trabajo de cultura clásica javier ruiz

CUADROS BASADOS EN CUADROS BASADOS EN

LALA

MITOLOGÍA MITOLOGÍA

Javier Ruiz4º B E.S.O

1. Ofrenda a Ceres

2. Ofrenda a Venus

3. Diana con sus ninfas

4. Baco y Ariadna

5. Apolo enamorado de Dafne

6. El juicio de Paris

7. Hércules y las aves de Estínfalo

8. Meleagro y Atalanta

9. La Primavera

10. Leda y el cisne

11. Andrómeda y Perseo

12. Leda y el cisne

13. Leda y el cisne

14. Aquiles entre las hijas de Licomedes

15. Venus con cupido

16. Venus y cupido

17. Rapto de Europa

18. La Fragua de Vulcano

19. Nacimiento de Venus

20. La Venus del Espejo

21. Bodas de Tetis y Peleo

22. Saturno devorando a sus hijos

23. Hércules y el cancerbero

24. Vía Láctea

25. Venus y Adonis

26. Las Hilanderas

27. El Rapto de las Sabinas

28. Andromaca velando a Hector

29. Triunfo de Neptuno y Anfitrite

30. Infancia de Zeus

ÍNDICE

Ofrenda a Ceres

Autor: Jacob Jordaens

Museo: Museo del Prado

Ceres, la hija de Saturno y Cibeles, enseñó a los hombres la agricultura. Por eso, en este cuadro de Jordaens recibe el homenaje de los campesinos que le brindan los productos de la tierra. La diosa está sobre un pedestal, erguida como si fuese una estatua a pesar de ser una figura viva. En este sentido, se asemeja a la Ofrenda a Venus de Tiziano que también guarda el Museo del Prado. Los campesinos que se arremolinan alrededor de Ceres están representados con una elevada dosis de naturalismo, siguiendo a Bassano y a Caravaggio; aunque en los efectos lumínicos vaya Jordaens por su cuenta, al no crear fuertes contrastes de claroscuro. La vigorosa factura sitúa esta escena en los primeros años del artista, cuando la Escuela veneciana es la que más le atrae.

Ofrenda a Venus

Autor: Tiziano


En la Ofrenda a Venus su principal preocupación es la representación de la figura en el espacio, continuando a Giorgione. Como podemos observar, han desaparecido las arquitecturas típicas del Quattrocento para dar paso al efecto perspectívico a través de las figuras y del color. Por eso los amorcillos ocupan la mayor parte de la superficie pictórica, dando la sensación de profundidad, igual que los árboles y el paisaje del fondo. Insertar la figura en el paisaje será la gran preocupación de los primeros artistas del Cinquecento. Venus está representada por una estatua de piedra sobre una fuente. Debajo de ella se sitúan dos mujeres, posiblemente prostitutas por sus ricos ropajes y su escaso pudor - para la época, se entiende - que hacen las ofrendas a la diosa de los amores. Pero los auténticos protagonistas son los amorcillos, en todas las posturas posibles, dando efecto de movimiento y realismo. Los ricos colores empleados son típicos de los primeros años de Tiziano, muy interesado por las calidades de las telas y los detalles, observándose la influencia de su maestro, Giovanni Bellini.

