Universidad de Costa Rica

Sede Guanacaste

Escuela de Formación Docente

Enseñanza preescolar

Curso:

Expresión Corporal en la Educación Inicial

FD-0151

Profesora

María Eugenia Jenkins Alvarado.

Técnicas en Expresión Corporal

Estudiantes:

Cruz Soto, Yaritza B12136

González Rugama, Oneida A82778

Jaén Viales, Kimberly B03188

Monge Carazo, Jackelline B14231

Villafuerte Hernández,

Zailyn

B06824

II ciclo 2011

Liberia

Introducción

La expresión se encuentra perenne en nuestras vidas, el ser humano se expresa

desde una sonrisa, hasta el acto complicado de llorar, porque la expresión es nada

menos que la demostración de los sentimientos.

En la recopilación de técnicas, de este trabajo, se demuestra que los autores y

creadores de este ramillete de técnicas, toman sus ideas partiendo de la

expresividad de la música, otros de los sutiles movimientos de la naturaleza, el

simple movimiento de manos, del ballet, es causal de la gran gama de técnicas.

Estas técnicas revolucionaron la danza, dieron vida a la danza contemporánea,

modificaron la rigidez del ballet, se podría decir que estas técnicas le dieron una

nueva vida a la danza.

Pero estas técnicas solo ha ayudado a la danza, sino que han prestado una

utilidad a la educación preescolar o educación inicial, en distintas formas, ya que a

través de la expresión corporal de los niños, ellos reflejan sus sentimientos y

permiten al docente, conocer sus inquietudes, necesidades y deseos.

La expresión corporal ha logrado abrir una puerta al aprendizaje, a través de las

técnicas, como la de Isadora Duncan, por medio de los movimientos fluidos, libres,

que permiten la expresividad de cada niño, o con elementos que manipulan ya sea

cintas u otros elementos como lo hizo Ruth Denis, que fue una de las que inicio la

danza, con ayuda de elementos como la pollera de contenía 12 metros de tela.

La expresión corporal y las técnicas de esta, permiten encontrar una llave de

aprendizaje significativo y bajo un concepto de humanismo. También daremos un

pequeño vistazo, la definición de Expresión Corporal, para poder entender cada

una de estas técnicas.

¿Qué es la Expresión corporal.?

Según varios autores la expresión corporal es:

“la expresión corporal es una conducta que existe desde siempre en todo ser

humano. Es un lenguaje pre-verbal, extra verbal y para lingüísticos por medios del

cual el ser humano se expresa a través de si mismo, reuniendo en su propio

cuerpo el mensaje y el canal, el contenido y la forma, pues él es cuerpo y tiene

cuerpo”(Patricia Stokoe)

“La expresión podría ser expresión del pensamiento a través del movimientos, con

intencionalidad comunicativa. La expresión-comunicación se realiza mediante el

instrumento cuerpo con vistas a ofrecer un significado”(Tomás Motos)

“La expresión es una disciplina que permite encontrar, mediante el estudio y la

profundización del empleo del cuerpo, un lenguaje propio”(Marta Schinca)

Milazzo y Santamaría definen la expresión corporal como “Puede definirse como la

disciplina cuyo objeto es la conducta motriz con finalidad expresiva, comunicativa

y estética en la que el cuerpo, el movimiento y el sentimiento como instrumentos

básicos”

Tomando en cuenta las distintas posiciones de estos autores, podríamos formar

nuestro propio, concepto de expresión corporal; La expresión corporal es la

expresión o demostración de nuestro cuerpo a través de movimientos libres y

expresivos, que son lo que transmiten y dice lo que nuestro ánimo en ese

momento siente. Que es capaz de exteriorizar los sentimientos más profundos, así

como tener la capacidad de demostrar lo que transmite una canción, y nuestro

cuerpo.

Es también la capacidad de sensibilidad, que se llega alcanzar y encontrar en las

cosas más sencillas encontrar lo más sublime y hermoso.

La expresión corporal toma un una nueva forma, como un lenguaje corporal

adquiere así la función de "lenguaje": la búsqueda de "un vocabulario" propio de

movimientos que, organizados en una unidad significativa de forma-contenido

permita transmitir, al igual que otros lenguajes artísticos, ideas, emociones y

sensaciones personales y subjetivas, posibles de ser objetivadas en una

elaboración externa al individuo. En este caso, el producto es una danza.

Características de la Expresión Corporal:

Escasa o inexistente importancia asignada a la técnica, o en todo caso ésta,

no concebida como modelo al que deben llegar los alumnos. A veces se

utilizan determinadas técnicas pero como medio no como fin.

Finalidad educativa es decir tiene principio y fin en el seno del grupo sin

pretensiones escénicas.

El proceso seguido y vivido por el alumno es lo importante, desapareciendo la

"obsesión" por el resultado final que aquí adquiere un segundo plano.

