ÍNDICE

DOSIER

La dominación a través del arte 2

Sobre la crisis de la representación 3

La apropiación y los nuevos matices del siglo XX 5

Los géneros artísticos 9

El retrato 9

El paisaje 12

El bodegón 14

El álbum familiar como formato artístico 19

La obra como texto 23

El Vanguardismo 27

Cine 27

Literatura 28

ACTIVIDADES

Seducidos por el arte, pasado y presente de la fotografía 29

Cuento de Navidad 32

Apropiación 34

Show and Tell 36

Fotografías y acuarelas 38

Retratos 38

Paisajes 40

La técnica del collage 42

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LA DOMINACIÓN CULTURAL A TRAVÉS DEL ARTE

Si tenemos en cuenta que la cultura es la máxima expresión de identidad, ésta puede ser y es usada con el fin de interferir en las clases sociales por medio del sistema hegemónico cultural, para reorientar las escalas de valores, conductas e identidades en beneficio de los intereses propios de la clase y/o cultura dominante.

Pero tal y como afirma Rogelio López Cuenca, del mismo modo que las relaciones de poder producen formas estéticas, a la inversa, las expresiones culturales constituyen modos de ver, de hacer visible, de representar, de simbolizar poder o contrapoder. Todo acto estético, en tanto que configuración de la experiencia, por su potencialidad de producir modos de ver, de sentir, de existir, es, por tanto, político (exposición Le-partage).

ROGELIO LÓPEZ CUENCA - Nerja 1959

Artista visual, su obra está marcada por un fuerte carácter político. Basada en la relectura y el manejo de imágenes cotidianas, efectúa una aguda crítica de la cultura y la sociedad. Atento siempre a las dinámicas socio-económicas que nos determinan, se ha volcado en la utilización del arte con fines políticos y comerciales pretendiendo crear una brecha y cuestionar la cultura dominante. Ha recibido diferentes premios como el premio ojo crítico de artes plásticas en 1992 y desde 1999 desarrolla el proyecto "el paraíso de los extraños que analiza la construcción de la imagen del mundo islámico en Occidente. En la imagen una obra suya perteneciente a la colección Do not cross Art Scene, 1991.

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SOBRE LA CRISIS DE LA REPRESENTACIÓN

La era de la fotografía empieza el año 1839 con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico, el daguerrotipo (Louis Daguerre). La imagen se difunde sin necesidad de artistas ni pintores.

En el fondo, lo que está en juego es el desplazamiento de la codificación de las imágenes de la realidad a través de la representación. Esta nueva percepción fotográfica, hace entrar en crisis la tarea tradicional de representación pictórica, en la medida que la fotografía es el resultado de un proceso fotoquímico.

ANTONIO LÓPEZ GARCÍA - Tomelloso 1936

Hiperrealista "Una obra nunca se acaba sino que se llega al límite de las posibilidades" Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años. De plasmación lenta y meditada, destila con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje hasta conseguir plasmar algo más que la simple imagen, la esencia. Hiperrealista, busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos que reproduce al detalle, rozando lo fotográfico. Ha recibido varios premios entre ellos el Príncipe Asturias de las Artes en 1985. En la imagen una obra suya Madrid desde torres blancas, 1976 – 1982.

PAUL CÉZANNE - Francia 1839-1906

Postimpresionista – Inicio Arte Contemporáneo “Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos” Considerado el padre de la pintura moderna, sus obras establecieron las bases de la transición pictórica hacia el mundo artístico del siglo XX. Se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana, afirmando que el arte es representación de la realidad, no la realidad en sí misma.

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DAVID HOCKNEY – Bradford 1937

Postmodernismo - Pop Art, 1960 La obra de Hockney conduce al placer de los sentidos y el goce vital. El uso de colores intensos y planos junto al dominio de la composición dotan a su obra de especial brillantez en la industria del Pop Art y la homosexualidad se convierte en uno de los principales ejes temáticos de su obra. Trata la pluralidad desde la diversidad de las perspectivas: lo que ves no tiene un solo enfoque, una sola perspectiva. Juega con la alteración del color enfrentando lo natural versus lo cultural. Hockney no sólo se limita a la pintura, sino que experimenta con diferentes medios creativos y en los 80 empieza a trabajar con fotografías Polaroid mediante la técnica del collage reorganiza imágenes recortadas. En la imagen una obra suya Pearlblossom Highway, 1986.

Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observó los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le llevó a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. Cézanne dio paso al cubismo de Picasso, al fauvismo de Matisse y al abstracto de Kandinsky. A partir de aquí, la pintura del siglo XX rompió todas las barreras. Su vida y obra pasó por tres períodos: el periodo oscuro (París 1861-1870), el periodo impresionista (Provenza y París 1870-1878), el periodo de madurez (Provenza 1878-1890) y el periodo final (Provenza 1890-1905). En la imagen una obra suya Les Joueurs de cartes (quinta versión 1984-1985). Véase también apartado de Géneros artísticos, Bodegón en página 17.

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LA APROPIACIÓN Y LOS NUEVOS MATICES DEL SIGLO XX

A partir de los años 60 se introduce el concepto de la publicidad masiva y el acceso a la cultura de forma masiva con un espectador difuso y amplio. En este contexto aparece la apropiación que consiste en la producción de una obra que hace referencia a otra obra y surge debido a que hay un nuevo espectador.

En los años 80 aparece con más fuerza y podemos hablar de dos tipos de apropiación:

Crítica: cuestiona lo que puedo representar y el qué. Se repiensa la obra para verla desde otro punto de vista.

Mimética: reproducción exacta de una obra existente.

La publicidad desactiva el carácter crítico de la obra y acentúa el valor estético.

FRANCIS PICABIA - París 1879-1953

Apropiación Irónica Se cuestiona lo que se puede pintar y lo que no, como por ejemplo revistas pornográficas de las cuales se nutren sus desnudos de los años 40. Pionero de todas las vanguardias, las abandonó todas. Artista nómada que no tenía estilo propio y copiaba estilos de otros artistas, superponiendo diversas imágenes a través de la pintura. Pintaba al óleo pero como si fuera un amateur en la técnica. Utiliza la ironía, otro elemento que aparece en la pintura del siglo XX. Su vida ardía en permanente agonía artística. En la imagen una obra suya Hera, 1929.

