revista d&cg *2

D&CGREV

ISTA

DISEÑO & COMUNICACIÓN GRÁFICAAÑO II NÚMERO 2 VOLUMEN I DICIEMBRE 2009 PVP $ 10.000

LABORATORIO DE PRODUCCIÓN GRÁFICAenrique hernandez & mayerly albino

uniandes - javeriana - tadeo - taller5 - poligran

DIRECCIÓN GENERAL

LABORATORIO DE PRODUCCIÓN GRÁFICA DIRECTOR

DISEÑO Y PUBLICACIONES

COLABORARON EN ESTE NÙMERO

EQUIPO DE COMPILACIÓNLAB. JAVERIANA S.23

PRACTICANTES

LAB. PRODUCCIÒN GRÀFICACAMPO / PUBLICIDAD

DISEÑO DE MEDIOS EDITORIALESGRUPO 05

SERIGRAFÌAGRÀFICA CONTEMPORÀNEA

TALLER II TRIDIMENSIONAL

TEORIA COLOR

ENRIQUE HERNÁNDEZ [email protected]

ENRIQUE HERNÁNDEZ [email protected]

MAYERLY ANDREA ALBINO [email protected]

[email protected] CINCOCentro de Dis

Noel GonzálezJuan Pablo Carlos Felipe Leguizamón Vásquez. Daniela EspinosaHenry Cruz

Diego Riaño

HAYDEE ORJUELA [email protected]

UNIVERSIDAD [email protected]. JORGE TADEO [email protected]. DE LOS [email protected]@poligran.edu.coTALLER CINCO [email protected]

LABORATORIO DE PRODUCCION GRÀFICA GRAPHIGRUPO

TELFAX 2838750 CEL. 3124271489 CRA. 4 Nº 23-59 TA - 1004 A.A. 34010

BOGOTÀ, COLOMBIA

conMONUMETRIA

proyecto Monumetria, realizado en la Pinacoteca del Estado de

São Paulo

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DEL ECODISEÑO AL DIEÑO CON ECOSolo uno en 10.000 productos se diseña teniendo presente el

medio ambiente

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9 FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGENEste Festival se realiza desde el año 1997 y es considerado un evento de

relevancia internacional

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STREET ART MÁS QUE SOLO GRAFFITISuele decirse que el graffiti es el mismo street art. Por parte esta afirmación es correcta ya que el graffiti hace parte del street art, junto

con los stickers, engrudos

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LA GUERRILA EN EL DISEÑO DE PIEZAS Las piezas publicitarias que se veían a

principio de los 50´s distan mucho de ser las mismas piezas que vemos en nuestra

actualidad.

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FIGURAS DE VINILO-JUGUETERIAFusionando las tendencias urbanas de

la calle con la moda y el pop art para producir ediciones limitadas de juguetes

coleccionables,

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EL DISEÑO EN TIEMPOS DE CRISISUguercilla feu facilis acipsum

dolor ipisit, cons ea ad erit num ercil dolorperci tat ad etum

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D&CGREVI

STA




Es para mi, motivo de especial satis-facción, presentar este primer ejem-plar impreso de la revista D&CG,

producto del trabajo en equipo desde la academia y con el fin de convertirse en material de apoyo para los estudiantes de arte, diseño y comunicación visual. La preparación y copilación del material aquí ofrecido, así como el diseño y diagra-mación de cada una de las pàginas, es el reflejo de un compromiso asumido con la responsabilidad y entrega que le co-locan los estudiantes a un proyecto, que dista muchísimo de ser una tarea en el triste sentido estricto de la palabra, y que por el contrario, se convierte para cada quien, en un proyecto real y una manera de asumir posiciones frente a los conte-nidos, el concepto gráfico, la planeación pre-producciòn y producción y por ende en la búsqueda de sus propias y particula-res soluciones a problemas puntuales que puedan presentarse durante las diferentes fases de compilación, diseño y planea-ción del material para ser impreso.Jugar por así decirlo, a representar varios roles dentro de un proceso editorial, signi-fica tomar conciencia de las múltiples si-tuaciones con las que el diseñador gráfico se va a encontrar en el ejercicio de su vida profesional, y aunque no necesariamente deba hacer parte de cada uno de los mo-mentos del proceso, si, estará en condi-ciones de ofrecer sus aportes en beneficio de las producciones en las que se pueda involucrar.A través de los años, he propuesto a mis estudiantes la realización de diferentes proyectos, que aunque por momentos ra-yen en la utopía -tal vez por el hecho de no contar con recursos para su ejecución-, se acercan totalmente a resultados que obedecen a la visualización, maquetación y producción de impresos, que sin ser edi-ción, puede mostrar aciertos y errores que en la medida que se presenten mas que convertirse en hechos deplorables, servi-rán de experiencia de laboratorio donde se pueden dilucidar corregir y solucionar en aras de que en un futuro asuma con pro-piedad y criterio su profesión.Realizar el boletín inter-universitario de Diseño & Comunicación Gráfica, la revis-ta D&CG, el periòdico SUR, el material de promoción y lanzamiento de las publi-caciones, así como las piezas de identidad y el diseño y desarrollo de empaques, hacen que junto con la producción de los cuadernillos de compilaciones temáticas sirva para que el futuro diseñador aplique los conocimientos adquiridos no solo en el transcurso de este taller, sino que debe administrar lo aprendido durante su per-manencia en la universidad que lo forma y estructura. Pertenecer a un centro de educación o a otro, no debería significar diferencia al-guna para el educando, en la medida en que hoy por hoy no puede, en razón a la globalización y la ruptura de fronteras a nivel orbital generarse un “estilo” apli-cable a cualquier tipo de publicación, en-tendiendo que cada problema requiere de una solución acorde con las necesidades, bondades y limitaciones del mismo, y no a formulaciones cuadriculadas y ortodoxas inculcadas por imitación literal de lo he-cho con anterioridad, en momentos y épo-

cas en las cuales los paradigmas tuvieron y tienen al hacer una mirada retrospec-tiva total validez, o por la satisfacción y alimentación de falsos egos en los que los estudiantes deben dar a la respuesta acuñada a propuestas especificas, pero que al colocar las soluciones de diseño en el siglo XXI hace necesario una capa-citación que le permita al diseñador dar respuestas que puedan ser “degustadas” por cualquier tipo de público sin ningún tipo de distingo idiomático, social, cul-tural, étnico o económico. Si agregamos además el hecho de lle-var a cabo las exposiciones en diferentes contenido museos, centros de educación superior

y espacios que tienen en común el len-guaje del diseño visual y las artes, en las que en las realizaciones de este grupo de estudiantes no se establecen diferencias por el hecho de pertenecer a una u otra universidad o programa académico, si se coteja la calidad de los protagonistas y sus propuestas y los colocan en un si-tial de altísima competitividad desde el que van a aportarle a la sociedad que los espera con la profesión que asumieron dar norte a su proyecto de vida. enrique hernández r.

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El proyecto Monumetria, realizado en la Pinacoteca del Estado de São Paulo del 7 de marzo a 31 de mayo del 2009, se estructura a partir de una serie de intervenciones artísticas por DELENGUAAMANO y la publicación de un libro que es asumido como lu-gar de obra. El monumento a Ramos de Azevedo fue concebido por el artis-ta Galileo Emendabili para ser ergui-do en las inmediaciones del Liceo de Artes y Oficios de São Paulo (hoy en día la Pinacoteca de Estado). El mo-numento conmemora la figura del ar-quitecto, urbanista y profesor Ramos de Azevedo y sus innumerables tra-bajos en la ciudad de São Paulo, los cuales son símbolo del progreso en la ciudad. Inaugurado el 25 de Enero de 1934 y ubicado en frente del Liceo de Artes y Oficios, se mantuvo hasta el 25 de noviembre de 1967 cuando se dio inicio a trabajos de desmonta-je. El monumento fue desmembrado y abandonado en un depósito aleda-ño del Liceo por 6 años y luego tras-ladado al campus de la Universidad de São Paulo en donde se encuentra ubicado actualmente. Esto ocurrió después de discusiones publicas co-menzadas en la década de 50 en las cuales el monumento fue declarado como un estorbo. Las dos justifica-ciones principales fueron la descon-gestión del tráfico vehicular entre el

