Cita ineludible de los seguidores de las artes escénicas más innovadoras, nacionales e internacionales, el Festival Escena Contemporánea, en colaboración con la Asociación Cultural Escena Contemporánea, marca el inicio de los festivales organizados por la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid.

Los ciudadanos de nuestra región y aquellos que nos visiten durante los primeros meses del año podrán disfrutar, a través de este festival, de una oferta de artes escénicas variada y de calidad. Dicha oferta, enmarcada en la panorámica del resto de festivales que presentamos a lo largo del año, tiene la finalidad de consolidar a nuestra región como un centro de referencia cultural internacional.

Del 30 enero al 24 de febrero, este festival situará a la Comunidad de Madrid en el primer plano internacional de exhibición, debate y reflexión sobre las más creativas y actuales manifestaciones escénicas. Podremos disfrutar de las creaciones de 24 artistas y compañías, 9 de ellas internacionales, procedentes de países como Portugal, Italia, Países Bajos, México, Alemania, Gran Bretaña o Bélgica.

Queremos invitar a todos los aficionados a las artes escénicas a que sean partícipes de las propuestas más novedosas de la escena contemporánea, tanto en la capital como en la región.

Dirección General de Artes Escénicas, Música y Audiovisual

Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid

Cada vez más, es un verdadero milagro que podamos reunirnos con los creadores a compartir experiencias. Pero a pesar de ello aquí estamos, porque lo cierto es que la creación es una necesidad absoluta que borra todo lo demás. Prueba de ello son estos trabajos que os presentamos y que se acercan hasta nosotros como una reacción llena de vida, talento e imaginación: propuestas que distorsionan la realidad más allá de su apariencia normal para dar testimonio de la apariencia que es realmente suya.

Con esta XIII edición de Escena Contemporánea, quisiéramos dar fe de este momento en el que los creadores, con una conciencia social poderosa y fuerte, dirigen su mirada a la realidad que nos atraviesa. Lejos de la autocomplacencia, observan la naturaleza de las cosas e intervienen en ella como cirujanos y en algunos casos como carniceros, para descuartizarla. Un catálogo nada dogmático de múltiples experiencias de naturaleza escénica, que recoge la pluralidad de ángulos de la creación contemporánea y que propone oídos a una importante parte de creadores jóvenes, en un diálogo entre presente y futuro. Trabajos que ponen voz a los que no la tienen, con voluntad implícita de transferir ideas, emociones y pensamiento con el público espectador. Trabajos que en su pequeño formato, son grandes por lo que rebosan de poder escénico y grandes porque como decía Heidegger, todo lo grande está en medio de la tempestad.Hemos hecho para esta edición, un especial esfuerzo por estimular la creación, al recoger proyectos en fase embrionaria pariticipando en la producción de los mismos, completando así los procesos creativos y asegurando su continuidad. Y casi sepultados en esta realidad perversa en la que el poder pretende poner freno a la potencia del arte, esperamos que esta edición cumpla su modesto objetivo: que unidos en los sueños y la angustia, alejemos de nuestro pensamiento la idea de que todo es imposible o inútil y despertemos de la sinrazón a la esperanza.

No puedo dejar de agradecer desde aquí a todas las instituciones, embajadas, salas y personas cuyos nombres no encontraréis impresos, el esfuerzo realizado y la voluntad manifiesta de apoyar este Festival que cumple ya trece años de vida imprescindible. Sin todos ellos, no hubiera sido posible sostener este frágil proyecto.

Y ahora ya, esto es para todos vosotros. Espero que podamos compartir en cualquiera de las salas, el momento en el que todo esto cobra su verdadero sentido: cuando cae sobre nosotros el oscuro y comienza la vida tal y como nos gustaría creer que es...

Salva BoltaDirector de Escena Contemporánea

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16LA

VERONAL

32SOFIA DIASVÍTOR RORIZ

48ROOM WITH

A VIEW

64MIRAGE CO.

TEATRO

LOSLUNES

LATRISTURA

TALLERDIRK

LAUCKE

72VENTA

ENTRADAS+ INFO

20COOP. GRAL.

HUMANA

36VICENT

GISBERT

52DAVID

ESPINOSA

68PROGRAMACIÓNPOR ESPACIOS

ESCÉNICOS

28LISBETHGRUWEZ

44CHÉVERE

ÍNDICE

60PABLO M.

JONES

18EL PONT FLOTANT

34CHANTAL

YZERMANS

50NOU

ENSEMBLE

66FERNANDO

SOTO

ONÍRICAMECÁNICA

ATRESBANDES

SLEEPWALKCOLLECTIVE

TEATROSOTTERRANEO

OSCURATEATRE

RICCI/FORTE

70CALENDARIO

30KRAKENTEATRO

46GRUMELOT

62LECTURASESCÉNICAS

PROGRA_MACIÓN

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LA VERONALwww.laveronal.com

ISLANDIA

dirección marcos morau / coreografía marcos morau en colaboración con los intérpretes / intérpretes inma asensio_lorena nogal_sau-ching wong_xavi auquer_tanya beyeler / asistente de coreografía lorena nogal dramaturgia pablo gisbert – el conde de torrefiel / texto pablo gisbert _roberto fratini / espacio north howling / diseño de iluminación enric planas / música diversos autores islandeses / fotografía tristán pérez-martín_edu pérez / vídeo edu pérez / vestuario soffía ósk stefánsdóttir

Islandia es una producción del sat! de barcelona y la veronal, con el apoyo del inaem ministerio de cultura, institut ramon llull, generalitat de catalunya, devir-capa centro de artes performativas do algarve, la caldera, mercat de les flors, el graner espai de creació y el institut de cultura del ayuntamiento de barcelona.

SOBRE LA OBRAIslandia como país se convierte en un referente para todos los que creemos que, ante la situación actual, es posible hacer las cosas de otra forma, lejos de las imposiciones de los mercados, sistemas financieros y poderosos en general, y esto inevitablemente se pone de manifiesto en la pieza y juega un papel preponderante en el juego entre imagen y significado.

Marcos Morau

_La elección de Islandia no es fortuita, responde a la necesidad de encontrar un modelo creíble en medio de una crisis mundial. Pero más allá de su contenido político, Islandia es también un proyecto de investigación escénica en torno al valor de la imagen y su significado. Con dramaturgia de Pablo Gisbert - El Conde de Torrefiel, la pieza busca respuestas mediante el uso del lenguaje de los cuerpos y apunta preguntas acerca de la importancia de la imagen en la sociedad actual. La Veronal ha encontrado en la metáfora a su mejor aliado para dejar volar su imaginación… Porque la metáfora capta una realidad sugerida y no un concepto delimitado.Islandia se estrenó en el SaT! de Barcelona en enero de 2012.

SOBRE LA COMPAÑÍAMarcos Morau i Dukovshka nace en Valencia en 1982. Ha sido para muchos la gran revelación del panorama dancístico de los últimos años, tanto en España como en el circuito escénico europeo.Sus conocimientos artísticos se extienden hacia la fotografía o la dramaturgia.Ha obtenido numerosos premios en certámenes coreográficos, tanto nacionales como internacionales.Recientemente ha sido invitado a crear una nueva pieza para la Compañía Nacional de Danza en 2014. En 2005 crea La Veronal, compañía formada por artistas procedentes de la danza, el cine y la literatura. En muchas de sus piezas La Veronal trabaja en paralelo con El Conde de Torrefiel (colectivo formado por Pablo Gisbert, Rebecca Praga y Tanya Beyeler). El Conde de Torrefiel aporta su visión teatral y su idea de la dramaturgia complementando las construcciones coreográficas y los paisajes interiores que evoca el universo propio de la compañía. Los trabajos del grupo se caracterizan por una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos, la alusión a referencias culturales -cine, teatro, música y fotografía, principalmente-, y la elección de un lenguaje marcadamente narrativo. _

30 ENERO20.00 hTEATROS DEL CANAL (SALA ROJA)

DANZA_BARCELONA

ESPAÑOL, INGLÉS, FRANCÉS

E ITALIANO (CON SOBRETÍTULOS EN ESPAÑOL)

60 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

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EL PONT FLOTANTwww.elpontflotant.es

ALGUNAS PERSONAS BUENASSOBRE LA OBRAPasados los treinta y ya casi más cerca de los cuarenta, sentimos que hemos cambiado. Hemos perdido frescura, arrojo e inocencia. Hemos abandonado algunas costumbres, cambiado puntos de vista o dejado de hacer ciertas cosas: unas por necesidad, otras por impotencia o por comodidad, otras, simplemente, porque las hemos olvidado. Así que hemos decidido darnos un toque de atención, eso sí, sin perder el sentido del humor –el humor es necesario- y lanzar una mirada hacia nuestro hipotético futuro a través de una lente de aumento que exagera nuestras manías, nuestras contradicciones y nuestra apatía. Nos hemos echado unos cuantos polvos de talco encima para hacernos los viejos y reírnos de nosotros mismos, de aquello que vendrá si seguimos a este ritmo. Quizás nos equivoquemos. Ojalá.

El Pont Flotant

_A través de una mirada personal llena de sentido del humor e ironía, esta obra de la compañía valenciana El Pont Flotant reflexiona sobre la capacidad de compromiso del individuo y la dificultad de mantener siempre una actitud coherente.Convertidos en personas desconfiadas, prematuramente envejecidos y sin fuerzas para cambiar las cosas, estos personajes no encuentran otra opción que tocar fondo, degradarse para perder la dignidad, el respeto, la vergüenza, hacerse los idiotas, frivolizar. Sentirse libres de toda responsabilidad para poder continuar viviendo.No es coincidencia que los nombres de los personajes coincidan con los de los actores. Son ellos mismos. Ellos mismos imaginados y proyectados en un futuro poco atractivo.Algunas personas buenas es un juego teatral que muestra el día a día de los cuatro miembros de El Pont Flotant en un futuro posible. Fue estrenada en el Festival Temporada Alta de Girona en noviembre de 2011.

SOBRE LA COMPAÑÍAEl Pont Flotant nace en Valencia en el año 2000 como grupo de entrenamiento e investigación. Alejadas de parámetros comerciales, sus piezas son el resultado de un trabajo de creación colectiva donde investigan sobre la mezcla de realidad y ficción, el uso de diferentes lenguajes, la relación con el espectador, la teatralización de otras formas de comunicación y el uso del cuerpo del intérprete como fuente de comunicación. Han participado en numerosos festivales de ámbito nacional e internacional. Además, imparten cursos y talleres de creación en diferentes escuelas de teatro, universidades y festivales._

30_31 ENERO21.00 hTEATRO LAGRADATEATRO_VALENCIA

ESPAÑOL

80 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2011_

creación e interpretación àlex cantó_joan collado_jesús muñoz_pau pons / iluminación marc gonzalo / diseño de escenografía joan collado / realización de escenografía santi montón / creación musical david alarcón / diseño gráfico joan collado / audiovisuales el pont flotant_fermín jiménez / fotografías josé ignacio de juan / asistente de producción david carmona / instalación sonora el pont flotant_pedro aznar _santi montón

foto

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josé

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21proyecto

seleccionado en la convocatoria para espacios

no teatrales escena contemporánea

2013

COOPERATIVA GENERAL HUMANAwww.cooperativageneralhumana.org

ESPAÑA

SOBRE LA OBRATrabajamos con las vidas de otras personas, utilizando sus narrativas para cruzarlas con hechos y cosas que nos rodean.

Cooperativa General Humana

_Cooperativa General Humana trabaja desde 2009 en proyectos que se acercan al comportamiento humano, sus representaciones y construcciones. Tomando como referencia el concepto de biopolítica de Foucault, la compañía indaga de forma crítica en las narrativas personales y en las posibilidades de acción de los lenguajes del arte contemporáneo. España, su último trabajo, es un proyecto escénico desarrollado con la participación de varios protagonistas de un espectáculo urbano espontáneo.Lo conforman personas que trabajan actuando en la Puerta del Sol bajo los disfraces de héroes de la ficción infantil como Minnie, Bob Esponja, Dora la Exploradora o Winnie de Pooh. España plantea cuestiones en torno al teatro como técnica de representación contemporánea y medio de expresión desde una perspectiva social y relacional, acercando al espectador a la subcultura española y a su actualidad más reciente.El proyecto España se plantea como un espectáculo puro y transversal que plasma directamente y sin adornos un imaginario colectivo latente y cotidiano.