Diana con sus ninfas

Autor: Vermeer de Delft


Narra la historia de Diana, la diosa de la caza, prototipo de castidad, en el momento de su baño diario acompañada de sus ninfas, momento que ningún hombre podía contemplar y que fue roto por la irresponsabilidad de Acteón. Acteón era hijo de Autonoe y nieto de Cadmo, el fundador de Tebas. Agotado por la sed, durante una cacería, entró en una gruta donde manaba una fuente. Era esa la fuente predilecta de Diana y allí solía bañarse por lo que Acteón sorprendió a la diosa desnuda, en pleno baño. La irritación de la diosa fue tal que arrojó a la cara de Acteón unas gotas de agua que transformaron al joven en ciervo. Acteón salió corriendo de la cueva y sus propios perros le devoraron. Pero en esta ocasión, Vermeer no se interesa por el castigo de Acteón sino por el baño purificador de los pies de la diosa, relacionando así a Diana con Cristo. La escena se desarrolla en un paisaje donde Diana y dos de sus ninfas se sientan en una piedra para descansar de su agotadora jornada cinegética. Una de ellas está de espaldas y deja ver ligeramente su espalda al desnudo. Otra de las ninfas, en primer plano y de perfil, lava los pies de la diosa mientras una tercera, vestida de oscuro, contempla la escena; la cuarta, con falda azul y corpiño rojo, intenta relajar sus cansados pies, destacando el intimismo de su postura. La acción se desarrolla al atardecer, quedando algunos de los rostros de las mujeres ensombrecidos, lo que es interpretado por algunos expertos como una referencia a la relación entre Diana y Selene, la diosa de la luna, por lo que aparece con una diadema adornada con una media luna.

Un héroe y una joven huyeron de Creta pero Teseo abandonó a Ariadna en el litoral de la isla de Naxos. Cuando ella descubrió que había sido abandonada rompió a llorar siendo escuchado sus lamentos por Baco, quien se apiadó de la joven. El dios del vino se enamoró y tomó por esposa a Ariadna. Cuando ella falleció, Baco recuperó la corona de oro que le regalara y la convirtió en estrella.En este cuadro podemos contemplar el momento en el que el cortejo de Baco llega ante Ariadna. Una carroza tirada por tigres, danzantes, sátiros y músicos forman el cortejo mientras que el dios aparece en la zona del fondo, subido a una mula. Ariadna se sitúa en la izquierda, haciendo un primer gesto de desprecio al que más tarde se convertirá en su marido.

Baco y Ariadna

Autor: Tiziano

Museo: National Gallery (Londres)

http://www.artehistoria.com/genios/museos/3.htm

A la izquierda vemos a Apolo, que contempla a Dafne, recostada sobre su padre, el dios fluvial Peneo, a la derecha. Ante el dios se encuentra Cupido, con su arco. Tras Apolo, el dios Mercurio roba una flecha del carcaj. Enroscada en el árbol, la serpiente Pitón, a quien Apolo ha de dar muerte con sus flechas. La ninfa recostada en las ramas del árbol es la ninfa Melia, hija del Océano, la cual había sido violada por el dios del sol y la vida, Apolo. A la derecha, en segundo plano, un grupo de figuras de dudosa interpretación, aunque es probable que se trate de Jacinto, muerto por Apolo.

Apolo enamorado de Dafne

Autor: Nicolas Poussin

Museo: Museo Nacional del Louvre)

http://www.artehistoria.com/genios/museos/3.htm

El juicio de Paris

Autor: Peter Paul Rubens


En el cuadro aparecen, de izquierda a derecha, las tres diosas con sus respectivos atributos: Atenea con sus armas, Venus acompañada de Cupido y Juno con su pavo real. Sobre ellas se sitúa un amorcillo que corona a Venus, anticipando la elección del joven. La escena que recoge el episodio previo a este Juicio de Paris la realizó Jacob Jordaens y se titula las Bodas de Tetis y Peleo, guardándose también en el Museo del Prado.Para realizar la obra, Rubens empleó un esquema basado en Rafael, manifestando su amor por el arte del Cinquecento. Todas las figuras se disponen como en un friso clásico, igual que en el Rapto de Deidamia u otras imágenes para la Torre de la Parada, esquema muy apreciado por el maestro en estos últimos años de su vida. Sin embargo, la composición ha sido cerrada al colocar las figuras de los extremos enfrentadas para conseguir el equilibrio.

