ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS

WILLEM DE KOONING (1904/1997)

Pintor norte-americano de origem holandesa nasceu emRotterdam e emigrou para os Estados Unidos em 1926.

Um dos expoentes do expressionismo abstrato, particularmenteda forma chamada pintura ação.

No início suas obras são conservadoras, mas a amizade com opintor Arshile Gorky, a partir de 1927, coloca-o em contato com ocírculo de artistas que muito o influenciariam em suas formasexpressionistas.

Na década de 30 adota diversos estilos simultaneamente,entregando-se à experimentação com grande vigor. Compinceladas violentas, produz composições geométricas.

Em 1938 começa a pintar formas masculinas e quadrosabstratos coloridos. Após a primeira exposição individual, em1948, passa a ser considerado, ao lado de Jackson Pollock, olíder da nova corrente, o expressionismo abstrato.

Seu trabalho mais famoso é a série Mulheres (1950-1953), quemostra formas femininas em pinceladas frenéticas. Suas obraschocam o público. Na década de 70 demonstra renovadointeresse pela paisagem, como em...Cujo Nome Estava Escritona Água (1976) e Sem Título III (1980). Nessa época se dedicatambém à escultura. Morre em Long Island, perto de Nova York,aos 93 anos.

JACKSON POLLOCK (EUA 1912/1956). 1

Importante pintor dos Estados Unidos da América e referência nomovimento do expressionismo abstrato, Pollock desenvolveu uma técnicade pintura, criada por Max Ernst, o 'dripping' (gotejamento), na qualrespingava a tinta sobre suas imensas telas.

Pintava com a tela colocada no chão para sentir-se dentro do quadro.Pollock parte do zero, do pingo de tinta que deixa cair na tela, paraelaborar suas obras. Além de deixar de lado o cavalete, Pollock tambémnão mais usa pincéis.

Adolescente com problemas escolares, desde cedo se envolveu com oálcool e jamais conseguiu libertar-se dele. Fez tratamento psiquiátricoalgumas vezes, mas sempre retornava ao vício. Na década de 40conheceu Lee Krasner, pintora abstrata com quem se casou e que oapresentou a pessoas importantes no mundo da arte.

Lee abandonou praticamente sua carreira para dedicar-se a Pollock,ajudando-o na luta contra o álcool. Por causa dele foram morar em umlocal afastado, procurando criar melhores condições nessa luta. Apesar detodo o esforço, o artista sempre retornava à bebida. A separação acabouacontecendo e foi mais um motivo depressivo para o artista.

Suas telas, imensas, eram pintadas antes de serem estiradas. Issopermitia que o artista praticamente caminhasse sobre a tela, fazendo partedela durante o processo de pintar.

A arte de Pollock combinava a simplicidade com a pintura pura e suasobras de maiores dimensões possuem características monumentais. ComPollock, há o auge da pintura de ação (action painting).

Polêmico, irrequieto, perturbador, diferente... São apenas algunsqualificativos que se pode atribuir a Jackson Pollock, que teve uma vidamuito tumultuada.

Pollock é considerado um dos mais importantes personagens da pinturapós-guerra. Apesar de ter seu trabalho reconhecido e com exposições porvários países do mundo, Pollock nunca saiu dos Estados Unidos.

Aos 44 anos, em agosto de 1956, quando voltava dirigindo embriagado deuma festa, morreu em um acidente de carro. Ele simplesmente chocou-secom uma árvore.

JEAN-MICHEL BASQUIAT (NY, EUA 1960/1988)

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Tinha ascendência portorriquenha por parte de mãe e haitianapor parte de pai. Desde cedo mostrou uma aptidão incomumpara a arte e foi influenciado pela mãe a desenhar, pintar e aparticipar de atividades relacionadas ao mundo artístico.

Aos oito, é atropelado por um carro, quebra o braço e sofre umasérie de lesões. Durante a internação, ganha uma cópia darevista Gray’s Anatomy da mãe. Foi dessa experiência quenasceram seus primeiros desenhos com noções de anatomia.

Em 1976, após viver alguns anos com o pai e os irmãos emPorto Rico, volta a Nova York e completa seus estudos na City-as-School, uma escola de fundamento pedagógico progressivo –de linha alternativa, moldada para jovens prodígios comdificuldades de adaptação ao ensino tradicional.

Com um estilo original, espontâneo, humilde e visceral, foi umdos artistas plásticos mais conhecidos nos anos 1980 e pioneirodo movimento underground.

