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San FranciSco Symphonymichael tilSon thomaS

IVES/brantA Concord Symphony

COPLanDOrgan SymphonyPaul Jacobs, organ

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Henry Brant Photo: Katu, 1999

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San Francisco SymphonyMichael Tilson Thomas, conductorPaul Jacobs, organ

Producer: Jack VadElectronic Media Manager: Edie ChengEngineering Support: Mark Donahue, Dirk Sobotka, Roni Jules, Uwe Willenbacher

Post Production Support: Marie Ebbing, Jonathon StevensArt Direction and Design: Alan TrugmanCover photo: Davies Symphony Hall Ruffatti Organ, by Jeanette Yu

All editorial materials © 2011 San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102 (415) 552-8000

Charles Ives (1874-1954) / Henry Brant (1913-2008)A Concord Symphony 50:05

I. Emerson 17:39II. Hawthorne 13:46III. The Alcotts 6:13IV. Thoreau 12:26

Aaron Copland (1900-1990)Organ Symphony 27:02

I. Prelude: Andante 7:13II. Scherzo: Allegro molto 7:40III. Finale: Lento–Allegro moderato 12:08

A Concord Symphony recorded live at Davies Symphony Hall, San Francisco, February 3-6, 2010. Organ Symphony recorded live at Davies Symphony Hall, San Francisco, September 22-25, 2010.

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A Concord SymphonyCharles Ives: Piano Sonata No. 2, Concord, Mass., 1840-60Orchestrated by Henry Brant

The Concord Sonata by Charles Ives (1874-1954), a towering classic of piano literature, emerged into being over many decades. Its first sketches date to 1904 and its final revision to 1947, but mostly Ives concentrated on it from 1916 to 1919. When he first committed it to publication, in 1920, he described it as “an attempt to present [an] impression of the spirit of transcendentalism that is associated in the minds of many with Concord, Mass., of over a half century ago.” He continued, “This is undertaken in impressionistic pictures of Emerson and Thoreau, a sketch of the Alcotts, and a scherzo supposed to reflect a lighter quality which is often found in the fantastic side of Hawthorne.”

Extraordinary by any standard, this music was unimaginably idiosyncratic in the context of its time. Much of it is written without bar lines, so free is its rhythmic behavior. In the second movement the pianist brings a wooden plank down on the keys to produce tone clusters. Unexpected visits are (or can be) paid by a solo viola in the first movement of this piano sonata and by a flute in the last movement.

The Canadian-born composer Henry Brant (1913-2008) was inspired by Ives’s ideas, and by the 1950s had grown so obsessed with the Concord Sonata that he began transcribing it for full orchestra.

He reported: “From 1958 until 1994 I worked on A Concord Symphony in odds and ends of spare time in between teaching, commercial orchestration and my own experimental composing. In undertaking this project, my intention was not to achieve a characteristically complex Ives orchestral texture (which in any case, only he could produce), but rather to create a symphonic idiom which would ride in the orchestra with athletic surefootedness and present Ives‘s astounding music in clear, vivid, and intense sonorities.”

Aaron Copland:Organ Symphony

On January 11, 1925, Walter Damrosch led the New York Symphony Orchestra through the premiere of Copland’s Symphony for Organ and Orchestra and then turned to the audience. “Ladies and gentlemen,” he proclaimed, “I am sure you will agree that if a gifted young man can write a symphony like this at twenty-three, within five years he will be ready to commit murder.” Copland took no offense. “It was a joke, of course,” he later recounted, “and I laughed along with the rest of the audience, but it was also Damrosch’s way of smoothing the ruffled feathers of his conservative Sunday afternoon ladies

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faced with modern American music.” It is remarkable to think that Copland had received his first formal lessons in music theory and composition only seven years earlier. Since that time he had spent three years in France studying with the remarkable Nadia Boulanger. It was she who instigated the commission of this work and who traveled to America to perform as the organist in its premiere. “The organ,” wrote Copland, “is treated as an integral part of the orchestra rather than as a solo instrument with orchestral accompaniment; yet, it always remains very much in the foreground.”

