dossier pédagogique viens voir la réunion, musique d’antan · 2015-12-09 · 3 dossier...

1 Dossier pédagogique Pat’Jaune | TEAT Champ Fleuri

Dossier pédagogique

Viens voir La Réunion, Musique d’antan

de Pat’Jaune


Cher(e) enseignant(e), Le concert de Pat’Jaune que vous allez venir voir au TEAT Champ

Fleuri présentera le tout nouveau spectacle du groupe intitulé Viens voir La Réunion, Musique d’antan.

Le passé et le présent se rejoignent le temps d’une soirée pour faire

vivre une époque de La Réunion où la danse et le chant racontent une histoire…

A travers un voyage dans les mémoires de nos gramoun’, Pat’Jaune

vous propose une plongée musicale dans notre temps lontan, témoignage historique et surtout grande fête populaire créole, panorama pédagogique et divertissant du séga, aussi nécessaire que jubilatoire.

Le groupe revisite à sa façon les titres phares de la musique

d’autrefois. Un moment d’écoute unique où le plaisir et le partage se

rencontrent en harmonie.

Dossier pédagogique réalisé par :

Frédéric Bonté Professeur relais du Théâtre Canter

auprès de la délégation académique à l’éducation artistique et à l’action culturelle.

et Nathalie Ebrard Attachée aux relations avec le public des

TEAT Champ Fleuri | TEAT Plein Air

0262 41 93 22 – 0692 41 93 21 – [email protected]

Billetterie : 0262 419 325 – www.theatreunion.re


SOMMAIRE INFORMATIONS PRATIQUES P.7 ÊTRE SPECTATEUR P.8

AVANT LE SPECTACLE… P.9 PRÉSENTATION DU GROUPE P.11 LES MEMBRES DU GROUPE P.12 DISCOGRAPHIE P.13 NOTES D’INTENTION P.14 DANSES ET MUSIQUES D’ANTAN : LA SCOTTISH P.15 LA POLKA P.16 LA MAZURKA P.17 LE QUADRILLE P.18 SÉGA ET MALOYA : LE SÉGA P.19 LE MALOYA P.21 LES INTRUMENTS HARMONIQUES ACOUSTIQUES P.22 DEUX PARTITIONS : VIENS VOIR LA RÉUNION P.23 VIENS VOIR LA RÉUNION (PAROLES) P.24 PÊCHEUR QUAT’SOUS P.25

PISTES PÉDAGOGIQUES… P.27


INFORMATIONS PRATIQUES Viens voir la Réunion, musique d’antan de Pat’Jaune Spectacle conseillé à partir de 3 ans. Dates : le lundi 7 décembre à 13h30 et le mardi 8 à 10h. Durée : 1h.

Cher(e) enseignant(e), Vous avez effectué une réservation pour assister avec vos élèves à l’un de

nos spectacles et nous vous en remercions. Nous vous prions de bien vouloir imprimer et distribuer à vos

élèves la fiche « Être spectateur » ci-après et de vous assurer de sa bonne compréhension auprès d’eux.

Afin de vous réserver le meilleur accueil, nous vous demandons d’être

présents au théâtre au plus tard une demi-heure avant le début de la représentation, moment à partir duquel nous commençons à vous faire entrer en salle. Notez bien que le spectacle démarre à l’heure.

Nous vous remercions de bien vouloir occuper les places qui vous seront attribuées, et de faire en sorte d’encadrer au mieux vos élèves.

Merci de veiller à ce qu’ils n’apportent pas leurs sacs d’école au sein du théâtre, ni boissons ou nourriture. Une fois dans la salle, nous vous demandons d’éviter dans la mesure du possible d’en ressortir avant la fin du spectacle.

Si vous avez confirmé cette réservation par bon de commande, nous vous

rappelons que ce bon de commande entraîne la réservation ferme du nombre de places correspondant. Les désistements de dernière minute ne pourront faire l’objet d’aucun remboursement. Nous vous remercions de votre compréhension, ces places ayant été bloquées à la vente et ne pouvant plus être proposées à d’autres établissements ou spectateurs demandeurs dans un délai aussi court.