SOBRE LA COMPAÑÍAA partir de dinámicas de intercambio, Cooperativa General Humana elabora intervenciones que indagan de forma crítica en los lenguajes del arte contemporáneo. Está formado por Alba Mayol (Barcelona, 1979) y Álvaro Ramírez (Barcelona, 1977). El colectivo ha recibido la Beca de Artes Visuales del Ayuntamiento de Torelló 2009, el II Premio Ateneus a la Creatividad en Artes Escénicas, la Beca de Creación Audiovisual Mercat de les Flors-The Screen Barcelona-CCCB, así como la ayuda CONCA en Artes Visuales y Teatro para el año 2011. Han presentado proyectos en Thambos 9, Priorat Centre d’Art, Museu Comarcal de Manresa, Memorial Democràtic, Sala d’Art Jove, 48 Stunden Neukölln, FAD, KKKB, Sant Andreu Contemporani, Haus der Kulturen der Welt, Theaterdiscounter, Un/inged Festival, Nicolaj Kunsthal, Berlin Biennale, MACBA, Neue Gesellschaft für Bildende Kunst, Galería Raiña Lupa, así como en varias ediciones del Festival Internacional de Videoarte Loop/The Screen from Barcelona. Cooperativa General Humana también ha sido finalista de la beca Hangar-SAS Geumcheon (Corea) y Hangar-ADM (México). El colectivo ha sido compañía residente en Fabra i Coats, Hangar, GlogauAir y NauEstruch. _

1_2_3 FEBRERO20.00 hEXTERIORES EDIFICIO ESPAÑAACCIÓN / PERFORMANCE_BARCELONA

ESPAÑOL

45 MINUTOS

E S T R E N O A B S O L U T O2012_2013_

un proyecto de cooperativa general humana

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TEATRO SOTTERRANEOwww.teatrosotterraneo.it

DIES IRAE_ 5 EPISODI INTORNO

ALLA FINE DELLA SPECIESOBRE LA OBRANunca tendrás la oportunidad de pasear junto a un neanderthal. Tampoco podrás hablar con un hombre mesopotámico o contemplar el cielo con un maya. Nunca verás la llegada de una delegación alienígena, ni al sol convertirse en supernova. En realidad, no has visto tu nacimiento y no verás tu muerte. El presente es un tiempo histórico. El presente es una convención. El presente está más allá de cualquier tiempo de acción. Para colonizar el pasado y el futuro, podemos pensar en dos tipos opuestos de arqueología: la primera, escarbar en el pasado; la segunda, enterrar el presente a la espera de una futura exhumación. Siempre hemos dejado señales y seguiremos dejándolas. Vivamos y celebremos nuestro tiempo antes de convertirnos en polvo. Aleluya.

Teatro Sotterraneo

_La pieza que Teatro Sotterraneo presenta en el XIII Festival Escena Contemporánea es solo una parte de su interesante repertorio, con el cual comparte rasgos comunes: la combinación de una absoluta simplicidad de medios con un pensamiento teatral complejo que descompone y recompone la estructura dramatúrgica, uniendo los pedazos con ironía y belleza. Dies irae_5 episodi intorno alla fine della specie (2009) es la primera parte del Dittico sulle Specie que Teatro Sotterraneo completó en 2010 con L’origine della specie_da Charles Darwin. Es una historia estructurada en cinco episodios, apuntalados con las notas del Hallelujah de Leonard Cohen, que se va construyendo por acumulación, como metáfora de una evolución de la especie, desmentida constantemente por lo que está sucediendo. Combina el esparcimiento de sal y el de sangre ofreciendo, para mantener el ánimo, un potente músculo de sarcasmo y lirismo.

SOBRE LA COMPAÑÍATeatro Sotterraneo es un colectivo de investigación teatral nacido en Florencia en el año 2004. Grupo emblemático de la última generación de creadores italianos, se acerca a sus espectáculos con una energía psicológica y física que supera los límites de la mera representación teatral. Introduciendo en escena la vida cotidiana, interpelando al espectador, cuestionando la mediocridad de nuestro tiempo con ironía salvaje, estos jóvenes florentinos enfrentan al público a una realidad que provoca risas al tiempo que revela tragedias. El grupo ha producido los siguientes espectáculos: 11/10 in apnea y Post-it (2005), La Cosa 1 (2008), el Dittico sulla specie compuesto por Dies irae_5 episodi intorno alla fine della specie (2009) y L’origine delle specie_da Charles Darwin (2010), La Repubblica dei bambini (2011) y Homo ridens (2011). En 2012, Teatro Sotterraneo se encargó de la dirección de Il Signor Bruschino de Gioachino Rossini para el Rossini Opera Festival. Han recibido, entre otros, el Premio Lo Straniero (2009), el Premio Ubu Speciale (2009), el Premio Hystrio-Castel dei Mondi (2010), el Silver Laurel Wreath Award en el Mess Festival de Sarajevo (2011), el Eolo Award (2012) y el Primer Premio en el BE Festival de Birminghan._

1_2 FEBRERO21.00 hSALA CUARTA PAREDTEATRO_FLORENCIA

ESPAÑOL

60 MINUTOS

ESTRENO EN ESPAÑA

2009_

creación colectiva teatro sotterraneo / intérpretes sara bonaventura_iacopo braca_matteo ceccarelli_claudio cirri / dramaturgia daniele villa / iluminación roberto cafaggini / vestuario lydia sonderegger / diseño gráfico vestuario claudio paganini / sastrería laura dondoli / asesoría técnica emiliano curà_loris giancola / gráficos marco smacchia

una producción de teatro sotterraneo-fies factory one. coproducción de drodesera>centrale fies, area06, operaestate festival veneto. en colaboración con inteatro/scenari danza 2.0 amat. con el apoyo de regione toscana, comune di firenze - assessorato alle politiche giovanili, teatri del tempo presente - l’eti ente teatrale italiano per le nuove creatività residencias artísticas: dro/centrale fies, isola del liri/area06, polverigi/inteatro scenari danza 2.0, parma/teatro delle briciole - solares fondazione delle arti, milano/pim spazio scenico, scandicci/scandicci cultura, pesaro/spazio hangart, sesto fiorentino/teatro della limonaia, settignano/laboratorio nove

con la colaboración del istituto italiano di cultura de madrid

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SOBRE LA OBRASe trata de una historia de viaje, un paso al vacío, a esos huecos de la infancia que buscan rellenarse en la adultez, sin éxito. Es eso que nos mueve a obtener respuestas sin saber exactamente cuál es nuestra pregunta. Es apenas un reflejo roto de tres hombres únicos.

Bárbara Colio

_En el panorama de la dramaturgia mexicana contemporánea, destaca la joven autora Bárbara Colio. Formada entre México y España y premiada en ambos países ha escrito y publicado más de quince obras. Escritora residente en The Royal Court Theatre-Residency for Emerging Playwrights de Londres (2000) y en el Writer’s Room de Nueva York (2003), Bárbara Colio recibió por Cuerdas el Premio Nacional de Dramaturgia 2009 otorgado por el INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes) y el ICBC (Instituto de Cultura de Baja California). El texto nos acerca la historia de tres hermanos que reciben una carta de su padre, funambulista de fama internacional, anunciándoles su retirada e invitándolos a ver su última actuación. A sus espaldas una retahíla de reproches y rencores. Ante ellos un viaje cargado de dudas y esperas, de carreras hacia delante y pasos atrás, de equilibrios y desequilibrios sobre la cuerda. Hasta que llegue el gran salto. Cuerdas se presentó como lectura dramatizada en el Centro Dramático Nacional, dentro del ciclo “Una mirada al mundo.” Ahora, en una versión para escena, se estrena en FEC13. Se trata del segundo proyecto de la compañía madrileña Los Lunes, tras el éxito de público y crítica cosechado con Wild Wild Wilde, de José Ramón Fernández.

SOBRE LA COMPAÑÍALos Lunes es una compañía creada en 2011 por el actor David Luque y la directora Fefa Noia. Tras un prolongado recorrido formativo y profesional, su propósito es el desarrollo autónomo de propuestas escénicas, la conformación de un equipo de creadores con inquietudes en común y la apertura de canales de comunicación con otros colectivos e instituciones. Fefa Noia se licencia en Filología Alemana en la Universidad de Santiago de Compostela. Realiza su doctorado en Ciencia Teatral en la Ludwig-Maximilian-Universität (Munich), siendo becada por la Fundación Barrié de La Maza y por la Academia de España en Roma. David Luque es licenciado en Filología Inglesa. Cursa estudios teatrales formándose en la técnica Lecoq y en el año 2000 entra a formar parte del elenco estable del Teatro de La Abadía. _

2_3 FEBRERO20.30 hSALA TRIÁNGULO

16 FEBRERO20.00 hCENTRO CULTURAL PACO RABALTEATRO_MADRIDESPAÑOL 90 MINUTOSE S T R E N O A B S O L U T O2012_2013_

texto bárbara colio / dirección fefa noia / reparto enrique fernández_david luque_carlos martos / escenografía silvia de marta / vestuario alejandro andújar_ ana lópez / iluminación pedro yagüe / sonido javier almela

con la coproducción del festival escena contemporánea 2013

LOS LUNES

CUERDAS

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ONÍRICA MECÁNICAwww.oniricamecanica.com

MORFOLOGÍA

DE LA CEGUERA

alicia mariu del amo / mediadores de la experiencia laura de casas_rocío herrera_lidia rodríguez_rodrigo villagrán / coordinación de impresiones sensoriales lidia rodríguez / coordinación de objetos laura de casas / preparación actoral rodrigo villagrán / asistente de dirección rocío herrera / desarrollo creativo mariu del amo_laura de casas_daniel enríquez_rocío herrera_jesús nieto_tomi osuna_lidia rodríguez_rodrigo villagrán / espacio sonoro daniel enríquez / imagen visual y gráfica tomi osuna / producción onírica mecánica / dramaturgia y dirección jesús nieto

proyecto desarrollado con el apoyo de etc cuarta pared (madrid), talleres avam, la nave del duende (cáceres) y ministerio de cultura.

SOBRE LA OBRAPara mí, ser invidente no es vivir en la oscuridad, porque la oscuridad es un color y yo no veo colores. El mundo que yo veo es como mirar a través de un codo.

Mariu del Amo

_Morfología de la ceguera es una experiencia sensorial que cuestiona el sentido de lo real en una sociedad donde impera la información sobre cualquier otra experiencia perceptiva de conocimiento. La pieza, que fue seleccionada para su desarrollo dramatúrgico en ETC-Cuarta Pared, se ha construido durante un año, recogiendo historias y experiencias de personas invidentes y planteándose preguntas. En un espacio en completa oscuridad, el espectador se adentra en el complejo mundo imaginario de los sueños de Alicia -personaje interpretado por la actriz invidente Mariu del Amo- experimentando pequeñas historias perceptivas, algunas divertidas, otras extrañas. Recortes ordenados y desordenados de la realidad humana. Morfología de la ceguera se estrenó en octubre de 2012 en La Nave del Duende de Cáceres.

SOBRE LA COMPAÑÍAOnírica Mecánica es una compañía fundada en 2004 por Jesús Nieto con el firme propósito de construir mundos poético-mecánico-imaginarios que combinan teatro visual, objetos y lenguaje sensorial. La investigación de la que parte Jesús Nieto para sus trabajos cuestiona la tiranía de lo visual, la devaluación de la palabra y los paradigmas que impone la sociedad moderna. Los espectáculos de Onírica Mecánica han sido galardonados con el Premio del Jurado Internacional y el Premio a la Mejor Dramaturgia de la Fira de Titelles de Lleida y han sido seleccionados para la promoción de las artes escénicas de la AECID y el Instituto Cervantes para la temporada 2011-2012. Entre los festivales en los que ha participado se encuentran: FITO (Festival Internacional de Teatro de Objetos, Brasil), Festival Marionettissimo (Francia), Festival IT (Italia) y Festival Internacional de Teatro (Vitoria). Jesús Nieto, director artístico de Onírica Mecánica, antes de la fundación de esta compañía en 2004, había participado en la creación de Teatro en el Aire y participado en labores de actuación, dramaturgia y producción de espectáculos como El viaje de nadie (2001) o La cama (2005). Ha trabajado como director, actor y dramaturgo en más de quince montajes teatrales y musicales, y con la compañía Teatro de los Sentidos en el espectáculo El hilo de Ariadna, presentado en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Su cortometraje El caleidoscopio se ha presentado en ciento cincuenta festivales nacionales e internacionales y recibido premios en el Festival de Cine de Melbourne (Australia) y en el Festival de Cine de Girona._

2 FEBRERO21.00 hLA NAVE DE CAMBALEO (25 ESPECTADORES / FUNCIÓN)

15_16 FEBRERO21.00 hSALA CUARTA PARED (25 ESPECTADORES / FUNCIÓN)EXPERIENCIA SENSORIALESPECTÁCULO EN TOTAL OSCURIDAD_MURCIA/MADRIDESPAÑOL 45 MINUTOSESTRENO EN MADRID2012_

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LISBETH GRUWEZ | VOETVOLK VZWwww.voetvolk.be

IT’S GOING TO GET WORSE AND WORSE

AND WORSE, MY FRIEND

concepto, coreografía e interpretación lisbeth gruwez / composición, diseño de sonido y asistencia maarten van cauwenberghe / diseño veronique branquinho / asesor artístico bart meuleman / iluminación harry cole / asistente al diseño de luces caroline mathieu

agradecimientos: tom de weerdt. producción: voetvolk vzw. coproducción: grand theater groningen, troubleyn/jan fabre, theater im pumpenhaus and andwhatbeside(s)death. difusión: key performance. con el apoyo de provincie west-vlaanderen, provincie antwerpen & vlaamse gemeenschap

con la colaboración de la representación de flandes en españa

SOBRE LA OBRABailar siguiendo un método ya no basta como ingrediente único de una creación relevante. La danza contemporánea no puede separarse de la performance. Creemos que para conseguir decir lo que necesita ser dicho, uno debe incluir todos los aspectos de lo físico en la ecuación.

