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UNIDAD 2 ARTE BARROCO Índice Primera parte: esquema de contenido Segunda parte: ilustraciones Tercera parte: apéndice (estudio de las meninas)

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PRIMERA PARTE: ESQUEMA DE CONTENIDO

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ARTE (ESPECIAMENTE PINTURA). DESDE EL MANIERISMO TEMPRANO HASTA

EL BARROCO Esquema-borrador I. REPASO: ESQUEMA CRONOLÓGICO RENACENTISTA Y MANIERISTA 1400-1494: Renacimiento temprano 1494-1520: Renacimiento alto 1508-1512: Frescos de la bóveda de la Capilla sixtina, Miguel Angel Leonardo: "La última cena" "Monalisa" (1503) Rafael (1483-1520): "La escuela de atenas" (1510-11) "La madona sixtina" (1513) 1519: Muerte de Leonardo da Vinci 1520-1564 Renacimiento tardío 1520 Muerte de Rafael 1536-1541: "Juicio final", capilla sixtina (Miguel Angel) Manierismo temprano 1564-1600: Manierismo tardío, Renacimiento tardío. El Greco ("Entierro del Onde de Orgaz", 1586). Tintoretto ("La última cena", 1592-1594) Renacimiento: reposo, armonía, heroísmo, colores armónicos, figuras que posan de una manera

natural, con rostros serenos, simplicidad, moderación, orden. Espacio y perspectivas realistas. Cuerpos humanos perfectamente proporcionados

II. MANIERISMO Caracterísitcas: sujetos anormales, figuras contorsionadas, con rostros de expresión emotiva, colores llamativos. Ejemplo: "Juicio final" (Capilla sixtina, Miguel Angel). El espectador se enfrenta con una superficie caótica. Se alargan y contorsionan los cuerpos, se cambia la proporción, reduciendo el tamaño de la cabeza. No hay serenidad clásica; se sustituye la simplicidad por abundancia exuberante, y el orden deja paso a una rica diversidad. 1. Italia: 1.1. Tiziano (1488-1576) y la escuela de Venecia. Superficies sensuales, ricos colores, luz

"teatral". Por ej. "Dánae recibiendo la lluvia de oro". 1.2. Parmigianino (1503-1540) y la escuela de Parma. Uno de los fundadores del manierismo.

"Virgen con el cuello largo" (1534-40): hay diferentes escalas y focos; ambigüedad, distorsión y disonancia; excentricismo. Parece una "piedad".

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Exagera las proporciones del cuerpo de la Virgen y del niño (cfr. especialmente las manos de la Virgen y el cuello; cfr. los hombros y la transparencia del traje).

2. Pintura manierista en el norte de Europa Con motivo de la Reforma (protestante; recuérdese que el Concilio de Trento termina en 1563), algunos protestantes consideraron que la afición por las artes visuales era una forma de idolatría, y comenzaron a destruir estatuas, pinturas y vidrieras que representaban figuras bíblicas y santos. Una mezcla de manierismo y protestantismo dio como resultado 3 artistas de gran relevancia y que reflejaban el mundo turbulento de la Europa post-luterana: Durero, Albrecht (1471-1528): Alemania (Cfr. "Adán y Eva"). Grünewald, Matthias (1460-1528), Alemania (Cfr. "Crucifixión"). Bruegel, Pieter, el Viejo (1525-1569), Holanda. ("Triunfo de la muerte"). 3. Pintura manierista en España El Greco (1541-1614). Simboliza el espíritu del manierismo tardío. Originario de Creta, llega a Toledo (España) en 1576. La Iglesia consideraba que sus retratos de santos, mártires y otros temas religiosos captaban la esencia del celo religioso y el emocionalismo de España, el mismo celo que llevó a San Ignacio a fundar la Compañía de Jesús. Rechaza un mundo realista, con perspectiva convencional, sobre todo cuando está presente una dimensión divina. Su visión espiritual se refleja en: cuerpos alargados; líneas precisas, duras, en los pliegues de la ropa; colores luminosos, etc. "El entierro del Conde de Orgaz": durante el entierro aparecen dos santos: San Agustín (obispo) y San Esteban; hay dos escenas o "mundos" (mitad inferior y mitad superior); sólo algunos de los que acompañan al sepelio se dan cuenta del acontecimiento en el cielo. Otros ejemplos: "La adoración de los pastores"; "Cristo con la cruz"; "La resurrección"; "San Andrés y San Francisco"; "El caballero de la mano en el pecho" 4. Manierismo tardío en Italia Tintoretto (1518-1594). Es el exponente líder del manierismo tardío en Italia. Era veneciano. Reacciona contra su "predecesor", Tiziano, pero, por otra parte, aprende de él el uso del color y de la iluminación teatral. Sus figuras parecen un friso escultórico. Ejemplos: "La última cena" (1592-1594): Se puede confrontar fácilmente con "La última cena" de Leonardo (serena, balanceada según el estilo clásico); encontramos en ésta, además, dos "mitades" o mundos (real, humano, y divino), parecido al cuadro del Greco, "El entierro del Conde de Orgaz". Cfr. también de Tintoretto "El lavatorio". III. BARROCO (1600-1715) El concilio de Trento decretó que las artes y la música deberían de ser más accesibles a los no educados, a la masa. Fomentó las pinturas y esculturas que fueran simples y directas, así