centro y la zona norte de la ciudad y la construcción de la línea de metro SantanaJabaquara, las cuales pasan por la antigua locación del monumento. La propuesta principal del proyecto es la reacti-vación o repotencialización del patrimonio histórico y cultural más directamente ligado a la producción artística, sus desdoblamientosen la producción de memoria, o sea, los espacios creados para su circulación y archivo. Reactivar, a través de la re-lectura del monu-mento a Ramos de Azevedo, documentos y obras relacionadas, vivencias que posibiliten una nueva interacción del patrimonio his-tórico con el público contemporáneo. Estas re-lecturas pretenden constituir nuevas obras, articulando elementos acerca de la espe-cificidad de las obras en relación a sus espacios de origen y de sus nuevos espacios de presentación y circulación. Las intervenciones en la Pinacoteca asumen un carácter parasitario dentro del espacio expositivo tradicional. Se ubican en lugares que generalmente son asumidos en un segundo plano, como por ejemplo una secuencia de moldes utilizados para fines pedagógicos o una puerta automática que da a una terraza externa. La secuencia de moldes servirá como base para un procedimiento de reinvención de las formas del monumento a Ramos de Azevedo, que resultará en una nueva obra plástica. En cuanto a la puerta automática, que es parte de la arquitectura de la Pinacoteca, servirá como pantalla para la proyección de una imagen que se refiere a la antigua ubicación del monumento. A partir de esas intervenciones hay desdoblamientos propuestos para sectores mu-seológicos que ejercen funciones posteriores a la producción del obje-to de arte, como por ejemplo el sector educativo, el sector de archivo, el lugar de comercialización de productos culturales, etc. El proyecto propone una red de colaboración con esos sectores para que partici-pen de la construcción de la obra. Comunicado de prensa Pinacoteca

DELENGUAAMANOGilberto Mariotti, Néstor Gutiérrez y Santiago Reyes.

Delenguaamano surgió de discusiones sobre cuestiones y temas relativos al arte, de común interés de tres artistas: Gilberto Mariotti, Néstor Gutiérrezy Santiago Reyes. Cuestiones ligadas a espacios de memoria, archivo y circulación de la obra de arte. El grupo pretende entender los espacios institucionalesa partir de estas problemáticas y proponer intervenciones públicasque puedan generar cuestionamientos acerca de las funciones de estosespacios y su relación con otros aparatos no declaradamente culturales. Tales intervenciones son obras que no se limitan al espacio pre-reservado a la obra por el funcionamiento institucio-nal. Proponen posicionamientos y relaciones poco usuales en el sentido que, para su factura, dependen de la colaboración de los sectores responsables de las funciones institucionales relativas al archivo, reproducción, manutención, educación, administra-ción y así por delante. También en relación al espacio expositi-vo, se colocan como mecanismos de inserción que actúan apar-te del foco previamente reservado y delimitado para las obras.

Francisco de Paula Ramos de Azevedo (São Paulo, SP, 1851 – Guarujá, SP, 1928) puede ser considerado el ingeniero-arquitecto que construyo, junto a sus colaboradores, los prin-cipales edificios públicos de carácter monu-mental del centro de la ciudad de São Paulo a finales del siglo XIX y las dos primeras déca-das del siglo XX. Su nombre estuvo asociado a una serie de cargos públicos, órganos de clase alta, de gran prestigio para un hombre en esa posición. De esta manera, se involucro a iniciativas de las más diversas instancias pa-ra la realización de las obras, al mismo tiempo en que mantuvo fuertes relaciones con figuras dominantes en la política y en la economía. También desenvolvió importantes actividades en otros sectores, como la educación, notoria-mente en la reorganización y dirección del Li-ceo de Artes y Oficios wde São Paulo(a partir de 1895) y la participación en la fundación de la Escola Politécnica de São Paulo, en 1894.Fue también un de los principales agentes responsables por la abertura de la Pinacoteca de Estado de São Paulo, en una de las salas del Liceu de Arte e Ofícios, en el año de 1905. Así, Ramos de Azevedo fue visto por muchos como un hombre de su tiempo, símbolo del emprendedor de la Primera Republica (1889-

Teniendo el proyector de diapositivas como punto de vista, una imagen es proyectada en la puerta automática de acceso al Belveder, cuando esta se encuentra cerrada: la vista de el Monumento a Ramos de Azevedo como cuando ocupaba el centro de la Avenida Tiradentes. El formato de la imagen obliga a el espectador a una aproximación, que activa el censor de la puerta automática, ofreciendo la vista actual de el lugar para el cual el monumento fue proyectado y donde estuvo por años.w

.1930), encarnación de la pujanza y del progreso de São Paulo, con papel dominantemente civilizador y que tuvo como un de los principales objetivos transformar la cara de la ciudad.

Por causa del inmenso prestigio conquistador en vida, su muerte genero una serie de eventos, entre los cuales la abertura de un concurso para la construcción de un monumentos como homenaje póstumo. –práctica común en las primeras décadas de el siglo XX–, buscando fijar en la piedra y en el metal la memoria que celebra ese importante personaje, rectificando y perpetuando la imagen del homenajeado. Participaron de el con curso 22 artistas brasilero o extranjero residentes en el país, los cuales presentaron 18 proyectos. Para la selección las maquetas fueron exhibidas en el segundo piso de este edificio, en 1929, en la época sede del Liceo de Artes y Oficios e de la Pinacoteca de Estado de São Paulo.

El concurso, financiado por subscripción pública, fue una iniciativa de los admiradores, amigos, funcionarios y colegas de Ramos de Azevedo. El lugar escogido para la implantación del ;onumentos fue el terreno frente al Liceo de Artes y Oficios, próximo

a la Escuela Politécnica, en área entonces denominada plaza Ramos de Azevedo. Gano el concurso el escultor italiano, radicado en São Paulo, Galileo Emendabili (Ancona, Italia, 1898–São Paulo, SP, 1974). La obra fue concebida como una Alegoria a las Artes: las figuras esculpidas representan personajes identificables por los objetos que cargan, buscando traducir com estos ideas abstractas. Representa Ramos de Azevedo –posicionado en la parte frontal de la base de granito, circundado por figuras aleg ricas representativas de Arquitectura, Ingeniería, Pintura y Escultura y por un grupo de constructores que figuran como el Trabajo. En la parte superior, rematando el conjunto, un caballo alado sobre el cual está montado un genio con la mano extendida e, sobre esa mano, una bola (símbolo de la fuerza universal) y una Victoria de Samotrácia (símbolo de la creación)– este grupo representa el Progreso.

Tal obra pretendia abarcar, como la reunión de esos elementos, las cualidades que consti-tuían las singularidades de Ramos de Azevedo y de la ciudad de São Paulo en el contexto nacional. Construido a lo largo de cinco años, el Monumento fue inaugurado el 25 de ene-ro de 1934, como la cara principal apuntando para la calle São Caetano. Tal implantación posibilitaba una estrecha relación simbólica entre el complejo escultórico y algunos de los lugares en que más actúo Ramos de Azevedo. Proyectado para ese lugar, el monu-mento llevaba en consideración la escala de los edificios y las características del entorno.Las esculturas públicas erguidas como celebración pierden su importancia a lo largo del siglo XX. En el comienzo de la década de 1950, surgen las primeras críticas a la localización del Monumento, sobretodo por causa de la necesidad de ampliación de las vías, con el aumen-to del flujo de vehículos. Se estructura entonces un desmontaje parcial y la distribución de partes del conjunto para diversos espacios públicos, quedando en la avenidaza Tiradentes apenas la figura emblemática de Ramos de Azevedo. A partir de 1961, una vez más se discute la transferencia del conjunto, ahora teniendo en cuenta el descongestionamiento del tránsi-to en dirección a la Zona Norte de la ciudad. Es propuesto, entonces, su transferencia para la plaza Fernando Prestes, en frente a las antiguas instalaciones de la escuela Politécnica.

Después de seis años, durante la administración del alcalde Faria Lima y con el inicio de la construcción de la línea de metro norte-sur, comienza efectivamente el trabajo de desmonte, se propone el remontage del Monumento dentro del Jardín de Luz. Concluido el desmontaje, entretanto, la alcaldía afirma no tener fondos pora la reconstrucción; el Monumento pasa algunos años en pedazos, en un rincón dentro del propio Jardín, sujeto a las más variadas situaciones de vandalismo. Después de discusiones en la prensa en los comienzos de la década de 1970, se propone la transferencia para la Ciudad Universitaria Armando de Salles Oliveira – en el área entre la Escuela Politécnica, el Instituto Electrónico y el Instituto de Investigaciones Tecnológicas.