Following its premiere the work became widely hailed as an important statement of Modernism, and Copland’s name was linked to those of Henry Cowell, Carl Ruggles, and Edgard Varèse as an influential new voice in music. The nicest compliment of all came from the composer Virgil Thomson, who succeeded Copland as a student of Boulanger’s in France. Years later he would say, “The piece that opened the whole door to me was that Organ Symphony of Aaron’s. I thought that it was the voice of America in our generation.” But when the piece was new, Copland was delighted by the following exchange between Boulanger and Thomson: “When she asked Virgil Thomson his opinion of the Organ Symphony, he said, ‘I wept when I heard it.’ Nadia asked, ‘But why did you weep?’ Virgil replied, ‘Because I had not written it myself!’”

— James M. Keller

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The SAN FRANCISCO SYMPHONY gave its first concerts in 1911 and has grown in acclaim under a succession of music directors: Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (now Conductor Laureate), and, since 1995, Michael Tilson Thomas. In recent seasons the San Francisco Symphony has won some of the world’s most prestigious recording awards, among them France’s Grand Prix du Disque, Britain’s Gramophone Award, and a series of Grammy®s for recordings of music by Brahms, Orff, Prokofiev, and Stravinsky. The initial release in the Mahler cycle, of the Symphony No. 6, received the Grammy for Best Orchestral Recording of 2002, and the recording of the Mahler Third was awarded the Grammy for Best Classical Album of 2003. The recording of Mahler’s Seventh received Grammys for Best Orchestral Recording and Best Classical Album of 2006, and the recording of Mahler’s Eighth Symphony has been honored with three 2009 Grammy awards, for Best Classical Album, Best Choral Performance, and Best Engineered Classical Album. 2004 saw the launch of Keeping Score, a multimedia educational project on TV, DVD, radio, and the Web site keepingscore.org. For RCA Red Seal, Michael Tilson Thomas and the San Francisco Symphony have also recorded Berlioz’s Symphonie fantastique, two Copland collections, a survey of Ives’s music, and a Gershwin collection including works they performed at Carnegie Hall’s 1998 opening gala, telecast nationally on PBS’s

Great Performances. A Celebration of Leonard Bernstein (their Carnegie Hall 2008 opening gala concert) was also telecast nationwide and is available on DVD. The San Francisco Symphony performs regularly throughout the United States, Europe, and Asia, and in 1990 made stunning debuts at the Salzburg and Lucerne festivals. In 1980, the Orchestra moved into the newly built Louise M. Davies Symphony Hall. 1980 also saw the founding of the San Francisco Symphony Youth Orchestra. The San Francisco Symphony Chorus has been heard around the world on recordings and on the soundtracks of three major films: Amadeus, The Unbearable Lightness of Being, and Godfather III. Through its radio broadcasts, the first in America to feature symphonic music when they began in 1926, the San Francisco Symphony is heard throughout the US, confirming an artistic vitality whose impact extends throughout American musical life.

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MICHAEL TILSON THOMAS first conducted the San Francisco Symphony in 1974 and has been Music Director since 1995. A Los Angeles native, he studied with John Crown and Ingolf Dahl at the University of Southern California, becoming Music Director of the Young Musicians Foundation Debut Orchestra at nineteen and working with Stravinsky, Boulez, Stockhausen, and Copland at the famed Monday Evening Concerts. In 1969, Mr. Tilson Thomas won the Koussevitzky Prize and was appointed Assistant Conductor of the Boston Symphony. Ten days later he came to international recognition, replacing Music Director William Steinberg in mid-concert at Lincoln Center. He went on to become the

BSO’s Associate Conductor, then Principal Guest Conductor. He has also served as Director of the Ojai Festival, Music Director of the Buffalo Philharmonic, a Principal Guest Conductor of the Los Angeles Philharmonic, and Principal Conductor of the Great Woods Festival. He became Principal Conductor of the London Symphony Orchestra in 1988 and now serves as Principal Guest Conductor. For a decade he served as co-Artistic Director of Japan’s Pacific Music Festival, which he and Leonard Bernstein inaugurated in 1990, and he continues as Artistic Director of the New World Symphony, which he founded in 1988. Michael Tilson Thomas’s recorded repertory reflects interests arising from work as conductor, composer, and pianist. His television credits include the New York Philharmonic Young People’s Concerts, and in 2004 he and the San Francisco Symphony launched Keeping Score on PBS-TV. Among his honors are Columbia University’s Ditson Award for services to American music and Musical America’s 1995 Conductor of the Year award. He is a Chevalier des Arts et des Lettres of France, was selected as Gramophone 2005 Artist of the Year, was named one of America’s Best Leaders by U.S. News & World Report, has been elected to the American Academy of Arts and Sciences, and in 2010 was awarded the National Medal of Arts by President Obama.