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como de apariencia decente, y ortodoxas con los valores católicos. De ahí, por ejemplo, que repintaran algunos desnudos del "Juicio final", de Miguel Ángel. La política general de la Iglesia católica vuelve a la idea de que el arte y la música deberían tener como único objetivo servir y aclarar la fe cristiana. Por eso se fue dejando el manierismo, que se consideraba elitista y deliberadamente complejo. Sólo con el barroco se consiguió esto. Entre tanto, la influencia general de Trento en la última etapa del manierismo fue intensificar los valores espirituales. El Barroco busca también la armonía, pero difiere de los renacentistas en qué es armonía. Nos encontramos con obras dinámicas, abiertas, que amenazan con explotar más allá de los límites de su forma. Exuberantes, gestos grandiosos, amplios, movimientos expansivos, amor por las líneas curvas y formas ovales y elípticas. Están fascinados por el concepto de espacio infinito. El Barroco se expandió por toda Europa, aunque se reinterpretó y adaptó en diferentes regiones. Podemos hablar de tres manifestaciones de estilos diferentes: 1. Barroco florido, dominado por los ideales religiosos y motivos de la Iglesia católica de la Contrarreforma (Italia, España y Europa Central) 2. Barroco francés (también llamado barroco clásico). Aristocrático, cortesano. Preferencia por lo clásico, que encaja muy bien con la política absolutista de Luis XIV (1643-1715), que promovió la adopción de reglas estrictas en todos los aspectos de la vida cultural, como medio de reforzar su propia obsesión por el orden y el control. 3. Barroco protestante. Floreció entre la clase media de los Países Bajos y la Inglaterra aristocrática. Cultivaron un estilo acorde con sus propios valores religiosos, un estilo más simple y menos adornado que el "florido" y el "francés". 1. Barroco florido La influencia más importante fue el Concilio de Trento (1545-1563). Se quería un arte impulsado por las necesidades de enseñanza de la Iglesia y que mostrara ideas teológicas correctas y fácilmente entendibles por las masas. Los papas comenzaron a estrechar los vínculos con los artistas y arquitectos y a desanimar las tendencias individualistas del manierismo. Los valores estéticos estuvieron subordinados a propósitos espirituales. Los arquitectos elaboraron esquemas decorativos que simbolizaran el poder y la riqueza de la Iglesia. Los pintores y escultures representaron incidentes dramáticos y momentos cargados de emoción. Favorecieron, especialmente, las visiones en éxtasis de los santos y el sufrimiento y muerte de Jesús. Buscaron un realismo portentoso, fuerte, con el fin de llevar al espectador a la presencia e inmediatez físicas con las figuras más santas de la Iglesia. Se destacó la vitalidad y los efectos teatrales, frente a los elementos clásicos de moderación y reposo.