La convocatoria pública para el remontaje es abierta en marzo de 1972 y Galileo Emendabili es contratado para supervisar la parte artística del trabajo, pero el escultor muere antes de su finalización. En diciembre de 1975 el Monumento es reinaguradado y la plaza que lo acoge recibe el nombre, del arquitecto-ingeniero, como había ocurrido en su primera inauguración.

Después de 75 años, la presentación de la relectura del Monumento presentada por el grupo DELENGUAAMANO en diferentes espacios de la Pinacoteca –en el primer y segundo piso– y en diferentes soportes y medios pretende de alguna manera instigar, aun de manera puntual, las relaciones entre museo y entorno, monumento e desplazamiento, memoria e olvido, visibilidad e invisibilidad, sin dejar de llevar en consideración que todas esas acciones son editables y susceptibles de nuevas interpretaciones.

Núcleo de Pesquisa em Crítica e História da Arte

Pinacoteca do Estado de São Paulo

El proyecto Monumetria, realizado en la Pinacoteca del Estado de São Pau-lo del 7 de marzo a 31 de mayo del 2009, se estructura a partir de una serie de intervenciones artísticas por DELENGUAAMANO y la publicación de un libro que es asumido como lugar de obra. El monumento a Ramos de Aze-vedo fue concebido por el artista Galileo Emendabili para ser erguido en las inmediaciones del Liceo de Artes y Oficios de São Paulo (hoy en día la Pinacoteca de Estado). El monumento conmemora la figura del arquitecto, urbanista y profesor Ramos de Azevedo y sus innumerables trabajos en la ciudad de São Paulo, los cuales son símbolo del progreso en la ciudad. Inaugurado el 25 de Enero de 1934 y ubicado en frente del Liceo de Artes y Oficios, se mantuvo hasta el 25 de noviembre de 1967 cuando se dio inicio a trabajos de desmontaje. El monumento fue desmembrado y aban-donado en un depósito aledaño del Liceo por 6 años y luego trasladado al campus de la Universidad de São Paulo en donde se encuentra ubicado actualmente. Esto ocurrió después de discusiones publicas comenzadas en la década de 50 en las cuales el monumento fue declarado como un estorbo. Las dos justificaciones principales fueron la descongestión del trá-fico vehicular entre el centro y la zona norte de la ciudad y la construcción de la línea de metro Santana-Jabaquara, las cuales pasan por la antigua locación del monumento. La propuesta principal del proyecto es la reacti-vación o repotencialización del patrimonio histórico y cultural más directa-mente ligado a la producción artística, sus desdoblamientos en la produc-ción de memoria, o sea, los espacios creados para su circulación y archivo.

Todo monumento tiene un frente y con ese frente un para dónde vamos y con ese vamos un todos que no es singular sino plural. En suma, una primera persona del plural que se caracteriza por un futuro tan compartido como cierto. El monumento a Ramos de Azevedo erigido en 1934 frente a la Pinacoteca de São Paulo fue un claro ejemplo de esto. De dimensiones enormes y materiales eternos –granito, bronce–, se trataba de establecer un punto para la ciudad que levantara tanto un pasado, sustentado en columnas dóricas, como su futuro representado a través de la avanzada de un brazo. Sin embargo, el asunto duró poco tiempo: en 1967, debido a la construcción del metro de la ciudad, la obra tuvo que ser desmontada, luego arrumada y luego levantada fuera de su lugar de origen. Monumetría consistente en una obra/intervención dividida en cuatro partes: Perspectiva y proyección: una diapositiva, Mnemocine: un pedazo de museo, Trabajo y reproducción: un tiraje de postales, y Reconstitución: un vaciado en bronce. Cuatro partes que se retroalimentan a través de dos acciones concretas: señalar fragmentos e invertir coordenadas. El trabajo se establece como hilo de la selección hecha sobre el conjunto de objetos exhibidos. Un hilo bastante singular pues es justamente de tema, aquello de lo cual intentó huir buena parte del arte del siglo XX, apenas le dijo adiós al monumento.

Reactivar, a través de la re-lectura del monumento a Ramos de Azevedo, docu-mentos y obras relacionadas, vivencias que posibiliten una nueva interacción del patrimonio histórico con el público contemporáneo. Estas re-lecturas pretenden constituir nuevas obras, articulando elementos acerca de la especificidad de las obras en relación a sus espacios de origen y de sus nuevos espacios de pre-sentación y circulación. Las intervenciones en la Pinacoteca asumen un carácter parasitario dentro del espacio expositivo tradicional. Se ubican en lugares que ge-neralmente son asumidos en un segundo plano, como por ejemplo una secuencia de moldes utilizados para fines pedagógicos o una puerta automática que da a una terraza externa. La secuencia de moldes servirá como base para un procedimiento de reinvención de las formas del monumento a Ramos de Azevedo, que resul-tará en una nueva obra plástica. En cuanto a la puerta automática, que es parte de la arquitectura de la Pinacoteca, servirá como pantalla para la proyección de una imagen que se refiere a la antigua ubicación del monumento. A partir de esas intervenciones hay desdoblamientos propuestos para sectores museológicos que ejercen funciones posteriores a la producción del objeto de arte, como por ejemplo el sector educativo, el sector de archivo, el lugar de comercialización de productos culturales, etc. El proyecto propone una red de colaboración con esos sectores para que participen de la construcción de la obra.

Comunicado de prensa Pinacoteca

A partir de una fragmentos del monumentos es producida una secuencia de moldes, los mismos que le habrían dado origin. No obstante, este frag-mento contiene pedazos heterogéneos, difusamente ligados al monumen-to (la mano con el martillo, el brazo, el hombro, parte de las costillas y un pecho de la ‘Alegoría a la Escultura’). La secuencia es presentada en el es-pacio de escultura francesa del siglo XIX de la Pinacoteca, substituyendo los moldes y textos didácticos usados para explicar paso a paso el proce-so de reproducción de ese tipo de esculturas. El texto didáctico es subs-tituido por un fragmento del texo ‘Sobre las parabolas’ de Kafka, que frag-mentado, se dirige a cada una de la etapas del proceso de reproducción.

La publicación no se propone ser el registro que representaría Monumetria, como memoria póstuma. Antes se asume como lugar de obra. No siendo suficiente como forma de transmi-sión y reminiscencia de le proyecto, debe ser su desdoblamientos en la instancia gráfica, con la especificidad de sus posibilidades mate-riales y expresivas. Reitera, en este otro monu-mento del proyecto(la publicación), la postura que abdica de una supuesta transparencia de el registro y entender su lenguaje como campo transformador, dando continuidad a la reflexión acerca de la producción de memora y sus me-dios, no limitado a el tiempo y espacio de las intervenciones en la Pinacoteca. Publicación

Papá, todo está conectado», fue la sabia respuesta de mi hijo César, de siete años, para explicarme su lógica de que sentado en un bote, donde paseábamos, él sentía que estaba en contacto con las piedras de la orilla. Su frase me quedó dando vueltas durante los siguientes días, hasta el momento de redactar estos comentarios a propósito de la primera conferencia en Lima sobre el «Eco diseño» y su implicancia en el mundo actual.En el momento en que estoy escribiendo, se están colocando en el mer-cado miles de «nuevos» productos para su consumo, cabe la pregunta: ¿son necesarios? La respuesta, a la luz de documentales imprescindi-bles como «The Story of Stuff», es más que obvia: definitivamente ¡NO!El documental explica cómo se nos engaña una y otra vez con un mode-lo de consumo imparable y nefasto. Entonces cabe otra pregunta: ¿por qué seguimos participando de un juego en el que siempre terminan ganando las mismas empresas? Dejamos de reconocer quien sale per-diendo (nuestro planeta) y, como no vivimos en la luna, también perde-mos nosotros al final del ciclo?En los círculos de profesionales se suele elogiar el trabajo de tales o cuales diseñadores, de la historia del diseño o contemporáneos. En más de una ocasión me ha quedado una sana envidia analizando el éxito de esos productos en el mercado o de las formas tecnológicamen-te inmaculadas que se producen, rara vez se suele analizar el precio ambiental o mochila ecológica que esos productos cargan y que están pagando, o el planeta, o los países en desarrollo.Ecodiseño: diseñar productos tomando en cuenta los aspectos so-cioeconómicos, planificando todas las fases del ciclo de vida del pro-ducto, desde su concepción hasta su reciclado.Responsabilidad del diseñador industrialLa profesión del diseñador industrial fue y sigue siendo crucial en el

Del ecodiseno al diseno con eco

La oportunidad y responsabilidad del diseñador para revertir el impacto del mundo objetual en beneficio del natural.

