segundo libro fotografia cinematografica

FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

TOMO dos

FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

CATALINA ACUÑA AVILAEDGAR FERNANDO BARRERA

Derechos subsidiarios Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla Año de edición 2013

Fotografía Cinematográfica (tomo uno)Todos los derechos reservados.Diseñadores de cubierta: Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla

Corporación Universitaria Unitec 2006 - Copyright © - Todos lo derechos reservados - Calle 76 No 12 - 58 - PBX 7434343 - Bogotá - ColombiaInstitución Universitaria sujeta a la Inspección y Vigilancia del Ministerio de Educación Nacional (Art. 39, Decreto 1295 de 2010).

ISBN 958-04-2334-1Impreso en Colombia. Printed in Colombia

A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades, y a quienes no porque con ello hemos demostrado que estaban errados.

“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”

Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense

Como forma de arte y expresión de las películas, la fotografía cinematográfica siempre ha es-tado expuesta principalmente a las mayores criticas por parte de cineastas, criticos, y en general todos los receptores posibles, puesto que es la estética de la película, lo que se ve y lo que deja ver.

sin embargo este tema usual-mente ha sido nombrado y to-mado como tema central de mu-chas conversaciones a lo largo del tiempo, pero muy poco se ha visto plasmado y expuesto al ojo publico de una manera similar pero diferente a la vez de lo que vemos en la mera proyección de la película.

INTRODUCCIÓN

Mediante un gran esfuerzo y dedicatoria se ha creado esta maravillosa coleecion de dos tomos enfocados totalmente a la fotografía cinematográfica, sus directores mas influyentes y sus peliculas mas importantes y taquilleras, claro esta, sin dejar pasar por desapercibido ningún rincón del mundo.

Con todo esto queremos que el publico se empape del mundo de la fotografía cinematográfica y sus secretos, formas y técni-cas que lo conforman, de tal manera que no quede simple-mente en algo de momento a la hora de ver la película.

A la vez buscamos que que no solo quienes pretenden estudiar o quenes ya estan enfocados en temas similares a este, se inter-esen es esta coleccion, sino que todo el publico posible ya que estamos incluyendo pleiculas para todos los gustos y de todas las clases.

ÍNDICECAPITULO TRES

EUROPA

NESTOR ALMENDROSVITTORIO STORANOROGER DEAKINSJOHN ALCOTTSVEN NYKVISTBENOIT DEBIEJANUSZ KAMINSKIBRUNO DELBONNELCHRISTIAN BERGERANTHONY DOD MANTLEDARIUSZ WOLSKI

CAPITULO CUATRO

ASIA

10

PAG

1216202428323646505460

KAZUO MIYAGAWATAKAO SAITOASAKAZU NAKAIZHAO XIAODINGPETER PAUCHUNG HOON CHUNG LIN JONGCHRISTOPHER DOYLE

68727680869298

102

66

EUROPA

NESTOR ALMENDROS

Néstor Almendros nació en Bar-celona el 30 de octubre de 1930, y murió en Nueva York el 4 de marzo de 1992. Fue un director de fotografía es-pañol, miembro de la ASC.

Hijo de maestros, sufrió directa-mente las consecuencias de la persecución del Magisterio pro-gresista por parte del aparato franquista.

Desde su juventud, Néstor dem-ostró gran interés por las artes, pero sobre todo por el cine.

En Cuba obtuvo su licenciatura en Filosofía y Letras (1955) y comenzó su carrera como di-rector de fotografía y realizador

de películas aficionadas, junto con el fotógrafo cubano Herman Puig (1928), entre otros.

En este mismo año marcha a Nueva York a estudiar cine al New York City College. El curso siguiente está en Roma, en el Centro Sperimentale di Cinematográfica.

En 1957 vuelve a Estados Uni-dos, en donde enseña español en el Vassar College (estado de Nueva York) durante dos años, en tanto que dirige piezas tea-trales de estudiantes hispanos en el Middlebury College.

Más tarde, simultaneó sus tra-bajos en Francia con otros en los Estados Unidos con pelícu-las como Días del cielo, de Ter-rence Malick, por la que obtuvo un premio Oscar de fotografía en 1978, Kramer contra Kramer (1981), Bajo sospecha (1982) y Billy Bathgate (1991), de Robert Benton. El último metro (1980), de nuevo con Truffaut, La de-cisión de Sophie (1982), de Alan J. Pakula (por cuya fotografía fue nominado al premio Oscar en 1983) o Paulina en la playa (1983), otra vez con Rohmer.

La asociación Film Society del Lincoln Center (Nueva York), crearon el Nestor Almendros Prize.

Personaje principal de “Days of heaven”

Fotografía Cinematográfica

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DAYS OF HEAVEN (1978)

Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916.

Los dos y Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes campos de trigo de Texas, donde en-cuentran trabajo como braceros en una granja. Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, al que hacen creer que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby.

Malick, cinco años después, realiza su segunda película, de nuevo marcada por un estilo muy personal de narrar. Los tres protagonistas que se hacen pasar por hermanos, pretenden salir de la miseria y para ello no dudarán en engañar al patrón de la plantación al finalizar la temporada de recogida, cuando éste, profundamente enamo-rado de la chica, les propone quedarse.

Se terminaron esas agotadoras jornadas para malvivir, cuando disponen de tiempo y sin la preo-

Escena de la pelicula “Days of heaven”

Escena de la pelicula “Days of heaven”

cupación de ganarse el pan, saborean la felicidad de los ricos. De nuevo la carga visual es una joya, belleza en estado puro.

La fotografía de los campos de trigo mecidos por el viento, la naturaleza de la América profunda, los atardeceres, la luz de las llamas en la noche. Simplemente espectacular. Acompañado de una banda sonora también muy relevante.

Capítulo Tres: Europa

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KRAMER VS KRAMER (1979)

Ted Kramer (Dustin Hoffman) es un brillante ejecutivo de publi-cidad que, tras conseguir un importante triunfo profesional, llega a su casa dispuesto a cel-ebrarlo con su esposa y su hijo.

Meryl Streep como Joanna Dustin Hoffman como “Ted Kramer”

Ante su sopresa, su mujer Joan-na (Meryl Streep) le comunica su intención de marcharse del hogar, dejando al niño bajo su responsabilidad.

Repentinamente, la vida de Ted cambia de forma radical. A par-tir de entonces, tiene que con-quistar el afecto del niño y hacer de padre y madre a la vez.

Unos meses después, sin em-bargo, Joanna llama a su ex marido reclamando la custodia del pequeño Billy (Justin Henry). Ante la negativa del hombre, se inicia la guerra legal y sentimen-tal para ganarse el cariño y la tutoría del chico.

¨Película ganadora de cinco premios Oscar¨


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THE BLUE LAGOON(1980)

Dos niños, Emmeline y Richard, y el cocinero de un barco, únicos supervivientes de un naufragio, son arrastrados por el mar hasta una isla desierta.

Poco después, el cocinero muere y los niños tienen que arreglárselas solos. Con el paso del tiempo, Emmeline (Brooke Shields) y Richard (Christopher Atkins) crecen y sus cuerpos em-piezan a experimentar los cambios propios de la adolescencia, lo que despierta en ellos una curio-sidad que los lleva inocentemente a practicar los primeros juegos sexuales.

producida y dirigida por Randal Kleiser. El guion de Douglas Day Stewart se basó en la novela

La película fue filmada en Jamaica y Nanuya Levu, una isla privada en Fiji. La flora y la fauna que aparecen en la película incluye una gran a de animales de

varios continentes.

Escena clave de la película

Emmeline (Brooke Shields) y Richard (Christopher Atkins)

The Blue Lagoon por Henry De Vere Stacpoole. La música original fue compuesta por Basil Pole-douris y de la cinematografía se encargó Néstor Almendros.

VITTORIO STORANONació el 26 de junio de 1940 en Roma. Profuso investigador y gran amante de la experiment-ación y las innovaciones técni-cas, Vittorio Storaro es sin duda uno de los directores de foto-grafía más influyentes y origina-les del panorama cinematográfico.

Entre sus colaboraciones con Bernardo Bertolucci y más re-cientemente con Carlos Saura, se encuentran algunas de sus películas más importantes.Diplomado por el Centro Speri-mentale de Roma, trabajó como ayudante de Marco Scarpelli y Aldo Scavarda.

Director de fotografía de Giovin-ezza giovinezza (Franco Ros-si, 1969), contribuyendo a dar

una visión elegiaca de los años treinta. Su trabajo le consiguió un Nastro d’Argento.

En 1969, comenzó a colaborar con Bernardo Bertolucci en La estrategia de la araña y desar-rolló en sus películas (El con-formista, 1971; El último tango en París, 1972, 1900, 1976; La luna, 1979) un estilo muy per-sonal de sinuosos movimientos de cámaras y luz natural.

Trabajó también con Franco Rossi (La aventure di Enea, 1974), Salvatore Samperi (Mali-cia, 1973), Luca Ronconi (Or-lando furioso, 1974), Luigi Baz-zoni (Le orme, 1975), Michael Apted (Agatha, 1979) y Warren Betty (reds).

Por su excepcional fotografía épica e hiperrealista de Apoca-lypse Now (Francis Ford Cop-pola, 1979) recibió un Oscar y por Goya en Burdeos de Carlos Saura recibió un Goya1. Está considerado como uno de los maestros de la fotografía y la iluminación.

1 Los Premios Goya o Premios Anuales de la Academia son unos galardones otorgados de forma anual por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, con la finalidad de premiar a los mejores profesionales en cada una de las distintas especialidades del sector.


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REDS (1981)

Reds es una película de 1981 dirigida, producida, escrita y protagonizada por Warren Beatty.

Está basada en la vida del periodista y escritor John Reed, quien en sus libros México Insurgente y Diez días que estremecieron el mundo narró la Revolución mexicana y la Revolución Rusa de 1917, respectivamente.

Además de Beatty, los principales protagonistas de la película son Diane Keaton, Edward Her-rmann, Jerzy Kosinski, Jack Nicholson, Paul Sor-vino, Maureen Stapleton, Ramon Bieri, Nicolas Coster y M. Emmet Walsh. En la película también aparece Gene Hackman, haciendo una pequeña intervención. La obra fue adaptada por Warren Beatty, Peter S. Feibleman (no aparece en los créditos), Trevor Griffiths, Elaine May (no aparece en los créditos) y Jeremy Pikser.

Parte del rodaje fue filmado en las ciudades espa-ñolas de Sevilla, Granada, Guadix y Madrid.

En la misma época que fue rodada esta cinta, se filmaba Campanas Rojas, una co-producción de México, URSS e Italia, dirigida por el soviético Sergei Bondarchuk, con Franco Nero, Ursula An-dress, Jorge Luke, Eraclio Zepeda y Blanca Guer-ra, entre otros.

Está dividida en dos partes, la primera titulada México en llamas y la segunda Rusia 1917.

La película ganó el Premio Oscar en las catego-rías de:

- Mejor director: Warren Beatty- Mejor actriz de reparto: Maureen Stapleton- Mejor fotografía: Vittorio Storaro

Diane Keaton y Warren Beatty en “Reds”


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DICK TRACY(1990)

Dick Tracy es una película de 1990 basada en la serie de his-torietas de la década de 1930 homónima creada por Chester Gould.

Protagonizada y dirigida por Warren Beatty, contó con Ma-donna como protagonista fe-menina (Breathless Mahoney), Al Pacino en el personaje de Big Boy Capice y diversas apari-ciones breves (cameo) de varias estrellas, como Dick Van Dyke, Al Pacino, Kathy Bates y Mandy Patinkin.

Para las labores de adaptación al cine, se contrató como con-sultor a Sheldon Dorf, editor y guionista de historieta que había contribuido a transmitir el cómic de Dick Tracy a las nuevas gen-eraciones.

El guión en lugar de otro ser elaborado por Jim Cash y Jack Epps, Jr., ambos de fama Top Gun. El proyecto también fue a través de los directores Steven Spielberg, John Landis, Walter Hill y Richard Benjamin antes de la llegada de Beatty. El rodaje fue sobre todo en los Estudios Universal.

Danny Elfman fue contratado para componer la música de la película, y la música fue ofrecido en tres bandas sonoras difer-entes.

Dick Tracy fue lanzado en 1990 con críticas variadas, pero en general era un éxito en la taquil-la y en los premios del tiempo.

Se recogió siete nominaciones al Oscar y ganó en tres de las


categorías: Mejor Canción Origi-nal, Mejor Maquillaje y Mejor Di-rección de Arte.

Una secuela fue planeada, pero una controversia sobre los dere-chos de la película se produjo entre Beatty y Tribune Media Services, y la demanda con-tinúa, por lo que una segunda película no se ha producido.

Warren Beatty decidió hacer la película con una paleta limitada a sólo siete colores, principal-mente rojo, verde, azul y amaril-lo para evocar los orígenes de la historieta de la película, por otro lado cada uno de los colores se ser exactamente del mismo tono.


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the last emperor

(1987)

El último emperador es una película de 1987, del género película biográfica, dirigida por Ber-nardo Bertolucci. protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales.

Es una coproducción de China, Italia, Reino Uni-do y Francia. Ganadora de nueve premios Óscar, otros 39 premios, y 12 nominaciones más.

Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer filme que obtuvo el permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad Prohibida.



La película ganó nueve Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor guion adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido y mejor montaje.

ROGER DEAKINSNació el 24 de mayo de 1949 en Inglaterra. Es un director de fotografía in-glés.

Ganó el premio BAFTA en tres ocasiones y ha recibido 8 nomi-naciones al premio Óscar.

Es mayormente conocido por su trabajo junto a los hermanos Coen.

Colaborador fijo de los herma-nos Cohen y uno de los artífic-es del reconocible estilo de sus películas, Roger Deakins es un auténtico peso pesado de la di-rección de fotografía gracias a películas tan veneradas como “Barton Fink” (“Barton Fink”, 1991),

“Cadena perpetua” (“The Shaw-shank Redemption”, 1994) o “El hombre que nunca estuvo allí” (“The Man Who Wasn’t There”, 2001). Aunque resulta difícil escoger una sola película de alguien que ha cosechado ni más ni menos que siete nominaciones a los Oscar, su trabajo en “Far-go” (“Fargo”, 1996) merece un puesto especial en su carrera.

En ella, Deakins rompe con los recursos habituales del cine ne-gro y compone una fotografía gélida y cristalina en la que el blanco de la nieve de Minnesota inunda algunas de las secuen-cias más memorables del film.

Deakins recibió su primer gran premio de la Sociedad America-na de Directores de Fotografía por su destacado logro en la cin-ematografía de la gran produc-ción alabada internacionalmente movimiento, The Shawshank Redemption.

La ASC continuó Deakins de honor con nominaciones logros sobresalientes para sus obras posteriores, incluyendo Fargo, Kundun, O Brother, Where Art Thou?, Y El hombre que nunca estuvo allí, por la que ganó su segundo Premio ASC.


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SKYFALL (2012)

Daniel Craig como “James Bond”

Daniel Craig como “James Bond”

Skyfall es la vigésimo tercera película de James Bond producida por Eon Productions2. Fue distri-buida por MGM y Sony Pictures Entertainment en 2012.

Cuenta con Daniel Craig en su tercera actuación como James Bond, y Javier Bardem como Raoul Silva, antagonista de la película. La película fue dirigida por Sam Mendes y escrito por Neal Purvis, Robert Wade y John Logan.

Roger Deakins firmó como director de fotografía, después de haber trabajado anteriormente con Mendes en Jarhead y Revolutionary Road.

Dennis Gassner devuelve como diseñador de pro-ducción, la diseñadora de vestuario Jany Temime era, Alexander Witt fue director de la segunda unidad, el coordinador de especialistas fue Gary Powell y Chris Corbould supervisado los efectos especiales, mientras que el supervisor de efectos visuales fue Steve Begg.

Todos han trabajado en películas anteriores de Bond. Daniel Kleinman volvió a diseñar la secuen-cia del título de la película después de hacerse a un lado para permitir el diseño gráfico estudio MK12 para crear el Quantum of Solace secuencia.

2EON Productions es una compañía productora de cine, conocida por pro-ducir la serie de películas de James Bond. La compañía opera desde Pi-

newood Estudios en Inglaterra y es subsidiaria de Danjaq, LLC, el holding responsable del copyright y marcas registradas de los personajes Bond y elementos en pantalla.


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RANGO (2011)

Rango es una película estadou-nidense cómica de animación por computadora del año 2011 dirigida por Gore Verbinski.

Cuenta con las voces de los ac-tores Johnny Depp, Isla Fisher, Bill Nighy y Abigail Breslin. Su estreno en los Estados Unidos fue el 4 de marzo del 2011.

La animación fue realizada por la compañía de efectos especiales Industrial Light & Magic, siendo la primera vez que la compañía realiza la producción completa de una película de animación en 35 años.Consiguió el premio Óscar 2012 en la categoría de Mejor Pelícu-la de Animación.

Rango es un joven lagarto de 17 años de edad que vive en un terrario. Desde hace un tiempo cree ser un héroe, pero se en-cuentra separado de sus com-pañeros de los alrededores lápi-das de chicos buenos.

