diario sanfic10 - 24 de octubre de 2014

VIERNES 24 DE OCTUBRE 2014

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ORGANIZA

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DIARIO SANFIC VIERNES 24 DE OCTUBRE

HUMOR Y SOCIEDAD

PELÍCULAS CHILENAS “DESASTRES NATURALES”,

“LOS JETAS: LA REVOLUCIÓN ES INTERIOR” Y “CIRQO”


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04 RECUERDOS DE SANFIC

contenidos / 24 OCTUBRE

07 HUMOR Y SOCIEDAD EN TRES PELÍCULAS CHILENAS

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ENTREVISTAS

SOCIALES

2007, la tercera edición

Desastres naturales, Cirqo y Los jetas

Directores Competencia Talento Nacional

SANFIC Industria - SANFIC Familias

Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh

Directora Ejecutiva SANFIC Jacqueline Plass W.

Fundadores SANFIC Carlos NúñezGabriela Sandoval

Co-Fundadores SANFIC Jorge TaclaFundación CorpArtes

Director Artístico Carlos Núñez

Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval

08 ENTREVISTASDirectores de competencia de largometrajes

Directora deProducción Ejecutiva Viviana Bendeck

Productor de Contenidos y editor diario digital Joel Poblete

Diseño y diagramaciónSofía Benavides

Periodistas y redactoresArturo BaezaJoel Poblete Sebastián Vivero

FotografíasArchivo SANFIC

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RECUERDOS DE SANFIC La tercera ediciónEl lema “Un nuevo actor del cine mundial” y una campaña publicitaria con fotografías de Gabriel Schkolnick que capturó a actores locales en posters y personajes de famosas producciones internacionales, fueron el punto de partida para la tercera edición del festival, que se desarrolló entre el 14 y 20 de agosto de 2007. El jurado convocó a importantes nombres alemanes como el cineasta Wolfgang Becker -quien además presentó al público su elogiada Good Bye Lenin! y La vida en obras- y el productor Christoph Friedel, además del chileno Alvaro Covacevich y la realizadora Marion Hänsel, de quien también se ofreció una retrospectiva en la que presentó a los espectadores del festival cinco de sus largometrajes. También, con el gran impulso de nuestro director artístico adjunto, Jorge Tacla, por primera vez tuvimos la sección Shoot the Shooter, dedicada a mostrar los lazos entre el cine y el video arte, la que en esta ocasión estuvo centrada en el destacado artista chileno Juan Downey, de quien se mostraron algunos de sus trabajos.

Con el gran apoyo de uno de los más fieles y entusiastas colaboradores de SANFIC a lo largo de los años, el Goethe Institut -siempre bajo el invaluable impulso de Isabel Mardones-, contamos con una muestra del World Cinema Fund que incluyó un interesante encuentro en la Cineteca Nacional que contó con dos representantes germanos, y además 6 largometrajes que han sido apoyados por ellos, como El otro, Hamaca paraguaya y Las vidas posibles. En Talento Nacional la selección de cortometrajes volvió a mostrar los primeros trabajos de realizadores que en la última década han destacado internacionalmente con sus largometrajes, incluyendo nuevamente a Alejandro Fernández Almendras, pero también a Dominga Sotomayor y Maite Alberdi.

Algunas de las premiadas tanto en la Competencia Internacional como la Competencia Latinoamericana incluyeron los primeros largometrajes de cineastas que posteriormente han dado mucho que hablar como sus carreras, como Red Road, ópera prima de Andrea Arnold, y La vida me mata, debut del chileno Sebastián Silva, además de títulos como El telón de azúcar, de Camila Guzmán, y Familia tortuga, de Rubén Imaz, y la participación en la competencia de Drama/Mex, del hoy muy cotizado realizador mexicano Gerardo Naranjo. Nuestro país estuvo representado por diversos trabajos en el Foro Cine Chileno, incluyendo las elogiadas El pejesapo de José Luis Sepúlveda y Rabia de Óscar Cárdenas, el conmovedor y premiado documental de Sebastián Moreno La ciudad de los fotógrafos, El tiempo que se queda de José

Luis Torres Leiva y el debut de Cristóbal Valderrama Malta con huevo, entre otras, además de los estrenos en Chile de la nueva película de la realizadora Carmen Castillo, Calle Santa Fe, y de la co-producción con Uruguay Matar a todos, de Esteban Schroeder.

La selección de películas volvió a ser muy contundente y variada, incluyendo desde joyas asiáticas como I don’t want to sleep alone de Tsai Ming-Liang y Syndromes and a Century de Apichatpong Weerasethakul a aplaudidos trabajos europeos como Bucarest 12:08 de Corneliu Porumboiu, Honor de cavalleria de Albert Serra, Yella de Christian Petzold, Flandres de Bruno Dumont This is England de Shane Meadows y Lady Chatterley de Pascale Ferran, pasando por un nuevo trabajo de Denis Côté (Nos vies privées) y filmes latinoamericanos como ¿Dónde están sus historias? de Nicolás Pereda, Nacido y criado de Pablo Trapero, Santiago de Joao Moreira Salles y Una novia errante de Ana Katz.


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Alberto Fuguet, Nicolás López y Jorge Olguín.

En la inauguración, Carlos Núñez junto a los jurados de SANFIC 3: Wolfgang Becker, Alvaro Covacevich, Christoph Friedel, Leonor Varela, Carlos Gutiérrez y Marion Hänsel.

