los huesos, pero de manera virtual; anatomía real como

arte.

Deconstrucción de una huella. A.J. Morillo / J. Ramos.

La primera acepción de la palabra huella hace referencia directa al pie, del hombre o del animal, como una

señal que queda en la tierra, pero también como un rastro o vestigio o como el concepto de una impresión o

recuerdo.

La imagen de una huella es, por tanto, un concepto que puede tener implicaciones filosóficas. De la misma

manera como se construye una estructura conceptual, el proceso mediante el cual se desmonta,

analíticamente, un concepto, se conoce como deconstrucción.

La eliminación virtual de las partes de una huella tiene implicaciones que trascienden a las anatómicas. La

reconstrucción tridimensional de los pies mediante escanografía ofrece una oportunidad única para la

deconstrucción de una huella.

http://ajmorillo.blogspot.com

  42 

Los alcances artísticos de la anatomía pueden llegar hasta una taxonomía del horror,

donde el artista usa sus conocimientos anatómicos para retar la falta de compromiso del

discurso museológico. Witkin presenta así un ejemplo de la creación de un esqueleto

imposible para un museo inexistente. Joel-Peter Witkin ha viajado a Colombia en por lo

menos tres oportunidades distintas para completar sus proyectos fotográficos. Es

ampliamente conocido por su fotografía de una cabeza humana seccionada en dos

mitades, con la que compuso «El Beso», donde un decapitado se besa a sí mismo.

Desde el punto de vista artístico, la anatomía del cuerpo puede ser representada en forma

simbólica, como un cuerpo lleno de cuerpos con funciones específicas. Desde el punto de

vista simbólico, el cuerpo se representa como un recipiente lleno de significados.

Sin Título. Robert Gober, 1990. El cuerpo representado desde del arte, como un torso de cera en el cual los cuerpos masculino y femenino se unen en forma imperceptible en un recipiente sellado arriba y abajo, como una bolsa de papel: el cuerpo como contenedor de significados.

  43 

El cuerpo humano revelado, a través del arte, la anatomía y las técnicas modernas de

imágenes diagnósticas. A partir de la ciencia de la anatomía, se construye un arte que

representa al cuerpo con fidelidad y precisión científica. A partir del arte del dibujo y el

grabado, se construyen cuerpos cuya credibilidad se basa en el conocimiento anatómico

del cuerpo. El cuerpo humano, entonces, se revela a través de la historia como una

compleja estructura donde cada parte es fundamental para el todo. A partir de las partes

se construyen cuerpos, que no pueden serlo sin sus partes. La historia del arte y la historia

de la anatomía confluyen en la representación artística del cuerpo, para la cual es

imprescindible el punto de vista científico.

Jacques Fabien Gautier D’Agoty, 1752.

  44 

Lecturas recomendadas y referencias bibliográficas

Bussagli, Marco: El Cuerpo Humano. Anatomía y Simbolismo. Colección Los Diccionarios del Arte. Random House Mondadori, S.A. Barcelona, 2006. ISBN 10: 84-81-8156-417-6. ISBN 13: 978-84-8156-417-4.

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Nota: La presentación original en formato de conferencia dura aproximadamente 80 minutos, y se acompaña de muchas más imágenes, que ilustran las diferentes épocas del arte anatómico. Dicha presentación se cierra con un proyecto personal, un intento de arte radiográfico titulado «El proyecto via cruxis», que fue publicado originalmente en la revista de la Facultad de Medicina de la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá, Colombia, cuyo contenido he reproducido en mi bitácora personal, como se reseña en la bibliografía. Para ambientar los textos e imágenes que conforman «El Proyecto Vía Cruxis», prefiero acompañar la proyección con un fondo musical, la versión para piano de «Cuadros de una Exposición» de Modesto Mussorgsky, en interpretación de Valery Afanassiev. (Mussorgsky: Tableaux D’une Exposition, Valery Afanassiev, Decca,1991).

El proyecto via cruxis. AJ Morillo, 2000.

  46 

Aníbal J. Morillo, MD, en el Torreón Sur para las clases de Anatomía, Facultad de Medicina, Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá, Colombia, 2009.