Pintura por Fran Núñez Arquitectura por Alejandro Suero

Escultura por Pedro Moreno

El Arte Renacentista

FASES DEL RENACIMIENTO 1º) Trecento (Finales XIV) Pisa

Comienza el Renacimiento, desarrollándose principalmente la pintura. Son los “primitivos italianos”: Giotto, Duccio y Simone Martini.

2º) Cuattrocento (Siglo XV) Florencia

El centro fundamental será Florencia, donde los Médicis ejercerán un fundamental papel de mecenazgo. Destacarán Brunelleschi (arquitectura), Donatello (escultura) y Botticelli (pintura).

3º) Cinquecento (Siglo XVI) Roma

El siglo XVI es el de la Reforma Protestante y de la respuesta católica, la Contrarreforma: los valores del catolicismo fijados en el Concilio de Trento encontrarán como vehículo fundamental de transmisión el Arte, bajo el mecenazgo de los Papas. Destaca la personalidad polifacética de Miguel Angel, junto a Bramante (arquitectura), Leonardo, Rafael, Tiziano y El Greco (pintura).

LA PINTURA RENACENTISTA

Características e innovaciones

El renacimiento se caracteriza por: La unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y de la belleza exterior

física imita la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.

Aumenta el uso referencias mitológicas, cultivando el retrato y las historias. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.

Abandono definitivo de los realces y dorados, predilección por los lienzos sin tabla y adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.

Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que establecerá a través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el descubrimiento y uso del óleo, una manera de pintar realista o verista que no se había dado antes.

El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa, con mayor o menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o escuelas de pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente. No existe unanimidad crítica ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se reúnen sólo geográficamente.

Pintura Itálica en el Quattrocento

Italia fue el foco del Renacimiento en todas sus manifestaciones. La pintura se desarrolló en el Quattrocento con la obra de Fra Angelico y de Masaccio creando una sensibilidad ajena al gótico. Emplea un uso metódico de la perspectiva lineal. La siguiente generación de artistas florentinos logró un mayor refinamiento con Sandro Botticelli como máximo exponente. En la segunda mitad del siglo XV surge una escuela pictórica en el centro de Italia. os más sobresalientes pintores venecianos de la época fueron los Bellini.

Pintura Itálica en el Cinquecento

La segunda fase del renacimiento italiano es el Cinquecento en el que aparecen los tres grandes nombres de la pintura renacentista: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.

A mediados de siglo, tras la muerte de los grandes maestros, la pintura se hace manierista, notándose primero en Florencia y Roma con Andrea del Sarto. En Parma surge una escuela cuya figura más sobresaliente es Antonio Allegri da Correggio, precursor del ilusionismo barroco con su decoración de la cúpula de la iglesia de San Juan Evangelista de Parma. Esta es la época en que aparecen los grandes maestros venecianos, con obras plenas de sensualidad colorido.

Pintura Flamenca

En el siglo XVI, existe una autonomía de géneros como el paisaje, el bodegón o la escena de género. Este proceso que culminó en el siglo XVII se inicia durante el renacimiento.

En Bélgica se produce la paulatina decadencia de Brujas. Pueden diferenciarse dos tendencias, la escuela de italianistas y la escuela de reaccionarios

Pintura Holandesa

Las escuelas holandesas empiezan con Lucas van Leyden quien se formó en el estilo de los flamencos italianistas como lo revelan sus cuadros del Sermón en el Museo de Ámsterdam y el San Jerónimo y la Virgen con el Niño en el de Berlín. Muy pronto la invasión del protestantismo disipó el verdadero ideal en la pintura holandesa y aunque sigue italianizante en el siglo XVI se limitan los asuntos a pintar las costumbres y paisajes del país. Martin van Heemskerck fue uno de los principales retratistas, aunque también se dedicó a la pintura de historia. En Holanda surgen los primeros retratos colectivos, en los que se destacará Frans Hals, de la ciudad de Haarlem.

Pintura Francesa En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia

flamenca. Se crean dos escuelas de Fontainebleau, que siguen modelos italianizantes.