Felices con su premio de Cinecolor Chile, el director Cristóbal Valderrama, el actor Nicolás Saavedra y el productor Sebastián Varela, junto a Gabriela Sandoval.

Sebastián Silva y Amparo Noguera, su actriz principal en su ópera prima, “La vida me mata”, premio del público y mención especial del jurado en la Competencia Latinoamericana.

Dos simpáticas visitas asiáticas en la tercera edición, el productor Edmund Yeo y el cineasta chino Hu Shu.

Todos los premiados al final de la ceremonia de clausura, en Centro Arte Alameda.


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HUMOR Y SOCIEDADA partir del humor, la sátira o el contraste entre la alegría circense y un contexto político adverso, los largometrajes chilenos Desastres naturales, Los jetas: la revolución es interior y Cirqo nos aportan una mirada diferente a la realidad chilena.

No pasa con tanta frecuencia como quizás debería ocurrir, pero el cine chileno también ha demostrado que puede usar el humor o las risas para reflexionar sobre nuestra sociedad y la realidad que nos rodea. De una manera u otra, tres títulos locales que hemos incluido en nuestra programación ofrecen nuevos ángulos de esta variable.

El segundo largometraje del director Bernardo Quesney -quien se diera a conocer con sus videoclips para Gepe, Javiera Mena y Dënver, entre otros artistas-, Desastres naturales, ofrece a la destacada actriz Anita Reeves su primer rol protagónico en cine; encabezando un atractivo elenco que también incluye a Catalina Saavedra, Paola Lattus, Amparo Noguera y Sebastián Ayala, entre otros, encarna acá a Raquel, una profesora que no puede aceptar que ha jubilado y vuelve a su colegio a hacer clases, lo que termina revolucionando el establecimiento, con las ineludibles alegorías al estado actual de la educación en Chile y a la juventud actual.

Y en su nuevo largometraje más de una década después de ganar la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por Taxi para tres, Orlando Lübbert nos presenta Cirqo, protagonizada por Roberto Farías e Iván Álvarez de Araya, como dos prisioneros que escapan de un fusilamiento en plena dictadura, siendo perseguidos por un agente de Pinochet; la única solución será esconderse en un circo, donde se convertirán en exitosos payasos, ofreciendo el contraste entre las risas y la alegría del espectáculo, con la difícil y compleja realidad de la época. Por su parte, en Los jetas: la revolución es interior, de Emilio Romero, Tommy y Manu, los protagonistas de la exitosa webserie, vuelven con una película basada en su segunda temporada, de 2012. La sátira del ambiente de apariencias y doble estándar en que se desenvuelven muchos chilenos encuentra en estos dos farsantes, ahora en un viaje al norte chileno, a dos personajes a los que más de alguien reconocerá en la pantalla grande.

“Desastres Naturales” dirigida por Bernardo Quesney

“Los jetas: la revolución es interior” dirigida por Emilio Romero

“Cirqo” dirigida por Orlando Lübbert

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ENTREVISTA Juan Francisco Olea, director de “El cordero”

-¿De dónde surgió la idea de realizar esta película, y hace cuánto tiempo que han estado desarrollando el proyecto? Es tu primer largometraje, y en él abordas temas complejos relacionados con la religión y la culpa, ¿te interesaba una reflexión moral además de desarrollar la historia del protagonista?“La idea de esta película surgió porque, junto al guionista Nicolas Wellmann y al productor Cristóbal Zapata, queríamos hacer una crítica a la sociedad conservadora de Chile, un país donde aún existe una fuerte influencia política desde la Iglesia católica. Quisimos realizar un cuestionamiento moral, gatillado por las mismas reglas impuestas por la iglesia desde el punto de vista de una sociedad organizada en base a estas ideas. En resumen, cómo puede alguien confesar algún pecado si no es capaz de sentir culpa, o dicho de otro modo, qué pasa cuando la mecánica del pecado-perdón choca con la naturaleza humana. Creamos a un personaje que cumpliera con esta premisa. Un hombre en búsqueda de la culpa a través del crimen. Es un personaje al que logramos comprender y empatizar, aunque al mismo tiempo realiza actos de los que el espectador aborrece. Buscamos que el espectador se transforme en un cómplice de nuestro personaje”.

-Sin duda uno de los elementos que más pueden llamar la atención de tu película es el estar protagonizada por Daniel Muñoz. ¿Pensaste desde un principio el personaje para ser

interpretado por él, fuiste desarrollándolo durante el rodaje en conjunto con él, o estuviste muy apegado al guión?“Desde el inicio de este proyecto, en 2008, intentamos darle un rostro y una personalidad a nuestro personaje, algo que nos ayudaría a pensar en puesta en escena y al mismo tiempo definirlo físicamente. Nos inspiramos en Daniel por su gran calidad actoral y su capacidad para la comedia. Ideamos el personaje y Nicolás escribió pensando en él. Daniel nunca se enteró hasta el momento que leyó el guión, por el que se sintió atraído desde la primera lectura. Luego fuimos trabajando juntos el personaje durante la etapa de pre producción y rodaje, fue una especie de trabajo de taller en conjunto donde fuimos haciendo visible el perfil psicológico del personaje, cuestionando las ideas predefinidas y encontrando nuevos caminos. Daniel tomó las situaciones de comedia negra y las reforzó con su gran carisma. Esto sirvió para contrapesar la densidad de la temática de esta película”.

