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ARTE GRIEGO
Asignatura: TALLE DE REF. ART.2
Prof.: CARLA FERRARI
Año: 2019 – 1*cuatrimestre
TP.N 3
Estudiante: FERNANDO PERALTA
Carrera: DISEÑO TEXTIL E INDUMENTARIA
Legajo: 82549
TP 3 Grecia y Roma. Entrega: 10/ y 11/10
Consignas:
Realizar un análisis comparativo respecto al arte desarrollado en Grecia y Roma, recurriendo para ello
a las referencias bibliográficas de carácter obligatorio. (Respetar normas de presentación de la
Facultad).
Realizar una propuesta de diseño, vinculada a su carrera, relacionada con el mismo y,
respondiendo su configuración formal a alguno de los períodos.
Pautas de Presentación:
Hojas tamaño A4, numeradas, con su correspondiente carátula según las normas de la Facultad.
El escrito debe incluir en su análisis imágenes en alta calidad,
En relación al objeto diseñado la técnica es libre, en el caso de ser un objeto tridimensional o
audiovisual presentarlo impreso para su corrección.
CRONOLOGIA
CIVILIZACION MINOICA (2600-1500 AC)
CIVILIZACION MICENICA (1600-1200 AC)
EDAD OSCURA (1100-800 AC)
EPOCA ARCAICA (800-500 AC)
EPOCA CLASICA (500-323 AC)
EPOCA HELENISTICA (323-31 AC)
Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.
Tras las invasiones de eolios, jonios, dorios y aqueos a finales del II milenio, la civilización micénica
va a desaparecer. Los eolios y los jonios van a ocupar los dos centros micénicos más importantes:
Atenas y Esparta.
Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a asentarse
una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas las cosas. Hay una
explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está determinado por la vida pública, por
la democracia. Grecia va a crear unas bases para la vida moderna.
G R E C I A
Las principales características del Arte Griego son:
Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista (mimesis).
Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.
Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros
momentos, pero, sobre todo, aportaciones propias.
El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo
dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo
de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología
muy representada en escultura.
Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.
Arquitectura Griega
Es una arquitectura que va a ir evolucionando a lo largo del tiempo, pero sus características se van
a definir desde un momento muy temprano. De la arquitectura griega civil han quedado muy pocos
restos, por lo que predomina la arquitectura religiosa que se conoce principalmente por Vitrubio.
Las principales características de la Arquitectura Griega son:
Es una arquitectura fundamentalmente adintelada, aunque conocen la bóveda no la utilizan.
Es monumental, pero no colosal como Egipto.
Es muy equilibrada en cuanto al trazado de su plantel esforzado es una fácil lectura
proporcionada por qué todo este hecho con una medida, con un canon.
Es fruto de un trabajo en equipo, lo que hace que sea una arquitectura de una gran
perfección, con mucha armonía. Esto fue conseguido principalmente en la época clásica. Al
ser una arquitectura armoniosa es una arquitectura bella.
El material es fundamentalmente la piedra y dentro de ellas el mármol es la preferida, pero
también se utilizaron otros materiales. El color era menos fuerte en el mármol que en otras
piedras. El aparejo es con una sillería regular y uniforme.
Va a llevar siempre elementos decorativos: cenefas, rosetas, ovas, perlas, palmetas.
El Templo griego
El templo es el edificio más significativo. Se construye según unos principios o normas, conocidos
como orden o estilo, que están basados en la columna. Estos órdenes arrancan desde las raíces
del arte griego: la raíz doria y la raíz jonia. A estos se les añade el orden corintio.
ORDEN DÓRICO (ARCAICO)
Es un orden más sobrio que da una sensación de mayor
pesadez.
Se ha relacionado con el hombre, es el orden idílico.
Su capitel es acojinado y termina en un ábaco (pieza
cuadrada sin adornos).
Los fustes son estriados. Sin basamento.
El dórico era el más antiguo y sencillo.
En la Acrópolis, este orden alcanza su máximo
refinamiento y expresión en el Partenón.
Partenón, Acrópolis (Atenas 450 AC): los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y
Calícrates. Templo dedicado a la diosa Atenea.
ORDEN JÓNICO (CLÁSICO)
Es el más estilizado, ornamental y femenino de los estilos.
Su capitel consiste en 2 grandes volutas y se remata con
el ábaco que sostiene el arquitrabe.
Su fuste tiene más estrías y es más alto que el dórico.
El orden jónico agrego una basa a la columna y desarrolló
un esquema más elaborado para el capitel.