El eje que dirige las actividades gira en torno al concepto de habilidad y

destreza básica y con objetivos referidos a la mejora del bagaje motor del

alumno.

Las respuestas toman carácter convergente ya que el alumno busca sus

propias adaptaciones.

Finalidad de la Expresión Corporal

Tiene una doble finalidad: por un lado sirve como base de aprendizajes

específicos y por otro, fundamentalmente tiene un valor en sí misma ya que

colabora en el desarrollo del bagaje experimental del niño.

Martha Graham

Martha Graham nació en Pittsburgh Pennsylvania el

11 de mayo de 1894, Martha era poseedora de

simbolismo, espiritualidad, psicología y una fuerza

extraordinaria de expresión, fue bailarina y coreógrafa de estados unidos y

creadora de la técnica Graham como una de las técnicas más importantes en la

danza contemporánea.

Marta se entrega absolutamente como maestra, en sus clases nadie se reía,

murmuraba ni hablaba, solo se oía su voz para dar indicaciones en clase, ya que

para ella la disciplina es la base del éxito. Sus producciones coreográficas se

ampliaron hacia diversas direcciones los rituales religiosos, la mitología griega, la

condición de la mujer, las tragedias poéticas y la sátira.

La gran aportación de su técnica fue la contracción y relajación, que era a partir de

curvas y alargamientos del torso la que decía que había sido olvidada hasta

entonces denominada “el dolor”.

La técnica Graham quiso crear algo diferente, no solo un movimiento por hacer,

sino una metodología más profunda que hiciera más fuerte el cuerpo de un

bailarín, con una técnica y con dominio de sus cuerpos.

Martha Graham fue la primera bailarina independiente que crea su propia técnica

basada en la respiración, poesía, la condición femenina, la vida americana y el

Socialismo, ya que ella quiso expresar todo estos factores en la técnica.

Esta técnica hace ver que el torso tiene fuerza y control, la pelvis es lo más

importante pues resulta ser la fuente más grande de energía, se basa en la

respiración y relajación, en la elevación de un cuerpo, las caídas controladas,

arrodillarse, y sobre todo en la innovación. El Graham hasta ahora sigue siendo

una de las técnicas que cuenta con bases metodológicas para formar a un bailarín

aparte del ballet.

Hizo algo inigualable, ya que si en el ballet no se expresaba el esfuerzo, en su

técnica se expresaba mucho ya que ella decía que “era parte de la vida”.

Técnica Graham

La técnica Graham se basa en el acto de la respiración, lo cual hace que el

bailarín observe que la parte central del cuerpo es el tórax y el abdomen la cual

poseen una gran fuerza, así también puede observar que esta parte abdominal

funciona como una fuente de energía y haciendo de estas fuerzas encontradas y

que la contracción, la relajación y las espirales son resultado de la fuerza del torso

y de las ingle.

Existen cinco puntos importantes en esta técnica que un bailarín no puede

olvidar:

1. Contracción (exhalación): la contracción produce una curva cóncava en la parte

final de la espina dorsal, la cual se produce a partir del empujón de la pelvis hacia

delante.

2. Se produce a partir del empuje del coxis, la elevación de la espalda baja y hasta

llegar a la cabeza sin perder el control del cuerpo y la elevación.

3. Surge a partir del movimiento de la ingle y por consecuencia de la espalda sin

perder el control del cuerpo.

4. Mantener el cuerpo en una postura creciente y nunca dejar el cuerpo suelto.

5. Siempre va haber resistencia entre una fuerza y otra.

Por otro lado, no debemos olvidar dos puntos muy importantes que son:

1. El bailarín debe de esforzarse cada vez más en sus movimientos y nunca

conformarse con su supuesto máximo.

2. Tener una forma de conteo para la ejecución de los pasos, por ejemplo: (Y

uno, Y dos, Y tres, Y…

Para la creación de esta técnica, Martha Graham tuvo como bases las danzas

orientales y la técnica del ballet. Ella hizo de esta técnica algo innovador

alejándose de la técnica del ballet.

Ejemplos aplicados en educación preescolar sobre la Técnica Graham

1. Podemos decirle a los niños que se tomen de las manos y hagan un círculo,

después de haber hecho el círculo que se sienten en el suelo en forma de

indios, después que cada uno cierren sus ojos, que se relajen y se sienten

con la espalda recta pero siempre que se mantengan relajados. Cuando ya

todos estén con la posición que les indicó la maestra, la maestra les dirá a

cada niño el respectivo nombre de una flor después les empezará a decir

que se imaginen que ellos son unas hermosas flores en un enorme

bosque, en ese bosque hay diversos tipos de flores, pero todas las flores

estaban dormidas porque ese día en el bosque hacía mucho frío, pero de

repente salió el sol y el primero en levantarse fue el girasol, entonces como

la maestra dijo que el primero en levantarse fue el girasol, entonces al niño

que le correspondió ser girasol le tocara levantarse pero lo más despacio y

delicadamente posible, como cuando nos levantamos en la mañana, como

medio dormiditos, después así sucesivamente con las demás flores. Por

último como en este bosque todos eran muy bailarines y espontáneos, las

flores empezaron a bailar suave y delicadamente.