Lisbeth Gruwez

_Uno de los puntales de la danza belga contemporánea, Lisbeth Gruwez presenta en esta ocasión su último trabajo, It’s going to get worse and worse and worse, my friend. La pieza, que se estrenó en Bruselas en enero de 2012 y cuenta ya con una extensa gira europea a sus espaldas, es una aproximación al poder de la palabra, a los efectos del discurso sobre quien lo escucha, pero también sobre quien lo emite. Inspirándose en la figura del telepredicador americano ultraconservador Jimmy Swaggart y en la gestualidad de dictadores como Hitler o Mussolini, la coreógrafa y bailarina Lisbeth Gruwez y el compositor Maarten Van Cauwenberghe unen verbo y movimiento en esta pieza que habla del discurso como arma y herramienta de dominio para el que lo pronuncia. Un juego de relaciones que enfrenta a la intérprete femenina con la voz masculina. Una interpretación de Lisbeth Gruwez que, con su fortísima presencia escénica, atrapa poderosamente desde el principio hasta el final, en una suerte de estudio coreográfico sobre este particular estilo de narración oral. Una sutil obra maestra que consigue introducirnos en un estado de hechizo.

SOBRE LA COMPAÑÍALisbeth Gruwez ha trabajado junto a coreógrafos de la talla de Win Vandekeybus, Iztock Kova, Grace Ellen Barkey, Anne Teresa de Keersmaeker, Jan Lauwers, Sidi Larbi Cherkaoui o Jan Fabre, quien creó para ella el admirado solo Quando l’uomo principale è una dona, representado en más de doscientas ocasiones en teatros del mundo entero. Lisbeth Gruwez | Voetvolk VZW es una compañía de danza y performance formada por Lisbeth Gruwez (Kortrijk, Bélgica, 1977) y el compositor y músico Maarten Van Cauwenberghe (Bevere, Bélgica, 1976). Han producido hasta la fecha las piezas Forever Overhead (2007), Birth of Prey (2008), HeroNeroZero (2010), L’origine (2011), It’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012). Tanto Lisbeth Gruwez como Maarten Van Cauwenberghe son artistas en residencia en el Troubleyn / Laboratorium de Jan Fabre. _

4_5_6 FEBRERO22.00 hLA CASA ENCENDIDADANZA_AMBERES

INGLÉS

45 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

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KRAKEN TEATRO Y DRAMATURGOS MEXICANOS

TERNURA SUITE

dramaturgia edgar chías / dirección richard viqueira / intérpretes beatriz luna_emmanuel morales / producción beatriz luna / adaptación espacio escénico e iluminación ismael carrasco

esta obra fue escrita con el apoyo de jóvenes creadores del fonca 2005-2006. esta obra fue posible gracias al apoyo de la scdf a través del sistema de teatros y del inba a través de la coordinación de teatro.

con la colaboración de inba instituto nacional de bellas artes de méxico

SOBRE LA OBRALa violencia, como la ternura, es universal. _Una mujer recibe una visita inesperada. El visitante intenta, justificado por la idea de un deseo tan grande como arbitrario –siempre insatisfecho-, servirse sexualmente de ella. No se conocen. La mujer padece la violencia, pero consigue cambiar la situación. Su venganza es obligada. Nadie puede ayudarla, la justicia no existe para ella y posiblemente para nadie. Entonces, debe inventarla sobre el cuerpo del otro. Ternura Suite es una historia triste, de corazones rotos y cuerpos despedazados. Todo acaba, cuando se trata de amor, en soledad y violencia –con un poco de pornografía-.Dos reconocidos creadores del teatro mexicano contemporáneo, Edgar Chías (en la dramaturgia) y Richard Viqueira (en la dirección) llevan a escena, con irreverencia y coraje, esta pieza para tiempos furiosos que se estrenó en agosto de 2011 en el Sótano del Teatro Benito Juárez de México D.F. Ternura Suite busca poner en el escenario, de manera contundente y provocadora, una serie de temas que incluyen la desigualdad respecto a la distribución de los bienes, las continuas afrentas hacia los desposeídos y los ineficaces sistemas judiciales imperantes en México, sobre todo en lo que se refiere a derechos humanos y de género: la corrupción, la desprotección, la lentitud de la justicia y los vacíos legales ante los que nos enfrentamos como individuos. El imperio del miedo y la ley del talión.

SOBRE LA COMPAÑÍADirigida por Richard Viqueira desde el año 2006, la compañía Kraken Teatro se ha convertido en un referente incontestable del teatro mexicano de alto riesgo.Sus propuestas han marcado los escenarios por su iconoclastia, su voluntad transgresora y su particular estética de la violencia.Richard Viqueira es director, actor y dramaturgo. Sus piezas han podido verse en espacios y festivales de México, Estados Unidos, Egipto, Argelia y España, entre otros países. Por su parte, Dramaturgos Mexicanos ha sido un espacio de investigación dramatúrgica que ha impulsado el desarrollo de jóvenes escritores. Está liderado por el autor, actor y profesor Edgar Chías (finalista Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera, Premio Óscar Liera a la Dramaturgia Contemporánea, Premio Nacional de Literatura José Fuentes Mares) quien se ha consolidado como uno de los dramaturgos más importantes de México. Con Ternura Suite, ambos equipos se unen para, según sus palabras, “posicionar la pieza como una de las más polémicas de los últimos tiempos”. _

6_7_8 FEBRERO21.00 hSALA CUARTA PAREDTEATRO_MÉXICO D.F.

ESPAÑOL

60 MINUTOS

ESTRENO EN ESPAÑA

2011_

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SOFIA DIAS & VÍTOR RORIZsofiadiasvitorroriz.blogspot.pt

UM GESTO QUE NÃO PASSA DE UMA AMEAÇA

texto, dirección e interpretación sofia dias & vítor roriz / sonido sofia dias / colaboradora artística catarina dias / dirección técnica y diseño de iluminación nuno borda de água / vestuario lara torres

coproducido por box nova/ccb, o espaço do tempo, cdce. partners alkantara, accca, o rumo do fumo, o negócio/zdb, bains connective. tour manager: materiais diversos (materiaisdiversos.com). con el apoyo de governo de portugal/secretário de estado da cultura – dg artes

con la colaboración de la embajada de portugal y el instituto camões

SOBRE LA OBRASupeditamos las palabras a las reglas de composición del movimiento. Exploramos el potencial de la palabra como un cuerpo, teniendo en cuenta no solo su contenido, sino también la plasticidad de su sonido y la relación con la voz, el ritmo y la musicalidad. Nos liberamos del determinismo sintáctico y semántico, reorganizamos la jerarquía de la palabra, la voz, el movimiento y el gesto, aspirando a nuevas constelaciones de significado para reflejar la complejidad de la experiencia humana.

Sofia Dias & Vítor Roriz

_Un hombre, una mujer. Dos sillas, dos tazas, una planta, una mesa. Un espacio cotidiano, tranquilizadoramente familiar. Um gesto que não passa de uma ameaça es una exploración del poder de la palabra, de sus posibilidades de degeneración y transformación, de la repetición y la pérdida de sentido, de las asociaciones inconscientes, del lenguaje como motor del movimiento y como trampa social. Cuerpo y voz dan visibilidad escénica a un juego verbal en construcción. Dias y Roriz, con humor y hondura, despliegan un puzle lingüístico y coreográfico que revela y oculta significados, matices e intenciones. Um gesto que não passa de uma ameaça, séptima creación de estos jóvenes portugueses, se estrenó en Lisboa en el año 2011.

SOBRE LA COMPAÑÍASofia Dias y Vítor Roriz empezaron a colaborar en 2006. Su trabajo se ha presentado en Portugal, España, Francia, Alemania, Suiza, Rumanía, Bélgica, Inglaterra y los Países Bajos. Ambos son artistas asociados a Materiais Diversos (Lisboa) y a O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo). Sofia Dias se graduó en el Conservatorio Nacional de Danza de Lisboa. En 2001 se traslada a Nueva York con una beca del Ministerio de Cultura de Portugal. Continúa su formación en el C.e.M. (Centro em Movimento) y participa en muchos talleres, el más reciente con Steve Paxton. En 2004 forma parte del curso internacional de teatro La Nouvelle École des Maîtres-Project Thierry Salmon, con Jan Fabre. Ha trabajado con otros creadores como Sofia Neuparth, Ronit Ziv, Javier de Frutos, Guilherme Botelho/Alias Compagnie, Lilia Mestre, Corinne Rochet, Maria Ramos, Luís Guerra de Laocoi, Tânia Carvalho, Clara Andermatt y Marco Martins. Vítor Roriz estudió Educación Física en la Universidad de Oporto. De 1997 a 2010 trabaja como actor en la compañía de teatro A Oficina y continúa su formación en danza en el Centro de Dança do Porto y en el Forum Dança de Lisboa. Ha formado parte del proyecto multidisciplinar COLINA/Talin06 y disfrutado de una beca para la formación dancística en el contexto del ImpulseTanz de Viena. Ha trabajado con Paola Moreno, Bruno Dizien, Wim Vandekeybus/Ultima Vez, Guilherme Botelho/Alias Compagnie, Lilia Mestre, Davis Freeman/Random Scream, Aldara Bizarro, Abraham Hurtado, Clara Andermatt y Marco Martins, entre otros. _

7_8_9 FEBRERO21.00 hTEATRO PRADILLODANZA_LISBOA

INGLÉS

40 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2011_

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CHANTAL YZERMANS / RADICAL LOWwww.radicallow.com

PARTNER / YOU

una performance de chantal yzermans / concepto chantal yzermans / música original substuff / música i. stravinsky / chat en directo nono pessoa / vestuario jean-paul lespagnard / iluminación harry cole / asesoría artística marc vanrunxt / foto laetitia bica

en colaboración con monty kunstencentrum-antwerpen, teatros del canal de madrid, kunstencentrum vooruit-gent,jan fabre/troubleyn-antwerpen. con el apoyo de la ciudad de amberes

con la colaboración de la representación de flandes en españa

SOBRE LA OBRADurante la performance, la voz que se oye es una llamada online interactiva y en directo con un website de punto de encuentros sexuales. Las vibraciones robóticas que emite esta voz recuerdan las pulsiones primarias que brotan de La Consagración de la primavera de Stravinsky. Desde los rituales arcaicos de la procreación, hasta estos puntos de encuentros sexuales en Internet, se va tejiendo una línea continua, la línea/el link, donde el tiempo y el espacio se desenvuelven en una misma danza del universo.

Sylvia Zade-Routier, Por la Danza

_Partner / You, última pieza de la coreógrafa, bailarina y performer belga Chantal Yzermans es un solo en el que se establece una relación triangular entre público, performer y usuarios de una página web de encuentros sexuales. Yzermans explora así los nuevos canales de comunicación y sus consecuencias en las relaciones interpersonales, filtradas por la pantalla de un ordenador. La música original de Substuff, grupo de música tecno fundado en Madrid, y La consagración de la primavera de Igor Stravinski forman la banda sonora de la pieza, que pudo verse como trabajo en desarrollo en Bruselas. Chantal estrena en esta edición de Escena Contemporánea su versión definitiva.

SOBRE LA COMPAÑÍALa bailarina y coreógrafa Chantal Yzermans (Ostende, Bélgica) vivió y trabajó en Nueva York desde el año 2000 a 2006. En esta ciudad se formó durante cinco años con Merce Cunningham y su compañía. En el año 2002 funda Radical Low. Como coreógrafa empezó colaborando con vídeo artistas en piezas de improvisación en las que interrelacionaba vídeos y danza en directo. También ha colaborado con el bailarín de butoh Kota Yamakazi o con los bailarines de la Merce Cunningham Dance Company, Louise Burns-Ashley Chen, Rashaun Mitchell y Cédric Andrieux.En esta primera etapa, sus piezas pudieron verse en Nueva York, Bruselas, Amberes, Hamburgo y Berlín.En 2006, Yzermans regresa a Europa. Este mismo año inaugura la temporada en Amberes con ONR-I, allegory of night/act one, que se presenta en Nueva York y Hamburgo. Su siguiente pieza ONTAYSO se presenta en Nueva York, Berlín, Hamburgo y Amberes. Jan Fabre/Troubleyn le ofrece una residencia artística 2007-11, donde crea el solo an angry boy/act two.arena/act three se estrena en Amperdans 4 en Amberes, en la Judson Church de Nueva York y en los Rencontres Chorégraphiques de París en 2010 y 2012. Desde abril de 2010 Chantal Yzermans reside en Madrid, ciudad donde presentó guns & roses en Escena Contemporánea 2011. _

8_9 FEBRERO20.30 h

10 FEBRERO20.00 hDT ESPACIO ESCÉNICOPERFORMANCE_

AMBERES/MADRIDINGLÉS Y ESPAÑOL 50 MINUTOSE S T R E N O A B S O L U T O2012_

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VICENT GISBERTwww.vicentgisbert.com

FENSTER

dirección, interpretación, sonido y video vicent gisbert / idea y concepto vicent gisbert_marc martínez / asistente de dirección marc martínez

con la ayuda de: l’animal a l’esquena. celrà. / dock11. berlin.

SOBRE LA OBRAFenster es una pieza escénica que se construye manipulando la percepción del espectador, alejándolo de aquello que es concreto y común.