Pero eso no detiene a Rango en su afán por adaptarse con sus vecinos, sin importarle las difi-cultades. En un momento dado de la historia Rango se lo cues-tionará todo.

La animación fue encargada a los veteranos en Imagen gen-erada por computadora (CGI según sus siglas en inglés) de Industrial Light & Magic (ILM).

“La película consiguió el premio

Óscar 2012 en la categoría de Mejor

Película de Animación.”

Johnny Depp en la voz de “Rango”

La post-producción es de la compañía de producción de Verbinski, Blind Wink.

Esta es una primicia para la ILM, porque ellos se han dedicado usualmente a hacer efectos vis-uales en CGI para la mayoría de las producciones fílmicas. Esta será la primera vez en 35 años que realizarán una película animada completa ellos mismos.


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JARHEAD(2005)

Jarhead es una película bi-ográfica guerra 2005 drama basado en las memorias de 2003 de Marines de EE.UU. Anthony Swofford del mismo nombre, dirigida por Sam Mendes, protagonizada por Jake Gyllenhaal como Swofford con Jamie Foxx, Peter Sarsgaard y Chris Cooper.

El título proviene del término del argot usado para referirse a los Marines de EE.UU. (a veces por los marines sí mismos).Anthony Swofford es un soldado de 20 años de edad enviado al desierto de Arabia Saudita, en la primera guerra del Golfo, para estar preparado

a combatir en Kuwait tras su ocupación por Irak. Él vivió una guerra muy diferente a la que se describió en los periódicos y en los canales de la época.

La película muestra la es-pera de los soldados que no han entrado di-rectamente en el conflicto armado, y como lidian éstos con el aburrimiento, describiendo a unos soldados aterrorizados por estar en guerra pero también emocionados por matar a su primera víctima; muestra también a unos jóvenes como cualquier otros ávidos de sexo, con continuas tri-fulcas debido a la convivencia, bromas pesadas, y con los problemas derivados de su situación.

Jake Gyllenhaal como Swofford

Jamie Foxx como SSgt Sykes

JOHN ALCOTTNació en Isleworth,Hounslow, Inglaterra en 1931 y murió en Cannes, Alpes Marítimos, Fran-cia el 28 de julio de 1986, pre-maturamente a los 54 años de edad.

La carrera cinematográfica de John Alcott será recordada es-pecialmente por sus cuatro fantásticas colaboraciones con Stanley Kubrick en “2001: Una odisea del espacio” (“2001: A Space Odyssey”, 1968), “La naranja mecánica” (“A Clock-work Orange”, 1971), “Barry Lyndon” (“Barry Lyndon”, 1975) y “El resplandor” (“The Shining”, 1980).

De todas ellas destaca por mé-ritos propios “Barry Lyndon”, un indiscutible prodigio técnico y un ejemplo paradigmático de la in-fluencia de la pintura en el cine y la fotografía.

Usando objetivos de satélite con aberturas de diafragma imposi-bles e iluminando buena parte de las tomas únicamente con velas, Alcott consigue recrear en este maravilloso film de época auténticos lienzos inspirados en las pinturas de Jan Vermeer o Rembrandt.

Alcott ganó un Premio de la Ac-ademia por su trabajo en “Barry Lyndon”, que se considera una

de las películas más bellas visu-almente jamás se ha hecho.

(Tres de las películas de Alcott se clasificaron en el top 20 de películas de “Best Shot” en el período después de 1950 a 1997 por la Sociedad America-na de Directores de Fotografía.

La Sociedad Británica de Direc-tores de Fotografía nombrado uno de sus premios el “Premio ARRI BSC John Alcott” en su honor para conmemorar su pa-pel como camarógrafo de ilumi-nación en el desarrollo del cine como forma de arte.

Escena de “Barry Lyndon”. Película ganadora de un premio Oscar


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2001:A SPACE ODYSSEY(1968)

Es una película de culto del género Ciencia Fic-ción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1968 que marcó un hito por su estilo de comuni-cación visual, sus revolucionarios efectos espe-ciales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas.

Es una película de ciencia ficción transversal, que aborda temas como la evolución humana, la tec-nología, la inteligencia artificial y la vida extrater-restre.

Se caracteriza por un notable realismo científico, por sus revolucionarios efectos especiales, sus ambiguas y surrealistas imágenes, el uso del so-nido en lugar de las tradicionales técnicas narrati-vas y el mínimo uso del diálogo.

La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss hijo y György Ligeti que acom-pañan las imágenes del espacio. Alex North com-

puso una obra musical para la película, pero Stan-ley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally Veevers.

Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cin-erama Theatre Broadway de la ciudad de Nue-va York. En un inicio recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película.

En la actualidad es una de las películas más aclamadas de la cinematografía norteamericana y mundial, sus avanzados efectos especiales lo hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha categoría.



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A CLOCKWORKORANGE

(1971)

La naranja mecánica es una pe-lícula de 1971 escrita, dirigida y producida por Stanley Kubrick, una adaptación de Anthony Bur-gess 1962 novela del mismo nombre.

Cuenta con inquietantes imáge-nes violentas, facilitando su co-mentario social en psiquiatría, las pandillas juveniles, y otros temas sociales, políticos y eco-nómicos en un distópico, el futu-ro Gran Bretaña.

La naranja mecánica cuenta con una banda sonora que incluye

“Si pierdes la esperanza en momentos de aflicción y de fatiga, tus fuerzas se verán debilitadas.”



selecciones de música clásica y sobre todo composiciones sin-tetizador Moog de Wendy Car-los (entonces conocido como “Walter Carlos”). El arte del car-tel ahora icónica de La naranja mecánica fue creada por Felipe Castillo con el diseño por el dis-eñador Bill oro. Kubrick escribió un guión fiel a la novela, diciendo: “Creo que lo que Burgess tenía que decir acerca de la historia se dice en el libro, pero me he inventado algunas ideas narrativas útiles y remodelar algunas de las escenas”


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THE SHINING (1996)

Es una película estadouniden-se de terror psicológico del año 1980 dirigida por Stanley Ku-brick y protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall y Danny Lloyd. Está basada en la novela homónima del escritor Stephen King.

La película relata la historia de un hombre que empieza a sufrir inquietantes trastornos de per-sonalidad a poco de llegar a un solitario hotel al que se había trasladado con su familia para ocuparse de la vigilancia y el mantenimiento durante el invier-no, en que permanece cerrado y aislado por la nieve. Paulati-namente, debido a la incomuni-cación, al insomnio, a sus pro-pios fantasmas interiores y a la influencia maléfica del lugar, se

verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrena-turales producidos por el sitio donde se encuentran.Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, El re-splandor ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras películas del cineasta estadounidense,


Jack Nicholson como Jack Torrance

SVEN NYKVISTNació el 3 de diciembre de 1922 en Moheda y murió el 20 de sep-tiembre de 2006 en Estocolmo, Suecia.

La carrera de Sven Nykvist está estrechamente ligada a la de su compatriota y director Ingmar Bergman. Junto a él realizó 17 largometrajes2, entre los que se encuentran algunas de las películas más aclamadas del séptimo arte.

Famoso por su meticulosidad y su predilección por la intuición sobre la técnica, Nykvist apostó toda su vida por la iluminación natural, sobria y liberada de artificios.

En “Persona” (“Persona”, 1966), de Ingmar Bergman, desplegó todas las constantes de su es-tilo para rodar los introspectivos primeros planos que pueblan todo el metraje de esta impre-scindible obra cinematográfica.

fue un director de fotografía sueco particularmente conocido por su trabajo con el director Ing-mar Bergman. Su trabajo se car-acterizaba por sus cualidades naturalistas y su sencillez.

Sven pasó la mayor parte del tiempo de su vida dedicado a su trabajo; aquella dedicación com-pleta le privó de la posibilidad de tener una vida familiar estable y a pesar de que fue padre de dos hijos, sus relaciones con las

mujeres fueron siempre muy in-estables.

Tal y como él mismo afirmaba, esta soledad a la que le conden-aba el trabajo no era tal puesto que allá a donde fuera siempre había algo que le hacía com-pañía, la luz.

3Según la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, el American Film Institute, y el British Film Institute se denomina largomet-raje a una película de duración igual o superior a sesenta minutos.


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CRIES AND WHISPERS(1972)

Es una película de 1972 de Suecia escrita y di-rigida por Ingmar Bergman y protagonizada por Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin y Liv Ullmann. La película está ambientada en una mansión a finales del siglo 19 y se trata de dos hermanas que velan por su tercera hermana en su lecho de muerte, se debate entre temiendo que pudiera morir y con la esperanza de que lo hará.

Después de varias películas experimentales sin éxito, Gritos y susurros fue un éxito crítico y co-mercial de Bergman, obteniendo nominaciones a cinco premios de la Academia. Estos incluyen una nominación a la mejor película. Gritos y susurros devueltos a los temas tradicio-nales Bergman de la psique femenina, o la bús-queda de la fe y de la redención. Utiliza el color saturado, especialmente carmesí. Fue por la combinación de colores y la luz que el director de fotografía y de largo plazo Bergman colaborador Sven Nykvist fue galardonado con el Premio de la Academia a la Mejor Fotografía.

Escena de la película



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FANNY AND ALEXANDER(1982)

Es una película sueco-franco-alemana de 1982, escrita y di-rigida por Ingmar Bergman, ga-nadora de cuatro Oscar como Mejor película extranjera, Mejor fotografía, Mejor diseño de ves-tuario y Mejor dirección de arte. Ingmar Bergman fue nominado como mejor director y mejor au-tor de guion original.

El film fue concebido original-mente como una película de 4 partes para televisión y editada en esa versión, con una dura-ción de 312 minutos.

“Hay dos versiones de Fanny y Alexander: un corto de 3 horas (188 minutos) versión, y un largo de 5 horas (312 minutos)

versión.”



Posteriormente se produjo una versión de 188 minutos para proyección cinematográfica, y fue la que de hecho se estrenó primero.

Desde entonces, la versión para televisión ha sido proyec-tada como una película de una sola parte; tanto la versión larga como la corta han sido presenta-das en teatros de todo el mundo.


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CELEBRITY (1998)Celebrity es una película de comedia-drama de 1998 escrita y dirigida por Woody Allen. El guión se centra en los caminos divergentes que una pareja toma después de su divorcio.

Lee Simon es un novelista sin éxito, cuyas rela-ciones con las mujeres son muy poco duraderas. Su intento de colocar un guión en Hollywood le da entrada al mundo de las celebridades: gente acelerada, siempre a la búsqueda de nuevos pla-ceres y sensaciones. El vértigo que sufre Simon en este mundo es descomunal.

Woody Allen sigue con sus temas habituales, aunque con un pesimismo más marcado que en otros films. El director (que cede el típico papel que él suele interpretar a Kenneth Branagh) ana-liza el desconcierto afectivo de numerosos perso-najes, con un acidísimo sentido del humor y un tratamiento de la sexualidad mucho más oscuro y descarnado de lo acostumbrado.

El reparto, como siempre, es fantástico: desde los jovenzuelos Leonardo DiCaprio, Winona Ryder, Famke Janssen y Charlize Theron, hasta los más veteranos Judy Davis, Joe Mantegna y Melanie Griffith.

La película fue filmada en blanco y negro y su lo-cación fue la ciudad de Nueva York por el director de fotografía Sven Nykvist.

Celebrity fue la última de las cuatro películas ro-dadas por Nykvist de Allen. También marca el fin de la larga colaboración de Allen con el editor de Susan E. Morse, que había editado la anterior veintena de películas de Allen que comienzan con Manhattan (1979).

La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia y se presentó en el Festival de Cine de Nueva York antes de ir al estreno general en los EE.UU. el 20 de noviembre de 1998.

Winona Ryder como Nola

BENOIT DEBIEBenoit debie nacion en Belgica.Excepcionalmente dotado para superar los obstáculos técnicos y las atmósferas sombrías, en cuatro años, belga Benoît Debie ha convertido en uno de los más codiciados directores de foto-grafía, después de haber tenido una carrera bastante poco con-vencional.

Debie no ha dejado que la fama le suba a la cabeza y aunque sigue siendo modesta.

Tras sus estudios de fotografía en la escuela de cine belga IAD (Instituto de las Artes de Difusión), Benoît Debie hizo al-gunas participaciones como

asistente de cámara. Muy pronto el aburrimiento se apoderó de él y empezó a trabajar en series de televisión, donde en diez años iba a experimentar con todo y desarrollar su estilo de trabajo: rápido, eficiente, concienzudo.

Su curiosidad lo llevó a hacer clips, anuncios y cortometrajes, por ejemplo, un amor maravil-loso de Fabrice du Welz, que fue un gran éxito.

Ahora Debie es mejor conocido por su trabajo en la controver-tida película de Gaspar Noé4 Irreversible, así como en la ino-

cencia de Lucile Hadzihalilovic, Dario Argento es la tarjeta de ju-gador, y Fabrice Du Welz

4Es un director de cine argentino radicado ac-tualmente en Francia, lugar donde ha realizado la mayoría de sus largometrajes. Dentro del desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos como camarógrafo, montador y productor.


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IRREVERSIBLE(2002)

Es una película francesa del año 2002, dirigida por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel.

Es una película contada en orden cronológico in-verso, que causó polémica por lo explícito de una escena de asesinato y otra de una violación. La banda sonora de toda la película está montada por Thomas Bangalter miembro del dúo francés de French house denominado Daft Punk.

Mónica Bellucci como “Alex”

La película narra al inicio la búsqueda empren-dida por dos hombres, Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel), quienes desean vengar la violación de Alex (Mónica Bellucci), novia de Marcus y ex novia de Pierre.

La historia transcurre en París, en el lapso de un día, y consta de trece secciones de diferente du-ración.

Las primeras escenas se caracterizan por mos-trar muchas imágenes en rápida sucesión y mov-imientos caóticos de cámara, pero luego van haciéndose cada vez más pausadas.


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the runaways (2010)

The Runaways es una película estadounidense de 2010 que na-rra la historia del grupo de punk rock de solo chicas en los años 70 del mismo nombre. Dirigida por Floria Sigismondi, el guion está basado en el libro Neon An-gel: A Memoir of a Runaway de la cantante original de The Ru-naways, Cherie Currie.

Dakota Fanning hace el papel de Cherie Currie, Kristen Stewart interpreta a la segunda guitarra y vocalista, Joan Jett, y Michael Shannon al productor del grupo, Kim Fowley.

La película tuvo su estreno mun-dial en el Festival de Cine de Sundance el 24 de enero de 2010, y tuvo un estreno limita-do en Estados Unidos el 19 de marzo de 2010, seguida por un comunicado de la nación el 9 de abril de 2010, que es el día en que también cumple años Kris-ten Stewart.

Hasta el momento, la película ha recibido críticas en general posi-tivas. Tiene una calificación de 68% en la película de Rotten Tomatoes5, basado en 24 comentarios.

También tiene una puntuación de 63 sobre 100 en Metacritic6, basado en 12 comentarios.

“Esto no es acerca de los modales de las mujeres, sino del éxtasis de las

mujeres.”Dakota Fanning y Kristen

Stewart como protagonistas

Dennis Harvey, de Variety7 dio a la película una crítica positiva, al comentar que “demuestra ser convencionalmente agradable”.

El film repite todos los tópicos del cine sobre el rock, la fama, y su lado oscuro, los problemas con las drogas, etc.

Su retrato de la juventud rebelde es un tanto sórdido y su tratami-ento de temas como el sexo y las drogas se antoja descarnado teniendo en cuenta que se trata de un film sobre quinceañeras.

5 Rotten Tomatoes es un sitio web dedicado a la revisión, información y noticias de películas.

6 Metacritic es un sitio web que recopila reseñas de álbumes de música, juegos, películas, progra-mas de televisión, DVD y libros.

7 Variety es un semanario estadounidense dedi-cado al mundo del entretenimiento, creado en Nueva York en 1905 por Sime Silverman.


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ENTER the VOID (2009)

La película se centra en Os-car, interpretado por Nathan-iel Brown, un joven traficante de drogas en Tokio que muere y regresa como un fantasma para velar por su hermana Linda. Paz de la Huerta co pro-tagoniza como la hermana.

La cámara sigue a Oscar por detrás de su cabeza durante

las escenas en las que él está vivo. Después de su muerte, se muestra sobre la vista a Tokio, a través de paredes y entre los edificios.

La película se estrenó en el Festival de Cannes 2009 y fue después de varios recortes estrenada en Francia, casi un

año después. La película esta basada en el “Libro ti-betano de la muerte”.Las escenas de estudio fueron filmadas en Tokio en Estudios Toho el equipo filmó durante tres meses en Tokio, y después de esto, fil-mo cuatro semanas en Mon-treal para los flashbacks.

Después de que la fotografía principal había terminado el equipo regresó a Tokio dos veces mas para escenas adicionales. La película fue rodada en Super 35 y 16 mm, con una Arricam LT y un Aaton XTR prod respec-tivamente.

