contexto crítico - inicio - ministerio de educación ...€¦ · una primera mirada a los trabajos...
TRANSCRIPT
contexto crítico
fotografía española siglo XXI
Una exposición que explora la obra de veinte autores que han dado lugar a
nuevos planteamientos estéticos que se apuntalan en el conocimiento y en
el respeto de los grandes fotógrafos españoles e internacionales.
En Contexto crítico se presenta un proyecto que no pretende generar una
tesis concreta y única, sino que muestra una pluralidad de formulaciones
dentro del panorama de la fotografía española más actual, a través de la
gran variedad formal de propuestas que lo forman.
Integran la exposición más de 350 fotografías que, sin ocultar su gran
diversidad, responden a un denominador común: la necesidad de explorar de
manera discrepante el contexto económico, social y cultural de nuestra
sociedad y de la propia disciplina fotográfica. Y desde ahí, construir
nuevos horizontes para el propio medio.
Con esta exposición, comisariada por Museology (Rosa Olivares, Carolina
García y Alberto Sánchez Balmisa), se pretende apoyar la dinamización de
la escena del arte emergente y dotar de visibilidad el trabajo que los
fotógrafos más jóvenes vienen realizando en los últimos años.
La muestra ha sido organizada por la Subdirección General de Promoción de
las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, y
permanecerá abierta al público en Tabacalera hasta el 23 de febrero de
2014.
En nuestros días, la fotografía habita el difuso espacio intermedio
situado entre la pintura, una disciplina tradicional de las bellas artes,
y los nuevos lenguajes visuales que basan su avance en los progresos
tecnológicos. En ella conviven las tendencias documentales, la tradición
del retrato, la fotografía escenificada y otras alternativas de
naturaleza más poética y creativa. No obstante, bien sea desde esa
obsesión por la fijación y el testimonio de la realidad, o desde la
creación de un vocabulario subjetivo, la fotografía es un lenguaje del
siglo XXI con la suficiente
identidad como para merecer
un espacio propio,
independiente pero al mismo
tiempo contaminado por otras
disciplinas que la hacen
crecer, desarrollarse, y
adquirir nuevos y más ricos
matices.
La fotografía española en el
siglo XXI va mostrándonos
nuevos mundos cada poco
tiempo, haciendo que los
nombres y las imágenes de
los fotógrafos más jóvenes
vayan ocultando las obras y
las presencias de los que les abrieron paso, no sólo a ellos sino a
muchos otros. Las obras de esta nueva generación de fotógrafos tratan de
dar respuesta al contexto contradictorio y paradójico que la fotografía
artística vive hoy en nuestro país, tras la recuperación de algunos de
los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XX y la indiscutible
adquisición de su estatuto artístico durante las últimas décadas. El
presente nos habla de una disciplina que se preocupa, no ya por
justificarse a sí misma como antaño, sino por investigar sobre su propio
lenguaje sin desatender nunca el marco social y cultural en el que se
inscriben sus trabajos.
La exposición
Contexto Crítico. Fotografía española siglo XXI explora la obra de veinte
autores que han dado lugar a nuevos planteamientos estéticos que se
apuntalan en el conocimiento y en el respeto de los grandes fotógrafos
españoles e internacionales. Su falta de prejuicios, la total ausencia de
complejos localistas, y un deseo de existir como artistas, no sólo como
fotógrafos, definen a este grupo de creadores. Su presencia y trabajo
cotidiano suponen un repunte generacional, pese a que apenas son unos
pocos nombres entresacados de una auténtica pléyade de nuevos valores.
Nombres, hoy todavía desconocidos para muchos pero que, en las próximas
décadas, esperemos, llenarán las galerías y los museos de España y del
resto del mundo.
La selección de obras incluidas en Contexto crítico obedece a un rigor
metodológico que se corresponde con esa urgencia por comunicar, que
demuestran casi todos los trabajos fotográficos aquí mostrados, con
series que deambulan desde la prefiguración del colapso económico de
nuestro país hasta la exploración de memorias particulares y contextos
locales con cierto anhelo de universalidad, pasando por otros trabajos
que reflexionan sobre la propia condición experimental y artesanal del
trabajo fotográfico o la escenificación de nuevos imaginarios y
posibilidades colectivas para el escenario de la crisis. Su enorme
diversidad no oculta, sin embargo, un denominador común subyacente: la
necesidad de explorar de manera discrepante el contexto económico, social
y cultural de nuestra sociedad y de la propia disciplina fotográfica. Y
desde ahí, construir nuevos horizontes para el propio medio.