1.1. Arquitectura. San Pedro, en Roma: Carlo Maderno alargó la nave para hacer una cruz latina; Bernini hizo la plaza y la columnata (1665-1667). Eliminó las líneas rectas. Las columnatas eran símbolo de los brazos abiertos de la Iglesia. Esta influencia pasó a América a través de España y Portugal. Un buen ejemplo lo tenemos en la fachada de la Catedral de Murcia, España, de Jaime Bort y Meliá (1754).

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1.2. Escultura. Volvió a ser, como en la Edad Media, un complemento de la arquitectura. El Concilio hizo un llamamiento para la creación de imágenes religiosas, con el fin de comunicar la fe y decorar los nichos, pedestales, etc. de las fachadas barrocas. Cfr. el "Baldaquino" de Bernini, en San Pedro, Roma, y también su "Cátedra de San Pedro": en ambos, la escultura y arquitectura se funden. En cuanto a obras estrictamente escultóricas, cfr. su "Éxtasis de Santa Teresa" o su David (y compárese con el de Miguel Ángel). 1.3. Pintura. Se tiende a utilizar colores vivos y efectos de luz inusuales. 1.3.1. Italia. Caravaggio (1573-161). Realismo dramático. No idealiza sus sujetos. Experimenta

con la luz, especialmente con el claroscuro. Por ej.: "La conversión de San Pablo" (1600-1601); "La vocación de San Mateo"; "La cena de Emaús" (1598), "La sepultura de Cristo" ("Santo entierro"); "David".

1.3.2. Flandes. Pedro Pablo Rubens (1577-1640). Conocido por su cruda sensualidad y por sus retratos de desnudos femeninos. "Las tres gracias", "El desembarco en Marsella de María de Médicis" (1622-25), "La pequeña Pelisse" (1638, segunda esposa de Rubens).

1.3.3. España. Velázquez (1599-1660). Desde 1621 hasta su muerte, Pintor de Cámara de Felipe IV. Ejemplos: "El aguador de Sevilla" (1619-20), "Retrato de Felipe IV" (1631-35), "Cristo en la cruz", "Los borrachos", "La Rendición de Breda" (conocido como "Las Lanzas"), 1634-65, para conmemorar el 10 aniversario de la rendición de dicha ciudad, en Holanda, conquistada por el Marqués de los Balbases. Justino de Nassau entrega las llaves.

"Las Meninas" se considera, a veces, su mejor obra. Disposición de las figuras en el cuadro: Velázquez, a la izquierda; la Infanta Margarita en el centro, entre las "meninas" o damas de honor: Agustina de Sarmiento (izqu.) e Isabel de Velasco (derecha). En el espejo del fondo, Felipe IV y Mariana. En la puerta del fondo: José Nieto Velázquez. Los enanos Maribárbola y Nicolasito Pertusato. Detrás de éstos, Marcela de Ulloa y Diego Ruiz de Azcona.

2. Barroco francés 2.1. Arquitectura. Palacio de Versalles, transformado bajo Luis XIV. La arquitectura es,

básicamente, de estilo renacentista, con arcos redondeados, columnas clásicas y pórticos inspirados en templos romanos, pero el efecto global es barroco. Lo más impresionante es su monumentalidad.

2.2. Pintura. Nicolás Poussin (1594-1665). Por ejemplo, "El Párnaso". 3. Barroco protestante 3.1. Pintura. Rembrandt (1606-1669). Escuela holandesa. Empleo sutil y dramático de la luz y

de la expresividad. Ej.: "La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Wyllem van Ruytenburch" (conocido también como "La guardia nocturna"); "Sansón cegado por los filisteos" (1636), refleja la tendencia barroca por la sensualidad y los episodios violentos; diversos "autorretratos"; etc.

3.2. Arquitectura. Sir Christopher Wren (1632-1723). La Catedral de San Pablo, en Londres.

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Rival protestante de San Pedro, en Roma. Posee muchos elementos clásicos (como los de Bramante), pero se observa el barroco por su fachada adornada, con los nichos, las dos torres, etc. Posee también una cúpula, como la de San Pedro.