2. El globo imaginario: primeramente podemos decirle al niño que se imagine

que tienen un globo en sus manos, entonces después les decimos que

inflen el globo. Pero lo deben hacer correctamente, que sería colocando sus

manos cerca de la boca y respirando, recogiendo bastante aire con la nariz

para poder llenar con la boca la bomba con suficiente aire. Ya después que

tengamos la bomba inflada le pedimos al niño que la amarre fuertemente.

Por último vamos a jugar con la bomba pero haciendo movimientos

delicados como si estuviéramos bailando con la bomba, pero a la vez

debemos de aplicar un poco de fuerza en los movimientos porque si

dejamos que el globo se nos caiga, perdemos, debemos de concentrarnos

mucho para no dejar caer la bomba.

Ruth Denis

Nació en 1878 en una zona rural de New Jersey. Bailarina

y coreógrafa fundadora del ballet moderno en Estados

Unidos.

Desde niña fue alentada por su madre a estudiar danza

que incluyó clases de ballet, danzas sociales y skirt dance

(=técnica francesa basada en la manipulación de la falda,

que podía tener hasta 12 metros de tela). Empezó su carrera profesional en 1892

como skirt dance en vaudevilles, donde David Belasco, un reconocido director de

Broadway la contrató para bailar en su compañía y fue quien le puso el nombre

artístico "Saint Denis".

En sus viajes por Europa, se interesó mucho en las culturas orientales, en el

drama y la danza de Japón, India y Egipto. En 1905 abandonó la compañía de

Belasco y comenzó su carrera como solista con la obra "Radha", un ballet creado

por ella e inspirado en la cultura y mitología de la India. En 1914 se casó con el

bailarín Ted Shawn y fundaron la primera escuela de danza Denishawn, donde

crearon variantes de muchos estilos de danzas. Realizaron giras por todo el

mundo hasta 1931 año en que se divorciaron.

Su estilo coreográfico fue creciendo tomando elementos de fuentes occidentales

como orientales, buscaba expresar las emociones y los conflictos humanos con la

dinámica, el ritmo, la música y los gestos más leves de los bailarines.

Ruth fundó "La Sociedad de Artes Espirituales", donde promovió el uso de la

danza en la religión. Casi al final de su vida formó una iglesia "St. Denis Religious

Art Church" cuya misión era la realización divina a través de las artes.

Decía:

"En la medida que nos elevemos en la comprensión de nosotros mismos, las

discrepancias se disolverán en el ritmo universal de la Verdad y el Amor. Somos el

microcosmos, el Universo en miniatura".

Ruth Saint Denis murió en 1968.

Técnica :

Su estilo o técnica busca expresar las emociones y los conflictos humanos con la

dinámica, el ritmo, la música y los gestos más leves de los bailarines.

Entre sus innovaciones coreográficas esta la "visualización de la música" a través

de la cual se buscaba equivalencias entre el timbre, dinámica, ritmo y la forma

estructural de la música y los movimientos de los bailarines.

Ejemplos en educación inicial:

En la educación preescolar se puede utilizar esta técnica para la realización

de coreografías de acuerdo alguna canción, de acuerdo al ritmo y así

coordinar los movimientos que se van a realizar.

Su técnica propone trabajar en grupos lo cual en preescolar es

imprescindible ya que a los niños se les enseña a convivir y no competir por

ser el mejor sino que todos participen por igual.

Isadora Duncan(Dora Angela Duncan)

"Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido 

seguramente del ritmo de las olas…"

"Lo que es contrario a la naturaleza no es bello"

MI VIDAIsadora Duncan

AutobiografíaFragmento

Isadora Duncan es conocida como “La madre de la danza moderna" Isadora

Duncan es conocido como el baile Ella revolucionó a finales del

siglo 20, teniendo las tres "B" de la danza en ese momento -

Ballet, baile y Burlesque - y la creación de una nueva, más

expresivo danza forma en un plano superior de la integridad

artística y la aceptación. Nacido en Oakland, California el 26 de mayo de 1877,

Isadora se crió en un hogar poco convencional. 

Ella creció como una artística impulsada por varias situaciones como: divorciados,

hermanos ateos, su arte se vislumbró por la necesidad obsesiva de encontrarse a

sí misma por el vacío que le dejó la ausencia de su padre, el banquero Joseph

Duncan y la sensibilidad artística de su madre, Mary Dora Grey, quien interpretaba

para ella y sus hermanos obras de Beethoven, Schumann, Schubert, Mozart o

Chopin. Los días de Isadora eran a menudo no estructurados, se la pasaba

bailando en las playas de las costas de California. Era a partir de estos principios

que las ideas de Isadora de baile fueron nacidas.