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PAuL JACOBS, who at 23 played Johann Sebastian Bach’s complete organ works in an 18-hour marathon performance on the 250th anniversary of the composer’s death, has also presented the complete organ works of Olivier Messiaen throughout the US. He has performed in the 50 states and gave the inaugural performance of the restored Kuhn organ in New York City’s Alice Tully Hall. He made his Davies Symphony Hall debut in 2009, playing Poulenc’s Organ Concerto, as well as a solo recital celebrating the 25th anniversary of the Ruffatti organ, and in the fall of 2010 he joined Michael Tilson Thomas and the Orchestra on tour in Europe, in the Copland Organ Symphony. Paul Jacobs studied at the Curtis Institute of Music and at Yale. He won the 1998 Albert Schweitzer National Organ Competition and was the first organist to receive the Harvard Musical

Association’s Arthur W. Foote Award. In 2003 he joined the faculty of The Juilliard School, and in 2004 he was named chairman of the organ department, one of the youngest faculty appointees in the school’s history. In addition to performing and teaching, Paul Jacobs is featured frequently at international and national festivals and has appeared on American Public Media’s Pipedreams, Performance Today, and Saint Paul Sunday, as well as on NPR’s Morning Edition and ABC-TV’s World News Tonight.

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Charles IvesPhoto: Halley ErskineMSS 14 Ives Papers,Irving S. Gilmore Music Library, photo 197

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A Concord SymphonyCharles Ives : Sonate pour piano nº 2, Concord Mass., 1840-1860, orchestrée par Henry Brant La Concord Sonata de Charles Ives (1874-1954), grand classique de la littérature pianistique, a mis plusieurs décennies à voir le jour. Les premières esquisses remontent à 1904, et la révision finale date de 1947, mais Ives y travailla essentiellement de 1916 à 1919. Lorsqu’il la publia pour la première fois, en 1920, il la décrivit comme « une tentative pour traduire l’esprit du transcendantalisme que beaucoup associent à la ville de Concord, Massachusetts, d’il y a plus d’un demi-siècle ». « L’ensemble se réalise à travers des images impressionnistes d’Emerson et de Thoreau, poursuit-il, un croquis des Alcott, et un scherzo censé refléter le caractère plus léger qu’on trouve souvent dans le côté fantastique de Hawthorne. »La musique, extraordinaire à tous égards, est incroyablement originale dans le contexte de son époque. Le déroulement rythmique en est si libre qu’une grande partie est écrite sans barres de mesure. Dans le deuxième mouvement, le pianiste abaisse une planche en bois sur les touches pour produire des agrégats sonores. Des visites impromptues sont rendues (ou peuvent l’être) par un alto solo dans le premier mouvement et par une flûte dans le dernier mouvement de cette sonate pour piano.

Le compositeur canadien Henry Brant (1913-2008), inspiré par les idées d’Ives, était tellement obsédé

par la Concord Sonata dans les années 1950 qu’il entreprit de la transcrire pour grand orchestre. « De 1958 à 1994, dit-il, j’ai travaillé à A Concord Symphony à mes moments perdus, entre l’enseignement, mon travail d’orchestrateur professionnel et mes propres compositions expérimentales. [...] En me lançant dans ce projet, mon intention était non pas de parvenir à une texture orchestrale d’une complexité caractéristique d’Ives (que, de toute manière, lui seul pouvait produire), mais plutôt de créer un langage symphonique qui emmènerait l’orchestre avec une assurance vigoureuse et présenterait l’étonnante musique d’Ives dans des sonorités claires, vives et intenses.

Aaron Copland:Symphonie pour orgue et orchestre

Le 11 janvier 1925, Walter Damrosch dirigea la création de la Symphonie pour orgue et orchestre de Copland à la tête du New York Symphony Orchestra, puis se tourna vers le public : « Mesdames et messieurs, dit-il, je suis sûr que vous conviendrez avec moi que, si un jeune homme doué peut écrire une symphonie comme celle-ci à l’âge de vingt-trois ans, d’ici cinq ans il sera prêt à commettre un