Solo uno en 10.000 productos se diseña teniendo presente el medio ambiente

Noel González

Del ecodiseno al diseno con eco

juego. Es importante en doble sentido. En mi opinión es imprescindible para mantener la vieja y parcelaria economía clásica diaria, de Adam Smith, y a la vez está llamada a asumir los «viejos» y nuevos retos de la economía ecológica. Digo viejos porque son conceptos que vienen de profesionales que ya en el siglo VXIII planteaban los precedentes de la economía ecológica, creando en esa época la fisiocracia, que significaba gobierno de la naturaleza, entendien-do a «la economía como un espejo de las relaciones naturales».El diseñador industrial frente al cambio climático tiene la responsabilidad de reorientar su práctica profesional fuera de los viejos paradigmas económicos. Posee la capacidad creativa de proponer soluciones a los problemas y nece-sidades del hombre y la naturaleza, como vaticinaba Victor Papanek2 hace treinta y ocho años. Tiene la oportunidad de enmendar la irresponsable crea-ción y profusión de objetos basura sobre el planeta, desarrollando proyectos para empresas que respeten a las personas y a la fuente de sus recursos. El diseñador industrial tiene capacidad de decisión (en muchos casos) sobre lo que se puede colocar en un producto, sobre qué materiales y acabados son necesarios y saludables para con el usuario final y el entorno ambiental.Siempre repito a mis alumnos que diseñar es tomar decisiones. Nada más cierto, pero decidir negociando con las personas que requieren nuestros ser-vicios. El diseñador puede pasar de «trabajar para» a «trabajar por»; la diferencia la hace su conciencia y actitud frente a los grandes proble-mas medioambientales.El diseño en general es co-responsable con el gobierno y las institucio-nes del estado de convertir nuestro espacio vital, las ciudades y los espacios rurales, en centros comerciales de millones de clientes depredadores y bene-volentes con todas las «novedades» del mercado, donde la empresa privada pone su marca sin reparos ni censuras, y donde no se rinde cuenta por la «muy bien diseñado». El diseñador industrial debería tener la

naturaleza química, toxica o no, de los productos que se consumen. En pocas palabras, pagamos para envenenarnos dentro de un show publicitario

¿Cómo deberían ser los productos desarrollados por los nuevos diseñadores industriales?

FORO ALFAWWW.FOROALFA.COM

Apuntamos primeramente al carácter de productos sostenibles, para lo cual las reglas de desarrollo sostenible prestan argumentos al diseño. «Los límites de los recursos naturales sugieren tres reglas básicas en relación con los ritmos de desa-rrollo sostenible:

Ningún recurso renovable deberá utilizarse a un ritmo superior al de su generación.

Ningún contaminante deberá producirse a un ritmo superior al que pueda ser reciclado, neutralizado o absorbido por el medio am-biente.

Ningún recurso no renovable deberá aprovecharse a mayor veloci-dad de la necesaria para sustituirlo por un recurso renovable utili-zado de manera sostenible».

La solución «circuito cerrado»

1. Colaborar en la implementación de un certificado de ecodiseño, eco productos, eco etc., como está sucediendo por política en todos los países europeos, avalado por la especialidad de Diseño Industrial PUCP.

2. Desarrollar un directorio de empresas que implementen buenas prác-ticas en la creación de productos sostenibles. Lo cual sería un magnifico argumento de ventas y exportación.

3. Desarrollar una base de datos con empresas proveedoras de materiales innovadores y amigables para el diseño de productos, con el objetivo de estimular consciente y comercialmente su uso.

4. Promover y colaborar con proyectos de investigación de nuevos materia-les sostenibles vinculándolos con aplicaciones en productos.

En la medida en que la información fluya, el público podrá tener mayor con ciencia de la calidad de los productos que compra. Esto cambiará también la actitud de las empresas frente a sus mercados, teniendo que mejorar su producción en el corto plazo, como ha ocurrido con la lista Roja y Verde (Greenpeace)4 de empresas y productos transgénicos, por ejemplo.

Estas soluciones e iniciativas necesitan una política urgente de apoyo del gobierno, instituciones y de la opinión pública, para que se conviertan en realidad, como ya sucede en algunos países latinoamericanos como Brasil, Argentina y Colombia, permitiendo que el diseño sea un actor en los cam-bios sociales que demanda el nuevo «clima de cambios»

En consecuencia lo productos deberán ser:

SEGUROS Teniendo en cuenta que las emisiones hacia el aire, agua y tierra son alimento para otros siste-mas.

SOCIALESQue sea amigable, respetando los derechos humanos básicos y a la naturaleza.

CÍCLICOSLos materiales serán orgánicos y degradables y formaran parte nuevamen-te del ciclo de producción.

EFICIENTESQue su fabricación requie-ra menos energía, mate-riales y agua.Solares: que la energía necesaria para su fabrica-ción y funcionamiento sea renovable, cíclica y segura.

Como todo diseñador debemos encontrar soluciones a estos problemas desde nuestra profesión, donde podamos materializar realmente la ca-lidad de vida que etiquetamos en nuestro concepto de diseño industrial. Se me ocurren varias propuestas:

enrique

obra gráfica seriadawww.lab-producciongrafica.es.tl

[email protected]

hernàndez r

LAND ARTEl Land Art es un movimiento artístico nacido a finales de los años setenta con el firme pro-pósito de tomar como marco de referencia del quehacer artístico todo espacio natural olvidado por el hombre, el lienzo es remplaza-do por el paisaje y los materiales son provis-tas por los elementos más comunes (madera, rocas, arena, semillas).

Esta expresión también conocida como “Arte de la construcción del paisaje” busca produ-cir emociones en el público, creando una in-teractividad de vivencia respecto a la obra.

El principio fundamental del Land Art es alte-rar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambien-te y el mundo, por medio de nuevos canales imprimiendo un lenguaje arquitectónico re-definiendo los materiales y significados de lo cotidiano.

Como propio del arte contemporáneo el arte terrestre le otorga libertad de creación al ar-tista, en tanto que se manifiesta la subjeti-vidad de lo plasmado. Los Artistas del Land Art intervienen la naturaleza para resaltarla, para crear simbolismos que representan lo que pasa en el mundo y para mostrarle al ser humano que la naturaleza merece ser con-templada.

Las formas utilizadas a pesar de su conven-cionalismo y su mínimo de expresión (Línea, Círculo, Espiral, Cruz, Zig Zag) ponen en evi-dencia el misticismo entorno a una reflexión del hombre y aquello que lo rodea, expresan-do al mismo tiempo el dolor, debido al dete-rioro climático del ambiente que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del hom-bre-artista con el medio ambiente.

El arte contemporáneo, a través del Land Art, penetra en esta antigua preocupación huma-na. Dejando de lado la pasividad del museo y descontextualizando la obra artística de un valor material y de mercado, las preocupacio-nes yacen en el verdadero significado expre-sivo del arte, como revolución estética.

Los distintos exponentes del Land Art ma-nifiestan de maneras singulares no solo su pensamiento sino la forma en que este debe estar configurado físicamente; existen dos

REDEFINIENDO ESPACIOS

REDEFINIENDO ESPACIOS

vertientes de elaboración de Land Art, aquella que utiliza únicamente elementos naturaleza para enmarcarse geométricamente y otra que por medio de elementos industriales logra re-saltar y contrastar con el ambiente.