Les réservations de billets supplémentaires devront faire l’objet d’un nouveau bon de commande que nous prendrons en compte dans la limite des places disponibles.

Ne vous inquiétez pas si notre facture à acquitter arrive après la date du spectacle, vos places sont validées dès l’enregistrement de votre bon de commande.

Nous comptons sur votre participation pour la réussite de cette

sortie avant, pendant et après le spectacle et vous remercions pour votre précieuse collaboration.


ÊTRE SPECTATEUR

POUR UN RESPECT MUTUEL DANS LA SALLE DE SPECTACLE

Le théâtre est un art ancien qui a grandi dans la notion de « sacré », de « rituel » et de « magie ». Ces notions sont toujours présentes dans les théâtres et sur les scènes. Il est important de comprendre ces notions de respect. On ne se comporte pas au théâtre comme on se comporte devant la télévision ou dans une manifestation… Les artistes sur scène sont des êtres de chair et de sang, ils vivent, ressentent et réagissent fortement à tout ce qui se passe dans la salle. Leur art est fragile, sensible, subtil, il faut une écoute attentive pour que la magie opère…

Au théâtre, quelques consignes simples :

• Ecoute • Respect • Attention

• Observation

Dès que vous entrez dans la salle de spectacle, installez-vous confortablement aux places qui vous sont attribuées et attendez calmement le début de la représentation. Vérifiez que vos téléphones portables, si vous en avez, sont coupés et ne prenez aucune photo, avec ou sans flash, ni vidéo. Nourriture, boissons et chewing-gum sont interdits en salle.

Lorsque vous voyez un spectacle, sachez qu’il a bien souvent nécessité des mois, voire des années de travail pour arriver devant vous…

Les artistes sont vraiment là devant vous, mais on ne les interpelle pas (sauf s’ils vous le demandent !) car ils sont dans une autre dimension : celle de la fiction.

Vous pouvez bien sûr réagir à ce que vous voyez : rire, pleurer, applaudir, mais il est essentiel de savoir rapidement revenir au calme et ainsi être de nouveau disponible pour apprécier la suite du spectacle. Il faut bien écouter et observer, car tout a une importance pour la compréhension et l’émotion du spectacle.

Bien entendu, on ne bavarde pas et on ne sort pas de la salle pendant une représentation. L’artiste ne vous dira rien car il est engagé dans son travail sur scène, mais faire du bruit risque de le déconcentrer et de gêner les autres spectateurs.

A la fin du spectacle, si vous avez aimé, vous pouvez applaudir très fort : c’est la récompense de l’artiste !

Merci de votre attention et de respecter ces consignes élémentaires.


AVANT LE SPECTACLE…


PRESENTATION DU GROUPE Les habitants des hauts de l’île de la Réunion sont appelés « Petits Blancs des Hauts » ou Youl, Yab, Liton ou encore Pat’jaune. Cette dernière expression créole provient de la coloration des pieds des agriculteurs après leur labeur dans les champs de safran (curcuma). En dignes représentants de cette région de l’île, quatre musiciens ont choisi de nommer leur formation Pat’Jaune. Composée à l’origine par trois des frères Gonthier, Michel, François et Bernard (d’une famille de 12 enfants), la formation Pat’jaune voit officiellement le jour en 1993. Depuis 2000, Claudine Tarby a rejoint la troupe, apportant la touche féminine et assurant la partie percussions et voix. Les frères Gonthier ont débuté sur les planches, où ils excellaient en trio comique, faisant le bonheur des enfants de l’île auprès desquels, d’ailleurs, ils interviennent aujourd’hui encore sous forme de spectacles de clownerie et d’ateliers de musique traditionnelle. Car la musique s’est très vite intégrée au spectacle de Pat’Jaune…jusqu’à ce qu’elle prenne le dessus et devienne incontournable ! Fort de ses nombreuses prestations sur l’île, le groupe Pat’Jaune participe à plusieurs manifestations dans l’Océan Indien : à la Réunion, à Maurice et à Rodrigues… et finit par s’envoler en tournée en France, à Hong-Kong, en Suisse et aux Etats- Unis. Pat’Jaune se voit décerner en 2003, par un jury composé de professionnels du spectacle et de la presse locale, le titre du « Meilleur Groupe Musical de l’année » et du « Meilleur Album réunionnais pour 2002 » (Album Ti Catoune). Fervents défenseurs de l’art de vivre créole, les musiciens de Pat’jaune retrouvent, entre deux spectacles, la sérénité de leur Plaine des Cafres natale. Avec la complicité qui les caractérise, ils se produisent régulièrement dans leur cabaret où une cinquantaine d’hôtes privilégiés se retrouvent le temps d’un repas, dans le monde authentique des « Petits Blancs des Hauts ». Non sans une bonne dose d’humour, Pat’Jaune dépeint des anecdotes de la vie quotidienne dans les Hauts de l’île, sur des airs de polka aux accents cajun, quadrille, mazurka et séga acoustique. Au son du banjo, de la guitare, de la mandoline, du violon et de la contrebasse, le public se laisse embarquer pour un voyage temporel dépaysant.


