SIGLO XXCambios políticos, económicos y sociales:REV. AMERICANA, REV. FRANCESA, CAPITALISMO, REV. INDUSTRIAL, LIBERARISMO, POSITIVISMO. Aparecen los objetos industrializados.

Nuevos referentes:FREUD : psicoanálisis. Inconsciente. Mundo de los sueños.EINSTEIN: teoría de la relatividad.MARX : sistematizo pensamiento socialista. Manifiesto comunista. Obra “El Capital” análisis del capitalismo burgués.

WILLIAM MORRIS- Inicia el Movimiento Arts and Crafts en Inglaterra.ARTS AND CRAFTS: clarifica la contradicción entre el arte y la técnica. Buscaba la coherencia constructiva formal en los productos artesanales: los rasgos formales de estos no debían estar reglados por un estilo sino por las características propias y naturales resultantes del material empleado y sus procesos de configuración.- Influencia filosofía de RuskinRUSKIN: rechazaba la económica mercantil. Insistía en la unión del arte con el trabajo al servicio de la sociedad. Retorno al amor por el trabajo manual haciendo referencia a la sociedad medieval. No condeno el uso de la maquina sino que su mal uso había llevado a la declinación creativa y estética.- Se inspiraba para sus diseños en el arte medieval y las configuraciones botánicas.- Buscaba unir el arte y oficio para crear objetos bellos.- Materializo su ideología en los talleres de la KELMSCOTT PRESS. Sus producciones terminaron siendo para la elite económica. Paradoja con su punto de partida “No quiero arte para unos pocos, no quiero educación para unos pocos o libertad para unos poco…”.- Propósito de reivindicar la belleza y la facilidad de la lectura mediante incorporación de 3 familias tipográficas TORY, GOLDEN y CHACER (2 góticas y 1 romana)- Primera producción de la Kelmscott: “La historia de la planicie resplandeciente” de W. Morris y ilustraciones de Crane.- Se preocupo por la distribución del campo tipográfico dentro de la página sobre la unidad, la simetría y orden compositivo.- Desarrollaba actitudes de diseño que proyectaban a futuro. Generaciones siguientes no buscaban unificar artes y oficios pero si arte e industria.

MODERNISMOS1890 a 1910: desarrollo de un estilo decorativo que invadió todas las ramas del diseño. El Art Noveau.Se identifica por: línea parecida a una planta orgánica. Define, modula y decora un determinado espacio. Zarcillos de vid, flores, pájaros y figura femenina son motivos frecuentes en donde se adapta la línea fluida.Art Noveau es: “el estilo de transición que se desvío del historicismo que domino al diseño durante la mayor parte del SXIX. El historicismo es el uso casi servil de las formas y estilos del pasado, niega la invención de nuevas formas para expresar el presente.”Tiene influencias de: ilustraciones de William Blake, ornamentos célticos, el estilo rococó, movimiento de artes y oficios, pintura prerafaelista y el diseño decorativo japonés como también los grabados en bloques de madera.

ART NOVEAU FRANCESCHERET: “Padre del cartel moderno” Convirtió las calles de Paris en una galería de arte. Ya que una ley permite que los carteles sean colocados en cualquier parte.Las mujeres que creo fueron apodadas “Cherette” apodado el padre de la liberación femenina porque sus mujeres comenzaban a tener un nuevo papel ante la sociedad de la época. Ni puritanas, ni prostitutas usaban vestidos escotados, bailaban, bebían y fumaban en público.Producción de imágenes de tamaño natural a diminutas.GRASSET: diseñador e ilustrador. Estudio arte medieval. Tenía amor por el arte oriental. Busca integración total del libro (ilustración y texto una sola unidad). Sus figuras imitaban a Boticelli. Usaba en sus carteles mujeres esbeltas, altas en poses eróticas anunciando productos.Figuras tranquilas, recortadas en vez de la exuberantes de Cheret, también colores de baja intensidad y campos mas formales que Cheret.TOULOUSE-LAUTREC: Admirador del arte japonés y el impresionismo. Frecuentaba cabarets en donde captaba la vida nocturna de la belle epoque. Figuras planas, siluetas negras de espectadores. Óvalos amarillos como lámparas y bailarines en el centro del cartel.MUCHA: Carteles de tamaño natural. Modelo de mosaico y figura alargada. Síntesis orgánica caligrafías y tipografías. Figura femenina: nueva dimensión sensual , entre virginal y fetichista.. Se vale de la ayuda de la fotografía para sus diseños: caída de ropaje y poses. Espacio lleno con formas y decoraciones. Fue contratado por Sarah Berhardt, ella

sentía que los carteles de Mucha la expresaban muy bien gráficamente a diferencia de los anteriores realizados por Grasset.

ART NOVEAU EEUU-Arte grafico francés y británico unieron fuerzas para invadir Norteamérica.RHEAD: ilustrador británico. Estudio en Inglaterra y París antes de ir a EEUU. Después de 8 años en NY regreso a Europa acoplando el estilo de Grasset. Adopto las mujeres esbeltas, líneas de contorno. Uso combinaciones llenas de vitalidad. Mezclaba influencias: modelos decorativos, diseño victoriano, formas inspiradas en Arts and crafts. Adopto el cartel francés como modelo.Rhead se unió a Bradley.BRADLEY : DG americano. Se aproximo al diseño tipográfico.- Industria publicitaria EEUU primera en adoptar el cartel visual. - Comenzaron a aparecer importantes revistas como Harper.

ART NOVEAU BELGICA (Arte Nuevo) Genio del movimiento: Arq. Víctor HortaV. HORTA: su casa del año 1892 para Emile Tassel fue unificada por sistemas curvilíneos colgantes nunca vistos en Inglaterra o Europa.PRIVAT LIVEMONT: pinto carteles inspirados en las mujeres de Mucha.GISBET COMBAZ: artista e historiador de arte especializado en el lejano oriente.VAN DE VELDE: Apoyaba el concepto de que todas las ramas del arte desde la pintura al Dg. y del Diseño industrial a la escultura comparten un lenguaje común de formas e igualdad de importancia para la comunidad. Considero a los ornamentos no como decorativos sino como un medio de expresión que podía lograr la condición de un trabajo de arte.No aplico ornamento a la estructura. El ornamento era un aspecto lógico del conjunto que era resultado de las consideraciones de la construcción. El trabajo contemporáneo debe ser moderno y expresar las necesidades de la época. Estaba mas interesado en promover la filosofía del movimiento de artes y oficios que en el estilo como finalidad por si mismo.

FRANK LLOYD WRIGHT y la ESCUELA DE GLASGOW (los 4 mac)Arq. F. L. WRIGHT : 1893 comenzó la practica independiente. Rechazo el historicismo a favor de una filosofía de “arquitectura orgánica”, creando espacios interiores dinámicos. Acudió al diseño y arquitectura japonesa para obtener un modelo de armonía en la proporción y poesía visual. Luego se inclino al DG.