-¿Hay alguna película o realizador que te sirvieran de referente o inspiración para lo que querías mostrar y contar en “El cordero”?“El referente que teníamos en nuestra cabeza cuando estábamos dando cuerpo a El cordero fue Fargo, de los hermanos Coen, y los comienzos de la serie Breaking Bad, por su gran capacidad para crear personajes complejos, con los cuales el público logra empatizar aunque está completamente en contra de lo que creemos saber sobre el bien y el mal”.


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ENTREVISTA M. Cardone, director de “Palabras cruzadas: los amigos de Matta-Clark”

-¿Cómo llegaste a Gordon Matta-Clark y qué fue lo que gatilló que empezaras este trabajo documental? “En un viaje a Nueva York el 2000, en el museo PS1, conocí las películas que realizó Gordon en los años 70. Me parecieron interesantes, distintas y ahí partió el interés en estudiar a este artista. Mirando libros y películas en el MoMA , me encontré con que no había un documental donde se contara la vida de Gordon, su relación con su padre y su gemelo Batan. Al entrevistar a Ramutcho Matta, comenzó el contacto de otros entrevistados como Les Levine, Caroline Goodden, Richard Nonas, su viuda Jane Crawford, en general sus amigos cercanos, y comenzó la producción del film”.

-¿Qué aspectos de la vida del artista fueron los que más llamaron tu atención y que podremos ver en tu película? “La película recorre desde su nacimiento, la relación con su padre Roberto Matta, sus viajes a París, sus inicios donde estudia arquitectura en Cornell, sus primeros cortes de casas y edificios, su viaje por Latinoamérica junto a Jeffrey Lew recorriendo desde Ecuador, Perú y llega a Chile en pleno 1973, durante el gobierno de Allende, y realizan intervenciones en el MNBA. Es muy interesante su postura política y anarquista, su visión del arte y de “vandalismo”, de apropiarse de lugares para desarrollar proyectos de arte. También me interesó el desarrollo de su obra, su visión de hacer arte para la sociedad, buscando el bien común y

aportar a la comunidad, antes de lo personal, por ejemplo, cuando crea junto a Caroline Goodden el restaurant Food en pleno barrio Soho. También la relación con su hermano Batan (Sebastián Matta) y su forma de ver la vida en círculos, las energías, las vueltas de la vida”.

-De una manera u otra has estado ligado a nuestro festival desde los inicios, e incluso te hemos tenido anteriormente en esta misma competencia, ¿alguna reflexión sobre tu relación con SANFIC a lo largo de esta década? “SANFIC es un festival que tiene una curatoría de películas que me atrae desde sus comienzos. Me gusta de las corrientes que viene, como Rotterdam, Berlin, Cannes, etc., con un cine que tiene un fin artístico, de experimentación , de autor. Exhiben una diversidad de películas que no llegarían a la cartelera chilena, que tienen una demanda en un segmento de la sociedad que necesita este cine y se agradece. Me gusta la combinación de sus eventos, películas, invitados internacionales y SANFIC Net que están desarrollando, por ahí hay un camino que explotar y lograr que Chile pueda exportar más su cine y consiga distribución y ventas internacionales”.

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ENTREVISTA Bruno Salas, director de “Escapes de gas”

-¿Qué te motivó a dirigir y producir este primer largometraje?“Desde que estudiaba Artes Visuales el proceso de construcción del Edificio UNCTAD III me llamó mucho la atención, ya que se trata de un caso excepcional de arte incorporado a la arquitectura. Allí participaron 34 artistas, que realizaron obras de arte concebidas para ese espacio, entre ellas la chimenea del escultor Félix Maruenda, que servía para liberar los gases del comedor popular del edificio. Me pareció muy dramático que la mayoría de estas obras ya no existieran, porque habían sido destruidas o robadas por los militares que, tras el Golpe de Estado, ocuparon el edificio re bautizándolo como Diego Portales. Me pregunté cómo podría contribuir a rescatar estas obras, para que fueran conocidas por otras personas. Fue entonces cuando comencé a investigar sobre la existencia de material de archivo fotográfico, de prensa y fílmico, y acudí a los protagonistas del edificio; arquitectos, obreros y artistas, para recabar sus testimonios. Se podría decir que la investigación devino en una obra cinematográfica”. -¿Cuándo y cómo te enteraste de Maruenda y su chimenea?“La chimenea de Félix Maruenda está registrada en mi memoria desde niño. Cada vez que pasaba frente al Edificio Diego Portales, como lo conocí, me detenía a observar este extraño objeto minimalista color verde. Fue algo revelador enterarme de que esta extraña forma había servido para liberar los gases del edificio desde el año 1972. Pero en

el verano del año 2006 ocurrió el incendio del edificio Diego Portales, que destruyó una parte considerable de su estructura. Tras un mediático debate sobre el destino del edificio, se anunció un concurso público para remodelar el edificio con su finalidad original. Ya se había anunciado hasta su nombre, GAM, cuando me encuentro un día con la chimenea cortada en cuatro partes y tirada entre los escombros de la demolición. Qué extraña paradoja, ni siquiera los militares la habían destruido”. -¿Crees que este documental puede ayudar a dar a conocer mayormente a un artista y su obra, y que esto pudiera ayudar a recuperar la chimenea?“Claro que si. Apenas me encontré con la chimenea destruida me contacté con la familia del escultor Félix Maruenda. Ellos se motivaron de inmediato por recuperar la obra. En ese proceso estuvimos acompañando al hijo de Félix Maruenda, Joaquín, a ver la chimenea, que fue guardada en una bodega junto al Ministerio de Defensa. Hoy se ve más cercana la posibilidad de que sea reinstalada para liberar los gases del restaurante del GAM. No ha sido fácil, porque hay un criterio artístico muy complejo: si la chimenea no libera gases entonces ya no tiene razón para existir”. -¿Te interesa y atrae particularmente el rescate de la memoria histórica y cultural?“Creo que los artistas están excluidos de la lógica en la