En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, con Jean Clouet y su hijo François. El primero realiza lienzos mitológicos y retratos dibujados o a lápiz. François busca la caracterización social de sus modelos, aproximándose más a los modelos italianos y flamencos.

En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre, llamado el Viejo para diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven, realizó el primer gran desnudo pintado por un artista francés: Eva Prima Pandora (Museo del Louvre).

A finales de siglo, recuperada cierta paz social tras las guerras de la religión, el rey Enrique IV reemprende los grandes trabajos decorativos, naciendo así una «segunda escuela de Fontainebleau» que agrupa a los diversos artistas que trabajaron en el castillo.

Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Pierre) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano que nació en el pueblo de Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en  Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años. Algunas de sus obras fueron Bautismo de Cristo, Anunciación, La ultima Cena y La Gioconda

Sandro Botticelli Alessandro di Mariano di Vanni

Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 -Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

Miguel Ángel Michelangelo

Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Algunas de sus obras fueron Bóveda de la Capilla Sixtina y Santo Entierro

ARQUITECTURA RENACENTISTA

Características generales

- Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres miraban hacia el mundo greco-romano como modelo para su sociedad contemporánea.

- Visión profana sobre temas religiosos: Se integró la visión del mundo cristiano con el proyecto de recuperación de los ideales clásicos.

- Influencia de la naturaleza: Era vista como la creación suprema de la obra de Dios y elemento más próximo a la perfección.

- Antropocentrismo y Humanismo: El ser humano se convierte en el centro de atención y se deja atrás el teocentrismo, es decir, a Dios como centro de todo.

Desarrollo del Renacimiento- Alemania: En Alemania la corriente que existía era de influencia flamenca,

a pesar de que en Alemania tenía un estilo artístico muy particular. Los temas religiosos abundaban en las obras de arte de los alemanes, entre los que se destacan Matthias Grünewald (1475-1528) y el más importante Alberto Durero (1471-1528).

- España: En el campo de la arquitectura, tradicionalmente se distinguen tres periodos: Plateresco (siglo XV-primer cuarto del siglo XVI), Purismo o estilo italianizante (primera mitad del XVI) y estilo Herreriano (a partir de 1559-mediados del siglo siguiente). En el primero de ellos, lo renaciente aparece de forma superficial, en la decoración de las fachadas, mientras que la estructura de los edificios sigue siendo de arte gótico en la mayoría de los casos. Lo más característico del Plateresco es un tipo de decoración menuda, detallista y abundante, semejante a la labor de los plateros (de donde deriva el nombre). El núcleo fundamental de esta corriente fue la ciudad de Salamanca, cuya Universidad y su fachada son el paradigma del estilo

Arquitectos más destacados- Francisco de Colonia: Construyó la capilla de Santo Domingo del

desaparecido convento de San Pablo de Burgos, de la Orden de los dominicos. 

- Jacques du Broeuq: Dirigió los trabajos en el castillo de Boussu. También participa en la construcción del mausoleo de Eustache de Croy en la catedral de Notre Dame de Saint Omer.

- Rémy Faesch: Construyó las iglesias y el ayuntamiento de Basilea, en Suiza, así como de la Colegiata de Saint-Thiébaut y de la Halle aux blés de Thann, en Alsacia.

- Domenico Fontana: De mayor importancia son las modificaciones que realiza en la Basílica de San Juan de Letrán (1586).

- Luciano Laurana: Era un cantero en Zadar y trabajó junto al escultor Giorgio da Sebenico en la Catedral de Santiago de Šibenik. Dirigió las obras de un nuevo palacio encargado por Federico da Montefeltro.

Escultura renacentista

Características generales

1) Se imitarán las esculturas clásicas, utilizándose como modelos las estatuas y relieves romanas: simetría (relación armoniosa de unas partes con otras), dominio de las proporciones, dominio de la anatomía y armonía de los movimientos. Se busca la belleza y el equilibrio.

2) El material preferido será el mármol, rememorando el esplendor griego y romano. También el bronce aunque alcanzando una perfección magistral. Las esculturas en mármol no se policromarán, debido a que los artistas del Renacimiento creían que los escultores clásicos tampoco lo hacían.

3) En lo que se refiere a la temática, compartirán el protagonismo la religiosa y la profana. En esta última destaca la de carácter mitológico.