LES MEMBRES DU GROUPE La musique de Pat'Jaune, groupe originaire de la Plaine des Cafres sur la commune du Tampon, est un mélange unique de danses d'antan (valses, polkas, scottish ou quadrilles importés par les premiers colons) et de séga, tandis que le violon et le banjo rappellent la musique acadienne de Louisiane. Leurs chansons évoquent avec humour et entrain la vie des Yabs et très vite, Pat'Jaune acquiert une solide réputation sur scène. Les membres du groupe, tous vêtus de la même façon (chapeaux feutre bruns, chemises blanches, bretelles apparentes et pantalons noirs), alternent chansons et interludes parlés évoquant souvent la "Réunion longtemps". Forts de leur prestance scénique, les Pat'Jaune ont donné des concerts en métropole (festival Africolor et Transmusicales de Rennes en 2002, festival Métis d'Angoulême en 2005, festival "La Guinguette Mobile" à Angoulême et Sentier des Halles à Paris en novembre 2006) et à l'étranger (Hong Kong en juillet 2002, Festival international de Louisiane à Lafayette en 2005). Bernard Gonthier Violon / Mandoline / Banjo / Voix François Gonthier Basse / Contrebasse / Voix Michel Gontier Guitares / Voix Claudine Tarby Percussions / Voix


DISCOGRAPHIE Youl, Digital Studio Production Discorama, 1998. Ti catoune, Digital Studio Production Discorama, 2002. En concert : live (1 CD + 1 DVD) produit par Discorama, 2003. Larisé, Pat'Jaune Production, distribution Discorama Production, 2005. Ticoulitintin, Chansons et berceuses de la Réunion (Rencontre inédite entre les textes en créole de Joëlle Ecormier et la musique des Pat'Jaune). Disque Production Pat'Jaune – Livre produit par Océan Edition, 2007. A l'école des gramounes (musique du documentaire réalisé en 2006 par Dominique Barouch). Live 2010 (DVD) produit par Discorama Prod, 2010. Nout rêve, Pat'Jaune Production, distribution Discorama Production, 2010. Viens voir la Réunion, Pat'Jaune Production, distribution Discorama Production, 2013.

Titres de l’album (Paroles / Musique) 1. Zoréol (R. Cambon / A. Legras) 2. Viens voir la Réunion (H. Maingard) 3. Quand li met’ son moulure (J. Arlanda) 4. Pécheur quat’ sous (F. Espel) 5. Dan’ temps longtemps (J. Farreyrol) 6. Bal la poussière (G. Vinson / F. Espel) 7. Toué lé jolie (P. Vidot / S. Barre et Réalison) 8. L’étang longtemps (G. Vinson) 9. Ti bal longtemps (Compère Grat’ fil) 10. Su le pont d’zaviron (F. Espel) 11. Manapany (L. Donat) 12. La grosse Virginia (Les Fantasios) 13. Ti fleur aimée ti fleur fanée (G. Fourcade / J. Fosy