Ella tomó estas ideas con ella para encontrar su fortuna a través de América.

Desafortunadamente, Estados Unidos no estaba preparado para las grandes ideas

de Isadora por la danza. A pesar de la limitada exposición en las producciones de

Agustín Daly está de gira, como: El sueño de una noche de verano, y como una

novedad actúa en los almuerzos de la sociedad, no fue hasta Isadora tomó un

barco de ganado a Europa que encontró el verdadero éxito como artista y

conocimiento de su arte ideales en Londres y París en particular.

Su nombre original fue Dora Ángela, pero desde pequeña adoptó el nombre de

Isadora. 

Su vida estuvo marcada por los recuerdos maternos: las clases privadas de piano

con las que su madre mantenía el hogar, las teorías innovadoras sobre feminidad,

la vida seglar y el ismo, fueron configurando el espíritu libertario de Isadora.

La escuela le parecía una cárcel y por eso la abandonó. Su verdadera educación

fue escuchar cotidianamente música clásica. El ritmo y la sensibilidad

reverberaban en su alma.

Alguna vez, cerca de la playa, los vecinos vieron a la solitaria niña imaginando y

creando movimientos con sus manos y sus pies, representando el movimiento del

mar.

En la adolescencia, una bibliotecaria la acercó a la literatura y la filosofía. Basada

en la imaginería romántica de Keats, el realismo poético de Whitman y la crudeza

de Nietzsche, forjó su propia teoría de la danza. Estudió los movimientos de la

danza griega en jarrones de la época clásica conservados en el Museo Británico

de Londres. Basándose en esta investigación, crea una obra que presenta en

Londres y varias ciudades europeas. 

A los 17 años viajó a Nueva York e ingresó a la compañía de Augustin Daly quien

le abrió las puertas para presentarse en varios escenarios. El resto fue una

sucesión de asombros, incertidumbres y éxitos. 

Los críticos no soportaban ver a una mujer irreverente que bailaba descalza, con

una túnica y sin maquillaje, pero admitían que en su danza había un arte original y

apasionado. 

En 1902 compra cerca de Atenas la colina de Cópanos para establecer un templo

de la danza, proyecto que no concluyó por cuestiones económicas.

Regresó a Berlín e inició una modesta escuela de ballet pero en 1913 interrumpe

sus actuaciones ya que sus dos hijos mueren en un accidente. Luego trata de

fundar sin éxito su escuela en distintas ciudades europeas. 

En 1921, por invitación del gobierno soviético, se radica en Moscú. Al año

siguiente contrae matrimonio con el poeta ruso Serguei Esenin, quién se suicida

en 1925. 

Isadora, además de su belleza, poseía un poder de seducción que la mantenía

rodeada de amigos, entre los que se contaban intelectuales, pintores y poetas, así

como de numerosos admiradores que deseaban conocerla. La cautivación que

ejercía entre los que le rodeaban, determinó que empezaran a ligarla

amorosamente con múltiples pretendientes y pronto surgió el mito de que Isadora

acarreaba la desgracia a las personas a quienes amaba.

Entre sus amores estuvieron Iván Miroski, Oscar Berege, Heirich Thode y Edward

Craig. Con ninguno se comprometió, porque le gustaban las relaciones libres. 

Su amor por el arte rebasó su propia existencia, pues jamás permitió que la

pareja, la familia o las necesidades económicas obstaculizaran sus planes de

revolucionar la danza. Isadora mantuvo su peculiar postura ante la vida: se

consideraba atea, practicaba el amor libre. Fue un ser libertario que jamás

sucumbió a los formalismos y que no se dejó encasillar. Manifestó una opinión

positiva acerca de la Revolución Rusa. Su concepto estético reivindicó el culto, el

rito y la naturaleza del cuerpo.

Los movimientos libres y fluidos que expresaban emociones internas, eran

característicos de su danza. En sus actuaciones se vestía con una túnica

transparente, con los pies, brazos y piernas desnudas y su largo cabello suelto.

Isadora Duncan estaba convencida de que no era su cuerpo el que bailaba, sino

su esencia, su alma, su interior. 

Ejerció una enorme influencia en muchos coreógrafos, entre los que destacan los

estadounidenses Ruth St Denis y Ted Shawn.

En 1926 publica " Mi vida" Su capacidad de innovación artística fue extraordinaria,

así como dolorosa fue su vida. Murió el 14 de septiembre de 1927, de manera

absurda, fue estrangulada, la bufanda se atasco en la rueda de su auto en Niza.

Miles de persona marcharon por la calles de París para celebrar su funeral.

Técnica de Isadora Duncan

Los movimientos libres y fluidos.