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meurtre. » Copland ne s’en offusqua pas. « C’était une plaisanterie, bien sûr, raconta-t-il par la suite, et j’ai ri avec le reste du public ; mais c’était aussi pour Damrosch une façon de rassurer ses dames conservatrices du dimanche après-midi, confrontées à la musique américaine moderne. » Il est étonnant de songer que Copland avait reçu ses premières leçons officielles de théorie musicale et de composition sept ans plus tôt seulement. Depuis cette époque, il avait passé trois ans en France à étudier avec la grande Nadia Boulanger. C’est elle qui était l’instigatrice de cette commande et qui fit le voyage aux États-Unis pour tenir la partie d’orgue lors de la création. « L’orgue, écrit Copland, est traité comme une partie intégrante de l’orchestre plutôt que comme un instrument soliste avec accompagnement orchestral ; mais il reste néanmoins toujours au premier plan. »

Après la création, l’œuvre fut largement saluée comme un important manifeste du modernisme, et Copland fut considéré comme une influente voix nouvelle dans le domaine de la musique, au même titre que Henry Cowell, Carl Ruggles ou Edgard Varèse. Le plus beau de tous les compliments lui vint du compositeur Virgil Thomson, qui succéda à Copland en tant qu’élève de Boulanger en France. Des années plus tard, il raconta : « L’œuvre qui m’a ouvert les portes était la Symphonie pour orgue d’Aaron. Je pensais que c’était la voix de l’Amérique pour notre génération. » À l’époque où la partition était encore nouvelle, Copland fut ravi par cet

échange entre Boulanger et Thomson : « Lorsqu’elle demanda à Virgil Thomson son opinion sur la Symphonie pour orgue, il répondit : “J’ai pleuré quand je l’ai entendue.” Nadia lui demanda alors : “Mais pourquoi donc avez-vous pleuré ?” “Parce que je ne l’avais pas écrite moi-même !” répondit Virgil. »

— James M. KellerTraduction : Dennis Collins

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Le SAN FRANCISCO SYMPHONY, après avoir donné ses premiers concerts en 1911, a bâti sa renommée avec les directeurs musicaux qui se sont succédé à sa tête : Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (aujourd’hui Conductor Laureate), et, depuis 1995, Michael Tilson Thomas. Au cours des saisons récentes, le San Francisco Symphony a remporté certains des prix discographiques les plus prestigieux, dont le Grand Prix du disque français, le prix Gramophone en Grande-Bretagne, et une série de Grammy®s pour ses enregistrements de la musique de Brahms, Orff, Prokofiev et Stravinsky. Le premier disque de cette intégrale Mahler, avec la Sixième Symphonie, a reçu le Grammy du « meilleur enregistrement orchestral » de 2002, tandis que l’enregistrement de la Troisième de Mahler s’est vu attribuer le Grammy du « meilleur album classique » de 2003. L’enregistrement de la Septième de Mahler a reçu des Grammys comme « meilleur enregistrement orchestral » et « meilleur album classique » de 2006, et le disque de la Huitième Symphonie de Mahler a été distingué par trois Grammy Awards en 2009 : « meilleur album classique », « meilleure interprétation chorale » et « meilleure prise de son classique ». 2004 a vu le lancement de Keeping Score, projet pédagogique multimédia (télévision, DVD, radio et site web keepingscore.org). Sa discographie chez RCA Red Seal comprend également, sous la direction de Michael Tilson Thomas, la Symphonie fantastique de Berlioz, deux anthologies Copland, et une anthologie

Gershwin avec des œuvres qu’il donna pour le gala inaugural de Carnegie Hall en 1998, retransmis à la télévision dans tout le pays dans le cadre de l’émission Great Performances de PBS. A Celebration of Leonard Bernstein (concert de gala inaugural 2008 à Carnegie Hall), également télédiffusé à travers le pays, est disponible en DVD. Le San Francisco Symphony se produit régulièrement aux États-Unis, en Europe, en Asie, et a fait en 1990 de saisissants débuts au Festival de Salzbourg et au Festival de Lucerne. En 1980, l’orchestre s’est installé dans la Louise M. Davies Symphony Hall nouvellement construite. 1980 a également vu la fondation du San Francisco Symphony Youth Orchestra. Le San Francisco Symphony Chorus s’est fait entendre dans le monde entier sur disque et dans la bande-son de trois films importants, Amadeus, L’Insoutenable Légèreté de l’être et Le Parrain III. Grâce à ses retransmissions radiophoniques, les premières aux États-Unis à présenter de la musique symphonique lorsqu’elles ont débuté en 1926, le San Francisco Symphony est entendu à travers les États-Unis, confirmant une vitalité artistique dont l’effet se fait sentir dans toute la vie musicale américaine.