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SEGUNDA PARTE:

BARROCO: ILUSTRACIONES

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II. MANIERISMO 1.1. Tiziano (1488-1576) "Dánae recibiendo la lluvia de oro" (1553) El tema representado es la fábula mitológica que relata cómo Zeus hubo de transformarse en lluvia de oro para seducir a la bella Dánae, a la que su padre tenía encerrada en una cámara metálica herméticamente cerrada precisamente para guardarla de las acechanzas del dios. En sus aventuras galantes Zeus se metamorfoseaba para evitar ser reconocido: en águila, en toro, en cisne..., o en lluvia de oro como en este caso. De esa especial relación con Dánae había de nacer Perseo, uno de los más importantes héroes de la mitología clásica. La joven Dánae, a la que en el lecho acompaña un perrillo, contempla cómo cae sobre ella la lluvia de monedas, mientras su sorprendida y avariciosa sirvienta intenta recoger en su delantal la mayor cantidad de ellas. La blancura del cuerpo de Dánae contrasta con el cuerpo oscuro y retorcido de la sirvienta; y ambas se destacan sobre un hermoso fondo dorado casi tormentoso. (Tomado de: http://museoprado.mcu.es/mirar.html).

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1.2. Parmigianino (1503-1540) y la escuela de Parma. "Virgen con el cuello largo" (1534-40):

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2. Pintura manierista en el norte de Europa Durero, Albrecht (1471-1528): Alemania

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Pintura manierista en el norte de Europa Grünewald, Matthias (1460-1528), Alemania "Cristo en la cruz"

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Pintura manierista en el norte de Europa Bruegel, Pieter, el Viejo (1525-1569), Holanda. "Trinfo de la muerte" (y detalles).

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Pintura manierista en España El Greco (1541-1614). "El entierro del Conde de Orgaz" y detalle. "Cardenal Guevara" (1596-1600), "Fray Félix Hortensio" (1609), "Cristo en Getsemaní" (1590-98), "San Martín y el pobre", "La Virgen con Santa Inés y Santa Tecla", etc.

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Greco: "La adoración de los pastores" "El caballero de la mano en el pecho" "Resurrección" "Cristo con la cruz" "San Andrés y San Francisco"

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Manierismo tardío en Italia Tintoretto (1518-1594). "La última cena" (1592-1594): Se puede confrontar fácilmente con "La última cena" de Leonardo "Última cena" de Leonardo.

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"El lavatorio" (Tintoretto). Obsérvese cómo el tema central (Cristo lavando los pies) ocupa el margen del

cuadro.

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III. BARROCO (1600-1715) 1. Barroco florido Arquitectura. San Pedro, en Roma: Carlo Maderno alargó la nave para hacer una cruz latina; Bernini hizo la plaza y la columnata (1665-1667). Eliminó las líneas rectas. Las columnatas eran símbolo de los brazos abiertos de la Iglesia. Esta influencia pasó a América a través de España y Portugal.

Esta imagen se publicó en la prensa, durante el entierro de Juan Pablo II.

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Ejemplo de fachada barroca en España: Catedral de Murcia (y detalles)

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Barroco florido Escultura. Bernini: "Baldaquino" y "Cátedra de San Pedro", en el interior de la basílica de San Pedro, Roma;

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Bernini: "Éxtasis de Santa Teresa" y "David". Para el tema del éxtasis, sin duda Bernini se inspiró en los propios textos de la Santa: 11. Quiso el Señor, que viese aquí algunas veces esta visión, veía un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo en forma corporal; lo que no suelo ver, sino por maravilla, aunque muchas veces se me representan ángeles, es sin verlos, sino como la visión pasada, que dije primero. En esta visión quiso el Señor le viese ansí, no era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido, que parecía de los ángeles muy subidos, que parece todos se abrasan: deben ser los que llaman serafines, que los nombres no me los dicen, más bien veo que en el cielo hay tanta diferencia de unos ángeles a otros, y de otros a otros, que no lo sabría decir. Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Éste me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave, que pasa entre el alma, y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento. (Teresa de Jesús, Libro de la Vida, cap. 29, párrafos 13-14, Madrid: BAC 1986, 157-158.)

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Barroco florido Pintura. Italia. Caravaggio (1573-161). "La conversión de San Pablo" (1600-1601) "La vocación de San Mateo"

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"La sepultura de Cristo" ("Santo Entierro") "La cena de Emaús"

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"David"

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Barroco florido Pintura Flandes. Pedro Pablo Rubens (1577-1640). "Las tres gracias" (izquierda, arriba); "El desembarco en Marsella de María de Médicis" (1622-25), abajo; "La pequeña Pelisse" (1638, segunda esposa de Rubens): arriba, derecha.