Los autores
01 Ruben Acosta
02 Paula Anta
03 Juan Baraja
04 Mikel Bastida
05 Ángel De La Rubia
06 Cristina De Middel
07 Jorge Fuembuena
08 Julio Galeote
09 Paula Gortázar
10 José Guerrero
11 Ali Hanoon
12 Anna Huix
13 Jesús Madriñán
14 Juan Carlos Martínez
15 Ignacio Navas
16 Vanessa Pastor
17 Aleix Plademunt
18 Alberto Salván
19 Miguel Ángel Tornero
20 Antonio Xoubanova
01 Rubén Acosta (Arrecife, Lanzarote. 1976)
Licenciado en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de
Madrid, actualmente trabaja como fotógrafo freelance en su ciudad natal.
En 2001 realiza su primera serie, Calma, fotografías en blanco y negro
donde se centra en el concepto de soledad y, en 2002, realiza Exits donde
el paisaje es el protagonista absoluto y donde presta especial atención a
la huella del hombre en la naturaleza. A partir de este momento su
fotografía, organizada casi siempre en series, se centra en la situación
actual de las urbes modernas y en la transformación generada por el ser
humano en el espacio que habitamos. Tanto la serie Desiertos (2004), como
sus series más actuales, Preestructuras (2006), reflexionan sobre la
singularidad de los fragmentos que, en mitad de paisajes inhóspitos,
desvelan el fracaso urbanístico de construcciones que nunca se han
llegado a realizar. Otras series como Polis (2008), una visión de los
cambios acelerados en el paisaje de China, o De-redenring, realizada en
Dubai, reflejan el vertiginoso y masificado crecimiento urbanístico de
muchos lugares del mundo, sin olvidarse de mostrar la dimensión más
humana, oculta tras los gestos de algunos de sus objetos retratados, o de
la elección de los elementos que componen los no-lugares generados por el
hombre. En Fiesta, una serie todavía en desarrollo, Acosta revisita
ciertos espacios de la noche, mediante imágenes llenas de misterio y
cromatismo que evocan, desde la ausencia, a sus efímeros pobladores.
© Rubén Acosta. Serie Fiesta, 2013. Cortesía del artista
02 Paula Anta (Madrid, 1977)
Formada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, en la
actualidad es profesora de la Facultad de Bellas Artes en Cuenca de la
Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM).
La mayor parte de sus fotografías, habitan en el límite que separa el
espacio natural y el espacio racionalizado, una región cada vez más
incierta y sometida continuamente a simulacros, simulaciones y sucedáneos
por parte del hombre. Una de sus primeras series, Journal de Hotel, se
componía de 40 fotografías de otras tantas camas de hoteles de lujo
ocupadas por la artista: espacios aparentemente impersonales que, sin
embargo, contienen detalles destinados a ofrecer cierta intimidad al
visitante, que las hará suyas de forma temporal. Desde aquella serie,
otros trabajos como Paraísos artificiales (sobre los negocios de flores
artificiales en ciudades de Corea del Sur), Borus (que retrata los
espacios interiores de un rascacielos de Frankfurt), Palmhüset (sobre la
tradición escandinava de crear jardines botánicos en el interior de las
residencias burguesas), o la reciente Rutas negras, no hacen sino trazar
una cartografía de determinadas zonas de nadie que caminan paralelas a
nuestra civilización.
© Paula Anta. Busan 03 Serie Paraísos artificiales, 2008. Cortesía de la artista
03 Juan Baraja (Toledo, 1984)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, su trabajo se
ha reconocido y premiado en certámenes como el Brocense o la residencia
Bilboarte 2012 y, una de sus series, A Rapa, se ha materializado en una
edición de libro de artista que consta de veinte ejemplares.
Combina la fotografía comercial de encargo con la realización de series
más personales manteniendo siempre un estilo constante que le lleva a
retratar espacios vacíos, estáticos, casi siempre despojados de
personajes y, en la mayoría, con una importancia notable de la
iluminación y la composición que a menudo es geométrica, abstracta, como
en las series Piscinas climatizadas, Palacio de Deportes o Fuera de
escena, coloristas. Una primera mirada a los trabajos de Baraja devuelve
al espectador una sensación de asepsia y frialdad que en seguida se torna
en misterio y expectación. Estas percepciones se patentizan sobre todo
por su insistencia en retratar arquitecturas o elementos arquitectónicos
ya que, incluso en su serie Catedrales, Baraja nos lleva a las escaleras
y andamiajes que envuelven y transforman a estos edificios históricos en
interminables procesos de rehabilitación y restauración. Cierto gusto por
una estética más decadente, en la que el paso del tiempo se evidencia
mediante el instante detenido, caracteriza a la serie Nº9 5ºDcha: el
retrato nostálgico de un edificio antiguo, vacío y olvidado en el que se
cuelan haces de luz que, por un instante, iluminan y desvelan la belleza
de las molduras y los papeles pintados que antaño le dieron todo su
esplendor y que reviven ahora con la mirada calmada de este fotógrafo.