Vicent Gisbert

_El artista multidisciplinar Vicent Gisbert es conocido por sus personalísimos proyectos, en los que el cuerpo, el movimiento y el lenguaje audiovisual se combinan en escena para dar lugar a experiencias perceptivas más allá de los límites de la representación. Fenster, su última pieza, nace con el objetivo de ofrecer al espectador diferentes ventanas a través de las cuales observar, interpretar y sentir realidades distintas. Sin necesidad de agarrarse a un hilo argumental concreto, el espectador es libre de construir sus propias conclusiones basándose en los estímulos recibidos, convirtiéndose así en agente activo de la pieza. La percepción del espectador se ve trastocada no solo por el juego de texturas, sino también por el trabajo del cuerpo y el movimiento. Vicent Gisbert pretende crear una identidad divergente y particular, un sujeto alejado de aquel que es difundido por la mayoría de los medios de comunicación de masas. En el proceso de creación audiovisual, el material utilizado ha sido grabado y editado con anterioridad por el mismo Vicent Gisbert. En Fenster, que se estrenó en la sala Dock11 de Berlín en marzo de 2012, el resultado y el proceso creativo cobran la misma importancia.

SOBRE LA COMPAÑÍAFenster resulta de una nueva colaboración entre Vicent Gisbert y Marc Martínez, tras trabajar juntos en piezas como Marau/ Córtex, R38 y Play. Vicent Gisbert es un artista multidisciplinar que reside y trabaja en Berlín. En la actualidad está muy implicado en el desarrollo de proyectos en los cuales utiliza el cuerpo, el movimiento y el lenguaje audiovisual como principales herramientas para la creación. Ha participado en diferentes festivales nacionales e internacionales de cine, vídeo arte y vídeo danza, obteniendo premios en distintos eventos como al Mejor Artista Independiente del Festival Internacional Óptica 2009, el Premio Metrópolis de TVE del Festival Vad de Girona 2010, Screening Motion Berlin 2011 y también menciones de honor en festivales como el Oslo Screen Festival 2010, Videoformes 2010 y el Adana Golden Boll Film Festival 2011, entre otros. Ha expuesto su colección serie 01 en diferentes centros de arte como el Instituto Valenciano de Arte Moderno o el Centre d’Art d’Alcoi. En la ciudad de Berlín, participa en Trembling Walls (2011), pieza dirigida por el coreógrafo Elias Cohen.En la misma ciudad crea junto a Rosabel Huguet la instalación (Rück)Blick dentro del proyecto Meister der Fremde=Meister del Heimat. Ha colaborado en otros proyectos con compañías de danza y artistas como María Trénor, directora española galardonada en festivales internacionales como La Berlinale y nominada en los Goya por su último trabajo Exlibris (2010). _

8_9 FEBRERO21.00 h

10 FEBRERO20.00 hTEATRO LAGRADAPERFORMANCE_BERLÍN/VALENCIA

50 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

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OSCURA TEATREwww.oscurateatre.es

CANCIONESY AMOR CON QUESO

(PARA TOMAR AQUÍ O PARA LLEVAR)

texto abel zamora / intérpretes sergio caballero_cristina garcía_paula llorens_david matarín_maría zamora _abel zamora / diseño de iluminación sergio méndez / montaje de sonido jorge martínez_alberto abenza / diseño de escenografía y vestuario joanmi reig_oscura teatre / maquillaje y peluquería mabel soriano_carmen ciudad / fotografía miguel ángel fernández / diseño gráfico mª josé galdón / modelo happy burguer vanessa cano / vídeo ana lorenz_ricardo sánchez-sáez / producción ejecutiva oscura teatre

una producción de oscura teatre y arquitécnica ruzafa. colaboran: mutis pel fòrum, perrolento, digitalsart y navenzo uniformes

SOBRE LA OBRADespués del éxito de público y crítica logrado con sus anteriores espectáculos -El congelador, La indiferencia de los armadillos, Todas muertas y Niño muerto vestido de payaso-, Oscura Teatre llega al Festival Escena Contemporánea con su quinta pieza, Canciones y amor con queso (para tomar aquí o para llevar), de Abel Zamora, con dirección y puesta en escena de Sergio Caballero. Seis personajes transitan en los terrenos de la noche en busca de amor, cariño, sexo o simplemente algo de ternura y atención. Siempre bajo la impertérrita presencia de la chica del cartel de promoción de Happy Burger. Como un corazón palpitante, el neón del establecimiento de comida rápida nos adentra en un mundo de realidades opuestas, donde se cruzan los destinos de los personajes. Historias cotidianas y miedos atávicos se dan la mano en este espectáculo en el que no falta un toque de humor, marca de la casa de esta compañía valenciana. Canciones y amor con queso (para tomar aquí o para llevar) se estrenó en el Espacio Inestable de Valencia en septiembre de 2011.

SOBRE LA COMPAÑÍAOscura Teatre nace de la unión entre el joven actor y guionista Abel Zamora y el actor y director valenciano Sergio Caballero. Juntos elaboran textos que les permiten experimentar nuevas propuestas escénicas. La compañía ofrece historias frescas, divertidas y conmovedoras que, al mismo tiempo, invitan al espectador a reflexionar sobre situaciones reales a partir de las emociones de sus personajes. Sus trabajos les han valido reconocimientos como el Premio del Público en Escènia 2009 por El congelador y los Premios al Mejor Espectáculo Teatral, Mejor Texto y Mejor Actor de Reparto en los Premios de Teatres de la Generalitat Valenciana 2009/2010 por su obra La indiferencia de los armadillos.Oscura Teatre está actualmente preparando su sexto espectáculo, El daño duerme en el mueble de las cacerolas, una comedia surrealista con tintes musicales y dramáticos, que narra la vida de un colorista matrimonio de clase media._

9 FEBRERO20.00 hCENTRO CULTURAL PACO RABALTEATRO_VALENCIA

ESPAÑOL

85 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2011_

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LA TRISTURAwww.latristura.com

EL SUR DE EUROPA.

una obra de la tristura: itsaso arana, pablo fidalgo, violeta gil y celso giménez. creación y texto la tristura / intérpretes rafa alberola_itsaso arana_chiara bersani_abraham boba_javier calvo_violeta gil_pablo gisbert_celso giménez / diseño de iluminación y coordinación técnica eduardo vizuete / arte ana muñiz

producida con la colaboración de programa de artistas en residencia bilbaoeszena, espacio de creación azala, centro párraga, teatro pradillo, festival sismo, víctor iriarte, matadero madrid, centro comarcal de humanidades sierra norte (la cabrera).agradecimientos: fernando tielve

con la coproducción del festival escena contemporánea 2013

9 FEBRERO20.00 hC.C. HUMANIDADES SIERRA NORTE

21_22_23 FEBRERO21.00 hSALA CUARTA PAREDTEATRO_

MADRIDESPAÑOL 90 MINUTOSE S T R E N O A B S O L U T O2013_

SOBRE LA OBRAPorque el día, hasta el más injusto, nos deja una banderita azul y blanca de la fiesta del mar. Yannis Ritsos

Contemporáneo es aquel que recibe en pleno rostro el haz de tinieblas que proviene de su tiempo. Giorgio Agamben

_La tristura ha sido considerada recientemente por UBU Escènes d’Europe como una de las compañías jóvenes más relevantes de Europa. Con El sur de Europa. Días de amor difíciles continúan persiguiendo una intimidad, una exposición absoluta y alguna certeza, decididos a seguir modelando desesperadamente su propia caligrafía. El proceso de creación de la pieza ha ido en paralelo a los ensayos. No hay un texto que seguir, ni una partitura determinada. Todo se ha ido creando a la vez, materializando ideas y conceptos, transformándose día a día. En su investigación sobre la herencia cultural del sur de Europa, han manejado textos y materiales de Giorgio Agamben, del colectivo Tiqqun, del trabajo del colectivo Claire Fontaine, de Pascal Quignard, de W.H. Auden y de Jan Fabre, entre otros. Así se acercan los integrantes de La tristura a su última y esperada creación: “Jean-Luc Godard filmó el crucero Costa Concordia en su película Film Socialisme. Esta película era una deconstrucción en imágenes de la decadencia moral europea. El Costa Concordia se hundió en el verano de 2011 ante la bella isla de Giglio en Italia. Nos imaginamos como músicos que siguen tocando en un crucero que se hunde. Entendemos Europa como una gran sinfonía. Y el teatro, el gesto, la palabra, como una breve interrupción de ese concierto. Desde Finisterre hasta Alejandría reconstruimos una memoria del paisaje europeo, al mismo tiempo atlántica y mediterránea, origen de la civilización occidental. Si Europa es simplemente una música, ¿qué música es? ¿Por qué no es capaz de aliviarnos? ¿O quizá esa música, convertida en un sonido insoportable, nos dice que no hemos usado bien la palabra, que nos hemos equivocado una vez más?”.

SOBRE LA COMPAÑÍAItsaso Arana, Celso Giménez, Pablo Fidalgo y Violeta Gil, los cuatro componentes de La tristura, nacen en los años ochenta y se encuentran veinte años más tarde en la RESAD. Vinculados a Madrid, siempre han trabajado asociándose con gente, espacios e instituciones, buscando personas que a lo largo de su carrera han mostrado un interés por el teatro contemporáneo, un compromiso con una forma nueva de hacer las cosas, con la palabra y la investigación. Desde la fundación de la compañía en 2004 han producido las piezas Años 90. Nacimos para ser estrellas, Actos de Juventud y Materia Prima, convirténdose en una de las compañías más destacadas de la escena española. Apuestan por un lenguaje poético y político, lejos del realismo y de las formas convencionales. Formando parte, a su pesar, de una generación que se declara desencantada y nihilista, La tristura reivindica el teatro como espacio sagrado y lugar de asamblea._

DÍAS DE AMOR DIFÍCILES

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ATRESBANDESwww.atresbandes.com

SOLFATARA

idea, creación e interpretación mònica almirall batet_albert pérez hidalgo_miquel segovia garrell / técnico de luces aitor larrea antonell

con la colaboración de c.c el sortidor, c.c can felipa y befestival

SOBRE LA OBRASolfatara: [geof] Término que designa aquellas aperturas en terrenos volcánicos por las que emanan gases a temperatura elevada (100-300 ºC) que se caracterizan por el contenido elevado en S0

2 el cual al entrar en contacto con el aire se oxida y

forma cristales de azufre. Las solfataras, como las humaredas, son emisiones esencialmente formadas por vapor de agua y corresponden a las fases finales de volcanes semiextinguidos. Estos volcanes somos nosotros mismos._Estamos llenos de fenómenos geográficos. Orificios que permiten que nuestro interior emerja a la superficie. Es durante estas erupciones cuando se desvelan todos nuestros miedos. ATRESBANDES plasma desde la poesía escénica sentimientos como la rabia, el miedo y la inseguridad, en un ejercicio teatral irónico e incluso cómico que reflexiona sobre la situación que nos está tocando vivir. Solfatara, tercera pieza de la joven compañía catalana ATRESBANDES, se presentó en su versión corta en el BeFestival 2012 de Birminghan, donde ganó el Premio del Público y el Primer Premio del Festival, antes de iniciar su gira por distintas salas de Reino Unido. En la décima edición del festival Skena Up de Pristina (Kosovo), Solfatara fue recibida con entusiasmo, consiguiendo el Premio a la Mejor Dirección y el Premio al Mejor Actor para Albert Pérez Hidalgo.

SOBRE LA COMPAÑÍAUna de las jóvenes compañías con más proyección de los últimos tiempos, ATRESBANDES nace de la unión de Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez Hidalgo, todos ellos licenciados en el Institut del Teatre de Barcelona. Todos sus proyectos tienen una constante: la apuesta por un teatro de laboratorio basado en el proceso de creación colectiva. Solfatara es su tercer y último espectáculo. ATRESBANDES colabora frecuentemento con otros profesionales como Aitor Larrea (luz y sonido), José Miguel Galera (músico), Laura Blanch (actriz), María Vera (actriz y directora) y Felix Andrew (actor). _

9_10 FEBRERO20.30 hSALA TRIÁNGULOTEATRO_BARCELONA

ESPAÑOL

60 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

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CHÉVEREwww.grupochevere.eu / www.redenasa.tv

CITIZEN

una creación de chévere, compañía residente en el ayuntamiento de teo, a coruña / en escena patricia de lorenzo_manuel cortés_miguel de lira_mónica garcía_arantza villar_nekane fernández_iván marcos / movimiento escénico rut balbís / guion manuel cortés / arreglos sonoros xacobe martínez antelo / vídeos oroboro films_quadra producións / sonido/proyecciones fidel vázquez_xacobe martínez antelo / iluminación fidel vázquez / locutores informativo monti castiñeiras_iria pinheiro / producción juancho gianzo / comunicación xana garcía / diseño gráfico fausto isorna / economistas colaboradores xosé manuel beiras_xavier vence_lidia senra_fernando garcía tobío

nuestro agradecimiento a óscar, paco bixou, lola, dominga, amalia, estrella, a las cooperativistas de harmonía y millenium, al padre jorge, a belén, a fátima. con el apoyo de axencia galega das industrias culturais agadic, concello de teo.