Esta técnica es innovadora, ya que su ejecución se caracteriza por movimientos

libres, fluidos, que rompía con la rigidez del ballet; dejando de lado las zapatillas y

los ostentosos trajes, ella utilizaba una simple túnica trasparente, descalza, sin

maquillaje, ella dejaba que la música fluyera, que esta la guiara; esta técnica

permitía la incorporación varios movimientos como de resistencia o de complejo

dejamiento ante la ley de gravedad, así como saltos, deslizamientos, correr,

inclinaciones, arrodillarse, también permite dramatizar, la dejando que emanaran

los sentimientos, las emociones, dando pie a que los movimientos fueran libres, y

continuos.

Ejemplos para la educación inicial.

Es común que los niños les guste bailar, la técnica de Duncan, se puede

implementar de la siguiente forma:

Se reproduce un tipo de música que lleve una variedad de movimientos

musicales, suaves, rápidos, fuertes, entre otros, se dirige a los niños a

moverse libremente, tratando de que en cada cambio de movimiento

musical, ellos realicen diferentes movimientos, es en forma creativa.

Se puede implementar movimientos en forma de copia, que ellos sigan los

movimientos, pero que sean los más fluidos posibles.

Esta música puede contener letra, para que los niños logren además de

mover libremente, puedan dramatizar, en forma libre, lo que expresa la

música.

Mary Wigman

Karoline Sophie Marie Wiegmann

Nace el 13 de noviembre de 1886 -19 de

septiembre de 1973

Fue una bailarina alemana, principal musa de la danza expresionista. La aventura

expresionista es la de toda una generación que apenas salida de la adolescencia

debió enfrentarse a una gran guerra, crisis económica, confusión moral, lucha de

clases, ley de la selva hecha cotidianeidad donde millones de individuos son

pisoteados y dislocados. Dentro de este contexto se ubica Mary Wigman (1886-

1973) como el más alto exponente de la danza expresionista alemana. Nació en la

ciudad de Hannover y comenzó a estudiar danza a los 20 años. Sus ideas, teorías

y práctica dancística provienen de sus estudios con Jaques Dalcroze, Rudolf von

Laban y las investigaciones realizadas sobre el gesto y el movimiento

de Francoise Delsarte, un gran estudioso y pedagogo francés del siglo XIX.

Para ella, la danza era una expresión del interior del individuo, haciendo especial

hincapié en la expresividad frente a la forma. Así otorgaba especial importancia a

la gestualidad, ligada a menudo a la improvisación, así como al uso de máscaras

para acentuar la expresividad del rostro. Sus movimientos eran libres,

espontáneos, probando nuevas formas de moverse por el escenario,

arrastrándose o deslizándose, o moviendo partes del cuerpo en actitud estática,

como en la danza oriental. Se basaba en un principio de tensión-relajación, lo que

procuraba mayor dinamismo al movimiento. Creó coreografías realizadas

enteramente sin música, a la vez que se liberaba de las ataduras del espacio, que

en vez de envolver y atrapar al bailarín se convirtió en una proyección de su

movimiento, persiguiendo aquel viejo anhelo romántico de fundirse con el

universo.

Al igual que el barroco, el romanticismo y el realismo, el expresionismo ha existido

siempre en diferente medida en todas las expresiones artísticas. Como corriente,

se sitúa entre 1880-1930. Fue un movimiento esencialmente germánico que se

extendió luego a los demás países europeos. Los expresionistas, a diferencia de

otros movimientos artísticos, nunca estuvieron agrupados, siendo notable su

tendencia a la soledad.

Poseía un alto sentido de la introspección, su mundo interno reflejaba el caos que

le tocó vivir. Estuvo estrechamente vinculada a las ideas expresionistas de la

plástica y la literatura alemana. Para ella la expresión proporcionaba vida, fuerza y

sentido a la forma, ésta debía surgir sólo a partir de la primera. La danza fue su

medio de auto expresión y autorrealización.

Fue una de las primeras que realizaron coreografías totalmente en silencio,

sostenía que la danza es un acto independiente de la música.

En ocasiones utilizaba instrumentos de percusión de procedencia oriental o de

cuerdas arcaicas. Su técnica está vinculada al principio de tensión-relajación

basado en el ritmo respiratorio

En 1920 estableció una escuela en Dresden, desde donde transmitió su

experiencia y lo aprendido de sus maestros; su carrera como coreógrafa comenzó

en 1914 y se prolongó hasta la década del 60. Desde 1920 se dedicó a preparar a

un grupo de bailarines que se afianzaron y realizaron por esa época numerosas

giras, alcanzando cierta notoriedad en Europa, que no llega mantenerse como tal

debido a la situación política. En 1940 el régimen nazi cierra su escuela. La Danza

Moderna Alemana o Danza Libre fue interrumpida en ese entonces pero no

obstante había creado un cambio definitivo logrando convertirse en un arte

independiente y distinto del ballet.