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que funciona este país, por eso no hay memoria. ¿Como nos explicamos que la mayor afrenta al arte chileno que es la destrucción de las obras del edificio UNCTAD III, no ha sido esclarecida ni juzgada? Pero rescatar la memoria no significa sólo entregar información, sino también generar las condiciones para que la reflexión sobre la historia sea parte de nuestro presente. Mi mayor motivación fue lograr, o al menos eso espero, que el espíritu de otra época emergiera en la película, ya que se trató de un sueño colectivo. Por eso en Escapes de gas el único protagonista es el Edificio UNCTAD III. Cada persona entrevistada aportó con su testimonio para sumergirnos en este sueño colectivo. Quiero destacar el trabajo que realizó el músico electroacústico Marcelo Espíndola, quien literalmente “construyó”, con sonidos de metales, piezas musicales que son una especie de homenaje a los obreros que aportaron con su esfuerzo para construir el edificio en el tiempo récord de 275 días”.

Bruno SalasDirector “Escapes de gas”

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ENTREVISTA Bárbara Pestan, directora de “Joselito”

-¿Por qué decidiste ambientar tu película en donde la filmaste? ¿Fue muy difícil el proceso de encontrar las locaciones precisas, o hubo una investigación previa y desarrollaste el guión conociendo los lugares donde pensabas filmarla?“Para mí Chiloé es uno de los lugares más interesantes de Chile, llegué allí pensando en esta película, por un lado me interesaba el hecho de que fuera una isla, me parece que siempre hay algo interesante y distinto culturalmente que se da en estos espacios, por el hecho del aislamiento geográfico, y en especial en Chiloé por la fuerte presencia de identidad cultural que tienen, ya sea desde lo mitológico hasta lo religioso. En las islas aledañas a Chiloé y en los sectores más rurales aún se mantienen muy apegados a estas costumbres, y eso es lo que me interesaba mostrar de la isla, desde un punto de vista muy realista. El proceso de las locaciones fue largo, la primera vez que fui a Chiloé fue el 2007 y desde ahí en adelante con Javiera (con quien escribí el guión y desarrollamos la película juntas) fuimos todos los años, a conocer distintos espacios de la isla, hasta que en 2011 estuvimos viviendo en la comuna de Queilen, realizando documentales para un canal de televisión que allí existe, eso fue clave para el desarrollo del guión e investigación de la película ya que con esos lugares y personas en mente fue que pudimos escribirla. De hecho muchas cosas del guión las fuimos modificando y escribiendo en función de las personas y lugares que conocíamos”.

-José Soza es considerado uno de los mejores actores chilenos, pero sus apariciones en cine son esporádicas. ¿Cómo lograste convencerlo de que participara en tu película? ¿Te apegaste mucho al guión o fuiste desarrollando su personaje en conjunto con él durante el rodaje?“Para mí José es el mejor actor chileno, respeto y admiro mucho su trabajo como actor en teatro, que es dónde lo he visto siempre actuar. Afortunadamente no hubo mucha dificultad en el proceso de convencimiento, a él le interesó mucho el proyecto, le mandé un dossier, luego nos juntamos, leímos el guión, y de inmediato se interesó. José es un actor muy estudioso, muy metódico, nos juntamos muchas veces a leer el guión y a desarrollar su personaje mientras lo escribíamos, él nos daba su punto de vista al respecto del personaje, etc. Por lo que ya llegamos al rodaje con un trabajo del personaje en conjunto. Luego en el rodaje fuimos probando, siempre mantuvimos la estructura clave de las escenas, pero probando distintos modos de llevarla a cabo”.

-¿Fue muy importante además el trabajo en conjunto entre José Soza y Cristian Flores, para que su relación en pantalla fuera más creíble?“Sí, una de las cosas que más me importaba con la película era quitar todo lo dramático que podría tener la historia, hacerla lo más natural y creíble posible, en el fondo intenté trabajar siempre desde lo cotidiano y la simplicidad de las acciones, en esa dirección trabajamos siempre, estuvimos


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una semana antes del rodaje ensayando al interior de la casa, no tanto las escenas, sino que estuvimos tratando de alguna forma habitar el espacio, hacíamos ejercicios tan simples como preparar la comida, picar leña, u otros ejercicios rutinarios que ayudaran a generar un verdadero lazo familiar entre ellos, donde lo que más me importaba era que la mirada y el silencio fueran lo esencial para mostrar esta relación. En el fondo uno de mis mayores desafíos en términos de la actuación era tratar de lograr que ambos actores se sintieran cómodos en ese silencio para poder expresar la incomodidad de la incomunicación. Fue un trabajo bien grande, con el que quedamos tanto los actores como yo, bien conformes, con el nivel de honestidad que se logra proyectar en la actuación. También ayudó mucho que Cristián y José además de ser muy buenos actores, en el rodaje generaron un vínculo muy estrecho, lo que facilitó mucho el trabajo”.