NOTES D’INTENTION Passé : Album de reprises des années 70. POURQUOI ? « Parce que ce sont des musiques qui ne sont plus tellement jouées sur scène, et qu’on voulait faire redécouvrir. Le séga a beaucoup évolué depuis 40 ans, ce qui est à la fois normal et très positif, mais nous avions envie de revenir à cette musique des années 70 qui a bercé nos enfances, parce que nous continuons d’être étonnés par sa richesse, et que nous ne voulons pas qu’elle se perde. Cette musique incarne ce qu’a pu être La Réunion populaire ». Présent : « Si, aujourd’hui, beaucoup de gens déplorent qu’en revanche, le séga s’est appauvri, ça ne tient qu’à nous-mêmes de proposer autre chose à l’avenir. Et pour nous, pour avancer vers l’avenir, il faut aussi se souvenir du passé, de ces chansons magnifiques ou amusantes que les anciens ont composées et qui faisaient danser la Réunion des bals populaires. Si on peut donner le goût de ces ségas-là aux plus jeunes, alors la mission sera remplie ! » Revisitent : « Compères Grat’Fils d’abord, parce que ce sont eux qui ont déterminé nos choix d’instruments, le banjo, le violon et la contrebasse, et puis qui nous ont donné le goût des chansons à texte, acoustiques. Et les Jokarys surtout, à qui le disque et le spectacle rendent beaucoup hommage, parce que ce sont eux qui nous ont donné envie de jouer de la musique ». Titres phares : « On emprunte notamment Viens voir La Réunion, qui donne son titre à notre spectacle. On reprend aussi Luc Donat, Manapany, parce qu’on ne pouvait pas faire l’impasse sur le Roi du séga… Dans le temps lontan de Jaqueline Farreyrol, La grosse Virginia de Los Fantasios… il y en a trop pour les citer tous, et nous les aimons avec la même sincérité ». Invités (sur le spectacle tout public) : « Depuis le départ, l’idée était d’inviter avec nous les artistes qui chantaient ces ségas et qui sont encore vivants, ce qui s’est avéré plus long et compliqué qu’on le pensait au départ… Beaucoup étaient indisponibles. On a donc enregistré la dizaine de morceaux du disque nous-mêmes, et gardé la possibilité d’inviter d’autres artistes avec nous sur scène. Et au final, on sera assez nombreux, certains musiciens venant interpréter leurs propres chansons avec nous, ou en reprenant d’autres, avec surtout une envie commune : offrir une belle fête lontan au public qui répondra présent ! »


DANSES ET MUSIQUES D’ANTAN La scottish

Parmi les différentes danses de salons qui sont à l’origine du séga, la scottish est une danse de bal et de salon qui se danse en couple, de mesure binaire (2/4), sans rapport avec l'Écosse. Elle est introduite en Grande-Bretagne en 1848 sous le nom de German polka et apparaît dans les salons parisiens deux ans plus tard sous le nom de shottish. Lorsque la Première Guerre Mondiale éclate, elle est renommée scottish du fait des forts sentiments anti-allemands.

Elle s'exécute en couples tournant sur eux-mêmes dans le sens des aiguilles de la montre, tandis que le cortège de couples, disposés librement dans la salle, évolue dans le sens contraire. La danse est complète en quatre mesures :

− Mesure 1 : un pas de polka du pied gauche pour l'homme (du pied droit pour la femme)

− Mesure 2 : un pas de polka du pied droit pour l'homme (du pied gauche pour la femme)

− Mesures 3-4 : quatre pas sautillés en tournant Comme beaucoup d'autres danses de salon, la scottish est entrée dans le

répertoire des danses traditionnelles au XIXe siècle. Elle est également utilisée dans certaines figures du quadrille.