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Aaron Copland at TanglewoodPhoto: Victor Kraft

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Eine Concord-Symphonie Charles Ives’ Klaviersonate No. 2, Concord, Massachusetts (1840-60), orchestriert von Henry Brant

Die Entstehungsgeschichte der Concord-Sonate von Charles Ives (1874-1954), eines herausragenden Klassikers der Klavierliteratur, zog sich über viele Jahrzehnte hin. Ihre ersten Skizzen reichen bis ins Jahr 1904 zurück, ihren letzten Schliff erhielt sie 1947, Ives konzentriert sich jedoch vor allem zwischen 1916 und 1919 auf sie. Als er sie 1920 erstmals zur Veröffentlichung freigab, beschrieb er sie als “Versuch, [einen] Eindruck des transzendentalistischen Geistes zu vermitteln, der in den Köpfen vieler mit Concord in Massachusetts von vor mehr als einem halben Jahrhundert verbunden ist.“ Und weiter, “Dies wird anhand impressionistischer Bilder von Emerson and Thoreau, einer Skizze der Alcotts und einem Scherzo bewerkstelligt, das den Eindruck größerer Leichtigkeit erzeugen soll, wie man sie in dem fantastischen Wesenszug des zweiten Satzes (‚Hawthorne’) öft findet.

Welchen Maßstab man auch anlegt, diese Musik ist in jedem Fall außergewöhnlich und, gemessen am Kontext ihrer Zeit, unvorstellbar eigenwillig. Vieles ist ohne Taktstriche niedergeschrieben, so frei ist sie in ihrem Rhythmusverhalten. Im zweiten Satz drückt der Pianist ein Holzbrett auf die Tasten, um Toncluster zu erzeugen. Bisweilen erhalten wir überraschend

Besuch von einer Solo-Bratsche während des ersten Satzes und einer Flöte im letzen.

Der kanadischstämmige Komponist Henry Brant (1913-2008) hatte sich von Ives’ Ideen inspirieren lassen. In den 1950er Jahren war er von der Concord-Sonate bereits so besessen, dass er mit der Transkription für eine volle Orchesterbesetzung begann. Er schreibt: “Zwischen 1958 und 1994 arbeitete ich neben meiner Lehrtätigkeit, neben kommerziellen Orchestrierungen und meinen eigenen experimentellen Kompositionen jede freie Minute an der Concord-Symphonie. … Mit diesem Unterfangen wollte ich kein typisch komplexes Ives-Orchester-Konstrukt erreichen (was ohnehin nur er zustande gebracht hätte), sondern vielmehr eine symphonische Tonsprache schaffen, die im Orchester mit athletischer Trittsicherheit vonstatten geht und Ives’ erstaunliche Musik in klarer, lebendiger und intensiver Klangfülle zur Geltung bringt.“

Aaron Copland:Symphonie für Orgel und Orchester

Am 11. Januar 1925 wurde das New Yorker Symphonieorchester von Walter Damrosch durch die Premiere von Coplands Symphonie für Orgel und Orchester geleitet. Im Anschluss wandte sich

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Damrosch mit folgenden Worten ans Publikum, “Meine Damen und Herren, Sie werden sich sicher mit mir einig sein, dass ein begabter junger Mann, der im Alter von 23 eine solche Symphonie zuwege bringt, binnen fünf Jahren reif für den Selbstmord ist.“ Das war nicht als Beleidigung gemeint. “Natürlich war’s ein Scherz”, erinnert er sich später, “und ich lachte mit dem Publikum mit.” Gleichwohl handelte es sich um Damroschs Art, das gesträubte Gefieder seiner konservativen Sonntagnachmittagsbesucherinnen zu glätten, welche sich mit moderner amerikanischer Musik konfrontiert sahen.“

Es ist bemerkenswert, dass Copland erst sieben Jahre zuvor seinen ersten formellen Unterricht in Musiktheorie und Komposition genossen hatte. Seit damals hatte er in Frankreich drei Jahre mit dem Studium bei der bedeutenden Nadia Boulanger zugebracht. Sie war es, die die Beauftragung dieses Werk anregte und die eigens nach Amerika reiste, um bei dessen Premiere die Organistin zu geben. “Die Orgel”, schrieb Copland, “wird als integraler Bestandteil des Orchesters gesehen und nicht als Soloinstrument mit Orchesterbegleitung; und doch bleibt sie erheblich im Vordergrund.”