El arquitrabe se divide en 3 secciones y el friso es
continuo
El Erecteón es un templo griego erigido en el lado norte de la Acrópolis de Atenas en honor a
los dioses Atenea Poliastre, Poseidón y a Erecteo, rey mítico de la ciudad. Su nombre significa "el
(templo) de Erecteo". De orden jónico, áptero, atribuido al arquitecto Filocles es uno de los más bellos
monumentos arquitectónicos griegos. Está hecho de mármol pentélico. Se construyó entre el
año 421 a.C. y 406 a.C.
ORDEN CORINTIO (HELENÍSTICO)
Es característico de la época helenística.
Su capitel presenta una ornamentación a base de hojas
de acanto.
Es el más alto y decorativo de los órdenes.
Se parece al jónico per añade capiteles más
elaborados.
Templo de Zeus en Olimpia, construido entre los años 470 y 456 a. C. El edificio fue construido por el
arquitecto Libón, con frisos tallados con metopas y triglifos y frontones llenos de esculturas en el estilo
severo.
El teatro
Se utiliza para las representaciones dramáticas, siempre tenían una moraleja o enseñanza
que transmitía al pueblo griego.
Los griegos aprovechaban la pendiente de la colina para construir el teatro.
No tenía escena (mampostería).
Su construcción se realizaba con una forma semicircular, donde tanto el sonido como la
visión resultan ser excelentes.
Partes del teatro griego: Orchestra, Koilon, Skené.
Teatro griego de Epidauro edificado en el siglo IV a. C. El teatro fue concebido por el arquitecto y
escultor Policleto el Joven.
Orchestra: Se trata del área circular y central de los teatros griegos, donde la tierra es compacta y
a la vez lisa. Está descubierto por completo, o sea, está al aire libre. Es en esta parte del teatro
griego donde se presentaba el coro, en el cual se cantaba y bailaba. Esta se conecta a unos
pasillos llamados parodoi, es por estos que los artistas acceden a la orchestra.
Koilon: Se trata del graderío del teatro, o sea, es el espacio desde donde se contempla, la zona
donde se sentaban los espectadores.
Esta parte del teatro tiene una forma semicircular y el lugar donde se sienta y se mantiene el público
para observar las presentaciones realizadas en la orchestra. La primera hilera de asiento eran
fabricados en base a mármol y decorados con inscripciones. Estos se destinaban sólo para el uso de
los sacerdotes y autoridades de Dionisos.
También había un muro pequeño que era conocido como balteus, el cual separaba la orchestra de
las gradas.
Skené: Llamado en español escena. Es la parte del teatro griego ubicado detrás de la orchestra,
donde se presentan los actores, la cual presenta una forma alargada, rectangular y a la vez estrecha
donde su mayor lado de cara al público.
Escultura griega
PERIODOS DE LA ESCULTURA
ARCAICA
PRIMER CLASICISMO
CLASICA
POSCLASICA
HELENICA
Escultura arcaica: se concibió durante los primeros siglos de su dominación en Grecia, era
bastante rígido y primitivo.
Hombres desnudos
Ojos almendrados, orejas con forma de voluta que recordaría al orden jónico
Tallada en su totalidad (exenta)
Rasgos hieráticos, sonrisa arcaica
Rasgos de músculos, simetría bilateral
1 pie de frente
Pelo largo y recto con corte rectangular
Talladas en mármol
Brazos rectos y pegados al cuerpo (a excepción de las mujeres, brazos en posición de
ofrenda)
Las vestimentas de las mujeres eran policromadas, con pliegues pegadas al cuerpo y con
motivos geométricos.
.
KOUROS = HOMBRE KORE = MUJER
Escultura del primer clasicismo:
Destreza en el perfeccionamiento de las formas, principalmente en el tratamiento de la
figura humana.
Imitación de la naturaleza
Tendencia hacia la idealización para que la belleza exprese la belleza propia del tipo
humano y de la naturaleza.
Más movimiento, se despega del hieratismo
Eran esculturas que componían un marco arquitectónico en el que se inscribían, por tanto,
la composición se adaptaba a la forma triangular del frontón.
Esculturas en bronce, mas movilidad en piernas y brazos que contrasta con el arcaísmo de
la cabeza y el rostro.
Se ponía pasta de vidrio en los ojos, para dar más vivacidad.
El pliegue en la vestimenta de las mujeres es más naturalista, caen de forma vertical que
han sido comparadas con las acanaladuras del fuste de una columna.
