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César Franck (1822-1890)Sonate en la majeur

1_ Allegro ben moderato 7’012_ Allegro 9’253_ Recitativo – fantasia. Ben moderato 8’344_ Allegro poco mosso 6’415_Nocturne 4’28

Eugène Ysaÿe (1858-1931)6_Berceuse op. 20 5’117_Poème élégiaque op. 12 13’47

total time: 55’10

Alexander Kniazev, celloPlamena Mangova, piano

Transcriptions : Jules Delsart (1-4), Alexander Kniazev (5-7)

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Special thanks to Albert Wastiaux (National Orchestra of Belgium)

Recording: Brussels, Salle Ravenstein, 26-28 October 2010 – Producer: Michel Stockhem –Sound engineer, editing, mastering: Jarek Frankowski (Acoustic Recordings), assisted by HarryCharlier and Bastien Gilson – Cover: Jean Lafon (1886-1973), Bord de mer, collection privée– Photograph Alexander Kniazev: ©DR – Photograph Plamena Mangova: © Louise Bossut –Design: mpointproduction, Flore Figuière – Executive production: Michel Stockhem

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Soyons provocants : la quête d’authenticité qui a caractérisé le dernier demi-siècle d’évolutiondu monde musical international impose de pratiquer la transcription. Alexander Kniazev etPlamena Mangova, non sans bousculer le confort des catégories, reviennent ainsi aux sourcesde la pratique musicale à l’époque d’Ysaÿe, ce violoniste géant qui se trouve au centre du pro-gramme de ce disque.

César Franck et Eugène Ysaÿe se sont vraisemblablement croisés lors du premier séjour pro-longé d’Ysaÿe à Paris : c’était entre 1876 et 1879, quand le jeune violoniste, frais émoulu duConservatoire Royal de Liège, avait gagné la capitale française pour y recevoir les conseils deVieuxtemps. Cette époque fondatrice pour lui (il y rencontre notamment Saint-Saëns, ou sonfutur partenaire historique le pianiste Raoul Pugno) se doublera d’une immersion dans la« jeune école française » après 1882, quand, quittant Berlin et ses occupations lucratives, Ysaÿerevient dans la Ville-Lumière pour un deuxième long séjour. Cette fois, en même temps queson jeune collègue Armand Parent (le futur professeur de violon de la Schola Cantorum), il yfréquente plus assidûment la jeune génération de compositeurs réunis autour de Franck :Chausson, Bordes, d’Indy, Pierné et bien d’autres, ainsi que Fauré, qui deviendra un de sescompositeurs fétiches.

Franck a alors soixante ans. S’il n’est toujours pas à proprement parler populaire, sa notoriété,lente à se dessiner, est pourtant désormais fermement établie. Son œuvre a d’ailleurs pris récem-ment une nouvelle tournure : depuis quelques années, il est en train de doter l’école franckiste– cette occupante plutôt séditieuse de la classe d’orgue du Conservatoire de Paris – de chefs-d’œuvre successifs dans plusieurs genres qu’il avait jusque-là négligés, comme un maître le ferait

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à ses apprentis aux fins de transmettre son savoir. Musique de chambre, piano solo, œuvres sym-phoniques, mélodies : tout y passe, même des opéras que la postérité ne retiendra pas.

En 1886, Ysaÿe vient d’être nommé par Gevaert à la classe supérieure de violon duConservatoire Royal de Bruxelles et quitte Paris. Il se marie à la fin de l’été ; quelques amisfrançais, comme Jules Laforgue ou Charles Bordes, font le voyage jusqu’à Arlon, dans leLuxembourg belge. Bordes est venu avec sa belle-sœur, la pianiste Marie Bordes-Pène, uncadeau sous le bras : une sonate en manuscrit, que Franck a décidé – un peu en dernière minute– de dédier au jeune maître belge ; après tout, il se pourrait qu’il devienne célèbre et qu’il puisseassurer à l’œuvre de beaux jours.

C’est une étincelle étonnante. Ysaÿe s’éprend – comme on le comprend – de la sonate, et endonne bien vite la primeur au Cercle Artistique & Littéraire de Bruxelles1. Ce sera un des sesgrand chevaux de bataille jusqu’au terme de sa carrière.

La Sonate attira rapidement les interprètes les plus divers, soucieux d’ajouter une œuvre d’unesi belle noblesse à leur répertoire. Cela ne s’arrêtera pas aux violonistes. Jules Delsart (1844-1900), successeur du grand Franchomme au Conservatoire de Paris, était de Valenciennes ; ils’était retrouvé, à l’appel de Martin Marsick, seul Français dans le célèbre quatuor parisien dece dernier : la diaspora des cordes belges de Paris était alors si puissante qu’elle absorbait, plu-tôt que d’être absorbée. La version que Delsart, avec le plein assentiment du compositeur, soncollègue de Conservatoire, va laisser de la Sonate pour piano et violon va faire le tour dumonde et – malgré de nombreuses versions concurrentes – devenir si répandue que l’œuvresera appropriée par les violoncellistes comme étant leur.

