Geometry of misunderstanding Inconcludenze quotidiane

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Corso Regio Parco 134/a, Torino

Constructed by means of language and representation, identities are not a stable unity but a changing thread of ideological positions built as a temporary meeting point of subjects and codes on the crossroads of di!erent social formations and personal histories. "e exhibition brings together a diverse range of artistic practices that emerge from di!erent cultural, ideological (political) and economic backgrounds, but react in similar ways. CLUELESS tries to mark the resistance to routine and oppressions by underscoring the philosophy of life styles and attitudes as the reference #eld of expression. "is is what places artistic practices into the area of the everyday and its transformation into visual language. Artists critically investigate questions of individual and collective existence and indicate personal or social commentaries in the background of our common daily lives, engaging in issues between possibility and impossibility of articulation. By diverse strategies artists create an individual language as well as context for the artwork, establishing relationships towards artistic, institutional and non-institutional context, showing the symbolic capital of society’s fetishes and values, individual and collective actions or struggles.

At certain point we can place majority of represented artworks within the historical context of feminist art practices, that opened a model of understanding a relevant part of contemporary artistic production, practices that are considering self-referential, performative and body based activities that o$en echo the revolutionary power of women’s laughter (Jo Anna Isaak) as an hommage to the legacy and heritage provided by the subversive power of women’s art. "e second historical trajectory places the works in the context of conceptual art practices with strategies of repetition and seriality and performance based practices. Here a reference and inspiration also is drawn by the proto conceptual photo series by Italian designer Bruno Munari Seeking comfort in an uncomfortable chair (1950), that serves a paradigmatic piece and conceptual framework.

CLUELESS as strategies of subtle resistance explore how contemporary artists represent a subjective fragmented mosaic structure of the world through structures of fragments, repetition and montage displaying banality of everyday activities that by slipping signi#ers took a critical position spiced with irony and humor. Subjective imagination and modes of resistance are inscribed within spatial and temporal discontinuities that attempt to establish the disconnected relations of failed expectations, empty gestures and negotiations, providing new imaginative paths and possibilities of traveling through a itinerary of everyday reality.

In words by Alain Badiou at stake is the technique of demontage of intimate and ordinary relations that connect the real and the imaginary, visible and the hidden. "e exhibition explores the tensions and ruptures between dominant and visible narratives, visible as cracks on the surface, constituting shi$s and transformations, pointing out the ruptures in the everyday.

A re%ection upon di!erent models of self representation is present in the works by Bettina Cohnen, Ana Prvacki, Vlatka Horvat, Felipe Aguila, Alen Flori&i' and Marko Luli'.

In ongoing series of self portraits Side Shows photographic works of Bettina Cohen engages and describes the process of creating one’s own self as a fragile construction ranging between invention, heteronomy and various possibilities. Based on everyday situations, ordinary and common places, and strategies of appropriation Cohnen deconstructs possible identities. In such self stageing she runs through the spectrum of feminine stereotypes, from diva to detached passer by, with reminiscences of works by Nan Goldin or Cindy Sherman. In those various re-enactments and masquerade Bettina Cohnen has di!erent possibilities of reinventing herself, in an interplay that destabilizes the #xed category of identity.

Wild Goose Step (and then she said) a video by Ana Prvacki is the fruit of her re%ections upon a suggestion to put on “a pretty dress and chase your goose around the garden”. In this performative video artist chasing a wild goose is engaged in a hopeless quest. As use of the phrase alludes to an undertaking which will probably prove to be fruitless - clearly wild geese are di(cult to catch. It refers to a useless action, a failed activity that the artist undertakes, but there is no fatalistic doom, but colorful irony and cheerful and humorous game playing.

In photoseries Searching, works of performative and conceptual character, Vlatka Horvat explores corelations of the body in di!erent situations, as an encounter between a person and a particular system. We #nd the artist in a set of playful yet surreal situations set in public space – looking and exploring behind tubes, walls even with head in the washing machine. Her interest is focused on discomforting and uncertain aspects of ordinary lived experience, emotions and situations such as doubt, fear or hesitation, di!erent con%icting impulses and obsessive attempts, the work playfully approaches strategies and conditions – as frustrations, denials and contradictions. She investigates the relationship between modes of representation and social and cultural economies.