ESCUELA DE GLASGOWDesarrollaron un estilo único: RENNIE MACKINTOSH, J, HERBERT MC NAIR, MARGARET MACDONALD, FRANCES MACDONALD.Glasgow: desarrollo una composición más geométrica combinando elementos florales y curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas. MACKINTOSH: líneas que se elevan con curvas sutiles en los extremos para combinar su unión con las horizontales. Ángulos rectos angostos, tiras altas de rectángulos y el contrapunto de óvalos, círculos y arcos caracterizan su trabajo.HERMANAS MACDONALD : tenían influencias religiosas por lo que hacían un estilo medio místico, mágico, femenino y casi religioso.

SECESSION VIENESA (Austria)- Tomo inspiración de la escuela de Glasgow y al igual que esta se convirtió en un movimiento contrario al arte nuevo floral que prospero en Francia y Alemania.- en sus diseños preferían los letreros limpios y legibles de tipo san serif, que combinaban de gruesas losas planas a fluidas formas caligráficas.- cuando el estilo floral francés fue rechazado los artistas del separatismo de inclinaron hacia figuras planas con mayor simplicidad. Mayor énfasis en los modelos geométricos y la construcción de módulos de diseño. No era una geometría mecánica o rígida sino que poseía una sutil cualidad orgánica.Representantes: ARQ OLLBRICH y HOFFMAN y artista y diseñador MOSER

JUGENDSTIL (Alemania – Estilo joven)Comenzó en Munich en 1896. Tenia fuerte influencia francesa y británica.Interés alemán por las formas de letras medievales. Se experimento con ornamentos y viñetas de diseño abstracto. Formas geométricas, sencillas y funcionales.HANS CHRISTIANSEN: letras sencillas. Curvas estilizadas. Utilizaba superficies planas de color brillante.JOSEF SATLER: trabajo en la revista PAN. Revista que proporciono un aporte importante para la literatura de la época.PETER BEHRENS: Asesor del periódico Die Inset. Influenciado por el movimiento de artes y oficios.

Innovador en la transición que va de decorativo y floral del SXIX a las formas geométricas sencillas y funcionales del SXX. Nueva objetividad: filosofía contra el SXIX, diseños con formas lógicas sin ornamentos: la belleza puede derivarse de la comodidad.1909 contratado por AEG: primer programa de diseño corporativo y unificador. (logo en forma de panal). Criterio dominante de diseño: armonía en la proporción.

WERKBUNG (recordar Muthesius vs Van de Velde)1907 a 1914: problema de la productividad industrial es abordado en Alemania en términos de racionalizacion y de tipificación de los objetos destinados a la producción en serie.La forma del objeto debía responderá las condiciones de uso del mismo y la técnica empleada en su fabrica con un criterio de economía que lo hiciera accesible. Tenia que estar desprovisto de toda referencia a cualquier estilo del pasado, rechazando la ornamentación, haciendo uso de la síntesis y utilizando formas geométricas puras.MUTHESIUS: influenciado por Arts and Crafts. Funda Werbung para promover ideas de vanguardia y mejorar la calidad del diseño en la Arq. y diseño industrial. Muchos de sus miembros consideran errado atacar globalmente a la ormanentacion. “No consiste tanto en rechazar el ornamento como en sustituir el inmoral de los estilos tradicionales por el moral del estilo moderno”. Punto de vista considerado por: VAN DE VELDE: rechazaba la tesis de Muthesius sobre racionalizaciòn y tipificación. Sostenía que el ornamento no debe tener la función de decorar sino de estructurar, debe ser abstracto y junto con la forma del objeto simboliza la función. Morris y Van de Velde constituyeron 2 de los fundamentales puntos de apoyo de los orígenes del movimiento moderno.En el Werbung como en Arts and Crafts se ve el conflicto entre arte y técnica.

VANGUARDIAS EUROPEASPrimeras 2 décadas del SXX cambios vida social, política, cultural y económica. Por todo esto las artes visuales experimentaron una serie de revoluciones creativas que se ven en las distintas vanguardias.

EXPRESIONISMO ALEMAN (1905 a 1914)- Al igual que el cubismo y futurismo representa la definitiva ruptura de las artes con la estética de corte naturalista.- refleja una imagen de realidad deformada por el artista a diferencia del cubismo pretende captar esta misma realidad desde todos los ángulos y el futurismo intenta reflejar el movimiento de dicha realidad.- Reindivica la presencia de la subjetividad del artista. El cubismo la sabiduría del artista que no solo refleja lo que ve, sino lo que sabe del objeto y el futurismo pretende expresar la simultaneidad de sensaciones e ideas a través del movimiento del objeto.- Nace como reacción contra el gobierno del káiser- No rinde tributo a la modernidad.- No rompe la herencia cultural germana.- Le interesa la reconstrucción a partir del yo del artista. El arte no será retrato sino creación, realidad en si mismo. EL PUENTE (1905 – 1913): Se propone romper con el pasado. Establece un puente con la realidad y la vida. Colores ásperos y estridentes. Violencia y vitalidad. Influencias de Van Gogh y arte negro africano. Representantes: PAULA BECKER, MAX ERNST, KART SCHMIT, ERGON SCHIEL, OTON MULLER.EL JINETE AZUL (1911 – 1914): Constituido inicialmente por MARC y KANDINSKY. Luego se suma PAUL KLEE, MACKE, BECHTEDEFF Y MOGILEWSKY. Influencia fauvista y cubista. Planos diáfanos, luminosos colores. Temas: árboles, animales y cielos. Objetivos más estéticos que ideológicos. Se desentendieron de la denuncia social, moral o ética.

FUTURISMO ITALIANO (1906 -1916)Primer manifiesto: Marinetti (1909) _ proponer una dinámica en contra del estatismo tanto del pasado como del presente. Renovación de la sensibilidad humana vinculada a los descubrimientos técnicos y científicos.“BELLEZA DE LA VELOCIDAD” Transformación, simultaneidad, persistencia del plano y la imagen, multiplicación de elementos proyectado sobre un espacio también en acción.Pasión por la guerra, las maquinas, la velocidad y la vida moderna. Composición dinámica no lineal de carácter agresivo. Futurismo interpreta la modernidad en su vertiente imperialista, nacionalista y militar. La armonía fue rechazada como cualidad del diseño porque contradecía el estilo de la época. (Futurista)En la pagina impresa nació un diseño tipográfico nuevo e íntimamente relacionado con la pintura llamado “tipografía libre” t palabras en libertad. Fuerte influencia del cubismo.Influencio a constructivista, dadaísta y De Stijl.GIACOMO BALLA: Estudia movimientos en el espacio. Velocidad de colores. La alusión a objeto en concreto va desapareciendo. Pintura abstracta.GINO SEVERINI: Interpreta al futurismo de un modo personal. Visión límpida y espontánea.