© Juan Baraja. Serie Nº9 5ºDcha.2011. Cortesía del artista
04 Mikel Bastida (Bilbao, 1982)
Licenciado en Comunicación Audiovisual por la UPV y Máster en Fotografía
“Nueva Realidad, Nuevo Documentalismo” por EFTI, ha recorrido Europa en
los últimos dos años para elaborar su proyecto más ambicioso hasta el
momento, la serie War Theatre. Un trabajo con el que ha reconstruido
batallas y episodios memorables de la Segunda Guerra Mundial, verdaderos
o no, con su cámara. Una reconstrucción y una reinterpretación,
realizadas con atrezzos y actores, que le convierten en un falso
reportero de guerra y en un narrador anacrónico que, a través de su
lente, rerepresenta la historia pasada con el verismo y el detalle que se
asumen como propios del medio: la fotografía de guerra y, con ella, la
documentación de los hechos, de la Historia. Una Historia, con
mayúsculas, que a través de esta serie se evidencia teatralizada y
construida pero que, sin embargo, tiene tanto calado en nuestra cultura y
se presenta tan real como los escenarios de Utah Beach, Paddock Book o
Recogne, con los que Bastida presenta una nueva historia de la cultura
europea y de la fotografía de guerra.
© Mikel Bastida. Levisham (England) German airfield. Serie War Theatre. 2010 -
2011. Cortesía del artista
05 Ángel de la Rubia (Vigo, 1981)
Formado en Fotografía Artística en la Escuela de Artes de Oviedo, fue
becado en 2005 por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León,
MUSAC, para desarrollar su proyecto B/H, centrado en explorar el presente
y la vida de los habitantes de un país con una memoria reciente
dramática, atravesada por la brutalidad del recuerdo de la Guerra de los
Balcanes.
En sus series De la Rubia trabaja como un investigador de campo que se
centra en la reconstrucción real e imaginaria de contextos, para crear
una narración que nos permita aproximarnos a la experiencia cotidiana y a
la de sus protagonistas. De este modo, su serie KS (liminalidad: Kosovo)
estudia los hábitos y las perspectivas de los veinteañeros de este país
balcánico, enfrentado recientemente a un proceso de independencia en la
que esos jóvenes terminarán interpretando un papel protagonista. Su
último proyecto, titulado Mel Valsinats nos presenta el universo
iconográfico de un personaje ficticio mediante dibujos, fotografías y
esculturas que intentan delimitar la tensión que subyace a toda
construcción identitaria. Expuso por primera vez su trabajo de forma
individual en 2008 en el MUSAC, y desde entonces su obra ha sido objeto
de diferentes reconocimientos en galardones como el Certamen de
Fotografía Purificación García, el Certamen de Jóvenes Creadores del
Ayuntamiento de Madrid o el Premio de Arte ABC.
© Ángel de la Rubia. TRANSICION(es). Proyecto Fragmentos autobiograficos de Mel
Valsinats. Cortesía del artista, realizado con la colaboracion de LABoral y FLACC.
06 Cristina De Middel (Alicante,1975)
Estudió Bellas Artes, con especialización en dibujo, en la Universidad
Politécnica de Valencia y después fotografía y fotoperiodismo en la
Universidad de Oklahoma y en la Universitat Autónoma de Barcelona. Ha
trabajado como fotoperiodista para diversas publicaciones, ofreciendo una
visión personal de aquello que le rodea.
De Middel crea un repertorio de relatos visuales que ofrece al espectador
una interpretación subjetiva e irónica de la realidad, que se pregunta
sobre la veracidad de aquello que tenemos delante. Dentro de su trabajo
se incluyen diferentes series como Poly-Spam, Españ, Pop Totem o The
Afronauts, que ya ha recibido varios premios internacionales. Todas ellas
tienen en común la intención de contar una historia inventada y plausible
a través de la puesta en escena de elementos contradictorios que se unen
creando imágenes con un sentido del humor sutil e irónico, combinando la
tradición del documentalismo con una excepcional capacidad de invención.