Parmi toutes les transcriptions de sonates pour piano et violon qui ont fleuri aux XIXe et XXe

siècles, la version de la Sonate de Franck par Delsart sera d’ailleurs une des moins discutées. Ilest vrai que des rumeurs ont circulé à propos de l’origine violoncellistique de l’œuvre. Cela n’ajamais été attesté. En revanche, indéniable est le fait que le son d’Ysaÿe s’avérait d’une excep-tionnelle profondeur dans les graves, et qu’il jouait excellemment de l’alto (parfois en public)

1 L’actuel Cercle Royal Gaulois, Artistique & Littéraire, qui occupe le même emplacement depuis.

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tout comme du violoncelle (il prenait presque systématiquement le violoncelle lorsqu’il jouaitchez lui en quatuor). La gravité générale de la sonate, qui n’est pas sans rappeler certaines pagesanalogues de Schumann, semblait du reste la prédisposer aux transcriptions pour des instru-ments plus graves.

Mis à part cela, la Sonate de Franck est si connue qu’il est à peine besoin de la décrire. Desinterrogations subtiles, métaphysiques du premier mouvement au finale canonique, elle déploieune forme cyclique dominée par des idées musicales de premier ordre, présentées au cours deses quatre mouvements sous différents aspects. Le deuxième mouvement, véhément et tra-gique, rappelle l’atmosphère du Quintette, antérieur de sept ans et autre chef-d’œuvre suprême.Quant au récitatif-fantaisie constituant le troisième mouvement, il est d’une invention hardie,où la gravité se fait lyrique, recueillie mais vibrante. Le canon final, intervenant comme unsoleil de retour après les orages, fait office de refrain de rondo, les couplets permettant d’ultimesretours aux éléments précédents.

Parmi les mélodies de Franck, on se plaît à reconnaître plusieurs chefs-d’œuvre, souvent han-dicapés par des textes d’une valeur médiocre qui a nui à leur pérennité dans les programmes deconcert. La transcription que propose Alexander Kniazev du Nocturne (écrit en 1884 sur unpoème de Louis de Fourcaud) nous évite le problème, en se concentrant sur ce beau dévelop-pement strophique d’une idée musicale à la fois noble et simple.

Franck, ses disciples – notamment Chausson et d’Indy – et ses contemporains – surtout Fauré– ont été essentiels dans le développement de la personnalité de compositeur d’Ysaÿe. Dans lajeunesse de celui-ci, marquée par Vieuxtemps et Wieniawski, rien ne laissait présager le lan-gage harmonique plus hardi qu’il allait utiliser dès les années 1890, attisé par le génie foudroyéde Guillaume Lekeu. Ce langage n’allait cesser d’évoluer jusqu’à ses célèbres Six Sonates pourviolon solo de 1923 (et celle pour violoncelle solo qui suivit immédiatement). Entre 1890 et la1e guerre mondiale, le langage d’Ysaÿe est assez comparable à celui de Joseph Jongen, mais avecun tour plus imprévisible, plus rhapsodique, plus fantasque que celui de son ami liégeois ; il seheurte d’ailleurs à un scepticisme assez généralisé et ses œuvres se diffusent peu. Ysaÿe lui-même joue rarement ses propres œuvres en concert, préférant se dépenser sans compter pour

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les compositeurs qu’il apprécie – Saint-Saëns, Fauré, Chausson, d’Indy, Ropartz… - mêmelorsqu’il n’en approuve pas entièrement le langage – ce qui est le cas de Debussy, dont Ysaÿecrée le Quatuor et dirige de nombreuses pages.

La Berceuse op. 20 illustre ce talent harmonique toujours inattendu. Dédiée « à Madame RosaHarris », l’œuvre est délibérément sombre et porte la devise «L’Enfant pauvre et chétif triste-ment s’endormait ». Elle est d’abord composée sous forme orchestrale (orchestre à cordes, flûteet deux cors) puis transcrite pour piano. Cette mélopée morbide – à l’opposé de son Rêve d’en-fant, proche de la Berceuse op. 16 de Fauré qu’Ysaÿe affectionnait et enregistra superbement –se chante dans un rythme de valse lente. Elle se clôt dans une coda aux lumières noires étran-gement proche de celle d’un des plus belles mélodies de Jongen (op. 45).