Técnica:

Se inspira en el barroco, el romanticismo y el realismo, el expresionismo

Obtuvo importantes logros en la técnica de la improvisación. Gustaba de los

movimientos en los niveles bajo y medio: arrodillada, agachada, gateando,

arrastrándose, deslizando, cayéndose, en ocasiones completamente acostada en

el suelo. En otros momentos concebía la danza al estilo oriental, sentada,

utilizando el torso, los brazos y las manos. Consideraba fundamental la relación

del bailarín con el espacio: penetrar, conocer, entender y dominar el espacio para

recrearlo en formas visibles.

Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son:

Expresionismo

Espacio

La danza sin música

El principio de tensión-relajación

Ejemplos para la educación inicial:

Se pide a los niños que se recuesten en el suelo, les pone una

música suave y que imiten animales que se arrastren, como

gusanitos, cocodrilos, también a gatas que imiten leones, tigres,

ranas, de esta forma implementaríamos, la técnica de Wigman.

También podríamos, decir que los niños se sienten en el suelo e

imaginen que son pajaritos y mueven los brazos y sé que se mesan

de forma lenta, con una música lenta y fluida.

Emile Jacques Dalcroze

(1865-1950)

Nació en Viena, Austria, el 6 julio de 1865.

Hijo de padres suizos. 

Comenzó a estudiar piano a los seis años. Compone su primera ópera, "La

Soubrette", a los 16 años.

A los 19 años va a estudiar a París y es admitido para actuar en la "Comedia

Francesa".

En 1886 viaja a Argel donde es nombrado segundo director de orquesta en

el teatro de dicha ciudad.

En 1887 en Viena es admitido en el Conservatorio de Música para

perfeccionarse en los cursos de órgano, composición y piano. 

Agrega Dalcroze a su apellido original, para diferenciarse de un cantor

francés también de apellido Jaques.

Inició su carrera docente en 1892, con un cargo de profesor de armonía en

el conservatorio de Ginebra, Suiza. 

A partir de 1910, Jaques-Dalcroze sigue sus investigaciones pedagógicas y

artísticas en esa ciudad jardín de Hellerau. 

En 1915 se inauguró el Instituto Jaques-Dalcroze, en Ginebra, gracias a un

Comité formado por ginebrinos preocupados en retener al creador de la

Rítmica. 

Ganó numerosos premios y honores trabajando como profesor y

compositor.

En 1935, fue homenajeado, se le regaló un libro de oro con 10.500 firmas

de sus alumnos.

Compuso innumerables obras instrumentales, sinfonías folklóricas, óperas,

operetas, ballet, coros de aldea y canciones con gestos para la infancia.

Desarrollo un método que llamó "Gynmastique Rythmique", y en 1906

publicó sus primeros volúmenes.

Falleció en Ginebra, el 1º de julio de 1950.

Técnica

La filosofía Dalcroziana constituye una pedagogía global y creativa que utiliza la

rítmica, la música, la improvisación, los gestos y los movimientos naturales del

cuerpo.

Todo comenzó con la carencia de musicalidad que encontró en sus alumnos y

para procurar desarrollarles el sentido auditivo y rítmico para esto invento una

serie de ejercicios.

Para lo cual necesitó un aula más grande, con espejos, hizo poner de pie a sus

alumnos, que estaban acostumbrados a trabajar sentados y los hizo descalzar

para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que

tocaba al piano.

Les hizo experimentar ejercicios que combinaban movimiento físico con

audioperceptiva, empleando el cuerpo como instrumento musical primario,

permitiendo controlar sus energías en el tiempo y en el espacio. 

El método Dalcroze divide la formación musical en tres aspectos que están

íntimamente relacionados entre sí:

Euritmia; Eu= buen; ritmia=ritmo

Activa los sentidos, el sistema nervioso, el intelecto, los músculos, las emociones y

el ser creativo/expresivo, entrenando al cuerpo para sentir conscientemente las

sensaciones musculares de tiempo y energía en sus manifestaciones en el

espacio,

Solfeo

Desarrolla el oído interno para escuchar la música y cantar afinadamente. Utiliza el

sistema de do fijo para propósitos de entonación incorporando las sílabas do-re-

mi...etc. Los ejercicios de entrenamiento auditivo siempre van acompañados de

movimiento, gestos o dirección (solfege-rytmique), haciendo que la mente, los ojos

y los oídos estén más atentos a la tarea.

Improvisación

Ayuda a sintetizar lo aprendido a través de la experiencia. Demuestra que se ha

aprendido o se entienden conceptos. Motiva a expresar ideas musicales propias.

Estimula la concentración, capacidad de escuchar e imaginación. Y crea

sentimientos de satisfacción y logro.

El trabajo abarca la ejercitación de diferentes aspectos:

Relajación.

Control de la energía muscular.

Memorización rítmico – motriz.

Separación entre los diferentes miembros del cuerpo.

Improvisación.

Equilibrio corporal.

concertación (actividades grupales).

Expresión

Ejemplos de la técnica Dalcroze

El uso del pentagrama en el suelo - sobre el que se caminan las

diferentes notas.