© Cristina De Middel. Serie The Afronauts. 2011. Cortesía de la artista
07 Jorge Fuembuena (Zaragoza, 1979)
Su trabajo explora los límites del sujeto y el frágil límite que separa
al individuo del otro, investigando las relaciones entre el hombre y su
entorno más inmediato. A nivel formal, su obra destaca por la intensa
luminosidad de sus obras, con tomas en las que predominan los blancos y
que parecen objeto de una sobreexposición voluntaria. Entre sus series
más representativas se cuentan Portraits y The Unvanquished, dedicadas a
la representación de personas y animales con especial atención a la
captación de determinados estados físicos y de ánimo, si bien en la
segunda los personajes aparecen de espaldas o de medio lado, mostrando
cierto recelo hacia la cámara. Su serie Crash se centra en capturar el
interior de diferentes vehículos accidentados que debieron ser
desguazados tras su siniestro. Las imágenes de un objeto tan cotidiano en
nuestras vidas como un coche se tornan dramáticas debido a la evidente
brutalidad de los impactos sufridos por los vehículos y al
desconocimiento por parte del espectador del estado actual de sus
ocupantes. Su obra ha sido galardonada en numerosos certámenes como
Generaciones Caja Madrid 2011, el Festival Internacional de arte Emergent
2010, el Premio Fotorreportaje ARCO 2010 o su reciente medalla de oro en
el Prix de la Photographie, Paris (Px3) 2012.
© Jorge Fuembuena. #02. Serie Crash. 2009. Cortesía del artista. La New Gallery,
Madrid y Addaya, Mallorca
08 Julio Galeote (Madrid, 1977)
Formado como ingeniero industrial, la fotografía pronto se convirtió en
el foco principal de su trabajo, completando su formación en EFTI,
Madrid, y en el Royal College of Art de Londres. En la que tal vez sea su
serie más conocida, All-Alone (2009), Galeote utilizó objetos de nuestro
entorno más cotidiano para generar situaciones paradójicas que derivan en
alteraciones poéticas de carácter irónico en las que las cosas de nuestro
día a día parecen rebelarse y caminar, ajenas a su comportamiento
habitual.
Jugar con la percepción, así como estimular la capacidad de sorpresa y
descubrimiento del espectador parecen ser algunas de las claves con las
que el artista se acerca a la fotografía. En una línea muy semejante,
otras series como Inside Out (2008) o Zona de Incertidumbre (2011)
plantean curiosos desplazamientos y metáforas que también tienen como
protagonistas a los objetos que nos rodean. En lo que se refiere al
tratamiento formal, destaca su empleo de colores vivos y los formatos de
tamaño medio. Su última serie, titulada Exceso (2013), emplea elementos
de construcción y decoración que se encuentran en fase de desmontaje o
destrucción para componer escenografías que se mueven entre la fotografía
y la instalación y devuelven el protagonismo a los objetos representados.
Ha recibido becas como la de la Academia de Roma (2010-2011) y ha sido
seleccionado en alguno de los certámenes de arte y fotografía más
prestigiosos como los Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de
Madrid o el Concurso de Fotografía Purificación García.
© Julio Galeote. Serie Exceso n.2. 2013. Cortesía del artista
09 Paula Gortázar (Madrid, 1984)
Tras completar su formación universitaria en Derecho y Administración de
Empresas (cuyas clases alternaba con lecciones particulares sobre
fotografía de la mano de Rafael Sanz Lobato), Gortázar viaja a Londres
para completar su aprendizaje de la disciplina en dos prestigiosas
instituciones londinenses: el Central Saint Martins College of Art and
Design y la Universidad de Westminster.
Sus series fotográficas están fuertemente influenciadas por su formación
en leyes, documentado espacios públicos y privados que ofrecen al
espectador claves físicas y espaciales que determinan el comportamiento
de sus habitantes y usuarios. Su serie Free Hope (2010) presenta escenas
y lugares de la vida de los cubanos en los que la esperanza de sus
habitantes se filtra por las grietas de su precaria existencia cotidiana.
Escenas cálidas y llenas de ilusión que chocan frontalmente con la
frialdad de Common Space (2011), serie que retrata diversas estancias de
la sede del Parlamento Europeo en Bruselas: un edificio desconocido para
casi todos nosotros pero en cuyo seno, de forma diaria, se toman
decisiones que competen y afectan a nuestra vida cotidiana.
© Paula Gortázar. Parlamento Europeo. Bruselas. Edificio Paul-Henri Spaak,
Habitación 03H01. Serie Common Space, 2011. Cortesía de la artista
10 José Guerrero (Granada, 1979)
Tras finalizar sus estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad de
Granada, se especializa en Fotografía en la Escuela de Arte de la misma
ciudad. Continúa su formación trabajando en prensa de espectáculos y
festivales, entre otros eventos. En 2005 gana la beca Joven Autor Andaluz
de la Caja San Fernando, lo que le permite desarrollar sus proyectos y
lanzarse como fotógrafo.