MARINETTI: Poeta. Su manifiesto declara entusiasmo por la guerra, la edad de las maquinas y la vida moderna. Creía que el uso de distintas tipografías podía vincular forma y contenido poético.UMBERTO BOCCIONI: Formas únicas de continuidad en el espacio. Presenta el dinamismo de la figura humana. Movimiento en forma tridimensional.SANT`ELIA: Arq. Ciudad circulación a muchos niveles (túneles, pistas de aterrizaje etc). Manifiesto: construcción basada en ciencia y tecnología. Decoración: absurda. Usaba diagonales y elípticas por ser mas dinámicas que las perpendiculares. Influencia para el Art Deco.

CONSTRUCTIVISMO. SUPREMATISMO RUSO - Toman ideas del cubismo y futurismo.- Concedió al arte un rol social. Afiche constructivista: Función ideológica por eso uso los modelos del pueblo. Color rojo, palo seco y Mayúsculas para más legibilidad. Formas geométricas simples que marquen direcciones, imágenes fotográficas. Todo estas características son para que sea entendido por cualquiera.

KASIMIR MALEVIH: Creo un estilo de pintura basado en formas y colores puros que llamo SUPREMATISMO. Apuntaba a la suprema expresión del sentimiento sin buscar ideas ni valores prácticos. Cuadrado negro sobre fondo blanco. Junto a WASSILY KANDINSKY sostenían que el arte debía permanecer apartado de las necesidades de la sociedad, como una actividad esencialmente espiritual. Arte puro, sin emoción.Por otro lado TATLIN y RODCHENKO proclaman lo opuesto “arte para la causa del arte” En sus diseños apoyaban a la nueva sociedad comunista. Opuestos al suprematismo.GAN escribió los 3 principios del constructivismo:

- Tectonico o arquitectura: representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual.- Textura: naturaleza de los materiales y como son empleados.- Construcción: proceso creativo y la búsqueda de organización visual.

EL LISSITZKY: Desarrollo un estilo de pintura que llamo PROUNS: proyecto para el establecimiento de un nuevo arte. En contraste con la pintura de Malevich el prouns introduce las 3 dimensiones proyectadas desde la pintura plana.Tomo contacto con De Stijl, Bauhaus, Dadaístas y constructivistas.

CUBISMO (1907-1914)- Primeros antecedentes del cubismo: “Las damas de Avignon” Picasso (1907).- Se caracteriza por figuras abstractas formadas por planos geométricos.- Refleja la esencia de la realidad a través de simultaneidad de formas geométricas desde todos los ángulos.- Reindivica la sabiduría del artista (refleja lo que el sabe y no lo que ve)- Primera fase: (1907-1909) influencia de Cezanne. Etapa transitoria. Paisajes.Cezanne: hizo notar que el artista debía tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono.- Segunda fase: (1909-1911) Cubismos analítico: naturalezas muertas. Colores grises, marrones y ocres. Desarrollado por Picasso y Braque. Movimiento artístico que sustituía la representación de las apariencias con posibilidades infinitas de formas bidimensionales. Pintura compuesta por planos geométricos rítmicos.- Tercera fase: cubismo sintético o collage: Se representa la esencia de un objeto y sus características básicas mas que su apariencia exterior. Juan Gris.Representantes: PICASSO y BRAQUE (cubismo analítico)LEGER: tomo más la sentencia de Cezanne sobre la esfera, el cono y el cilindro. JUAN GRIS: Collage, colores brillantes (cubismo sintético).

DADAISMO (1915 – 1922)Creían que una sociedad que llego a la Guerra mundial era mediocre y debían destruirse su cultura y su filosofía.El dadaísmo fue una actitud más que un estilo.Afirmaban ser el ansiarte. Rechazo a la tradición. Nacio como una protesta contra la guerra.Se mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas y no como símbolos fonéticos.Fundado por el pintor HANS ARP y el poeta TRISTAN TZARA.TRISTAN TZARA: guiaba el movimiento. Edito el diario dada en 1917.Artista mas importante MARCEL DUCHAMP (obra bigote en mona lisa, rueda de bicicleta en banco de madera) Delirio de lo absurdo.KURT SCHWITTERS: hizo collage con objetos encontrados, desperdicios y materiales fusionados. Movimiento al que llamo MERZ-JOHN HEARFIELD, W. HERZFELDE y G. GROSZ asumieron fuertes condiciones políticas y revolucionarias y orientaron gran parte de sus actividades hacia comunicación visual para elevar la conciencia pública y promover el cambio social.

HEARFIELD: uso fotomontaje como arma de propaganda e innovo en la preparación del arte mecánico para la impresión offset.

SURREALISMO (1919-1490)El método de investigación por libre asociación de Freud fue utilizado por los surrealistas.Sus orígenes se encuentran en el dadaísmo y en la revista francesa “Litterature” fundada por Andre Breton.Era importante para el surrealismo la investigación sobre los procesos del sueño, tal como Freud lo explicaba. Se definía como una actitud del espíritu frente a la vida y no como un conjunto de reglas formales de medidas estéticas.El surrealismo buscaba: “lo mas real que el mundo real tras lo real” (el mundo de la intuición, los sueños y el reino de lo inconsciente explorado por Freud).Surrealismo contemporáneo pero opuesto al racionalismo Bauhaus y a las abstracciones geométricas.No era un estilo o un tema estético sino que constituía una manera de pensar y de conocer, un forma de sentir y un modo de vida.Sus raíces se remontan al siglo XV ya que la vanguardia se intereso por H. Bosch porque en sus pinturas tradujo en símbolos los más profundos deseos y temores del hombre medieval. Tanto el como Magritte utilizaban los símbolos para expresar los sentimientos.De Chirico fue declarado como el primer pintor surrealista.MAX ERNST: (dadaísta) Se unió al surrealismo. Utilizo el collage, método de frottage: usaba frotados para componer directamente sobre el papel.MAGRITTE: Frotagge. Influencia de Chirico y Ernst. Distorsión de la realidad. Usaba cambios de escala alternados y ambiguos. SALVADOR DALI: Influyo de 2 Formas en el diseño grafico: * Sus perspectivas llevaron profundidad a la pagina plana, * Su enfoque realista de simultaneidad ha sido utilizado para introducir este efecto en los carteles y portada de libros.JOAN MIRÓ: Pocos colores. Simplifico su estilo hasta un sistema de signos equivalentes de su mundo interior. Influencia de Klee y Kandinsky.Otros representantes: ARP, MAN RAY

DE STIJLSignifica: El Estilo Tiene antecedentes del cubismo analítico (Picasso y Braque).Surge en 1917 con el periódico De Stilj (en Holanda)Grupo formado por Mondrian, Van der Lek, Oud y Theo Van Doesburg.Pinturas de Mondrian fuente a partir de la cual se desarrolla la filosofía y formas visuales de De Stijl.Artistas de De Stilj buscaban una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Deseaban expresar la conciencia general de su época. Ellos creían que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época. Los adelantos científicos, tecnológicos y políticos anunciaban una nueva era de objetividad y colectivismo.“la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra”MONDRIAN: influencia de Van Gogh (paisaje tradicional) evoluciona luego a un estilo simbólico (cubismo) y de este a una abstracción geométrica pura. Usaba colores primarios mas blanco y negro. Líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Composiciones de balance asimétrico, tensión y balance de los elementos en armonía.THEO VAN DOESBURG: edito el periódico De Stijl. Declara a la diagonal como más dinámica que la horizontal y la vertical. En 1922 se traslado a Weimar en donde dio cursos de filosofía De Stijl a los estudiantes de Bauhaus. En un encuentro invito a los constructivistas rusos Lissitsky y Molí Nagy.