Enfin, le Poème élégiaque op. 12. Œuvre essentielle du jeune Ysaÿe, inspirée par le Shakespearede Roméo et Juliette, elle aura marqué – sans être beaucoup jouée pourtant – la dernière décen-nie du XIXe siècle, en ce qu’elle annonce et inspire le Poème de Chausson, dédié à Ysaÿe en1896 par un compositeur « sous influence » de la personnalité marquante du violoniste (le vio-loniste intervint directement dans la composition de certains passages). Écrit en 1892 et orches-tré dix ans plus tard, le Poème élégiaque, dédié au cher Gabriel Fauré dont Ysaÿe se faisait lechampion, nous dévoile pleinement la personnalité musicale d’Ysaÿe telle qu’elle est àl’époque, inspiratrice de toute une génération de compositeurs : généreuse, originale, possédantun souffle puissant et sombre, et dégageant un attrait fascinant. D’une structure simple en trip-tyque, enrichie d’éléments cycliques, la composition ensorcelle par son inspiration raffinée,d’une riche et permanente inspiration mélodique et harmonique ; y domine la marche funèbrecentrale, avec ses somptueuses harmonies. La version pour violoncelle qu’en donne AlexanderKniazev, si elle exige une très haute virtuosité, montre qu’au-delà d’une page pensée pour leviolon, l’œuvre possède la densité exceptionnelle des chefs-d’œuvre, qui transcende les barrières instrumentales.MICHEL STOCKHEM

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Alexander Kniazev, violoncelle«Une personnalité originale et attachante, qui prône avant tout l’ouverture d’esprit et recherche l’expres-sion de l’âme derrière chaque note de musique. » (Le Monde de la Musique)

Alexandre Kniazev étudie le violoncelle au Conservatoire de Moscou avec AlexandreFedorchenko et l’orgue avec Galina Kozlova au Conservatoire de Nizhni-Novgorod. Véritablesuccesseur de Mstislav Rostropovitch, il remporte de nombreux premiers prix dont leConcours International G. Cassado, le Concours International de Musique de Chambre deTrapani et le Concours International de Pretoria (UNISA) en Afrique du Sud.

Alexandre Kniazev a joué sous la direction de grands chefs tels que : E. Svetlanov, Y.Temirkanov, M. Rostropovitch, Y. Bashmet, V. Fedoseyev, M. Chostakovich, N. Järvi et K.Masur. Il a également paru en soliste avec le Royal Philharmonic Orchestra de Londres,l’Orchestre de la Radio Bavaroise, l’Orchestre Symphonique de Göteborg, l’OrchestreSymphonique d’État de Russie, l’Orchestre Philharmonique de St-Pétersbourg, l’Orchestre dela Résidence de la Haye, l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique dePrague, etc. Il fut également l’invité régulier du Festival de Moscou «Les Soirées de Décembre »organisé par Sviatoslav Richter qui l’a très fortement influencé.

Ses partenaires en musique de chambre sont Evgeny Kissin, Vadim Repin, Plamena Mangova,Brigitte Engerer, Boris Berezovsky, Dmitri Makhtin et Nikolaï Lugansky. Il s’est égalementprésenté en Trio avec Boris Berezovsky et Dmitri Makhtin sur les prestigieuses scènes duConcertgebouw d’Amsterdam, au Palais des Beaux Arts de Bruxelles, au Wigmore Hall deLondres ainsi qu’au Festival de Salzbourg, au Lincoln Center de New York et aux FollesJournées de Nantes. Récemment toujours, il a paru sur la scène du Musikverein de Vienneavec Vladimir Fedoseyev, a joué le Concerto de Dvorak à la Salle Pleyel de Paris, et participéaux dernières éditions du festival de Montpellier (en 2009 avec Evgeny Kissin et SilviaMarcovici). La saison dernière, Alexandre Kniazev a donné les six suites de Bach à laPhilharmonie de St Petersbourg.

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Son CD consacré à Ernest Bloch, Shelomo, sous la direction d’Evgeni Svetlanov avec l’OrchestreSymphonique d’État de Russie, a été acclamé par la presse musicale internationale. Son CD MaxReger a été choisi parmi les meilleurs par le magazine Répertoire. Chez Warner ClassicsInternational, il signe un CD consacré à l’intégrale des Suites de Bach et en octobre 2004, il enre-gistre sous le même label le Trio n°2 de Chostakovitch et le Trio élégiaque de Rachmaninov avecBoris Berezovsky et Dmitri Makhtin pour lequel il reçoit le « Diapason d’or » ainsi que le prix«Echo». Le trio Berezovsky/Makhtin/Kniazev a enregistré par ailleurs un DVD Tchaïkovskiavec les pièces pour piano, violon et violoncelle, récompensé par un Diapason d’Or.

Il a enregistré aussi avec l’Orchestre de Chambre de Moscou, sous la direction de ConstantinOrbelian un disque Tchaïkovski (Variations Rococo, Andante Cantabile et Romances). Son enregis-trement des deux trios de Mendelssohn avec Dmitri Makhtin et Boris Berezovsky, paru enautomne 2007, a été acclamé par la presse et a reçu le Prix « Echo ». Le concerto pour violon-celle de Dvorak avec l’Orchestre Symphonique Tchaïkovski de Moscou et Vladimir Fedoseyevest paru en mars 2009 sous le label Lontano/Warner Classics International.