Su estilo se caracteriza por encontrar la belleza en la decadencia
urbana, siendo los límites y las fronteras claves en sus composiciones.
José Guerrero es un retratista fiel de la periferia, de infraestructuras
derruidas y de paisajes desolados, referencias que extrae de ciudades
como Londres, El Cairo, Moscú o Almería, y que recoge en sus series
Thames, Landscapes, Desértica. Su última serie The Bay, realizada en los
Estados Unidos y todavía en fase de desarrollo, captura determinados
momentos de incertidumbre meteorológica sobre un paisaje marítimo
inabarcable, en el que en ocasiones aparecen esbozados elementos que
remiten a la intervención humana en dichos espacios.
En tan sólo unos años sus obras se han expuesto por todo el mundo, como
demuestran sus individuales en Lodz Photofestiwal, Polonia, 2007; Pingyao
Fotofestival, China, 2008; Full Art Gallery, Chicago, 2010; y Fundación
Madariaga, Sevilla, 2012.
© José Guerrero. Serie Thames #05. 2008. VEGAP, Madrid 2013.
11 Ali Hanoon (Madrid, 1982)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid,
estudió fotografía en el Instituto de Artes antes de entrar en la
Universidad, donde se centró en la pintura y la fotografía.
Sus fotografías utilizan un lenguaje documental para expresar la realidad
cotidiana, requiriendo de un proceso de observación, reflexión,
investigación e inquietud. En la serie de la serie The Man of the Crowd,
donde una persona sola y anónima posa en plena calle, se retratan dos
civilizaciones alejadas entre sí durante siglos: Japón y Estados Unidos.
Una globalización, una forma de igualarnos por fuera y tapar las
diferencias que subyacen a estas dos culturas.
Centrado tanto en el paisaje como en el retrato, en sus series combina
ambas tipologías para lograr una imagen completa de la historia y los
personajes retratados, como en Berlin 1989_The Traces of the Past, que
investiga los resquicios de la cultura anterior a la caída del muro de
Berlín. De nuevo, el ser humano aparece abstraído del paisaje que le
circunda, componiendo una suerte de retrato epocal de un acontecimiento
fundamental en nuestra historia reciente.
Ali Hanoon ha sido finalista de Descubrimientos PhotoEspaña 2007 y ha
recibido el Premio de Creación Injuve en 2009.
© Ali Hannon. Ivo Kuhlen 11/04/1989 Flughafen Berlin-Templehof. Serie Berlin
1989_The Traces of the Past, 2010. Cortesía del artista
12 Anna Huix (Barcelona, 1983)
Formada en la Parson School of Design de Nueva York, compagina su labor
como fotógrafa editorial (con trabajos para revistas y periódicos como
Time, The Wall Street Journal y The Independent) con su obra en el sector
de las bellas artes (es cofundadora de la plataforma para la fotografía
The Invisible Project).
Su obra, desarrollada principalmente en los géneros del retrato (con
series como Untitled, Balti Portraits o Gemstone Hunters from the
Karakoram) y la autobiografía, destaca por su enorme diversidad a la hora
de desarrollar las diferentes imágenes de sus series, reflejando una
sensibilidad creativa muy mutable pero de fuerte componente estética.
Precisamente, en relación con esta última característica, su proyecto
Journals, compuesto a su vez por diferentes subproyectos (Stars Between
Us y Stewart Ave) explora la variabilidad de su propio comportamiento
creativo mediante imágenes de diferentes formatos, tomadas con diferentes
técnicas, que nos muestran su rutina como artista y que exhiben al
espectador sus procesos de trabajo y experimentos con otras disciplinas,
materiales, etc. así como los diferentes estados de ánimo por los que la
artista atraviesa en su día a día.
© Ana Huix. Lauren on collage. Brooklyn. Serie Between us. Cortesía de la artista
13 Jesús Madriñán (Santiago de Compostela, 1984)
Formado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, completa sus
estudios realizando un Máster de Diseño Comunicativo y Fotografía en el
Central Saint Martins College of Art and Design.