Nach der Premiere wurde das Werk als wichtiges Dokument der Moderne weithin umjubelt, und Coplands Name wurde in einem Atemzug mit Henry Cowell, Carl Ruggles und Edgard Varèse als einflussreiche neue Stimme der Musikszene

genannt. Das schönste Kompliment von allen hat ihm wohl der Komponist Virgil Thomson gemacht, welcher Copland als Student Boulangers in Frankreich nachfolgte. Jahre später ließ dieser wissen, “Das Stück, das mir die Türen weit geöffnet hat, war diese Orgelsymphonie Aarons. Ich hielt es für die Stimme Amerikas unserer Generation.” Als das Stück jedoch noch neu war, delektierte sich Copland an folgendem Dialog zwischen Boulanger and Thomson, “Als sie Virgil Thomson um seine Meinung bezüglich der Orgelsymphonie bat, sagte er ‚Ich musste weinen, als ich sie hörte.’ ‚Ja, warum denn weinen?’, fragte Nadja. ‚Weil sie nicht von mir stammt!’, gab Virgil zurück.“

— James M. KellerÜbersetzung: Luna Gertrud Steiner

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Das SAN FRANCISCO SYMPHONY Orchester gab seine ersten Konzerte im Jahre 1911 und hat seitdem bei wachsender Publikumsbegeisterung unter einer Reihe von Dirigenten konzertiert: Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (nun zum Ehren-Dirigenten ernannt) und seit 1995 unter Michael Tilson Thomas. In den vergangenen Jahren konnte das San Francisco Symphony Orchester einige der weltweit bedeutendsten Schallplatten-Preise gewinnen, wie den französichen Grand Prix du Disque, den britischen Gramophone Award und eine Reihe von Grammy®s für die Aufnahmen von Werken Brahms, Orffs, Prokofievs und Strawinskys. Die erste Aufnahme dieses Mahler-Zyklus, die 6. Sinfonie, erhielt 2002 den Grammy für die beste Orchesterproduktion des Jahres, und die Aufnahme der 3. Sinfonie wurde 2003 mit dem Grammy der Kategorie “bestes klassisches Album” ausgezeichnet. 2006 wurden dem San Francisco Symphony Orchester anlässlich der Aufnahme der 7. Sinfonie die beiden Grammys für die beste Orchesterproduktion und für das beste klassische Album des Jahres zuerkannt; die Aufnahme von Mahlers Achter wurde 2009 mit drei Grammys für das beste klassische Album, die beste Chorproduktion und das bestausgeführte klassische Album geehrt. 2004 wurde das multimediale Pädagogikprojekt Keeping Score im TV, auf DVD, über den Rundfunk und die Website www.keepingscore.org lanciert. Für den Label RCA Red Seal hat das San Francisco

Symphony unter Michael Tilson Thomas auch Berlioz’, Symphonie fantastique, zwei Copland-Alben, eine musikalische Auswahl von Charles Ives und eine Gershwin-Sammlung aufgenommen, die das Programm der Eröffnungsgala der Saison 1998 in der Carnegie Hall, New York, enthält. Die Celebration of Leonard Bernstein, eine Live-Aufnahme der Carnegie Hall-Eröffnungsgala von 2008, wurde bundesweit im Fernsehen ausgestrahlt und ist auf DVD erhältlich. Das San Francisco Symphony Orchester ist regelmäßig in den USA, Europa und Asien zu hören und debütierte 1990 mit großem Erfolg bei den Salzburger Festspielen und beim Lucerne Festival. 1980 übersiedelte das Orchester in die neuerbaute Louise M. Davies Symphony Hall. Im selben Jahr wurde zusätzlich das San Francisco Jugendsymphonie-Orchester gegründet. Der San Francisco Symphony Chorus ist auf dem Soundtrack der drei weltbekannten Filme Amadeus, Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins und Der Pate III zu hören. Das San Francisco Symphony Orchester hat nicht nur im Jahre 1926 als erstes amerikanisches Orchester überhaupt im Radio symphonische Musik aufgeführt, sondern wird auch noch heute überall in den USA gern gehört und leistet durch seine künstlerische Vielfalt einen wesentlichen Beitrag zum amerikanischen Musikleben.

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– WALL STREET JOuRNAL

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GUSTAV MAHLER

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