"e videos of Felipe Aguila investigate social paradigms related to collective and personal questions. Borrowing the title of a #lm by François Tru!aut, Les quatre cents coups is an ironic re%ection upon the conditions of artistic creation. "e frustrations, the limits of language and representation take shape of a 400 butts against a table. An ironic sign of rage and inadequacy which ends with the #nal fainting.

Alen Flori!i"’s videos question performative self-referential strategies. On an abstract black background, his silhouette is an icon/sign, in a spatial-temporal pastiche and hybrid digital time, focusing on attempts body makes in repetitive, never ending actions and disturbing space between the physical and imaginary. Such manipulation and multiplication of the image demonstrate the unstable character of our schizophrenic identities, human condition, and rhythm and anxieties of everyday life. In %ickering scenes and broken movement we notice the arti#cial and construed character of the movement that point out the fractures in the social body.

Works by Marko Luli" develop a relationship to issues of modern architecture and its corelation to ideology and poular culture. Majority of his works, both installations and videos question ex-yugoslavian socialist modrnism in an ironic setting, without prejudices and aspects of nostalgia. Such approach is seen in slide show Reactivation/ Circulation where the artist is researching the spatiality and seriousness of geometric structurea of a modern sculpture by Vojin Bakic in public space as it were an object from an amusement park. His actions re%ect the estranged everyday activities by putting the object of interest out of context. Climbing through circular shapes, upside – down Marko Luli' makes use of the public sculpture as a set for his theatre of nonsense – continuity without conclusions and circularity of meaning.

Female universe and gender relations are o$en issues of the works by Cecilia Lundqvist and Giulia Caira. "e animations by Cecilia Lundqvist, of a very simple dramaturgy, a planar and clean drawing, present routine activities, using elements from the everyday life in order to point to some of the main problems in human relationships. By opposing few elements, in a binary system the author juxtaposes some examples of extremes, stereotyped relations or behavioral patterns: good and evil, male and female, body and soul. "e reduced dynamics and monotony of the plot, as well as the tendency to repeat, merge with strong primary colors.

By means of video and photography Giulia Caira explores the female universe of the everyday. "e artist herself is the subject of her works where by make-up and masquerade the body is submitted to multiple possibilities of existence. It is a sort of research of the self developed by the double register of #ction and rituals. In La mia regola / My rule a woman is enjoying a chocolate bon bon, and when #nally she takes it to her mouth a text runs on the screen, as a decalogue for temptation. It is as a test for resistance where the body undergoes the temptation to dominate its needs, things that could possibly make unable to reach the #nal goal – perfection.

Rä di Martino’s works are ironic and surreal refection about the human condition. Her research turns on a narrow dividing line, with much of the language of #lm ‘shorts’ to be seen in it. "e artist uses these to shake o! the conventions, breaking their rules, and so to invent new ideas and new meanings. August 2008 by Rä di Martino is formed around a central dialogue scene with a male and a female character on the staircase of what might be a bourgeois palace, but it is not a representation of a conventional dialogue in 2 ways - instead of spoken words, it is sung, and their phrases are taken from news headlines. "is vocal performance and the meaning words places the narrative out of context in the #eld of absurd and estranged, while sound and image feel displaced and out of sync.

Each installation by Magda Tóthová tells a di!erent narrative. In her works, she uses the space to recreate a fantastic world where it is possible to move in, to get lost and #nd the beginning again. Tothova’s minimal interventions ironically focus on moments denoting an unconventional reading of social paradigms. "e video Rhythm in red focuses on a hypnotic movement of a red nails. Starting slowly, the action becomes faster and disturbing, alluding in a metaphorical sense to a frenetic rhythm of anxiety,

Characters of the Provmyza’s videos are passive, relative, as if time and place of their existence would settled exclusively by the moment of the action directed on them. In the !ree Sisters project from Chekhov’s play, children face to a choice. "ey are given right to play degree of their decision importance, fraught with serious consequences. It is a certain theatrical performance for children, an aspect of competitive spirit and, at last, an element of entertainment. But children’s imagination is those that their behaviour actually balances on the verge of “game-life”. !ree sisters are a seductive and immersive contemporary video that based on a literary pre-text (Chekhov) combines two russian traditions – one deriving from the fantastic folk fairy tales and the second one with the ostranienie (V-) e!ect of the absurd, bizzare dada- based avantgarde.