-¿De dónde tuviste la inspiración para mostrar en esta historia el proceso de pérdida y la incapacidad de comunicarse de los personajes?“De las mismas historias que fui encontrando cuando viví en Chiloé, y de las personas que he conocido a lo largo de mi vida. Ésta es una historia dónde los vínculos afectivos son lo esencial, y me parece que reflejan bastante la realidad chilena y la que se vive en Chiloé, por un lado el proceso de la pérdida de un ser querido, sea cual sea la relación (madre, padre, hijo, amigo, etc) siempre genera un cambio en la vida de las personas, nos cuestionamos otras cosas, hay un proceso de duelo, sobre todo cuando son muertes prematuras o abruptas, y eso es una de las cosas que me interesaba mostrar en la película, ese proceso de duelo, los vínculos afectivos que cambian, el desgaste humano que se provoca, la incapacidad que a veces las personas tenemos para aceptar estos procesos que después de todo son parte de la vida. En el caso particular de Joselito, el hecho de que sea la pérdida de una madre creo que es importante en la historia. La madre tiene un rol fundamental en las familias chilotas, porque son las mujeres quienes en todos los sentidos llevan el hogar, su rol familiar y socialmente es muy importante, siempre que uno entra a una casa esta ahí la madre preocupada de todo, y los hijos son muy apegados a eso, sobre todo en los sectores rurales, donde la misma lluvia hace que pasen la mayor parte de su tiempo en el interior de la casa y se genere un vínculo muy fuerte entre ellos. Me pareció importante tomar eso como referencia a la hora de crear la película, en el fondo tomar la ausencia de todo eso. En cuanto a la incapacidad de comunicarse creo que es algo bastante común y chileno, es parte de nuestra

forma de ser en general, el no enfrentar ni decir las cosas, sino guardarlas, la sumisión de los hijos para con los padres, en especial en sectores más rurales, creo que es un problema transversal en nuestra sociedad”.

-Ya estuviste en SANFIC con un cortometraje en la Competencia Talento Nacional, ¿es significativo regresar ahora con tu ópera prima?“Sí, mucho, luego de que Al otro lado del río tuviera su estreno en SANFIC se nos abrieron muchas puertas en términos de distribución, creo que esta nueva oportunidad que ustedes nos dan es una excelente ventana para mostrar la película, que comience a ser conocida y difundirse nuestro trabajo”.

Bárbara PestanDirectora “Joselito”

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ENTREVISTA Chamila Rodríguez, co-directora de “La invención de la patria”

-¿Cómo fue la experiencia de filmar a alguien tan cercano como don Luis, y a la vez trabajar juntos como directores teniendo una relación tan directa como la que tienen ustedes dos en lo personal?“Lucho es un ser humano hermoso, ¡auténtico, generoso y un gran artista! Siempre lo admiré como colega; tuvimos los dos, él y yo, el gran placer y privilegio como actores, de acompañar a Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento en varios de sus vuelos creativos, bellas e importantes películas ¡y ésta, nuestra relación y unión, es mágica! También además de ser colegas, somos familia, Lucho es el abuelo de mi hijo Aimar, que cumplirá pronto tres añitos y bueno… ¡como suegro, la mejor experiencia! Estos dos vínculos de la vida nos han dado una complicidad y confianza que ayudó muchísimo para la filmación y creación de nuestra película. Galut es mi compañero de vida y padre de mi hijo. Nos conocimos creando, y trabajamos juntos en mi cortometraje Mudo corazón, que estrenamos también en SANFIC5, hicimos dos cortometrajes más y estuvimos dirigiendo la última Muestra de Cine Binacional en la Patagonia; entonces nuestro diálogo siempre es interesante y se complementa. Confiamos mucho el uno en el otro, casi todas las decisiones las tomamos juntos. Conversamos mucho ¡y el humor infaltable siempre es muy requete bueno!-¿A qué se debe el título del documental?“Es interesante la relación padre/patria que construimos.Todo documental es un viaje en el que se conoce el punto de partida, pero no el de llegada. Es el caso de nuestra

película La invención de la patria, originalmente lo llamamos En beneficio propio y partimos como un hom enaje a Luis, que progresivamente fue adquiriendo nuevos matices, hasta transformarse en una honesta reflexión sobre figuras protectoras (padre y patria tienen el mismo origen etimológico), orígenes y heridas por sanar. Tenemos un círculo íntimo que se cierra pero desde el que surgen inquietudes bastante universales. Una película es como un hijo, a pesar que la conoces, tiene un comportamiento impredecible. Pero creemos que la palabra patria hay que sacarla de la boca de las armas, los milicos, la sangre y la guerra. Exorcizarla. Conversar con el padre es la patria, hacer un huevo revuelto, mirar las nubes, subirse a un árbol, cazar un pajarito con la mano, tocar la campana. Es la patria con “p” minúscula, aunque suene a lugar común”.

-Chamila ya había dirigido, con su cortometraje que participó en SANFIC, y Galut tiene una amplia trayectoria como montajista, este es el primer largometraje de ambos como directores, ¿fue una experiencia muy difícil y exigente?“La verdad ha sido difícil y fascinante a la vez. Es compleja la relación de un padre y un hijo, y entrar en esta relación, más difícil aún, sin embargo ayudó muchísimo mi rol como co-directora, porque ahí aparece una distancia necesaria entre tanta intimidad. Es una mirada femenina que le da otros matices a la obra artística. En esta película, además de haberla realizado con mucho amor, también existen grandes contradicciones muy propias de las relaciones humanas”.


