Principios del siglo XX

Vanguardias europeas de preguerra

Prof. José CardosoInstituto superior de Arte – D162

Instituto Superior de Perfeccionamiento y Especialización Docente

Gualeguaychú - Entre Ríos - Argentina

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FauvismoFrancia, desde principios de la década de 1900

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El fauvismo es el primer movimiento artístico revolucionario del siglo XX. No se trata de una escuela artística, con un programa elaborado, pero sirve para agrupar a un buen número de pintores animados, durante un periodo, por los mismos o parecidos propósitos.Como tendencia más o menos organizada tiene una vida efímera, pero el comportamiento de los “protagonistas” y la evolución que experimentan sirven como precedente a otras vanguardias posteriores.Los primeros ejemplos “fauves” proceden de 1903, pero es en el “Salón de Otoño” de 1905 cuando una docena de artistas, agrupados en torno a Matisse, hacen su primera aparición pública. El escándalo que provocan no impide que se vuelvan a reunir de nuevo en el “Salón de los Independientes” de 1906; en esta ocasión, el crítico Louis Vauxcelles se refirió a una pequeña escultura de aire florentino, situada en al sala de los radicales, con la expresión “Donatello parmi les fauves!” (¡Donatello entre las fieras!). Había nacido un nombre con el que designar al movimiento.Dos años más tarde, hacia 1908, el grupo, como tal, deja de existir y cada uno de sus antiguos componentes sigue su propia trayectoria.

Características:-Libertad en el color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de éste respecto de la naturaleza, cuyo resultado son rostros verdes, árboles azules, mares rojos, rosáceos o violetas, sus tonos preferidos.

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-Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y los contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.

-Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables, fundamentalmente paisajes o retratos.

-La profundidad desaparece (continuación de los planos únicos de Gauguin).

-Los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes, no con el convencional claroscuro. La ruptura con la perspectiva tradicional es ya un hecho consumado.

Pintores fauvistas son Henri Matisse (figura central de esta vanguardia), Andre Derain, Maurice de Valaminck, Pierre-Albert Marquet, Raoul Dufy, Georges Braque y Georges Rouault.

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Henri Matisse, Autorretrato

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André Louis Derain, Autorretrato con gorra, 1905

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Kees Van Dongen, Kees Van Dongen's Princess of Babylon, 1904

8Georges Braque, El puerto de L'Estanque, 1906

9Raoul Dufy, Barcas en Martigues, 1908

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Michel Larionov, Coiffeur pour Dames, 1909

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Wassily Kandinsky, Grupo con crinolinas, 1909

12August Macke, Campos de hortalizas, 1911

13Joan Miró, Ciurana, el camino, 1917

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Georges Rouault, Pierrot, 1937

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ExpresionismoAlmania, luego internacional, desde mediados de la década de 1900

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Este término engloba obras y autores de un amplio período , aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es Alemania, adquiriendo dimensión universal en todos los campos de la cultura. Sus rasgos generales se acentúan en periodos de crisis.Arte ligado a una forma de ver la vida propia de los países nórdicos frente a la visión mediterránea, y, resultante de la introspección y la espiritualidad.El valor fundamental, la libertad individual de expresión, refleja el apasionamiento y la violencia en temáticas complejas pero con unos nexos comunes: el artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos, espiritualizando el mundo en que vive, atacando los valores de una sociedad industrializada de formas autoritarias. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín, a principios de siglo, son los centros culturales y de contactos artísticos, al igual que París, donde surgen espontáneamente agrupaciones de artistas independientes que perfilan el expresionismo. El estudio de pintores como Brueghel, El Bosco, El Greco y Goya, o más próximos, Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec, influyen en sus obras: colores simbólicos, distorsión o deformación en la figura, junto con el conocimiento de las artes primitivas que entre 1905 y 1925 son sinónimo de modernidad, innovación y rebelión frente a la moral conservadora vigente son algunos de sus ideales.