JULIAN SCHNABEL - Nueva York 1951

Apropiación Mimética Ha hecho diversas películas de apropiación mimética. Utiliza técnicas que él no se ha inventado.

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En los años 80 vino a Barcelona y copió la técnica de Gaudí haciendo cuadros con platos rotos. Su plate paintings, tal y como se les denomina, fueron recibidos con escepticismo y han recibido diversas críticas y se suele clasificar dentro del Bad Painting que es una de las corrientes del neoexpresionismo. La obra de Schnabel tiene algo de brutalidad, además de un gran nivel en la composición.

"La pintura es, para mí, como la respiración" En la imagen una obra suya Plate Painting de Dennis Hopper, 1991.

EQUIPO CRÓNICA - Valencia 1964-1981

Apropiación Crítica - Pop Art Español Se apartó del arte informal para cultivar una pintura figurativa dentro de la tendencia Pop Art norteamericano. Analizaba críticamente la situación política de España y la historia del arte. Aparece el concepto del contexto, cuando miramos una obra tenemos que tener en cuenta el contexto, la época histórica del momento y el equipo crónica se gestó en la dictadura franquista española y su última época comprendieron los primeros años de la transición. Realizó una crítica contundente a la situación política a través de la parodia empleando obras clàsicas como el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez. Frente a la imagen grandiosa y pintoresca de España que el régimen franquista quería proyectar, el Equipo Cróncia incidía en otra más sombría recurriendo la ironía. Su intención política se hace evidente en el sarcasmo con que abordan la situación de los españoles bajo la dictadura y atribuyen al Arte una función social que les lleva a renegar de los postulados del Informalismo, movimiento que había protagonizado la renovación plástica en España. En la imagen una obra suya perteneciente a la serie Guernica, 1971.

SHERRY LEVINE - Hazleton 1947

Apropiación Crítica Plantea la cuestión sobre qué es arte y qué no lo es. Es una de las artistas que mejor entendió el doble magisterio Duchamp - Brathes.

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Su obra recupera temas que la modernidad había relegado absolutamente como la copia, la parodia, la cita, el plagio y la repetición. El acto apropiativo de Levine, debe entenderse en un contexto feminista como una reflexión crítica sobre la cuestión del género más allá de la diferencia sexual. En la imagen una obra suya perteneciente a la serie After Walker Evans: After Walker Evans:4, 1981.

MARCEL DUCHAMP - Blainville-Crevon 1887-1968

Apropiación Crítica Fue el primer apropiacionista contemporáneo de Picabia. En 1913 presenta el Ready-Made que no es otra cosa que un objeto común sacado de su contexto habitual y reasumid como obra artística. La intencionalidad detrás de este gesto fue desacralizar y desmitificar el objeto artístico y demostrar que el artista, el hombre no puede nunca empezar de la nada: el origen de sus obras y de él mismo parte siempre y necesariamente, de cosas ya hechas. Duchamp apuntaba que el arte se tenía que pensar, lo que importaba era la idea y que cualquiera podía hacer arte. En la imagen una obra suya La Fountain, 1917.

CINDY SHERMAN - Nueva Jersey 1954

Apropiación Crítica A través de una crítica deconstructiva de la representación subvertía irónicamente el concepto de creación original. Apropiación crítica de estereotipos. Se apropia de los fotogramas cinematográficos de las películas de los años 50 que desarrolla en su serie Untitled Stills de finales de los 70, donde no hace sino desestabilizar los tradicionales esquemas prefijados sobre la mujer. Su obra pone de relevancia el rol de la mujer y los estereotipos de género y de cómo a través del séptimo arte y la publicidad se consolidan estos estereotipos (ama de casa amargada,

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la becaria sexy...). En la imagen una obra suya No. 35. Untitled Film Stills, 1977.

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LOS GÉNEROS ARTÍSTICOS

Los géneros artísticos son una clasificación de las producciones que aparecen en un momento determinado. Actualmente se habla de géneros artísticos para designar diversos temas que han sido recurrentes en la Historia del Arte: paisaje, retrato, desnudo y bodegón. La pintura histórica también había sido un género muy importante, pero que actualmente se ve sustituida por la fotografía que tiene un sentido que la pintura no tiene, el concepto de archivo. A través de la fotografía puedo ver pasar el tiempo, tiene un carácter de acumulación que antes de la fotografía no tenían las imágenes.

En 1900 aparecen también en América los géneros cinematográficos tal y como los conocemos hoy en día.

EL RETRATO

Dentro del campo de las artes, el retrato no es una mera reproducción mecánica de los rasgos y la fisionomía de una persona, sino que entra en juego para definirse como tal, la sensibilidad del artista que interpreta los rasgos según su gusto y las características del arte del tiempo en que opera.

Con la Ilustración el hombre pasa a ser el centro de todo. Con los nuevos ricos (burguesía del Norte de Europa) aparece la necesidad de representar como una forma de demostrar su poder económico, su condición social. Así empiezan a aparecer producciones artísticas que acontecen símbolos de poder.

FRANS HALS - Amberes 1580/85-1666

Retratista Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles retratando figuras en movimiento. La mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas como era costumbre en la época y completaba sus cuadros por fases. No le daba un acabado definido a sus pinturas, como hacían todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas... que conformaban los detalles. Tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. Su obra es un conjunto de retratos de diferentes prototipos y básicamente pinta a la burguesía.

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Se puede considerar como un precursor, usando la técnica impresionista en sus cuadros. Sus aportaciones son las raíces del retrato en Holanda. En la imagen una obra suya Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge, 1616.