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ENTREVISTA Maite Alberdi, directora de “La once”

-¿Qué te motivó a retratar durante estos años las reuniones de un grupo de la tercera edad?“Me motivó el hecho de la consistencia de ese rito, de que pasaran los años, y que pese a las diferencias en el grupo siguieran juntándose, me parece una gran declaración de amistad. Los amigos no son necesariamente los que se parecen más a uno, pero sí los que comparten experiencias, y esto se ve en ellas. Mujeres que han pasado la vida en torno a un grupo y que viven una nueva vejez, que se ven perfectamente bien, pero también están viviendo sus últimos días juntas”.

-Por supuesto que hay muchas diferencias generacionales, pero ¿qué contraste es el que más destaca de la generación de las protagonistas con la tuya, por ejemplo?“Las diferencias son enormes, en este grupo, yo puedo ver a mujeres que les tocó vivir un período de cambios históricos radicales. Cuando salieron del colegio no tenían derecho a voto y les ha tocado adaptarse constantemente a cambios sociales grandes y tuvieron una formación religiosa conservadora, que las lleva a chocar con las aperturas del último siglo. En relación a mi generación yo creo que los cambios tecnológicos son los que mueven las relaciones humanas, pero no es un cambio del rol de la mujer como les tocó a ellas, que sólo veían como opción ser dueñas de casa”.

-Tus proyectos documentales siempre se entrecruzan con la

realidad, ¿en esta ocasión sigues con esa propuesta o es diferente a tus trabajos anteriores?“Todos los proyectos son completamente distintos. En este caso hay una libertad total en el montaje, y la puesta en escena está ahí. En el montaje se cruzan en cada escena materiales de distintos tiempos, las escenas se arman temáticamente, pero pese a que el público no lo note hay muchos años en una escena que parece tener unidad espacial y temporal. Una mujer dice algo, y la otra responde años después, lo maravilloso es que no se nota y parece ser parte del mismo momento. Ahí está mi desafío artístico en esta película”.

Maite AlberdiDirectora “La once”

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Carlos Leiva, director de “Hambre” (co-dirigido junto a Carlo Sánchez)

ENTREVISTA Directores de Competencia Talento Nacional

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “La idea de filmar este cortometraje nace en primera instancia de la amistad que hice con Carlo y el director de foto del corto, en un rodaje X. Yo les comenté que tenía una idea de corto dando vueltas y que probáramos suerte postulando al Fondo Audiovisual. También está el hecho de que a todos nos une una gran pasión por el fútbol y todo lo que rodea a esta actividad. Yo como guionista, siempre he creído que el fútbol es una gran metáfora de la vida (por algo siempre hay mucho fútbol en todas las cosas que hago). Por otro lado con Carlo nos pareció interesante el hecho de co-dirigir. Para mí Hambre es el último corto que hice (de 5) y para Carlo era el primero en ficción. Entonces ese juego suponía un bonito desafío”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Hambre intenta reflejar un poco del hombre contemporáneo, derrotado por la vida, con pocazas oportunidades, y esas ganas genuinas de por fin alguna vez hacer algo bueno y sentirse alguien importante. El fútbol es pasión sin límites y en esas ganas de ser alguien y lograr ganar algo, la pasión se transforma en obsesión e irremediablemente crea consecuencias. Por último, diría que el corto intenta mostrar un personaje ambiguo, querible y odiable, pero que no es juzgado a partir de la misma película”.

-Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época“Responderé combinadas ambas preguntas. Mis cineastas favoritos son los hermanos Dardenne, en particular su película Rosetta, que creo que marca un antes y un después en la historia del cine. Me gusta mucho John Cassavetes y su estilo de dirección, te podría nombrar Opening Night y Una mujer bajo la influencia como obras maestras. Me gusta mucho el joven Lars Von Trier, el del Dogma. Bailarina en la oscuridad es una película demasiado grande. Soy también fanático de Pasolini (Teorema, Saló). Kubrick, un maestro, La naranja mecánica es una de las películas más trascendentales de la historia del cine. Me gusta Haneke mucho también, sobre todo La profesora de piano”.

Carlos LeivaDirector “Hambre”

Carlo SánchezDirector “Hambre”


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Carlos MorelliDirector “Dile que quiero verlo”


Carlos Morelli, director de “Dile que quiero verlo”

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “Soy docente del master en guión de la Facultad de Comunicación de la Universidad de los Andes (MGDA), dirigido por Vincenzo Gratteri (a la postre productor de Dile que quiero verlo). Allí imparto la materia “guión de cortometraje”. Al finalizar mis clases los alumnos tienen un guión de cortometraje completo. Poco tiempo después los otros maestros del master eligen uno de los guiones para los cuales la Universidad aporta ciertos recursos y apoyo logístico para producirlo. Allí fue cuando Vincenzo me propuso tomar el guión ganador del último año y reescribirlo para ajustarlo a mis necesidades narrativas y sus posibilidades de producción, y dirigirlo”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Una historia que se desarrolla en una sola locación, pero cuyo potencial dramático trasciende por lejos las fronteras físicas de la panadería (hacer de la carencia una virtud narrativa). Un pequeño relato que hable sobre las posibilidades infinitas del arrepentimiento, el perdón y el amor filial. Una historia sobre la violencia en la que vivimos en Sudamérica, en dónde las posibilidades de control por parte de la autoridad y la justicia van perdiendo validez: el personaje es asaltado y ante la falta de confianza en la autoridad, en vez de llamar a los carabineros llama sus vecinos. Claramente una regresión a los orígenes de la justicia por mano propia, que parece inaceptable pero por momentos inevitable”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:Los 400 golpes (Francois Truffaut)Testigo en peligro (Peter Weir)El Padrino (Francis Ford Coppola)Atrapado sin salida (Milos Forman)Rashomon (Akira Kurosawa)

-Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y épocaBilly Wilder, Frank Capra, Martin Scorsese, Woody Allen, Alfred Hitchcock.