Su obra aborda como género principal el retrato, con una especial
preocupación por la captación de los aspectos humanos y psicológicos de
sus protagonistas, bien sean estos miembros de su familia (como ocurre en
La Finca, donde realiza una suerte de homenaje a una propiedad de su
familia imposible ya de mantener, combinando este género con el del
bodegón), o personajes anónimos (en su serie Looking for Something, que
captura diferentes momentos de ensimismamiento de personajes en clubes
nocturnos). Su serie Good Night London resume perfectamente los
principales atributos de su trabajo. En ella Madriñán pidió a diferentes
clubbers (miembros asiduos de discotecas de Londres) que posaran ante su
cámara en medio de su rutina nocturna, trasladando la tradición del
retrato de estudio a un ambiente a priori hostil para dicha práctica. La
vestimenta, los rasgos físicos y el temperamento de los retratados quedan
expuestos a los ojos del espectador, exhibiendo perfectamente el papel
que ellos desean interpretar en ese hábitat.
© Jesús Madriñán. Untitled (Hot Body Contest Winner) Serie Good Night London
2011. Cortesía del artista
14 Juan Carlos Martínez (Campanario, Badajoz, 1978)
Vive y trabaja en Madrid. Su obra reflexiona sobre la relación entre el
fotógrafo y la figura del voyeur, un eterno dilema entre la realidad y el
deseo que aborda en su trabajo desde diferentes puntos de vista, así como
en diferentes espacios y lugares en gran parte de su trabajo.
En su serie Les Toilettes, Martínez actualiza el tema de las bañistas,
apropiándose de las imágenes de webcam de hombres que, inconscientes de
que son observados, se duchan en las cercanías de las playas. Subfilum
Spermopsida es un estudio y clasificación de especies vegetales para
crear un catálogo de aquellos lugares –jardines, parques, descampados–
que sirven como escenario de encuentros sexuales fortuitos. En University
Neighbours aprovecha la noche para ver qué ocurre en los diferentes
edificios de residencias universitarias en París, recogiendo las imágenes
que se ven a través de sus ventanas iluminadas.
Ha recibido numerosos premios y becas, entre los que destacan la Beca
Generación 2007 de Caja Madrid y el Premio del Certamen Audiovisual del
Injuve.
© Juan Carlos Martínez. Serie University Neighbours nº6 2009. Cortesía del
artista
15 Ignacio Navas (Tudela, 1989)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense, completa sus
estudios de Fotografía en la escuela Blank Paper de Madrid. Vive a
caballo entre Madrid y Berlín, donde trabaja como asistente de Andrés
Marroquín Winkelmann, tarea que combina con sus propios proyectos
fotográficos.
Hasta el momento ha desarrollado series en las que el componente personal
y autobiográfico es esencial. De hecho, las anécdotas familiares y de la
vida en la España de postguerra que, de pequeño, le contaba su abuela
Sagrario son el punto de partida para El Norte (2011). Situadas esas
historias del pasado en un espacio físico muy concreto, el fotógrafo lo
recorre y conoce poco a poco esas tierras, a las que captura en imágenes
y que al contemplarlas y retratarlas, le devuelven una parte de sí mismo.
Lo cotidiano, lo normal y lo cercano abundan también en Linde (2010-
2011), donde se adentra en la periferia de Madrid, su ciudad de acogida,
y se recrea en sus personajes, sus detalles, su vida. Pero quizás sea
Yolanda (2011-en curso) su propuesta más personal: la reconstrucción de
una época y una generación a partir del recuerdo que le queda de su tía
Yolanda, a la que apenas conoció ya que ésta murió de sida cuando el
fotógrafo sólo tenía seis años. Los recuerdos de Yolanda, las fotografías
y las conversaciones con su familia son el sustrato que alimenta esta
serie con la que Navas se ha propuesto conocer a su tía y recrear con sus
fotografías su biografía, su enfermedad y su historia.
© Ignacio Navas. Serie Yolanda, 2011-2013. Cortesía del artista y Galería Ponce +
Robles, Madrid
16 Vanessa Pastor (Valencia, 1980)
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia,
donde vive y trabaja. En 2002 se embarca en su primer proyecto artístico
junto a Verónica Montón, realizando la serie The Body: Object and Wrapper
(2002-2003), una reflexión sobre la idea del cuerpo como objeto. Es así
como realizan The Found Objects (2002), fotografías en los que un cuerpo
se camufla entre los elementos que componen el escenario; y The Wrapped
Room (2003), compuesta por el vídeo del mismo nombre, las series
fotográficas Before and After, díptico en el que se muestra un cuarto
antes y después de ser envuelto en papel continuo, y To Wrap,
documentación del proceso por el que una persona se envuelve con este
mismo tipo de papel. The Rag Dolls Projects (2005-2006) es su primer
proyecto en solitario, para el cual realiza muñecos idénticos a algunos
de sus familiares y los fotografía en distintas situaciones cotidianas,
enfatizando así aspectos propios del ámbito privado como la soledad (que
retoma a través del paisaje en Excursiones, 2007), la dependencia o las
construcciones familiares. Enfocada hacia el instinto de supervivencia,
Pastor prosigue con estos temas en una de sus últimas series, The Kitchen
Projects: Meeting Point y, dentro del mismo ámbito cotidiano y familiar
pero enfatizando en el tema de la construcción del sujeto y su
representación, realiza Retratados (2009) donde anula el rostro de los
fotografiados, a la vez que incide en el mismo, cubriéndolo con un dibujo
de sus caras.