Las técnicas de iluminación incluian automatizado de il-uminación y escenas con lu-ces estoboscopicas, con lo cual el director de fotografía fue capaz de aumentar el tiempo de exposición de la película.



JANUSZ KAMINSKI

Zygmund Janusz Kaminski, A.S.C. Nació el 27 de junio de 1959 es un director de cine po-laco.

Director de fotografía habitual colaborador de Steven Spiel-berg desde 1993, ha trabajado en Salvar al soldado Ryan, Mu-nich, o Minority Report, entre otras.

En Minority Report encontramos tonos fríos, tendencia hacia el azul y el negro.

En salvar al soldado Ryan, sin embargo, se tiende más hacia la crudeza y el realismo.

Ganó el premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su fo-tografía de la Lista de Schindler y Rescatando al soldado Ryan (1999).

En los últimos años, también se ha movido Kamiński en el campo de la dirección. Ha sido nominado cuatro veces más de Amistad, La escafandra y la mariposa, War Horse y Lincoln.

En 2010, fue galardonado con la Medalla Franklin J. Schaffer An-tiguos Alumnos del Conservato-rio AFI8.

Ganó el Premio de la Academ-ia a la Mejor Fotografía por su cinematografía de La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan (1999).

En los últimos años, Kamiński también se ha movido en el campo de la dirección.

8 El American Film Institute es una entidad cin-ematográfica estadounidense, independiente y sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar el material cinematográfico y rendir homenaje al mismo.


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schindler'slist

(1993)

Es una película estadoun-idense biográfica de 1993 di-rigida por Steven Spielberg.

La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un em-presario alemán que salvó la vida de alrededor de 1100 judíos polacos durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler’s Ark), escrita por Thomas Keneally.

Fue protagonizada por Liam Neeson (como Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley

(el contable de Schindler, Itzhak Stern). La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora; también ganó 7 Premios BAFTA y 3 Globos de Oro.

La decisión de rodar la película sobre todo en blanco y negro prestado al estilo documental de la cinematografía, que el director de fotografía Janusz Kaminski en comparación con el expre-sionismo alemán y el neorrealismo italiano.


Liam Neeson como Schindler


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The Lost World: Jurassic Park(1997)

The Lost World: Jurassic Park (conocida en español con los tí-tulos El mundo perdido: Parque Jurásico1 o El mundo perdido: Jurassic Park 2 ) es la primera secuela de la franquicia cin-ematográfica de ciencia ficción Parque Jurásico.

Basada en la novela del mis-mo nombre escrita por Michael Crichton, fue dirigida en 1997 por Steven Spielberg como la sucesión del anterior filme de 1993. A su vez, la acción se desarrolla sobre todo en la Isla Sorna9, sitio derivado del lugar original donde el Parque Jurásico fue constitui-do, y donde los dinosaurios tras haberse escapado con el paso del tiempo de sus instalaciones,


se encuentran libres viviendo en su interior.

A ese lugar llega un equipo en-cabezado por el matemático y teórico superviviente del desas-tre ocurrido tras el fracaso del parque, Ian Malcolm con tal de filmar un documental acerca de los dinosaurios en su hábitat.Al igual que Parque Jurásico, El mundo perdido tuvo un enorme éxito: fue la primera película de la historia en ser estrenada en más de cuatro mil salas de proyección.

Cuatro años después del desas-tre ocurrido en el Parque Jurási-co de la isla Nublar, John Ham-mond revela a Ian Malcolm que existe otra isla en la que se cria-

ban los dinosaurios antes de ser transportados a la isla Nublar.

Abandonados a su suerte tras el desastre, los dinosaurios han evolucionado, y Hammond está ansioso por verlos en su hábitat natural antes de empezar la ex-plotación comercial.

9Isla Sorna, alias el sitio B, es una isla del grupo de Los Cinco muerto. “Isla Sorna” significa isla de sarcasmo en español. La estación de investi-gación de InGen, donde se crearon los dinosau-rios, se encuentra en esta isla. Es el lugar donde la mayoría de las películas, libros y juegos sobre Jurassic Park tienen lugar.


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War of the worlds (2005)

Es una película dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning. Estrenada en 2005, el remake de la película de 1953 está inspirada en la novela homónima que H.G. Wells publicó en 1898. Además, la versión original está narrada por Morgan Freeman.

Ray Ferrier (Tom Cruise) es un trabajador portua-rio divorciado de Nueva Jersey que recibe, un fin de semana, la visita de sus dos hijos: la pequeña Rachel (Dakota Fanning) y el adolescente Robbie (Justin Chatwin). Lo que no imagina es que, preci-samente ese fin de semana, unos extraterrestres van a atacar la Tierra y que ahora sus vidas corren peligro.

“El hombre no vive ni muere en vano.”Tom Cruise y Dakota Fanning

Tom Cruise como “Ray ferrier”

Con el fin de mantener el realismo, el uso de vacu-nas imágenes generadas por ordenador y panta-lla azul se limitó, con la mayor parte de los efectos digitales se mezclan con imágenes en miniatura y de acción en vivo.


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La Terminal (título original The Terminal) es un drama romántico con toques de comedia, dirigido por Steven Spielberg y protago-nizada por Tom Hanks, Cath-erine Zeta-Jones, Chi McBride, Stanley Tucci y Diego Luna.

La película está basada en la historia real de Mehran Karimi Nasseri, un refugiado iraní que vivió en el Aeropuerto de París-Charles de Gaulle entre 1988 y 2006. Anteriormente a Spiel-berg, el director francés Philippe Lioret ya había adaptado al cine su historia en la película En trán-sito (título original: Tombés du ciel) (1993).

Viktor Navorski (Tom Hanks), es un ciudadano de Krakozhia (país ficticio similar a una típica ex República soviética), que at-erriza en el aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York para poder cumplir la promesa a su difunto padre de tener el autó-grafo de Benny Golson.

the terminal (2004)

Tom Hanks como Viktor Navorski


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Jerry Maguire es una película estadounidense de 1996, que mezcla el drama con la comedia y que está escrita y dirigida por Cameron Crowe además de estar interpretada por Tom Cruise, Cuba Good-ing Jr. y Renée Zellweger como protagonistas principales.

La película fue nominada a 5 Premios Óscar de las cuales consiguió una estatuilla, la de mejor ac-tor secundario para Cuba Gooding Jr. por su papel como Rod Tidwell.

Las otras nominaciones fueron para Tom Cruise como mejor actor, para el mejor montaje, el mejor guion y mejor película.

Además de los premios Oscar, la película y sus componentes ganaron otros premios, el más im-portante de ellos el Globo de Oro para Tom Cruise, además de estar nominado Cuba Gooding Jr. y la película, como mejor comedia.

j e r r y maguire

(1996)

Tom Cruise como Jerry Maguire


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Es una película bélica épica es-tadounidense estrenada en 1998 y ambientada en la invasión de Normandía durante la Segunda Guerra Mundial. Dirigido por Ste-ven Spielberg y escrito por Rob-ert Rodat, el filme destaca por su recreación gráfica y muy realista de la guerra, especialmente en sus intensos 27 primeros minu-tos, que narran el desembarco

y asalto aliado de la «playa de Omaha» el 6 de junio de 1944. La historia continúa con Tom Hanks como el capitán John H. Miller del ejército de los Estados Unidos y siete hombres (inter-pretados por Tom Sizemore, Ed-ward Burns, Barry Pepper, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Adam Goldberg y Jeremy Davies) en busca de un paracaidista, el

soldado James Francis Ryan (Matt Damon), que ha perdido a sus tres hermanos en combate.Rodat concibió la historia de la película en 1994, cuando vio un monumento dedicado a ocho hermanos que murieron en la Guerra de Secesión e imaginó un símil narrativo ambientado en la Segunda Guerra Mundial.

Saving Private Ryan(1998)

Escena de Saving Private Ryan


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Inteligencia artificial es una película estadoun-idense de 2001 dirigida por Steven Spielberg. La película está basada en el relato de ciencia ficción Los superjuguetes duran todo el verano de Brian Aldiss, e incorpora elementos de la obra italiana Las aventuras de Pinocho.

La película fue concebida por Stanley Kubrick, quien trabajó largo tiempo con un grupo de es-critores; pero debido al fallecimiento de Kubrick, y a que estuvo durante sus últimos años de vida envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut —su última película—, no llegó a dirigirla.

En los créditos Kubrick figura como uno de los productores, y la película fue dedicada a él.

En la película aparecen las Torres Gemelas, pese a haber dejado de existir desde los atentados del 11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo que ocurrió con la película de Spiderman, en esta se decidió mantenerlas en el film que se proyecta-ría finalmente en los cines.

Inteligencia artificial

(2001)

Haley Joel Osment como David


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Atrápame si puedes (Catch Me If You Can en la versión origi-nal) es una comedia dramática de 2002, basada en la vida de Frank Abagnale Jr., quien an-tes de cumplir diecinueve años de edad consiguió millones de dólares haciéndose pasar por piloto de una empresa aérea, por médico y por abogado.

Su principal modus operandi era la falsificación de cheques, del-ito en el que logró tanta habili-dad y experiencia que el FBI fi-nalmente lo reclutó como asesor en ese tipo de fraudes.

Steven Spielberg dirigió la película, cuyos protagonistas son Leonardo DiCaprio como Abagnale, además de Tom Hanks, Christopher Walken, Amy Adams, Martin Sheen y Nathalie Baye.

La idea de la película comenzó a desarrollarse hacia 1980. Con el comienzo del siglo XXI, cine-astas tales como David Fincher, Gore Verbinski, Lasse Hallström, Miloš Forman y Cameron Crowe se vieron en algún momento relacionados con Atrápame si puedes.

Spielberg (quien originalmente iba a ser productor) decidió con-vertirse en el director del proyec-to, descartando otros como Big Fish y Memoirs of a Geisha. La filmación se llevó a cabo desde febrero hasta mayo de 2002.

Atrápame si puedes fue un éxito de crítica y de taquilla, y el ver-dadero Abagnale la calificó positivamente.

catch me if you cAN (2002)

Leonardo di Caprio como Frank Abagnale Jr


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Múnich es una película estadounidense estrena-da en 2005 dirigida por Steven Spielberg y escrita por Tony Kushner y Eric Roth.

Se trata de un thriller en el que el director se plantea cuestiones éticas y prácticas en relación con las políticas represivas que adopta el estado de Israel ante el terrorismo. Un acontecimiento reprobable, como es el asesinato de los atletas israelíes en los Juegos Olímpicos, parece en un primer momento dar fuerza moral a las medidas que decide tomar el estado de Israel, en especial a matar a palestinos que no tienen nada que ver con el hecho.

munich (2005)

Sin embargo, poco a poco Spielberg nos va mostrando que la realidad tiene muchas aristas, que para acabar con los terroristas hay que con-vertirse a su vez en terroristas, recurrir a las mis-mas fuentes de información que los terroristas, el problema es que también se mata a gente ino-cente.

La relación de los asesinados por el comando con los hechos de Múnich es bastante evidente en al-gunos casos, presunta en otros y meramente in-telectual en otros.

En cualquier caso, el argumento final acaba sien-do el mismo que utilizan los que asesinan a los israelíes por el hecho de serlo: si trabajan, colabo-ran o simpatizan con la OLP están mejor muertos que vivos.

Escena de Munich

BRUNO DELBONNELNacio en 1957. Es un director de fotografía francés. Ha colab-orado dos veces con su colega francés Jean-Pierre Jeunet para ‘Amélie y Largo domingo de no-viazgo.

Es el director de fotografía de la película de 2007 Across the Universe y de Harry Potter y el Príncipe Mestizo en el 2009.

También trabajo en la pelicula Paris, je t’aime y Trabajó en dark shadows de Tim Burton10 en 2012.

Su estilo colorista e imagina-tivo se nos ha quedado a to-dos grabado, de tal forma que

más de una vez para describir una foto he leido “es muy estilo Amélie”.

También es el responsable de la fotografía de Harry Potter11 y el misterio del príncipe, entre otras.

Ha sido galardonado con el Pre-mio del Cine Europeo al Mejor Primer Operador por Amélie (2001); el Premio César a la Me-jor Fotografía y el Premio de la Sociedad de Directores de Fo-tografía Americanos por Largo domingo de noviazgo (2004), y el Premio “Rana de Plata” del Festival de Lodz por Across the Universe (2007).

Ha sido nominado por la Aca-demia de Hollywood en tres ocasiones por Amélie, Largo do-mingo de noviazgo y Harry Potter y el misterio del príncipe.

10 Es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense.

11 es una heptalogía de novelas fantásticas es-crita por la autora británica J. K. Rowling, en la que se describen las aventuras del joven aprendiz de mago Harry Potter y sus amigos Hermione Granger y Ron Weasley, durante los siete años que pasan en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.


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ACROSS THE UNIVERSE(1996)

Across the Universe es un musical del 2007 dirigi-do por Julie Taymor y escrito por Dick Clement e Ian La Frenais.

El guion esta basado en una historia original crea-da por Taymor, Clement y La Frenais la cual in-corpora 32 covers de canciones originales de la banda británica The Beatles.Dentro del filme hay apariciones especiales ta-les como Bono como el Dr. Robert (un shaman contracultural), Eddie Izzard como el Sr. Kite (un presentador de circo), Joe Cocker como tres per-sonajes de la calle y Salma Hayek que aparece (a través de efectos visuales) como cinco enfer-meras.

es un musical ambientado en los turbulentos años ‘60 en Estados Unidos, cuando Jude (Jim Stur-gess), un joven trabajador, deja Liverpool para buscar a su siempre ausente padre en Estados Unidos y es golpeado por las olas de cambio re-formando el país. Aquí, Jude se enamora de Lucy (Evan Rachel Wood), una niña estadounidense

rica, pero fuerte y consciente que se une al movi-miento antibélico en Nueva York. Entonces Jude y Lucy intentan encontrar la salida de un psicodélico mundo que se vuelve loco.

Evan Rachel Wood como “Lucy” y Jim Sturgess como “Jude”

Jim Sturgess como “Jude”


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Harry Potter and the Half Blood Prince (2009)

Es el sexto libro de la serie lit-eraria Harry Potter escrito por la autora británica J. K. Rowling y publicado por primera vez, en in-glés, el 16 de julio de 2005.

La novela relata los acontec-imientos posteriores a Harry Potter y la Orden del Fénix, y que preceden a Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. De-sarrollada en el sexto año de Harry Potter en el Colegio Hog-warts, la obra explora el pasado del mago oscuro Lord Volde-mort, así como los preparativos del protagonista junto con su

“De acuerdo con diversos analistas del tema, el libro sugiere un tono más tenebroso a comparación con las demás novelas

de Harry Potter.”

Daniel Radcliffe como “Harry Potter

Rupert Grint como Ron Weasley

mentor Albus Dumbledore para la batalla final detallada en el siguiente libro, el último de la serie. Dirigido por David Yates quien ya había dirigido la entre-ga anterior y la adaptación del guion gracias a Steve Kloves, el largometraje fue producido por David Heyman y David Barron, poseedores de la productora encargada de la distribución de las películas. De esta manera, El misterio del príncipe les valió una nominación a los premios Óscar en la categoría de «Mejor fotografía


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amélie (2001)Amélie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain en francés) es una película francesa de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet, co-escrita por el director y Guillaume Laurant y protagonizada por Audrey Tautou.

Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (en cas-tellano, Ella va a cambiar tu vida...), la película fue distribuida en Estados Unidos por Miramax y en España por Manga Films.

El director de fotografía Bruno Delbonnel hace diestro uso de su extraordinario sentido visual, presentando las imágenes en una paleta de colores muy viva, pero a la vez limitada.

un constante filtro verdoso acentúa los colores primarios y deslava todo lo demás, reduciendo la percepción del espectador, o mejor dicho, centrán-dola a lo que Jeunet quiere, pero sin descuidar los escenarios y ambientación.


Audrey Tautou como Amélie Poulain

christian bergerNacó el 13 de enero de 1945. es un director de fotografía aus-tríaco.

Es mayormente conocido por su trabajo con Michael Haneke, y se desempeñó en la película The White Ribbon, por la cual consiguió numerosos premios como el ASC Awards, además de una nominación a los Pre-mios Oscar.

Berger inventó un sistema de iluminación llamado “Cine Reflect Lighting System” que usó en sus últimas películas. Además de su trabajo como director de fotografía, enseña

cinematografía en la academia “Filmacademy Vienna”. Berger está casado con la actriz Marika Green, y es tía de Eva Green.

Destaca por su trabajo con Haneke, por ejemplo en La Pia-nista o La Cinta Blanca.

Es importante su utilización de espacios austeros y vacíos para lograr expresividad y carga dramática, para colaborar en el carácter tenso y perturbador de los guiones.

En 1973 fundó la productora propia TTV Film. Una amplia la-bor como documentalista.

En 1977 edificio de estudio de video experimental. Ha Traba-jado con y el apoyo técnico de varios cineastas jóvenes que trabajan bajo TTV Film.

entre 1980-1981 el aumento de trabajo en las obras de tel-evisión, adaptaciones de panta-lla con varios autores, el director de fotografía de películas y el trabajo como director.