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Gabriel Osorio, director de “Historia de un oso”


-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Nace de la necesidad de contar una historia que refleje las consecuencias en una persona tras el exilio. En este sentido es una historia importante para mí como realizador, ya que en cierto modo es parte de la historia de mi familia, pero obviamente no de una manera literal. También surge a partir del interés común que tenemos los integrantes de Punkrobot Animation Studio de crear contenido original y que entregue un mensaje positivo a los espectadores”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Fundamentalmente es un cortometraje que trata de mostrar la idea de desarraigo, lo que pasa internamente con una persona cuando es alejada de su hogar y su familia. En ese sentido lo que trato de mostrar con el cortometraje es justamente eso, la importancia de la familia, lo difícil que es vivir sin ésta. Si bien es una historia triste, tratamos que el núcleo que mueve la narración sea el amor del protagonista por su familia”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: Mad Max (George Miller)Akira (Katsuhiro Otomo)Los increíbles (Brad Bird)Alien (Ridley Scott)Fantastic Mr. Fox (Wes Anderson)Evil Dead (Sam Raimi)Super 8 (J. J. Abrams)Future Boy Conan (en realidad es una miniserie, pero la veo como una película de larga duración)

-Cinco cineastas a los que admires:Edgar Wright, J. J. Abrams, Hayao Miyazaki, Isao Takahata y David Lynch.

Gabriel OsorioDirector “Historia de un oso”


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Georgina PérezDirectora “Levantar”


Georgina Pérez, directora de “Levantar”

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “La estricta reflexión de un proyecto de título y las ganas de hacer algo en mi ciudad, Concepción, fueron un punto de partida. La locación es mi casa y la de mis vecinos, saqueadas luego de quedar inhabitables por el terremoto. La idea surgió observando este espacio abandonado, para luego vincularlo simbólicamente con un personaje estancado y gris, al igual que estas ruinas”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Desde el principio me forcé a contar algún rincón de la realidad del país, armando desde ahí la historia y el estilo visual. El terremoto me afectó directamente, por lo cual quise registrar una pequeña parte de ese contexto de una forma diferente a la mirada voluptuosa y dramática de la televisión, centrándome en los personajes detenidos entre el abandono total y la estabilidad. Los que siempre salen perdiendo, pero que no pierden la esperanza”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:Las alas del deseo (Wim Wenders)Stalker (Andrei Tarkovski)Señales de ruta (Tevo Díaz)Persépolis (Marjane Satrapi)Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán)Wide Awake (Alan Berliner)Mensajes de voz (Fernando Franco)Elephant (Gus Van Sant)Pulp Fiction (Quentin Tarantino)Matar a un hombre (Alejandro Fernández Almendras)

-Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y épocaWim Wenders, Alan Berliner, Andrei Tarkovski, Quentin Tarantino y Fernando Franco.

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Guillermo Söhrens, director de “El desalojo”


-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Surge una semana antes, cuando distintos colegios del país deciden tomarse los establecimientos educacionales que servirían de sede para las votaciones presidenciales. El documental partió como un proyecto que tenía el objetivo de retratar el desalojo de varios colegios a través del ojo de distintos realizadores, sin embargo, por diversos factores dados por el contexto que se vivía, fui el único que logró documentar esto. Escogí el Liceo Manuel de Salas, ya que intuí que en este colegio se viviría una situación completamente distinta a la que buscan retratar los medios tradicionales, quienes exponen el actuar legítimo de los estudiantes por medio de la violencia y el vandalismo, lo cual por lo general está muy alejado de la realidad. El proyecto fue impulsado por la urgencia que tenía la historia por ser contada, ya que se constituye como una postal histórica del paradigma social en el que vivimos actualmente”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Pienso que como comunicadores o artistas no debemos evadir la labor social que tenemos en consecuencia a nuestro poder para contar historias. El desalojo se construyó con el objetivo de ser una herramienta para mostrar una realidad que la unilateralidad de los medios no tiene la intención de mostrar, y que muchas veces, nosotros mismos como artistas tampoco sentimos la obligación de hacerlo. No obstante, el cine sí puede transformarse en un arma de cambio en los paradigmas sociales, y esa es parte del aprendizaje que tuvimos realizando esta película. Nuestro documental no pretende mostrar la realidad absoluta de todas las tomas estudiantiles ni de los desalojos en colegios, pero se constituye como una pieza de un gran puzzle que permanece oculto para los ojos de gran parte de la población. Existen realidades más crudas e injusticias más grandes que las que nosotros mostramos, y es por eso que como cineastas tenemos el deber de hacernos cargo y no sólo levantar la mirada de los espectadores, sino de levantar las miradas de nosotros que apuntan a nuestro ombligo”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:Akira (Katsuhiro Otomo)La batalla de Chile (Patricio Guzmán)Masculin/Feminin (Jean-Luc Godard)Las alas del deseo (Wim Wenders)

Guillermo SöhrensDirector “El desalojo”

Pokemón: La película

-Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época:Satoshi Kon, Werner Herzog, Darren Aronofsky, Uwe Boll y Hayao Miyazaki.