REMBRANDT - Amsterdam 1606-1669

Retratista Se considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado. Tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, la cual interpretaba libremente para ajustarla a su propia experiencia y saber. En su obra destaca el claro-oscuro y un excelente manejo escenográfico de la iluminación (luz y sombra). Fuertemente influido por Caravaggio o la escuela de los Caravaggisti, se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad. Se dice que a lo largo de su carrera Rembrandt pintó más de 40 autorretratos. En la imagen uno de sus retratos Old man in red, 1652-54.

AUGUST SANDER - Herdorf 1876-1964

Fotógrafo Trabaja en un estudio como retratista y retrata a todas las clases sociales y ocupaciones. Alemania entera va pasando detrás de su objetivo. Su planteamiento es el de retratar a cada individuo como tal, al tiempo que lo sitúa dentro de la sociedad de su tiempo. No indica nunca el nombre de la persona fotografiada pero si el de su profesión y las retrata de frente. Va creando un inventario de personajes de su época, durante La República de Weimar: Hombres del siglo XX. La serie se divide en ocho secciones: campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, los sin hogar y los veteranos de guerra. Utiliza el retrato para hacer un documento social de las clases, realiza un catálogo de personas más que una obra de arte. En la Alemania Nazi, su obra es objeto de persecución y su archivo confiscado y parcialmente destruido. Sander muestra a sus compatriotas tal y como son, no glorifica la raza aria. En el año 1961, recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

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En la imagen una fotografía suya Hod-carrier, 1928.

RINEKE DIJKSTRA - Sittard 1959

Fotógrafa Su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Se ha dedicado a inmortalizar con su cámara a individuos que viven en situación de cambio, de transformación de su identidad. Interpela a la propia identidad de la persona. Documenta en retratos radicalmente clásico, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, estos momentos de tránsito como pueden ser la adolescencia o la maternidad. Sus retratos dejan desarmados a sus modelos que siempre tienen en común que pasan por un proceso interior de cambio. Sus protagonistas son refugiados de guerra, soldados en proceso de conciliar su vida civil con la militar, madres primerizas y adolescentes expuestos a situaciones de extrema fragilidad. En la última década comenzó a grabar en vídeo sus estudios entre artísticos y sociológicos que buscan la empatía y la sensibilidad emocional del ser humano que está creciendo física y psicológicamente. En la imagen una fotografía suya de 1992.

ANDRÉS SERRANO - Nueva York 1950

Fotógrafo Artista que pretende crear polémica a través de imágenes agresivas como su polémico trabajo Piss Christ, una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista o sus fotografías de cadáveres, víctimas quemadas o retratos del Ku Klux Klan. Muchas de sus fotografías contienen fluidos corporales tales como la sangre (a veces del ciclo menstrual), semen o leche materna, cómo podemos ver en su serie Blood and Semen II, 1990. Toma la idea de archivo de August Sander en versión modernizada (concepto moderno de archivo), pero hace una apropiación de fotografías antiguas de principios del siglo XX, alrededor de 1919.

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Serrano como otros artistas, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras otros lo defendieron en nombre de la libertad artística. En la imagen una fotografía suya Heaven and hell, 1984.

THOMAS RUFF - Zell am Harmersbach 1958

Fotógrafo Retrata a personas individuales enmarcadas como una foto de pasaporte, por lo general, al igual que las fotografía carnet se muestran con expresiones sin emociones a veces retratadas de frente y otras de perfil.. Se apropia de la idea de las fotografías carnet pero las copia en gran formato (210 x 165 cm.), incluso pudiéndolas reproducir hasta siete por cinco metros. En la imagen una fotografía de Axel Schneider de una de las exposiciones de Thomas Ruff en el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, 2010-2011.

EL PAISAJE

Con la burguesía aparece la necesidad de mostrar todo lo que se tiene. Incluso los campos y el entorno en el que se vive. A lo largo de la historia del arte el paisaje ha evolucionado mucho, al principio los paisajes típicos representaban campos y apenas había presencia de la figura humana o está era diminuta en comparación al paisaje representado. En la Edad Media el paisaje se concibe como obra divina y su representación hace referencia a su creador. Durante el Renacimiento el paisaje adquirió autonomía iconográfica. En el Barroco fue cuando finalmente se estableció el paisaje como género en Europa. En el siglo XVIII aparecen las primeras perspectivas urbanas y alrededor del siglo XIX, con el impresionismo, las nubes se convierten en vapor y aparece el paisaje urbanizado.

Con la representación de los paisajes se capta el paso del tiempo, las estaciones...

JACOBO RUYSDAEL - Haarlem 1628-1682

Crear el paisaje tradicional (nube y horizonte muy bajo o horizonte en medio del cuadro). Sus temas favoritos son simples escenas boscosas y sus mejores obras representan la soledad de los bosques, destaca

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como pintor de árboles y su cuidadosa representación del follaje. Pintará principalmente paisaje de naturaleza y alguna que otra vista de ciudad siempre a lo lejos, así como paisajes de costa y paisajes marinos. Ruysdael pensaba con cuidado y arreglaba sus composiciones, introduciendo una infinita variedad de sutiles contrastes en la formación de las nubes, las plantas y las formas de los árboles y el juego de la luz. En la imagen un cuadro suyo Dos molinos y una compuerta abierta cerca de Singraven, 1650-52.

CLAUDE MONET - París 1840-1926

Impresionista A lo largo de su carrera llegó a ejecutar tres mil cuadros. Su máxima preocupación era plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Fue un amante de la cultura y el arte japonés y creaba el paisaje que quería pintar, de esta forma se construyo un jardín oriental con puente y nenúfares lo que le llevó a crear diversas pinturas al respecto convirtiéndose éstas en verdaderas sinfonías cromáticas. En la imagen una de sus obras Saint-Georges Majeur au Crépuscule, 1908-12.

PERE JAUME - Sant Pol de Mar 1957

Su obra oscila entre la teoría y la práctica, la escritura y la imagen, la influencia de la vanguardia histórica y el interés por la cultura catalana, con una especial atención al paisaje local y a la naturaleza que impregna su producción poética, ensayística y artística. Una de las principales características es su experimentalismo y reflexión sobre los medios. Señala que todo es arte y que el mismo mundo es en sí mismo una creación artística y una exposición. En la imagen una obra suya Detall Plafó del Sostre del Gran Teatre del Liceu, años 90.