© Vanessa Pastor. Foto 1: Vanessa Retratada por Carolina. Serie Retratados, 2009.
Cortesía de la artista
17 Aleix Plademunt (Girona, 1980)
Formado en Fotografía en el Centro de la Imagen y Tecnología Multimedia
de la Universidad Politécnica de Cataluña, en 2003 realizó un postgrado
tras recibir una beca de la Universidad de las Américas en México.
Suele utilizar para su obra una cámara de placas de larga exposición que
le permite obtener imágenes solemnes, estáticas y expresivas, que
contienen siempre un significado más profundo del que se intuye a primera
vista. La mayoría de sus fotografías abordan como eje temático el
paisaje, natural o artificial, encontrado o fabricado por el hombre, con
sus posibles variaciones y su lenguaje propio. Es el caso de la serie
Small Dreams (que representa paisajes del mundo en los que destaca algún
objeto descontextualizado y de grandes proporciones); TOT (donde retrata
un cartel al estilo Hollywood que recita “We Want It All” en medio de un
paisaje montañoso); Nada (en la que, sobre diferentes paisajes urbanos y
naturales, Plaidemunt interviene añadiendo a la representación esta
palabra en el idioma que corresponde al lugar en el que ha sido tomada la
fotografía); DubaiLand (imágenes kitsch y desproporcionadas en lugares
que rozan el surrealismo), o Places Not to Be (serie en la que muestran
espacios de tránsito, no destinados a la ocupación sino a la circulación
humana: plazas, rellanos, parkings, plazas, cruces…). No obstante, en sus
trabajos más recientes, como We are here o Almost There, es posible
detectar un cambio de dirección a raíz de la aparición de personajes con
vida en sus imágenes e incluso determinados elementos de carácter
biográfico (en especial en Almost There).
© Aleix Plademunt. Serie TOT, 2009. Cortesía del artista
18 Alberto Salván Zulueta (Madrid, 1979)
Estudió Diseño en el IED de Madrid y en ESAG-Penninghen de París.
Actualmente comparte su profesión de diseñador en Tres Tipos Gráficos,
empresa fundada junto con Nicolàs Reyners, con su interés por la
fotografía, gracias al cual ha recibo diferentes menciones en los últimos
años.
En su carrera como fotógrafo, Salván Zulueta destaca por su capacidad
para crear atmósferas misteriosas como en Finland o Cars and Houses,
gracias a la ausencia de la figura humana, que sólo se presiente.
Hasta ahora su única serie centrada en el retrato es Portraits (2010)
donde combina fotografías de una misma persona con distintos estados de
ánimo, causando esa misma sensación enigmática y de irrealidad que sus
anteriores series. Para su último trabajo, Views (2010-2011) viajó por
Japón buscando el rasgo diferenciador de esta colectividad. Confronta la
naturaleza del país, para el que esta es un elemento esencial en su
cultura, como demuestran sus jardines y la importancia de plantas y
flores como símbolos y gestos, con las actividades diarias de las
ciudades modernas, donde aún hay espacios de sosiego y silencio que
remiten a los otros espacios naturales. Para lograr la tensión y
descubrir los elementos comunes de ambos espacios, Salván Zulueta une los
fotogramas, pasando de dos fotogramas a una sola imagen.
© Alberto Salván Zulueta. Places #34. Serie Views, 2010-2011. Cortesía del
artista
19 Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Las fotografías
de Tornero nos introducen en un mundo irreal, pero posible, donde se
entrecruzan y contradicen elementos y personajes provenientes de lo
cotidiano. Como si se tratase de tableaux vivants, cada una de las partes
que conforman la imagen es protagonista y ha sido seleccionada para el
desarrollo de una historia, nueva o apropiada del imaginario colectivo y
que se adapta a una estética actual. Tornero utiliza elementos tangibles,
soportes diferentes e imágenes recortadas con las que forma collages
caseros y únicos donde los retratados ceden su protagonismo a la obra-
objeto, como demuestra su serie Collage! Courage! (2008-2009). Las
fotografías tomadas en su vida diaria se convierten en realidades
paralelas, composiciones inquietantes que demandan la reflexión del
espectador. En sus últimas series, como en The Random Series, recopila
imágenes de su vida cotidiana en ciudades como Berlín, Roma o Madrid. A
partir de ellas, extrae fragmentos para componer collages, en este caso
digitales, a partir de los errores de un software, para realizar
panorámicas. De este modo, el artista investiga una técnica de carácter
histórico o historicista, sometiéndola al azar y al error implícito en
toda tecnología, dando lugar a un lenguaje híbrido que combina la
tradición con los supuestos avances científicos.