BAUHAUSStaatliches Bauhaus de Weimar nace en 1919 por la fusión de la Escuela Superior de Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas (fundada en 1906 por Van de Velde). GROPIUS fue su director hasta 1928.Gropius sostenía: “uniendo la enseñanza artesanal a la industrial y artística podía lograrse el artista completo capaz de dominar todos los sectores de la producción”.Buscaba la unidad del arte y la tecnología para solucionar problemas de diseño visual creados por el industrialismo.Pensamiento de Gropius influenciado por ideas de Behrens (Werburg) “nueva objetividad” (a favor de la estandarización y simplicidad funcional de la fabricación de productos). Y tambien por las de Van de Velde sobrte el uso de nuevos materiales.

WEIMAR (1919-1924)Buscaba una unidad innovadora entre artista y artesano.Avanzadas ideas de forma, color y espacio integradas por PAUL KLEE y WASSILY KANDISKY.

Fundamental de la educación del Bauhaus era el curso preliminar establecido por JOHANNES ITTEN.Sus objetivos eran liberar las aptitudes creativas de los estudiantes y desarrollar la compresión de la naturaleza física de los materiales y enseñar principios fundamentales de diseño. Su metodología era desarrollar la conciencia perceptiva y la capacidad intelectual y la experiencia emocional.1923 abandona Bauhaus por desacuerdos con Gropius y los intereses del Bauhaus sobre el medievalismo, el expresionismo y la artesanía hacia un mayor énfasis en el racionalismo y diseño de maquinarias. (Esto hace que las ideas iniciales del Bauhaus estén en crisis).Bauhaus y De Stijl: Theo Van Doesburg viaja a Weimar en 1922. No pudo dar clases por que Gropius no se lo permitió porque lo consideraba muy dogmático. Pero ejerce sus influencias a través de conferencias y lecciones a estrudiantes y profesores sobre De Stijl en su casa.Denuncia el anacronismo de la ideología expresionista dominante en el Bauhaus y ataca las ideas de Itten.A la estética dominante de Bauhaus de entonces que exaltaba el artesanado y el expresionismo irracional Van Doesburg contrapone la estética De Stijl que celebra la maquina y el control racional del proceso creativo. Proclama la morfología De Stijl: formas puras y colores fundamentales esto viene a facilitar el cambio de Bauhaus hacia el racionalismo. Gropius cambia el lema “Una unidad e arte y oficio manual” por “Arete y tecnología una nueva unidad”

DESSAU (1925-1932)1925 Itten es reemplazado por MOHOLY-NAGY. Exploro la pintura, la fotografía, el film, la escultura y el diseño grafico. Experimento con nuevas técnicas y nuevos materiales como fotomontajes, fotogramas y formas visuales incluyendo movimiento cinético, luces y transparencias. Realizo experimentos sobre la unificación entre la tipografía y la fotografía. La llamo nueva literatura visual.Fuerte influencia para Bauhaus sobre tipografía y fotografía.Bauhaus tenía una notoria influencia de De Stijl y constructivista.Este fue el periodo más fructífero de Bauhaus.En 1926 recibió del nombre de Escuela Superios de la forma. Y comenzó a publicarse la revista del Bauhaus, junto con una serie de libros. Klee, Van Doesburg, Mondrian, Gropius y Molí-Nagy: editores y autores de algunos volúmenes de los libros de Bauhaus.MARCEL BREUER: cabeza del área de diseño industrial, invento muebles de acero tubular. Silla “Wassily”HERBERT BAYER: a cargo del área de diseño y de enseñar la nueva tipografía. Diseño una tipografía universal que redujo el alfabeto a formas claras, simples y racionales (tipografía sans serif). En 1925 elimino las mayúsculas.Utilizaba barras y puntos para subdividir el espacio, para unificar elementos diversos o para que lo importante se destacara. Usaba formas elementales y el negro como tono puro y brillante. Composiciones abiertas y dinámicas con horizontales y verticales pronunciadas caracterizaron su periodo en Bauhaus.Estuvo a cargo de la cátedra de logotipos y publicidad.

BERLIN (1930-1933)1928 Gropius Renuncia. Con el se marchan Molí – Nagy y Bayer.HANNES MEYER nuevo director.MEYER: funcionalismos basados fundamentalmente en la exaltación del productivismo, del antiestiticismo, del realismo, del colectivismo y del materialismo. Posición ansiarte que nada tiene que ver con el dadaísmo. Sino que es constructivista rusa. Meyer oposición a la tesis de Gropius principalmente la relativa a la unidad entre arte y técnica.Renuncia en 1930. de 1930 a 1933 Asume MIES VAN DER ROHE arquitecto. Escasas contribuciones teóricas y prácticas de diseño industrial y grafico. En 1933 clausura por las persecuciones de los nazis.

GRÁFICA DE ENTREGUERRAEL CARTEL Modernismo grafico: corriente del diseño gráfico del SXX que se inicio con el cartel de Bernhard. Era una respuesta a las necesidades de la Guerra Mundial.LUCIAN BERNHARD: “Anuncio de cerrillos Priester”. En el redujo la comunicación a 1 palabra y 2 cerrillos. (Simplificación y reducción del naturalismo en el lenguaje grafico de las formas).Establecía una proporción del cartel al emplear formas de colores lisos, el nombre y la imagen de producto.Su énfasis en la reducción, la forma minimalista y la simplificación anticiparon el movimiento constructivista.HOLWEIN: No posee una estricta síntesis objetual como Bernhard pero impone sus carteles con composiciones de corte tradicional, sofisticación, reduciendo formas, líneas y sombreados al mínimo esencial y enfatizando la vitalidad del cartel figurativo a través de combinatorias de color.