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THOMAS STRUTH - Geldern 1954

Fotógrafo Ha realizado un amplio trabajo que incluye representaciones de paisajes urbanos detallados, selvas asiáticas y retratos de familia. También ha fotografiado gente observando obras de arte. Realiza fotografías mayoritariamente en blanco y negro, sobre todo en sus inicios. Sus imágenes disponen de fuertes contrastes de luz y sombra. Con muchas de sus fotografías trata de mostrar a la relación de la gente con su contexto social. En la imagen una fotografía suya de la serie Observando Las Meninas de Velázquez, 2005.

EL BODEGÓN

Un bodegón, también llamado Naturaleza Muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales como animales, frutas, flores, comidas... o hechos por el hombre como utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas... en un espacio determinado. El bodegón se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía. Da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o el retrato.

Los bodegones, particularmente antes del siglo XVI, a menudo contenían un simbolismo religioso en relación con los objetos que representaban. En la franja del mediterráneo la representación de los objetos estaba muy vinculada con la religión, es decir, los objetos no se representaban como bienes de consumo, mientras que en el Norte de Europa no interesaba la representación religiosa y simbólica, los objetos se representaban como bienes de consumo, como una muestra de ostentación, riqueza y poder.

Algunos bodegones modernos, hoy en día, rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, utilizando asimismo objetos encontrados a través de fotografías gráficas generadas por ordenador o a través del vídeo y el sonido.

SAM TAYLOR WOOD - Londres 1967

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Recrea una serie de bodegones al más puro estilo barroco (sus bodegones recuerdan mucho a las naturalezas muertas de Juan Sánchez Cotán), pero con la particularidad que éstos no sufren una inmortalización sino una putrefacción. Wood filma durante días cómo se va deteriorando el bodegón hasta casi su desaparición con el paso del tiempo. Acelera la escena creando unos inquietantes bodegones que incitan a reflexionar sobre la fugacidad de la vida. En la imagen una de sus obras A little Death, 2002.

ADRIAEN VAN UTRECHT - Amberes 1599-1652

Especialista en bodegones, cuadros de caza y naturalezas muertas, su obra parte de la de Snyders. Sus bodegones están especialmente cuidados al detalle en cuanto a decoración. Una de sus principales características es la abundancia en sus bodegones combinando caza, fruta y vegetales en mesas paralelas al plano, aunque carece de la riqueza y cohesión de Snyders. Fue pionero en la pintura de bodegón. Sus obras representan el lujo, la riqueza y el poder. En la imagen una obra suya A Pantry, 1642.

GUSTAVE COUBERT - Ornans 1819-1877

Fundador y máximo representante del realismo. Cercano al socialismo revolucionario se trata de un pintor social que representó la cotidianidad de su época. Reivindicaba la honestidad y capacidad de sacrificio del proletariado y afirmaba que el arte debía plasmar la realidad. Algunas de sus obras rebasan los límites morales de la época. La obra adjunta L'origine du monde generó mucha controversia al respecto. En la imagen una obra suya L'origine du monde, 1866.

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JEAN SIMÉONE CHARDIN - París 1699-1779

Pintaba despacio buscando la perfección y por ello su producción artística es bastante escasa. Sus obras evocan calma y tranquilidad. Le interesaba el color y la sutileza, un poco difuso con la técnica. La naturaleza muerta estuvo presente en toda su carrera, abordando a partir de los años 30 escenas de género. A través de sus bodegones representa la burguesía francesa, pero en su caso no le interesaba ni el drama ni la vanidad. En la imagen una obra suya La Raie, 1725-26.

FRANCISCO DE ZURBARÁN - Fuente de Cantos 1598-1664

Barroco Barroco y religioso, representa la austeridad a través de sus obras. Los rasgos tempranos de sus obras son torpeza en las perspectivas, falta de coherencia espacial, prodigiosa capacidad para reproducir los materiales, intensidad expresiva en los rostros, delicadeza cromática, rico colorido, gran variedad de blancos. La abundancia de personajes le bloquea y se muestra incapaz de ordenarlos coherentemente en un espacio realista. Las leyes de la perspectiva y la proyección geométrica descubierta en el Renacimiento se le resisten, por lo que sus espacios carecen de profundidad u orden. Estas carencias las compensa con las otras características de sus obras: su minuciosidad consigue plasmar telas, cacharros, cabellos, pieles... Como si pudieran palparse. Los rostros son penetrantes, animados, diferentes por completo a las expresiones acartonadas de otros pintores. Su particular concepción del color, le llevó a colocar juntos colores que tradicionalmente se consideraban contrarios, pero que bajo su mano parecían armónicos. Su estilo se mantuvo prácticamente invariable, mientras que el de otros artistas iban evolucionando. Esta inmovilidad fue durante varias décadas secreto de su éxito, pero terminó por condenar su carrera artística. En la imagen una obra suya Agnus Dei, 1635-40.

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JUAN SÁNCHEZ COTÁN - Orgaz 1560-1627

Barroco EL grueso de su obra lo constituyen pinturas de asunto religioso. Sus bodegones gozan de un sentido austero en cuanto a la composición y de sobriedad en cuanto a sus manjares. Retrata la austeridad absoluta. Tiene poco bodegones. En la imagen el Bodegón del cardo, 1602, una de las piezas angulares de la historia de la naturaleza muerta en España.

PAUL CÉZANNE - Francia 1839-1906

En sus bodegones Cezanne hace como dos perspectivas, plasma la mesa desde arriba pero los objetos los pinta mirados desde frente. No termina sus bodegones ya que no vivía de ellos. Véase también apartado sobre la crisis de la representación, página 3. En la imagen Nature morte aux fruits et pot de gingembre, 1895.