Escultura clásica (siglo V a IV AC)
Excelente dominio de la anatomía humana
Periodo de máximo esplendor del clasicismo
Con el desarrollo de estas características se consigue la máxima perfección y serenidad,
alcanzándose el ideal de belleza griego, aunque todavía con reminiscencias arcaicas
(todavía no se alcanza plenitud en el movimiento ni en la expresión)
Logro de la simetría: relación armoniosa de una parte del cuerpo con otras.
Aplicación del canon de belleza: proporción matemática entre las diferentes partes del
cuerpo y consiguen dominar las proporciones
Tratamiento más delicado de la piel
Los pies se levantan
Contraposto: contraposición de los miembros
La escultura tiene un apoyo (tronco)
No aparecen representadas todas las edades, son únicamente jóvenes atletas. No hay
niños ni adultos mayores.
Escultura más inestable
ARTISTAS DEL CLASICISMO
MIRON: fue un escultor y broncista de mediados del siglo V a. C.
Sus obras se caracterizan por:
La pasión en el movimiento,
Trabaja con composiciones en arco de circulo.
Tiene una concepción de la escultura como imagen de un instante fugitivo, capta el
movimiento en el momento de máximo esfuerzo del ejercicio atlético.
Movimiento con torsión del cuerpo, acompaña el tronco.
Mirón: El discóbolo (h.450 AC)
POLICLETO: llamado «el Viejo» para diferenciarlo de Policleto el Joven, fue un escultor
griego en bronce del siglo V a. C. nacido en Argos o Sición. Junto con los
famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. Aunque
ninguna de sus obras originales sobrevive, las fuentes literarias que identifican copias en mármol
romanas de su obra permiten reconstruir cómo eran.
Sus obras se caracterizan por:
Su estilo es el uso de una postura dinámica y equilibrada conocida como contraposto,
generada a través de la inclinación de los hombros y la parte superior del torso de manera
que los ejes de los hombros y las caderas no sean paralelos. Esto provoca que el peso del
cuerpo se apoye sobre una única pierna mientras la otra queda relajada.
El rostro se divide en 3 partes iguales: frente, nariz y de la nariz al mentón.
Se centra en el carácter anatómico de las figuras, ignora los sentimientos y trata las
cabezas como esferas inexpresivas.
Canon: el cuerpo mide 7 cabezas
Todos los costados presentan calidades distintas pero armoniosas.
Copia romana del Doríforo («portador de una lanza») Un Diadumeno policletiano en una copia de mármol
de Policleto, conservada en el Museo Arqueológico romana (Museo Arqueológico Nacional de Atenas).
Nacional de Nápoles.
FIDIAS: (Atenas, hacia 500 a. C.-Olimpia o Atenas, h. 431 a. C.) fue el más famoso de
los escultores de la Antigua Grecia. Vivió en la época de Pericles, que fue su principal protector y le
encargó la dirección de su gran proyecto de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas. Se
encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego».
Sus obras más célebres fueron la estatua de la diosa Atenea del Partenón (Atenea Partenos) y
la estatua de Zeus en Olimpia, ambas de madera revestida con fragmentos de oro y marfil, que se
convirtieron en modelos de perfección de la representación de divinidades.
Sus obras se caracterizan por:
La belleza idealizada de sus figuras, con expresiones en el rostro, que no trasmiten
sufrimiento ni gozo.
Estudio de la anatomía humana
Crea su propio estilo
La naturalidad en el drapeado de las telas, que adquieren un carácter móvil y difuso frente a
la geometralizacion propia del arcaísmo.
Técnica de los “paños mojados” (peplos-drapeado). Daba a las figuras vestidas (femeninas)
cierto sentido de desnudez al sugerir debajo de los ropajes, que se adherían al cuerpo, las
formas de este.
La Atenea Varvakeion, copia de Atenea Partenos, Apolo de Kassel, copia romana probablemente del
Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Apolo Parnopio de Fidias. París, Museo del Louvre.
Posclacisismo (siglo IV AC)
Mayor elegancia y refinamiento: el canon de las figuras es más alargado, los personajes
están representados con una menor robustez.
Delicadeza, blandura: se prefieren representar imágenes femeninas, o si se representan
varones se prefiere a los jóvenes más que hombres atléticos.
Las posturas de las imágenes son más inestables y desequilibradas
Se busca un mayor contraste entre las texturas, diferenciando partes lisas y rugosas, lo que
da como resultado la aparición de claroscuros
Los dioses se humanizan
Los rostros reflejan expresiones (phatos)
Los artistas trabajan más para particulares que para edificios públicos.