4) En cuanto a los géneros, serán variados a lo largo de todo el Renacimiento:

El retrato en todas sus variedades (busto, cuerpo entero, ecuestres). Mostrarán variedad de expresiones, estados de ánimo, etapas de la vida...El desnudo tendrá gran relevancia, alcanzando un perfecto conocimiento anatómico. Se realizará fundamentalmente a través de los temas mitológicos.Se realizarán imágenes de culto, aunque en menor medida de lo que se hace en España, donde los motivos religiosos ostentan el protagonismo temático.La escultura funeraria será otro de los géneros destacados, íntimamente relacionada con la idea humanista de la muerte. En la Edad Media la muerte triunfaba sobre el hombre; en el Renacimiento, el hombre triunfa sobre la muerte y lo hace a través de la “fama”: el sepulcro tratará de expresar las razones por las cuales aquella persona allí enterrada merece “fama” póstuma. A veces estas razones se expresan de manera simbólica.

5) Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura, dependiendo de ella.

6) El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del schiacciato (bajo relieve esbozado, en el que el resalte es de muy escasa profundidad, pareciendo algunos sectores del relieve una superficie grabada), con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva. Se le denomina también relieve pictórico, ya que lo que está más próximo al espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy bajo.

La escultura del Quattrocento

DONATELLO

Es sin duda la figura más sobresaliente del Quattrocento florentino. Lo más importante para él será la figura humana, creando los arquetipos escultóricos del hombre en sus distintas edades.DAVIDESTILO: RenacimientoPERÍODO: QuattrocentoCRONOLOGÍA: 1444 – 1446TÉCNICA: FundiciónMATERIALES: BronceDIMENSIONES: 1,58 MLOCALIZACIÓN: Museo Nazionale del Bargello, FlorenciaEl símbolo de David es siempre el de la victoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta. El joven adolescente vencedor tiene a sus pies la cabeza de Goliat e indolentemente se apoya sobre su pierna derecha, mientras incurva su cuerpo hacia la izquierda. El cuerpo, suavemente modelado, como corresponde a la anatomía en formación (blanda) de un adolescente, permite que la luz resbale por la superficie prestando fluidez a la figura, acentuando las calidades del bronce. El tratamiento sensual del cuerpo contrasta con la determinación de la mirada fija y reflexiva, de un espíritu victorioso. En la mano izquierda lleva una piedra alusiva al combate y, en la derecha, la espada, sujeta con una ligera torsión en el brazo para acomodarlo a la acción. Se cubre con un casco con pámpanos, remedando en su forma el petaso romano.Otras obras de Donatello en las que representa distintas edades del hombre son LA CANTORÍA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES (niños), la ESTATUA ECUESTRE DE ERASMO DE NARNI (adulto) y EL PROFETA HABACUC(vejez).

La escultura del Cinquecento

MIGUEL ÁNGEL

Aunque practicó todas las artes, él siempre se consideró como escultor. Ello provocó su angustia vital, pues estimaba que tanto la pintura como la arquitectura le distraían de su verdadera vocación escultórica.

Sus figuras no son reales sino modelos supremos a los que sólo se puede llegar por la imaginación. Las características más importantes de sus obras serán:

Fuerte expresividad (“terribilitá”), que hace que sus figuras muestren un carácter terrible, amenazador, con unos gestos dramáticos, que son reflejo de unos sentimientos contenidos, que provocan una intensa sensación de vida interior, mediante una total tensión en las figuras.Amplias anatomías (cuerpos muy musculosos), tratadas de un modo analítico.

Como escultor se forma en Florencia, aunque con sólo veinte años tiene que abandonar esta ciudad debido a la caída de los Médicis, y se traslada a Roma, donde los Papas serán sus mecenas el resto de su vida. En Roma, sus cuerpos tendrán cada vez más musculatura. Ello puede ser debido a la impresión que recibió por el descubrimiento en aquella época del grupo helenístico del Laocoonte. Sus desnudos están dotados de una fuerza en tensión sin igual ya que los músculos luchan por acusarse bajo la piel.