"e works by Marko Tadi" are hybrid forms that question the status of artistic and everyday objects, such as souvenirs, memorabilia or postcards, their use, and decorative and symbolic function. Even new postcard drawings from the series !e Second Moon are formed at the intersection of drawing, collage, ready made, gra(ti, photography, or tachisme, and are determined by the sphere of privacy, collecting, archiving, diaries, with an interest for everyday, towards decoration, kitsch, or nostalgia, but as well the imaginative power and transformative possibilities of the ordinary things. His forms are of a speci#c bastard iconography that is constituted by fragmented narratives, forming o$en absurd, estranged, surprising, imaginary, uncanny and surreal combinations, an image text of disruptive narrative, di(cult to read and in need to decipher. In !e Second Moon as o$en in Marko’s recent work, such as animated video and accompanying installation I Speak "rue "ings we #nd references of an imaginary journey, obsolete images, distant places and (#ctional) archives.

Early #lms and photographs by Babette Mangolte from the 1970s use elements of minimal performance for an abstract narration. Babette Mangolte is esteemed as a director of splintered, non narrative, subjective experimental #lms. In (NOW) or Maintenant entre parenthesis we evidence Mangolte’s preoccupation with the artistic concerns prevalent in the late ’70s: seriality, logical permutation, documentary candor and metatextual commentary. As she explains the #lm as “A linear succession of activities and manipulations of objects. Film = Now / Projected Film = (Now)”. "e manipulation of objects and male – female relationship are mirrored in a tautological trajectory and mosaic structure of the constructed on screen objects. Babette Mangolte turns the used artistic means, strategies and procedures in the real topic of her #lm. Ideas of conceptual performance and object relations in dance informed Mangolte‘s own #lmic aesthetic.

Nella de"nizione familiare, la parola clueless signi"ca “non avere idea”. Riferito a una persona, indica un soggetto naïf, che si trova spesso in di#coltà a portare avanti situazioni e a prendere decisioni sostanziali.

Ripetizioni, tentativi falliti, gesti banali non portati a compimento e incomprensioni linguistiche caratterizzano i lavori in mostra, rappresentando con ironia e senso dell’humour un universo apparentemente nonsense. Azioni, spesso inscritte in una discontinuità spaziale e temporale, e relazioni tra aspettative, gesti e risultati, danno vita a percorsi immaginativi e possibilità di viaggiare attraverso un itinerario di realtà che, da subito, appare poco ordinario.

Ciascun artista racconta piccoli atti di inconcludenza e paradossi della vita quotidiana, partendo dalla prospettiva secondo cui il privato ha in qualche modo anche un aspetto più politico e sociale. Molti di questi lavori possono essere letti sotto l’eco di un testo che ha dato un’interpretazione rilevante della produzione artistica contemporanea da un pro"lo femminista. Si sente infatti la presenza di Jo Anna Isaak e del suo Feminism and Contemporary Art: Revolutionary power of women’s laughter (1996) nelle pratiche auto-referenziali, nelle azioni performative e uso del corpo di queste opere che strappano con ironia un sorriso letto dall’autrice proprio come potere sovversivo dell’arte.

I lavori di Bettina Cohnen, Ana Prvacki, Vlatka Horvat, Alen Flori$i%, Marko Luli%, Babette Mangolte, Magda Tóthová e Felipe Aguila hanno in comune una ri&essione sui modelli di rappresentazione di sé e del linguaggio. Il corpo dell’artista diventa infatti il mezzo con cui compiere azioni fuori dalle righe che hanno più livelli di lettura, da quello più diretto e immediato (nevrosi, indecisioni, frustrazioni, ansia) a quello meno evidente (identità, memoria, de"nizione linguistica).