PABLO PICASSO - Málaga 1881-1973

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras. Si bien Picasso empleó a comienzos de su carrera diversos estilos de pintura, no bastó mucho para que en 1909 lanzara junto a Georges Braque el cubismo, que sin ser un estilo abstracto, rompía los márgenes del concepto clásico de pintura hasta el momento conocido. Al igual que Cézanne sus bodegones también tienen dos perspectivas. En la imagen Cráneo y cántaro, 1945.

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LA NUEVA OBJETIVIDAD - Alemania 1920-1933

La Nueva Objetividad fue un movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de los años 20 que rechaza el expresionismo. El movimiento acabó en 1933 con la caída de la República de Weimar y la toma del poder por el nazismo. El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura, fotografía o cine. La nueva objetividad renuncia a cualquier afán de introspección de carácter psicológico e individualista. Uno de sus objetivos era superar las mezquindades estéticas de la forma a través de una nueva objetividad, nacidas del disgusto hacia la sociedad burguesa de la explotación. Aprovechan las aportaciones de la vanguardia pero, a diferencia de ella, no se queda indiferente ante la realidad social y política. Pluralidad de perspectivas: picado y contrapicado. En la imagen Metropolis, 1917 de George Grosz.

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EL ÁLBUM FAMILIAR COMO FORMATO ARTÍSTICO

Los primeros álbumes de fotografías se extendían más allá del uso privado familiar. Antes de 1880, momento en que se desarrolló el procedimiento de impresión Offset, los álbumes reunían un grupo de fotografías sobre algún tema o hecho que se documentaba: una guerra, paisajes, personajes típicos del lugar... Por tanto, estos álbumes aluden al concepto de la fotografía como archivo. Estos álbumes tenían formatos distintos, se trataban de expositores con forma de acordeón y cumplían una función decorativa. Estos álbumes normalmente se realizaban por encargos para documentar un evento o bien como iniciativa de los fotógrafos profesionales itinerantes. En los álbumes histórico-narrativos, al lado de la fotografía se destina una hoja para relatar la escena y mediante la escritura se contextualiza lo observado.

El álbum familiar es una creación a partir de fotografías y otros objetos personales que incluye personajes, escenarios y tramas. Su elaboración conlleva muchos años y tiene elementos del teatro, cine y literatura. Es una obra abierta con uno o varios autores que muta con el tiempo.

Estos álbumes se suelen ordenar cronológicamente, aunque también existe la posibilidad que se clasifiquen por sucesos importantes o por cada uno de los hijos del núcleo familiar.

No obstante en el momento actual en que nos encontramos, acostumbramos a guardar nuestra fotografías en formato digital por carpetas según los viajes o sucesos que aglomeren.

Muy interesante es el proyecto que lleva a cabo Territorio Archivo, un trabajo iniciado a mediados del 2011 orientado a construir desde diferentes acciones, un archivo fotográfico sobre las relaciones eco-sistémicas y físico-culturales. El archivo implica un profundo trabajo de análisis e investigación, que permite establecer los vínculos entre habitantes y lugares, así como las políticas y poéticas que se producen a la hora de habitarlos.

A partir de reconocer la autoridad de conservadores domésticos de fotografías de un importante registro documental, se realiza un fondo común y se dota de un sentido colectivo a vivencias que, solo en apariencia, se hallaban desconectadas.

ALPHONSE BERTILLON - Paris 1853-1914

Policía francés, especialista en hacer archivos policiales y fotografías de difuntos. Acabó creando el estilo policial de registrar a los presos con una fotografía de frente y otra de perfil, estandarizó las fotografías de identificación y las imágenes usadas como evidencia.

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Desarrollo la fotografía métrica que busca reconstruir las dimensiones de un lugar y la ubicación de los objetos allí encontrados. Indicó que las fotografías de la escena del crimen debían hacerse antes de que se produjese cualquier tipo de alteración y que dentro de la imagen debía colocarse un testigo métrico para facilitar la identificación del tamaño del elemento o lugar. También indicó que el fotógrafo debía hacer sus fotografías frontalmente y lateralmente a los objetos, como el registro de los presos. Sus instrucciones en la actualidad se siguen respetando. En la imagen Bertillon's selfprotrait, 1900.

JEAN EUGÈNE AUGUSTE ATGET - Libourne 1857-1927

Además de los "Documentos para artistas", Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear su obra más conocida: una colección de fotografías sobre la vida diaria de Paris a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición: monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes. Sin que fuese su intención construyó un magnífico archivo, donde recopila todas aquellas escenas históricas que han desaparecido con el paso del tiempo. En la imagen Porte d'Italie, 1912.

CHRISTIAN BOLTANSKI - Paris 1944

La muerte, la vida y la identidad son temas recurrentes en su obra que está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo presente. Recurre a materiales frágiles (fotografías antiguas, ropa usada, objetos personales...) como testimonios de lo breve de la vida. Indaga acerca de la fragilidad de la memoria en la que las personas van desapareciendo convirtiéndose en imágenes borrosas, en fotografías antiguas que sólo cuando las encontramos en el fondo de un cajón en las que habíamos dejado olvidadas, cobran algo del sentido que tuvieron en el pasado. También realiza catálogos de fotográficos de objetos con intención artística. En la imagen un detalle de una de sus exposiciones.

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HANS-PETER FELDMANN - Düsseldorf 1941

Arte Conceptual Utiliza álbumes fotográficos para posteriormente trabajar sobre ellos, sirviéndose de otros recursos como el rectángulo negro para censurar obras de arte, censurar la propia identidad... Realiza un álbum centenario, donde trabaja el concepto de la generación (basado en las ideas de Sander), donde realiza 101 retratos de personas de su entorno con edades comprendidas entre los dos meses y un siglo de vida. Utiliza otras fotografías para contextualizar el concepto que trabaja. En la imagen detalle de la exposición de la obra 100 Jahre, 2001.