Ses prochains projets comportent, entre autre, un récital avec Boris Berezovsky au LincolnCenter de New York, une tournée au Japon avec l’Orchestre Symphonique de Russie, unconcert au Musikverein de Vienne avec l’Orchestre Symphonique « Tchaikovsky » deMoscou/Vladimir Fedoseyev. Il sera également aux côtés d’Evgeny Kissin et Martha Argerich àl’occasion des 40 ans du pianiste, en octobre 2011 au Japon et à Paris en janvier 2012.

Plamena Mangova, pianoNée en 1980, Plamena Mangova a vu sa carrière prendre son envol en 2007, lorsqu’elle rem-porta le 2e Prix du prestigieux Concours Reine Élisabeth et remporta le Diapason d’Or de l’annéedécerné par la revue Diapason pour son premier cd solo chez Fuga Libera. Ses tournées l’ontdepuis amenée de Berlin (Philharmonie), Amsterdam (Concertgebouw), Leipzig (Gewandhaus),Saint-Pétersbourg (Philharmonie), Londres, Tokyo ou Séoul.

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Élève de Marina Kapatinskaya à l’Académie de Musique d’État Pancho Vladigerov à Sofia,Plamena Mangova a poursuivi ses études à Madrid à l’École Supérieure de Musique Reina Sofiaavec Dimitri Bachkirov. Elle s’est également perfectionnée en Belgique auprès d’Abdel-Rahman El Bacha à la Chapelle Musicale Reine Élisabeth (Waterloo). Lors de nombreuses mas-terclasses, elle a également reçu les conseils de Leon Fleisher, Rosalyn Tureck, Krystian Zimerman,Ralf Gothoni, Andras Schiff, Mauricio Fucks, Zakhar Bron, Natalia Gutman ou Teresa Berganza.Elle est lauréate de la Fondation Juventus en France, et a remporté de nombreux prix dans degrandes compétitions internationale de piano et de musique de chambre (Paloma O’Shea àSantander, Vittorio Gui à Florence et prix Granados décerné par Alicia de Larrocha).

Plamena s’est produite avec de nombreux orchestres réputés (English Chamber Orchestra, UBSVerbier Festival Orchestra, BBC Philharmonic Manchester, Tokyo Philharmonic, SinfoniaVarsovia, Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Orchestre National de Belgique,Orchestre Symphonique de Saint-Pétersbourg, European Union Chamber Orchestra, MDR-Orchester Leipzig, Orchestre Symphonique de la Radio-Télévision Espagnole, Orchestre deChambre de la Radio Hollandaise, Orchestre de la RAI de Turin, Orchestre National de Lille,Orchestre Royal Philharmonique de Liège) sous la direction e.a. de sir Colin Davis, EmmanuelKrivine, Walter Weller, Tadaaki Otaka, Jean-Jacques Kantorow, Peter Csaba, Jaap vanZweden, Dmitri Jurowski, Karl Heinz Steffens, Jean-Claude Casadesus, Gilbert Varga, Jean-Bernard Pommier, François-Xavier Roth, Rossen Milanov. Fervente chambriste, elle se pro-duit avec des musiciens tels que Maria João Pirès, Augustin Dumay, Boris Berezovsky, DmitriMakhtin, Alexander Kniazev, Pascal Moragues, Jian Wang, Kyoko Takezawa, le quatuorMichelangelo (Mihaela Martin, Stephan Picard, Nobuko Imai, Frans Helmerson), le quatuorYsaÿe, Larry Dutton (alto du quatuor Emerson), Sebastian Klinger et Natalia Prischepenko (1er

violon du Quatuor Artemis).

Sa musicalité a été saluée dans les salles les plus prestigieuses (Philharmonie de Berlin, SuntoryHall de Tokyo, International Forum, Kennedy Center à Washington, Concertgebouwd’Amsterdam, Gewandhaus de Leipzig, Mozarteum de Salzbourg, Grande salle de laPhilharmonie de Saint-Pétersbourg, Philharmonie de Luxembourg, BOZAR, Flagey(Bruxelles), Komische Oper (Berlin), Théâtre du Châtelet (Paris), DeSingel (Anvers)) et dans

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les plus grands festivals (Verbier Festival & Academy, La Folle Journée de Tokyo et de Nantes,Festival International de Piano de La Roque d’Anthéron (grande scène), Great MountainsInternational Music Festival en Corée du Sud, Santander, Gstaad (Sommets Musicaux),Montpellier, Menton, Mecklenburg-Vorpommern, Bach Akademie Stuttgart, etc.).

Plamena Mangova a participé par deux fois au projet « Main dans la main », appuyé par MarthaArgerich et l’association « Médecins du Monde ». En novembre 2009 elle a participé au concertdonné à Paris en l’honneur de Mme Irina Bokova, la nouvelle secrétaire générale del’UNESCO. Elle est également invitée à donner de nombreuses masterclasses, en Espagne, enAfrique du Sud, au Japon, en Belgique (Chapelle Musicale Reine Élisabeth) et en Bulgarie(Académie de Sofia).