Attraverso l’utilizzo della propria immagine o quella di altri, le fotogra"e di Bettina Cohnen descrivono il processo di costruzione di un’identità basata sull’invenzione. In questo modo, l’artista analizza come la questione identitaria sia condizionata da regole collettive, geogra"che e aspetti della memoria. Nella serie di autoritratti che compongono il ciclo Side Shows, l’artista utilizza la propria "gura per ri&ettere sul processo della creazione della sua immagine che si situa in bilico fra invenzione e realtà, mescolando varie possibilità. Basate su materiali diversi come foto d’archivio, vecchi documenti, scatti di situazioni quotidiane, queste immagini fotogra"che decostruiscono il concetto di unicità e ne mostrano un aspetto frammentato e instabile.

"e Wild Goose Step (and then she said) di Ana Prvacki mette in scena una situazione divertente e fuori dalle righe. L’artista infatti insegue ed è a sua volta inseguita da un’oca selvatica. Il titolo, che tradotto signi"ca appunto ‘’Il passo dell’oca selvatica’’ allude ad un tentativo che si rivelerà inutile nel catturare l’animale. Il video rappresenta un divertissement e l’azione si concentra più sull’atto performativo dell’artista che sul risultato della sua impresa: un’ironica rappresentazione di una caccia senza speranza. Anche Babette Mangolte e Magda Tóthová si “impegnano” su azioni che acquistano senso nell’atto di compiersi come gesto a sé stante. Babette Mangolte è una fra le principali rappresentanti del cinema sperimentale femminista americano, nonché fotografa e autrice di saggi. I primi "lm degli anni Settanta di quest’artista utilizzavano elementi di performance minimali per comporre narrazioni astratte. In (NOW) or Maintenant entre parenthesis Mangolte cerca di impilare alcune piccole scatole su cui campeggia la scritta “NOW” (adesso). L’artista spiega il video come “un lineare susseguirsi si attività e manipolazioni di oggetti” che mettono in evidenza il suo particolarissimo e riconosciuto stile delle opere degli anni Settanta, fatte di concettualismo di matrice statunitense e sensibilità del French Realism, elaborati attraverso il forte senso immaginativo dell’artista. Nel video Rhythm in red di Magda Tóthová, il campo visivo è occupato da unghie laccate di rosso che compiono un movimento ipnotico. L’azione inizia lenta e senza particolari traumi, come quando durante la nostra giornata ci troviamo a compiere un gesto sovrappensiero. Poco a poco il ritmo diventa più veloce e disturbante, le unghie - mano a mano che l’azione si fa più frenetica - si spezzano, "no ad arrivare alla caduta de"nitiva. L’opera, dal sapore minimalista, fa delle unghie e del loro ritmo ansiogeno l’unico protagonista per ra#gurare con disturbante musicalità uno stato di ansia.

Vlatka Horvat, in Searching, si ritrae in una serie di situazioni surreali: dentro una valigia, nascosta dietro una porta, a cavallo di un muro da cui spuntano solo i suoi piedi. Ogni azione ra#gura l’aspetto di un fallimento, costituendo un archivio visivo di scon"tte quotidiane e desideri frustrati. Di volta in volta, Vlatka Horvat assume una posizione "sicamente scomoda e improbabile durante il tentativo di mascherare il suo corpo dietro gli oggetti comuni - bidoni della spazzatura, lampioni, valigie, scatole di cartone. E ogni volta, i suoi tentativi di occupare "sicamente e concettualmente gli spazi domestici e sociali, e quindi trovare una collocazione nel vivere di tutti i giorni, sono implacabilmente scon"tti.