SOPHIE CALLE - Paris 1953

Arte Conceptual El principal objeto de su obra es la intimidad. En 1980 realiza el proyecto Suite Vénitienne, donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad. Este mismo año realiza el proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De este modo posee la información recibida por el detective y la que ella había recogido en su diario personal. En 1986 realiza la serie Les aveugles, donde recoge los testimonios de varias personas ciegas de nacimiento conforme a los que ellos creen que es la belleza. En esta serie trabaja con la idea de poner imágenes a aquellos que no ven, a la impresión subjetiva de lo que han descrito como belleza. Cada una de las piezas de esta serie está integrada por una foto-retrato de la persona junto a otro cuadro con su testimonio escrito sobre la belleza y una fotografía con la impresión subjetiva de ésta. Está obsesionada por la mirada, tanto la de los otros como la suya y de una necesidad de saber del otro, en cierto modo se posiciona como una vouyer. En la imagen una fotografía de la serie Les aveugles, nº8, 1986.

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OUKA LEELE (BARBARA ALLENDE GIL DE BIEDMA) - Madrid 1957

Fotógrafa Fue una de las grandes protagonistas de la Movida madrileña de comienzo de los 80. Destacan sus fotografías en B/N realizadas en papel poroso que luego pintaba con acuarelas, se apropia así de una técnica muy antigua para hacer de ella arte contemporáneo. Su obra mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido propio de la artista. Según sus propias palabras, Ouka Leele entiende la fotografía como una poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. En la imagen Del amor de la diosa, 1998.

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LA OBRA COMO TEXTO

El texto en la obra está presente desde alrededores del siglo XI, cuando los copistas copiaban los textos como si fueran obras de arte, existiendo así un cierto paralelismo con el arte contemporáneo.

La escuela alemana Bauhaus, escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar sentó en los años 30, dirigida por Ludwig Mies van der Rohe, las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico.

Sus propuestas y declaraciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista fundador.

La escuela se caracterizó por incorporar una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt).

La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico. Se emplearon casi exclusivamente las fuentes Sans-serif. Bayer diseño un tipo universal que redujo al alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional. La tipografía comienza a adquirir su propia simbología y representa algo por sí misma, aunque no será hasta 1960 que el texto en sí mismo y por si solo se empiece a considerar obra de arte.

ANDY WARHOL - Pittsburgh 1928-1987

Pop Art Hasta principios de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, la mayoría de artistas lo llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De esta manera se cuestionó sobre el status del arte y su relación con el mercado y criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. Hizo del arte un bien de consumo, a través de seriar muchas obras que se podían y pueden comprar y adquirir, utilizando la serigrafía. Su obra consiste en descontextualizar los objetos de su entorno natural. En la imagen Colored Campbell's Soup Can, 1965.

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EDWARD RUSCHA - Omaha 1937

Pop Art En su obra el texto tiene un papel principal. Incorpora palabras, frases, letras... Desde 1964 ha estado experimentando con pinturas y dibujos con palabras y frases, a menudo extrañamente cómicas o irónicas. No pretende ser crítico sino más bien sus obras gozan de un carácter poético. Cuando se le ha preguntado de dónde sacaba esa inspiración para sus obras, responde: "bueno, simplemente se me ocurren, a veces la gente dice algo y yo lo escribo y más tarde lo pinto. Otras veces uso un diccionario. En la imagen una obra suya City, 1968 perteneciente a la serie Liquid Words.

ALLEN RUPPERSBERG - Cleveland 1944

Conceptual Pionero del arte conceptual, empezó su carrera artística a finales de 1960. Como pionero de este arte, desarrolló usos de la narrativa y la apropiación. La letra es una parte clave de su obra. Pretende utilizar el lenguaje como un medio de expresión crítico. Realiza instalaciones. En la imagen una obra suya de la colección You & Me, 1980-90.

WALKER EVANS - Sant Louis (Missouri) 1903-1975

Fotógrafo Su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29. Es difícil hacer fotografías de lo cotidiano pero Walker Evans encuentra la belleza en los objetos banales y cotidianos. Las imágenes de Evans son imágenes aparentemente simples de sujetos insignificantes.

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Armado con una cámara de gran formato, inició la búsqueda directa de los elementos que conformaban la cultura americana. En sus viajes, tuvo especial interés por fotografiar por los signos (señales, felchas...) y el texto escrito que para Evans guarda una estética como elemento gráfico. Su pasión por la literatura lo llevó a ser un importante precursor del diálogo escrito dentro del cuadro fotográfico. En la imagen una fotografía suya Broadway, 1930.

ANTONI TÀPIES - Barcelona 1923-2012

Expresionismo abstracto En su obra aparece una mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que añade diferentes elementos distintivos a través de signos que enfatizan el carácter comunicativo de la obra, semejante al arte popular del Grafitti, que le confiere el carácter iconográfico a toda la obra de Tàpies. Estos elementos tienen una significación relativa al mundo interior del artista, evocando temas transcendentales como la vida y la muerte o la soledad, la incomunicación o la sexualidad. Otro rasgo distintivo de la obra de Tàpies es la austeridad cromática, normalmente utilizaba colores fríos. Reflejó una gran preocupación por los problemas del ser humano: la enfermedad, la muerte, la soledad, el dolor o el sexo. En la imagen una obra suya Monotip V, 1974 perteneciente a la serie Monotips.

EDWIN PARKER (CY) TWOMBLY - Lexington 1928-2011

Expresionismo abstracto Su obra bebe de los grandes temas del arte del siglo XX. Un dilema entre la abstracción y la figuración, la intervención del psicoanálisis, el primitivismo y el papel de la escritura en la `pintura. Sus pinturas grafitti de estilo calográfico de gran tamaño le hicieron famoso. La obra de Twombly difumina la frontera entre el dibujo y la pintura.

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Utiliza la técnica del palimpsesto, que significa grabado nuevamente. Se llama palimpsesto al manuscrito que todavía conserva huellas de otra escritura anterior en la misma superficie, pero borrada expresamente para dar lugar a la que ahora existe. En la imagen una obra suya Wilder Shores of Love, 1984.