SOBRE LA OBRACitizen, el teatro indignado de los Chévere. Cinco millones de personas están en el paro, las cajas de ahorro ahora son bancos y los bancos ya no dan crédito, las arcas públicas están vacías, todos los gobiernos, sean del signo y del territorio que sean, siguen políticas de austeridad y recortes del gasto público, el Estado del bienestar se desmorona, millones de personas salen a la calle indignadas... Pero no todo está perdido. Menos mal que nos queda Zara. Vayas por donde vayas, siempre hay una tienda invitándote a entrar...

Chévere

_Citizen es un ejercicio de economía-ficción estructurado en tres partes, en tres espectáculos autónomos de pequeño y mediano formato, que se fueron haciendo y estrenando en la Sala NASA de Santiago de Compostela. Cada uno de ellos es la continuación y la consecuencia del anterior. La suma de los tres supone un nuevo espectáculo de mayor formato. Citizen se inspira en Ciudadano Kane de Orson Welles. Si este clásico del cine contaba la historia de un empresario norteamericano de la comunicación que llegó a ser una de las personas más ricas y poderosas del mundo en el primer tercio del siglo XX, Citizen lleva a escena la historia de A. O., un empresario gallego del textil que se convierte en una de las personas más ricas del mundo en el último tercio del siglo XX. Citizen habla de la construcción de un imperio económico desde la periferia. Habla de cómo utilizar lo que nos ofrece la historia en beneficio propio, de cómo se construye la realidad como si se tratase de un culebrón. La compañía Chévere cuestiona, habla e ironiza sobre los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas. Y lo hace mediante el texto, la palabra, el teatro documental, el teatro audiovisual, la performance y la comedia.

SOBRE LA COMPAÑÍACon 25 años de trayectoria, la compañía teatral Chévere se ha convertido en uno de los grupos más dinámicos y populares de Galicia, caracterizado por su peculiar sentido del humor, una estética propia y reconocible y una importante dosis de activismo y compromiso.Chévere promovió la creación de una sala estable de espectáculos en Santiago de Compostela: la Nave de Servicios Artísticos-NASA, que gestionó y dirigió desde octubre de 1992 a septiembre de 2011, fecha en la que la sala se vio obligada al cierre por falta de financiación municipal. En los últimos años, este colectivo ha ampliado y diversificado su universo de investigación, interesándose por el teatro científico,el audiovisual o el teatro con perspectiva de género. _

12_13 FEBRERO20.00 hLA CASA ENCENDIDATEATRO_A CORUÑA

ESPAÑOL Y GALLEGO

240 MINUTOS (CON 2 INTERMEDIOS)

ESTRENO EN MADRID

2010_

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47autores hermanos presnyakov / dirección escénica carlos aladro_iñigo rodríguez-claro / ayudante de dirección héctor carballo / traducción y "devising” carlos aladro_grumelot_svetlana yaskova / dirección musical y espacio sonoro ángel galán / escenografía y vestuario paola de diego / coreografía rebeca hernando / diseño iluminación pablo seoane / audiovisuales bentor albelo_manuel menassa / diseño gráfico claudia gaviño / fotografía manuel menassa / retoque fotográfico bentor albelo / intérpretes montse díez_carlota gaviño_javier lara_iñigo rodríguez-claro, chema ruiz_ángel burgos / producción leticia rodríguez _federico aladro / asistente de producción marlene michaelis / comunicación y prensa daniel teba

con la coproducción del festival escena contemporánea 2013

GRUMELOT / TEATRO EN TRÁNSITOgrumelot.blogspot.com.es

PELÍN DE VICTIM (INTIMIDACIÓN PUNITIVA)SOBRE LA OBRA_

¿Qué está pasando? ¿Qué nos está pasando como generación? ¿Deberíamos hacer algo al respecto? Y en caso afirmativo, ¿qué? Con estas preguntas arranca PELÍN THE VICTIM (Intimidación punitiva), una colaboración de las compañías Grumelot y Teatro en Tránsito, a partir del texto Playing the Victim de los hermanos rusos Oleg y Vladimir Presnyakov. Una comedia policíaca, violenta e irreverente, libremente basada en Hamlet, que indaga en nuestra incapacidad para asumir responsabilidades y en nuestro desconcierto ante la falta de expectativas.Si el dilema para Hamlet, en el cambio de paradigma entre la Edad Media y el Renacimiento, adoptaba la forma del icónico “ser o no ser”, para el protagonista Valya, en este cambio de siglo, la cuestión se vuelve más prosaica: hacer o no hacer, tirar o no tirar de la cadena del váter.

SOBRE LA COMPAÑÍAGrumelot es una compañía teatral formada por los actores Carlota Gaviño, Javier Lara e Iñigo Rodríguez-Claro. Desde su fundación, el colectivo lleva a cabo un proyecto de producción que coloca al actor en el centro del hecho escénico, prestando especial interés a la creación y adaptación de textos. Teatro en Tránsito es una compañía madrileña de teatro independiente creada por Carlos y Federico Aladro en 2008. Desde esta fecha han presentado los montajes El cuerdo loco, de Lope de Vega, 2008; Psicosis: 4.48, de Sarah Kane, 2010; y La fiebre, de Wallace Shawn, 2012, todos a cargo del director Carlos Aladro. Grumelot y Teatro en Tránsito comienzan a colaborar en 2009, coproduciendo la obra futurista Otro no tengo (Have I None), de Edward Bond. Pelín de victim (Intimidación punitiva), dirigida por Carlos Aladro e Iñigo Rodríguez-Claro, es la última apuesta conjunta de ambas compañías. Más allá de los miedos o los reproches, Grumelot y Teatro en Tránsito llevan a escena este texto respondiendo a una necesidad de acción, a una necesidad de movimiento y a una necesidad de ética entendida, en palabras de José Antonio Marina, como “poética de la acción”._

12_13 FEBRERO20.30 hSALA TRIÁNGULOTEATRO_MADRID

ESPAÑOL

90 MINUTOS

E S T R E N O A B S O L U T O2013_

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ROOM WITH A VIEW / DRIES VERHOEVENwww.driesverhoeven.com

THY KINGDOM COME

14 AL 24 FEBRERO11 A 21 h (HORARIOS: 11_11.45_12.30_13.15_

14_16_16.45_17.30_18.15_19_19.45_20.30)

LUNES 18 DE FEBRERO NO HAY FUNCIÓN.

1 ESPECTADOR / FUNCIÓN

EXTERIOR DEL TEATRO VALLE-INCLÁNINSTALACIÓN INTERACTIVA_

UTRECHTESPAÑOL 25 MINUTOSESTRENO EN ESPAÑA2003_

SOBRE LA OBRACon tan pocos medios, un ojo listo para el detalle, mucho humor y un control de los tiempos perfecto, Thy Kingdom Come despierta sentimientos de genuina ternura hacia un espectador desconocido.

8 Weekly

_Dries Verhoeven convierte todas sus creaciones -que se mueven en la frontera entre la instalación, el happening y la performance- en experiencias escénicas en las que el espectador se ve involucrado activamente. Uno de los creadores holandeses con mayor proyección internacional, Verhoeven escoge momentos, acciones y referencias cotidianas para convertirlas en vivencias confusas y poéticas que trastocan la perspectiva y animan a mirar de manera diferente. En Thy Kingdom Come propone un encuentro. Una voz influye en el comportamiento del espectador y en sus percepciones, sumergiéndolo en un microcosmos donde es posible que un completo extraño se convierta en un ser querido.

SOBRE LA COMPAÑÍADries Verhoeven (Oosterhout, Países Bajos, 1976), estudia teatro y diseño en la Academia de Bellas Artes de Maastricht.Tras licenciarse trabaja como escenógrafo y forma parte del grupo TEATRO, con sede en Ámsterdam y dirigido por el brasileño Marcus Azzini. En 2009 funda su propia compañía, Room with a view, junto a la productora Pieke Berkelmans. Sus proyectos, a medio camino entre el teatro y el arte visual, se han representado en espacios y festivales de toda Europa, mostrando siempre un especial interés por situar al espectador en un lugar fundamental del proceso artístico, integrándolo activamente en las piezas. Además de Thy Kingdom Come, que se estrenó en el Festival Noorderzon de Groningen, Verhoeven ha presentado Trail Tracking (2005), The Big Movement (2006) y You Are Here (2007), pieza que se presentó en el festival austriaco Salzburger Festspiele y le procuró el reconocimiento internacional. En 2008 presenta No man’s land en el Festival a/d Werf y en 2010 Life streaming. Este mismo año estrena Empty Hands y The Dark Room, una pieza con texto de Tim Etchells e interpretada por personas invidentes. Sus arriesgadas escenografías y su particular concepción del hecho escénico le han valido premios como el Charlotte Köhler Prize 2003 al Diseño Teatral, el Wim Bary Perspektief Prize y el Premio Mont Blac Jóvenes Directores en el Salzburger Festspiele. _concepto y texto dries verhoeven / con la colaboración de astrid van eck_stefan rokebrand_carly wijs_david eeles_nicole beutler_ronald armbrust_muriel

darras_stéphane facco_rosa sarti _federico grazzini

con la colaboración de la embajada del reino de los países bajos y el centro dramático nacional

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NOU ENSEMBLEwww.todoscanibales.org

TODOSCANÍBALES

14_15 FEBRERO21.00 hTEATRO PRADILLOÓPERA EXPERIMENTAL_SEVILLA/MALLORCA/MADRID

INGLÉS, ALEMÁN Y ESPAÑOL

60 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

voz, interpretación e ilustraciones en vivo christian fernández mirón / danza, interpretación e ilustraciones en vivo roberto martínez / clarinete contrabajo david romero-pascual / chelo myriam garcía / guitarra eléctrica y dirección musical josé pablo polo / violín y electrónica en vivo fran mm cabeza de vaca / videosynth (audioproyección en vivo) voluble.net / diseño de iluminación y dirección técnica benito jiménez / escenografía roberto martínez / mesa caníbal estudio wood good / diseño gráfico pablo alvar martínez / tatuaje ignacio abadín / fotografía rocío ballesteros_antonio-diniz almeida_julio albarrán / teaser francisco cuéllar / proyecto online de documentación-remezcla colectivo zemos98 / textos originales raúl alonso / otros textos fee reega_issei sagawa_claude lévi-strauss_armin meiwes / dirección y composición fran mm cabeza de vaca

una producción de nou ensemble y zemos98, con la colaboración de endanza•espacio vivo, cas (centro de artes de sevilla) y encontre internacional de compositors (fundación aca)

SOBRE LA OBRA Todos somos caníbales. Al fin y al cabo, la manera más sencilla de identificarse con el Otro es comérselo.

Claude Lévi-Strauss

_En marzo de 2001, Armin Meiwes y Bernd Jürgen Brandes concertaron a través de Internet una cita con fines sexuales en la ciudad alemana de Rothenburg. El encuentro supondría un punto de no retorno para sus protagonistas -y en cierto modo para el resto de la sociedad- pues el objetivo de Brandes era el de ser comido por Meiwes, como finalmente ocurrió en un macabro acto de lo que el juez que instruyó el caso dio en llamar “canibalismo por amor”. Este caso se convierte en el pretexto dramático donde se ubica la acción de Todos caníbales, una ópera experimental que transita un territorio indefinido entre la danza contemporánea, la improvisación vocal e instrumental, la música electroacústica o el action painting, y que intenta conectarnos con lo que de caníbales hay en todos nosotros. Acercándonos sin miedo y sin prejuicios a la intrahistoria de un comportamiento, la antropofagia, que ha acompañado a la humanidad desde su nacimiento, y de cuyo poder metafórico ha quedado buena cuenta en cuentos infantiles, religiones y obras artísticas durante siglos.