Ha participado en más de 20 festivales internacionales y pre-mios internacionales.


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Caché (2005)

Caché es una película de 2005 escrita y dirigida por el cineasta austríaco Michael Haneke. Está protagonizada por Daniel Auteuil y Juliette Bino-che, quienes interpretan a Georges y su esposa Anne, un matrimonio burgués amenazado por unas extrañas cintas de vídeo grabadas justo en-frente de su casa.

El largometraje, filmado en francés, es una copro-ducción entre Austria, Francia, Alemania e Italia. Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival Internacional de Cannes, donde Michael Haneke recibió el galardón como mejor director. Posterior-mente consiguió cinco premios del cine europeo, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor.

Fascinante ejercicio de estilo del austríaco Mi-chael Haneke, que además de su innegable cuali-dad hipnótica, invita a reflexionar acerca del estilo de vida acomodaticio que impera en Occidente. El film arranca de un modo audaz y arriesgadísimo. Durante varios minutos, observamos un plano fijo del exterior de una casa.

De pronto, vemos retroceder la imagen, como si se estuviera rebobinando. Y es que, en efecto, se trata del contenido de una misteriosa cinta de ví-deo, recibida por George Laurent, el popular con-ductor de un programa televisivo.

Lo extraño de esa filmación es que la casa que se ve es la de George. Y no resulta fácil adivinar quién la ha grabado y desde dónde. Lo que podría parecer una broma pesada, se repite con nuevas cintas anónimas, acompañadas de extraños dibu-jos de carácter infantil, que empiezan a inquietar a George y a su mujer Anne. Y el caso es que la policía no ayuda demasiado.

Juliette Binoche como Anne Laurent


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71 Fragments of a Chronology of Chance

(1994)

Es una película de drama 1994 dirigida por el austríaco Michael Haneke.

Tiene una historia fragmentada como sugiere el título, y narra varias historias independientes en paralelo.

Líneas narrativas independien-tes se cruzan en un incidente en la última de la película: un asesi-nato en masa en un banco aus-triaco. La película está ambientada en Viena, octubre-diciembre, 1993.

La película se divide en un número de “fragmentos” de lon-gitud variable dividido por pau-sas en negro, y aparentemente no relacionados entre sí.

La película se caracteriza por un buen montón de fragmentos que tienen forma de noticiarios de vídeo no relacionados con las principales líneas argumentales. Noticias filmaciones de hechos reales se muestran a través de monitores de vídeo.

Noticieros informan sobre la guerra de Bosnia, la Guerra Civil de Somalia, el conflicto del sur del Libano12.


Conflicto kurdo-turca, y las acusaciones de abuso sexual contra Michael Jackson.

12El 1978 en el sur del Líbano el conflicto (el nom-bre clave de Operación Litani por Israel) fue la invasión del Líbano hasta el río Litani, llevada a cabo por las Fuerzas de Defensa de Israel en 1978 en respuesta a la masacre Camino de la Costa. El conflicto dio lugar a las muertes de 1,100-2,000 libaneses y palestinos, 20 israelíes, el desplazamiento interno de 100.000 a 250.000 personas en el Líbano


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The White Ribbon (2009)

The white ribbon es una película en blanco y ne-gro de drama del 2009 en lengua alemana escrita y dirigida por Michael Haneke.

Das Weisse Band, Eine deutsche Kindergeschi-chte. Representa oscuramente sociedad y la fami-lia en un pueblo del norte de Alemania justo antes de la Primera Guerra Mundial y, según Haneke, es sobre “el origen de todo tipo de terrorismo, ya sea de carácter político o religioso”.

Más de 7.000 niños fueron entrevistados durante el período de fundición de seis meses de dura-ción. Para la mayoría de los roles adultos, Haneke habia seleccionado actores con los que había tra-bajado antes, por lo que sabían que eran adecua-dos para los roles.

El papel del pastor fue escrito originalmente para Ulrich Mühe, un actor que había protagonizado varias producciones pasadas de haneke, pero que murió en 2007. V

La decisión de hacer la película en blanco y negro se basa en parte en el parecido con las fotografías de la era, sino también para crear un efecto de distanciamiento.Todas las escenas fueron filmadas originalmente en color y luego alterada a blanco y negro. Chris-tian Berger, director habitual de Haneke de la fo-tografía, rodó la película en el Super 35 con un compacto Moviecam.

Haneke quería que los ambientes fueran muy oscuros, por lo que muchas escenas de interior utilizan sólo fuentes de luz prácticos tales como lámparas de aceite y velas.

“Uno se vuelve sentimental cuando tiene dolores”

Personaje importante de la película

Anthony Dod Mantle

Anthony Dod Mantle, BSC naci-do en 1955.

Es un cineasta británico destaca por su trabajo en la cinemato-grafía digital. Dod Mantle dirigió la fotografía en tres películas Dogma 95 y los dos primeros episodios de Wallander 13.

Él utilizó la Red Una cámara digital en Wallander, la primera producción de la televisión bri-tánica a hacerlo.

Ganó el Premio de la Academ-ia Británica de Televisión Craft Photography & Lighting (Ficción / Entretenimiento)

Por su trabajo en la serie y fue nominado para un premio RTS Artesanía y Diseño en Ilumi-nación, Fotografía y cámara-Fotografía-Drama.

también fue director de foto-grafía de Slumdog Millionaire (Danny Boyle, 2008), por la que ganó el Oscar a la mejor foto-grafía en 2009.

Dod Mantle está incluido en el libro Conversaciones con direc-tores de fotografía de David A Ellis.

Dod Mantle vive con su familia en Copenhague, Dinamarca.

13 Wallander es una serie de televisión británica adaptado de Kurt Wallander novelas del escri-tor sueco Henning Mankell y protagonizada de Kenneth Branagh como el inspector de policía del mismo nombre. La primera serie de tres episodios, producida por Yellow Bird, Left Bank Pictures y TKBC de la BBC de Escocia, fue transmitido por la BBC One, de noviembre a diciembre de 2008.


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antichrist (2009)

Es una película del año 2009 escrita y dirigida por Lars von Trier. La cinta, protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, narra la historia de una pareja que tras la acci-dental muerte de su hijo, se re-tira a una cabaña en el bosque

donde pasaron las últimas va-caciones con él.El largometraje se rodó en Ale-mania y Suecia. Es una co-producción entre Dinamarca, Alemania, Francia, Polonia, Suecia e Italia, aunque funda-mentalmente danesa.

Se estrenó el 18 de mayo de 2009 en el Festival de Cannes.La película fue filmada en video digital, usando princi-palmente cámaras Red One en la resolución 4K.

Las secuencias de mov-imientos lentos fueron to-madas con un Phantom V4 de 1.000 fotogramas por se-gundo. Técnicas de filmación invo-lucrados dollys14, de cámara manual y programada por computadora “Motion Con-trol”

14 El “Dolly” es una pieza especializada de equipos de producción de cine y televisión destinado a crear movimientos de cámara suaves (técnicas cinematográficas).

La cámara se monta en el carro y el op-erador de cámara y botón de enfoque o asistente de cámara suele montar en el carro para manejar la cámara. El dolly grip es el técnico especializado capacitado para operar la plataforma .

Charlotte Gainsbourg como “ella”.

Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg


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dogville(2003)

Dogville es una película del año 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kid-man.

Es la primera película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, seguida por Manderlay de 2005 y Wasing-ton, aún por realizar. La cinta compitió en la selección oficial del Festival de Cannes15 de 2003.

Es una parábola que utiliza un conjunto muy mínimo, similar

a un escenario para contar la historia de Grace Mulligan (Kid-man), una mujer escondiéndose de mafiosos, que llega en la pequeña ciudad de montaña de Dogville, Colorado, y se propor-ciona refugio a cambio de tra-bajo físico.

Su estancia allí finalmente cam-bia la vida de la gente local y la ciudad de muchas maneras.

La película fue filmada en video de alta definición con una cá-mara HDW-F900 de Sony en un estudio en Trollhättan, Suecia.

15es un festival de cine categoría “A”, celebrado en la ciudad francesa de Cannes acreditado por la FIAPF, junto con los festivales de Berlín, San Sebastián, Mar del Plata, Karlovy Vary o Venecia entre otros.

Nicole Kidman y Paul Bettany

Mapa de Dogville.


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127 hours (2010)

127 hours es una película de drama y suspen-so, protagonizada por James Franco, dirigida por Danny Boyle, escrita por Boyle y Simon Beaufoy y producida por Christian Colson.

El film está basado en la historia real de Aron Ralston, el escalador de montañas estadoun-idense que se amputó el brazo para liberarse después de quedar atrapado bajo una roca en Robbers Roost, Utah durante más de 5 días en abril-mayo del 2003.

La película fue bien recibida por crítica y público y fue nominada a seis premios de la Academia, in-cluyendo Mejor Película y Mejor Actor de Franco.

La “escena de amputación” fue la obra de los efectos de maquillaje del artista Tony Gardner y su equipo en Alterian, Inc, quienes se esforzaron

“No hay fuerza más poderosa que la voluntad de vivir”

James Franco como Aron Ralston

James Franco como Aron Ralston

en ser médicamente exactos en cada mínimo de-talle, pues Danny Boyle rodó la escena entera en una toma y cada aspecto de la escena debía ser funcional así como realista.


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Manderlay es la segunda pelícu-la de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades del di-rector danés Lars von Trier. En ella se trata de profundizar so-bre las raíces del racismo.

Al igual que su predecesora, Dogville, Manderlay está ro-dada con muy poco decorado, usando sencillamente aquellos objetos imprescindibles para el argumento y sustituyendo pare-des y puertas por marcas en el suelo similares a las de tiza en una pizarra.

Esta película fue criticada prin-cipalmente por el hecho de que, para una escena, se sacrificó realmente a un asno. La escena finalmente se eliminó, debido a que Von Trier fue muy criticado y la gente comenzó a echarse encima suyo.

Von Trier intentó arreglarlo en vano, diciendo que importa más la libertad de expresión de las personas que la vida o muerte de un animal, algo que disgustó a mucha gente. Es interesante señalar que el movimiento Dog-ma 95, del cual Von Trier es fun-dador, tiene un mandamiento en el que dice que no se puede in-cluir muertos. La película, no ob-stante, no se realizó dentro del movimiento Dogma95.

Manderlay(2005)

Bryce Dallas Howard como Grace


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28 Days Later (en Español: 28 días después) es una película dirigida por Danny Boyle, estrenada en Reino Unido el 1 de noviembre de 2002 y en Estados Unidos el 27 de junio de 2003. Está pro-tagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris, Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Ec-cleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks Later), y a una novela gráfica del mismo título.

Fue un éxito de taquilla y de la crítica en general,[cita requerida] ampliamente impactante fueron las imágenes de una Londres totalmente desierta y devastada. La película fue totalmente filmada en formato digital.

En 2007 se estrenó a nivel mundial la segunda en-trega de la película, titulada 28 semanas después o Exterminio 2, originalmente 28 Weeks Later.Tiene bastante similitud a la película “The Omega Man”, en España “El Último Hombre Vivo” del año 1971.

Steve Niles junto con Dennis Calero y Dan Nakro-sis crearon una novela gráfica, 28 Días Después: Las consecuencias, que narra la historia antes de que Jim despertara en el hospital londinense.

Da mucha credibilidad debido a que las razones de la expansión del virus son muy creíbles. Sin embargo, las impactantes imágenes de Londres sin población fueron buenos puntos de vista para la mayoría de críticos latinoamericanos, sobre todo por su impresionante caracterización.

28 Days Later (2002)

Cillian Murphy como Jim

dariusz wolski

Dariusz Wolski Adán (nacido en 1956) es un director poláco y cineasta de video musical.

Es mejor conocido por su traba-jo como director de fotografía de piratas del Caribe y en clásicos como ‘The Crow y Dark City.

Muchas de sus colaboraciones incluyen el trabajo con los direc-tores de cine como Ridley Scott, Tony Scott y Tim Burton. Ha trabajo en el músical sweeney todd, alice in wonderland y pro-metehus.

Ha sido miembro de la Socie-dad Americana de Directores de Fotografía16 desde 1996 y

miembro de la Academia de Ar-tes y Ciencias Cinematográficas desde 2004.

Natural de Varsovia, Wolski es-tudió en la Escuela de Cine de Lodz, Polonia.

Tras emigrar a Estados Unidos en 1979, trabajó en documen-tales y películas independientes hasta despuntar en el mundo de la publicidad y los vídeos musi-cales.

Wolski ha rodado más de 100 videoclips para artistas tan rel-evantes como Aerosmith, Sting, Keith Richards, Van Halen y Eminem.

16 La ASC (Asociación Americana de Directores de Fotografía) la define como «el proceso crea-tivo e interpretativo que culmina en la autoría de una obra de arte original en lugar de en la simple grabación de un evento físico.

La cinematografía no es una subcategoría de la fotografía sino que la fotografía es una herrami-enta que el director de fotografía utiliza junto con otras técnicas físicas, organizativas, interpretati-vas y de manipulación de imagen para llegar a un proceso coherente.


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Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007)

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street es una adaptación cinematográfica del musical homónimo de Stephen Sondheim y Hugh Wheel-er (a su vez inspirado en la pieza teatral de Chris-topher Bond).

El musical fue originalmente dirigido por Harold Prince, con Angela Lansbury y Len Cariou. La versión cinematográfica está protagonizada por Johnny Depp, en su sexta colaboración con el di-rector Tim Burton.

La película narra la melodramática historia de Sweeney Todd, un barbero inglés que asesina a sus clientes con una navaja de afeitar en la Era victoriana con la ayuda de su cómplice la Sra. Lovett, quien convierte sus cadáveres en paste-les de carne.

Se estrenó el 21 de diciembre de 2007 en Estados Unidos. La película ganó un importante número

de premios, incluyendo el Globo de Oro a la me-jor película Comedia o musical, el Globo de Oro al mejor actor Comedia o musical, y el Óscar a la mejor dirección de arte; Johnny Depp también fue nominado al Óscar al mejor actor.

Johnny Depp como “Sweeney Todd y Helena Bonham Carter como Mrs. Lovett

“Porque la vida de los perversos deben ser

cortas. Para el resto de nosotros, la muerte sería

un alivio.Todos merecemos morir.”


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the crow (1994)The crow es una película esta-dounidense de 1994 basada en la serie de comics homónima del año 1989 de James O’Barr. La película fue adaptada por David J. Schow y John Shirley, y dirigi-da por Alex Proyas.

La película logró notoriedad aun antes de su estreno debido a que durante el rodaje, Brandon Lee (hijo de Bruce Lee) murió tras ser tiroteado en una escena de la película. Se pensó aban-donar el proyecto tras su muer-te, pero finalmente se decidió seguir adelante, utilizando un doble, escenas oscuras y reto-ques por ordenador. La película se presentó como un homena-je a Lee ya que al final puede verse una dedicatoria que dice “para Brandon y Elisa”.

Brandon Lee como “Eric Draven/El cuervo”

Primerísimo primer plano del cuervo

17 Stone Temple Pilots (a menudo abreviado STP) es una banda estadounidense de rock de San Diego, California, que actualmente se compone de hermanos Robert DeLeo (bajo, voz) y Dean DeLeo (guitarra), Eric Kretz (batería y percusión) y Chester Bennington (plomo voz).

En 1995, Graeme Revell ganó un premio de la música de cine IMC por la música y los Stone Temple Pilots17 ganó el MTV Movie Award a la Mejor Canción por “Big Empty”. También en los MTV Movie Awards, la película fue nominada a la mejor película y Brandon Lee fue nominada a la Mejor Interpretación Masculina.


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PROMETHEUS(2012)

Es una película de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y escrita por Jon Spaihts y Da-mon Lindelof.

La película está protagonizada por Noomi Ra-pace, Michael Fassbender y Charlize Theron. El argumento sigue a la tripulación de la nave espa-cial Prometheus a finales del siglo XXI, a medida que exploran una avanzada civilización alienígena en busca de los orígenes de la humanidad.

Según Scott, aunque la película comparte “cade-nas de ADN de Alien, por así decir”, y se desarrol-la dentro del mismo universo, Prometheus explora su propia mitología e ideas.

La fotografía principal comenzó en marzo de 2011, con la filmación teniendo lugar en Inglaterra, Islandia y España. Prometheus fue estrenado en EE.UU. el 8 de junio de 2012 a través de 20th Century Fox; en México su estreno fue el fin de semana del 15 de junio y en España el 3 de agosto.

Michael Fassbender como David, un androide.

Fotografía de Prometheus

La película recibió una nominacion al premio Os-car de los Mejores Efectos Visuales.


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Es una película neo-noir de ciencia ficción de 1998 escrita y dirigida por Alex Proyas. Fue protagonizada por Rufus Sewell, Kiefer Sutherland, Jennifer Con-nelly y William Hurt. Sewell in-terpreta a John Murdoch, un hombre que sufre de amnesia y que se encuentra acusado de asesinato; Murdoch intenta des-cubrir su verdadera identidad

dark city (1998)

para limpiar su nombre mientras escapa de la policía y un miste-rioso grupo conocido como "los ocultos".