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Barroco florido Pintura España. Velázquez (1599-1660). "El aguador de Sevilla" (1619-20) "Los borrachs" "La Rendición de Breda" ("Las Lanzas", 1634-65) "Cristo en la cruz"

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"Las Meninas" (y detalles). NOTA: VÉASE EL APÉNDICE SOBRE LAS MENINAS

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Barroco francés. Arquitectura. Palacio de Versalles.

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Barroco francés . Pintura. Nicolás Poussin (1594-1665).

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Barroco protestante. Pintura. Rembrandt (1606-1669). "La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Wyllem van Ruytenburch" (conocido también como "La guardia nocturna"); "Sansón cegado por los filisteos" (1636) "Autoretratos"

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arroco protestante . Arquitectura. Sir Christopher Wren (1632-1723). La Catedral de San Pablo, en Londres.

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TERCERA PARTE

APÉNDICE

ANÁLISIS DE LAS MENINAS Tomado de

http://www.iesmarquesdesantillana.com/meninas.htm

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Departamento de Geografía e Historia

IES Marqués de Santillana - TORRELAVEGA(Cantabria) E-mail:marque17@centros5.pntic.mec.es

DATOS TÉCNICOS

OBRA LAS MENINAS AUTOR VELÁZQUEZ ESTILO BARROCO FECHA 1665

En este enorme lienzo de 318 * 276 centímetros podemos apreciar, dentro de una gran sala decorada por grandes cuadros, en primer plano a u enano que apoya el pie sobre un perro tumbado, una bufona, una dama que mira fijamente a una niña que es atendida por otra dama y, cerrando este plano, un pintor delante de un gran lienzo que mira hacia el exterior del cuadro. En un segundo plano dos personajes de los que uno, una monja, habla con el otro, mientras éste fija su mirada en la tela que se está pintando. y en un tercer plano, en el fondo de la escena, otro personaje observa el interior de la estancia a través de una puerta abierta. En un espejo colgado de la pared se difuminan otras dos figuras.

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Estas figuras son los monarcas a los que Velázquez está retratando en el lienzo que tiene delante de él y a los que parece mirar. Observando a los reyes estaría la infanta Margarita acompañada de dos meninas, una, Agustina Sarmiento que le ofrece de beber mientras es observada por Isabel de Velasco. Junto a ellas, Maribárbola, la bufona y el enano Nicolasito Pertusato. Detrás Manuela de Ulloa conversa con Diego Ruiz de Azcona, mientras en el fondo el mayordomo José Nieto observa toda la escena.

ANÁLISIS TÉCNICO Y ESTILÍSTICO La composición de esta obra es enormemente compleja que además sirve de disculpa al pintor para realizar un autorretrato. Utiliza Velázquez una serie de recursos para conseguir la perspectiva y profundidad de esta escena. Así, las figuras se suceden en tres planos distintos. Ilumina a través de una ventan el primer plano para ir progresivamente acentuando la penumbra a medida que se aleja hacia el fondo. De repente esta penumbra se rompe bruscamente por un nuevo foco de luz que, penetrando a través de la puerta amplía enormemente el espacio y aclara el fondo. También es la pincelada la que se va haciendo cada vez más difusa y menos compacta a medida que se aleja del ojo del espectador. La definición de los personajes del primer plano también contrasta con con el tratamiento puramente esbozado de los elementos que decoran el recinto. Como se ha dicho repetidamente, Velázquez ha sabido pintar la atmósfera. En este cuadro podemos apreciar cómo ha evolucionado la técnica de Velázquez a lo largo de su carrera artística, cómo ha conseguido una iluminación enormemente natural, un aire casi respirable y una perspectiva increíble.

La paleta del autor que se llena de colores cálidos y se constata una vez más la influencia de Ticiano en ella. La pincela da es suelta y estirada acrecentándose este aspecto

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cuanto más se aleja el espacio pictórico del espectador. Así mismo podemos apreciar el esmerado cuidado en los detalles que Velázquez utiliza cuando su obra se trata de un retrato.