Através da poesia, do desenho, da pintura e, em menor escala,da música, atacava estruturas de poder, o racismo, ocolonialismo e a exploração dos negros e pobres através da lutade classes. Seus desenhos costumavam deixar bem claras asdicotomias sociais contemporâneas, como “riqueza x pobreza”,“integração x segregação”.

Em 1977, aos 17 anos, Basquiat e um amigo, Al Diaz,começaram a fazer grafite em prédios abandonados emManhattan. É quando começa a ganhar notoriedade por seutrabalho e torna-se mais tarde um pintor neo expressionista.

Em 1978 abandonou a escola e saiu de casa, apenas um anoantes de se formar. Passou a viver com amigos, sobrevivendoatravés da venda de camisetas e postais na rua.

Um ano depois, em 1979, contudo, Basquiat ganhou um statusde celebridade dentro da cena de arte de East Village emManhattan por suas aparições regulares em um programatelevisivo.

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Basquiat começou a ser mais amplamente reconhecido em junhode 1980 quando participou do The Times Square Show, umaexposição de vários artistas patrocinada por uma instituição denome "Colab".

Já em 1982 era visto freqüentemente na companhia de artistasconhecidos, como Julian Schnabel e outros, que ficaramfamosos depois como os "neo-expressionistas".

Dois anos depois, em 1984, já se encontrava em uso excessivode drogas.

No dia 10 de fevereiro de 1985, Basquiat foi capa da revistado The New York Times e teve uma reportagem dedicadainteiramente a ele.

Com o sucesso, foram realizadas diversas exposiçõesinternacionais em todas as maiores capitais europeias. Basquiatmorreu de um coquetel de drogas em seu estúdio, em 1988.

Após sua morte, um filme que levava seu nome foi lançadocontando sua biografia, dirigido por Julian Schnabel e com oator Jeffrey Wright no papel de Basquiat.

As pinturas de Basquiat ainda são influência para vários artistase costumam atingir preços altos em leilões de arte.

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ANDY WARHOL (EUA 1928/1987)

Andrew Warhola, nasceu na cidade de Pittsburgh, EUA, de paisoriginários da Eslováquia.

Durante a infância, Warhol foi acometido por uma enfermidadeque atingiu seu sistema nervoso central, provocando no garotouma reação de extrema timidez.

Fez seus estudos no Liceu de Schenley e também no MuseuCarnegie, localizado próximo à instituição onde ele estudava.Cursou design no Instituto de Tecnologia Carnegie, onde jáexercitava seu estilo polêmico, pois se recusava a aceitar asnormas estabelecidas.

Os projetos por ele executados durante a graduação levaram-noa receber um prêmio concedido por esta instituição, com aconsequente exposição de seus trabalhos.

Ao concluir o curso ele seguiu para Nova York, iniciando acarreira de ilustrador, tendo trabalhado em importantes revistascomo a Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, e tambémcomo produtor de anúncios e displays publicitários para seremexibidos nas vitrines de vários estabelecimentos comerciais.

Sua trajetória profissional como artista gráfico foi muito bemsucedida. Ao longo de sua jornada ele conquistou inúmerosprêmios como diretor de Arte do Art Director's Club e do TheAmerican Institute of Graphic Arts.

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Sua primeira exposição individual foi em 1952, na Hugo Gallery,com a mostra de quinze desenhos inspirados na produção deTruman Capote, jornalista e ficcionista norte-americano. Estestrabalhos foram também exibidos no MOMA, NY, em 1956,quando ele passa a assinar suas obras como Andy Warhol.

Na década de 60, sua trajetória como artista plástico sofre umareviravolta, pois ele passa a se apropriar das ideias publicitáriasem suas criações, valendo-se de tonalidades fortes e tintasacrílicas. Neste mesmo período ele renova o movimentoconhecido como pop art ao gerar mecanicamente inúmerascópias de seus trabalhos, através de uma técnica denominadaserigrafia - processo de reprodução de imagens sobre papel,madeira, vidro, entre outros materiais.

Ele concretiza essa produção artística com temas extraídos dodia-a-dia, como latas de sopas Campbell, garrafas de Coca-Cola,rostos de ícones da indústria cultural, entre eles os de MarilynMonroe, Elvis Presley, entre outros. As colagens e a utilização dematéria-prima descartável, geralmente não utilizada pelosartistas plásticos, foram outras técnicas privilegiadas por Andy.

No ano de 1968 ele é vítima de um atentado perpetrado por umamilitante do grupo Society for Cutting Up Men - Sociedade paracastrar homens -, Valerie Solanis. O tiro que o alveja não oconduz à morte e inspira o filme I shot Andy Warhol - Eu atirei emAndy Warhol -, de1996, dirigido por Mary Harron.