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El Grupo de Dresde:

También conocido como “Die Brücke” (El Puente) está integrado por Kirchner, Bleyl, Heckel, Schmidt-Rottluff y otros miembros temporales como Nolde, Müller y Pechstein.Comparten taller, materiales y experiencias y en 1913 se disuelven oficialmente. Tienen en común algunas técnicas y propósitos, como, el uso de colores planos arbitrarios, la angulosidad, el alargamiento en las figuras y las coincidencias temáticas (desnudos, animales en la naturaleza, bailarinas, las calles de Dresde) los contornos netos y la fuerza de la línea. Además, como Munich, experimentan la xilografía y el grabado tradicional en madera.Su nombre “El Puente” simboliza el intento de tender un puente ideal que supere el academicismo y muestre la oposición a la sociedad contemporánea, libera al artista de condicionamientos y obstáculos para expresar su propia individualidad conciencia social y ética. "El Puente”, en el contextos político, es unión de todos los elementos agitadores y revolucionarios que se enfrentan al autoritarismo, como se deduce del contenido de sus manifiestos y publicaciones.

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Poster de Fritz Bleyl para promover el show Die Brücke en 1906. Fue prohibido por la policía.

19Max Pechstein, En la playa de Nidden, 1911

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Otto Müller, Tres desnudos ante el espejo, 1912

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Ernst Ludwig Kirchner, Calle con buscona de rojo. (Escena callejera berlinesa), 1914

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Erich Heckel, Dos soldados heridos,1915

23Karl Schmidt-Rottluff, Campesina volviendo de la taberna, 1924

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Emile Nolde, El entusiasta

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El Grupo de Munich:

En Munich surge la segunda oleada expresionista con el grupo “Der Blaue Reiter” (El jinete azul) cuyo protagonista es Vasili Kandinsky, fundador en 1909 de la Nueva Asociación de Artistas, que en 1911 da como fruto la primera exposición de este grupo, que toma nombre de una publicación periódica donde se recoge el pensamiento cultural del momento.El grupo lo integran Vasili Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky y Paul Klee. Se disgrega al empezar la primera guerra mundial, ya que Marc muere, Klee es llamado a filas y Kandinsky regresa a Rusia.Las características comunes de este grupo son el dinamismo y el simbolismo en el uso del color, el empleo una expresión pictórica emocional y la tendencia a la abstracción.

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Wassily Kandinsky, Cuadro con arqueros, 1909

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Franz Marc, Los lobos (Guerra de los Balcanes), 1913

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August Macke, Café turco II, 1914

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Alexej Von Jawlensky, Paisaje con techo rojo, 1910

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Paul Klee, El artista en la ventana, 1909

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El Expresionismo de Viena:Durante la guerra, en Viena, algunos pintores necesitan expresar su dolor ante la irracionalidad y la destrucción: Destacan pintores como Oskar Kokoschka y Egon Schiele.

Oskar Kokoschka, Anschlub-Alicia en el país de las maravillas, 1942

32Egon Schiele, Agonía, 1912

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CubismoEspaña/Francia, desde mediados de la década de 1900

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El nacimiento del cubismo es uno de los más importantes acontecimientos del arte contemporáneo, representa la destrucción de las convenciones espaciales que impusieron su dominio en la pintura y, al mismo tiempo, la creación de una nueva forma de concebir el cuadro y el espacio.Los orígenes del cubismo hay que buscarlos en los intentos de realizar una representación pictórica que tuviera una base científica tal como lo intentan los puntillistas y, en otro sentido, Cézanne, pero el punto de partida arranca en 1907, ese año Picasso pinta “Las señoritas de Avignon” inspirándose en la escultura ibérica y en máscaras africanas, pero lo fundamental es la organización del espacio con base a una trama geométrica que niega la convencional profundidad y tiende a resaltar la idea de simultaneidad.Desde 1909 se forman los primeros grupos cubistas, y el XXV Salón de los Independientes de ese mismo año, el crítico Louis Vauxcelles hablará de los “caprichos cúbicos” dando así nombre a la tendencia.El cubismo representa la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves) introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil) con lo cual desaparece el punto de vista único y la referencia a un espacio fijo e inmutable y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura.Junto a esto hay que señalar la autonomía creciente del cuadro que afirma su realidad con independencia de las posibles referencia naturalistas; esto explica, en una primera fase, la pincelada corta y vibrante, la introducción de collages etc….