© Miguel Ángel Tornero. The Random Series, 2013. Cortesía del artista
20 Antonio Xoubanova (Madrid, 1977)
Miembro fundador del colectivo fotográfico Blank Paper, abandonó sus
estudios de Turismo para estudiar fotografía en la Escuela de Arte nº10
de Madrid. Su trabajo está fuertemente orientado hacia la renovación del
género documental y ha sido objeto de numerosos reconocimientos por
instituciones como la Fundación “la Caixa”, el Ministerio de Cultura o
ARCOmadrid. Desde 2005 publica de forma regular su trabajo periodístico
en revistas y periódicos como GEO, Herald Tribune, El Semanal o The New
York Times.
Su obra plástica se desarrolla mediante largas series fotográficas que le
ocupan durante varios meses e incluso años, como ocurrió con su proyecto
M30, en el que cartografió la brutal transformación experimentada por la
principal carretera de circunvalación de Madrid. Imágenes de los trabajos
de los operarios, maquinarias pesadas, salas de control del tránsito de
automóviles, o ciudadanos anónimos que por allí pasaban, componen una
suerte de homenaje póstumo a una geografía urbana asociada a su memoria
destinada a desaparecer. Su serie Casa de Campo captura la “fauna”
asociada a uno de los mayores parques públicos de Europa, la Casa de
Campo de Madrid. Prostitutas, jubilados, drogodependientes, gente
haciendo footing, perros abandonados u objetos como esculturas
improvisadas, componen esta suerte de mitología contemporánea de un
escenario recurrente en la memoria de todos los madrileños. La serie será
publicada próximamente por la editorial británica Mack. En un trabajo de
carácter más experimental, Un Universo Pequeño, Xoubanova relaciona los
tiempos de exposición de las imágenes con los tamaños de las copias
fotográficas sobre la pared, componiendo un retrato espacial de una
experiencia temporal.
© Antonio Xoubanova. Serie Universo pequeño, 2012-2013. Cortesía del artista
catálogo
Edita:
© SECRETARÍA GENERAL TÉCNICA
Subdirección General de Documentación y
Publicaciones
NIPO: 030-13-171-2
ISBN: 978-84-8181-560-3
ISBN: 978-84-940585-1-6
Depósito Legal: M-31530-2013
P.V.P.: 20 €
Diseño:
Jaime Narváez
Imprime:
Artes Gráficas Palermo
© De las fotografías: sus autores
© De los textos: sus autores
© José Guerrero, VEGAP, Madrid, 2013
créditos
Organiza
Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de
Educación, Cultura y Deporte
Proyecto
Museology
Comisariado
Museology
(Rosa Olivares, Carolina García, Alberto Sánchez Balmisa)
Coordinación
Mariflor Sanz (MECD)
Carolina García (Museology)
Diseño gráfico
Jaime Narváez
Copias fotográficas y enmarcado
Daylight Lab, S.L.
Montaje expositivo
Montajes Horche, S.L.
Iluminación
Intervento
Transporte
Ordax, S.L.
Seguro
Poolsegur
Comunicación
Conchita Sánchez
Paloma Ballesteros
información práctica
Contexto crítico. Fotografía española siglo XXI
Exposición del 13 de diciembre de 2013 al 23 de febrero de 2014
http://www.mcu.es/promoArte/Novedades/ContextoCritico_FotografiaXXI.html
Tabacalera espacio Promoción del Arte
C/ Embajadores, 51. Madrid
http://www.mcu.es/promoArte/Novedades/novedades_Tabacalera.html
Horario:
De martes a viernes: de 12:00 a 20:00h
Sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 20:00h
Cerrado: todos los lunes, el 24, 25 y 31 de diciembre y el 1 y 6 de enero
Entrada gratuita
Contacto prensa
Conchita Sánchez / 91 701 62 08
Paloma Ballesteros / 91 701 62 11
Imágenes en alta resolución
http://www.mcu.es/promoarte/index.html
Más información
http://www.mcu.es/promoarte/index.html
http://www.facebook.com/PromocionDelArte
http://twitter.com/#!/PromociondeArte
http://pinterest.com/promociondearte/
#PromociondelArte