Warhol, um dos criadores e principal representante da Pop Art,pintor e cineasta norte-americano, morreu em Nova York, no dia22 de fevereiro de 1987, quando após uma cirurgia bemsucedida da vesícula biliar, teve um problema cardíaco.

Famoso durante 35 anos, ele foi o criador da frase: “No futuro,qualquer um será célebre por quinze minutos”, insinuando que aarte é um mero produto comercial, disseminado através demeios de produção massificados.

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RICHARD SERRA (1939 - EUA)

É considerado um dos artistas mais importantes do pós-guerra.Recentemente tem feito trabalhos de grande escala em aço, mas járealizou obras com diferentes tipos de materiais industriais comoborracha, chumbo e lâmpadas.

Conhecido também por colocar em confronto a obra e o espaço públicocomo na polêmica escultura "Tilted Arc - 1987", retirada do local apósmobilização dos habitantes (de uma área nobre de Nova Iorque queconsideraram a escultura ofensiva.

Uma série de esculturas em aço corten, nomeada The Matter of Time, é aúnica exposição permanente no museu Guggenheim, em Bilbao,Espanha).

Ainda adolescente trabalhava em suas férias numa siderúrgica onde teveseu primeiro contato com o metal e com o trabalho em altas temperaturas.Filho de um espanhol e de uma russa, Serra se formou em Inglês e pós-graduou em Arte na Universidade de Yale.

Ao voltar de uma temporada na Europa, na segunda metade da décadade 1960, Serra mergulha na onda do minimalismo e da desconstrução.A escultura parecia encontrar a abstração em ângulos retos, tecnológicos,limpos e, em muitas ocasiões, nada mais que experimentais.

Começa a trabalhar com aço e percebe a força e estabilidade que estematerial proporciona. Utiliza placas de aço com diferentes comprimentos ealturas aplicadas ao meio urbano ou rural, mudando a percepção do locale do transeunte.

Produz peças que pesam toneladas e possuem autossustentação (algodefendido desde sempre por Serra como uma condição para a criaçãodestas obras). Não há pregos, amarras ao chão, fundações ou outros

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meios para manter as esculturas estáveis. Apenas a gravidade aplicada àmassa do aço somados a cálculos precisos fazem tais estruturas semanterem em pé, muitas vezes sendo curvadas e inclinadas em ângulossurpreendentes.

Com esses trabalhos Serra é visto pela critica como um artistagenuinamente contemporâneo, utilizando materiais novos, superando aindústria e a engenharia, com muitas inserções importantes da arte nomeio urbano. Tem reconhecimento internacional.

GERHARD RICHTER (Dresden, Alemanha (1932)

Cresceu na Alemanha oriental, tendo vivido 16 anos sob o regimecomunista da Alemanha do leste. Estudou na Kunstakademie de Dresdenentre 1952 e 1957.

A partir de 1961 passa a viver na Alemanha ocidental, entre Colonia eDusseldorf. Era já conhecido como pintor de murais e começa a trabalharcomo técnico de fotografia. Frequenta a Staatliche Kunstakademie deDusseldorf de 1961 a 1964. Entra aí em contato com o expressionismoabstrato e também com uma série de tendências avant garde. Entra emcontato com os artistas de sua geração, como Sigmar Polke, que seidentificavam como artistas pop. Foram, por um breve período, iniciadoresde uma variante satírica do pop a que chamavam “realismo capitalista”.

Em 1962 iniciou pinturas que fundiam a iconografia jornalística e retratosde família com um realismo austero baseado na fotografia. Richterestabeleceu o seu percurso através de um enredo de "ismos" queprosperavam à sua volta.

A primeira exposição individual de Richter foi realizada numa loja demóveis (Möbelhaus Berges), em Düsseldorf, em 1963, quando o artistaapresentou pela primeira vez o estilo fotografia-pintura, tendo utilizadofotografias de paisagens, retratos e naturezas-mortas como base para assuas pinturas. O artista manchou as imagens ou objetos apresentados,afastando-se da pintura figurativa tradicional, de forma a diferenciar a

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pintura da fotografia. Em 1967, Richter ganhou o prémio de arte JungerWesten da cidade de Recklinghausen na Alemanha. A partair daí elecomeçou a sua fase "construtivista", que incluiu trabalhos como ColorCharts,Inpaitings, Gray Paintings e Forty-eight Portraits, assim como otrabalho com espelhos.

No início da década de 1970 evoluiu para uma pintura monocromáticasóbria que evocava a corrente minimalista, mas com uma diferençasignificativa no que respeita ao objetivo e ao sentimento. No final dadécada de 1970 e início da década de 1980, as pinturas sobre tela decores brilhantes e ousadamente delineadas sugeriam mas tambémdiferiam da pintura neo-expressionista.