Hércules y las aves de Estínfalo

Autor: Alberto Durero

Museo: Germanisches Nationalmuseum

En este cuadro Durero nos narra el episodio en el que Hércules tiene que enfrentarse a unos diabólicos seres, las aves del lago Estínfalo. Esta aves comían carne humana y mataban a sus víctimas mediante sus plumas de acero, que lanzaban como flechas. El héroe se enfrenta a los monstruos con su arco, desnudo como corresponde a los héroes clásicos. La figura del protagonista recoge con perfección las enseñanzas de proporción y anatomía que Durero había recogido durante su viaje a Italia. El canon utilizado es idéntico al de los pintores venecianos y a los grabados que había conocido e imitado.Sin embargo, a la hora de pintar a los adversarios mitológicos se advierte la irregular formación humanista del alemán. Las aves son una mezcla de sirenas y de grifos.

Meleagro y Atalanta



Las pinturas de temática mitológica alcanzaron gran éxito durante el Barroco, especialmente en España aunque los pintores del país no realizaron este tipo de escenas, que se encargaban a artistas extranjeros, preferentemente flamencos debido a la estrecha relación entre España y Flandes, propiedad del mismo monarca. Así pues, Jordaens va a realizar un buen número de lienzos mitológicos destinados a decorar las salas de los palacios madrileños. Este cuadro recoge un momento de la historia de Atalanta y Meleagro. Ambos habían cazado juntos el jabalí de Calcedonia. Meleagro entregó a la joven la cabeza y la piel del animal, lo que provocó la envidia de los demás cazadores. Es la causa por la que dos figuras de la derecha intentan arrebatar la pieza, mientras que en la izquierda se acerca un grupo amenazante. El joven héroe hace ademán de empuñar su espada, mientras Atalanta le frena con su mano derecha. Las figuras se sitúan en primer plano, muy cercanas al espectador, que parece participar del revuelo.

La Primavera

Autor: Botticelli

Museo: Galería de los Uffizi

Abundan las figuras de la mitología clásica, pero no componen ninguna escena conocida de los textos clásicos, aunque parece seguro que se trata de una alegoría de carácter moral bajo la apariencia de la mitología antigua. La presencia de la diosa Flora, heraldo de la Primavera, es lo que dio su nombre al cuadro, que aparece presidido por Venus y Cupido, con la presencia, ajena al resto de los personajes, de Mercurio en el extremo izquierdo. La explicación es posible intuirla a través del cliente del encargo. Botticelli lo pintó para el jovencísimo Lorenzo di Pierfrancesco di Médici, miembro de la prestigiosa familia Médicis. Lo encargó para él su tutor, el filósofo Marsilio Ficino, quien encarnaba el auge del Neoplatonismo florentino típico del Quattrocento. Es más que probable que fuera Ficino el diseñador del programa de la obra, siguiendo los postulados de Alberti en la parte estética. Así, sumaba la presencia de las virtudes y principios del neoplatonismo en las alegorías de los dioses, al tiempo que aplicaba las teorías albertianas: variedad y abundancia de los elementos, los personajes, sus posturas, etc.

Leda y el cisne

Autor: Gustave Moreau

Museo: Museo Moreau

Moreau tomó con frecuencia la mitología griega como fuente de inspiración. Las historias de los dioses olímpicos explican alegóricamente las pasiones y debilidades humanas. De ahí que un pintor simbolista como Moreau sintiera vocación por estos temas. El mito elegido es una de las transformaciones de Júpiter, esta vez en un cisne, para poseer a Leda. El pasaje es quizá uno de los más eróticos y sensuales de la mitología, después del rapto de Europa o el mito de Dánae. Moreau emplea una técnica muy personal para mostrarnos la escena: el cisne destaca por su blancura con un brillo dorado que le sale tras la espalda. El cuello se retuerce amorosamente y se inclina hasta tocar la cabeza de Leda, que inclina el rostro con una sumisión similar a la que se emplea para representar a la Virgen María en las Anunciaciones. Simbólicamente, Leda extiende su brazo izquierdo como si estuviera encadenada a las flores, en una alusión al sometimiento que produce el amor divino. La pareja está rodeada de formas misteriosas, de ángeles de cuerpos similares a los personajes de Miguel Angel.