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Entre los pintores cubistas existen divergencias en cuanto a los presupuestos teóricos de los que parte el cubismo. Las pretensiones de fundar el cubismo en la ciencia geométricacon rechazadas por Picasso, Braque y Léger, pero otros las aceptan sin vacilar, como en el caso del también español Juan Gris.

El cubismo analítico:Hacia finales de 1909 se inicia esta fase del cubismo que se caracteriza por planos geométricos anchos y simples que quiebran y fracturan el objeto, desmembrándolo en todas sus partes. Ello supone la posibilidad de analizar el objeto partiendo de cada uno de sus fragmentos situados sobre el mismo plano, sin ningún tipo de relieve y con tonos cromáticos ocres y grises.No existe ningún tipo de profundidad ni de espacio ilusorio; sólo formas que desmigajan el objeto desde diferentes puntos de vista y nos las presentan sobre la misma superficie.Las reglas del cubismo analítico y su forma de concebir el cuadro se relacionan con las teorías de Hüsserl al representar todas las facetas y momentos de un objeto sobre un mismo plano, facilitando así su percepción total a través de una intuición esencial del mismo.

El cubismo sintético:En esta fase del cubismo, el objeto ya no se descompone, sino que se resume (sintetiza) en sus aspectos más esenciales sin ningún tipo de sujeción a las leyes de la imitación de la apariencia. La aplicación del collage ayuda a formar la visión sintética de los objetos.Con la aplicación a la superficie de un cuadro de materiales no pictóricos se pretende demostrar que el cuadro es una realidad tan verdadera como el objeto mismo, con lo cual se confirma la consistencia objetiva e inmediata del cuadro. A partir de ahora el cuadro deja de ser apariencia para convertirse en realidad

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Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907

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Georges Braque, Puerto en Normandía, 1909

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Georges Braque. La guitarra, 1909

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Pablo Picasso. Chica con mandolina, 1910

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Robert Delaunay, La ciudad, 1911

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Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1911

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Piet Mondrian, Árboles en flor, 1912

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Kazimir Malevich, En el Gran Hotel, 1913

44Paul Klee, Arriate, 1913

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Juan Gris, La Botella De Banyuls, 1914

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Juan Gris, El jardín, 1916

47Emilio Pettoruti, La gruta azul de Capri, 1918

48Salvador Dali, Sin título - Paisaje en Madrid, 1922

49Fernand Léger, El gran remolcador, 1923

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Pablo Ruiz Picasso, Café en Royan, 1940

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Georges Braque, Bodegón de la langosta, 1948

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FuturismoItalia, desde fines de la década de 1900

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En enero de 1909 el poeta Marinetti lanza el Manifiesto de Fundación del Futurismo, que proclama el rechazo del pasado y el advenimiento de una estética nueva, apropiada al mundo de la velocidad y de las máquinas, y a la ciudad moderna. Dirigido desde Milán, ciudad industrial por excelencia, centraliza este breve movimiento, rico en manifiestos y declaraciones. Boccioni, Carrá, Russolo, Severini y Balla redactan el Manifiesto de los Pintores futuristas (1910) e insisten en la velocidad y el dinamismo como expresión de modernidad.Movimiento vanguardista iniciado en el campo literario, se extiende a todos los campos del arte con connotaciones políticas muy fuertes y contradictorias, pues si en sus inicios adquiere un matiz anarquista y de defensa social, tras la guerra y su desaparición como grupo, sus ideas belicistas les acercan al fascismo y al nacionalismo.Inspirados en el cubismo analítico, fase que están iniciando Braque y Picasso, se esfuerzan en representar secuencias momentáneas, casi como instantáneas fotográficas, fenómenos en simultaneidad, con gran dinamismo. La obra de Giacomo Balla “Dinamismo de un perro con correa” es un perfecto ejemplo.Utilizan técnicas puntillistas y colores neoimpresionistas y las temáticas de todos ellos son similares, basadas en el dinamismo y el movimiento, la metrópolis caótica y el trabajo.Buscan una audiencia masiva, tratan de difundirse con técnicas publicitarias y se identifican decididamente con la modernidad, y los signos que según ellos las distinguen: la velocidad, la máquina y el movimiento hasta la violencia.Influyen en el “dadaismo”, en el “constructivismo ruso”, “el surrealismo” y, pese a su obra efímera, son punto de referencia para el arte de la década de los sesenta.