1º) Etapa de juventud

PIEDAD DEL VATICANOESTILO: RenacimientoPERÍODO: CinquecentoCRONOLOGÍA: 1498 - 1499TÉCNICA: TallaMATERIALES: MármolDIMENSIONES: 1,74 mLOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro del VaticanoLa Virgen tiene en su regazo el cuerpo muerto de Cristo. El idealismo simbólico de la representación se advierte en que la Virgen es más joven que su Hijo, como símbolo de la virginidad eterna y sin edad. Mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, aparece como un hombre cualquiera en sus despojos mortales. El grupo se concibe inserto en una pirámide, destacando, junto a la belleza y el cuidado tratamiento del cuerpo de Cristo, su magnífico estudio anatómico, así como la belleza perfecta de la Virgen, que no expresa ningún sufrimiento, y que sostiene a Cristo con su mano derecha, mientras extiende su izquierda como para ofrecerlo al mundo. El estudio de las telas, se ajustan a las formas anatómicas de la Virgen. Se insinúa una diagonal en el manto de la Virgen, por lo que la mirada se detiene en el torso de Cristo, para seguir por su brazo muerto hacia la parte inferior izquierda.

DAVIDESTILO: RenacimientoPERÍODO: CinquecentoCRONOLOGÍA: 1501 - 1504TÉCNICA: TallaMATERIALES: MármolDIMENSIONES: 4,34 mLOCALIZACIÓN: Museo de FlorenciaEjemplo de la perfección majestuosa del Cinquecento italiano. Es su obra culminante de esta época, destinada en principio a ser uno de los contrafuertes del Duomo, aunque después de ver culminada la obra, y debido a su perfección, el pueblo de Florencia presionó para que se colocara en otro lugar, emplazándose delante del Palacio Viejo en la plaza de la Signoría de Florencia. El héroe se apoya en su pierna derecha mientras que con la izquierda inicia el giro para lanzar la honda que apoya en su hombro; en su mano derecha sujeta una piedra y con la mirada sigue atento los movimientos de Goliat, buscando el momento oportuno para lanzar el proyectil. Magnífico estudio anatómico de un cuerpo en reposo, pero en el que está implícito el inmediato movimiento ,característica muy personal en la escultura de Miguel Ángel. Su potente musculatura, su expresión firme y segura, y un vigor resaltado especialmente por sus manos enormes, en cierto modo están anunciando ya la tensión manierista y la grandilocuencia miguelangelesca.A través de esta obra podemos descubrir el genio de Miguel Ángel, así como sus extraordinarios conocimientos tanto en el campo de las artes como de las ciencias:por mantener de pie una figura tan “desproporcionada” en relación a su altura (la esculpió sobre un bloque de piedra muy alto y estrecho, del cual otro escultor dijo que no se podía obtener nada por eso mismo), Miguel Ángel demuestra sus conocimientos de física, reforzándola con un tronco que dispone detrás de una de las piernas

también demuestra sus conocimientos de anatomía, por la fidelidad en el comportamiento de los músculos e incluso de las venas (parece probado que diseccionaba cadáveres para comprender el funcionamiento del cuerpo humano y reflejarlo en sus esculturas, pese a que esa práctica estaba perseguida por los tribunales eclesiásticos)y, por su puesto, queda patente su dominio del arte de la escultura.

Otro aspecto a destacar es el simbolismo de esta escultura. No podemos olvidar que estaba destinada a un lugar público de Florencia, para ser contemplada por todos los florentinos. Se esculpe por encargo del gobierno de la ciudad, en un momento en el que Florencia, una pequeña ciudad-estado (reflejada en el David), está disputando el comercio del Mediterráneo a otras ciudades italianas mucho más potentes (que serían el “Goliat” contra el que luchaban). Precisamente este simbolismo es el que nos permite explicar dos “defectos” de la escultura: la desproporción de la mano y de la cabeza, en comparación con el resto del cuerpo (son mucho más grandes de lo que corresponde). Pero es que a través de esa desproporción Miguel Ángel pretende mostrar a los florentinos, el camino para derrotar a las otras ciudades: mediante la cabeza (la inteligencia) y mediante la mano (la fuerza). (Iconografía- Iconología)

FIN