Il corpo dell’artista è anche al centro nella ricerca di Alen Flori$i%. I suoi video sono girati in un’unica ripresa, durante la quale l’artista compie una serie di attività "siche, ridicolizzando la propria persona con in"nite ripetizioni di identici e noiosi movimenti. In questo modo, ritrae un vissuto quotidiano pieno di frustrazione, ansietà, tensioni e incertezza. In Untitled 01/07, la silhouette dell’artista è posta davanti a uno sfondo nero che la evidenzia nel suo essere centro dell’azione. Flori$i% scatta per correre, poi si ferma, poi riparte di nuovo, senza mai compiere il movimento "no in fondo. L’artista manipola digitalmente le coordinate di spazio e tempo per evidenziare l’elemento disturbante tra aspetto reale e immaginario della condizione umana. L’intervento sulla moltiplicazione della sua "gura dimostra infatti il carattere instabile e schizofrenico dell’identità e la frammentazione della personalità.

Il concetto di spazio - e di corpo nello spazio - ritorna nel lavoro di Marko Luli%. In questo caso l’artista si concentra sull’architettura modernista ex-iugoslava, vista nel suo rapporto con le ideologie. Da anni infatti Luli% analizza in maniera dissacrante la storia culturale di questo paese, legato alla sua famiglia di origine, mettendone in evidenza gli aspetti politici e sociali senza alcun approccio nostalgico. In Reactivation / Circulation in space Luli% pare chiedersi se la scultura pubblica possa essere usata come un parco giochi. In questo slide-show, è ritratto mentre fa ginnastica in una scultura creata da Vojin Bakic nel 1971 che si trova davanti al Museo di Arte Contemporanea di Belgrado, costituita esclusivamente da anelli. Egli compie un’azione quotidiana, ma straniante perché decontestualizzata e re-inserita in un luogo non deputato a ciò. Arrampicato fra i cerchi, a testa in giù, usa l’opera come teatro di una performance nonsense - senza conclusione a causa della circolarità della struttura - che nasconde anche una critica metaforica sulla funzionalità del modernismo sotto l’aspetto formale e ideologico.

Felipe Aguila, con Les quatrecents coups, prende in prestito il titolo dal noto "lm di François Tru'aut per ri&ettere in maniera ironica, ma non leggera, sulla condizione artistica. L’artista è ripreso mentre sbatte la testa contro un tavolo per quattocento volte. Dai primi colpi "no all’ultimo svenimento "nale, Felipe Aguila mostra in questo gesto tutta la sua frustrazione verso i limiti di un linguaggio, quello creativo, che spesso sfugge a una forma che gli si vuole imporre. In questo modo, le problematiche dell’esistenza quotidiana riguardano quello che giornalmente attanaglia l’artista: che fare quando non si riesce a dominare qualcosa in tutta la sua complessità? Quando non si sa dove sbattere la testa? Non resta che prendersela con un tavolo e sfogare il senso di inadeguatezza "sicamente…

Universo femminile e questioni di genere sono il soggetto principale, anche se non l’unico, dei lavori di Giulia Caira e Cecilia Lundqvist. Giulia Caira esplora con fotogra"a e video l’universo femminile quotidiano. L’artista è il soggetto delle proprie opere dove, grazie a un massiccio ricorso al trucco e al travestimento, realizza attraverso l’uso del suo corpo–involucro la declinazione delle molteplici possibilità d’essere. Una sorta di ricerca del sé sviluppata attraverso il doppio registro della "nzione e del rituale, indagati "no a farvi emergere l’anima. Ne La mia regola, una donna in carne si delizia nel gesto di scartare un cioccolatino e, quando "nalmente fa per portarselo alla bocca, una scritta scorre sullo schermo. Il testo è un grido di ammonimento, una sorta di decalogo "nalizzato ad allontanare la tentazione. Si tratta di una prova di resistenza a cui il corpo si sottopone nel tentativo di dominare le proprie pulsioni che potrebbero in qualche modo confonderlo dal raggiungimento dell’obiettivo "nale: la perfezione...