Em 1988, Richter produziu um ciclo de 15 pinturas em preto e brancointituladas October 18, 1977, baseadas em fotografias de imprensa sobreo grupo Baader-Meinhof, um bando de radicais alemães que morreramnuma prisão de Stuttgart naquela data em circunstâncias trágicas ealtamente controversas.

Este grupo de pinturas marca uma ruptura na carreira de Richter. Sãoimpressões (sobre papel fotográfico) e objetos que produz em edições dealgumas centenas, dando àqueles que não têm acesso aos níveiselevados do mercado da arte a possibilidade de adquirir um trabalho deum dos mais notáveis artistas do século XX.

Sob todos os aspectos na sua arte, Richter assumiu uma distância céticade vanguardistas e conservadores no que respeita ao que deveria ser apintura, escolhendo, em vez disso, testar os limites do que ele comoartista poderia criar fora das convenções formais e do legado ideológicocontraditório.

O resultado, paradoxalmente, tem sido a mais completa "desconstrução"dessas convenções e, ao mesmo tempo, um dos mais convincentesexemplos de renovada vitalidade na pintura dos finais do século XX einícios do século XXI.

A produção artística de Gerhard Richter pode ser inserida em trêscategorias:

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FIGURATIVA - todas as pinturas são baseadas na fotografia ou nanatureza;

CONSTRUTIVISTA - trabalho mais teorético como tabelas de cor, painéisde vidro e espelhos;

ABSTRATA - quase todo o trabalho realizado desde 1976, com exceçãode naturezas-mortas e paisagens.

A variedade no seu trabalho não indica uma falta de interesse pelarealidade, mas SIM uma grande confiança ao apresentar modelosdiferentes de forma a transmitir isso mesmo. De fato, a começar pelo seuprimeiro trabalho, Richter tem facilmente combinado, nas suas pinturas,tanto a figuração como a abstracção.

Richter tem um corpo de trabalho importante no campo da pintura, masfez também peças com vidros e espelhos além do seu Atlas (7.000 fotos),uma colecção de imagens fotográficas por ele recolhidas, sendo quemuitas delas serviram de base para as suas pinturas foto-realistas.

Em 1972, Richter foi escolhido para representar a Alemanhana Bienal de Veneza, onde apresentou o trabalho 48 Portraits. Nessemesmo ano, participou na Documenta de Kassel, na Alemanha.

Fez outras exposições em seu país em 1977, 1982 (ganhou oPrêmio Arnold Bode) e 1987.

Sua primeira exposição retrospectiva aconteceu em 1976 no Kunsthalle,em Bremen, onde apresentou uma selecção de trabalhos realizados entre1962 e 1974.

Em 1988 teve a sua primeira exposição retrospectiva no EstadosUnidos no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, que itineroupara Washington e São Francisco.

Richter é professor na Staatliche Kunstakademie de Düsseldorfdesde 1971. Em 1983, o artista mudou-se para Colônia, onde reside.

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Em 2009, a sua obra Claudius, avaliada em R$ 3,6 milhões, foiapreendida pela Receita Federal do Brasil no Aeroporto Internacional deViracopos em Campinas, São Paulo, devido à entrada no país comdocumentos falsos.

Em 27 de abril de 2010 foi doada ao Instituto Nacional de PatrimônioHistórico e Artístico Nacional (Iphan) e desde então integra o novo acervode arte contemporânea do Iphan, instalado no Paço Imperial no Rio deJaneiro.

“Abstraktes Bild”, óleo em tela de 1994 foi leiloada, em Outubro de 2012em Londres, pela Sotheby’s, por 26,4 milhões de euros, batendo recordesde venda para um artista vivo.

A obra pertencia à coleção privada do músico Eric Clapton e foi compradapor um anônimo, ao fim de uma renhida disputa entre dois candidatos.

Anselm Kiefer - (1945 – Alemanha)

Kiefer é pintor e escultor. Abandona seus estudos de direito em1966 para estudar nas academias de arte de Freiburg, Karlsruhee Düsseldorf.

Seus trabalhos são quase sempre feitos em grandes formatos.Na maioria deles, o uso da fotografia como suporte prevalece.

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Palha, cinza, argila, chumbo e selador de madeira sãogeralmente incorporados em seus trabalhos. Também écaracterístico o uso de escritos , personagens lendários oulugares históricos em quase todas as suas pinturas. Tudo écodificado através daquilo que Kiefer busca para representar opassado.