EL CARTEL VA A LA GUERRACartel: importante medio de comunicación durante la guerra. Gobierno recurrió a el como principal propaganda y persuasión visual, para reclutar ejercito y mantener el apoyo popular a la guerra.Los carteles de las potencias centrales (Alemania y Austro-Hungría) y los Aliados (Francia, Gran Bretaña y EEUU) fueron distintos.

Centrales: enfoque de diseño continuaba tradición de la secesión vienesa y Bernhard. Palabras e imágenes integradas y la esencia de la comunicación fue expresada al simplificar las imágenes en formas y modelos poderosos. Bernhard adopto un enfoque gótico en varios de sus carteles bélicos para rescatar algo del pasado nacional.A estos carteles les faltaba lo emocional, humano y espontáneo del cartel aliado.Aliados: tenían una grafica más ilustrativa (con imágenes mas literales que simbólicas). Los carteles británicos hacían un llamado a la necesidad de proteger los valores tradicionales, el hogar y la flia.Tono popular. Pueblo percudido por la moral individual y colectiva.EEUU: patriotismo publico. Su bandera mejor representación.Una de las funciones del cartel era ensalzar a los soldados del país y crear un culto alrededor de los lideres nacionales o de figuras simbólicas. (Figura tío sam)

POSGUERRAART DECO: da nombre a los estilos geométricos populares de la década del 20, es la expresión, no es un movimiento, sino de la sensibilidad estética general de la década. Estilo dominante entre las 2 guerras.Geometría aerodinámica, zigzag moderno y decorativo. Expresar la era moderna de las maquinas y al mismo tiempo satisfacer la pasión por la decoración.

Artistas con antecedentes Art deco y CubismoKAUFFER: incorporo cubismo a su obra. Diseño carteles para el transporte subterráneo de Londres. Producía en sus obras no una copia sino un símbolo simplificado formalizado y más expresivo, características que toma del cubismo.CASSANDRE: incorporo cubismo a su obra. Diseños sencillos y audaces enfatizaban la bidimensionalidad y estaban compuestos por planos de color amplios simplificados. Al simplificar sus temas como símbolos casi iconográficos se aproximo al cubismo sintético. Integraba palabras e imágenes en una composición completa. Afición por los rótulos. Promociono el uso del ferrocarril, rutas (contratado por el estado francés) Uso del aerógrafo. Síntesis geométrica con colores puros.LOUPOT : Funda un estudio junto a Cassandre - Alianza Cassandre.Principal aporte: descomposición de la imagen para que el espectador la reconstruya (publicidad de aperitivos)CARLU: Se aproxima al modernismo grafico al combinar la copia telegráfica, las formas y las estructuras geométricas poderosas don un conjunto de imágenes simbólicas.Las ideas eran representadas por símbolos creados por medio de la simplificación de las formas naturales en siluetas casi pictóricas.COLIN: organización más frecuente de sus diseños consiste en colocar una figura o un objeto en el centro delante de un fondo de color. Imágenes fuertes centrales. Diferentes técnicas de dibujo, cambios de escala, transparencias en imágenes sobrepuestas.

DISEÑADORES INDEPENDIENTES EN HOLANDA Y ALEMANIA FUERA DEL BAUHAUS• HolandaPIET ZWART: Creo una síntesis a partir de 2 influencias: dadaísmo y De Stijl. Sin embargo nunca se unió a De Stijl porque creía que era demasiado dogmático y restrictivo en sus puntos de vista. Sin embargo sus proyectos de interiores evolucionaron hacia el funcionalismo y claridad de tipo De Stijl. Con respecto a la tipografía rechazo la composición simétrica tradicional como la insistencia de la corriente De Stijl en las horizontales y verticales rigurosa.Unió la técnica del collage con la preocupación conciente por la comunicación funcional. El fue parte de las voces independientes de la nueva tipografía al igual que los otros dos holandeses: Werkman y Schuitema, junto con otros artistas. Diseño el espacio como un campo de tensión por medio de la composición rítmica, los contraste de tamaño y peso, interacción entre la forma negra y la página blanca.Para Zwart eran inquietudes importantes la necesidad de una tipografía en armonía con su época y con los medios de producción disponibles.Basándose en la idea de un diseño más racional al que apuntaban los holandeses, Zwart buscaba tener el control de todo, tanto la tecnología como las piezas mismas.Rechazaba la decoración, todo debía ser funcional. (logo personal P y cuadrado negro).PAUL SCHUITEMA: holandés. Muy influenciado por De Stijl y el futurismo, busco siempre el arte objetivo, para ello se valió de recursos como la fotografía, la sobreimpresión y el fotomontaje. Poco a poco fue adoptando el lenguaje de la grafica constructivista. Es conocido por innovar en los sellos postales, cambiando los típicos reyes que aparecían en ellos por lugares característicos.Su estilo era directo y frontal. La idea era producir el máximo efecto con os mínimos medios. Realizo folletos y anuncios para las balanzas Berkel.Más tarde se involucra al cine donde es reconocido con importantes premios.

HENDRIK WERKMAN: holandés. Aficionado por la experimentación con los tipos, la tinta y los rodillos para tinta, para una expresión puramente artística.Tras la 1 GM estableció una pequeña compañía impresora. Para reproducir las composiciones únicas llamadas Druksels (impresiones) empleaba tipos, líneas, tinta de impresión, rodillos manuales y una pequeña imprenta. Le apasionaba la impresión. Para construir sus diseños partía de componentes ya hechos, proceso similar a los dadaístas (particularmente fotomontaje). Al igual que Lissitzky exploro el tipo como una forma visual concreta y como una forma de comunicación del alfabeto. Trabajo con esténciles. (Realizo afiches Lenin)

• AlemaniaKURT SCHITWITTERS: Conformo un estilo dadaísta propio en 1919 llamado MERZ.Las pinturas Merz eran collage en las que usaba anuncios impresos, desperdicios y materiales fusionados, para componer color contra color, forma contra forma y textura contra textura.A principios de los años 20, el constructivismo se volvió una influencia para el trabajo de Schiwitters, después de ponerse en contacto con El Lissitzky y Theo Van Doesburg, quienes lo invitaron a Holanda a promover el dadaísmo. Edito el periódico Merz.Su principal cliente fue Pelikan.JOHN HEARFIELD: Miembro fundador del grupo dadaísta de Berlinés el año 1919. Utilizo el fotomontaje como una potente arma de propaganda (diseño político) e innovo la preparación del arte mecánico para la impresión offset.Los fotomontajes de Hearfield no están dirigidos sobre la personalidad creadora única sino sobre la expresión directa, colectiva y general. Es realista porque no solo representa e investiga el mundo, sino porque también lo transforma.Su arma era el grafismo. Sus láminas eran creadas para ser difundidas en grandes tiradas.GEORG GROSZ: otro miembro fundador del dadaísmo berlines. Atacaba a la sociedad corrupta con la sátira y la caricatura. Abogo por una sociedad sin clases y sus dibujos proyectaban una fuerza colérica de convicciones políticas profundas en lo que el consideraba como un medio decadente, degenerado.Heredero de la retórica y los ataques de Marinetti contra todas las tradiciones artísticas y sociales, el dadaísmo fue el mov. liberador mas importante de su tiempo.Sus dibujos expresaban desesperación, cólera y resentimiento. Dibujaba borrachos, hombres vomitando, asesinos, suicidas, soldados sin nariz. Difundía su sentimiento antimilitarista. Estos dibujos no eran solo una denuncia y acusación hecha desde una tribuna moral sino que eran una confesión también.1920 a 1922 nuevas pinturas llamadas pinturas de autómatas, estan situadas dentro de un contexto ideológico del hombre nuevo. Intento en estas pinturas que sean comprensibles para todos los individuos. Con ellas se separo del estilo expresionista y comenzaba a respetar una exigencia de la época: percibir y aceptar la realidad. Esto significo el primer paso hacia la Nueva Objetividad. (De la cual fue uno de los representantes más importantes). Lo que interesaba era la funcionalidad de sus temas en el sentido de alcanzar la objetividad y claridad del dibujo.