Depuis un premier enregistrement de musique de chambre pour Cypres (l’œuvre pour violonet piano de Prokofiev avec Tatiana Samouil), Plamena Mangova a enregistré pour Fuga Libera,en commençant par un diptyque consacré à Chostakovitch. Le premier volet, un récital solo(FUG517 – Préludes et 2e Sonate) a remporté le « Diapason d’Or de l’Année » en 2007. Lesecond (FUG525), rassemblant la soprano russe Tatiana Melnychenko, Natalia Prichepenko (1er

violon du quatuor Artemis) et Sebastian Klinger (violoncelle solo de l’Orchestre de la RadioBavaroise à Munich) dans le 2e Trio et les Romances sur des poèmes d’Alexander Blok, a remportéle prix « Supersonic » du magazine Pizzicato (Luxembourg). Un nouveau disque récital, consa-cré à Beethoven et soutenu par la banque Fortis dans la foulée de son succès au ConcoursReine Élisabeth (FUG530), a suivi et a été chaleureusement accueilli par les medias (Choix deFrance Musiques, d’Arte, 5 Diapasons…), de même que son enregistrement de la Burlesque deR. Strauss (FUG546) avec l’Orchestre National de Belgique et Walter Weller. Récemment,elle a retrouvé ces derniers pour enregistrer le 1er Concerto de Brahms (FUG573), ce qui lui avalu de vifs éloges du mensuel britannique Gramophone.

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Let us be provocative: the quest for authenticity that has characterised the last half-century ofevolution in the international musical world imposes the practice of the transcription. And soAlexander Kniazev and Plamena Mangova, not without upsetting taxonomic comfort, returnto the sources of musical practice from the days of Ysaÿe, that gigantic violinist who lies at theheart of this disc’s programme.

César Franck and Eugène Ysaÿe probably met during the latter’s first lengthy stay in Paris: itwas between 1876 and 1879 that the young violinist, freshly graduated from the Royal LiègeConservatory, had reached the French capital in order to receive the advice of Vieuxtemps.This foundational period for him (he met there, notably, Saint-Saëns, and his future historicpartner, the pianist Raoul Pugno) was coupled with an immersion in the ‘young Frenchschool’ after 1882, when, leaving Berlin and his lucrative activities, Ysaÿe returned to the Cityof Light for a second lengthy stay. This time, as well as his young colleague Armand Parent(the future violin teacher at the Schola Cantorum), he assiduously frequented the younger gen-eration of composers gathered about Franck: Chausson, Bordes, d’Indy, Pierné and many oth-ers, as well as Fauré, who would become one of his idols as a composer.

Franck was then sixty years old. Though he was still not exactly popular, his fame, slow toemerge, was nonetheless from then on firmly established. His music had indeed recently takena new turn: for some years, he had been busy endowing the Franckist school – that rather sedi-tious settler in the organ class of the Paris Conservatory – with successive masterpieces in sev-eral genres that he had until then quite neglected, as a master would do for his apprentices inorder to transmit his knowledge and skill. Chamber music, solo piano, symphonic works,

english

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songs: everything was there, even some operas that posterity has not retained.

In 1886 Ysaÿe had just been appointed by Gevaert to the advanced violin class at the RoyalBrussels Conservatory and he left Paris. He married in late summer; a few French friends, likethe poet Jules Laforgue and the composer Charles Bordes, travelled as far as Arlon, in BelgianLuxemburg. Bordes went with his sister-in-law, the pianist Marie Bordes-Pène, and with apresent under his arm: a sonata in manuscript, that Franck had decided – rather at the lastminute – to dedicate to the young Belgian master. After all, he might become famous andassure him some glory days.

It was an astonishing spark. Ysaÿe was gripped – as is understandable – by the sonata, and veryquickly gave the premiere at the Cercle Artistique & Littéraire in Brussels1. This was to be oneof his great warhorses right up to the end of his career.

The Sonata rapidly attracted performers of all sorts, keen to add to their repertory a work ofsuch fine nobility. This did not stop with violinists. Jules Delsart (1844-1900), the successor tothe great cellist Franchomme at the Paris Conservatory, was from Valenciennes; he had foundhimself, when Martin Marsick made his appeal, the only Frenchman in the latter’s celebratedParisian quartet – the diaspora of Belgian strings in Paris was then so great that it absorbed,rather than became absorbed. The version that Delsart, with the full agreement of the com-poser, his colleague at the conservatory, was to leave of the Sonata for piano and violin wouldtravel the world and – in spite of numerous rival versions – would become so widely knownthat the work was appropriated by cellists as being their own.