Temas relacionados ao nazismo são particularmente vistos emseu trabalho, com a intençao de convidar os alemães arelembrar e reconhecer a perda de sua cultura através dalouca xenofobia do Terceiro Reich.

Sua primeira exposição individual “Besetzungen” (Ocupações) foiem 1969, na Galerie am Kaiserplatz, em Karlsruhe, em queapresentava uma série de fotografias sobre ações políticascontroversas.

Por conta do material que empregava, seus trabalhos setornavam efêmeros e frágeis, contrastando com os temasausteros de suas pinturas. A utilização desses materiais foi umainfluência que recebeu quando esteve sob a tutela de JosephBeuys, nos anos 70, na Düsseldorf Kunstakademie.

Nos anos 70, incorporou a mitologia alemã e na década seguintedialogou com a cabala. Partiu em longas viagens atravésda Europa, Estados Unidos e Oriente Médio, onde nas duasúltimas obteve influências para seu trabalho. Além de pinturas,Kiefer produziu esculturas, aquarelas, gravuras, fotografias elivros.

Nos anos 80, os temas de Kiefer se estenderam do foco sobre opapel da Alemanha na civilização para o destino da arte e culturaem geral. Seu trabalho se tornou também objetal e envolveu nãoapenas a identidade nacional e a memória coletiva, mas tambémo simbolismo oculto, a teologia e o misticismo.

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O tema de todos os trabalhos é um trauma experimentado porsociedades inteiras, e o renascimento e renovação contínuos navida.

Em 1990 foi premiado com o Wolf Prize. Em 1999 a Japan ArtAssociation o premiou com o Praemium Imperiale, por suasrealizações em vida. Eis a declaração:

"Um complexo engajamento crítico com a história percorre otrabalho de Anselm Kiefer. Suas pinturas, como também asesculturas de Georg Baselitz, criaram um alvoroço na Bienal deVeneza de 1980: os visitantes tiveram que decidir se osaparentes temas nazistas pretendiam ser irônicos ou se tinhamcomo intenção transmitir as atuais idéias fascistas. Kiefertrabalhava com a convicção de que a arte podia curar umanação traumatizada e um mundo dividido. Criou pinturas épicasem grandes telas que mobilizaram a história da cultura alemãcom a ajuda de descrições de figuras como Richard Wagner ouGoethe, continuando assim a tradição história da pintura comoum meio para guiar o mundo. Somente poucos artistascontemporâneos tiveram tal senso de dever da arte declarado,para reunir o passado e as questões éticas do presente, e estãoem posição de expressar a possibilidade de absolvição da culpaatravés do esforço humano."

De 1995 a 2001, Kiefer iniciou um ciclo de grande pinturas sobreo cosmo.

Desde 1992 está estabelecido em Barjac, França, e transformouuma fábrica industrial em um atelier de 35 hectares. Criou neleum extensivo sistema de prédios de vidro, arquivos, instalações,

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depósitos para materiais e pinturas, câmaras e corredoressubterrâneos.

ANTONI TÀPIES (Espanha 1923/2012)

Ponto de referência para a arte contemporânea, caracterizou-se, desde o início, pelaruptura das convenções — utilização de materiais não-pictóricos que antecipavam osfuturos motivos informalistas pelo domínio técnico e pela originalidade temática, comobras de caráter renovador e surrealista.

Alcançou sua maturidade artística, inaugurando uma etapa nova e mais pessoal ligadaao informalismo da matéria, com algumas pinturas que lembram o expressionismoabstrato. Eliminou todos os elementos figurativos de suas telas e a concepção doespaço pictórico como superfície, como uma segunda parede, como um muro no qualdispõe signos, grafias, manchas, gotejamentos, incisões, lacerações passou a ser suacaracterística mais marcante.

Recorreu à utilização da pasta, de modo a obter matérias densas, rugosas, ásperas,assim como à técnica da raspagem ou da colagem: o resultado eram texturascomplexas, com aparência de relevo. Em suas obras, importa a materialidade, não arepresentação.

Também é próprio de seu informalismo o aspecto cromático, as cores terrosas,surgindo, em finais da década de 1950, os negros e os cinzentos. Tàpies queriachamar a atenção sobre o negligenciado — a passagem do tempo nas paredes(garatujas, grafites), a pegada, o rastro. A sua obra tem um caráter urbano, que poucose relaciona com a natureza e muito com a cidade; uma obra rica e complexa e degrande heterogeneidade estilística.

Sempre o preocuparam o suporte, os materiais, o processo, assim como a função daarte, a condição do objeto artístico, o cotidiano. Alcançou o êxito da crítica no iníciodos anos de 1950, quando suas obras começaram também a ser difundidas nos EUA,algo que não havia sucedido até então com nenhum jovem artista espanhol.