La polka

Si son nom (ou la déformation de son nom) peut faire penser à une référence polonaise, le mot polka vient en fait du Russe půlka (moitié ou demi), décrivant le pas chassé (demi-pas) servant de base à la danse. Dérivée de plusieurs danses (nimra, bourrée, scottish...), après Prague en 1835, puis Vienne en 1839, c'est à partir de Paris en 1840 qu'elle se répand dans l'Europe entière, donnant lieu à une véritable « polkamania ». Une reconstitution de l'une des premières polkas, « la polka nationale », a été faite par la compagnie de recherche en danse Révérences.

Danse de couple effectuant un mouvement circulaire, la composante principale en est le pas de polka. De nombreux manuels, articles et publications des maîtres de danse ont circulé, et la polka a rapidement gagné toutes les couches de la population, des milieux bourgeois aux plus populaires. Tout au long du XXème siècle, comme pour beaucoup de danses folkloriques, les erreurs musicologiques, les amalgames simplistes, les querelles stériles, les confusions identitaires... vont dénaturer la polka qui tombera en désuétude.

La polka classique : Avec ses 160 numéros d'opus (sur 479), Johann Strauss II est sans conteste le « maître » de la polka de la fin du XIXème siècle. Mais les compositeurs tchèques comme Bedrich Smetana, Zdeněk Fibich ou Antonín Dvořák recherchent une authenticité plus « nationale ». Jacques Offenbach l'intègre dans nombre de ses opéras bouffes. Georges Bizet, Gioachino Rossini (Petite polka chinoise), Bohuslav Martinů, Joseph Lanner, Dimitri Chostakovitch ou Igor Stravinski (Polka circus), pour n'en citer que quelques-uns, composèrent également des polkas.

La tradition populaire : Dans la seconde moitié du XIXème siècle, la polka, à l'instar des autres danses de couple, s'est progressivement popularisée. On l'a retrouvée dans une grande majorité des provinces françaises.


La mazurka

La mazurka est une danse de salon originaire de Pologne, très rythmée, à trois temps, de tempo vif et dont les accents se déplacent sur les temps faibles. Elle connut une grande vogue dans les salons européens au XIXème siècle et passa rapidement dans le répertoire populaire et des danses de société.

Son nom vient de « mazur » et « mazurek » (petite « mazur ») au XVIIIème siècle. Se déclinant en un cycle de variations, elle était toujours précédée et/ou suivie d'une danse marchée : la chodzony, ancêtre de la polonaise.

La rythmique de la mazurka est très particulière. Elle a certainement évolué au fil du temps et en fonction des régions. Aujourd'hui, en tant que danse populaire en bal folk, elle a une structure assez précise : C'est une musique à trois temps avec un phrasé découpé en multiples de quatre mesures, chaque groupe de quatre correspondant à une figure de base pour les danseurs. Beaucoup de compositions sont constituées de deux phrases musicales de huit mesures. La spécificité rythmique est l'accentuation du deuxième temps ; c'est ce qui indique aux danseurs la présence d'une élévation sur le troisième temps. Le tempo de la mazurka est légèrement inférieur au tempo de la valse. On peut imaginer une pulsation de 110 mais c'est élastique ; de plus, beaucoup de compositions récentes, plus langoureuses, ont un tempo ralenti.

La mélodie commence le plus souvent par une anacrouse de plusieurs notes. Le style de la mazurka est généralement ternaire, ce qui donne des partitions en 9/8.

La mazurka classique : Transcendée par la musique savante, la composition de 58 mazurkas chez Frédéric Chopin n'est pas dénuée d'intentions nationalistes, bien que le langage musical y soit incontestablement savant, voire très avancé, notamment sur le plan harmonique (accords de 9ème et inflexions modales).

Répertoires traditionnels : Elle est passée dans le répertoire du bal musette à la fin du XIXème siècle. Comme beaucoup de danses de salon, la mazurka a aussi été reprise dans les danses folks, notamment dans la danse bretonne, les danses du centre de la France et les danses du carnaval guyanais. Elle est une composante de la musique et des danses traditionnelles de la Martinique.

Selon les terroirs, les pas diffèrent. La mazurka se danse en couple, en position de danse moderne, les deux partenaires face à face.