Andrómeda y Perseo



Rubens eligió el momento en que Andrómeda es liberada por Perseo, habiéndose superado el momento de la tensión por la lucha entre el monstruo y el héroe. Andrómeda quiso disputar a las Nereidas el premio de la hermosura y fue atada a una roca donde iba a ser devorada por un monstruo marino cuando fue salvada por Perseo, que la desposó. En la escena se aprecia un cierto aire de temor por la lucha, aunque la felicidad de la pareja inunda la imagen. Los dos amorcillos que aparecen en la parte superior y Pegaso, el caballo alado de Perseo, completan la composición. La bella figura de Andrómeda se recorta sobre un fondo grisáceo; el ritmo gracioso de su cuerpo nos pone de manifiesto el canon estético de Rubens, recogiendo la moda de la época al mostrarnos imágenes de mujeres entradas en carnes, rubias y con poco pecho. La armadura negra de Perseo contrasta con el color nacarado de su futura esposa. Algunos autores piensan que Rubens utilizó como modelo para Andrómeda a su mujer, Hélène Fourment, como también hizo para otras figuras femeninas, como las Tres Gracias.

Leda y el cisne

Autor: Leonardo da Vinci

Museo: Colección Particular

Sabemos, por la enorme cantidad de dibujos previos, que Leonardo proyectaba pintar una Leda con el cisne, y según ciertos testimonios, en el siglo XVII se hallaba en Fontinebleau. Aquí tenemos lo que podría ser una obra de taller sobre el proyecto de Leonardo, o tal vez una copia temprana del supuesto cuadro. En ella podemos ver que la idea del maestro evolucionó desde la Leda arrodillada a la Leda de pie. El cuerpo de la joven carece de la gracia de Leonardo y posee un rotundidad alejada de la belleza sutil del rostro, casi literalmente copiado de los dibujos del maestro.Junto a la joven podemos ver los huevos de los que nacieron los hijos que la ninfa tuvo con Júpiter, bajo el aspecto de un cisne.

Leda y el cisne

Autor: Rafael

Museo: Royal Library, Windsor Castle

A su llegada a Florencia en 1504, Rafael sintió una especial admiración por las novedades pictóricas que se estaban produciendo en la capital de la Toscana, especialmente por la obra de Leonardo cuyo claroscuro introducirá en sus imágenes. Este interés por el mundo leonardesco le llevó a realizar numerosos dibujos basados en sus trabajos como esta Leda y el cisne que aquí contemplamos, inspirado en un cuadro actualmente perdido. Podemos apreciar claramente la firmeza y la seguridad en el dibujo que exhibe Sanzio, una característica común a toda su producción artística.Leda era la esposa de Tíndaro, el rey de Esparta, siendo seducida por Zeus presentándose ante ella en forma de cisne. De los huevos nacieron Cástor, Polux, Helena y Clitemnestra.

Aquiles entre las hijas de Licomedes



La escena recoge un episodio de la Guerra de Troya. La madre de Aquiles -la nereida Tetis- conocedora del destino de su hijo si iba a la batalla, decidió ocultarle en la corte del rey Licomedes, obligándole a llevar vestidos femeninos y esconderse entre las mujeres. Conocedores los griegos de la ausencia del valiente soldado, se encargó a Ulises que le encontrara. Ulises se dirigió a la corte de Licomedes vestido de mercader y ofreció a las mujeres una cesta repleta de collares, de espadas y otras armas. Aquiles se abalanzó hacia las armas, descubriéndose el engaño y marchando con sus compañeros a la lucha, en la que -como había presagiado su madre- falleció por un flechazo lanzado por Paris, que le alcanzó en su único punto vulnerable, el talón.