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Umberto Boccioni, Alboroto en la Galeria, 1910

55Carlo Carra, Funeral del Anarquista Galli, 1911

56Luigi Russolo, Dinamismo en un automóvil, 1911

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Giacomo Balla, Muchacha en el balcón, 1912

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Carlo Carrá, El jinete rojo (Caballo y jinete), 1913

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Gino Severini, Tren artillado, 1915

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Pintura metafísicaItalia, desde principios de la década de 1910

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Estilo pictórico que nace en Italia, hacia 1911, como contraposición a la estética geometrizante que tanto se impuso y desarrolló en el arte de entreguerras.Su punto de referencia en la pintura del treccento, siendo Giorgio de Chirico la figura clave del movimiento.Los cuadros de Chirico poseen una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño. Consigue imponer una sensación de misterio a través de maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas.La sensibilidad poética de esta pintura y su irrealidad de carácter mágico caracteriza esta corriente artística.

Características:- Imágenes fantásticas de climas oníricos, principalmente de espacios urbanos y arquitectónicos renacentistas, chimeneas y plazas, medio inventados y solitarios combinados con elementos dispares.- Figuración clasicista pero sin academicismo.- Utilización de las sombras para establecer ritmos entre las figuras y objetos.- Representación de figuras despersonalizadas en actitudes estáticas y generalmente con forma de maniquí.

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- Los objetos y figuras son representados en enigmáticas relaciones y descontextualizados de lo cotidiano para convertirlos en signos alegóricos de otro nivel diferente y escondido de la realidad.- Utilización espectacular de la perspectiva cónica exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).- Obras de una gran intensidad dramática que expresan nostalgia y misterio.

63Giorgio de Chirico, La torre roja, 1913

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Giorgio de Chirico, El enigma de la fatalidad, 1914

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Max Ernst, Aquis submersus, 1919

66Carlo Carrá, Casa Abandonada, 1930

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Mario Sironi, El eclipse, 1942

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RayonismoRusia, principios de la década de 1910

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Movimiento de vanguardia que se desarrolla en Rusia entre 1909 Y 1914.Creado por Larionov y Gontcharova en su “Manifiesto del Rayonismo” (1913) la idea era propugnar una pintura libre de los planteamientos tradicionales que conservando el estímulo de la vida real, pudiera llegar a ser por si misma. Esto les lleva a desarrollar una pintura que el poeta V. Maiakovski definió como “la interpretación cubista del impresionismo”.Este estilo se caracteriza por la ausencia de figuración, todo es abstracción dinámica y lineal basada en la luz y el color.La estructura compositiva de las obras siguen esquemas radiantes a base de turbulencias, estrías o haces de color que cruzan y entrecruzan la superficie del lienzo y que en ocasiones se descomponen según los colores del espectro prismático.Hay un intento de expresar un nuevo concepto de espacio en el que quede reflejado el dinamismo o energía inherente a los cuerpos, el tiempo y la luz.El rayonismo está influenciado por diferentes corrientes artísticas como el Futurismo, del que recoge su interés por expresar el dinamismo o energía de la vida real. Del cubismo, su desvinculación de los problemas tradicionales y su preocupación por expresar un nuevo concepto de espacio. Del impresionismo y del orfismo, su preocupación por la luz y la configuración basada en la supremacía del color. Y por último, el cromatismo de las artes populares rusas y la pintura de iconos.