Quando, em 1958, ganhou o Prêmio de Pintura na Bienal de Veneza, o seureconhecimento internacional era inquestionável. Na década de 1960, a sua obraapresentou uma nova evolução: Tàpies integrou nos quadros elementos do ambiente

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cotidiano, que contribuíram para o afastar, no final dos anos de 1960, da estéticainformalista e para o aproximar do conceitualismo ou da arte povera.

Nos anos de 1980, retomou a sua trajetória pictórica mais tradicional, recomeçando noponto em que a deixara: informalismo da matéria, gosto pelos materiais comqualidades texturais. Também realizou nos últimos anos incursões na escultura e crioupeças com materiais diversos, tratando-os informalmente.

BEATRIZ MILHAZES (Rio de Janeiro, 1960)

Pintora, gravadora e ilustradora, a artista é graduada emComunicação Social e mesmo antes de se formarcomeçou sua trajetória pelas artes plásticas na EAV(Escola de Artes Visuais do Parque Lage), onde maistarde passou a ser professora e coordenar atividadesculturais.

A cor é um elemento onipresente em sua obra. Seurepertório estrutural inclui a abstração geométrica, ocarnaval e o modernismo.

Na opinião do crítico Frederico Morais, a artista revela,desde o início da carreira, a vontade de enfrentar apintura como fato decorativo, aproximando-se da obra deartistas como Henri Matisse (1869-1954). Interessa-sepela profusão da ornamentação barroca, sobretudo peloritmo dos arabescos e pelos motivos ornamentaispresentes na obra de Guignard (1896-1962).

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Sua obra mantém a matriz popular representada porrendas, bordados, alegorias arquitetônicas, elementosextraídos do artesanato popular e ícones da história daarte.

Está presente em importantes museus do mundo.

Já teve obras vendidas em leilão por mais de 2 milhõesde dólares , o mais alto valor alcançado em leilão por umartista brasileiro. Foi a primeira a ganhar umaretrospectiva no Museu de Arte Latinoamericana deBuenos Aires.

DANIEL SENISE (Rio de Janeiro, 1955)

Ingressou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage em 1981, onde participou decursos livres até 1983. Foi professor na mesma escola de 1985 a 1996.

Participa, em 1984, da mostra Como Vai Você, Geração 80?, que reúne artistas devárias tendências artísticas daquele momento, com objetivo de revalorizar a pintura,pesquisando novas técnicas e materiais.

No início da carreira, Senise produz obras com paisagens povoadas por formasvolumosas, que ocupam a quase totalidade da tela. Esses objetos impõem-se comopresenças monumentais, mas são vazios de conotações temáticas. Como observa ocrítico Fernando Cocchiarale, a pintura de Senise caracteriza-se pela ambiguidade - oartista revela e oculta, ao mesmo tempo, imagens de objetos que se aproximam

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daqueles cotidianos, mas não podem ser facilmente identificados. A dramaticidade desuas obras iniciais é determinada pela forma como ele articula as imagens com umtratamento volumétrico vigoroso e uma gama cromática soturna, como ocorreem Coração ou em Sax (ambas de 1985).

A partir da metade da década de 1980, a figura não é mais tão determinante em suastelas e o uso da cor diversifica-se. O artista passa a adicionar registros da impressãode elementos extrínsecos a sua obra.

Em muitos trabalhos, prepara a tela com pigmentos e a estende, ainda úmida, sobre opiso do ateliê. Ao ser descolada do chão, ela retém na superfície a marca, como umaimpressão, das rugosidades do piso, incorporando também resquícios de telasanteriores. O quadro é então retrabalhado.

Senise produz um repertório de imagens que parecem desgastadas pela ação dotempo. A partir de 1989, o artista passa a adotar, entre outros procedimentos, o uso depregos de ferro, que deixam nas telas as marcas da oxidação. Em outras obras,emprega tintas prateadas, industriais, porque evocam uma memória distante e asensação da imagem fotográfica.

As pinturas de Senise estabelecem uma relação direta com a história da arte, com ouniverso das imagens e a maneira como este é percebido. Incorporando à tela arugosidade do piso, objetos de uso cotidiano, pó de ferro, objetos de chumbo outecidos como voile, algumas obras apresentam superfícies densamente trabalhadasenquanto outras possuem camadas de tinta quase etéreas.

O artista mantém ateliê no Rio de Janeiro e em Nova York.