La mayor parte fue filmada en Fox Studios Australia y estuvo producida en conjunto por las compañías New Line Cinema y Mystery Clock Cinema. El estu-dio tenía dudas sobre si el públi-co entendería la trama, así que le solicitó a Proyas que agregara una voz en off en la introducción que la explicara.

Se estrenó el 27 de febrero de 1998 en Estados Unidos, recibi-endo bajos resultados en taquil-la y críticas mixtas.

Después de su estreno, la película recibió nominaciones a los premios Saturn y Hugo. Con la ayuda del crítico Roger Ebert y las proyecciones domesticas, la película se ha transformado en un clásico de culto.

Desde la época de su estreno en los cines, algunas reseñas de críticos y estudiantes han re-considerado el significado de la película.

Una versión del director, lanzada en 2008, preserva la visión artís-tica original de Proyas.

Rufus Sewell como John Murdoch


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Michelle Monaghan como Rachel

Shia LeBeouf como Jerry Shaw

es una película de género thriller de acción es-tadounidense dirigida por D.J. Caruso y protago-nizada por Shia LaBeouf y Michelle Monaghan. Tiene como temática básica la inteligencia artifi-cial diabólica de una computadora.

La idea para Eagle Eye nació hace varios años en la mente del productor ejecutivo Steven Spielberg. “El concepto inicial de Steven se concentraba en la idea que la tecnología está en todas partes,” dice el co-productor Pete Chiarelli.

“Nos rodea totalmente. ¿Qué sucedería si se pusiera en nuestra contra? ¿Qué pasaría si la tecnología que nos rodea, que apreciamos y de la que dependemos, súbitamente fuera utilizada para hacernos daño y estuviera totalmente fuera de nuestro control?”

“Steven siempre quiso que los espectadores sali-eran del cine y asustados apagaran sus celulares y BlackBerrys,” recuerda el productor/guionista Alex Kurtzman, de la misma manera que los es-pectadores temieron nadar en el océano después que vieron la realización de Spielberg Tiburón en 1975.

El argumento evolucionó pausadamente durante varios años porque cuando Spielberg tuvo inicial-mente la idea, “pensó que parecería demasiado como la ciencia ficción,” agrega Kurtzman. “No hubiera sido muy creíble porque la tecnología to-davía no estaba tan integrada en nuestra socie-dad como hoy en día.”

Eagle Eye (2008)

La pasión por la fotografía rica en contrastes que se utilizaba en las películas mudas produci-das en Alemania es la responsa-ble de que el futuro director de fotografía Kazuo Miyagawa se interese por el cine.

Esta influencia puede apreci-arse claramente en Rashomon (1950). Antes de entrar a tra-bajar en un estudio, Miyagawa estudió una técnica de pintura tradicional japonesa o sumi-e. Ya involucrado en la industria cinematográfica, fue técnico de laboratorio y asistente del direc-tor de fotografía antes de de-sempeñar él mismo esta última función.

Kazuo MiyagawaSu carrera se inicia y culmina con sendas colaboraciones con Akira Kurosawa.

Al igual que al realizador, Ra-shomon le hizo famoso en todo el mundo. Treinta años después, tuvo que abandonar el rodaje de Kagemusha. La sombra del guerrero (1980) debido a una afección ocular.

Entre ambas películas se ex-tiende una trayectoria extraordi-naria. Empezó pronto a experi-mentar con raíles y grúas para dotar a la cámara de un mov-imiento más ágil, algo que puede apreciarse en Rashomon.

En Cuentos de la luna pálida (1953), dirigida por Kenji Mizo-guchi, se inspiró en las pinturas tradicionales niponas. Así, en la cinta las composiciones alarga-das sugieren la continuidad de los acontecimientos.

En Conflagración (1958) de Kon Ichikawa, utilizó por primera vez el Daieiscope, un nuevo forma-to de pantalla ancha, y volvió a buscar la inspiración en las téc-nicas pictóricas de su país, lo que se aprecia en la división de las imágenes y en los espacios delimitados por elementos como puertas.


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ugetsu (1956)

Ugetsu o Ugetsu Monogatari es una película japonesa de 1953, y un ejemplo de la jidaigeki (drama de época) género. Fue dirigida por Kenji Mizoguchi y se basa en las historias de Ueda Aki-nari 's libro del mismo nombre . Situado en Azuchi-Momoyama período de Japón , está protagoniza-da por Masayuki Mori y Machiko Kyō .

Es una de las películas más célebres de Mizo-guchi, considerado por la crítica como una obra maestra del cine japonés y una pieza definitiva durante la Edad de Oro del Cine de Japón. Junto con Akira Kurosawa 's 1950 la película Rashomon , Ugetsu se le atribuye haber popularizado cine japonés en Occidente.

Tras el éxito de su anterior película La vida de Oharu , Mizoguchi se ofreció a hacer una película en el cine Daiei estudios por su viejo amigo Ma-saichi Nagata .

El acuerdo prometió Mizoguchi completo control artístico y un gran presupuesto. A pesar de ello, Mizoguchi fue finalmente presionó para hacer un final menos pesimista para la película. Título Ugetsu de la película es una contracción de Uget-su Monogatari, el título japonés, desde la Akinari Ugetsu Monogatari . Mizoguchi basa su película en dos historias Del libro, “La casa en la espesura” (Asaji ga Yado) y “La lujuria de la Ser-piente Blanca” (Jasei no In). Otras fuentes de in-spiración para el guión de la película incluyen Guy de Maupassant Déconé ‘s ! (Cómo llegó la Legión de Honor).

Mientras escribía el guión, Mizoguchi dijo a su gui-onista y viejo colaborador Yoshikata Yoda “Si la guerra se origina en motivos personales del gob-ernante, o de algún interés público, cómo violen-cia, disfrazada de guerra, oprime y atormenta a la población, tanto física como espiritualmente ... Quiero destacar esto como el tema principal de la película “.

Machiko Kyō como Lady Wakasa

Capítulo Cuatro: Asia

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Es un 1959 película de Yasu-jiro Ozu . Se trata de una nueva versión del propio Ozu negro y blanco del cine mudo18Historia de malezas flotantes (1934).

El título Ozu primera intención de la película era un actor Ham (Daikon yakusha, literalmente actor de rábano). Este título se dice que ha sido abandonado debido a que se consideró un in-sulto a Ganjiro Nakamura, el ac-tor que interpreta Komajūrō, que era una gran estrella del teatro kabuki en el oeste de Japón.

No es una conversación entre Komajūrō y Sumiko en el que dice, cuando fue acusado de Hamming él para arriba, que ese es el estilo de actuación que su público paga para ver.

Ukikusa (1959)

Primero vemos la compañía re-alizar una escena de Kunisada Chuji ( Kunisada Chuji ). Kunisa-da Chuji, un personaje histórico que vivió de cerca de 1810 a 1850, fue idealizado como el Robin-Hood-como el héroe de una serie de obras de teatro y novelas.

Él era un jugador y ladrón de poca monta que, después de haber regresado a su pueblo na-tal en busca de su familia arru-inada y su hermana enloquecido por el magistrado local malva-dos, causó su venganza antes de refugiarse en el bosque, don-de él y sus compañeros bandi-dos robaron la ricos para dárselo a los pobres.

En la escena vemos, Ku (in-terpretado por Sumiko) se despedía de sus fieles com-pañeros, Gantetsu y Jōhachi, en el Monte Akagi. Gansos salvajes que vuelan al sur para el invi-erno y los cuervos que regresan a sus nidos son utilizados como imágenes de despedida.

Ganjiro Nakamura como Komajuro Hiroshi Kawaguchi como Kiyoshi Machiko Kyō como Sumiko

Haruko Sugimura como Oyoshi

18El cine mudo (o silente) es aquel cine que no posee sonido grabado y sincronizado, referido especialmente a diálogo hablado, consistiendo únicamente en imágenes.


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Yojimbo es una película japonesa de 1961, dirigi-da por Akira Kurosawa, con Toshirō Mifune en el rol principal, ganador de la Copa Volpi en el Fes-tival de cine de Venecia por su actuación en el filme. Fue nominada al Oscar al mejor diseño de vestuario 1962. La película esta ambientada en el Japón del siglo XIX.

En 1964 el director italiano Sergio Leone, rodó Por un puñado de dólares, una versión libre de Yojimbo, realizada, según él, como un homenaje a Akira Kurosawa. Al no pagar derechos de autor, tuvo problemas legales.

Se inició un juicio entre los productores del filme de Kurosawa y Leone, en el cual el direc-tor japonés afirmaba la autoría del guion, junto a Ryuzo Kikushima. El juicio resultó favorable a los japoneses, atrasando en dos años el lanzamiento del filme de Leone en los Estados Unidos.

Sin embargo, el crítico de cine Sir Christopher Frayling dice haber identificado otras fuentes: la obra de Carlo Goldoni Arlequino, Servitore di due padroni, presentada en 1745, y la novela de Dashiell Hammett, Cosecha Roja (1929).

El filme Last Man Standing (1996), dirigido por Walter Hill es un remake legalmente autorizado. Bruce Willis19 actúa el rol principal.

Yojimbo (1961)

Toshirō Mifune como Sanjurō

19Es un actor y productor estadounidense, nacido en Alemania, cuya trayectoria comenzó en la industria televisiva durante los años 80 y, desde entonces, ha aparecido en películas donde interpreta roles cómicos, dram-áticos y de acción.

Takao Saito ( 5 de marzo de 1920, Kioto, Japón) es un direc-tor de fotografía japonés, co-laborador frecuente del director Akira Kurosawa. Nominado al Oscar como mejor Director de fotografía por su trabajo en el filme Ran (1985)

Inicio trabajando en una pelicula de Senkichi Taniguchi llamada The Lost World Of Sinbad y abrio las puertas del cine asia-tico al mundo.En esta aventura japonesa, un marinero valiente - llamado Simbad en la versión en Inglés estadounidenses pod-rían relacionarse con él - debe detener un premier malos de ad-elantamiento del reino..

Para ello se alista la ayuda de un grupo de piratas. Además de liberar su tierra del malvado, sino que también deshacerse de la bruja de media edad que con-vierte a las personas en piedra.

Tan poco del cine popular japones llega a Gran Bretaña que ha sido difícil juzgar si las películas son tan fanáticamente americanizada como la mayoría de los otros medios de comuni-cación japoneses. Aquí está el Anexo A para el enjuiciamiento: una fantasía de capa y espada de estilo occidental que los do-bladores han conseguido con-vertirse en una historia de Sin-bad sin perder el ritmo..

Aunque no es de ninguna rango medio, sigue siendo el tipo de película que da una "fórmula" un mal nombre.

Todos los ingredientes están ahí, incluso decente, si los efec-tos limitados, especiales, pero el énfasis se equivocaron con curiosidad: hay demasiado ter-reno, la presencia de Mifune va para nada, la comedia es irre-mediablemente no integrado, y los Gothicisms son demasiado superficial.

Pero lo más triste es el rechazo suave de toda la tradición orien-tal de la fantasía.

takao saito


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Kagemusha, ("Shadow Warrior") es una película de 1980 por Akira Kurosawa . En japonés, kage-musha es un término utilizado para referirse a una trampa política . Se encuentra en el período Sen-goku de la historia de Japón y cuenta la historia de un criminal de clase baja que se le enseña a hac-erse pasar por un moribundo señor de la guerra con el fin de disuadir a los señores opuestos de atacar al clan recién vulnerable.

El señor de la guerra a quien suplanta al kage-musha se basa en daimyo Takeda Shingen , y la película termina con el clímax 1575 Batalla de Na-gashino .

George Lucas y Francis Ford Coppola20 se acredi-tan al final de la película como productores ejecu-tivos en la versión internacional. Esto se debe a que convencieron a 20th Century Fox para com-pensar un déficit en el presupuesto de la película, cuando los productores originales.

Kagemusha (1980)

Toho Studios , no podían darse el lujo de terminar la película. A cambio, 20th Century Fox rec-ibió los derechos de distribución internacional a la película.

Kurosawa originalmente emitió el actor cómico bulliciosa Shin-taro Katsu en el papel protago-nista. Katsu abandonó la pro-ducción, sin embargo, antes del primer día de rodaje.

Escena de la Pelicula Kagemusha

20 Es un guionista, productor y director de cine estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar.


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Ran (que significa caos, miser-ia) es una película japonesa de 1985 escrita y dirigida por Akira Kurosawa.Es un Jidaigeki (un drama japonés) que muestra la caída de Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai), un señor de la guerra de la Era Sengoku que decide abdicar en favor de sus tres hi-jos. Tras llevar a cabo esta de-cisión, su reino se desintegra debido a las luchas de poder en-tre su prole, que tratan de asesinar a sus rivales.

Hidetora enloquece tras ver como masacran a su séquito en la escena central de la película. A medida que el reino se desmorona y los señores de la guerra 21rivales entran en guer-ra.

El clan de los Ichimonji se hun-de en la culminación de la ven-ganza y la traición, en la que se ajustan viejas cuentas. La histo-ria está basada en leyendas del daimyō Mori Motonari así como en la tragedia shakespeariana El rey Lear.

Ran fue la última gran película épica de Kurosawa. Con un presupuesto de 12 millones de dólares, fue la película japonesa más cara jamás producida.Kurosawa dirigiría otras tres películas antes de morir, pero ninguna tan grandiosa.

La película fue aclamada por sus poderosas imágenes y el uso del color. El diseñador de vestu-ario Emi Wada ganó un Oscar al

mejor diseño de vestuario.La banda sonora, escrita por Tōru Takemitsu, suena aislada, con el sonido de la escena en-mudecido–particularmente cu-ando el castillo de Hidetora está siendo destruido. El filme recibió además 25 premios más.

Según Stephen Prince, Ran es "una crónica del ansia implaca-ble de poder, la traición al padre por parte de sus hijos, y las om-nipresentes guerras y asesina-tos, que destruyen a todos los personajes protagonistas."

Ran (1985)

Escena de la Pelicula Ran

21 Es un término, traducido literalmente del inglés warlord, que sirve para hacer referencia a una persona con poder que tiene de facto el control militar y el poder político de un área subnacional, gracias a un grupo de fuerzas armadas leales al señor de la guerra, y no a la autoridad central.


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Konna yume

wo mita (1990)

Sueños, también conocida como Los Sueños, de Akira Kurosawa o Los Sueños de que he soñado, es una película producida en Japón y financiada en Estados Unidos1 en el año 1990 de caracter dramático-fantástico, que se divide en ocho seg-mentos, correspondientes a ocho sueños reales del propio director, Akira Kurosawa.

En ella, Kurosawa, intenta concienciar a la gente sobre los errores que se se están cometiendo us-ando el sonido y la visón como métodos princi-pales de persuasión. Al parecer, los ocho sueños se suceden en diferentes tramos de la vida de Akira, a juzgar por el crecimiento de su principal protagonista a lo largo del filme.día ha recibido buenas críticas.

Fragmento de El Tunel, Dreams

¨El aclamado director Martin Scorsese actuó en uno de los sueños de Akira Kurosawa como

Vincent Van Gogh¨

ASAKAZU NAKAIAsakazu Nakai (29 agosto 1901 a 28 febrero 1988) fue un japonés cineasta , nacido en Kobe . Ha trabajado en varias ocasiones con el cineasta Akira Kurosawa .

Fue nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Fo-tografía por su trabajo en la película Ran (1985).

A pesar de que era más cono-cido por su trabajo teleobjetivo, Seven Samurai marca el punto de transición en la que Kuro-sawa se aleja del objetivo gran angular a favor del efecto de es-corzo y aplanamiento de la lente de largo.

Esta película tiene entonces al-gunos cinematografía impresio-nante por la gran Asakazu Nakai con ambas lentes. Kurosawa y Nakai muestran su dominio com-pleto de las composiciones de gran angular dinámicos como la cámara no está bloqueado pero se mueve de una composición a otra, todo tan impresionante que forman una textura dinámica que impulsa la narrativa más de tres horas.

Si usted nunca ha visto esta película, ver como cada per-sonaje progresa y reacciona y se mueve en la escena como individuos coreografía en estos retratos de grupos orgánicos.

Esto es cine virtuoso de usar y tirar en su máxima expresión. Usar y tirar, porque el punto de una escena o de un tiro es nun-ca la cámara ni la composición, pero siempre los personajes y el drama.

Todo está controlado, deliberada y fabricado para estar al servicio de la historia.


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Los siete samuráis (Shichinin no samurai) es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954.

Obtuvo el León de plata en la Mostra de Venecia y dos nominaciones al Óscar.

Los siete samuráis ha sido denominada una de las películas más grandes e influyentes de la historia,y es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en el Occidente durante muchos años.

Shichinin no samurai (1954)

Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound's de las diez películas más grandes de to-dos los tiempos, y entre las diez películas preferi-das de los directores en las votaciones de 1992 y el 2002 La película influyó en posteriores produc-ciones occidentales, como el conocido western Los siete magníficos.