ARTISTAS DEL CLASICISMO
PRAXITELES: Nacido en Atenas hacia el 400 a. C. fue el más renombrado escultor
clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde
el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus
obras están caracterizadas por la llamada kharis o «gracia» ática.
Sus obras se caracterizan por:
Marca curvas y contracurvas (contraposto), perdiendo la ligera geometrización mantenida
en obras anteriores.
Imprime un perfil de S a sus esculturas, la llamada curva praxiteliana. Postura para dotar de
cierto movimiento a las figuras y consistente en apoyar todo el peso en una de las piernas y así
inclinar la cadera opuesta
Llegó a aplicar también el sfumato o difuminado: el paso de unas partes del cuerpo a otras
marcando los claroscuros con formas suaves que los difuminen.
También resulta un rasgo muy característico de las obras de Praxiteles su forma de modelar
la cara y los rizos.
Es el escultor de la delicadeza, la elegancia, la belleza y las superficies suaves, lo que ha
llevado a algunos críticos a calificar de blandas a sus figuras
La figura mira siempre a algo o a alguien
Están adaptados para verse de frente y de espaldas, más que desde los lados
Están adaptados para verse de frente y de espaldas, más que desde los lados
Apolo sauróctonos (matador de saurios) Tipo de Afrodita Cnidia
LISIPO: fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 390 a. C. Trabajador del bronce
en su juventud, aprendió por sí mismo el arte de la escultura, y más tarde se convirtió en líder de la
escuela de Argon y Sición. Vivió en la época de esplendor de Alejandro Magno, de quien fue el artista
predilecto y retratista oficial.
Sus obras se caracterizan por:
Altera el canon de 7 cabezas a 7 ½ cabezas logrando figuras más largas y esbeltas
Sus esculturas reflejan la conquista definitiva de la tercera dimensión, a través de escorzos
y líneas transversales cruzadas por delante del cuerpo.
Cupido tensando el arco, Museos Capitolinos, Roma. Apoximeno
SCOPAS o ESCOPAS: (nacido en Paros, actual Grecia, s. IV a. C.) escultor griego. Junto
con Praxíteles y Lisipo, se le considera la tercera gran figura de la escultura griega del periodo
posclásico (siglo IV a.C.). Alrededor del 350 a.C., cuando era ya un artista consagrado, le fue
encomendada a Escopas, junto con Timoteo, Briaxis y Leócares, la decoración escultórica del
Mausoleo de Halicarnaso, construcción funeraria erigida en honor del rey Mausolo que fue una de
las siete maravillas del mundo antiguo.
Sus obras se caracterizan por:
Más interesado por mostrar el estado anímico que el físico
Escopas creó unas figuras agitadas, representadas en un movimiento convulso, y puso en
los rostros una expresión de gran patetismo acentuada por los ojos profundamente
hundidos y la boca entreabierta.
En sus obras se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por el trazo nervioso,
la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad dramática.
Escopas abandona la idealización característica del clasicismo y anticipa la carga
emocional propia de la escultura helenística.
Meleagro y el jabalí de Calidón, de Escopa
Helenismo: periodo helenístico o periodo alejandrino (por Alejandro Magno) los limites cronológicos
vienen marcados por dos importantes acontecimientos políticos: la muerte de Alejandro Magno (323 a.
C.) y el suicidio de la última soberana helenística, Cleopatra VII de Egipto, y su amante Marco Antonio,
tras su derrota en la batalla de Accio (31 a. C)
Sus principales características son:
Acentuación de las formas, que nos lleva a un barroquismo que se deja ver en la
manifestación de los sentimientos, mayor movimiento y gran variedad de actitudes.
El niño, el anciano, la mujer son tratados en su realidad, alejados de los atributos
paradivinos del clasicismo. Aparecen figuras feas y grotescas que nos enseñan seres
deformes, enfermos, obesos, etc.
Los temas mitológicos se tratan con gran naturalidad.
Surgen escuelas y hay una expansión hacia Asia Menor y el área oriental del Mediterráneo.
Las escuelas más importantes son la de Pérgamo, Rodas y Alejandría. No es que tengan
características específicas ni se conocen exactamente los autores, es sólo porque son
obras realizadas en relación a una ciudad.
No siempre se conocen los autores y muchas obras se conservan por copias romanas.
Venus de Milo. Es una de las obras más Laocoonte y sus hijos (Hagesandro, Atenodoro y Polidoro de
Representativas del periodo helenístico. Rodas- 175-150 a.C.) mármol 242 cm de altura; museo Pio
Museo del Louvre. Clementino, Vaticano.