Es de esa manera que Nils Udo y Christo son dos de los principales exponentes de cada una de estas ramas del Land Art, por su parte el primero hace toda clase de estructuras de signi-ficación gracias a elementos tales como madera, hojas. Mientras el segundo logra fomentar una retrospectiva sobre la modernidad, potenciando su significado gracias a embalajes y puestas en escena con materiales sintéticos e industriales (Telas).La creación artística con-temporánea ha encontrado espacios de representación fuera de la convencionalidad pasiva del museo, el espacio cerrado, para trasladar la puesta en escena en el espacio más común y cotidiano; donde el ser humano corriente puede no solo apreciarla sino al mismo tiempo interactuar con el concepto artístico y aquello que suele sobrevalorar, el mismo ambiente.

Christo, Artista estadounidense de origen búlgaro es tal vez uno de los representantes de estas tendencias que movilizan la estética de la pasividad a la acción plástica en lugares abiertos y naturales. Con el objetivo claro de llamar la atención de las personas, creando una reflexión entre el hombre ocupado en su faceta mundana y la concepción primaria del huma-no como parte del lugar que recorre.

La obra de Christo se enmarca dentro de la corriente denominada Land-art (arte-Tierra), que tiene como principal característica la utilización del paisaje como soporte o escenario de la obra artística. La modificación del medio ambiente y del comportamiento humano continúa siendo su meta esencial. En Nueva York inició el embalaje de edificios públicos, como el Pac-ked Kunsthalle, además de sus conocidas intervenciones en la naturaleza, entre las que hay que destacar el Wrapped coast, embalaje de la costa de Little Bay, en Australia, así como La cortina del Valle en Colorado (1972).

El complemento entre la puesta en escena natural y el constante flujo del ambiente es lo que logra que Nils Udo, artista Bávaro nacido en 1937 sea un fuerte exponente del Land Art. Su trabajo se enfoca en destacar y crear espacios usando movimientos de agua, barro, ramas y raíces para asi darle visibilidad a una realidad desapercibida.

Nils Udo expresa la magia con la que ciertos escenarios pueden configurarse a sí mismos sin la intervención humana, demostrando esto al encauzar en su estética la relevancia de la evolución y la armonía con la que la tierra se desarrolla.

Sus obras mas importantes como The Nest (1978) y Summer in the Park (1999) contienen una visión utópica, colorida y espiritual de lo natural como fuente expresiva de vida.

Por: Juan Pablo Campos García

GRAPHIGRUPO / TALLER SERIGRÁFICOGRAPHIGRUPO / TALLER SERIGRÁFICO

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1968 - 200941 AÑOS DE GRÀFICA CONTEMPORÁNEA EN COLOMBIA

Es indudable que al hablar de diseño en cualquiera de sus campos uno de los primeros referentes es la estética, es-tilo y fantasía que tiene el diseño italiano. Ya que fue en este país donde el bauhaus alemán de los años 20 tomó fuerza, convirtiéndose en la cuna del diseño moderno. Italia ha marcado pauta a nivel mundial, en primer lu-gar, por la relación que el artista establece con sus obje-tos, un diálogo que se convierte en la filosofía del artista, contribuyendo a una comunicación y expresión de emo-ciones que dan como resultado un éxito absoluto que va más allá del enfoque industrial y comercial del objeto.

quienes a su vez se ubican en espacios diseñados exclusi-vamente para ellos como es el caso de la “Galleria Vittorio Emanuelle”.Pasaje construido en la capital de la moda donde aparte de su imponente arquitectura, es un lugar privilegiado en su ubicación (plaza del Duomo), sitio visitado por cientos de turistas así como uno de los puntos de mayor flujo de gente en la ciudad.

Dicho pasaje es reconocido por las boutiques que allí se ubi-can. Este importante aspecto es uno de los que hace que a Milán se le haya otorgado el título de la capital de la moda a nivel mundial, reuniendo anualmente a amantes de la moda y mostrando al mundo las nuevas tendencias en reconocidos eventos como “El círculo de la Moda”.

PRADA

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EÑO ARMANI GUCCIITALIANO

PRADA

quienes a su vez se ubican en espacios diseñados exclusi-vamente para ellos como es el caso de la “Galleria Vittorio Emanuelle”.Pasaje construido en la capital de la moda donde aparte de su imponente arquitectura, es un lugar privilegiado en su ubicación (plaza del Duomo), sitio visitado por cientos de turistas así como uno de los puntos de mayor flujo de gente en la ciudad.

Dicho pasaje es reconocido por las boutiques que allí se ubi-can. Este importante aspecto es uno de los que hace que a Milán se le haya otorgado el título de la capital de la moda a nivel mundial, reuniendo anualmente a amantes de la moda y mostrando al mundo las nuevas tendencias en reconocidos eventos como “El círculo de la Moda”.

GUCCI

En la creación de mobiliario y nuevas tenden-cias en decoración son unos expertos, marcan-do parámetros nunca antes vistos ideales paraambientar al mejor estilo espacios pequeños o grandes, estos diseñadores ejercen una gran influencia ya que al combinar nuevos trazos en las formas tradicionales, transforman los conceptos y la forma de ser vistos, aun cuan-do tienen que enfrentar el desafío de trabajar en conjunto con la tecnología y la electrónica. Así como hacer que sus diseños sean adapta-bles en la miniaturización de los espacios.

El diseño italiano se ha destacado por una perfecta com-binación entre estilo, creatividad y funcionalidad, por lo tanto, estas características resultan de gran utili-dad para promover las escuelas de formación en dise-ño que cada día cobran más vigencia en este campo y resultan atractivas para los jóvenes de todo el mundo que buscan enfocar su vida profesional hacia el diseño.

Entre las particularidades del diseño italiano está la ca-pacidad de los artistas para reinventar objetos utilizan-do materiales descartados o de los cuales no se espe-raba resultado alguno, esta capacidad de innovación es precisamente la que promueve que en Italia se ubiquen los mejores diseñadores de lujo en moda textil (Ar-mani, Dolce and Gabbana, Prada, Gucci, entre otros)

ITALIANOPRADA

PRADA

DOLCE & GABANA

El Festival Internacional de la Imagen, realizado por el Departamento de Diseño Visual de la Universidad de Caldas, en Manizales - Colombia, es un espacio de encuentro y debate en torno a temas relacionados con el diseño visual, las artes electrónicas, la creación audiovisual digital, el sonido digital y electro- acústico, y en general, las nuevas relaciones entre arte, diseño, ciencia y tecnología.Este Festival se realiza desde el año 1997 y es considerado un evento de relevancia internacional, teniendo en cuenta que es el único en Latinoamérica que propone la generación de un espacio de discusión en los ámbitos mencionados, a través de encuentros presenciales, seminarios científicos especializados, convocatorias nacionales e internacionales, foros de análisis, conciertos, talleres, exposiciones y transmisiones vía Web, entre otros.Este año, el Festival servirá de escenario para la presentación del Doctorado en Diseño y Creación, aprobado por el Ministerio de Educación Nacional (Resolución 10087 de diciembre 11 de 2009), que abrirá su primera cohorte en la Universidad de Caldas en el segundo semestre de 2010.

Del 22 al 26 de abril de 1997 se realizó el Primer Festival Internacional de la Imagen que tenia como objetivo fundamental el análisis del lenguaje del universo visual de la sociedad contemporánea, teniendo en cuenta para ella los múltiples medios visuales contemporáneos, en sus diferentes manifestaciones en las áreas de la Imagen Empresarial, Imagen Digital, Ideografía, Imagen Ambiental y Diseño Editorial.

PRESENTACIÓNCentro cultural y de Convenciones Teatro los Fundadores

El Seminario Internacional es el evento central del Festival Internacional de la Imagen, que presenta diversas miradas en temas de diseño, arte, ciencia y tecnología, a partir de las ponencias de teóricos, investigadores, realizadores y académicos, que son invitados a compartir sus producciones y experiencias.

CONERENCISTAS

Richard BuchananEstados UnidosProfesor Weatherhead School of Management. Case Western Reserve University.