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Macarena Saquel e Ingrid Isensee, directoras de “El puente”


-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Tenemos una gran amistad y sintonía. Hemos desarrollado proyectos teatrales desde hace varios años, y ocurrió que por varias circunstancias que estábamos viviendo recordamos un cuento preferido de Banana Yoshimoto, entonces tuvimos la necesidad de hablar desde ahí y se hizo posible el realizarlo”.

-¿Qué les interesaba contar o mostrar con su corto?“Nos interesaba ese espacio intermedio al que puede llevar un dolor tan grande como es la muerte de un amado, la sensación de estar entre dos mundos y la necesidad de decidirse por uno o por otro para poder vivir o morir plenamente. Quisimos hablar del aceptar y enfrentar el dolor de la pérdida para poder continuar”.

-Películas que les gusten mucho y/o sean sus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:

Ingrid Isensee: Pickpocket (Robert Bresson)El rayo verde y todos los cuentos de RohmerVirgin Stripped by Her Bachelors (Hong Sang Soo)Nubes al atardecer (Aki Kaurismaki)Mogari no Mori (Naomi Kawase)La ciénaga (Lucreci Martel)Praia do Futuro (Karim Aïnouz)Sin aliento, Pierrot le Fou y Alphaville de GodardAnnie Hall y Manhattan de Woody Allen.

Macarena Saquel:De latir mi corazón ha cesado (Jacques Audiard)8 1/2 (Federico Fellini)Hunger (Steve McQueen)Les apprentis (Pierre Salvadori)Fresas salvajes (Ingmar Bergman)Pola X (Léos Carax)Mi noche con Maud (Eric Rohmer)El discreto encanto de la burguesía (Luis Buñuel)El inquilino (Roman Polanski)La danza de los vampiros (Roman Polanski)

-Cinco cineastas a los que admiren, de cualquier nacionalidad y épocaIngrid: Robert Bresson, Eric Rohmer, Hong Sang soo, Aki

Macarena Saquel e Ingrid IsenseeDirectoras “El puente”

Kaurismaki, Naomi Kawase, Lucrecia Martel, Ignacio Agüero, Yasujiro Ozu y Woody Allen.

Macarena: Pierre Salvadori, Luis Buñuel, Pier Paolo Pasolini, Roman Polanski y Naomi Kawase.

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SOCIALES

INAUGURACIÓN Y ACTIVIDADES DE SANFIC INDUSTRIACon gran éxito se ha estado desarrollando SANFIC Industria, el mercado de fomento para la industria de cine y audiovisual chileno. El miércoles en la noche fue la inauguración oficial, en el emblemático Palacio Cousiño, contando con la presencia de cineastas, productores y diversos representantes del audiovisual chileno; en la ocasión Claudia Barattini, Ministra de Cultura, Morgana Rodríguez, Directora de Cultura de la Municipalidad de Santiago, Gabriela Sandoval, Directora de SANFIC Industria y Viviana Bendeck, Directora de Producción Ejecutiva de SANFIC, firmaron una alianza de apoyo que fomenta a la ciudad de Santiago como una locación ideal para el cine y producciones audiovisuales. En el marco de las actividades especiales de SANFIC Industria, se desarrolló la charla “¿Tener pantalla es igual a tener público?”, dictada por el distribuidor argentino Manuel García, donde surgió un interesante debate entre distintos actores de la industria del cine local. También, en alianza con el Tribeca Film Institute, TFI, se realizó un visionado de Los Castores, dirigida por Nicolás Molina y Antonio Luco, cinta ganadora del Festival Internacional de Cine de Valdivia, y una charla dictada por Diego Pino, Coordinador General de ChileDoc.

La ministra de Cultura, Claudia Barattini, y Morgana Rodríguez, directora de Cultura de la Municipalidad de Santiago, junto al actor Héctor Morales.

Jose Rodriguez, del Tribeca Film Institute, y Mario Durrieu

Charla con Diego Pino de ChileDoc.

Manuel García, distribuidor argentino, dictando una charla.


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SANFIC PARA TODA LA FAMILIAUn panorama imperdible para todo espectador, en especial los niños, es la sección SANFIC Familias, una muestra que incluye cortometrajes y largometrajes animados de Alemania, Chile, Francia, México y Perú. En el lanzamiento de esta actividad, el miércoles en la mañana en Cine Hoyts La Reina, estuvieron presentes Raúl Donckaster, alcalde de La Reina, y Viviana Bendeck, Directora de Producción Ejecutiva de SANFIC, y como anfitriones la actriz Alessandra Guerzoni y el actor Diego Ruiz.

El alcalde de La Reina, Raúl Donckaster, dando por iniciado SANFIC Familias. Niños de diversos colegios asistieron a la actividad.

Raúl Donckaster, alcalde de La Reina, en SANFIC Familias.Viviana Bendeck, Directora de Producción Ejecutiva de SANFIC

La actriz Alessandra Guerzoni y el actor Diego Ruiz.


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diario sanfic10 - 24 de octubre de 2014

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