Los siete samurais de la Película


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Barbarroja (''Akahige'') es una película japonesa de1965 dirigi-da por Akira Kurosawa.

El film narra la influencia que ejerce el médico y director de una clínica de pueblo con pocos recursos económicos sobre un joven ayudante de familia acau-dalada que, contra su voluntad, debe trabajar en la clínica.

La película se basa en una colección de relatos cortos de Shūgorō Yamamoto titulada, Akahige shinryotan.

Akahige (1965)

La novela Humillados y ofendi-dos de Fyodor Dostoevsky sirvió de inspiración para la subtrama de la chica joven, Otoyo (Terumi Niki), que es rescatada de un burdel.

Barbarroja aborda el problema de la injusticia social y explora dos de los temas favoritos de Kurosawa: humanismo y exist-encialismo.

De acuerdo con el comentario del DVD de la Criterion Collection, Barbarroja tiene una duración de 185 minutos y fue filmado con una [relación de as-pecto]] de 2.35.

Fue la primera película de Kuro-sawa a hacer uso de una banda sonora de 4 pistas con sonido estereofónico. La película tardó dos años en ser filmada.

¨Barbarroja es el último de los 16 filmes en el que

trabajaron Akira Kurosawa

y Toshirō Mifune.¨

Toshirō Mifune como Dr. Niide



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Dersu Uzala (El cazador) (en ruso Дерсу Узала, Dersú Uzalá) es una película soviético-japonesa de 1975 dirigida por Akira Kurosawa, siendo esta su primera película en el extranjero y la única ro-dada en 70mm.

La película ganó varios premios, entre los que se encuentra el Festival de Cine de Moscú y el Óscar a la mejor película extranjera.

El film está basado en las memorias escritas por el explorador Vladimir Arseniev en 1923 sobre Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen que

acompañó a sus hombres durante varias expedi-ciones por la región siberiana de Sijoté-Alín.

El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga siberiana y se centra en un hombre nativo que vive cómodamente en los bosques llevando un estilo de vida que de manera inevitable será destruida por el avance de la civilización.

En la misma película se trata el tema del respeto y la amistad entre dos personas de diferentes et-nias y sobre la pérdida de fuerzas y habilidades con el paso de los años.

Dersu Uzala (1975)

¨La película vendió 20,4 millones entradas en los cines de la Unión Soviética´

Maxim Munzuk como Dersú Uzala

ZHAO Xiaoding (Director de fotografía) se licenció en Foto-grafía en la prestigiosa Academ-ia de Cine de Pekín en 1987.

Rodó su primer largo nada más graduarse, y desde entonces ha filmado, como media, una película anual.

Su colaboración con el director Zhang Yimou empezó en 2001 como primer operador de la película Hero, pasando a ocu-parse de la fotografía en La casa de las dagas voladoras, por la que fue nominado al Oscar a la Mejor Fotografía.

zhao xiaodingAdemás de películas, ha rodado numerosos anuncios y cam-pañas publicitarias para mar-cas como Coca-Cola, perfumes Armani, Toyota y el Banco de China.

Fue el director de fotografía del clip publicitario de los Juegos Olímpicos de Pekín, de la Expo de Shanghái y del clip que des-velaba el logotipo de los Juegos Olímpicos de Pekín.

trabajó por primera vez con el director Zhang Yimou en Hero (AC, septiembre de 2003), que actúa como operador de cámara y la segunda unidad de cámara bajo Christopher Doyle, ASC,

HKSC. En la próxima película de Zhang, casa de las dagas voladoras (AC, enero de 2005), Zhao fue director de fotografía. Colaboraciones posteriores in-cluyen la maldición de la flor do-rada (AC, enero de 2007), 2005 de Riding Alone de miles de kilómetros y el juego de las Ol-impiadas Beijing 2008 Ceremo-nia de Apertura.

Su última colaboración es una mujer, una pistola y una tienda de fideos, que Zhao describe como un homenaje a los her-manos Coen 1985 debut de la película Blood Simple.

Escena de The House of the Flying Daggers


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Escena de The House of the Flying Daggers

La casa de las dagas voladoras (House of Flying Daggers, chino, pinyin: shí miàn mái fú) es una película china del año 2004, dirigida por Zhang Yimou, con guion del propio director en colabo-ración con el escritor Li Feng, que debutó como guionista con "Hero", y Wang Bin, que conoció a Yimou en una tertulia sobre Ju Dou y que también colaboró con él en "Hero"

La coreografía es del prestigioso Ching Siu-Tung, que participó también en "Una historia china de fantasmas".El título chino es el nombre de una famosa pieza de música tradicional china para pipa, que de-scribe la batalla entre el general Xiang Yu, del Es-tado Chu, y las fuerzas Han, con anterioridad a la formación de la Dinastía Han (en la banda sonora de la película aparece una versión corta tocada con guitarra).

House of Flying Daggers (2004)

Zhang Ziyi como Mei

Takeshi Kaneshiro como Jin


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La maldición de la flor dorada es una pelicula china de 2.006 di-rigida por Zhang Yimou .

Con un presupuesto de EE.UU. $ 45 millones, que era en el mo-mento de su lanzamiento la más cara del cine chino hasta la fe-cha, superando a Chen Kaige 's The Promise . Fue elegida como la entrada de China para el Pre-mio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera para el año 2006, pero no rec-ibió la nominación. Sin embargo, la película fue nominada para Diseño de vestuario .

En 2007 recibió catorce nomi-naciones a los 26o Hong Kong Film Awards y ganó Mejor Actriz por Gong Li , Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario y Ma-quillaje Diseño y Mejor Película Canción Original por (Chrysan-themum Terrace) por Jay Chou .

La trama se basa en Cao Yu 1934 play 's Tormenta, pero se encuentra en la corte imperial en la antigua China.

the curse of the golden flower

(2006)

Gong Li como Empress Phoenix


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Kung Fu Dunk , también conocido por su antiguo título de la clavada, es un idioma chino 2008 live-action film .

Fue dirigido por el taiwanés director Chu Yin-Ping y filmada en Taiwan y China continental . La película se tituló previamente Dunk Slam, pero más tarde el título ha sido cambiado para evitar confusiones con el Slam Dunk manga22 y anime de la serie, que se basa en más o menos a pesar de la propia película que no tiene asociación alguna.

El rodaje, sin embargo, transmitió un fuerte sabor de las películas de Hong Kong , que recuerda a películas como Shaolin Soccer . Cuenta con una lista de estrellas del pop de Taiwán y Hong Kong , junto con actores conocidos de China continental .

En 2008, el tema (Héroe Chou), que se compone de Chou con letra de Vicente Colmillo y prefromed por Yi Chuan, fue nominada a la Mejor Canción Original en la 45 ª Premios Caballo Dorado .,que se incluye como un bonus track en Jay Chou 2007 World Tour Live Concert .

Jay Chou como Shi Jie / Colmillo Shijie

Charlene Choi como Li-Li (Lily)

Kung Fu Dunk (2008)

¨Yao Ming habia sido llamado para actuar en la pelicula pero debido a unas lesiones no pudo

lograrlo¨

22 Es la palabra japonesa para designar a las historietas en general. Fuera de Japón se utiliza, exclusivamente, para referirse a las historietas niponas.


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Los niños de Huang Shi es un película china de 2008. La película se centra en la historia de George Hogg y los sesenta huérfanos que han llevado a través de China, en un esfuerzo para salvarlos de la conscripción durante la Segunda GuerraSino-Japonesa .

La película recibió críticas mix-tas de los críticos occidentales. La revisión agregador Rotten Tomatoes informó que el 31% de los críticos de cine dio a los comentarios positivos, sobre la base de 71 reseñas. Metacritic informó la película tuvo una pun-tuación media de 49 sobre 100, basado en 22 revisiones.

El New York Times dieron a la película una crítica positiva en general, alabando la actuación y su “representación realista de la devastada por la guerra de China”.

La película ha sido criticada por

The Children of Huang Shi (2008)

ignorar el papel de Rewi Calle-jón , un comunista neozelandés celebrado en la revolución china. La conversión de la enfermera interpretada por Radha Mitchell de un neozelandés (Kathleen Hall, asociada a Callejón) a un estadounidense también recibió la atención negativa. La omisión de Callejón, en particular, ha sido llamada una tergiver-sación descarada de al menos un crítico.

¨La película recaudó alrededor de 7,4 millones dólares en todo

el mundo¨

Jonathan Rhys Meyers como George Hogg

Radha Mitchell como Lee Pearson


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The Flowers of War, llamada previamente Nan-jing Heroes y 13 Flowers of Nanjing, es un dra-ma histórico-bélico dirigido por Zhang Yimou, y protagonizada por Christian Bale,Tong Dawei y Shigeo Kobayashi.

La película, basada en la novela The 13 Women of Nanjing de Geling Yan, fue nominada en la cat-egoría mejor película en lengua no inglesa para la 84ª edición de los premios Globo de Oro, y es la seleccionada para representar a China en la categoría mejor película en lengua extranjera de los Premios Óscar.

El 7 de noviembre de 2011, se anunció que los derechos de distribución para norteamérica fuer-on adquiridos por Wrekin Hill Entertainment en asociación con Row 1 Productions, por lo que The Flowers of War sería estrenada de manera limi-tada en Nueva York, Los Ángeles y San Francisco a finales de diciembre de 2011, expandiéndose posteriormente a principios de 2012 hacia otras salas de Estados Unidos.

THE FLOWERS OF WAR (2011)

Christian Bale como John Haufman

Peter Pau Tak-Hei, nacido en 1951 en Hong Kong , es una sede en Hong Kong el director de fotografía , el más conocido para occidentales público como director de fotografía en Crouch-ing Tiger, Hidden Dragon , por la que ganó el Oscar a la mejor fo-tografía en 2000 .

Pau es miembro de la Sociedad de Hong Kong de los cinemató-grafos. El asteroide 34420 Pe-terpau fue nombrado en su hon-or en 2006. Su hermana mayor es Hong Kong Film Premios de mejor actriz ganadora Paw Hee-Ching ..

peter pauPau ha sido uno de los me-jores cineastas de Hong Kong. Después de su graduación de la cinematografía en el Instituto de Arte de San Francisco en 1983, dirigió su primera película “The Temptation of Dance” y Wu du qing chou (1992) (también cono-cido como Misty) en la década de 1990.

Pau ha trabajado con los mejores directores como John Woo (Dip hyut Shueng hung (1989) _ [tam-bién conocido como The Killer]), Tsui Hark ( Double Team (1997), Hua Yue jia qi (1995) [aka amor en los tiempos de Crepúsculo], “La fiesta china”), Ronny Yu ( Bai fa mo nu zhuan (1993) [aka

novia del cabello blanco], La no-via de Chucky (1998), de Ye ban ge sheng (1995) [también cono-cido como El amante fantasma] , Guerreros de la virtud (1997)) y Patrick Lussier ‘s Dracula 2001 (2000).

Su reciente colaboración con Ang Lee en Wo hu cang tiempo (2000) (también conocido como Crouching Tiger, Hidden Drag-on) con estilo poético en la ilu-minación y espectaculares mov-imientos de cámara se convirtió en el primero de los cineastas de Hong Kong están designados por el Oscar y ganó siete premios mas.

Escena de El Tigre y el Dragón


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Escena de El Tigre y el Dragón

The Killer † es una pelicula de acción hecha en 1989 en Hong Kong y la novela policíaca escrita y dirigida por John Woo y protagonizada por Chow Yun-Fat , Danny Lee , y de Sally Yeh . Chow inter-preta al asesino Ah Jong, quien accidentalmente daña los ojos de la cantante Jennie (de Sally Yeh) durante un tiroteo. Más tarde se descubre que si Jennie no tiene una operación costosa que que-dará ciego. Para conseguir el dinero para Jennie, Ah Jong decide llevar a cabo un último golpe.

Después de que el apoyo financiero de Tsui Hark se convirtió en un problema después de la publi-cación de la película de Woo A Better Tomorrow, Woo tuvo que buscar apoyo a través de Chow Yun Fat y la financiación de las empresas de Danny Lee.

Woo entró en el rodaje de The Killer con un bor-rador cuyo argumento fue influenciado por el cine Le Samouraï , Mean Streets y Narazumono.

Woo se desea hacer una película sobre el honor, la amistad y la relación de dos personas aparente-mente opuestas. Después de terminar el rodaje, Woo refiere el asesino como un homenaje a los directores Jean-Pierre Melville y Martin Scorsese .

El asesino no fue un éxito inmediato en Hong Kong, pero recibió elogios de la crítica en el mun-do occidental con las críticas que elogian las me-didas escenas y su estilo over-the-top. La película se convirtió en piedra angular de Woo para hacer películas de Hollywood y ha sido una gran influ-encia en muchos directores, entre ellos Quentin Tarantino , Robert Rodríguez y Johnnie To .

The Killer (1989)¨Woo refiere el asesino como un homenaje a los directores Jean-Pierre Melville y Martin Scorsese¨

Escena de The Killer


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La novia del cabello blanco es una película de Hong Kong 1993 dirigida por Ronny Yu , protago-nizada por Brigitte Lin y Leslie Cheung .

El protagonista de la película, Lian Nichang, se basa libre-mente en el protagonista de Liang Yusheng 's novela Baifa Monu Zhuan , que había servido anteriormente como material de base para la película de 1982 del lobo Devil Woman .

The Bride with White Hair (1993)

Sin embargo, Yu vio la película como un Romeo y Julieta his-toria y dijo que la lucha de los amantes contra el destino y su deber heroico le inspiró más de las trampas familiares de la may-oría de las películas de aventura de artes marciales.

Como tal, la película se aparta significativamente de la fuente original.

Zhuo Yihang fue criado por el grupo taoísta Ziyang de la secta Wudang y entrenado para con-vertirse en un espadachín ca-balleresco joven.

Él se puso al mando de un ejér-cito de coalición formado por las ocho principales sectas ortodox-as artes marciales, cuyo objetivo es impedir que un culto maligno se infiltren en China.

¨Una secuela, dirigida por David Wu, fue puesto en libertad más tarde en el mismo año¨

Elaine Lui como female Ji Wushuang


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Naked Killer es un película de Hong Kong de 1992, escrita y producida por Wong Jing , y dirigida por Clarence Fok Yiu-leung .

La película está protagonizada por Chingmy Yau , Simon Yam y Carrie Ng .La película es considerada como un clásico de culto23.

Aunque la película recibió un 80% en Rotten To-matoes y en general era aclamada por la crítica, sus temas sexuales extremas y la violencia grá-fica y explícita pueden haber disuadido a muchos espectadores.

Por estas razones, la película se ha desarrollado un culto.

A pesar del título, la película muestra poco en el camino de la desnudez real. En ese momento, aparece desnuda en las películas asiáticas se consideraba perjudicial para un actor o actriz per-spectivas de carrera “, aunque muchos A-lista de actores escogieron para protagonizar películas de categoría III.

A pesar de que sí aparece en topless mientras hace el amor con Simon Yam, Chingmy Yau man-tiene sus pechos cubiertos con el brazo.

Naked Killer (1992)¨Este fue uno de una serie de películas en las que Yam y Yau protagonizaron juntos en la década de

1990¨

Escena de la pelicula Naked Killer

Cartel Promocional de la Pelicula

23 Se refiere a cualquier tipo de producción cinematográfica que ha adquiri-do alguna clase de culto popular, ya sea por su formato, su producción, su trama o su significado histórico.


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La novia de Chucky, también conocido como un juego de niños 4: La novia de Chucky, es un 1998 Americano película de comedia de terror dirigida por Hong Kong el director Ronny Yu .

Es la cuarta entrada en el juego de niños en serie. La película está protagonizada por Jennifer Tilly (que interpreta y expresa el personaje principal Tiffany ) y Brad Dourif (quien hace la voz Chucky ). Esta película co-protagonizada por John Ritter , Katherine Heigl , y Nick Stabile . La banda sonora está com-puesta por Graeme Revell (que previamente hizo la música para el juego de niños 2 ).

La novia de Chucky marca el punto en el que la serie toma un giro más humorístico y mu-chas en la parodia autorreferen-cial. Pero lo más importante, no seguir adelante con la idea de un niño víctima de la posesión de la muñeca por lo tanto la ausencia de un juego de niños en el título.

Bride of Chucky (1998)

Bride of Chucky


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Crouching Tiger, Hidden Dragon es un 2000 wuxia película. Un americano-chino-Hong Kong-Taiwán co-producción, la película fue dirigida por Ang Lee y contó con un reparto internacional de actores chinos étnicos, incluyendo Chow Yun-Fat , Michelle Yeoh , Zhang Ziyi y Chang Chen .

La película se basa en la cuarta novela de una pentalogía , conocida en China como la grúa hier-ro pentalogía , por wuxia novelista Wang Dulu . Las artes marciales y las secuencias de acción fueron coreografiadas por Yuen Wo Ping .