Among all the transcriptions of sonatas for piano and violin that flourished in the nineteenthand twentieth centuries, Delsart’s version of Franck’s Sonata would be one of the least contro-versial. It is true that rumours circulated as to the cello origin of the work, but this was neverproved. On the other hand, it is undeniable that Ysaÿe’s sound revealed itself to be of excep-tional depth in the low register, and that he was an excellent player of the viola (sometimes inpublic) as of the cello (he took the cello almost systematically when playing at home in a quar-

1 The current Cercle Royal Gaulois, Artistique & Littéraire, that has since occupied the same site.

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tet). The general gravity of the sonata, that is not without recalling certain analogous pieces ofSchumann, seems in fact to predispose it to transcriptions for lower instruments.

Apart from this, Franck’s Sonata is so well known it is hardly necessary to describe it. From thesubtle, metaphysical interrogation of the first movement to the canonic finale, it displays acyclical form dominated by musical ideas of the first order, presented in the course of its fourmovements in different aspects. The second movement, vehement and tragic, recalls the atmo-sphere of the Quintet of seven years previously and itself another supreme masterpiece. Therecitative-fantasia that constitutes the third movement is audaciously inventive, gravity becom-ing lyrical, contained but vibrant. The final canon, appearing like the sun after a storm, acts asa rondo refrain, the verses enabling some ultimate returns to preceding elements.

Among Franck’s songs, one can readily recognise several masterpieces, though they are oftenhandicapped by texts of mediocre value that have detracted from their durability in concertprogrammes. The transcription offered by Alexander Kniazev of the Nocturne (written in 1884to a poem by Louis de Fourcaud) avoids the problem for us, as it concentrates on a beautifulstrophic development of a musical idea that is both noble and simple.

Franck, his disciples – notably Chausson and d’Indy – and his contemporaries – especially Fauré– were crucial for the development of Ysaÿe’s personality as a composer. In the latter’s youth,marked as it was by Vieuxtemps and Wieniawski, nothing could prepare for the bolder har-monic language he was to employ from the 1890s, fired by the genius, prematurely cut off, ofGuillaume Lekeu. This language was to evolve continuously up to his famous six Sonatas forsolo violin 1923 (and one for solo cello that followed immediately). Between 1890 and the FirstWorld War, the language of Ysaÿe is roughly comparable to that of Joseph Jongen, but with amore unpredictable turn, more rhapsodic, more fantastical than that of his friend from Liège;he indeed came up against fairly generalised scepticism and his works circulated very little.Ysaÿe himself rarely played his own works in concert, preferring to give without measure forthe composers he appreciated – Saint-Saëns, Fauré, Chausson, d’Indy, Ropartz, etc., evenwhen he did not entirely approve of the language – as was the case with Debussy, whoseQuartet Ysaÿe premiered and many of whose works he conducted.

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The Berceuse op. 20 illustrates this ever unexpected harmonic talent. Dedicated “to MadameRosa Harris”, the work is deliberately dark and bears the epigraph “the poor, wretched Childfell asleep in sadness”. It was first composed for orchestra (string orchestra, flute and two horns)and then transcribed for piano. This morbid melopœia – quite the opposite of his Rêve d’en-fant, close to the Berceuse op. 16 of Fauré that Ysaÿe liked and recorded superbly – is a lyricalpiece in a slow waltz tempo. It concludes with a darkly lit coda strangely reminiscent of oneof Jongen’s most beautiful songs (op. 45).

Finally, the Poème élégiaque op. 12. A crucial work of the young Ysaÿe, inspired by theShakespeare of Romeo and Juliet, it was to leave its mark – without, however, being played verymuch – on the last decade of the nineteenth century, in that it heralded and inspired the Poèmeof Chausson, dedicated to Ysaÿe in 1896 by a composer “under the influence” of the violin-ist’s striking personality (the violinist intervened directly in the composition of certain passages).Written in 1892 and orchestrated ten years later, the Poème élégiaque, dedicated to the dearGabriel Fauré whom Ysaÿe championed, fully reveals the musical personality of Ysaÿe as it wasat the time, the inspirer of a whole generation of composers: generous, original, possessing adarkly powerful sweep, and revealing fascinating attractiveness. Structured as a straightforwardtriptych, enriched with cyclical elements, the composition bewitches through its sophisticatedinspiration, varied and never-ending melodic and harmonic inspiration; the central funeralmarch dominates, with its sumptuous harmonies. The version for cello given by AlexanderKniazev, though it demands virtuosity of a very high order, shows that, going beyond a pieceintended for the violin, the work possesses that exceptional density of a masterpiece, such astranscends instrumental barriers.MICHEL STOCKHEM (TRANSLATED BY JEREMY DRAKE)

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Alexander Kniazev, celloReal successor of Mstilav Rostropovich, Alexander Kniazev studied the cello at the MoscowConservatory under Alexander Fedorchenko and the organ under Galina Kozlova at theConservatory of Nizhni-Novgorod. He won the G. Cassado International Cello contest, theInternational contest of chamber music of Trapani and the International contest of Pretoria(UNISA) in South Africa.