LA NUEVA TIPOGRAFIAConcepto: Se trata de diseñadores que trabajaron independientemente a los movimientos modernos o de la Bauhaus tomando como instrumentos comunicativos los caracteres tipográficos.Su filosofía: los caracteres dejan de ser simples elementos de la escritura para pasar a ser instrumentos comunicativos. La identidad pasa a ser una expresión visual y formal de un pensamiento colectivo y perteneciente a una cultura determinada. PrecursoresIAN TSCHICHOLD: principal responsable del desarrollo de las teorías sobre la aplicación de las ideas constructivistas a la tipografía y de introducirla mas ampliamente.En 1923 realiza sus primeros planteos y análisis a cerca del rol fundamental que debe cumplir la tipografía: la clara comunicación.Buscaba encontrar una tipografía nueva que expresara el espíritu, la vitalidad y sensibilidad de su época.El Bauhaus, De Stijl y el Constructivismo representan grandes influencias del pensamiento de Tschichold.1925 Publica la revista de Leipzig “Typographische Mitteilungen”, una especie de manifiesto bajo el titulo de “tipografía elemental” que recogía una serie de principios:- La nueva tipografía esta orientada hacia la FUNCION.- La función de cualquier pieza tipográfica es la COMUNICACIÓN. Esta debe aparecer en la forma más breve, simple y urgente.- La forma elemental de la letra es la sans serif en todas sus variantes (esta fue declarada un tipo moderno). A través del uso diferenciado de cuerpos y tipos la composición lógica del texto impreso se hace visible.- Las áreas no impresas del papel son elementos perceptibles de diseñar tanto como lo impreso. Se deben establecer relaciones entre los valores formales positivos (mancha de texto) y los valores negativos (blanco del papel).- el diseño racional tipográfico consiste en la creación de la relación lógica y visual entre las letras, las palabras y el texto, a cual queda determinada a las características especificas de cada trabajo.

- Con el fin de incrementar el carácter de urgencia de la nueva tipografía se pueden utilizar líneas verticales y diagonales como medios de organización interna.- Rechaza toda la decoración (ornamentos) en pos de un diseño racional. (Diseño pensado para la comunicación)- el orden de los elementos de la nueva tipografía debe basarse en la estandarización del formato en los papeles según las normas DIN. En particular A4- Grilla de contención: elementos que controlan la lectura y estructuran la páginaLa meta de la nueva tipografía es una presentación objetiva e impersonal, desprovista de individualidad. El fin último es la legibilidad. Tschichold consideraba que la organización simétrica de los componentes del campo es artificial, en cambio la asimétrica expresa mayores contrastes y resulta más espontánea.En los años 30 se aleja de la nueva tipografía. El sentía que la nueva tipografía era adecuada para publicitar productos industriales pero no para otro tipo de comunicación como obras de Shakespeare. Usa organización simétrica y tipos serif. “no hay que forzarse a un tipo de diseño sino elegir la estética que mejor va con el proyecto”.

DISEÑO DE TIPOS DE LETRA PARA EL SIGLO XXLa pasión por la nueva tipografía creo un torrente de estilos san serif durante los primeros 20 años.Johnston`S Railway: creada por Edward Johnston en 1916 para el uso exclusivo del subterráneo de Londres.Gill Sans: diseño simple basado en formas clásicas de la antigüedad diseñado por Eric Gill. También diseño la Perpetua, tipo de letra romana antigua inspirada en la inscripción de la columna trajana pero rediseñado para adaptarlo a las necesidades del vaciado de letras y la impresión.Gill fue el primero en anticipar el concepto de las longitudes de líneas desiguales en el diseño tipográfico.

Futura: creada por Paul Renner.Fuente geométrica más exitosa. Su diseño innovador se basa en las formas puras y elementales que tanto abogaban en su uso el Bauhaus, De Stijl y Constructivismo. El circulo, el triangulo y el cuadrado son los patrones geométricos a partir de los cuales se elabora la Futura pero desplegando una absoluta armonía y equilibrio entre sensibilidad y objetividad.De esta manera la Futura satisface las exigencias formales y funcionales de su época. Sus ajustes ópticos evidencian la calidad con la que fue creada. Renner desarrolla un completo programa visual que incluye todas las versiones requeridas para conformar la familia tipográfica, y con un enfoque racional y absolutamente controlado y preciso considera también la necesidad de rediseñar, según los cuerpos, cada carácter y grabarlo para poder así corregir las imperfecciones que se producen cuando se amplia o reduce la letra mecánicamente. Stempel, Palatino, Melior, Óptima: creadas por Herman Zapf. Sus tipos durante el final de los años 40 y 50 son considerados como uno de los diseños de tipos más importantes del siglo. Aunque en sus diseños de tipos de letras están basados en la profunda compresión del pasado en ellos se encuentra la originalidad que proporciona la compresión de las nuevas tecnologías de este siglo.Times New Roman: creada por Stanley Morrison. Con ascendentes y descendentes cortas, serif puntiagudos pequeños. Fue introducido en 1932 en la edición del periódico “The Times” de Londres. Caracterizada por su legibilidad y claridad.