Venus con cupido

Autor: Annibale Carracci

Museo: Galeria Estense

El estilo de Annibale Carracci ha madurado mucho cuando realiza este cuadro con la imagen de Venus y Cupido, alegoría del Amor. Está pintado para un techo, por lo que las figuras fingen ser vistas desde el suelo, con forzados escorzos en los cuerpos. Las dos figuras han sido trazadas con una intención de idealizar sus efigies, y no como personajes reales como más adelante realizarán los caravaggistas, rivales artísticos del Clasicismo de los Carracci. Todos los elementos tradicionales del amor están reunidos en la imagen: Venus aparece como una jovencita rubia, con una guirnalda de flores en los cabellos, desnuda como corresponde a la pureza, con la manzana de oro que Paris le regaló (y que desencadenó la guerra de Troya), acompañada de su hijo Cupido, que no lleva los ojos vendados pero sí el arco y el carcaj con las flechas. A los pies de ambos, entrevistos idealmente entre nubes, como si el cielo real se hubiera abierto para mostrárnoslos, está una pareja de palomas, símbolo también del amor y la fidelidad.

Venus y cupido

Autor: Tiziano


Durante la primera estancia en Augsburgo recibió Tiziano como encargo la elaboración de varios lienzos protagonizados por Venus y la música con los que se retornaba al espíritu de sus primeras obras realizadas bajo la influencia de Giorgione. Este trabajo que aquí contemplamos sería una nueva versión que sumar a las del Prado y Berlín, con la novedad de aparecer aquí la diosa sólo en compañía de Cupido y con un perrillo a sus pies. La luz impacta en su sensual cuerpo, eliminando las actitudes púdicas de otras obras. Los especialistas consideran que podría tratarse de una obra del taller del artista y es que Tiziano mantuvo un activo taller que llevaba a cabo aquellos encargos que el maestro no gustaba de comprometer, replicando también las obras de mayor éxito. A diferencia de Miguel Angel, el veneciano siempre consideró la pintura como un negocio.

Rapto de Europa

Autor: Tiziano

Museo: Isabella Stewart Gardner

Europa era la bella hija de Agenor y Telefasa, reyes de Tiro. Zeus se prendó de su belleza cuando Europa paseaba con sus compañeras por la playa por lo que el dios decidió metamorfosearse en toro, el animal favorito de la joven. Europa se acercó al toro y comenzó a acariciar al animal hasta que se montó en su lomo. En ese momento Zeus se levantó y se lanzó hacia el mar. Para evitar la caída, la joven se aferró a los cuernos y el animal se aleja de la orilla hasta llegar a Creta. Será en Gortina donde Zeus se una a Europa junto a una fuente, naciendo de esta relación tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Zeus la casó después con Asterión, rey de Creta y a su muerte recibió honores divinos.

La Fragua de Vulcano

Autor: Velásquez


El tema elegido está inspirado en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa, Venus, con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada: esta sensación la ha conseguido perfectamente el artista. Velázquez se ha puesto en contacto con el arte italiano, como se observa en las anatomías de los ayudantes de Vulcano, situados en diferentes posturas para demostrar el dominio de las figuras. También se advierte el interés mostrado por conseguir el efecto espacial, recurriendo a disponer figuras en diferentes planos, ocupando todo el espacio, relacionándose a través de líneas en zig-zag.

Nacimiento de Venus

Autor: Botticelli


El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que surgieron con ella.

La Venus del Espejo

Autor: Velázquez

Museo: National Gallery (Londres)

Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que pintó alguna más. Por supuesto, nadie duda de su autenticidad, pero sí existen discusiones en torno a la fecha: unos piensan que la hizo en 1648 y otros que fue en Italia, entre 1648-1650. Lo que sí es cierto es que apareció en un inventario en 1651 como propiedad del Marqués de Eliche, gran amante de la pintura de Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa que puede representar a su esposa o a una de sus amantes. Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba.