Alexander Kniazev has played under conductors like: E. Svetlanov, Y. Temirkanov, M.Rostropovich, Y. Bashmet, V. Fedoseyev, M. Shostakovich, N. Järvi and K. Masur. He hasalso played with the Royal Philharmonic of London, the Bavarian Radio Orchestra, theGöteborg Symphonic, the Den Haag Residentie Orchestra, the Orchestre National de France,the Prague Philharmonic, etc. He was also invited at the Moscow festival “DecemberEvenings”, which was organised by Sviatoslav Richter, who has influenced him a lot.

His partners in chamber music are Brigitte Engerer, Evgeni Kissin, Vadim Repin, PlamenaMangova, Boris Berezovsky, Dmitri Makhtin and Nikolai Luganski. Alexander Kniazev alsoperformed as a trio with Boris Berezovsky and Dmitri Makhtin on the prestigious scenes of theConcertgebouw (Amsterdam), of the Brussels Palace of Fine Arts, at the London WigmoreHall, at the Salzburg Festival, and will soon perform at the Lincoln Center of New York. Heappeared recently with the Musikverein of Vienna with Vladimir Fedoseyev, performed theDvorak concerto at the Salle Pleyel of Paris, and with Evgeny Kissin and Silvia Marcovici atMontpellier Festival. He also performed the six Bach suites at the Philharmonia of St-Petersburg.

The trio Boris Berezovsky-Dmitri Makhtin-Alexander Kniazev recorded a DVD dedicated toTchaikovsky with the pieces for piano, violin and cello. This DVD was awarded a « Diapasond’Or » by the French magazine Diapason.

His Ernest Bloch CD, Shelomo, which was recorded with the Russian State SymphonicOrchestra under Evgeni Svetlanov, was highly acclaimed by the International music press.Furthermore, his Max Reger CD was awarded by the French music magazine Répertoire.

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Recordings with Warner Classics International include a CD of the Bach cello suites, anotherwith Shostakovich’s 2nd Trio and Rachmaninov’s Elegiac Trio with Boris Berezovsky and DmitriMakhtin, which was awarded by Gramophone, Diapason and received the Echo Award. On thesame label, Alexander Kniazev also recorded a Tchaikovsky album with the ChamberOrchestra of Moscow/Constantin Orbelian including the Rococo Variations, Andante Cantabileand the Romances, and the two Mendelssohn trios with Dmitri Makhtin and Boris Berezovsky- this last cd being crowned by a « Echo Award».

Recently Lontano/Warner Classics International released the Dvorak Cello Concerto with theTchaikovsky Symphony Orchestra of Moscow under Vladimir Fedoseyev and went on anEuropean tour with the same programme. Alexander Kniazev appeared with Boris Berezovskyat the Lincoln Center of New York, made a tour with the Russian Symphonic Orchestra inJapan, a concert at the Musikverein of Vienna with the Tchaikovsky Symphonic Orchestra ofMoscow/Alexander Fedoseyev. Soon he will play with Evgeny Kissin and Martha Argerich forthe 40th anniversary of Evgeny Kissin (October 2011 in Japan and January 2012 in Paris).

Plamena Mangova, pianoBulgarian pianist Plamena Mangova was one of the brilliant winners of the Queen ElisabethCompetition 2007 and embarked on an international career from Europe to Tokyo, SouthKorea, Berlin Philharmonic Hall, Amsterdam Concertgebouw, Leipziger Gewandhaus andSaint-Petersburg Philharmony notably. She was granted a most prestigious award of theFrench critics (Diapason d’Or of the Year 2007) for her first solo recording of Shostakovich’spiano music.

After training with Marina Kapatsinskaya at the Pancho Vladigerov Sofia State Music Academyin Bulgaria, Plamena Mangova received an important education and impulse in Madrid at theQueen Sofia Higher Music School with Maestro Dmitri Bashkirov. She also worked withAbdel-Rahman El Bacha at the Queen Elisabeth College for Music (Waterloo, Belgium). Atmasterclasses, Plamena received the precious advice of renowned musicians like Leon Fleisher,Rosalyn Tureck, Krystian Zimerman, Ralf Gothoni, Andras Schiff, Mauricio Fucks, or Teresa

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Berganza. She is laureate of the Juventus Festival in France and of important internationalpiano and chamber music competitions (“Paloma O’Shea” in Santander, “Vittorio Gui” inFlorence, Alicia de Larrocha’s Granados Prize).