Le animazioni di Cecilia Lundqvist - realizzate attraverso una drammaturgia semplice e un disegno pulito e chiaro – rappresentano attività di routine utilizzando gli elementi della vita quotidiana, per evidenziare alcuni fra i più comuni problemi delle relazioni umane. Nei suoi video, spesso l’artista concentra l’azione su esempi estremi di situazioni stereotipate: male e bene, uomo e donna, anima e corpo. Proprio un uomo e una donna, e la loro di#coltà di comprendersi reciprocamente, sono il soggetto di Making Pancakes. Errori banali, come ad esempio l’atto di preparare la cena, diventano terreno di scontro di due personalità che marciano su mondi separati e incondivisibili. Ognuno di loro gioca a essere un personaggio: l’uomo rude ma in cerca di a'ermazione, la donna tutta tesa a mantenere un’immagine di facciata. Nei loro discorsi inconcludenti si esprime tutta l’assurdità delle relazioni di tutti i giorni.

Un forte senso immaginativo e di matrice teatrale ci porta in"ne verso i lavori di Rä di Martino, Provmyza, Magda Tóthová e Marko Tadi%.

La ricerca di Rä Di Martino riguarda principalmente il mezzo video e i suoi risvolti più cinematogra"ci, come l’uso meticoloso della telecamera, la ricercatezza delle inquadrature e della fotogra"a, utilizzati però per scardinarne le convenzioni e creare nuove logiche e signi"cati. I personaggi dei suoi video sono spesso caratterizzati dall’impossibilità di un’azione razionale e immersi in situazioni di spaesamento visivo, sia temporale che spaziale. In August 2008 due attori creano una sorta di tableau-vivant in una temporalità bloccata che richiama i "lm degli anni Cinquanta. Di colpo, i due personaggi iniziano un discorso cantato, tratto dalle notizie di fatti accaduti appunto nell’agosto 2008, ognuno seguendo un proprio percorso, nell’impossibilità di creare un discorso comune. Una ri&essione ironica e surreale sulla comunicazione quotidiana tra gli individui e quindi più genericamente sulla condizione umana.

Galina Myznikova e Sergey Provorov (Provmyza) lavorano insieme dal 1998. Si ispirano ai classici dell’arte russa del XX secolo, in particolare per i meccanismi della "nzione e i modelli della rappresentazione. I personaggi sono passivi, come se tempo e spazio della loro esistenza fossero de"niti esclusivamente dal momento dell’azione; la persona è come forzata, deve operare una scelta che si rivela spesso illusoria. Presentato per la prima volta alla Biennale di Venezia 2005, "ree Sisters sta fra la produzione cinematogra"ca sperimentale e la pratica teatrale. Si basa sull’omonima pièce di Cechov in cui le protagoniste vivono in provincia sperando di tornare a Mosca, dove hanno trascorso l’infanzia, ma questa speranza si rivela sempre più di#cile da realizzare e le tre sorelle continuano ad attendere un cambiamento che non arriverà mai. I Provmyza prendono spunto dal dramma per mettere in scena il senso più profondo della storia: la paura di decidere, la di#coltà di scegliere. E mettono in scena una moderna interpretazione con tre bambine sul punto di buttarsi e cadere, senza mai compiere il gesto, spaventate ma attirate dall’ignoto.

Quella di Marko Tadi% è invece una narrazione più fantasiosa. I suoi lavori sono forme ibride che analizzano lo stato degli oggetti, siano essi artistici e d’uso quotidiano, nella loro funzione simbolica e decorativa. Sono colorati collages che combinano immagini, frasi quotidiane, numeri e citazioni, formando assurde e ambigue combinazioni verbali. Anche le cartoline della serie "e Second Moon mescolano disegno, collage, gra#ti, fotogra"a come frantumi di vita privata e archivio di vissuto. Anche se la giocosità è uno degli elementi guida nel lavoro di Tadi%, questi disegni trasmettono comunque una sorta di disagio, e appaiono come un antidoto al peso della vita quotidiana, come se disegnare fosse un modo per liberarsi e scacciare un malessere. Il gesto è veloce, la narrazione è frammentata e priva di un senso apparente, a sottolineare come per l’artista questa pratica sia in qualche modo un antidoto personale all’inconcludenza quotidiana.

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