Lanis LevyEstado Unidos / Reino UnidoFotógrafa

Santiago EscobarColombiaArquitecto, Fotógrafo y Artista

El Foro Académico de Diseño, hace parte de la programación del Festival Internacional de la Imagen; con una trayectoria de 12 años de actividad, congrega a diseñadores, artistas, comunicadores, ingenieros y áreas afines, quienes investigan temas relacionados con la innovación y la creación para mejorar las interacciones en la sociedad de la información y la comunicación.El 7º Foro Académico de Diseño tiene entrada libre y se realizará en la Sala Cumanday del Centro Cultural y de Convenciones Teatro Los Fundadores.Las mesas temáticas de trabajo son:1. Diseño, cognición y transmisión del conocimiento2. Teorías del Diseño y la creación, nuevas narrativas estéticas3. Desarrollo de productos interactivos, sistemas información y sostenibilidad

www.festivaldelaimagen.com

El 9 Festival Internacional de la Imagen 2010 cuenta

también con talleres en los que las temáticas van desde embate entre la escenificación de la auto-representación y la temporalidad de la imagen digital, que va por cuaneta del fotógrafo Carlos Fadón Vicente hasta la exploración de la cultura del videojuego que ha tenido una gran influencia en los artistas y que ha dado lugar a una nueva forma de expresión artística denominada game art. El objetivo en este taller es propiciar el debate y el intercambio de experiencias en torno a este tema que va por parte de la artista española Laura Baigorri Ballarin

PAISAJES SONOROS

Conciertos, experimentaciones sonoras y montajes audiovisuales que presentan diversas propuestas alrededor del tema imagen-música-tecnología. Música contemporánea, tendencias experimentales del sonido, tecnología como instrumento, procesos avanzados de composición, la remezcla como arte, el ruido como paisaje sonoro y la postproducción como creación, son algunos de los conceptos que se exploran en los Paisajes Sonoros.

Cine y digitalExperiencias contemporáneas de creación audiovisual latinoamericana y mundial. Videos, formatos interactivos en web, narraciones no lineales y documentales abiertos son algunas de las expresiones que presentará este espacio abierto al audiovisual contemporáneo. EXPOSICIONES

www.festivaldelaimagen.com

STREET ART

mas que solo graffiti

Suele decirse que el graffiti es el mismo street art. Por parte esta afirmación es correcta ya que el graffiti hace

parte del street art, junto con los stickers, engrudos, tags, murales e instalaciones 3d. En la actualidad, al street art

también se le denomina “post-graffiti”, y acá se debe aclarar que las técnicas del graffiti no es que se hayan dejado de

lado con el paso del tiempo, sino que a través de este tiempo se han generado nuevas técnicas de apropiación y expresión

sobre el espacio urbano, además que se debe resaltar que en el street art las apropiaciones de los espacios en su ma-

yoría ya no van ligadas fuertemente con ideologías políticas sino que ahora uno puede encontrar en la calle un sinfín de

propuestas y mensajes que tocan todo tipo de temas.

Dentro del street art se manejan infinidad de similitudes con el ambiente del graffiti como por ejemplo el manejo por parte de los artistas de un nick o alias con el cual se pretende mantener un nivel de clandestinidad con diversos fines, entre los que están evitar las represarias por parte de las leyes de las diversas ciudades que pueden concluir con fuertes sanciones.

El street art es una expresión que poco a poco ha ido tomando aco-gida no solo por artistas netamente callejeros sino también por ar-

tistas de galería que han comenzado a abandonar sus galerías y to-man las calles como un espacio infinito en donde pueden hacer cualquier tipo de proyecto sin tener fronteras, además de poder generar un mayor acercamiento con la gente, dejan de lado los intereses económicos y se preocupan más por

dejar huella con sus obras. Como ejemplo de lo anterior se puede mencionar a “Banksy” quien es uno de los mejores exponentes del street art.

Bansky también nos sirve como ejemplo para mostrar que el street art no se queda

solo en las paredes y espacios planos como lo hacia el graffiti, sino que trata de

utilizar nuevos espacios con el propósito de generar más impacto por lo que busca

el espacio más apropiado para sus intervenciones.

Otro factor importante que ha ido cambiando son los materiales, ya no solo

se habla de latas de aerosol cuando se menciona el street art, los materia-

les también se han vuelto ilimitados, se piensa siempre en el material ideal

para que las piezas cumplan su objetivo de impacto además de lograr ser lo

suficientemente resistentes para soportar los agites de la ciudad.

Otro grupo representativo del street art es el colectivo “Mark Jenkins” quienes utilizan cinta ad-hesiva para elaborar diversas figuras y las dejan en lugares de la ciudad convirtiéndolas en partes del espacio público. Entre sus intervenciones las más re-presentativas son las figuras humanas que ellos mismo visten e instalan en lugares transcurridos generando curiosidad en los ciudadanos que no se aguantan las ganas de echar una ojeada a estos personajes. Otros personajes de cinta representativos del colectivo son cisnes, arañas gigantes, bebes, y has-ta hidrantes que instalan en espacios que no son los habituales para un hidrante como lo son bosques naturales.

A diario aparecen en las calles más y más ideas que se enfrentan tanto a las miradas como a la indiferencia de los habitantes de las ciudades. Algunos proyectos sobreviven y son recordados, otros simplemente quedan en el olvido y con el tiempo desaparecen. Pero lo que es constante es el reto de estos artistas por generar proyectos de impacto, proyectos que atraigan miradas y pensamientos, proyectos que logren aportar algo distinto al monótono paisaje callejero, jugar con el espacio, experimentar con cualquier tipo de material. Tumbar el mito de que todo esta inventado, y proponer con lo ya existente, y en últimas, lograr jugar con nuestra imaginación y con la de todos.

Entre los materiales alternativos se des-

tacan elementos desechados, y mate-

riales de bajo costo con el fin de lograr

producir un gran numero de piezas y así

lograr tomarse más espacios dentro de

la ciudad, se pretende trabajar con ma-

teriales que resistan el mayor tiempo

posible y que sean de un tamaño gene-

ralmente grande buscando lograr mucha

visibilidad por parte de los habitantes de

las grandes ciudades.

Otro gran exponente del street art a nivel mundial es “space invaders”

quien retomó el clásico video juego y plasma a sus personajes en

gran formato en un gran numero de países. Lo interesante de este

proyecto es que las piezas están elaboradas con baldosas y pegadas

con cemento asegurando su permanencia por un tiempo prolongado.

Este artista tiene un website en donde se puede encontrar un

mapa mundial en el cual marca los lugares en donde ha hecho sus

intervenciones. También hay que resaltar los acabados perfectos

en cada una de sus piezas.

Carlos Felipe Leguizamón Vásquez.

Por: Daniela [email protected]

Las piezas publicitarias que se veían a principio de los 50´s distan mucho de ser las mismas piezas que vemos en nuestra actualidad. Mientras que en los principios de la publicidad se recurría a una pieza para dar neta información, hoy en día se buscan diferentes recursos que proporcionen datos pero de maneras distintas a las que comúnmente nos enfrentaríamos.

Aunque para muchos las piezas publicitarias no sean consideradas arte, su proceso de desarrollo involucra diferentes corrientes artísticas y el constante movimiento que en ellas encontramos habla de un tipo de arte que se dedica a vender. A venderse a sí mismo como creativos o a los productos que representan. La sobrevivencia de este tipo de arte depende de la evolución de sus diseños e ideas. En la actualidad el consumidor vive en un mercado de grandes competencias y los productos se ven obligados a recurrir a nuevas estrategias que les permitan entrar en el “top of mind” del consumidor.

El objetivo ser comprado por encima de miles de productos que ofrecen lo mismo que yo. El recurso decir lo mismo que todos pero de una manera que impacte y genere una acción: comprar.

Cuando el arte se entrelaza con las ventas aparecen las piezas publicitarias cuyo eje central es la creatividad. Y estas, como ya se había planteado, recurren a distintas corrientes en diseño y arte.

Uno de estos recursos o corrientes es la publicidad de guerrilla. Este tipo de recurso se basa en los detalles del día a día para cautivar y asombrar evitando grandes costos y generar una reacción inmediata. La sorpresa del “ataque” es crucial para que se de un impacto que el consumidor no se espera en sus rutinas diarias.

PublicitariasLa Guerrilla en el diseño

de piezas

Publicitarias

PublicitariasLa publicidad de guerrilla es también conocida como BTL, un tipo de publicidad que ha encontrado en la cotidianidad de los sujetos una fuente de creatividad en la que cualquier recurso o corriente de diseño tiene cabida mientras cumpla con la única condición: generar impresión.