DISEÑADORES INDEPENDIENTES DE LA NUEVA TIPOGRAFIA:(Zwart, Werkman, Schuitema ver diseño en Holanda)

LADISLAV SUTMAR: partidario del diseño funcional. Abogaba por el ideal de la Bauhaus y por la aplicación de los principios de diseño a todos los aspectos de la vida contemporánea. Sus diseños se caracterizaban por la simplicidad de organización y una claridad tipográfica que dieron un fuerte impacto en la comunicación. HERBERT MATTER: diseñador y fotógrafo suizo. Contribuyo en la utilización de la fotografía como instrumento de comunicación grafica. Principios de los años 30 trabajo e la fundicion de tipos Deberry y Peinot como fotógrafo y diseñador tipográfico. Colaboro en los carteles de Cassandre. En Suiza diseño carteles para el Ministerio Nacional de Turismo.Al igual que Molí Nagy comprendía la organización y técnicas visuales del movimiento moderno, tal como el colage y el montaje. Carteles con fotomontaje, cambio de escala dinámico e integración de la tipografía e ilustración . Con fotografía blanco y negro exploro los contrates de escala y la integración del color.WALTER HERDEG: suizo. Durante años 30 innovador en el uso de la fotografía en el dg. Logro vitalidad por medio de selección y recorte de imágenes fotográficas para publicidad de lugares vacacionales de Suiza. Creo una unidad grafica por medio de la aplicación de un símbolo solar estilizado y un logotipo gesticulativo.HENRYK BERLEWI: polaco. Influenciado por Lissitzky. Desarrollo su teoría de la Mechano- Factura. Convencido de que el arte moderno estaba lleno de escollos ilusionistas mecanizo la pintura y el dg en una abstracción elaborada que excluye cualquier ilusión tridimensional. Mecanización del arte: expresión de la sociedad industrial.WILLEN SANDBERG: diseñador y director de los Museos de Ámsterdam. Durante la guerra creo su Experimenta typographica. Ensayos tipográficos de la forma y del espacio que inspiraron su trabajo posterior.Rechazaba la simetría y utilizaba colores primarios brillantes. Combinaba tipos sans serif con collage.

EL ESTILO TIPOGRAFICO INTERNACIONALAños 50: Suiza: estilos de diseño llamado diseño suizo o estilo tipográfico internacional.

Características visuales: unidad visual de diseño lograda por medio de la organización asimétrica de los elementos del diseño sobre una red dibujada matemáticamente. El uso de tipo san serif (particularmente helvética); series de tipografía de una configuración de márgenes nivelados del lado izquierdo e irregulares del derecho, fotografía y original objetivos, que presentan información visual y verbal de manera clara e imparcial.Más importante es la actitud de este movimiento. El diseño era definido como una actividad socialmente útil e importante. La expresión personal y soluciones excéntricas son rechazadas a favor de un enfoque “MAS UNIVERSAL” y científico para resolver los problemas de diseño.El diseñador define su papel no como artista sino como conductor objetivo para difundir información entre la sociedad. La claridad y el orden constituyen el ideal. Piensan que las san serif expresan el espíritu de la época y que las redes matemáticas son los medios mas legibles y armoniosos para estructurar la información.

Pioneros del Movimiento SuizoLas raíces del estilo tipográfico provienen de la corriente De Stijl, la Bauhaus y la nueva tipografía.

ERNST KELLER: opinaba que la solución a los problemas de diseño debía surgir del contenido. Realizo obras diversas. Hizo el cartel 1931 para la expo de arquitectura de Walter Gropius (mano de contornos geométricos sujetando una llana de albañil).THEO BALLMER: estudio en Bauhaus. Aplico principios De Stijl al usar una red aritmética de líneas horizontales y verticales. Cartel büro: trabajo en negro y su reflejo en rojo cuidadosamente elaborados sobre una cuadricula.MAX BILL: asistio a Bauhaus. Estudio con Gropius, Meyer, Moholy Nagy, Josef albers y Kandisky.Diseño de carteles de Bill se puede ver la estética del arte concreto aplicada a los problemas de diseño. Sus composiciones están construidas por elementos geométricos esenciales organizados con un orden absoluto.Bill papel importante al aplicar un ideal constructivista en el dg. La proporción matemática, la división espacial geométrica y el empleo del tipo Akzidenz Grotesque. Evolución del arte y diseño de Bill basado en el desarrollo de principios coherentes de organización visual.1950: involucrado en el proyecto del plan de estudios y de los edificios para el instituto de diseño en Ulm Alemania (escuela que opero hasta 1968).THEO VAN DOESBURG: Formulo el manifiesto de arte concreto en 1930. Clamaba por un arte universal de claridad absoluta.MAX HUBER: introdujo vitalidad y complejidad en su trabajo. Estudio ideas formales en Bauhaus y experimento con el fotomontaje en la Escuela de Artes y oficios de Zurch. Inicio su carrera en Suiza y colaboro con Max Hill en proyectos de diseño de exposiciones. Regreso a Italia. Combinaba matices brillantes, puros con fotografías en organizaciones visuales complejas. Aprovecho la transparencia de las tintas de impresión para diseñar formas e imágenes que se superponían para crear capas de información.

NUEVOS TIPOS DE LETRA SUIZA SANS SERIFAños 50: Nuevos tipos sans serifRechazaron los estilos san serif geométricos de los años 20 a favor de diseños nuevos inspirados por las fundiciones de Akzidens Grotesque del SXX.1954: ADRIAN FRUTIGUER: creo la Univers. Fue ampliada las variaciones tipograficas. Todas sus variables tienen la misma altura de x, así como largos el mismo largo ascendente y descendente, por lo que forman un todo uniforme pudiendo combinarse con armonía. El tamaño y negrura de las mayúsculas es casi igual al de los caracteres de caja baja por lo que la composición tiene un color uniforme.Mediados de los 50 Edovard Hofmanmm y Max Miedinger realizaron la Helvetica. Altura de X mas grande que Univers.La Helvetica es un tipo de letra con formas bien definidas con excelente ritmo de figuras positivas y negativas. Diferentes negruras, anchuras y demás en sus variables. Carece de la armonía del estilo Univers.

EL DISEÑO EN BASILEA Y ZURICHLas décadas del `20 y del `30 significan para Suiza el origen y la base de un diseño que cobra fuerza e identidad en la II posguerra transformándose en el paradigma del diseño gráfico a nivel internacional, y la manifestación en el área de la comunicación visual de un pensamiento sistemático con un fuerte contenido social.Los pilares históricos de lo que se da en llamar «La Escuela Suiza» pueden buscarse en tres elementos concretos: la pedagogía de la Escuela de Artes y Oficios de Zurich, la pedagogía de la Escuela de Artes y Oficios de Basilea. El carácter específico de la pedagogía de la Escuela suiza es marcada por la presencia de importantes personalidades en cada una de las dos instituciones: en la Escuela Basilea encontramos a EMIL RUDER y ARMIN HOFMANN dedicados especialmente al desarrollo tipográfico fundamentado en la legibilidad y un diseño total sistemático basado en la utilización de retículas y grillas para introducir todos los elementos en armonía para sustituir las «ideas ilustradas».