SOBRE LA COMPAÑÍA Todos caníbales es el resultado de una reunión extraordinaria de creadores. Fran MM Cabeza de Vaca, director y compositor de la pieza, ha participado en diversos festivales nacionales (Temporada CDMC-Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, ENSEMS Valencia, Festival de Música Española de Cádiz) e internacionales (Festival de Mérida en México, Festival de Orford en Canadá, Foro Internacional de Música Nueva de México DF). Ha participado como compositor e intérprete en espectáculos escénicos, colaborado con coreógrafos como Michelle Man, Guillermo Weickert, Fernando Lima o María Cabeza de Vaca y dirigido el espectáculo Veo una voz junto a la actriz Ana Barcia. El bailarín y coreógrafo Roberto Martínez ha trabajado como intérprete con compañías como Mopa y con artistas como Abraham Hurtado. Entre sus trabajos como coreógrafo destaca El pintor y la modelo, performance de danza y pintura en vivo con la que ha girado durante cinco años por España, Ucrania y Serbia, entre otros países. Cautivado por la improvisación libre, el vocalista Christian Fernández Mirón ha conducido ensembles como la Orquesta FOCO. Ha desarrollado también un proyecto de pop experimental en solitario bajo el nombre de Sef. Como performer, ha asistido a diversos festivales nacionales e internacionales (Berlín y Cali, entre otros). El conjunto instrumental Nou Ensemble está formado por jóvenes músicos especializados en la interpretación del repertorio de los siglos XX y XXI. Desde su creación a finales de 2009, ha realizado más de cuarenta conciertos por España y Europa en salas y festivales como el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el VI Festival Smash de Salamanca, el Festival Bernaola 2011 de Vitoria, las XVIII Jornadas de Música Contemporánea de Segovia y el IX Festival de Música Española de Cádiz. _

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DAVID ESPINOSA / EL LOCAL ESPACIO DE CREACIÓNwww.davidespinosa.org

MI GRAN OBRA (UN PROYECTO AMBICIOSO) /

HEKINAH DEGULSOBRE LA OBRA Pensando en grande y haciendo en pequeño, el creador David Espinosa consigue en Mi gran obra (un proyecto ambicioso) llevar a escena una superproducción. Sentado frente a una mesa que funciona como espacio escénico, manipula maquetas y pequeñas figuras con forma humana. Aprovechando las características narrativas de éstas, la visualización de “lo que podrían llegar a ser”, la propuesta pone en cuestión ese tipo de creaciones artísticas que manejan elevados presupuestos y cuyo verdadero valor cultural está cargado de ornamentos pero vacío de contenidos.Descontextualizando objetos reales a modo de escenografía, David Espinosa consigue generar distintos niveles de significado, planteando un discurso crítico en torno al propio concepto de representación y buscando una relación con el espectador que genere teatralidad, juego y transformación. Hekinah degul es una instalación interactiva que deriva del trabajo Mi gran obra y en la que el espectador -que ejerce de observador, pero también dota de sentido a la acción, completándola, modificándola e incluso inventándola- recorrerá diferentes escenas representadas por pequeñas figuras humanas y maquetas. El título hace referencia a las palabras que los habitantes de Liliput gritaron a Gulliver cuando despertó. Con la novela de Jonathan Swift como punto de partida, la instalación se inspira también en el socialismo utópico de Engels.

SOBRE LA COMPAÑÍA David Espinosa se licenció en Interpretación Textual por la ESAD de Valencia en 1998. Se ha formado en danza contemporánea, improvisación y capoeira en Valencia, Bruselas y Barcelona. Como actor ha participado en las obras Tragedia y 2666, de Àlex Rigola; Duques de Vergara Unplugged y De los condenados, de Sergi Fäustino; entre otras. Ha trabajado con las compañías Mal Pelo, Las Malqueridas, Osmosis Cie, Lapsus y General Elèctrica. Ha girado con sus espectáculos por diversas salas de la geografía nacional y sudamericana, visitando espacios en México, Guatemala, Salvador y Brasil.En 2006 funda con África Navarro El Local Espacio de Creación donde se conciben y presentan creaciones escénicas._creación y dirección david espinosa / interpretación david espinosa_cía. hekinah degul / ayudante de dirección áfrica navarro / música y sonido santos

martínez_david espinosa / espacio escénico david espinosa_air maquetas y proyectos de arquitectura / vídeo diego dorado_david espinosa

una producción de el local e.c. /c.a.e.t. con la colaboración del departamento de cultura de la generalitat de catalunya. distribución: m.o.m.-el vivero proyecto becado por el programa de artistas en residencia de bilbaoeszena

15_16 FEBRERO19.00 y 21.30 h

17 FEBRERO18.00 y 20.30 hDT ESPACIO ESCÉNICO (20 ESPECTADORES / FUNCIÓN)

PERFORMANCE/INSTALACIÓN_

BARCELONAESPAÑOL E INGLÉS 90 MINUTOSESTRENO EN MADRID2012_

proyecto seleccionado en la

convocatoria para espacios no teatrales escena

contemporánea 2013

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RICCI/FORTEwww.ricciforte.com

MACADAMIANUT BRITTLE

19_20 FEBRERO22.00 hLA CASA ENCENDIDATEATRO_ROMA

ITALIANO CON SOBRETÍTULOS EN ESPAÑOL

80 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2009_

en escena anna gualdo_fabio gomiero_andrea pizzalis_giuseppe sartori / entrenador marco angelilli / director técnico davide confetto / asistente de dirección elisa menchicchi / director stefano ricci

una producción de ricci / forte en colaboración con garofano verde festival

con la colaboración del istituto italiano di cultura de madrid

SOBRE LA OBRA No sabemos qué es la verdad... Lo más importante es que la ambigüedad esté clara. En una era de pasiones precocinadas, nos saciamos con las historias del escritor Dennis Cooper y la poesía cruda que impregna su universo. Con insolencia mozartiana contamos esta fábula cruel sobre la adolescencia. Nuestro trabajo se vincula con temas que son centrales en la visión lisérgica de su literatura, basada en el desasosiego y la pérdida. Los devoradores nocturnos de helados Häagen Dasz, sentados en un hospital o en un avión o en una casita en el árbol. Los devoradores que tienen la oportunidad de descubrirse a sí mismos tal y como son o de reinventarse y correr el riesgo de perder el control. Somos víctimas, verdugos, protagonistas de la snuff movie que nos ofrece la vida. Buscando desesperadamente el amor en un mundo imposible en el que, al final, la naturaleza, como los hombres, es una puta desleal. Siempre.

Ricci / Forte

_Macadamia nut brittle evoca la poética del autor californiano Dennis Cooper: la liquidez de los sentimientos, la fragilidad y la inestabilidad de las relaciones a través de una constelación de miradas que absorben como una esponja la contemporaneidad. Una especie de fábula inversa donde el amor no es eterno, donde los vínculos son cambiantes y donde el sexo compulsivo pasa a ser el instrumento mediante el cual autodestruirse. Una pieza arrolladora que con poética alucinógena nos acerca a la vida de cuatro jóvenes adictos al helado de macadamia al que hace referencia el título y su miedo a crecer, buscando el amor en un mundo imposible y enfrentándose a la elección entre autodescubrimiento y autodestrucción. Un espectáculo cargado de vigor, fisicidad y rabia adolescente.

SOBRE LA COMPAÑÍAStefano Ricci y Gianni Forte son los niños prodigios de la nueva escena italiana. Sus obras han sabido conectar con el público joven y con la crítica, que ha destacado el potente lenguaje visual de sus producciones, la crudeza irreverente de sus temas y su capacidad para sumir a los espectadores en cuidadas atmósferas preñadas de irrealidad y extrañamiento. Se formaron en la Accademia Nazionale D’Arte Drammatica de Roma y en la Universidad de Nueva York, donde estudiarion dramaturgia con Edward Albee. Han sido galardonados con los premios Studio 12, Oddone Cappellino, Vallecorsi, Fondi-La Pastora, Hystrio y Gibellina-Salvo Randone.Han participado en distintos festivales internacionales en Bélgica (Les Halles/Bruselas), Francia (MC 93/Bobigny, Europe&Cies/Lyon), Croacia (Zagreb Queer/Zagreb), Eslovenia (Mladi Levi/Ljubljana), Rumanía (Underground Theatre/Arad), Inglaterra (Lingering Whispers/Londres), Alemania (New Plays from Europe/Wiesbaden, Glow/Berlín), Estados Unidos (NYI/Nueva York), Moldavia (BITEI/Chisinau), Bosnia y Herzegovina (MESS/Sarajevo/Visoko), España (Centro Párraga/Murcia) y Rusia (Territory/Moscú). _

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57taller impartido por dirk laucke

con la colaboración del goethe-institut madrid y de draft.inn + info: www.madrid.org/escenacontemporanea

GONZO ENEL SIGLO XXILA IMPOSIBILIDAD DEL TEATRO DOCUMENTAL... Y UNA MANERA DE INTENTARLO

20_21_22 FEBRERO10.00 a 14.00 hDRAFT.INNTALLER_BERLÍN

ALEMÁN/ESPAÑOL

2013_

SOBRE EL TALLERHay dos posibilidades para los autores, ninguna de ambas agradable: salirse de la mierda y cerrar por detrás las ventanas con unas cortinas grandes y oscuras, o dar un paso largo, coger carrerilla, saltar y zambullirse... profundamente en la mierda, y esperar salir otra vez. Este seminario es para quienes eligen esto último, entrar en ella de cabeza.

Dirk Laucke

_En tiempos de crisis política y económica, el teatro documental se asienta en dos promesas: el entendimiento del mundo mediante ejemplos concretos y un marcado carácter involucrador. Este taller tiene como finalidad familiarizar a los participantes con posibles técnicas para incorporar material documental al teatro sin ocultar la visión subjetiva del artista. Se pensarán nuevas y originales maneras de presentar el material, sin reproducir las condiciones de producción y distribución del arte como simple bien de consumo, presentando a los participantes nuevas ideas e influencias para la creación de sus trabajos. El dramaturgo propone un taller que se desarrollará en la sede de Draft.inn y que reunirá durante tres días a un número de 12 dramaturgos y directores.

SOBRE EL AUTOR Dirk Laucke nació en 1982 y vivió durante su infancia en Halle (Saale). En 2002 comienza estudios de psicología en Leipzig. En 2004 se muda a Berlín y abandona la psicología por estudios de escritura escénica con Oliver Bukowski y Hans-Joachim Frank en la Universität der Künste de Berlín. El mismo año, por invitación de Tankred Dorst, presenta en el Festival de Salzburgo su obra Síntoma, en una lectura pública en la que son presentados dramaturgos jóvenes. En 2005 escribe, junto con sus compañeras de estudios Reyna Bruns y Magdalena Grazewicz, la obra Hier geblieben! (¡Quédate aquí!), por encargo del Grips Theater, de Berlín, sobre el tema del derecho de permanencia de refugiados menores de edad. En 2006 recibe el Premio de Fomento Kleist por su obra Alter ford escort dunkelblau (Viejo ford escort azul oscuro), siendo invitado con ella en 2007 por primera vez a las jornadas teatrales Mülheimer Theatertagen. Ha trabajado para teatros en Osnabrück, Halle, Heidelberg, Dresde y Berlín. Ha recibido numerosos premios como el Kleistförderpreis (2006) y el Dramatikerpreis des Kulturkreises der deutschen Wirtschaft im BDI (2010). En 2009 estrena la obra Ultras en el Thalia Theater Halle y posteriormente Angst und Abscheu in der BRD. Su trabajo como dramaturgo gira alrededor de lo que denominamos teatro documental, una variante de la dramaturgia que mezcla propuestas teatrales con periodismo, testimonios y otros recursos que se basan en hechos verdaderos. Dirk Laucke pertenece a una joven generación de autores comprometidos que abordando cuestiones sociales, reivindican el teatro como medio sumamente eficaz para mostrar nuestra realidad y como herramienta contundente con la que dejar testimonio teatral de los sucesos que vivimos._

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SLEEPWALK COLLECTIVEwww.sleepwalkcollective.com

EL ENTRE-TENIMIENTOSOBRE LA OBRA El entretenimiento está concebido en parte como himno a una forma muy moderna de espectador: a nuestras propias experiencias de sentarnos frente a una pantalla o un escenario llenos de un deseo tan abrumador por ser absorbidos y consumidos que se acerca al nihilismo. También es, quizá, el trabajo más personal que he creado nunca, algo así como una entrada en la edad madura –recreando de forma tangente nuestros bizarros y tardíos tropiezos hacia el mundo adulto- repleto de vértigos adolescentes y sexualidad floreciente.

Sammy Metcalfe

_Este nuevo trabajo de Sleepwalk Collective combina una puesta en escena minimalista con un elaborado paisaje sonoro que el público escucha a través de auriculares inalámbricos. La pieza se pregunta acerca de qué buscamos en el entretenimiento y de lo que éste puede querer de nosotros. Un baile hipnótico hacia los límites del placer que rinde un inquietante e indiscreto tributo a nuestros deseos más privados... el sueño erótico de un escapista que lidia con las excitaciones y aburrimientos del siglo XXI. El entretenimiento fue el espectáculo elegido para la clausura del Be Festival de Birmingham, Reino Unido, en julio de 2012. El festival se encargó de producir la pieza tras ganar Sleepwalk Collective el Primer Premio el año anterior.