Plamena Mangova performed with main orchestras – including English Chamber Orchestra,UBS Verbier Festival Orchestra, BBC Philharmonic Manchester, Tokyo Philharmonic,Tchaikovsky Symphony Orchestra of Moscow Radio, RAI Torino Orchestra, SinfoniaVarsovia, Luxemburg Philharmonic, National Orchestra of Belgium, St-PetersburgSymphony, European Union Chamber Orchestra, MDR-Orchester Leipzig, RTVESymphony Orchestra Madrid, Holland Radio Chamber Philharmonic, National Orchestra ofLille among others – notably under Sir Colin Davis, Emmanuel Krivine, Walter Weller,Tadaaki Otaka, Jean-Jacques Kantorow, Peter Csaba, Jaap van Zweden, Jean-ClaudeCasadesus, Dmitri Jurowski, Karl Heinz Steffens, Gilbert Varga, Jean-Bernard Pommier,François-Xavier Roth among others. A keen chamber music player, she had performed withsome of the greatest artists – Augustin Dumay, Maria João Pirès, Boris Berezovsky, AlexanderKniazev, Alexei Ogrintchouk, Pascal Moragues, Jian Wang, Kyoko Takezawa, theMichelangelo String Quartet (Mihaela Martin, Stephan Picard, Nobuko Imai, FransHelmerson), the Ysaÿe String Quartet, Larry Dutton (viola player of Emerson Quartet),Sebastian Klinger (cello concertmaster of Bavarian Radio Orchestra) and Natalia Prischepenko(leader of Artemis Quartet).

Her musicality was acclaimed on international venues, such as Berlin Philharmonic Hall,Tokyo Suntory Hall and International Forum, Kennedy Center in Washington,Concertgebouw (Amsterdam) at the project “Carte Blanche for Maxim Vengerov”,Gewandhaus (Leipzig), the Grand hall of the St-Petersburg Philharmony, LuxemburgPhilharmony, Bozar Centre for fine Arts (Brussels), Komische Oper (Berlin), Théâtre duChâtelet (Paris), DeSingel (Antwerp) and at major festivals – La Folle Journée in Tokyo andin Nantes, International Piano Festival La Roque d’Anthéron, in South Korea (GreatMountains International Music Festival), Santander, Gstaad (Sommets Musicaux),Montpellier, Menton, Mecklenburg-Vorpommern Festival, at Bach Akademie Stuttgart, etc.

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Plamena Mangova participated in two editions of a prestigious project called “Hand in Hand”in Brussels, highly supported by Martha Argerich. November 2009 was especially marked byan invitation to participate at a celebration concert in Paris, for which Plamena Mangovaplayed in honour of the new UNESCO General Secretary, Mrs.Irina Bokova. Plamena wasinvited to give masterclasses in several occasions - in Spain, South Africa, Japan, Belgium(Queen Elisabeth College for Music) and Bulgaria (Sofia Academy).

2011/2012 season would bring Plamena Mangova to Warsaw Philharmonic Hall, La RoqueD’Antheron Festival 80th birthday anniversary of Dmitri Bashkirov Concert, Paris Théatre desChamps Élysées debut recital, London’s Wigmore Hall, Essen Philharmonie, Lisbon andIstanbul, debut with the Rotterdam Philharmonic and Sir Andrew Davis, as well as withTrondheim Symphony under Alexander Vedernikov.

After a recording of Prokofiev’s complete works for violin and piano with Tatiana Samouil(Cypres), Plamena Mangova recorded for Fuga Libera a Shostakovich’s musical diptych. Thefirst CD, a solo-piano recital (FUG517, 2nd Sonata and 24 Preludes), was awarded a « Diapasond’Or de l’Année 2007 ». The second (FUG525) gathers the Russian soprano TatianaMelnychenko, Natalia Prischepenko (leader of the Artemis Quartet) and Sebastian Klinger(solo cello of the Bavarian Radio Symphony Orchestra Munich); it was crowned with a“Supersonic Prize” by the Luxembourg magazine Pizzicato. Another recital CD, publishedwith the help of Fortis Bank after her success in the Queen Elisabeth Competition, and dedi-cated to Beethoven (FUG530), was highly praised by the media (Choice of France Musiquesand of Arte Television, 5 Diapasons…). Her highly impressive performance of R. Strauss’Burleske with the National Orchestra of Belgium/Walter Weller was released in November2008 by Fuga Libera (FUG546) and was awarded by 5 Diapasons. More recently, she enjoyeda new collaboration with the same orchestra and its Austrian conductor in a recording ofBrahms’ first piano concerto (FUG573) which was warmly reviewed by Gramophone.

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Production

This is an

Outhere is an independent musical productionand publishing company whose discs are publi-shed under the catalogues Æon, Alpha, Fuga Libera, Outnote, Phi, Ramée, Ricercar and Zig-ZagTerritoires. Each catalogue has its own well defi-ned identity. Our discs and our digital productscover a repertoire ranging from ancient and clas-sical to contemporary, jazz and world music. Ouraim is to serve the music by a relentless pursuit ofthe highest artistic standards for each single pro-duction, not only for the recording, but also in theeditorial work, texts and graphical presentation. Welike to uncover new repertoire or to bring a strongpersonal touch to each performance of knownworks. We work with established artists but also invest in the development of young talent. The acclaim of our labels with the public and the pressis based on our relentless commitment to quality. Outhere produces more than 100 CDs per year, distributed in over 40 countries. Outhere is locatedin Brussels and Paris.

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From Bach to the future…

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