Por otro lado encontramos la publicidad callejera que ha encontrado en los muros de las calles un lienzo que muchas veces hace de cartel o valla.

El graffiti y su saturación resurgen como una nueva tendencia en el diseño de piezas publicitarias, llegando a los medios masivos y planteando la idea de que guste o no, su misión es impactar y ha cumplido su objetivo.

Con estos nuevos recursos las piezas publicitarias han logrado diversificarse para lograr chocar de manera positiva y vender productos. Estos “nuevos medios” le abren las puertas al diseño de piezas publicitarias permitiendo encontrar en ellos nuevas fuentes de creatividad y nuevas opciones al momento de crear.

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PublicitariasLa Guerrillaen el diseño

de piezas

MUEBLES

INIMALISTASMEl diseño en general esta constituido por una variedad de

tendencias y estilos que representan lo dinámico de éste.

Es más, se podría decir que el carácter plural y variado de

estilos y creaciones es por definición el diseño. Entender

cada estilo es enmarcarse en un mundo pequeño que com-

pone grandes cosas. En el diseño de muebles encontramos

todos estos espectaculares mundos que componen el gran

universo del diseño. Tal vez, el mundo más puro, simple y

básico es el diseño minimalista. Ahora bien, estas razones

no son suficientes para destacarlo como el peor o el mejor,

sino simplemente para concebirlo como un mundo único

que se diferencia de los demás por características esenciales.

Dentro de esta tendencia, las formas

geométricas básicas, los colores neutros

y las líneas puras componen una armonía

incomparable. También un aire moderno

basado en la sencillez crea una estructura

de total equilibrio. El diseño minimalista

tiene su origen, aproximadamente, en la

década de los 60, en New York, con el

movimiento de arte mínimo y geométrico,

además como un contraste a la decora-

ción recargada de los años 80 en Italia.

Este ultimo especialmente en la Arquitec-

tura. El minimalismo, especialmente su

ambiente, expresa todo tipo de tranquili-

dad, calma y paz. Esto se debe no solo a

sus rasgos puros, sino también a la rela-

ción de colores que en ellos se expresa.Es un estilo despojando de innecesariedad, pero cargado modestamente de elegancia, innovación y creatividad. Los rasgos pu-ros y tranquilos resaltados en las formas, acabados y líneas crean una sensación de relajamiento. Por esta razón también se le ha denominado como ”deco silencio”. Las obras minimalistas en generan con-ciben la idea de ”menos en más”, don-de lo importante no es tanto lo que se pone, pone, sino lo que se deja de poner, lo

Henry [email protected]

Autores como el Ingles Jasper Morrison entre otros, se han enfo-

cado únicamente en el diseño de muebles, objetos y en la ilumi-

nación de ambientes. Morrison, por su parte, no está preocupado

por la creación de formas novedosas inesperadas. Recoge formas

comunes, siempre vistas, y las trabaja hasta lograr que en ellas se

destaquen aspectos que antes no se percibían.

El diseño de muebles se ha hecho necesario como complemento en

la construcción de espacios significativos para el hombre. El mueble

como tal es un fetiche perfecto de un ambiente determinado como

el hogar. En últimas, Los muebles minimalistas con toda su cons-

titución sobria son los instrumentos perfectos para desarrollar un

ambiente puro, sencillo y elegante.

que se elimina para construir mejor el mensaje, es decir, se elimina todo tipo de ruido inapercibido. Es por esto que se piensa los elementos

como un espacio de ausencias, esencialmente estructural y de vo-lúmenes puros como ya hemos repetido. La necesidad de pre-sentar el objeto como un elemento de gran significado es vital para su construcción. Es por esto que debe estar despojado de accesorios que muy seguramente distorsionarán su sig-nificación. Como decíamos anteriormente, el minimalismo tiene un inicio en la década de los 60 madurando durante 20 años. Inicialmente se concibió como una tendencia en la escultura y posteriormente podemos ver expresiones mini-malistas en la literatura, música, etc. Para la construcción de una arquitectura minimalista de muebles tenemos que verlo como algo demasiado específico y de igual forma im-

portante. Los muebles se constituyen como elementos necesa-rios y trascendentales en la formación de un ambiente. Además

como un objeto de total funcionalidad para la vida del hombre.

Sus clientes incluyen; Totto tú, Villegas Editores, Adi-das, Centro Andino, Eje Records, Leo Burnett, Citurna, Editorial Norma, Dodicitrenta entre otros.Recientemen-te Laura lanzó al mercado su línea de ropa para bebé, y ha participado en diferentes exhibiciones y exposi-ciones.

Libro: Ooommm Mmmooo: Yoga Para Ninos.

La escritora colombiana María Villegas y la estadouniden-se Jennie Kent, residente en Colombia, presentaron un nuevo libro Ooommm Mmmooo, un manual de yoga para niños que enseña esta ciencia al público infantil por medio de dibujos animados. El libro lo lanzaron en el año 2007. El libro de 64 páginas y 40 ilustraciones en color de la dibujante Laura Osorno, está acompañado por 50 tarjetas explicativas con las que los niños pueden jugar, y un disco compacto con música ambiental de la composito-ra estadounidense Susan Reed. Las autoras explica-ron que el manual “enseña las técnicas de relajación para ejercitar el cuerpo y estimular la concentración, la memoria y la creatividad”. Sus graciosas ilustra-ciones, atractivo colorido y posibilidades lúdicas permiten a los niños disfrutar del mágico mundo del yoga mientras ejercitan su cuerpo y esti-mulan la concentración, la memoria y la crea-tividad.

LAURA OSORNO es una joven diseñadora gráfica colombiana. Desde 1998 trabaja como ilustradora infantil, aunque tam-bién ha trabajado en publicidad y en diferentes revistas. Ha creado va-rios personajes, entre estos un conejo siquiatra sin corazón, un hada madrina neurótica y con sobrepeso, una gorila que trabaja en una notaría y una niña cuyo talento es hacer burbujas concéntri-cas de moco. Laura Osorno nació en Bogotá, Colombia el 13 de enero de 1982. Estudió en el Colegio Andino de Bogotá. Desde los 14 años trabajó vendiendo comics, dibujos y caricaturas en la Feria del Libro. Mientras es-tudiaba comenzó a participar en proyectos editoriales y después de terminar el colegio, entró a estudiar diseño gráfico a la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá donde se graduó. Desde entonces ha trabajado para dife-rentes clientes. Tiene una marca con la que desarrolla perso-najes, títeres, postales y otros productos. Trabajó como docente de ilustración en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá y trabaja en proyectos personales y como ilustradora freelance.

Diego Riaño CruzComunicador Social / [email protected] 29 A # 158 - 80 3176581459

FIGURAS DE VINILOFusionando las tendencias urbanas de la calle con la moda y el pop art para producir ediciones limita-das de juguetes coleccionables, Paul Budnitz crea en el 2002 Kidrobot. Una marca de juguetes que rompe el esquema tradicional por sus figuras, sus diseños y la interacción de varios artistas en los modelos para crear tan solo unos pocos en el mundo. Estas figuras de vinilo son creadas por artistas de recono-cimiento mundial mezclando el grafiti, el diseño in-dustrial, el diseño grafico, la ilustración y la música.

Por: Diego Riaño**********************************************************************************************************

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FIGURAS DE VINILO

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Conocido como el productor de los “Designer Toy” Kidrobot hace parte de un nuevo movimien-to artístico que está creciendo alrededor del mun-do, desde Tokio, China y Berlín hasta en donde tiene tiendas en Nueva York, San Francisco, Los Ángeles y las más recientes en Miami y Dallas. Juguetes creados con estilo único representan el deseo de muchos coleccionistas por este produc-to que se vende en un número limitado al publico por series como la MUNNY y la DUNNY en las que han trabajado Ed Templeton, Mike Shinoda, Shepard Fairey, Futura 2000, Jamie Hewlett y Joe Ledbetter. En septiembre de este año se acaba de lanzar la nueva serie llamada “DUNNY 9” en la que trabajaron varios artitas creando nuevos y raros diseños que di-fícilmente puede ser encontrados en todo el mundo

La creatividad del diseño puede llegar a ser tan apetecida que cuando se vende un juguete de es-tos volverlo a encontrar puede llegarle a costar una gran fortuna y suerte por supuesto. Han gene-rado tanta sorpresa en el medio creativo y cultural que el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) en el 2007 coloco 13 piezas que están exhibi-das en la sala de nuevas adquisisiones del museo.