SOBRE LA COMPAÑÍASleepwalk Collective, formada por iara Solano y Sammy Metcalfe, es una multipremiada compañía internacional de arte en vivo y teatro experimental que crea íntimas experiencias escénicas entre España y Gran Bretaña. La compañía ha llevado a escena piezas y performances tanto en teatros como en espacios alternativos. Con una línea estética depurada de todo lo accesorio, sus creaciones oscilan entre la comedia y la tragedia y se sustentan en la fascinación que sienten sus miembros por la cultura popular, la cultura basura y los misterios de nuestras relaciones con otros. Además de en España y Gran Bretaña, han presentado su trabajo en Francia, Portugal, Italia, Holanda, Austria, Bosnia-Herzegovina y Australia, formando parte de la programación de festivales y espacios como The Barbican, Edinburgh Fringe, Festival de Avignon, Festival Mess de Sarajevo, Festival Internacional de Sydney, Short Theatre Festival de Roma y Amsterdam Fringe. _

20_21_22 FEBRERO20.00 y 22.00 hDT ESPACIO ESCÉNICOTEATRO_LONDRES/VITORIA

ESPAÑOL

45 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

idea original sleepwalk collective / dirección sammy metcalfe / interpretación iara solano / banda sonora original sleepwalk collective

con el apoyo de: be festival, mac birmingham, factoría de fuegos y el ayuntamiento de vitoria-gasteiz

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intérprete, director artístico y compositor pablo martín jones / director de escena y diseño de iluminación david picazo / diseño de sonido héctor tellini / producción ismeni espejel / escenografía javier espada / diseño gráfico mamífero

agradecimientos: los torreznos, campi campón, chevi muraday y paloma sainz-aja. pablo martín jones es artista residente en la sede de losdedae (alcalá de henares)

con la colaboración de mercado de la cebada

PABLO MARTÍN JONESwww.pablomartinjones.com

KITCHEN

SOBRE LA OBRA “Estás cortando la cebolla a ritmo”, me dijo un día mi padre. Mi padre es músico y además cocina muy bien. Excepto ensaladas. Mi madre sin embargo las sigue haciendo muy ricas. Ensaladas fue lo primero que cociné de pequeño, porque no había que encender el gas, aunque había que cortar con cuidado: lechuga jjjjras, tomate ffffrk y cebolla jrrok. Mientras tanto la repetición del reloj podía atraparme durante un buen rato, me sorprendía subiendo la escalera y manteniendo la misma cadencia al pisar el rellano, cantaba canciones sobre el centrifugado de la lavadora... Así, el día en que se deciden estas cosas me atreví a llenar mi vida de sonidos, especialmente los que se repiten a intervalos regulares. Los busqué en parches, palos, barro, algodón y cascabeles, y los fui encontrando además en sacapuntas, periódicos, cucharas, timbres y zanahorias. Poco a poco entendí que mi universo sonoro está encendido todo el rato.

Pablo Martín Jones

_El objetivo de Kitchen es mostrar de manera simultánea la creación de una composición musical y la elaboración de un plato culinario. Pablo Martín Jones desarrolla en un espacio no teatral, un mercado en horario de cierre, la composición de música en tiempo real combinando el uso de alimentos e instrumentos de cocina, objetos cotidianos e instrumentos musicales, mientras elabora una receta. Los espectadores podrán contemplar la interacción entre los dos procesos de creación, el musical y el culinario, y degustar ambos resultados.

SOBRE LA COMPAÑÍAPablo Martín Jones nació en Madrid en 1980, es hijo de un guitarrista flamenco y una bailaora, ambos estadounidenses afincados en España. Desde joven comienza a interesarse por la música, especialmente por la percusión, de la mano de José Antonio Galicia, su primer maestro. Como batería y percusionista, ha desarrollado una carrera muy variada: tocando flamenco con Ana Salazar, Rojas y Rodríguez o Antonio Canales; ritmos tradicionales de la península Ibérica junto a Eliseo Parra o La Musgaña; y músicas del Mediterráneo con Radio Tarifa o Zoobazar. Ha grabado también con artistas pop como Chambao o Jarabe de Palo, y acompañado a artistas de estilos tan dispares como La Shica, Amancio Prada o Martín Buscaglia. Ha creado e interpretado la música original de distintas obras de teatro y trabajado como arreglista para espectáculos de danza. Sus composiciones se caracterizan por la mezcla de instrumentación analógica, sonidos del ámbito cotidiano y música electrónica. Actualmente, es artista residente en la sede de Losdedae en Alcalá de Henares._

20_21 FEBRERO19.00 hMERCADO DE LA CEBADAMÚSICA/PERFORMANCE_MADRID

ESPAÑOL

70 MINUTOS

ESTRENO EN MADRID

2012_

proyecto seleccionado en la

convocatoria para espacios no teatrales escena

contemporánea 2013

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LECTURAS ESCÉNICAS DE AUTORES CONTEMPORÁNEOS ALEMANES Draft.inn presenta tres nombres claves de la dramaturgia alemana contemporánea: Dea Loher, ganadora de los premios Bertolt-Brecht-Preis en 2006 y del Berliner Literaturpreis en 2009 entre otros y una de las escritoras mas prestigiosas de la escena europea; Dirk Laucke, ganador del premio Kleist-Förderpreis para jóvenes dramaturgos alemanes y recientemente estrenado en el Deutsches Theater de Berlín; y Marius von Mayenburg, autor premiado en múltiples ocasiones, director de escena y actualmente, dramaturgo residente del teatro berlinés Schaubühne.

21 de febreroDer Hässliche (El feo), 2007. Marius von Mayenburg Dirección_Paco Montes

22 de febreroAngst und Abscheu in der BRD (Miedo y asco en la RFA), 2012. Dirk LauckeDirección_Jacob Amo

23 de febreroDas letzte Feuer (El último fuego), 2008. Dea LoherDirección_Fefa Noia

Al finalizar cada lectura tendrá lugar un encuentro con el público, presentado por José Manuel Mora, director de Draft.inn, en el que intervendrán el director de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León José Gabriel López Antuñano, junto a los autores, directores y actores de las lecturas._

21_22_23 FEBRERO23.00 hTEATRO ESPAÑOL (SALA PEQUEÑA)LECTURA ESCÉNICA_MADRID

ESPAÑOL

ESTRENO EN MADRID

2013_

dramaturgia y coordinación artística josé manuel mora

es una producción de draft.inn en colaboración con el goethe-institut madrid y el teatro español

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65dirección juan ayala / interpretación miguel oyarzun_daniel gallardo_quique fernández_carol verano_lola manzano / música miguel pérez / producción isla aguilar / dramaturgia miguel oyarzun_juan ayala / dirección de movimiento marielle morales / escenografía tomás muñoz / vestuario maría l. madrigal / iluminación david alcorta

con la colaboración de matadero madrid

MIRAGE COMPAÑÍA DE TEATROwww.mirageteatro.wix.com/mirage

¡QUIETOTODOEL MUNDO!SOBRE LA OBRA Hacemos una elipsis entre lo acontecido durante la preparación y el intento de golpe de Estado de 1981 con la situación política y económica actual, apostando por la emancipación de los individuos y la igualdad de inteligencias como estrategias de creación y participación del público.

Mirage Compañía de Teatro

_Mirage Compañía de Teatro toma como punto de partida el intento de golpe de Estado del 23-F y por extensión la Transición política española, al tiempo que reflexiona sobre las semejanzas y diferencias con el momento actual.Según la compañía “parece que la democracia triunfó en España gracias a la inmovilidad. Encontramos ahora un paralelismo con una sociedad que está paralizada ante los golpes a los derechos sociales y un país que se mantiene a la espera. Como expresa Naomi Klein en su libro La doctrina del shock, la crisis económica y el ataque de los mercados neoliberales parecen una vez más dejarnos en estado de shock, sin capacidad de reacción y con miedo a perder nuestra pequeña parcela individual de privilegios”. ¡Quieto todo el mundo! es el resultado de un proceso de investigación desarrollado durante dieciocho meses, nutrido con talleres, coloquios e intercambios, en estrecha relación con el público.

SOBRE LA COMPAÑÍAMirage Compañía de Teatro está integrada por el director y dramaturgo Juan Ayala, el intérprete y también dramaturgo Miguel Oyarzun e Isla Aguilar.En 2009, Miguel Oyarzun e Isla Aguilar fundan junto a Mike Tweddle el festival de artes escénicas BE FESTIVAL en Birmingham. Un año después, a caballo entre Reino Unido y España, nace Mirage Compañía de Teatro, un colectivo de artistas decidido a llevar el teatro a todo tipo de público. Sus espectáculos se basan en la creación colectiva, con un acentuado carácter físico. Entienden el teatro como un juego en el que el actor, con el cuerpo y la palabra, genera imágenes poéticas que transportan al espectador a otros lugares. Lázaro, el primer espectáculo de la compañía, se estrenó en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro con muy buena acogida de público y crítica. Su siguiente trabajo, Quijotadas, es el resultado de un taller itinerante de teatro, en el que inmigrantes subsaharianos trabajan en torno a la figura de Don Quijote de La Mancha._

23 y 24 FEBRERO18.00 y 20.30 hMATADERO MADRID (CINETECA)TEATRO_MADRID

ESPAÑOL

80 MINUTOS

E S T R E N O A B S O L U T O2012-2013_

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FERNANDO SOTO & DRAFT.INNwww.draftinn.com

AUTOPSIA(FÁBULA MORAL EN

TIEMPOS DE CRISIS)SOBRE LA OBRA Tú y yo… hija… nos sentaremos al borde de un acantilado… y buscaremos las diferentes tonalidades del océano… mientras esperamos… hasta que llegue la calma.

Fernando Soto

_El proyecto surge de un diálogo entre el actor y director Fernando Soto (Madrid, 1968) y el dramaturgo José Manuel Mora (Sevilla, 1978).En Autopsia (fábula moral en tiempos de crisis) hay un hombre. Una isla. El dolor inconmensurable de la pérdida del ser querido. Hay una fractura con el mundo, una necesidad de volver al epicentro de la catástrofe. Hay también un encuentro. Un encuentro convertido en esperanza de calma, de renacimiento.A partir de preguntas, la pieza se desarrolla como una fábula sencilla que indaga en uno de los grandes tabúes contemporáneos: la muerte.El dramaturgo José Manuel Mora, agudo observador de la realidad, entreteje en su obra la poesía, lo político y lo social, abocando a sus personajes a respirar la verdad sobre ellos mismos, desafiando sus propios límites. José Manuel Mora desarrolla una prolífica carrera como autor y dramaturgista, escribiendo con la clara intención de provocar debate. El proyecto, que se estrena en Escena Contemporánea 2013, nace en el marco de Draft.inn, que él mismo lidera.

SOBRE LA COMPAÑÍAAutopsia (fábula moral en tiempos de crisis) es la primera colaboración entre Draft.inn y el director y actor Fernando Soto.Como actor, Fernando Soto ha estado ligado durante varios años al Teatro de La Abadía, participando también en trabajos de Blanca Portillo, la compañía Animalario o el Centro Dramático Nacional. Como director, ha llevado a escena las piezas Hamster, Al final todos nos encontraremos, Así pasan los días, Rulos, Prohibido besar y Mejorcita de lo mío (de la que también es coautor).José Manuel Mora nace en Sevilla en 1978. Tras sus primeros estudios en Sevilla y Madrid amplía su formación en Londres, Berlín y Ámsterdam. Entre sus obras se encuentran Trevélez (Me muero de amor), Cancro, La bendita pureza, Vértigo, Los cuerpos perdidos, Mi alma en otra parte y La melancolía de King-Kong. Sus textos han recibido numerosos premios y se han representado en espacios europeos como el Jerwood Theatre Upstairs del Royal Court Theatre de Londres, el Festival Internacional de Varsovia y el Berliner Festspiele, entre otros. _

una creación de fernando soto_josé manuel mora_mónica boromello / dramaturgia josé manuel mora / dirección fernando soto / intérpretes fernando soto_miguel barderas / y la colaboración especial de yael belicha / espacio escénico y vestuario mónica boromello / ayudante de dirección jacob amo / iluminación fernando soto / diseño gráfico natalia echeverria

agradecimientos: javier bastías, primeratomacoach, alessio melonni, sala triángulo (natalia, raúl y melanie), baena, tino gómez, los urbániz, juán codina, pía sánchez, doctor jorge mayor. una producción de fernando soto y draft.inn con el apoyo de matadero madrid (ayudas a la creación 2011)

con la coproducción del festival escena contemporánea 2013

23_24 FEBRERO20.30 hSALA TRIÁNGULOTEATRO_MADRID

ESPAÑOL

75 MINUTOS

E S T R E N O A B S O L U T O2012_

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PROGRA_MACIÓN

ESPACIOS ESCÉNICOS

CC PACO RABALOSCURA TEATRECanciones y amor con queso (para tomar aquí o para llevar)

9 de febrero a las 20 h

LOS LUNESCuerdas

16 de febrero a las 20 horas

CENTRO COMARCAL DE HUMANIDADES SIERRA NORTE (LA CABRERA)LA TRISTURAEl sur de Europa. Días de amor difíciles

9 de febrero a las 20 h

DRAFT.INNTALLER DIRK LAUCKEGonzo en el siglo XXI: La imposibilidad de un teatro documental ... y una manera de intentarlo

Del 20 al 22 de febrero de 10 a 14 horas

DT ESPACIO ESCÉNICOCHANTAL YZERMANS-RADICAL LOWPartner/ You

8 y 9 de febrero a las 20.30 h 10 de febrero a las 20 h

DAVID ESPINOSA / EL LOCAL ESPACIO DE CREACIÓNMi gran obra (un proyecto ambicioso) / Hekinah Degul

15 y 16 de febrero a las 19 y 21.30 h17 de febrero a las 18 y 20.30 h

SLEEPWALK COLLECTIVEEl entretenimiento

20, 21 y 22 de febrero a las 20 y 22 h

EXTERIORES EDIFICIO ESPAÑACOOPERATIVA GENERAL HUMANAEspaña

1, 2 y 3 de febrero a las 20 h

LA CASA ENCENDIDALISBETH GRUWEZ/ VOETVOLK VZWIt’s going to get worse and worse and worse, my friend4, 5 y 6 de febrero a las 22 h

CHÈVERECitizen

12 y 13 de febrero a las 20 h

RICCI/FORTEmacadamia nut brittle

19 y 20 de febrero a las 22 h

LA NAVE DE CAMBALEO (ARANJUEZ)ONÍRICA MECÁNICAMorfología de la ceguera

2 de febrero a las 21 h

MATADERO MADRIDMIRAGE COMPAÑÍA DE TEATRO¡Quieto todo el mundo!