Le quadrille

Pour le Grand Larousse du XIXème siècle (1866-1877), le mot « n’a fait que remplacer le terme de contredanse ».

Le quadrille est directement issu de la contredanse française telle qu’elle était dansée au XVIIIème siècle.

Le mot quadrille a des acceptions très diverses. Dans le domaine de la danse de bal, il correspond à deux notions différentes :

- Sous l’Empire et la Restauration, essentiellement, mais encore sous le Second Empire, il peut désigner une chorégraphie apprise par un nombre défini de participants et exécutée au cours d’un bal, à titre d’intermède. Ce type de divertissement valait avant tout par la richesse et l’originalité des costumes. Selon la reine Hortense, « un quadrille de société devait reposer uniquement sur l’éclat et sur l’élégance des costumes, l’harmonie des couleurs, le bon goût des danses et la perfection de l’ensemble. ». (Mémoires, Paris, 1927, tome II, p. 138).

- D'un point de vue chorégraphique, le quadrille représente depuis le début du XIXème siècle une danse de bals souvent à quatre couples, composée la plupart du temps de cinq figures (sur le modèle du « quadrille français »). Il existe de très nombreuses sortes de quadrille : le quadrille des lanciers, le quadrille américain, le quadrille russe, le quadrille du menuet des salons, le quadrille du Prince Impérial, le quadrille des variétés parisiennes, le quadrille cancan, le quadrille cake-walk…

Le Quadrille français : Il pouvait être dansé par quatre couples formant un carré, ou par deux couples se faisant face, formant quadrette ; les couples se répartissaient alors, suivant les dimensions de la salle, en une ou plusieurs doubles lignes.


SEGA ET MALOYA Le séga

L’origine du mot Sega remonte à plus ou moins 1822, les esclaves parlaient en effet de chéga ou plutôt de tchéga. Cette danse est originaire de l’Afrique de l’Est.

Curieusement, cette tradition existe encore sur le continent africain où ses types d’interprétation reposent en effet sur la transe. Ce sont probablement les cultes d’origine africaine.

Avec l'arrivée des français, le séga a été nourri par la musique festive de danses de Paris au XIXème siècle, les quadrilles parisiens que dansaient les propriétaires des plantations et leurs familles. On peut donc penser que le séga est une fusion ou un mélange de plusieurs peuples, esclaves ou migrants venus vers les îles Mascareignes et l'Océan Indien.

Loins de leurs pays d'origine, les esclaves de différentes contrées se réunissaient. Ils ne parlaient pas la même langue, n'avaient pas les mêmes coutumes, ni la même musique, mais cela ne les empêchait pas de communiquer autour de la danse et du chant. Puis, de fil en aiguille, la langue créole est apparue, avec les indigènes et la langue française, un dialecte d'origine française qui n'a pas fini d'évoluer, et s'est fondue dans la musique où une nouvelle forme de séga a réapparu.

Au Mozambique, le tchéga se rapporte à une danse très proche du fandango espagnol.

Le mot swahili séga désigne l'acte de retrousser ses habits, geste typique des danseuses de séga.

Le Séga de la Réunion : L’histoire du Séga, à La Réunion, est intimement liée à celle du Maloya.

Dès le second empire (1852), d’autres danses font leur apparition : le quadrille d’origine anglaise, la scottish, la polka, la mazurka, auxquelles succèdent des danse de groupe. La série se termine par des figures libres.

Cet espace de liberté a été capital dans la naissance du séga. Au milieu du XIXème siècle, la prospérité économique de l’île a permis une plus grande diffusion du quadrille et le besoin de musiciens s’accroît. Des musiciens noirs sont alors initiés à ces musiques : ce sont les « jouars ». Du fait de leur appartenance à une autre culture, ils ont volontairement ou involontairement modifié ces airs, surtout au niveau rythmique : ceci marque le début de la créolisation du quadrille. Ayant appris à jouer sur des instruments européens, ils utilisent la dernière partie du quadrille pour jouer leur musique. Passant progressivement du binaire au ternaire, cette danse appelée au début « quadrille créole » va coloniser toutes les figures du quadrille.