DISEÑO: FIGURIN
Elegí como fondo el Partenón, porque es el monumento más representativo de
Grecia, que refleja la armonía y la perfección en la arquitectura. Para dibujar el
figurín me guie por el principio del canon de 7 ½ cabezas de Lisipo que lograba con esta
técnica figuras más largas y esbeltas. Sus esculturas reflejan la conquista definitiva de la
tercera dimensión, a través de escorzos y líneas transversales cruzadas por delante del
cuerpo. Es un vestido que esta trabajado con drapeado simulando el trabajo del escultor
Scopas; que en sus obras se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por el
trazo nervioso, la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad dramática y
sensual.
Dentro de la paleta de color del textil que elegí esta: marfil.
Cantidad de colores: 1
Tela de base: algodón 70 % y lino 25%
TIPOLOGIA (Primavera-Verano)
OCASIONES DE USO: múltiples actividades del día a día. Mundo laboral o recreativo.
Ocasiones de ceremonias o galas.
Los diseños coloridos y creativos de los textiles muestran un espíritu aventurero,
espontaneo, joven y activo, para personas a las cuales les gusta llamar la atención con
sus prendas.
1*PIEL: VESTIDO DE ALGODÓN Y LINO: Se eligió el lino y el algodón, por ser esta fibra
natural un buen conductor del calor. El lino y el algodón tienen una recuperación de
humedad de 12% y no presenta acumulación estática.
Cuidado: el lino y el algodón son resistente a los álcalis y a los disolventes orgánicos.
También es resistente a las temperaturas elevadas. Se pueden lavar en seco o con agua
sin ningún cuidado especial y blanquearse con blanqueadores de cloro. Tiene baja
resiliencia y requieren plancharse una vez lavadas. El lino es más resistente a la luz solar
que el algodón.
RUBRO DE INDUMENTARIA ELEGIDO PARA EL DISEÑO:
ALTA COSTURA
Hoy, ninguna firma de moda vive de sus colecciones de Alta Costura. Se mantienen -además de para uso y disfrute de las pocas mujeres del mundo que pueden permitírselas- porque son signo de prestigio, parte de identidad de las firmas y parte fundamental para sostener el prestigio de la industria de la moda de París. Sin embargo, no fue un francés el que sentó sus bases. Charles Frederick Worth llegó a París desde su Inglaterra natal en 1845, cuando solo tenía 20 años. Allí la emperatriz Eugenia de Montijo, esposa de Napoleón III, enseguida se dio cuenta de
su talento y le convirtió en su protegido. Worth se ganó el prestigio a base de una clientela impecablemente vestida formada por miembros de la nobleza, actrices y "nuevas ricas", para las que hacía vestidos que carecían de ornamentación y buscaban siempre realzar la figura femenina. Sólo creaba un modelo por diseño y por tejido, de forma que cada vestido que salía de su taller era único e irrepetible. Entre sus innovaciones figuran presentar sus creaciones con modelos, crear colecciones anuales y firmar sus vestidos a mano. Los herederos de Worth se unieron en 1868 en la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, y algún tiempo después se sentarían las bases y requisitos para considerar utilizar el término Alta Costura, que está protegido por las leyes de comercio francesas. Esas bases y requisitos, dibujados en 1945, se suavizaron en 1992 y son los siguientes: - Las firmas deben presentar dos colecciones al año en París, que cuenten con un mínimo de 35 salidas (looks) entre diseños de día y noche. - Establecer, al menos, un atelier en París en el que se empleen como mínimo 20 artesanos trabajando a jornada completa, y que dediquen entre 100 y 1000 horas a cada prenda. - Garantizar la exclusividad de los tejidos utilizados. - Elaborar prendas a medida para cada clienta, a las que se realizan al menos tres pruebas antes de la entrega. De esta manera, cada modelo suele tener tres ejemplares: uno para el desfile, otro para la clienta, y otro que formará parte de los archivos de la firma. En total, la Chambre cuenta con 26 miembros, entre los que destacan los más antiguos, como Chanel o Christian Dior y algunas figuras nuevas, como los ingleses Ralph & Russo o la nueva etapa de Schiaparelli.
BIBLIOGRAFIA
https://www.arteespana.com/artegriego.htm
http://masdearte.com/especiales/praxiteles-la-suavidad-de-la-curva/
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/e/escopas.htm
https://www.arteespana.com/esculturahelenistica.htm
- Tecnología textil básica 2: fibras naturales y artificiales / Theodor Erhardt…(et.al). ---2°ed. ---
Mexico: Trillas, 1990 (relmp.1992)
- Introducción a los textiles. Norma Hollen.
DISEÑO