Fabricado en un mero EE.UU. $ 17 millones de presupuesto, con el diálogo en mandarín , Crouch-ing Tiger, Hidden Dragon se convirtió en un éxito internacional sorpresa, recaudando 213.500.000

dólares. Se recaudó EE.UU. $ 128 millones en los Estados Unidos, convirtiéndose en la película extranjera más taquillera en la historia estadoun-idense. Ha ganado más de 40 premios. La pelícu-la ganó el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera (Taiwán) y otros tres premios de la Aca-demia, y fue nominada a otros seis premios de la Academia, incluyendo Mejor Película .

La película también ganó cuatro premios BAFTA y dos Globos de Oro , uno para Mejor Película Extranjera. Además de su éxito en los premios, Crouching Tiger sigue siendo aclamado como una de las películas extranjeras más grandes e influy-entes en el de Estados Unidos.

Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)

Zhang Ziyi como Jen

Chung-hoon Chung, quien nació en 1970 en Seúl, Corea del Sur, que comenzó como un niño ac-tor y cinéfilos de todo el mundo puede estar agradecido de que resultó ser "una horrible - muy mal."

Después de 10 años de emocio-nar mientras asistía Dongguk U. en 1990 como teatro principal, volvió su atención al cine.

Durante su último año, hizo su debut como director de foto-grafía en una función denomi-nada "Yuri".

Chung hoon Chung"Estaba basada en una novela famosa de Corea, y que no tenía dinero para contratar a un ver-dadero dp, así que aproveché la oportunidad", recuerda.

"Yuri" fue invitado a Cannes y la carrera de Chung parecía ajustado a despegar. En cambio, luchó durante vari-os años para establecerse. "En primer lugar, que tenía que hac-er el servicio militar obligatorio de dos años, y luego no pude conseguir ningún trabajo du-rante cinco años."

Chung también se convirtió en una víctima de la estricta jerar-quía de Corea en el ámbito cá-mara.

"Se supone que tienes que tra-bajar tu manera para arriba de la parte inferior, pero como em-pecé como dp, la sociedad de la cámara me rechazaste, y considerado dejar de fumar y la apertura de una tienda de hela-dos", admite.

Él tuvo su gran oportunidad de tiro Parque thriller de Chan-wook 2003, "Oldboy".

Escena de Oldboy


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Escena de Oldboy

Stoker titulada en países hispanohablantes como Lazos perversos es una película de suspenso psicológico dirigida por Chan-Wook Park y es-crita por Ted Foulke. Está protagonizada por Mia Wasikowska, Matthew Goode y Nicole Kidman y fue estrenada el 1 de marzo del 2013 en los Esta-dos Unidos. Fue la última película producida por Tony Scott, quien falleció antes de que comenzara el rodaje.

El actor Wentworth Miller escribió el guion de Stok-er y su precuela, Uncle Charlie, bajo el pseudóni-mo de «Ted Foulke». En el 2010, la obra de Miller se ubicó en el quinto lugar de los diez mejores guiones que no habían llegado a la pantalla grande en la encuesta an-ual elaborada por The Black List.Miller describió su trabajo como una película de terror, un drama familiar y un thriller psicológico.Aunque se vio in-fluido por la película Drácula de Bram Stoker,

La película debutó en enero de 2013 en el Fes-tival de Sundance y recibió opiniones mayoritari-amente positivas. Jeremy Kay, crítico del diario The Guardian, escribió: «Es un misterio familiar magníficamente editado, disfrazado de cuento de hadas gótico». También mencionó la influencia de Hitchcock: «Las referencias literarias y el sim-bolismo abundan en Stoker. Usted puede quedar-se atado intentando descifrar quién es qué. Esa es la idea; todas las pistas están ahí. Solo debe mirar de cerca.» The Guardian le otorgó a Stoker cuatro de cinco estrellas en su reseña.

Stoker

(2013)¨No se trata de vampiros.

Jamás se trató de vampiros¨

Nicole Kidman como Evelyn


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Thirst (hangul: Bakjwi) es una película coreana de terror de 2009, escrita y dirigida por Park Chan-wook. Está basada en la novela Thérèse Raquin de Émile Zola.

La película cuenta la historia de un sacerdote que está enamo-rado de la esposa de su amigo que se está convirtiendo en un vampiro debido a un experimen-to médico fracasado.

Park ha declarado: "Esta pelícu-la fue originalmente llamada "The Bat" (El Murciélago) para transmitir una sensación de hor-ror. Después de todo, se trata de vampiros. Pero también es más que eso.

Se trata de la pasión y un trián-gulo amoroso. Creo que es único, porque no es sólo una película desuspenso, ni tampoco una película de terror, sino una histo-ria de amor ilícito".Es la primera película coreana destinada al gran público en mostar desnu-dez frontal masculina. La pelícu-la ganó el Premio del Jurado24 en el Festival de Cannes 2009.

Thirst recibió críticas general-mente favorables de los críticos en su lanzamiento original; ran-go cine sitio web Rotten Toma-toes informó que el 82% de los críticos de cine dio las críticas positivas, sobre la base de una muestra de 92 años.

Bakjwi (2009)

En Metacritic , que asigna un normalizado clasificación de 100 a los comentarios de los críticos principales, la película ha recibi-do una media de puntuación de 73, basado en 21 opiniones.

Song Kang-ho como Sang-hyun

Kim Ok-bin como Tae-ju

24 Es uno de los premios más importantes en el festival de Cannes


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Dasepo Naughty Girls ( Hangul :Dasepo Sonyo; lit "Dasepo Girl" o "Chica Multi-cell"). es una co-media musical surcoreana 2006. Se basa en la popular webcomic Girls Dasepo por B-rate Dal-gung, que también ha sido adaptado en una serie de televisión.

Museulmo High School (en coreano, literalmente, “Useless High School”), situado en algún lugar de Corea del Sur, no puede ser su escuela típica de alta.

Dasepo Naughty Girls (2006)

Uno de los estudiantes allí se llama “Poor Girl” ( Kim Ok-bin ). Ella anda con un muñeco de peluche envuelto alrededor de su espalda, que ella llama “la pobreza”.

Como su nombre lo indica es tan pobre como po-bre puede conseguir. Ella vive con su madre ( Im Ye-jin ) en un edificio de una sola habitación. Su madre es una enfermedad crónica y enterrado en la deuda. Para ayudar a pagar las facturas de su madre, la pobre se ha vuelto a la prostitución para mantener a su familia. Debido a esto, ella lleva una pesada carga de culpa y vergüenza.

Escena de Dasepo Naughty Girls


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New World es una película noir hecha 2013 de Corea del Sur escrita y dirigida por el Parque Hoon-jung . Starring Lee Jung-jae , Choi Min -shik y Hwang Jung-min , la película muestra el conflicto entre la policía y la mafia a través de los ojos de un policía encubierto.

Producido por Peppermint & Company y distribuido por New World Entertainment, que fue lanzado el 21 de febrero de 2013 y corrió para 134 minutos.

The New York Times llamó a la película “, tanto menos san-grienta y más reflexivo que la mayoría de su género, la trama cambiantes-alianzas cada vez más apasionante a medida que avanza”.

Los Angeles Times escribió que “el director y guionista Parque Hoon-jung cuenta esta historia retorcida de la guerra intestina dentro de una Corea del sindi-cato del crimen corporativo con la paciencia, la elegancia y no poca cantidad de derramamiento de sangre”.

New World

(2013)

Song Ji-hyo como Shin-woo


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Es una película surcoreana dirigida por Chan-wook Park. Está inspirada en el manga japonés del mismo nombre, con guion de Garon Tsuchiya y dibujo de Nobuaki Minegishi. Se presentó en 2003 como la segunda entrega de la denominada «trilogía de la venganza», estando precedida en esta serie por Sympathy for Mr. Vengeance y con-tinuada por Sympathy for Lady Vengeance.

El largometraje se estrenó el 21 de noviembre de 2003 en Corea del Sur. Obtuvo diversos premios internacionales, entre ellos el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 20041 y el galardón a la mejor película del Festival de Cine de Sitges.2

La escena de la pelea corredor tomó diecisiete to-mas en tres días a la perfecta y fue una continua toma, no había edición de cualquier clase, excep-to el cuchillo que fue apuñalado en la espalda de Oh Dae-su, que era imágenes generadas por ordenador .

Otras imágenes generadas por ordenador en la película incluye la hormiga que sale del brazo de Oh Dae-su (de acuerdo con el making-of del DVD de todo el brazo estaba CGI) y las hormigas en Oh Dae-su después. El pulpo se come viva no fue generada por computadora, cuatro fueron utiliza-dos durante el rodaje de esta escena. Actor Choi Min-sik, un budista , dijo una oración por cada uno de ellos. También hay que señalar que el consumo de pulpos vivos (llamada sannakji) existe como un manjar en Asia oriental, a pesar de que se suele cortar, no se come todo.

oldboy (2003)

¨Un remake americano está previsto para su lanzamiento en 2013, la cual será dirigida por

Spike Lee¨

Jong Lin es un taiwanés de origen cinematógrafo .

Mejor conocido por su trabajo en muchas de director Ang Lee primeras películas 's, Lin ha pasado a servir como director del fotógrafo con algunos de los directores más importantes de la China continental, y también ha viajado al extranjero.

Donde se desempeñó como di-rector de fotografía de Gurinder Chadha en la película británica Quiero ser como Beckham .

lin jongEscena de Yodok Stories

A veces se le acredita como "Josh Lin."

Ayudado en gran medida por el trabajo del cineasta taiwanés Jong Lin ( Comer Beber Hombre Mujer ), Yang transmite las tradiciones insulares de los habitantes del pueblo, mientras que aborrece su brutalidad y codicia.

Dibuja maravillosas actuaciones de un reparto que incluye a afi-cionados y profesionales locales, incluyendo el totalmente creíble

Huang Lu, quien interpreta a la mujer secuestrada con la inteli-gencia y la gracia indomable.

¨Jong Lin empezo su carrera ctrabajando en las primeras

peliculas del aclamado direc-tor Ang Lee¨


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Escena de Yodok Stories

Eat Drink Man Woman (1994)

Comer, beber, amar es un 1994 película taiwan-esa dirigida por Ang Lee25 y protagonizada por Sihung pulmón , Yu-wen Wang , Chien-lien Wu y Yang Kuei-mei . La película fue lanzada el 3 de agosto de 1994, el primero de películas de Lee para ser a la vez un éxito de crítica y taquilla.

En 1994, la película recibió el Premio Festival Asia Pacific Film a la Mejor Película, y en 1995 rec-ibió una nominación al premio Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

El título es una cita del Libro de los Ritos , uno de los clásicos confucianos, en referencia a los deseos humanos básicos y aceptarlos como algo natural. Muchos de los miembros del elenco habían aparecido en las anteriores películas de Ang Lee.

Sihung pulmón y Ah Lei jugaron Gua cifras mayores centrales que se ocupan de la transición de la tradición a la modernidad en El banquete de bodas , en la que Winston Chao también protago-nizó. Sihung pulmón jugó un padre inmigrante en Empuje de Manos .

Estas tres películas, todas hechas en Taiwán, muestran las tensiones entre las generaciones de una familia de Confucio, entre Oriente y Occiden-te, y entre tradición y modernidad. Forman lo que se ha llamado de Lee "Father Knows Best" trilogía.

¨Esta fue la primera película del aclamado director Ang Lee¨

Escena de Eat Drink Man Woman

25 Muchas de sus películas han enfocado las interacciones entre la modernidad y la tradición.


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Bend It Like Beckham es un filme británico de 2002 dirigido por Gurinder Chadha y basado en el guion escrito por ella, Paul Mayeda Berges y Guljit Bindra.

El título del filme es una refer-encia al futbolista inglés David Beckham y su habilidad para anotar tiros libres curvando (bending en inglés) la trayectoria del balón. La película fue filma-da en West London, específica-mente en Hounslow (donde viv-en la mayoría de los personajes) y Southall, y en Central London, incluyendo Soho, para la tienda de fútbol, y Piccadilly Circus. Al-gunas escenas fueron filmadas en Hamburgo (Alemania).

La banda sonora incluye música del estilo bhangra, soul, can-ciones por Victoria Beckham, Melanie Chisholm y Texas y el aria Nessun dorma de la ópera Turandot de Giacomo Puccini.

También incluye extractos de Red Alert y Do Your Thing de la banda de música house Base-ment Jaxx. La canción I Turn To You de Melanie Chisholm fue usada en la película pero no está incluida en la banda sonora.

Bend It Like

Beckham (2002)

Keira Knightley como Juliette ‘Jules’ PaxtonParminder Nagra como Jess Kaur Bhamra


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Blind Mountain , es una película china de 2007 dirigida por Li Yang y es el primer largometraje de Li desde su debut en 2003 Blind Shaft . También se conoce como camino a casa.

Al igual que la anterior película de Li, Blind Shaft, que se ocupa de la industria minera notoriamente peligrosa, Blind Montaña hace la vista muy crítico hacia otro de los continuos problemas sociales de China, esta vez la venta de las mujeres para con-traer matrimonio en la actual China.

La película fue financiada principalmente por do-nantes privados, chinos de ultramar. El elenco era sobre todo actores no profesionales, con la notable excepción de la cabeza, Huang Lu, que fue echado de la Academia de Cine de Beijing an-tes de que ella se había graduado.

Antes de su lanzamiento, Blind Montaña sufrió de cerca de 20 recortes impuestos por el Estado. Esto se hizo para que la película que se deja en el Un certain competencia respecto en Cannes por las autoridades chinas, ya que varios de los cor-tes eran de escenas que fueron críticos de ciertos aspectos de la sociedad china. La Oficina de Cine Chino política también llevó a Li filmar varias ver-siones alternativas del final de la película como una más optimista específicamente para un posi-ble lanzamiento en DVD de vídeo o en China.

Blind Mountain

(2007)

Huang Lu como Bai Xuemei

Christopher Doyle, también con-ocido como Dù Kěfēng , nacido el 2 de mayo de 1952, es un cineasta australiano nacionali-zado chino que trabaja a men-udo en las películas de lengua china.

Él es un ganador del premio del Festival de Cine de Cannes y el Festival de Cine de Venecia . También ha ganado el premio AFI para la cinematografía, los Golden Horse premios (cua-tro veces), y el Hong Kong Film Award (seis veces).

Christopher DoyleDoyle es una filial de la sociedad de Hong Kong de los cinemató-grafos.

Doyle nació en Sydney , Austral-ia en 1952. A finales de 1970, se trasladó a Taiwan desde Hong Kong y luego se estableció en Taipei . Durante su estancia en Taipei, estudió chino mandarín en el Instituto de Idiomas de Taipei . Trabajó como ingeniero de perforación de petróleo en la India , un pastor de vacas en Israel , y un doctor de medicina china en Tailandia .

En 1978, trabajó como fotógrafo para el Teatro de Danza Puerta Nube y Zuni Icosahedron . En 1983, fue director de fotografía de ese día, en la playa , la ópera prima del director Edward Yang . En esa película, Doyle ganó el Premio a la Mejor Cinemato-grafía en el 1983 Festival de Cine de Asia-Pacífico .

Ha trabajado con importantes directores chinos como Zhang Yimou , Zhang Yuan , y, sobre todo, Wong Kar-wai , para el que contribuyó, en su totalidad o en parte, a la cinematografía.


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Chungking Express es un 1994 Hong Kong película dramática escrita y dirigida porWong Kar-wai .

La película se compone de dos historias contadas en secuencia, cada uno alrededor de un enfermo de amor Hong Kong policía reflexionando sobre su relación con una mujer.

Chungking Express (1994)

La primera historia protagonizada por Takeshi Kaneshiro como un policía que está obsesionado con la ruptura de su relación con una mujer llama-da May y su encuentro platónica con un traficante de droga misteriosa ( Brigitte Lin ).

El segundo estrellas Tony Leung como un oficial de policía que se despertó de su melancolía por la pérdida de su asistente de vuelo novia ( Valerie Chow ) por las atenciones de un snack bar pecu-liar trabajador ( Faye Wong ).

La película muestra la paradoja de que a pesar de que los personajes viven en zonas densamente lleno de Hong Kong, en su mayoría son solitarios y viven en sus propios mundos internos.

Brigitte Lin como Mujer con peluca rubia

Tony Leung Chiu-Wai como Cop 663


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"Psycho" 1998 es un lujo que Van Sant se ha permitido a sí mismo con un pretexto ped-agógico.

Lo del lujo es obvio ¿A que cine-asta no le apetece, como ejerci-cio de estilo, reproducir una joya de la historia del cine?. Apenas dos cambios - la luz y la direc-ción de actores- se permite el realizador.

psycho (1998)

( El trasvase a l998 o la direc-ción artística son sólidos, pero despreciables.). En ambos sale airoso. A Vince Vaughn, Anne Heche y Julianne Moore, les sobra eficacia e imagen, y a la cámara, con sus juegos de pro-fundidad de campo antiguos y moderna perfección de movimientos, cumple.