Le phénomène prend une telle importance que le Séga s’échappe des salons pour être joué et dansé partout: il devient la musique populaire de La Réunion.


Lithographie d’Antoine Roussin – danseurs de « séga piqué ».


Le maloya

Le Maloya est à la fois une forme de musique, un chant et une danse propres à l’île de La Réunion. Métissé dès l’origine, le Maloya a été créé par les esclaves d’origine malgache et africaine dans les plantations sucrières, avant de s’étendre à toute la population de l’île. Jadis dialogue entre un soliste et un chœur accompagné de percussions, le maloya prend aujourd’hui des formes de plus en plus variées, au niveau des textes comme des instruments (introduction de djembés, synthétiseurs, batterie…). Chanté et dansé sur scène par des artistes professionnels ou semi-professionnels, il se métisse avec le rock, le reggae ou le jazz, et inspire la poésie et le slam. Autrefois dédié au culte des ancêtres dans un cadre rituel, le maloya est devenu peu à peu un chant de complaintes et de revendications pour les esclaves et, depuis une trentaine d’années, une musique représentative de l’identité réunionnaise. Toutes les manifestations culturelles, politiques et sociales sur l’île sont accompagnées par le maloya, transformé de ce fait en vecteur de revendications politiques. Aujourd’hui, il doit sa vitalité à quelque 300 groupes recensés dont certains artistes mondialement connus, et à un enseignement musical spécialisé au Conservatoire de La Réunion. Facteur d’identité nationale, illustration des processus de métissages culturels, porteur de valeurs et modèle d’intégration, le maloya est fragilisé par les mutations sociologiques ainsi que par la disparition de ses grandes figures et du culte aux ancêtres.

Le maloya a été classé au patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’Unesco le 1er octobre 2009.


LES INSTRUMENTS HARMONIQUES ACOUSTIQUES

Guitare Banjo Mandoline Violon Contrebasse


DEUX PARTITIONS


Viens Voir La Réunion (paroles) Les Jokarys Paroles et musique Henri Maingard. Premier couplet

Quand moin l’arriv’ Marseille Moin l’a tomb sur un band’ zoreil Zot tout’ la demand à moin Si moin tait y sorte loin Moin l’à répond zot tout’ Bateau l’a marche un bon bout’ Parce qu’avant d’arrive Marseille Moin l’était da’ pays merveilles

Refrain (bis)

L’île de La Réunion Mi dis à ou çà l’est mignon Paysage l’est merveilleux Et le ciel l’est tout le temps bleu Tout le monde y danse Séga Zoreil aussi dans le tas C’est ça qu’zot y aime surtout Tel’ment qu’ça l’est calou

Deuxième couplet

La Réunion ça l’est pas grand Mais là-bas nous l’est bien content Le soir Barachois ni ça va promener Le dimanche l’Hermitage ni ça va baigner L’été Cilaos c’est le coin rêvé L’hiver Saint-Gilles l’est plus fréquenté La-bas chez Loulou, tout le monde y danse Et partout n’a l’ambiance


PISTES PÉDAGOGIQUES…


Voici 5 pistes pédagogiques exploitables pour des niveaux Cycles II ou III:

1. Le séga, patrimoine culturel chanté et dansé de La Réunion (page 19).

2. Biographie du groupe Pat’jaune (pages 11 à 13) ainsi que les instruments joués (page 22).

3. Chants à étudier et à faire apprendre, à piocher dans le cd de Pat’jaune.

2 partitions en annexe : Viens voir la Réunion (pages 23 et 24) Pécheur quat’ sous (page 25)

4. Danses à étudier : Le séga, qui tire ses origines de danses de salon Européennes :

Quadrille Scottish Mazurka Polka

5. Ouverture vers d’autres horizons : Autre entité à étudier : Le Maloya, classé au Patrimoine culturel immatériel de l'humanité de l'UNESCO depuis le 1er octobre 2009 (page 21).

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