La aplicación de tarjetas con diversas figuras.

El barco se hunde, cuando la música pare deberán hacer los grupos que

él o la docente indiquen.

Imitar los movimientos de animales al escuchar los sonidos

onomatopéyicos de los mismos.

Patricia Stokoe

Patricia Lulú Stokoe (1919-1996), bailarina y pedagoga,

creadora de la Expresión Corporal-Danza y de

la Sensopercepción. Nació en Buenos Aires el 23 de

Setiembre de 1929, Argentina y pasó su niñez en la estancia

que administraban sus padres en Coronel Suárez, provincia

de Buenos Aires

En 1938 viaja a Inglaterra a estudiar danzas clásicas en la Royal Academy of

Dance de Londres y danza moderna con Agnes De Mille, Catherine de Vos

y Sigurd Leeder. Durante la IIª Guerra Mundial integra la compañía de ballet

Anglo-Polish Company y dicta sus primeras clases en escuelas municipales de

Londres, en el London Country Council y en Stevenage-Hartford.

En la posguerra regresa a su país influenciada por los movimientos culturales

vanguardistas en búsqueda de nuevas expresiones artísticas y por el concepto de

danza libre iniciada por Isadora Duncan. Enriquecieron su formación en este

sentido las técnicas pedagógicas de conciencia corporal y del movimiento

de Moshé Feldenkrais, las investigaciones de Rudolf Von Laban sobre el

movimiento en el tiempo y el espacio y la rítmica de Dalcroze.

Patricia Stokoe desarrolló métodos pedagógicos que facilitaron la búsqueda del

movimiento y la expresión con significado personal. Su estilo didáctico orientado

hacia la concientización del cuerpo, la exploración del movimiento, la expresión y

la improvisación contrastaban con los modelos de danza tradicionales como las

clásicas, modernas y folklóricas basados en esquemas preestablecidos. Su

objetivo era generar en cada alumno la creación de su propia danza que le

permitiese representarse a sí mismo y expresar a través del lenguaje corporal sus

propias vivencias, ideas y emociones.

"La manera de danzar que lleva el sello de cada individuo. Comparándolo con la

poesía de cada poeta. Por medio de este quehacer queremos ayudar a que el

cuerpo piense, se emocione, y transforme esta actividad psíquica-afectiva en

movimiento, gestos, ademanes y quietudes cargados de sentido propio."

Patricia Stokoe, 1987

En 1954 introduce su metodología en el Collegium Músicum de Buenos Aires y

decide denominar su quehacer con el nombre de Expresión Corporal con la

finalidad de acercar y democratizar la danza -la danza al alcance de todos y la

danza de cada uno. Años más tarde adoptó el término Expresión Corporal-Danza

para diferenciarlo de otras ramas de la EC que se fueron desarrollando.

En 1968 funda su propio estudio, el Estudio Patricia Stokoe, en ese período dicta

clases con un equipo de trabajo formado por Perla Jaritonsky, Carlos Gianni y

Eduardo Segal.

En 1971 conoce a Gerda Alexander creadora de la Eutonía invitada a través de la

SADEM (Asociación Argentina de Educación Musical). Viaja a Ginebra en varias

ocasiones a formarse en Eutonía con Gerda –en ese entonces estaba dirigido a

fines terapéuticos. A partir de aquellos encuentros Patricia inicia una nueva

revisión y transformación en su técnica de trabajo corporal y desarrolla la

Sensopercepción orientada hacia la expresión artística y técnica básica de la

Expresión Corporal-Danza.

En 1976 reúne un equipo multidisciplinar para el estudio e investigación de la EC,

creando su propio centro de formación pedagógica, en el que reúne aportaciones

significativas de profesionales de la pedagogía, psicología, neurofisiología,

sociología, kinesiología, psicoanálisis, pediatría y medicina clínica. Formaron parte

de su equipo personalidades como el Dr. Roberto Cacuri, Olga Nicosía, Dr.

Francisco Berdichevsky, Aída Rotbart, Musia Auspitz, Ruth Harf, Alicia Sirkin, Dra.

Hebe A. Zani, Ezequiel Ander-Egg.

A través de sus cursos, conferencias, artículos y libros la EC y su enfoque

sistémico tuvo repercusión en ámbitos artísticos, terapéuticos y educativos en su

país, en Latinoamérica y en España.

Dentro de este campo en la década del ’60 surgen las ideas de Patricia Stokoe

representadas por la Expresión Corporal Danza, quien lucha por un Capital

específico en donde el proceso de la producción en la Danza Contemporánea

pueda ser valorado tanto como el producto, para distinguirse dentro de este

contexto como una artista con una nueva cosmovisión del arte del movimiento.