Bodas de Tetis y Peleo



Jordaens recoge en esta escena el inicio de la Guerra de Troya. Eride, la diosa de la discordia, harta de estar ausente en todos los banquetes de los dioses, decidió vengarse lanzando en la boda del rey Peleo y la nereida Tetis - momento elegido por el artista - una manzana de oro con la inscripción: "Para la más bella", lo que provocó el Juicio de Paris y la posterior guerra entre griegos y troyanos. El lienzo estaba destinado a la Torre de la Parada, cuya decoración había encargado Felipe IV a Rubens, quien a su vez cedió parte del encargo a sus colaboradores en el taller. Jordaens emplea un estilo similar al de su maestro, colocando las figuras como si de un friso se tratara, obteniendo el mayor volumen posible.

Saturno devorando a sus hijos



El episodio de Saturno es uno de los más dramáticos de los pintados por Rubens para la Torre de la Parada, pabellón de caza cercano a Madrid, encargado decorar por Felipe IV con escenas mitológicas inspiradas en la "Metamorfosis" de Ovidio y escenas de caza realizadas por Frans Snyders y Peter Snayers. Saturno, el principal entre los Titanes, pensó que la mejor manera de evitar que uno de sus hijos le destronase era devorarlos al poco de nacer. El sexto de sus retoños, Zeus, consiguió ser salvado por su madre, Rea, llegando a hacer cumplir el vaticinio y derrotar a su padre.

Hércules y el cancerbero

Autor: Francisco de Zurbarán


Se trata de uno de los diez trabajos sobre Hércules que Zurbarán pintó para el Palacio del Buen Retiro. Aunque originariamente los trabajos debieran ser doce, como se estipula en la leyenda, razones de espacio impidieron culminar el ciclo. Esta obra en concreto, junto con la Muerte de Hércules, es de las mejores de la serie, en la cual la acción y el dramatismo de la escena se imponen al estatismo acartonado de obras como Hércules dando muerte al rey Gerión. La leyenda del can Cerbero, el perro Cerbero, es la del reino del Hades, el infierno de los griegos. Allí, el rey Hades colocó a la bestia para guardar su entrada, un enorme perro de tres cabezas y cuerpo de serpiente. Euristeo, a cuyas órdenes debía Hércules realizar doce trabajos de fuerza y valor sobrehumanos, ordenó al héroe que consiguiera dominar al perro, algo que nadie jamás había intentado.

Vía Láctea



Una de las imágenes más populares de Rubens es la creación de la Vía Láctea en la que narra un pasaje de la historia de Hércules, inspirado en la "Metamorfosis" de Ovidio. Júpiter, su padre, aprovechaba que su esposa, Juno, dormía para amamantar el hijo que había tenido con Alcmena. Al despertarse un día, Juno contempló sorprendida al pequeño y lo retiró bruscamente, produciéndose el derramamiento de la divina leche en la bóveda celeste, provocando el origen de la Vía Láctea según la mitología clásica.

Venus y Adonis

Autor: Tiziano


La relación entre Felipe II y Tiziano se inició en 1550 y no con buen pie ya que el retrato del entonces príncipe, en opinión de éste, se había hecho demasiado deprisa. Pero esto no fue determinante para la fecunda relación futura entre ambos, ni para que el monarca español encargara una delicada serie de obras destinadas a decorar sus habitaciones privadas; se denominan genéricamente las Poesías y tienen como objetivo mostrar a la mujer desnuda desde diferentes perspectivas. Se inspiraría en la "Metamorfosis" de Ovidio para representar escenas mitológicas con un contenido claramente erótico.

Las Hilanderas

Autor: Velázquez


En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco. También hay quien piensa que se trata de una escena del obrador de la Fábrica de Tapices de Santa Isabel que el pintor solía frecuentar a menudo. Pero esto no sirve para explicar la escena de segundo plano.