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Michel Larionov, El buey, 1910

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Natalia Gontcharova, Bosque azul y verde,1911

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Natalia Goncharova, Gatos (Percepción Rayonista En Rosa, Negro Y Amarillo), 1913

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Mikhail Larionov, El gallo: Un Estudio rayonista, 1914

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DadaísmoSuiza, desde mediados de la década de 1910

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El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. Surgió del desencanto que sentían estos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial.Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición a las convenciones literarias y artísticas, especialmente, burlándose del artista burgués y de su arte. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.El Dadá busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo que lleva a una tónica general de rebeldía o destrucción, creando un antiarte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía; cuestiona el propio dadaísmo.Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo.Para ellos, las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

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Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literariaEl aporte permanente del dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación viene del dadá, así también la mezcla de géneros y materias propia del collage. La diferencia fundamental estriba en que el arte actual se toma en serio a sí mismo, mientras que el dadaísmo nunca olvidó el humor.

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Jean Arp, Disposición de acuerdo con leyes del azar, 1916

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Jean Arp, Formas terrestres, 1917

79Marcel Duchamp, “Rueda de bicicleta sobre un taburete” y “Fuente”, 1917

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Max Ernst, Celebes, 1921

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Man Ray, Cadeau, 1921

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Paul Klee, "C" für Kurt Schwitters, 1923

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Kurt Schwitters, Aerated V, 1941

84Marcel Duchamp, A la manera de Delvaux, 1942

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Marcel Duchamp, Agua y gas en todos los pisos, 1958

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AbstracciónEuropa/Rusia Desde la década de 1910

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La pintura abstracta se desarrolló durante la segunda década del siglo XX en países tan diferentes como Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos.Tras las espantosas experiencias dejadas por la Primera Guerra Mundial, los representantes de esta corriente llevaron las tendencias del expresionismo hacia una pintura totalmente no figurativa, es decir, que no reproducía realidades concretas, pero no ya en un intento de copiar al mundo sino que de cambiarlo.Este movimiento que ya iba apuntando desde finales del siglo XIX, busca la renovación absoluta de la pintura. Con su cuartel general en París, comienza presentando dos vertientes: una, cromática, y otra, geométrica.La abstracción cromática centra su interés en el color: plasmación de unos colores simplemente, o bien de un estado anímico del pintor a través de una serie de manchas de color que, a su vez, pretenden causar una impresión anímica en el espectador.La abstracción geométrica centrará su interés en la geometría y el orden, es decir: en la plasmación de esos cromatismos dentro de una ordenación matemática.

Características:- Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.- Valoración de lo subjetivo y lo simbólico.- Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia.- Ausencia de contenido evidente.- Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión espacial.

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- Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.- Color libre. Concepción gráfico-plástica apoyada en:- La creatividad intuitiva: formas abstractas surgidas de impresiones provocadas por la observación de la naturaleza, de improvisaciones que responden a impulsos emotivos espontáneos con intervención del azar; y composiciones surgidas de emociones internas conscientemente calculadas con ayuda de la razón.- La reducción subjetiva de la realidad: formas abstractas extraídas de la realidad

mediante la reducción subjetiva de los contenidos aparienciales de las cosas a signos plásticos simbólicos del mundo objetivo, en función de la fantasía y la sensibilidad espiritual.

La abstracción cromática tiene como máximos representantes a Vassily Kandinsky, Robert Delaunay y su esposa Sonia Terk.En cuanto a la abstracción geométrica destacan Casimir Malevich y Piet Mondrian.

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SuprematismoRusia, principios de la década de 1910

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El Suprematismo fue creado en 1913 en Rusia por Kasimir Malevich, su máximo representante, quien sostenía que la pintura debe ser exclusivamente el resultado de los elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo y cruz, para reflejar, no sólo la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino también su anhelo de acercarse al misterio inexplicable del universo.Para Malevich el arte no tiene por que ser útil socialmente, debiendo el artista mantener una independencia intelectual que le permita concentrarse en la creación.Su pintura más famosa, Composición Suprematista: Blanco sobre Blanco (la cual presenta un cuadrado blanco sobre otro del mismo color) es considerada como una lógica conclusión de sus propuestas.

Características:- Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos.- Pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.- Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.- Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.- Uso restringido del color: se llega al uso exclusivo del blanco y el negro porque excitaban la emoción. ·El rojo es considerado el color por excelencia.- Quiere transmitir la idea de que la realidad es espacio informe (blanco) y todas las diferenciaciones nominales y funcionales son una ilusión humana.