Comienza a organizar los valores, encuadre, objetivos, técnicas, metodologías y

contenidos de la práctica que impulsa. Para ello, siempre a través de una mirada

sobre el ser humano como integridad bio-psico-social, su estrategia consiste en

nutrirse de técnicas diversas de movimiento pero articulando esto con

fundamentos teóricos no solo desde distintas propuestas en danza, sino también

corpus teóricos y prácticos de distintas disciplinas, como la psicología, las teorías

de grupos, el análisis del movimiento, las teorías de la comunicación y la

semiótica, las escuelas didácticas, etc. A partir de la integración de estos

elementos diversos, desarrolla su técnica de base, llamada Sensopercepción. La

misma, a partir de la estimulación de los sentidos y la profundización del proceso

perceptivo, amplia la conciencia sobre el propio cuerpo, que así se predispone

para las otras dos técnicas que la fundadora propone.

La Improvisación, que hace foco en el proceso creativo, básicamente trabaja

según Stokoe con las propuestas espontáneas, donde el inconsciente juega un

papel importante.

Otra Estrategia consiste en la búsqueda de reconocimiento social y su

institucionalización. Después de diversas luchas, la Expresión Corporal Danza,

gracias a la perseverancia de su fundadora, se institucionaliza desde 1978 con la

apertura del Profesorado Nacional de Expresión Corporal y se consolida en el

Instituto Universitario Nacional del Arte con la creación de la Licenciatura en

Composición Coreográfica con mención en Expresión Corporal a partir del año

2000. Unos años antes, Patricia Stokoe fallece, en 1996, dejando sentadas las

bases de esta nueva práctica.

Dentro del Campo de la Danza Contemporánea, Patricia Stokoe logra ubicar a la

Expresión Corporal Danza en una posición singular, en oposición y puja con otras

manifestaciones, cuando habla de la misma como la danza propia de cada

individuo pero situado en un contexto que lo atraviesa, con relaciones vinculares

que hacen de la comunicación uno de los contenidos abordados específicamente

por esta práctica.

Técnica propuesta por Patricia Stokoe

Sensopercepción:

La capacidad sensorio-perceptiva pertenece a todos los seres humanos. Es la

capacidad de conectarse, de internalizar e interaccionar con el mundo externo, el

propio cuerpo y el cuerpo de los demás.

La Sensopercepción es un método y una técnica en la formación en Expresión

Corporal, punto de partida y llegada constante en este camino de descubrimiento y

desarrollo del lenguaje corporal de cada uno así como el poeta afina su

sensibilidad y se embebe del mundo para devolvernos su visión única, subjetiva,

emocionada en cada uno de sus palabras.

Básicamente esta técnica encierra el hecho de cómo el cuerpo se expresa a

través de diferentes movimientos, a mayor movimientos el niño tendrá un rico

leguaje corporal, ya que es capaz de expresarse solamente corporalmente, de

expresar lo que siente y piensa, esta autora y su técnica es muy influencia por

otras técnicas como la de Laban, estos movimiento desarrollaran en el niño la

sensibilidad, la creatividad y el juego.

Ejemplos en la educación Inicial

Se les provee unos pompones de papel de reciclaje, a los niños y se

reproduce música alegre, movida con ritmos rápidos y medios, esto para

que los niños realicen movimientos con los pompones, sin seguir una guía,

por un m omento luego se puede realizar una copia de alguna rutina, donde

los niños sean los quienes escojan los movimientos para darles la libertad

de escogerlos y de practicarlos.

Se solicita a los niños expresen con movimientos como se sienten cuando

están felices, tristes y que expresen diferentes emociones, logrando

espontaneidad, libertad de expresarse.

Se les presentan a los niños colores rojo-amarillo-azul- verde cada uno

significa un movimiento, los rojos saltos, los amarillos deslizamientos,

movimientos como gelatina y el verde que realicen un movimiento libre,

estos movimientos son libres, en el sentido que los deslizamientos lo

pueden hacer al lado que ellos quieran, así como los demás.

Conclusión

La elaboración de este trabajo, se logro una alimentación pedagógica y

retroalimentación, acerca de la expresión corporal, debido a que la expresión

corporal, va más allá de movimientos, sin estructura, sin un orden alguno.

La expresión corporal es todo un arte, es cierto que la expresión nace inspirada

por la danza, que ya era expresión, pero cada uno de estos autores le

imprimieron, esa parte especial a la danza que dio lugar a la expresión corporal,

como bien lo dice las palabras, expresión: que es una manifestación, acción de

expresar algo. (RAE) y corporal: perteneciente al cuerpo, y si unimos esta

palabras obtenemos, expresión algo con el cuerpo.

Esto es lo que nos indican cada uno de los autores y usu técnicas, aunque

muchos no se conocieron entre si, fuero ejemplos unos de otros , estos fueron

mejorando su técnica con base a lo que ya estaba escrito.

Por lo que se puede rescatar de este trabajo, es la retroalimentación ocurrida, ya

que se puede lograr tener una idea más amplia de este tema y como se puede

aplica a la educación como futuros docentes en la educación inicial.

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