TUNGA (Palmares, pernambuco, 1952)

(Antonio José de Barros de Carvalho e Mello Mourão)

Escultor, desenhista e ator de performance artística Tungainvestiga áreas do conhecimento como literatura, filosofia,psicanálise, teatro, além de disciplinas das ciências exatas ebiológicas para fazer seu trabalho. Inicia sua carreira nosprimeiros anos da década de 1970. Na época, faz desenhos eesculturas.

Na segunda metade da década, realiza peças tridimensionais einstalações. Utiliza correntes, lâmpadas, fios elétricos e materiaisisolantes, como o feltro e a borracha.

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Os elementos são bem cuidados formalmente e têm desenhoelegante. O artista busca relações fortes entre os diferentesmateriais. Como na obra do artista alemão Joseph Beuys (1921-1986), a justaposição deles busca modificar o seu sentidosimbólico. Nas peças de feltro, feitas entre 1977 e 1980, sugererelações de troca de energia entre as partes da obra. O tecidoenvolve os fios e circunda uma lâmpada. A comunhão dos doisinsinua a criação de uma fonte de energia.

Depois dessa obra, seguiram-se vários outros trabalhos, em queexplora peças com feição de curiosos achados da arqueologiaou das ciências naturais.

O artista descreve seu trabalho como "um conjunto de trabalhos;onde um sempre leva ao outro, como se entre eles existisse umímã"

Tunga define seu projeto estético como: "redefinir a escultura jánão só como o volume estático, mas também como oagrupamento destas formas em expansão e a relação entreelas".

O artista vive no Rio de Janeiro.

IOLE DE FREITAS (Minas Gerais, 1945)

Com seis anos de idade, muda-se para o Rio de Janeiro,iniciando sua formação em dança contemporânea. Estuda naESDI, escola de design, de 1964 a 1965. A partir de 1970 vivepor oito anos em Milão, Itália, onde trabalha como designer.Passa a desenvolver seu próprio trabalho em artes plásticas apartir de 1973. Entre 1973 e 1981, desenvolve trabalhosexperimentais em fotografia e Super-8, nos quais arepresentação do corpo surge como tema principal.

No CD - Rom Entre o Lugar e Passagem, (1997) o crítico dearte Paulo Venâncio Filho diz:” Visto hoje, o desenvolvimento

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coerente que as esculturas de Iole de Freitas manifestam hámais de duas décadas, só pode ter um significado inequívoco: aapreensão integral do ser do trabalho. O que isso quer dizer?Para o artista genuíno representa a conquista de uma árduaambição. Para a arte significa a perspectiva instaurada da obra.”

Segundo a crítica de arte Sônia Salzstein, "a linguagem dotrabalho se constitui como sequências fotográficas, filmesexperimentais e instalações (...) O corpo é um elementoestruturador, tange questões relacionadas com a identidadefeminina e a organização da imagem do próprio corpo".

Segundo o crítico de arte Rodrigo Naves, nelas "a fragmentaçãoque aparecia nas fotografias adquire um aspecto novo, maisdenso e significativo (...) As questões da obra encontram umaexpressão mais direta e plástica, sem a necessidade dereferência literal ao corpo humano". Em 1988, as peças tornam-se mais estruturadas, com o uso frequente de telas metálicasque constroem volumes.

No início dos anos 1980, passa a dedicar-se ao campotridimensional, realizando os Aramões, estruturas cerradas defios, tubos, serras e tecidos. Em 1986, recebe Bolsa Fulbright-Capes para pesquisa no Museum of Modern Art - MoMa, emNova York. De 1987 a 1989, é diretora do Instituto Nacional deArtes Plásticas da Funarte, no Rio de Janeiro. Na década de1990, começa a realizar esculturas de grandes dimensões.Alguns trabalhos são projetados para locais específicos, como aCapela do Morumbi, em São Paulo, e o Galpão Embra, em BeloHorizonte.

Essas obras revelam o diálogo com o espaço expositivo e seuselementos arquitetônicos. As esculturas desenvolvidas entre1995 e 1997 são mais fluidas, realizadas com materiaissemitransparentes. A relação entre arquitetura e escultura passa

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a ser cada vez mais frequente no trabalho de Iole de Freitas. Em1996, as telas metálicas são distribuídas diretamente no espaçode exposição, sem envolver estruturas. No ano seguinte,trabalhos com tela de metal vazada e ardósia integram a suaretrospectiva no Museu de Arte Moderna de São Paulo –MAM/SP e Paço Imperial do Rio de Janeiro.

Em 1999, instala no Museu do Açude, no Rio de Janeiro, a peçaDora Maar na Piscina. Utiliza materiais como tubos de aço inoxe policarbonato que dão um novo aspecto à sua escultura. Aartista compõe formas sinuosas mais intensas e, portanto, quetentam atribuir nova dinâmica ao local onde estão instaladas.