Lo de la pedagogía, con ser el pretexto ético que Van Sant vende en las entrevistas para justificar sus ganas de rodar un Hitch, también está claro: La ab-errante educación audiovisual que padecen los teenager y es-tudiantes en general, favorece el desprecio por el B/N, las V.O.S., el cine mudo, el reconocimiento del autor (prima el actor-instru-mento sobre el director-crea-dor), etc., mecanismos impre-scindibles para un exacto amor al séptimo arte

Así, aunque este remake, no sea más que la onánica rec-reación de un cineasta inteli-gente, aunque no aporte nada al original y pierda, inevitable, el factor sorpresa, el impacto técni-co de hace 40 años y el regusto perverso de Sir Alfred.

("Esta burguesía ya no se es-candaliza de nada", decía D. Luis Buñuel), bastaría con que este thriller perfecto con monta-je fruto de un "guión de hierro" y no de los dedos de un artesano a sueldo (a mucho sueldo) de la productora de turno, que no necesita Steady-cam, ni 50 cá-maras, interese a un sólo espec-tador de "Arma letal 4", habrá , al menos, cumplido una labor social.

¨Es un remake de la pelicula Psycho de la leyenda del sus-penso

Alfred Hitchcock¨

Anne Heche como Marion Crane


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2046 es una película de cine proveniente de Hong Kong (filmada en Shanghái), escrita y dirigida por Wong Kar-wai. Fue estrenada en el año 2004. Es una secuela de Días Salvajes, en inglés Days of Being Wild (estrenada en 1991) y Deseando amar, en inglés In the mood for love, (estrenada en 2000). Ésta, continúa la vida amorosa que tiene Chow Mo-wan en la década de los años 60 de Hong Kong e incluye algunos elementos de la ciencia ficción, mezclando géneros de manera in-novadora.

Además de cantonés y mandarín, se habla japonés, y la banda sonora cuenta con temas en español. La película sigue la línea estética de las anteriores, destacando el uso de iluminaciones singulares, encuadres muy estudiados y mov-imientos de cámara hiperlentos, junto con una devoción por interiorismos de glamour decadente.

Un periodista y escritor free lancer se aloja en el cuarto 2046 de un hotel, en el cual reflexion-ará sobre los significados y misterios de su vida amorosa, todo eso relacionado con una novela de ciencia ficción que escribirá. La trama representa una metáfora sobre las diferentes maneras de su-perar los amores imposibles del pasado y el mie-do al amor futuro, a través de diferentes historias con el nexo común del protagonista.

“Si hubiera nacido en otra época, mi vida hubi-era sido diferente”, afirma el personaje, “No sirve de nada encontrar a la persona indicada si el mo-mento no es el adecuado”, “El amor es una cuestión de tiempo”.

2046

(2004)¨El título, “2046”, hace referencia al año en el que concluye la promesa de China a Hong-

Kong de 50 años sin cambios tras su devolu-ción en 1997

Zhang Ziyi como Bai Ling


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Lady in the water (titulada La joven del agua en España y La dama en el agua en His-panoamérica) es una película del director M. Night Shyamalan estrenada en 2006 y protagoni-zada por Paul Giamatti y Bryce Dallas Howard. Es una adap-tación de un cuento de hadas que el propio director inventó para sus hijos.

Es la primera película de Shyamalan que no produjo Walt Disney Pictures, sino Warner Bros.

Cleveland Heep (Paul Giamatti) trabaja como personal de man-tenimiento en un complejo de apartamentos en Filadelfia cu-ando una noche encuentra a una misteriosa joven (Bryce Dal-las Howard) en las galerías que pasan debajo de la piscina co-munitaria.

Cleveland descubre entonces que se trata de una narf, es decir, una ninfa surgida de un

cuento de hadas que se ha em-barcado en un peligroso viaje desde nuestro mundo hacia el suyo.

La película recibió críticas mix-tas por parte de los críticos es-pecializados. Fue la primera película de Night en recibir críti-cas peores que las anteriores, aunque en algunos países fue bien recibida y aclamada por la crítica.

Lady in the water

(2006)

Bryce Dallas Howard como Story


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Paranoid Park es un 2007 American-French película dramática escrita y dirigida por Gus Van Sant . La película está basada en la novela del mismo nombre por Blake Nelson y tiene lugar en Portland , Oregon . Está protagonizada por Gabe Nevins como un skater adolescente que acciden-talmente mata a un guardia de seguridad.

Van Sant escribió el borrador del guión en dos días después de la lectura y la decisión de adap-tar la novela de Nelson. Para emitir los jóvenes de la película, Van Sant publicó un casting de apertura el sitio web de redes sociales MySpace adolescentes invitar a una audición para los roles de habla, así como patinadores con experiencia para actuar como extras .

El rodaje comenzó en octubre de 2006 y se llevó a cabo en varios lugares dentro y alrededor de Portland.

Escenas en el Skatepark Eastside ficción fueron filmadas en Burnside Skatepark que era, como Eastside, construido ilegalmente por skateboarders.

Paranoid Park se estrenó el 21 de mayo, en el Festival de Cine de Cannes 2007 y se le dio un estreno limitado el 7 de marzo de 2008. Se re-caudó más de EE.UU. $ 4.481 millones de su presupuesto de $ 3 millones. La película recibió críticas en su mayoría positivas, algunos alabaron la dirección y la fotografía en particular, aunque otros creían que la película sea excesivamente estilizada y de ritmo lento. Ganó un Premio Inde-pendent Spirit , dos Boston Society of Film Crit-ics y el premio especial del Festival de Cine de Cannes el 60 aniversario del premio.

paranoid park (2007)

Gabe Nevins como Alex


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Es un 1999 comedia - drama de película para el escritor-director Barry Levinson .

Es un relato semi-autobiográfica de su infancia en Baltimore en 1950. Es la cuarta de una serie de cuatro "Baltimore" Pelícu-las de Levinson - Diner (1982), los hombres de hojalata (1987), Avalon (1990), y Liberty Heights (1999) - todo ello en su ciudad natal durante los años 1940, '50 y ' 60.

Liberty Heights marcó la última aparición de Ralph Tabakin , que apareció en papeles secunda-rios en cada película de Lev-inson desde su primera, Diner (1982), un recorrido de unos quince películas. Tabakin murió en 2001.

L i b e r t y Heights (1999)

Escena de Liberty Heights


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Escena de Liberty Heights

Es una película de Christopher Doyle coescrita por Doyle y de Tony Rayns y protagonizada por Tadanobu Asano y Mavis Xu .

La película, rodada en un estilo de jazz, de libre circulación y con la firma hiper-cinética, fotografía sobresaturado y excéntrico humor de Doyle, se centra en un viaje del personaje de Asano de Hong Kong y de sus encuentros con personalidades ex-céntricas que pueblan el paisaje metropolitano (entre ellos, una cerveza -beber amnésico bar gay propietario interpretado por Kevin Sherlock).

Otro hilo narrativo se basa en escenas retrospec-tivas en la infancia del personaje de Asano en Ok-inawa . El protagonista sufre de excesos autori-tarios de su memoria , mnemónica asociaciones y sinestesia .

Los apegos humanos emergentes ofrecen un centro emocional y una fuente de serenidad para compensar el alboroto de la mente del protagonis-ta y domar el caos pródigo de imágenes urbanas.

Los créditos cinematográficos Borges (presumi-blemente Funes el memorioso ) y Luria en busca de inspiración.

Muchos aspectos del carácter de Asano (exceso de memoria, profunda sinestesia, recuerdos or-ganizar visualmente a lo largo de las carreteras, juegos de palabras, luchando contra una avalan-cha de asociaciones, comentarios sobre música restaurante y su efecto sobre el sabor de los ali-mentos, la escena de vigilia para la escuela) son tomados directamente de Luria caso de la vida real “s estudiar la mente de un Mnemonist.

away with words(1999)

Escena de Away With Words


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Fa yeung nin wa o La magnifi-cencia de los años pasa como las flore), conocida en español como Deseando amar, Con án-imo de amar o por su título inter-nacional en inglés In the Mood for Love, es una película hong-konesa del año 2000, escrita y dirigida por Wong Kar-wai e in-terpretada por Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai.

Esta película emplea dos méto-dos artísticos novedosos. Uno es la utilización repetitiva de es-cenas parecidas y el otro es que ciertas secuencias, que parecen una sola, son realmente un con-junto de escenas de los numer-osos encuentros que tienen los dos protagonistas de la película. Estas técnicas dan la impresión de que los dos protagonistas hacen lo mismo un día tras otro durante un largo período.

In the Mood for Love (2000)

Su Lizhen como Maggie Cheung Man-yuk


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Es una película de Phillip Noyce basada en el libro El americano impasible de Graham Greene. Es la segunda versión cinematográfica de la novela, tras la versión de 1958 dirigida por Joseph Leo Mankiewicz, El americano impasible.Michael Caine fue nominado al Oscar al mejor ac-tor por su interpretación.

En el número 5 de la Revista Letraceluloide el Profesor Víctor Conenna sostiene que la versión fílmica de 2001 hizo justicia con el texto (por eso,

the quiet american (2002)

después del atentado a las Torres Gemelas, su estreno se pospuso en poco más de un año).

En primer lugar, a diferencia de su antecesora de 1958, la versión de Phillip Noyce cuenta con la excelente actuación de Michael Caine, muy bien acompañado por la actriz vietnamita Do Thi Hai Yen y Brendan Fraser en, hasta el momento, su mejor labor actoral, muy distante de las desem-peñadas en películas como La momia, George de la jungla o Al diablo con el diablo.

Michael Caine como Thomas Fowler Brendan Fraser como Alden Pyle

APENDICE

Una parte muy importante de la creación cinema- tográfica es la dirección ya que de alli se parte y se direcciona para que el cortometraje mediome-traje o largometraje resulte de la manera mas es-tetica posible según la idea del director.

En cinema, esta claro cualquiera que sea la película,reviste suma importancia el primer paso que no es otro que poner unos criterios básicos, unas pau-tas que orienten la imaginación creativa del reali-zador. Por tanto dos observaciones preliminares

Qué se quiere filmar?

¿Para quienes esta pensada la película?

La realidad que queremos filmar tiene que adoptarun lenguaje cinematográfico, por tanto buscare-mosla mejor transposición de esa realidad en un len-guaje que sea entendido para quienes va dirigida.

Es necesario por tanto delimitar el espacio y el tiempo de la obra audiovisual. En el apartado del espacio debemos incluir: encuadre por planos, posición de la cámara con respecto al sujeto, movimientos de la cámara (travelling, panorámi-ca) y definición y perspectiva de la imagen. En el apartado del tiempo cinematográfico dispondre-mos de: modificaciones de origen mecánico y las modificaciones de tipo psicológico.

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Llega el momento por fin de dar estructura oforma a un libro o guión. Esa ordenación es lo que finalmente decide cómo inciden en el espectador, los elementos seleccionados. A titulo de ejemplo y con el objeto de clarificar más el sentido de lo que es una estructura narrativa, podemos enumerar las etapas del proceso de construcción:

Recapitular los objetivos de la película

Pasar revista a todos los hechos que debenmostrarse, escenas, personajes, y situaciones

Proceder a distintos ensayos de ordenamiento del material resultante

Controlar la estructura de manera que el desar-rollode cada uno de los elementos componentes tenga su propio desarrollo lógico.

Manejar los contrastes y las expectativas, es decir mantener el interés

Otra manera de clasificar y ordenar la obra visual y que puede ser utilizada por nosotros es la que hace referencia a los géneros literarios. Básica-mentese clasifican en tres categorías.

Duración, según el contenido podemos cambiar la duración, por tanto podemos clasificar desde un corto publicitario de breves segundos a un gran largometraje o una serie larga de televisión.

Contenido, que admite dos lecturas la realización de ficción y el documental.

anexoGrandes Películas del siglo XX

Conoce las 5 películas más taquilleras de todos los tiempos. AVATAR (2009)

RECAUDO:

$ 2.782’275.172 1

TITANIC (1997)

RECAUDO:

$ 2.185’372.3022 THE AVENGERS (2012)

RECAUDO:

$ 1.511’757.9103

HARRY POTTER AND THE DEATHLY HALLOWS PART II (2011)

RECAUDO:

$ 1.328’111.2194 THE LORDS OF THE RINGS: THE

RETURN OF THE KING (2003)

RECAUDO:

$ 1.119’929.5215

GLOSARIODiplomado

Es un curso de un tema o área específica en don-de se da un diploma que acredita la participación, y en general tiene valor curicular, pero no da un grado académico especifico como especialista en un área, como si ocurre con las maestrias o los doctorados. Habitualmente los diplomados son de duración relativamente corta.

Hiperrealismo

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a fi-nales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetivi-dad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

Lápida

Una lápida (del latín lapidem, piedra) es una pie-dra plana que habitualmente lleva grabada una inscripción. El término se utiliza habitualmente para designar a la lápida funeraria: una piedra labrada (en pedernal, granito, mármol, etc.) que marca el lugar donde se encuentra una sepultura.

Diafragma

El diafragma es el estrechamiento variable por medio de un sistema de láminas finas que, situ-ado entre las lentes del objetivo , permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajust-able. Las progresivas variaciones de abertura

del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo. El diafragma es el estrechamiento variable por medio de un sistema de láminas finas que, situado entre las lentes del objetivo , permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, gener-almente de forma ajustable. Las progresivas var-iaciones de abertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo.

Realismo científico

El realismo científico es una variedad del realismo crítico que sostiene, básicamente (i) que existe una realidad objetiva, (ii) que el objetivo primor-dial de la ciencia es describir y explicar (además de predecir) los hechos de la realidad y (iii) que la ciencia consigue su objetivo en cierta medida y de un modo especial, gracias a la aplicación del método científico.

Distopía

Una distopía o antiutopía es una sociedad ficticia indeseable en sí misma. Esta sociedad distópica suele ser introducida mediante una novela, en-sayo, cómic o cine.

Metraje

En una película o un video, un metraje (footage) es el material sin editar que ha sido tomado origi-nalmente mediante una videocámara, y que nor-malmente es editado para crear la película, el vid-eoclip, el programa de televisión, u otros trabajos completos similares.

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Cortometraje

Un cortometraje es una producción audiovisual o cinematográfica que dura menos de 30 minutos. Los géneros de los cortometrajes abarcan los mis-mos tipos que los de las producciones de mayor duración, pero debido a su coste menor se suelen usar para tratar temas menos comerciales o en los que el autor tiene una total libertad creativa. Muchos jóvenes creadores usan estos para dar sus primeros pasos en la industria cinematográ-fica y bastantes directores de cine consagrados hoy en día comenzaron con sorprendentes cor-tometrajes que los impulsaron a la fama.

Probablemente uno de los cortometrajes más fa-mosos de la historia sea Un perro andaluz, escrito y dirigido por dos jóvenes que por entonces aún no habían alcanzado la fama: Luis Buñuel y Sal-vador Dalí.

Video clip

Un video musical es un cortometraje realizado principalmente para su difusión en video, tele-visión y a través de portales en internet, que of-rece una representación visual de una canción.

Lápida

Una lápida (del latín lapidem, piedra) es una pie-dra plana que habitualmente lleva grabada una inscripción. El término se utiliza habitualmente para designar a la lápida funeraria: una piedra labrada (en pedernal, granito, mármol, etc.) que marca el lugar donde se encuentra una sepultura.

Diafragma

El diafragma es el estrechamiento variable por medio de un sistema de láminas finas que, situ-ado entre las lentes del objetivo , permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajust-able. Las progresivas variaciones de abertura

Diplomado

Es un curso de un tema o área específica en don-de se da un diploma que acredita la participación, y en general tiene valor curicular, pero no da un grado académico especifico como especialista en un área, como si ocurre con las maestrias o los doctorados. Habitualmente los diplomados son de duración relativamente corta.

Hiperrealismo

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a fi-nales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetivi-dad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

bibliografiahttp://es.wikipedia.org/wiki/N%C3%A9stor_Al-mendros

http://www.quesabesde.com/noticias/directores-fotografia-cine,1_8236

http://www.miradas.net/2005/n42/homenaje.html


http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/3554/Vittorio%20Storaro/


http://es.wikipedia.org/wiki/Roger_Deakins


http://es.wikipedia.org/wiki/John_Alcott

http://fotosfera.com/2012/01/el-director-de-foto-grafia-de-la-semana-john-alcott/

http://es.wikipedia.org/wiki/Sven_Nykvist


http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/algunos-directores-de-fotografia-cuyo-trabajo-no-te-puedes-perder

h t t p : / / e n . w i k i p e d i a . o r g / w i k i / J a n u s z _Kami%C5%84skies.wikipedia.org/wiki/Janusz_Kaminski

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/

algunos-directores-de-fotografia-cuyo-trabajo-http://es.cine.yahoo.com/persona/bruno-delbon-nel/



http://www.decine21.com/Peliculas/Cache-498

http://es.cine.yahoo.com/persona/dariusz-wolski/biografia.html

http://mubi.com/cast_members/18181

Este libro se terminó de imprimir en el mes de Mayo de 2013 en los talleres de Impresiones S.A, Dia de fallecimiento del

Director y Guionista belga Jacques Feyder .

segundo libro fotografia cinematografica

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