El Rapto de las Sabinas


Museo: Museo Nacional del Louvre

En la Roma primitiva, en la época de su primer rey, Rómulo, su fundador, la falta de mujeres lleva a los romanos a tramar una traición para dotarse de esposas que aseguren la continuidad de la ciudad. Rómulo invita a los sabinos, sus vecinos, a una fiesta en la ciudad. A su señal, cada romano se hace con una sabina, eliminando cualquier resistencia posible de los hombres. Éste es el momento que recrea Poussin, con el rey haciendo la señal, con un cortejo de dos senadores, a la izquierda en alto, frente al templo de Júpiter Máximo. La escena es de una gran agitación pero los gestos se subordinan al mensaje que es apropiado a cada situación. Es como si, sometidos a un proceso de abstracción, se hubieran visto retirados de todo contexto temporal y ejecutaran un ritual predeterminado. Este efecto se ve reforzado por una exagerada perspectiva, con tres puntos de convergencia hacia los que se dirige la vista, que hace que la escena experimente el efecto de una rueda que gira.

Andromaca velando a Hector

Autor: Jacques Louis David

Museo: Museo Nacional del Louvre

David pintó esta obra entre Belisario y el Juramento de los Horacios, una lienzo que le consagró definitivamente. La historia que narra una vez más se remite a la antigüedad clásica, concretamente a la Ilíada, libro del que extrajo abundantes motivos para sus cuadros: recordemos el Funeral de Patroclo, pues esta pintura podría considerarse la segunda parte de aquella. Patroclo era el mejor amigo de Aquiles, héroe griego que dirigía el asedio a Troya. Héctor era el hijo de Príamo, el rey de Troya. Había defendido la ciudad durante más de diez años. Su mujer Andrómaca era el modelo de madre amantísima y esposa fiel. Héctor mató a Patroclo, Aquiles mató a Héctor y humilló el cadáver de su enemigo en el funeral. Sin embargo, Andrómaca consiguió que el griego le devolviera el cuerpo de su esposo para honrarlo a su vez.

Triunfo de Neptuno y Anfitrite


Museo: Philadelphia Museum of Art

El triunfo de Neptuno, también llamado El triunfo de Venus, que es la que nos ocupa y, según todos los indicios, fue la primera ejecutada. Estaba destinada a celebrar la reforma de la marina francesa realizada por el cardenal, quien ya lo había festejado en otras obras encargadas para su palacio. Reflejan un deseo manifiesto de Poussin de contrastar el dinamismo barroco de Pietro da Cortona, a la sazón triunfando en Roma, con una suerte de estatismo y orden en la composición, la cual es, a su vez, de notoria complejidad. Para ello, una la influencia del conocido Triunfo de Galatea de Rafael a su gusto por la reconstrucción arqueológica de la Antigüedad. En la escena, Anfitrite, reina del mar, o según otros autores Venus, se encuentra rodeada de un cortejo de amorcillos, ninfas marinas y tritones y acompañada por el dios Neptuno, a la izquierda. La composición, habitual en Poussin, se ordena en una serie curvilínea de escasa movilidad. El colorido, luminoso, que destaca el modelado de la serie de desnudos, nos remite a los autores del Renacimiento.

Infancia de Zeus

Autor: Claes Berchem

Museo: Mauritshuis

En este lienzo se nos presenta a Cibeles cuidando a escondidas a su hijo Zeus ya que su padre, Saturno, devoraba a todos sus descendientes porque el oráculo había pronosticado que sería derrocado por uno de sus hijos. Zeus consiguió crecer y al final acabó con el tirano reinado de su padre y se convirtió en el padre de los dioses olímpicos. La bella figura de la diosa, con sus carnes blanquecinas, contrasta con la tonalidad oscura de la vaca y su propio esposo, creando contrastes lumínicos gracias a la luz cálida y dorada que aplica el artista. Las figuras se encuentran ante un paisaje proyectado en profundidad por la zona izquierda, obteniendo un ambiente idealizado de gran belleza.

trabajo de cultura clásica javier ruiz

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