CENTRO DA ARTE HELIO OITICICA

Realizadas com estruturas tubulares de aço inox que sustentamchapas curvas de policarbonato translúcido, essas esculturasremetem ao sistema plástico recentemente empregado nainstalação permanente do Museu do Açude.

Organizações plásticas distintas, projetando-se das paredes,invadirão as demais galerias, construindo volumes vazadosarticulados com chapas de metal e lâminas de policarbonato dediversas espessuras.

Transparência, leveza e acuidade espacial definem um intensopercurso visual a ser vivenciado pelo espectador, no instante deseu deslocamento, no espaço das galerias.

HILAL SAMI HILAL (Vitória, ES, 1952)

Capixaba de origem, descentente de familia síria, formou-se nocurso de artes plásticas pela Universidade Federal do Espirito

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Santo. Em 1977, ingressou no ensino universitário, atividade queexerceu nessa mesma instituição por mais de vinte anos e quelhe permitiu investigar a historia da arte contemporânea.Interrompe a carreira de professor e passa a se dedicar ao fazerartístico. Em 1977 inicia a pesquisa de papel artesanal e opróprio fazer transladando o papel único e exclusivo para seuuso, engendrando um efeito de sentido de autoria.

O papel, material que o próprio artista constroi, não se inscreveem uma mera categoria de suporte. Deliberadamente, ele extraiuseu método de manuais ancestrais e entrando em contato compráticas milenares de papel artesanal.

A pasta de papel, feita com trapos de algodão, de organza ou delinho recolhidos de familiares, traz consigo as marcas do tempo,os desgastes das fibras, frutos do uso, percursos da convivênciahumana, e todos os acasos que ali deixam suas memórias e queserão inevitavelmente incorporados à obra. Esses trapos sãodesfeitos em uma série de tiras, misturados a cola PVA em pó eágua, tendo como principal aliado o liquidificador industrial paramacerá-los.

Mas não é apenas a referência do passado que sustenta e tornainstigante o trabalho do artista. Ao contrário, cada um dos seuspainéis tem uma escala de volumes e gama de coressuficientemente fortes para despertar a atenção para a qualidadefísica e a atração corpórea da pintura.

O artista redimensiona a pasta macerada e, ao secar, esta pastase transforma em rendilhados, mantos vazados e escrituraspeculiares.

CILDO MEIRELES (Rio de Janeiro, 1948)

A obra de Cildo Meireles baseia-se em uma constante manifestação detensão e torção nos âmbitos da estética, da percepção, da ciência e daeconomia. Apresentando ainda a qualidade rara de enraizar-se na arte, na

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política e na sociedade brasileiras. Sua arte gera novos significados pormeio do reconhecimento dos limites e falibilidade dos processos racionaisde compreensão. A inteligência e a força plástica da obra do artista sãomarcos na arte brasileira atual, com forte ressonância internacional.

Desde o fim dos anos 60, Cildo Meireles tem desempenhado papel chavena transição da arte brasileira entre a produção neoconcretista do iníciodos anos 60 – Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape – e a de suageração, informada também pela arte conceitual e instalação. Apesar desua obra ter se desenvolvido dentro da tradição brasileira, ela não serefugia no regionalismo nem renuncia a afiliações à cultura ocidental.

A obra de Cildo poderia ser descrita como uma teoria poética dasociedade. Ela coloca questões que vão da política a ideais e estratégias.Examina espaços e processos de comunicação, as condições doespectador, os legados da história da arte e o espaço social do gueto –espaço frequentemente evocado.

O foco de sua arte pode abranger desde a expansão econômica docapitalismo internacional a um pequeno gesto cultural de índiosbrasileiros.

A trajetória do artista, desde 1963, abre visões agudas e críticas sobre aopressão político-ideológico imposta pelas várias formas de dominação,nos diversos contextos em que se manifestam, e para além das fronteirasnacionais.

Em 2012, em Milão (Itália), no espaço Hangar Bicocca, mostra de Cildoem que o desafio é o diálogo entre a monumentalidade do espaço e a dasinstalações selecionadas. Tantas mostras internacionais reafirmam quesua arte se situa na relação de fricção entre questões sociais e poéticasespecíficas do Brasil e a herança adquirida de outros países do mundoocidental.

O artista plástico reside em Botafogo, cidade do Rio de Janeiro. Trata-sede um artista renomado no Brasil e no exterior. Desenvolve projetos,exposições e mostras em vários estados brasileiros e em diversos museusdo exterior.

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