Bibliografía.- Entender la pintura, Velázquez. Ed.Orbis. Barcelona

Web oficial Museo del PradoWeb Ministerio de Educación

DISTINTOS ASPECTOS DE LA OBRA

Lo que principalmente destaca en el cuadro es la perspectiva. Esta está conseguida principalmente por la luz y la perspectiva aérea. Hay varias fuentes de luz en la obra , la que entra por la ventana e ilumina a los personajes de primer plano, la que entra por la última ventana e ilumina a las lámparas y la que sale de la puerta del fondo, que es la más intensa y la que da profundidad al cuadro.

Las líneas de fuga se presentan en los cuadros de la derecha. La gran porción de techo también ayuda a crear la perspectiva.

Los colgaderos del techo dirigen la mirada hacia el fondo el ultimo la guía hacia el espejo con la imagen de los reyes.

En esta puerta aparece un hombre que cumple la misión de atenuar la luz que ,sin su presencia, seria demasiado intensa. La perspectiva aérea consiste en que los colores pierden intensidad con la distancia debido por la masa de aire.

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El cuadro antes de la restauración, donde se puede apreciar la pérdida de colorido de la obra y la pátina que el paso del tiempo y la polución habían generado sobre ella.

Velázquez, Margarita, la enana Maribárbola y el personaje masculino que tiene detrás miran fijamente a los espectadores, pero el espejo que se encuentra al lado de la puerta del fondo muestra el reflejo de la efigie de los dos reyes. Así pues, éstos se encuentran indudablemente en el lugar al que todos miran, el lugar en el que, de hecho, está el espectador. Por eso Velázquez los mira también: parece estar pintándolos. Pero en el espejo, el rey aparece con una cortina por arriba, como era tradicional en los retratos reales. Por eso no se sabe a ciencia cierta si lo que el espejo refleja es a los reyes o al retrato que de ellos está pintando.

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En primer plano los rasgos exagerados de la bufona y su traje oscuro que contrasta con la delicadeza de la infanta. La forma rápida con la que ha

pintado la mano de Pertusato, que con el pie molesta al mastín, nos sugiere una sensación de movimientpo y una forma de pintar casi impresionista.

Velázquez llevaba la orden de Santiago que le fue concedida doa años después de pintar el cuadro, y con ello vio cumplida su máxima aspiración

como cortesano. La cruz se le añadió a la composición en 1659.

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La composición viene, en primer lugar, marcada por dos ejes perpendiculares; el vertical, que divide la escena en dos y que coinciden con la posición de la infanta Margarita y el horizontal, donde la mitad superior de la escena está destinada para la perspectiva del cielo raso y los grandes cuadros con motivos mitológicos; la mitad inferior, para lo composición de los personajes.

La líneas horizontales y verticales de los cuadros contrastan con las curvas de los personajes de primer plano, que dan flexibilidad a la obra. Una curva desciende desde la cabeza del pintor hacia la infanta, asciende hacia la dama de la izquierda y desciende de nuevo para alcanzar el borde del lienzo.

El dibujo muestra la perspectiva de la habitación y el punto de fuga de las líneas trazadas desde las paredes hasta el fondo del cuadro coincidente con la figura del aposentador; éste abandona la habitación saliendo por la puerta de la pared del fondo, que se vuelve hacia atrás , lo cual sugiere el compromiso del observador, que no solo es invitado a "entrar" en el cuadro sino también a atravesarlo.

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En el esquema está reconstruida la planta de la habitación con la posición de los personajes y con el hipotético recorrido del aposentador, que atravesó el recinto y se volvió, desde el fondo, para observar la escena.

En este esquema apreciamos la visión que tendría el mayordomo de la reina desde la puerta del fondo. A todos los personajes del cuadro de espaldas y a los monarcas que estaban siendo retratados de frente.