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Liubov Popova, Carpeta con seis grabados en linóleo, 1917

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Kazimir Malevich, Cuadrado blanco sobre blanco, 1918

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Kazimir Malevich, Círculo negro, 1923

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Ilya Chashnik, Composición suprematista, 1923

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ConstructivismoRusia, fines de la década de 1910

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La revolución de octubre de 1917 libera en el viejo imperio ruso un inmenso caudal de energías.Repentinamente cae todo el sistema social y surge la posibilidad de crear, desde el principio, un nuevo orden más justo y más libre. Esta es la clave histórica que permite entender el desarrollo de la vanguardia artística rusa en los años subsiguientes.La tremenda guerra civil, el bloqueo económico y militar de los países de Occidente, y el desorden momentáneo originado por la revolución, hacen pasar al nuevo estado soviético por una situación difícil. Es necesario educar a las masas, aumentar la producción, y atacar con las armas ideológicas los restos intelectuales del antiguo régimen.Fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandre Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional.Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el suprematismo y el dadaismo.

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Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920, en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.El utilitarismo, actitud frente al arte que dominaba en la recién constituida Unión Soviética (URSS), sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social.Tatlin fusionó su dogma constructivista con el del nuevo Estado comunista, convirtiéndose en un diseñador poderoso e influyente dentro del nuevo orden estético.El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.

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Vladimir Tatlin, Monumento a la III Internacional (maqueta y proyecto), 1917

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Naum Gabo, Cabeza de mujer, 1917

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Lajos Kassák, A Piros "S“, 1923

101Frantisek Kupka, Abstracción, 1931

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Laszlo Moholy-Nagy, Arquitectura I

103Joaquín Torres García, Barco y tren constructivo, 1940

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Anton Pevsner, Cruz Anclada, 1933

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NeoplasticismoHolanda, desde fines de la década de 1910

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La “revolución cubista” tiene en Holanda una incidencia especial gracias a la constitución de un grupo de artistas en torno a la revista De Stijl (El Estilo) publicada entre 1917 y 1926. El fundador y animador principal es Theo van Doesburg, que aglutina en torno suyo a pintores como Piet Mondrian.La línea recta, los volúmenes prismáticos simples y los colores planos son las principales características formales de los artistas mencionados. El radicalismo en los principios estéticos es tal, que cuando, a partir de 1924, Doesburg busca variaciones a sus estructuras formales utilizando rectángulos con una inclinación de 45 grados, Mondrian, disgustado, abandona De Stijl. Pero lo más interesante del neoplasticismo radica, precisamente en eso.Más importante que las obras realizadas, son los fundamentos teóricos. Piet Mondrian, por ejemplo, el pintor más importante del grupo, repite en sus lienzos una y otra vez (desde 1919) variantes de sus rectángulos de distinto tamaño, para los que usa solamente los colores primarios, el blanco y el negro.Interesa, pues, el método, las ideas que subyacen a estas realizaciones. Mondrian busca un “arte puro” desojado de lo particular y basado en alguna supuesta ley universal del equilibrio. Sus planteamientos son idealistas y formalistas; no toma conciencia de que lo trágico, lo emotivo, o lo estable, no dependen de las formas consideradas aisladamente, sino de las relaciones de estas con los hombres concretos, social e históricamente condicionados.

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Características:

- Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.- Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.- Planteamiento totalmente racionalista.- Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.- Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.- Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).- Empleo de fondos claros.

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Piet Mondrian, Composición Nº 7, 1914

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Piet Mondrian, Composición: colores claros con líneas grises, 1919

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Piet Mondrian, Composición con rojo, amarillo y azul, 1927

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Kurt Schwitters, Mz 253 Herz, 1921

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Theo van Doesburg, Construcción espaciotemporal II, 1923

113Frantisek Kupka, Abstracción, 1931

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Fuentes, referencias y uso

Recursos propiosImágenes Googlewikipedia.orgCommons.wikimedia.orgCiudad de la pintura: http://pintura.aut.org/

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