23 de febrero a las 20 h 24 de febrero a las 18 h

MERCADO DE LA CEBADAPABLO MARTIN JONESKitchen

20 y 21 de febrero a las 19 h

SALA CUARTA PAREDTEATRO SOTTERRANEODies irae_5 episodi intorno alla fine della specie

1 y 2 de febrero a las 21 h

KRAKEN TEATRO Y DRAMATURGOS MEXICANOSTernura Suite

6, 7 y 8 de febrero a las 21 h

ONÍRICA MECÁNICAMorfología de la ceguera

15 y 16 de febrero a las 21 h

LA TRISTURAEl sur de Europa. Días de amor difíciles

21, 22 y 23 de febrero a las 21 h

SALA TRIÁNGULOLOS LUNESCuerdas

2 y 3 de febrero a las 20.30 h

ATRESBANDESSolfatara

9 y 10 de febrero a las 20.30 h

GRUMELOT / TEATRO EN TRÁNSITOPELÍN THE VICTIM (Intimidación punitiva)

12 y 13 de febrero a las 20.30 h

FERNANDO SOTO & DRAFT.INNAutopsia (Fábula moral en tiempos de crisis)

23 y 24 de febrero a las 20.30 h

TEATROS DEL CANALLA VERONALIslandia

30 de enero a las 20 h

TEATRO ESPAÑOL (SALA PEQUEÑA)LECTURAS ESCÉNICAS DE AUTORES CONTEMPORÁNEOS ALEMANES

Der Hässliche (El feo), de Marius von Mayenburg, dirigida por Paco Montes21 de febrero a las 23 h

Angst und Abscheu in der BRD (Miedo y asco en la RDA), de Dirk Laucke, dirigida por Jacob Amo22 de febrero a las 23 h

Das letzte Feuer (El último fuego), de Dea Loher, dirigida por Fefa Noia23 de febrero a las 23 h

TEATRO LAGRADAEL PONT FLOTANTAlgunas personas buenas

30 y 31 de enero a las 21 h

VICENT GISBERTFenster

8 y 9 de febrero a las 21 h10 de febrero a las 20 h

TEATRO PRADILLOSOFIA DIAS & VÍTOR RORIZUm gesto que não passa de uma ameaça

7, 8 y 9 de febrero a las 21 h

NOU ENSEMBLETodos caníbales

14 y 15 de febrero a las 21 h

TEATRO VALLE-INCLÁN CDN (Exterior. Plaza de Lavapiés)

ROOM WITH A VIEW/ DRIES VERHOEVENThy Kingdom Come

Del 14 al 24 de febrero (el lunes 18 no hay función) 11 h / 11.45 h / 12.30 h / 13.15 h / 14 h / 16 h / 16.45 h / 17.30 h / 18.15 h / 19 h / 19.45 h / 20.30 h

CALEN_DARIO

75

ENEROENERO FEBREROFEBREROFEBREROLA

VERONAL 20.00 h

OSCURATEATRE20.00 h

LATRISTURA

20.00 h

TEATRO SOTTERANEO

21.00 h

COOP. GRAL. HUMANA20.00 h

KRAKEN TEATRO21.00 h

LISBETH GRUWEZ22.00 h

SOFIA DIAS / VÍTOR RORIZ21.00 h

CHANTAL YZERMANS20.30 h vie y sáb / 20.00 h dom

VICENT GISBERT21.00 h sábado / 20.00 h domingo

LOS LUNES20.30 h

EL PONT FLOTANT21.00 h

ONÍRICA MECÁNICA

21.00 h

MIÉRCOLES

30LUNES

4SÁBADO

2JUEVES

7JUEVES

31MARTES

5DOMINGO

3VIERNES

8VIERNES

1MIÉRCOLES

6SÁBADO

9DOMINGO

10TEATROS

DEL CANAL

TEATRO VALLE-INCLÁN

SALA TRIÁNGULO

C.C. SIERRA NORTE

LA CABRERA

CUARTA PARED

DRAFT.INN

DT ESPACIO ESCÉNICO

MATADERO(CINETECA)

LA CASA ENCENDIDA

EDIFICIO ESPAÑA

LA NAVE DE CAMBALEO

TEATRO ESPAÑOL

TEATRO PRADILLO

C.C. PACO RABAL

TEATROLAGRADA

MERCADO LA CEBADA

ATRESBANDES20.30 h

77

FEBREROFEBREROFEBREROFEBRERO

CHÉVERE20.00 h

RICCI / FORTE22.00 h

LA TRISTURA21.00 h

LOSLUNES20.00 h

TALLER DIRK LAUCKEde 10.00 a 14.00 h

ONÍRICA MECÁNICA21.00 h

NOU ENSEMBLE21.00 h

DRIES VERHOEVENde 11.00 a 21.00 h

DRIES VERHOEVENde 11.00 a 21.00 h

DAVID ESPINOSA19 y 21.30 h vie y sáb / 18 y 20.30 h dom

SLEEPWALK COLECTIVE20.00 + 22.00 h

FERNANDO SOTO20.30 h

PABLO M. JONES19.00 h

LECTURAS DRAMATIZADAS23.00 h

MIRAGE TEATRO18.00 y 20.30 h

TEATROS DEL CANAL

SALA TRIÁNGULO

CUARTA PARED

DRAFT.INN

DT ESPACIO ESCÉNICO

MATADERO(CINETECA)

LA CASA ENCENDIDA

EDIFICIO ESPAÑA

LA NAVE DE CAMBALEO

TEATRO ESPAÑOL

TEATRO PRADILLO

C.C. PACO RABAL

TEATROLAGRADA

MERCADO LA CEBADA

MARTES

12LUNES

11LUNES

18VIERNES

15JUEVES

21MIÉRCOLES

13MARTES

19SÁBADO

16DOMINGO

17VIERNES

22JUEVES

14MIÉRCOLES

20SÁBADO

23DOMINGO

24

GRUMELOT20.30 h

TEATRO VALLE-INCLÁN

C.C. SIERRA NORTE

LA CABRERA

VENTAENTRADASINFO ESPA_CIOS ESCÉ_

NICOS

CENTRO CULTURAL PACO RABALC/ Felipe de Diego, 11 (28018 Madrid). Tel 915 079 740www.madrid.org/agenda-cultural/cc-paco-rabal/home

Cómo llegarCercanías: Asamblea de Madrid – Entrevías

Venta de entradas

6€. En la taquilla del Centro desde 2 horas antes del comienzo de cada

representación, en entradas.com (902 488 488) y en cajeros de Bankia

CENTRO COMARCAL DE HUMANIDADES SIERRA NORTEAvda. La Cabrera, 96. (28750 La Cabrera). Tel 918 689 530

Cómo llegarBus: 190B / 191 / 194 / 195 (Desde Madrid: Intercambiador Plaza de Castilla)

Venta de entradas7€. Tercera edad, familia numerosa y Carné Joven: 5€En la taquilla desde 1 hora antes del comienzo de cada representación. Admite tarjeta de crédito. Adquisición de entradas con más antelación en www.entradas.com (comisión del 7% en la venta por Internet y cajeros y del 9% en la venta telefónica de entradas 902 488 488)

DRAFT.INNC/ Virgen de la Paz s/n, esquina con Av. Donostiarra 1 Tel 915 327 244 (oficina del Festival)

www.draftinn.com

Cómo llegarMetro: Ventas, El Carmen

Para más información sobre inscripción a tallereswww.madrid.org/escenacontemporanea

DT ESPACIO ESCÉNICOC/ Reina, 9. Tel 915 217 155www.dtespacioescenico.com

Cómo llegarMetro: Gran Vía, Chueca

Venta de entradas6€. En taquilla desde media hora antes de cada representación.

Reserva telefónica en el 915 217 155

EXTERIORES EDIFICIO ESPAÑAPlaza España s/n. Tel 915 327 244 (oficina del Festival)

Cómo llegarMetro: Plaza EspañaRepresentación de calle abierta al público

LA CASA ENCENDIDARonda de Valencia, 2. Tel 902 430 322www.lacasaencendida.com

Cómo llegar

Metro: Embajadores, Lavapiés, Atocha

Venta de entradas4€. Venta anticipada: desde 3 días antes de cada representación, en entradas.com (902 488 488) y red de cajeros de Bankia | En taquilla: desde 3 días antes de cada representación de 10 a 21.45 h

LA NAVE DE CAMBALEOAvda. de Loyola, 8 (28300 Aranjuez). Tel 918 921 793www.cambaleo.com

Cómo llegar Cercanías: C-3 Aranjuez

Venta de entradas

6€. Venta anticipada: atrapalo.com | En taquilla: desde media hora antes de

cada representación | Reservas: 918 921 793

MATADERO MADRIDPº de la Chopera, 14. Tel 915 177 309www.mataderomadrid.org

Cómo llegar

Metro: LegazpiVenta de entradas6€. Venta anticipada: en mataderomadrid.org | En taquilla: desde 1 hora

antes de cada presentación

MERCADO DE LA CEBADAPlaza de la Cebada, s/n. Tel 915 327 244 (oficina del Festival) www. mercadodelacebada.com

Cómo llegar

Metro: La Latina, Tirso de MolinaEntrada libre hasta completar aforo

SALA CUARTA PAREDC/ Ercilla, 17. Tel 915 172 317www.cuartapared.es

Cómo llegar

Metro: Embajadores, Acacias

Venta de entradas

6€. Venta anticipada: entradas.com (902 488 488) y elcorteingles.es/entradas (902 400 222) | En taquilla: desde 1 hora antes de cada representación | Reservas: 915 172 317 y cuartapared.es

SALA TRIÁNGULOC/ Zurita, 20. Tel 915 306 891www.teatrotriangulo.com

Cómo llegar

Metro: Lavapiés, Antón Martín

Venta de entradas6€. Venta anticipada: entradas.com (902 488 488); venta anticipada de L a V de 10 a 14 horas, de J a S de 18.30 a 22 horas y desde una hora antes del comienzo de la representación. Reservas: 91 530 68 91

TEATROS DEL CANALC/ Cea Bermúdez, 1. Tel 913 089 999www.teatroscanal.com

Cómo llegar

Metro: Canal, Ríos Rosas

Venta de entradas6€. Venta anticipada: teatroscanal.com, entradas.com (902 488 488), red de cajeros de Bankia e Ibercaja | En taquilla: 14.30 a 21.00 h. (todos los días) |Las personas en silla de ruedas pueden adquirir las localidades en taquilla o hacer una reserva en el teléfono 913 089 999

TEATRO ESPAÑOL. SALA PEQUEÑAC/ Príncipe, 25. Tel 913 601 484www.teatroespanol.es

Cómo llegar

Metro: Sol, Antón Martín, SevillaEntrada libre hasta completar aforo

TEATRO LAGRADAC/ Ercilla, 20. Tel 915 179 698www.teatrolagrada.com

Cómo llegar

Metro: Embajadores, Acacias

Venta de entradas6€. Venta anticipada: entradas.com (902 488 488) | En taquilla: desde media hora antes de cada representación. Reservas: 91 292 64 77

TEATRO PRADILLOC/ Pradillo, 12. Tel 914 169 011www.teatropradillo.com

Cómo llegarMetro: Concha Espina, Alfonso XIII

Venta de entradas6€. Venta anticipada: entradas.com (902 488 488), en atrapalo.es y red de cajeros de Bankia. En taquilla: desde 1 hora antes de cada representación. Reservas: 914 169 011

TEATRO VALLE-INCLÁN (CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL)C/ Valencia, 1. Tel 915 058 801www.cdn.mcu.es

Cómo llegar

Metro: Lavapiés, Embajadores

Venta de entradas5€. Aforo limitado. Venta de entradas en la taquilla del Festival situada en el propio teatro de 10:30 a 20.30 horas. Pases diarios: 11.00, 11.45, 12.30, 13.15, 14.00, 16.00, 16.45, 17.30, 18.15, 19.00, 19.45, 20.30.Debido a las características del espectáculo, las entradas se comprarán en el lugar y no es posible la compra anticipada por internet

EQUIPO

XIII FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA

ORGANIZADirección General de Artes Escénicas, Música y AudiovisualConsejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid

COLABORAAsociación Cultural y Teatral Escena Contemporánea

DIRECCIÓN ARTÍSTICASalva Bolta

CONSEJO DE DIRECCIÓNJuan MuñozJavier YagüeSalva Bolta

COORDINACIÓN Y PRODUCCIÓNElisa GilliLola Lizzi

ASISTENTE DE PRODUCCIÓNÁlvaro de Blas

DIRECCIÓN TÉCNICATito Sainz

GERENCIAAlmudena García

COMUNICACIÓN, PRENSA Y DOCUMENTACIÓNElvira GiménezÁngela de la TorreJustine Obert(Cultproject)

ASISTENTE COMUNICACIÓN Y PRENSAMarga Martínez

IMAGEN, DISEÑO GRÁFICO Y MAQUETACIÓNEstudio Eusebio López

DISEÑO Y DESARROLLO WEBRaquel Samaniego(Dátibus)

87

M-4

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