BRASSAÏ (GYULA HALÁSZ) - Brassó 1899-1984

Fotógrafo Se hizo famoso por sus imágenes de París, cuyas calles recorría asiduamente de noche. En sus inicios era un reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón (Brassaï). Capturo la esencia de la ciudad del amor con su cámara, además del lado sórdido de París. También produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y las grandes óperas. En la imagen una fotografía suya Paris from Notre Dame, 1933.

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EL VANGUARDISMO

El término vanguardismo en el terreno artístico, se utilizó para dar nombre a una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que buscaban la innovación en la producción artística. Se manifiesta a través de varios movimientos que, desde planteamientos divergentes, abordan la renovación del arte o la pregunta por su función social, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística en el teatro, pintura, literatura, cine...

CINE

DRÁCULA DE BRAM STROKER - 1992

Romanticismo tardío El título original de la película es Bram Stoker's Dracula. Es una película dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada por Gary Oldman y Keanu Reeves. Se basa en la novela homónima de Bram Stroker. A lo largo de la película encontramos imágenes y alusiones a viejos artistas del romanticismo tardío como Friederich, Durero, Goethe, así como a enfermedades venéreas (SIDA). Realiza un homenaje a la película Nosferatu de Murnau ya que también copia imágenes de ésta y tiene cierto caràcter prerafaelista, recupera en sus escenas la época medieval.

CABARET - 1972

Expresionismo formalista Es un película estadounidense del género musical dirigida por Bob Fosse y protagonizada por Liza Minelli. Se encuentra basada en la novela de los años 30 Adiós a Berlín de Christopher William Bradshaw-Isherwood Al igual que Drácula hace alusiones artistas de la época como el pequeño guiño a una de las fotografías de August Sander perteneciente a la serie Los rostros de Weimar y que posteriormente pintaría Otto Dix.

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LITERATURA

HAIR - 1979

Hair es un musical de guerra, comedia-drama sobre la Guerra del Vietnam. La película trata de un joven Claude, que viaja a Nueva York para alistarse en el ejército estadounidense con destino a la Guerra del Vietnam. Pero a su llegada conoce a un grupo de hippies y se plantea su forma de entender la vida. Claude tiene que tomar la decisión si continuar con su viaje a Vietnam o luchar por la paz en el mundo. Hair guarda relación con los movimientos teatrales y performances activistas de crítica social, que ponen en evidencia hechos absurdos de la vida real, como también lo hace Living Theatre la versión moderno de The Bring.

TIM ROLLINS AND K.O.S - 1981

Pictorialista En agosto de 1981, llevo a cabo un plan de estudios que combinaba la creación artística con clases de lectura y escritura para los estudiantes clasificados en riesgo de exclusión social. Rollins y sus estudiantes desarrollaron una forma de trabajar que combinaba la creación artística con la lectura de la literatura y la escritura de narraciones personales.

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SEDUCIDOS POR EL ARTE Pasado y presente de la Fotografía

Seducidos por el arte muestra la relación entre los grandes maestros de la pintura, las primeras fotografías y la obra de los grandes fotógrafos contemporáneos. Cuando se hicieron las primeras fotografías, los fotógrafos tomaron como referencia el lenguaje visual de las artes plásticas, así como de la escultura clásica, la pintura histórica y las naturalezas muertas que se convirtieron en sus modelos preferidos.

Seducidos por el arte muestra como los fotógrafos actuales se inspiran en aquellas mismas fuentes y revisitan aquellos mismos temas utilizando la nueva tecnología y la sensibilidad contemporánea.

El Cuerpo

Durante siglos los artistas han idealizado el cuerpo humano y lo han convertido en un género respetable, el desnudo, gracias a las Bellas Artes. La fotografía contemporánea ha sabido compensar el detallismo implacable del desnudo realista mediante composiciones que se adaptan al ideal renacentista de la belleza sublime.

Jean Auguste Dominique Ingres - Mountaban 1780-1867

Mujer estirada; desnuda, de espaldas, con la mano izquierda sobre el pecho y la derecha sobre el vientre.

Reverso: recuperación del contorno para transparencia c.1808. Grafito sobre papel.

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Richard Learoyd - UK 1966

Sin título, 2010. Fotografía Ilfochrome única.

Richard Learoyd recreó este posado y la forma del desnudo reclinado que dibujó Ingres, y desarrolló la obra como un ejercicio de aprendizaje: " Aunque encuentro fascinante fotografiar personas sin ropa. Como un tema, [el desnudo] es muy instructivo y exige una cierta claridad de pensamiento".

En esta fotografía podemos observar un viñeteado (ángulos de la imagen oscuros) característicos de las cámaras pin-hole o cámaras oscuras y es que Richard Learoyd no utiliza película fotográfica, sino que realiza sus fotografías utilizando el medio más antiguo de todos, una cámara oscura. Esta fotografía está tomada como un único objeto de gran formato.

Learoyd utiliza un estudio especialmente modificado para tomar estas fotografías de gran tamaño y ayudándose de luces estroboscópicas (fuente luminosa que emite una serie de destellos muy breves en rápida sucesión), los modelos participan en estas sesiones que duran de media ocho horas.

Esta imagen está producido, pues, como un directo positivo mediante un pliego de papel Ilfochrome de gran tamaño, de ahí que la imagen única en su existencia, como se especifica en los títulos que la acompañan.

Las imágenes tomadas mediante esta técnica no disponen de edición ni de segunda oportunidad, si al cabo de las ocho horas y después del revelado, no se obtienen los resultados esperados, se destruye. Aquí no hay posibilidad de photoshop.

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La fotografía, realizada a gran escala (1,20 x 1,80 m) es de una calidad fotográfica y de una nitidez asombrosa, a diferencia de las fotografías realizadas con las primeras estenopeicas.

La imagen consta de una tonalidad cromática fría que se contrapone a la calidez del cuerpo humano, la composición es sencilla con un fondo neutro en el que destaca el objeto principal de la fotografía y que no distrae al observador o vouyaer. El realismo, al igual que los desnudos renacentistas, es fascinante y la cama situada en una estructura nos recuerda a cualquier pedestal en el cual reposan las grandes y solemnes esculturas clásicas y que dota de esta a la propia composición e imagen.