Continuando con esta línea de innova-ción Paul ha introdu-cido su nueva marca de ropa bajo la misma fi-losofía de producción, ediciones limitadas que únicamente pueden ser compradas en algunas de sus tiendas o en su página web.

Street Artist reconocidos de Los Ángeles como el creador de “Buff Monster” ha diseñado ahora para Kidrobot uno de sus juguetes y para conmemorarlo se hará un lanzamiento en la famosa calle de Mel-rose Avenue en L.A. el 7 de octubre de 2009 con el

propósito de promover el 8” Dunny Signing Tour.

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JUGUETERÍA***************************************************************JUGUETERÍA***************************************************************

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FIGURAS DE VINILOFIGURAS DE VINILO

arquitecturaHIGH TECH

arquitecturaLa arquitectura high tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico que se desarrollo en la década de los setenta, donde un libro llamado The industrial Style and source book for the home, publicado en 1978, hace un largo recorrido de construcciones realizadas con mate-riales industrializados, particularmente usados en los techos los pisos y muros.

Las características principales de la arquitectura High Tech, son muy variables donde inclu-ye componentes técnicos y funcionales de la construcción, usando frecuentemente compo-nentes prefabricados. Las paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en

este estilo. Estas características unidas, generaron una estética industrial. Otra manera de llamar este estilo es el tardo modernismo, ya que se ve como una manera de refrescar el modernismo, todo de la mano de la innovación y la tecnología, también es denominado un puente entre el modernismo y el postmodernismo.

Otra manera de llamar este estilo es el tardo modernismo, ya que se ve como una manera de refrescar el periodo moderno, todo de la mano de la innovación y la tecnología, también es denominado un puente entre el modernismo y el postmodernismo. Este es un estilo con limites indefinidos ya que presenta aspectos que iban saliendo del modernismo pero reto-mando fuertes imágenes de la tecnología que se ven presente aun en la actualidad.

En los años ochenta la High Tech evoluciona formalmente hasta hacerla difícil de ditinguir del resto de la Arquitectura Postm derna. Muchos de sus temas e ideas fueron absorbidos

en el lenguaje de las otras corrientes arquitectónicas postmodernas.

IPOS DE ESCENOGRAFÍAT

Generalmente se cree que escenografía es simplemente la composición al azar de ciertos objetos so-bre una puesta en escena o en un lugar determinado. Pero en realidad la escenografía se puede consi-derar como un verdadero arte, en donde la ubicación de un elemento es cuidadosamente manejada, cada detalle se trabaja con anterioridad, para obtener así el ambiente perfectamente requerido.De esta forma, encontramos cuatro tipos de escenografía, que evidencian a un más lo ante-riormente mencionado. Se clasifica entonces en: realista, abstracta, sugerente y funcional.

Realista: Esta recreación trata de conseguir el mayor grado de verosimilitud a la obra acorde al lu-gar en donde suceden los acontecimientos. Se utilizan paneles ligeros, aptos para moverlos fácil-mente, almacenarlos y re-usarlos. La decoración de estos paneles son casi siempre pintados. Un efecto especial utilizado en este tipo de montaje es una pequeña inclinación ascendente desde el borde delantero hasta la parte de atrás del escenario para que el espectador tenga una mejor vista de la escena. Algunos mobiliarios o accesorios decorativos están presentes en las escenas, pero generalmente no están muy amobladas con el fin de dejar el espacio vacío para que los actores tengan lugar para su expresión. También existe el esquema de caja, en el cual tres pane-les encierran la escena y hacen al público sentirse intrusos. El diseñador, en todas las obras, con-trola los efectos a partir de colores y la disposición de todas las cosas colocadas en el escenario.El naturalismo, se relaciona mucho con el realismo, ya que la expresión es el tope máximo de éste. En el naturalismo, aparecen los problemas de la socie-dad y la actualidad, y a veces el mensaje pueda ser agresivo y por otra parte reflexi-vo. El realismo trata de ser verosímil manteniendo una escenografía bien decorada.

TIPOS DE ESCENOGRAFÍA

Generalmente se cree que escenografía es simplemente la composición al azar de ciertos objetos sobre una puesta en escena o en un lugar determinado. Pero en realidad la escenografía se puede considerar como un verdadero arte, en donde la ubicación de un elemento es cuidadosamente manejada, cada detalle se trabaja con anterioridad, para obtener así el ambiente perfectamente requerido.De esta forma, encontramos cuatro tipos de escenografía, que evidencian a un más lo anteriormente mencionado. Se clasifica entonces en: realista, abstracta, sugerente y funcional.

Realista: Esta recreación trata de conseguir el mayor grado de verosimilitud a la obra acorde al lugar en donde suceden los acontecimientos. Se utilizan paneles ligeros, aptos para moverlos fácilmente, almacenarlos y re-usarlos. La decoración de estos paneles son casi siempre pintados. Un efecto especial utilizado en este tipo de montaje es una pequeña inclinación ascendente desde el borde delantero hasta la parte de atrás del escenario para que el espectador tenga una mejor vista de la escena. Algunos mobiliarios o accesorios decorativos están presentes en las escenas, pero generalmente no están muy amobladas con el fin de dejar el espacio vacío para que los actores tengan lugar para su expresión. También existe el esquema de caja, en el cual tres paneles encierran la escena y hacen al público sentirse intrusos. El diseñador, en todas las obras, controla los efectos a partir de colores y la disposición de todas las cosas colocadas en el escenario.El naturalismo, se relaciona mucho con el realismo, ya que la expresión es el tope máximo de éste. En el naturalismo, aparecen los problemas de la sociedad y la actualidad, y a veces el mensaje pueda ser agresivo y por otra parte reflexivo. El realismo trata de ser verosímil manteniendo una escenografía bien decorada.

TIPOS DE ESCENOGRAFÍA

Abstracta: Es un montaje que no se centra en ningún lugar ni tiempo específico. Frecuente-mente, tiene: escaleras, cortinas, paneles, rampas, plataformas u otros elementos sin deter-minar. Tiene gran influencia en el teatro contemporáneo, más que nada en los inicios del si-glo XX. Es utilizada por aquellas obras que no se basan en ningún espacio determinado, o aquellas que quieren dar una sensación de atemporalidad o universalidad. Es la indicada para obras de Shakespeare, por ejemplo, ya que se necesita un cambio de escenografía rápido y no está bien descrito en los guiones el marco narrativo. Se ponen unos pocos objetos signi-ficativos y queda un espacio realmente grande para que los actores se expresen libremente, como es requerido. La danza también usa este tipo de montaje, ya que nuevamente no se necesita nada en claro, solo algunas cosas decorativas para el ambiente. El espectador desa-rrolla su imaginación, ya que no es una escenografía cargada, ni descriptiva, ni objetiva. Se resaltan más el texto, el vestuario y la iluminación, que son todo en el escenario. El público disfruta más la actuación que la vista del montaje, el sentido teatral y el despliegue artístico.

Sugerente: Otro nombre para este tipo de escenografía es teatro no japonés. La representación se ejecuta en un escenario donde se distribuye el público. Los acto-res entran en escena a través de un pasillo, llamado el puente, señalado por tres pi-nos. Este tipo de montaje, sugiere un lugar creado por un objeto general como un auto, un barco, un edificio, etc. Su efecto escénico se logra eliminando las cosas no tan prescindibles o al combinar pedazos de un decorado realista y objetos abstractos. A diferencia de la escenografía abstracta, la sugerente alcanza una cierta situación en un tiempo y lugar concretos. A estos escenarios se los puede confundir con oníricos, fragmenta-rios, desnudos o surrealistas.

Funcional: Esta responde directamente a las necesidades de los intérpretes. Es la menos usa-da en funciones dramáticas, es la que se utiliza en los circos. Los elementos escénicos básicos, son los fijados por los artistas.

Cabe resaltar que dentro de la escenografía la iluminación y el sonido, cobran un papel funda-mental, pues “respaldan” el montaje escénico, y permiten apreciar aun más un ambiente de realidad.

Por: Laura Solórzano B. [email protected] 315 - 3296058

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revista d&cg *2

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