LA HABITACIÓN

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LOS PERSONAJES

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El pintor está representado en el propio cuadro, hecho que nos provoca algo de desconcierto y nos induce a preguntarnos en palabras de Théophile Gautier ¿Dónde está el cuadro? Tiene el cuerpo echado hacia atrás para observar lo que llama la atención de las demás figuras. Con su mano izquierda tiene cogido el pincel pero no parece estar pintando porque la paleta está muy baja. Colgadas de la cintura están casi invisibles las llaves que le acreditan como Aposentador Mayor de palacio desde 1652 y en el pecho ostenta la cruz de la Orden de Santiago, pintada después de la realización del cuadro y cuando se le concedió tal mérito en 1659. En las radiografías se observan que la imagen de Velázquez está modificada pues inicialmente aparecía con sus rasgos de sexagenario y en mayor escorzo a la vez que parece observarse una cabeza femenina entre el bastidor y la propia cabeza del pintor.

María Agustina Sarmiento es la menina que ofrece agua a la Infanta Margarita María. Es hija del tercer Conde de Salvatierra, don Diego Sarmiento de Sotomayor. En 1659 se casará con el Conde de Aguilar. Está vestida de terciopelo azul verdoso y al ofrecer la jarra de agua en una bandeja de plata a la Infanta se inclina ante ella mirándola con atención por lo que está ajena a lo que ocurre en el frente de la escena.

Margarita María de Austria había nacido en 1651, hija de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria, por lo que en la fecha de la realización del cuadro tenía 5 años. Se casará en 1666 con su primo Leopoldo I de Austria llegando a ser Emperatriz muriendo en Viena aún joven. Si bien no era la hija mayor, las pretensiones de casar a su hermana, María Teresa, con el rey Francés, la hacían aparecer como la heredera del trono pues había muerto Baltasar Carlos y aún no habían nacido sus hermanos posteriores. Está en el centro de la composición vestida con miriñaque y acompañada por meninas, enanos y personal del palacio; sin embargo no parece ser el centro de atención del cuadro pues ella misma, que había solicitado agua y se lo ofrece María Agustina Sarmiento en una pequeña jarra roja, apenas acerca su mano derecha a dicha jarra pues se vuelve hacia su izquierda a observar algo que reclama su interés en la parte frontal de la escena. En esa mano se puede observar un "arrepentimiento" del pintor, que algunos interpretan como un efecto del movimiento que realiza al dirigirse a la jarra. Su mirada produce la sensación de mirar al espectador allí donde se coloque al tener los ojos perpendiculares al plano del cuadro.

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Isabel de Velasco se encuentra detrás de la Infanta y a su izquierda. Es hija del 7º conde de Fuensalida, don Bernardino de Velasco y Ayala. No llega a casarse y muere en 1659. Está vestida de satén gris y acaba de observar algo al frente porque mueve la cabeza en esa dirección e inicia una respetuosa inclinación a quien llega. Desde el punto de vista de la composición su inclinación reduce el paralaje de las figuras que, de otra forma, proporcionarían un efecto excesivamente vertical a la escena.

Nicolás Pertusato es un enano de tipo mignet con aspecto de niño pero que es ya adulto; de origen lombardo, según unos, y procedente de Alejandría, según otros, es ayuda de cámara del Rey desde 1650. Muere a los 65 años y deja su herencia a la joven Paula de Esquivias. Está de perfil, vestido de rojo y jugueteando con el perro al que parece que intenta incomodar con su pie izquierdo.

Dª Marcela de Ulloa, viuda de don Diego de Peralta es señora de honor y "guardamujer de las damas de la reina". Está vestida de viuda con hábito parecido al de una monja y parece conversar con el guardadamas pues está gesticulando con su mano derecha levantada..

Guardadamas identificado con D. Diego Ruiz de Ancona que será albacea testamentario del propio Velázquez. Mira al frente con aspecto distraído quizá atento a la conversación con doña Marcela de Ulloa.

D. José Nieto es mayordomo y aposentador de la reina, encargado de los tapices; a pesar de su apellido no tiene parentesco con el pintor. Se encuentra en una pequeña habitación detrás de la puerta del fondo parece que subiendo una escalera y sujetando una cortina. Su presencia en ese lugar aumenta la sensación de profundidad del cuadro ya que, de no existir, nuestra atención se mantendría en el primer plano, donde se encuentran los personajes.

OTRAS OBRAS RELACIONADAS

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Luis Sellers Arana - Marzo 2005