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CUENTO DE NAVIDAD - PAUL AUSTER Por Beatriz Cabalgante Cabalgante

Hoy he hablado con él, de ahí mi ausencia en clase. Estoy especialmente sensible, sobretodo hoy después de hablar con él. Es una mala época me digo, otro día sin subir a clase, mañana subiré y así ya van tres semanas sin apenas aparecer.

Último año de carrera y estoy a punto de echarlo todo a perder. Paso los fines de semana fuera de casa, entrego los trabajos a destiempo y estoy triste, muy triste. Me deprimo con facilidad. El psiquiatra hace dos años me dijo, que con mi cuadro depresivo siempre debía de estar alerta y hacer un esfuerzo por estar bien. Pero hacer un esfuerzo por estar bien todos los días cuando estás mal cansa y es agotador.

Los análisis de sangre siguen indicando que mis niveles de serotonina son bajos, mientras los niveles de adrenalina siguen por las nubes, creo que eso me mantiene viva y en movimiento. A parte está ésta enfermedad, tampoco la llevo bien.

Nunca me gustaron las Navidades, para mí siempre han sido una época de cinismo y falsedad. Las navidades pasadas fueron especialmente malas. Pasé todas las navidades con una niebla gris pegada a mí. Más gris que de costumbre que en navidades anteriores. Pasé los cuatro días de navidad sin ver ni hablar con mi pareja, algo en mí me decía que lo dejara tranquilo y no lo llamara. y así fue.

Ventiséis de diciembre de 2012, Sant Esteve, como todos los años voy a comer a casa de mi padres. Al llegar a casa mi madre me suelta un ¿tú qué haces aquí?

Es Sant Esteve - le digo.

Pues no hay comida, tú hermana no venía a comer y no hay nada echo - contesta. Bueno hasta aquí bien. No me sorprende. Nada fuera de lo habitual, siempre he sido la oveja negra de la familia. No me afecta en exceso o al menos no soy consciente de ello.

Estoy contenta porque dos horas más tarde, mi pareja tenía que venir a casa. Que ganas tengo de verle. He llenado la nevera de comida, he comprado cervezas y la niebla gris empieza a disipar. Llaman a la puerta y corro abrir, es él: Bea, estos cuatro días han sido una locura y me he dado cuenta que quiero morir sólo y drogarme hasta reventar, así que aquí termina nuestro camino juntos - me dice.

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Se me quiebra la voz, rompo a llorar, me encierro en el baño y le pido que se marche. Las próximas navidades las pasaré en Marruecos.

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APROPIACIÓN

A partir de los años 60 se introduce el concepto de la publicidad masiva y el acceso a la cultura de forma masiva con un espectador difuso y amplio. En este contexto aparece la apropiación que consiste en la producción de una obra que hace referencia a otra obra y surge debido a que hay un nuevo espectador.

Pulp Simpson Apropiación irónica que hace referencia al cartel de la película Pulp Fiction dirigida por Quentin Tarantino en 1994 y protagonizada por Uma Thurman, John Travolta, Bruce Willis y Samuel L. Jackson.

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Cartel Original

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SHOW AND TELL

“Juan Cabalgante Gómez nace en Higuera de Vargas (Badajoz), donde aún conserva el apellido, pero donde no hay rastro de la actividad fotográfica de él, que se limita casi a Olivenza.

Realiza, además de retratos, una muy interesante serie de fotografías de acontecimientos que van a marcar la vida social de Olivenza: la proclamación de la República, actos de la vida: procesiones y manifestaciones, y una colección de tarjetas postales muy bien impresas de vistas de Olivenza cuando aún mantenía en todo su esplendor la muralla que abrazaba la ciudad.

No queda archivo de él y despareció de la ciudad casi sin dejar rastro alguno.”

Juan Cabalgante Gómez, resultó ser mi bisabuelo del cual heredé mi pasión y talento por la fotografia. De esto me enteré ara un par de años, mientras recorría tierras extremeñas fotografiando museos y casas de cultura para la diputación de Badajoz.

Al Director del museo de Olivenza no le pasó desapercibido mi apellido, cuando me presenté allí cámara en mano dispuesta a inmortalizar el museo. Él estaba llevando a cabo un archivo fotográfico sobre Olivenza y se presentó ante mí buscando información sobre la biografía de mi bisabuelo (el cual yo desconocía hasta ese momento) entre muchos otros, pues estaban preparando la edición de un libro.

A raíz de este encuentro empecé a indagar en la historia familiar y mi bisabuelo resultó ser un putero que abandonó a su mujer y a sus hijas para irse a Brasil. Terminó volviendo a Extremadura una vez arruinado y pasó sus últimos días en Usagre escondido en el pajar de la casa de la mujer, mientras seguía viendo a prostitutas y sus hijas cuidaban de él.

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Aunque ésta cámara antigua perteneció a mi abuelo y no a mi bisabuelo y llegó a mis manos a través de mi padre, la conservo con mucho cariño y puedo decir con diferencia que es el objeto más preciado que tengo en casa debido a su historia. Pues aunque hay muchos objetos en mi casa que tienen un gran significado y han sido muy importantes para mí, he dejado de darles importancia pues pertenecen al pasado.

Lo especial de la cámara, a parte de su historia, es que mi padre la transformó en una ampliadora de blanco y negro y la utilizó muchos años como tal y así he querido conservarla.

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FOTOGRAFÍA Y ACUARELAS

Práctica de pintar con acuarela y colores pastel fotografías propias de blanco y negro, al estilo Ouka Leele.

Retratos

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Colores al Pastel

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Paisajes

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LA TÉCNICA DEL COLLAGE

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término viene del francés coller. Un collage se puede componer de diferentes materiales: fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos...

Se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su Naturaleza muerta con silla de rejilla, aunque está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque.

Collage