Emil Ruder fomentaba en sus alumnos la utilización y el aprecio del espacio en blanco como parte integrante del diseño así como la limitación en el uso de diferentes tipografías. Les enseñaba a descubrir el balance correcto entere la forma y la función y que cuando el tipo pierde su significado comunicativo pierde su propósito.El diseño suizo comenzó a incorporarse como un movimiento internacional unificado cuando el periódico NEW GRAPHIC DESIGN inicio su publicación en 1959. Sus editores eran: Richard Lohse, Josef Muller- Brokmann, Hens Neuburg y Carlo Vivarelli.Periódico trilingüe. Presentaba la filosofía y meritos del movimiento suizo a un publico internacional.

JOSEF MULLER-BROKMANN: buscaba una expresión grafica objetiva e impersonal para comunicarse con el publico, sin interferencia de los sentimientos subjetivos del diseñador y desprovisto de técnicas propagandísticas de persuasión. Sus carteles comunican el mensaje con intensidad y claridad.El cartel exposición Der Film: una obra maestra de Brokmann. Muestra armonía universal del diseño lograda por la división espacial matemática. La organización de este cartel tiene su origen en las necesidades de la comunicación funcional. Por su simplicidad elemental este cartel combina la comunicación efectiva de la información con la expresión del contenido y la armonía visual.SIEGFRIED ODERMATT: trabajo para clientes corporativos en las áreas de desarrollo de marcas de fábrica, graficas informativas, publicidad y embalaje. Combino la presentación limpia, eficiente de la información, la fotografía directa usada con dramatismo e impacto. Fotografías: recorte e iluminación.Expresa originalidad a través de la idea pero no del estilo visual.

GRAFICA ITALIANA (influencias de la escuela Suiza)El despliegue del diseño italiano del período de entre-guerras es producto de dos fuertes presencias: la vanguardia futurista y el fascismo. En contraste con las preferencias oficialistas fascistas aparecen algunas revistas especializadas como Campo Gráfico, Domus, Quadrante, Casabella, Rassegna, Lotus, que sin ser en su mayoría revistas dedicadas al diseño gráfico son la plataforma para la experimentación de la comunicación italiana.

ESTUDIO BOGGERIEsta actitud de cambio se hace evidente en 1933 con la apertura, por parte de ANTONIO BOGGERI creador del «Studio Boggeri». El estudio Boggeri va a revolucionar la metodología proyectual brindando al comitente un servicio integral, procurando no sólo el diseño de la imagen en su totalidad sino también la producción gráfica considerando para ello la anticipación del rol del director creativo ampliando así las dimensiones del diseñador gráfico y la comprensión del estudio como un nuevo espacio donde se brinda un servicio de prestaciones calificadas. Boggeri considera al diseño como un «proceso para resolver problemas de comunicación». Su extraordinaria visión para elegir a los diseñadores que lo acompañan en los distintos momentos del estudio marca el perfil de excelencia de la gráfica que generaron. Encontramos así una primera etapa signada por diseñadores provenientes de Alemania como Khate Bernhardt, o Xanti Schawinsky , ex alumno del Bauhaus, o el húngaro Imre Reiner afincado en Suiza, que traen consigo el repertorio formal de la Nueva tipografía, los aportes racionalistas y la aplicación de las propuestas de la fotografía objetiva. En cuanto a la presencia de italianos encontramos a M. Nizzoli (deiseñdor de Olivetti), B. Munari (Campari, Pirelli), E. Carboni, F. Depero, E. Mari, F. Grignani, A. Steiner, B. Monguzzi y Calabresi. La segunda generación del estudio es desarrollada después de la II Guerra Mundial caracterizada por el aporte suizo a través del ingreso de personalidades que renovarán la gráfica italiana importando una actitud sistemática en la proyectación. Los suizos Max Huber, Carlo Vivarelli, Walter Ballmer, Lora Lamm, Hazy Osterwalder y el holandés Bob Noorda son los encargados de integrar los criterios metodológicos y objetivos al «DESIGN ITALIANO». Design= Estilo.El estilo italiano no nace de una irreflexiva asimilación de las expresiones extranjeras, sino de una integración a su propia sensibilidad que da origen a un diseño con una gran vitalidad, variedad y audacia, generando una imagen multiforme y con una gran capacidad para el cambio y la diversidad.El Design influía en todo desarrollo de diseño italiano desde la publicidad hasta la arquitectura. No solo las grandes empresas exportadoras o con sucursales en el extranjero apostaron a un diseño grafico italiano moderno sino que también lo hicieron los comerciantes del mercado interno como las cadenas de almacenes La Rinascente y Upin de Milán, cuya dirección grafica estuvo en manos de la diseñadora Suiza Lora Lamm. Lamm confió a TOMÁS MALDONADO el rediseño de la imagen de la identidad de la cadena de establecimientos Upin.Tomas Maldonado, argentino afincado en Italia añadió al design italiano una vocación sistematizadota mas exhaustiva y rigurosa.Los italianos (especialistas en rediseños) tienen la capacidad étnica y cultural de metabolizar cualquier patrón, modelo o estilo, dándole una particular y renovadora versión más brillante y original. Aparte son capaces de asimilar hallazgos ajenos. En el diseño italiano residen elementos como:• La asimilación de la manera suiza, asimilada directamente a través de los diseñadores italianos.• la natural asimilación de la helvetica• la metodología y los tratamientos de la imagen originados en Alemania y vulgarizados por los suizos.

Grafica Suiza: controlada y rígida. Grafica Italiana: espontánea y suelta.

DESARROLLO DE LA IMAGEN CORPORATIVA PARA OLIVETTIOlivetti Fundada en 1908, empieza a fabricar máquinas de escribir y desde sus inicios desarrolla una especial atención en la elaboración de la expresión de la imagen de identidad corporativa. Su hijo Adriano Olivetti contrata en 1935 a uno de los diseñadores industriales y gráficos más importante del momento: Marcello Nizzoli (1887-1969) y al año siguiente a Giovanni Pintori estableciendo así una alianza única entre empresa y diseñador gráfico que se mantuvo durante 31 años. Les encomienda la difusión de su empresa a través de la identificación corporativa. En los trabajos de Pintori siempre se exalta la tecnología del producto en plena relación con el usuario. Formas simplificadas quye visualizan los mecanismos y procesos de La maquinaria de Olivetti.

UNIMARKBOB NORAD (holandés) uno de los grandes del “estilo italiano” fundo en 1965 una plataforma de diseño internacional con el nombre de Unimark, en la cual participaba Máximo Vignello.Realizaban estudios de mercado para darle soluciones a las empresas nacionales y multinacionales. El diseño grafico depende del mercado, no de la actitud que toma el diseñador. Realizaron grafica del metro de Milán, Washington, Nueva York y San Pablo.

DISEÑO GRAFICO USALA INMIGRACIÓN EUROPEAComienza cerca de los años 30. Los 3 primeros que trajeron el modernismo europeo al diseño grafico americano fueron los rusos Ertè, Alexey Brodovich y Josef Binder.ERTÈ: Ilustrador en Paris. Diseñador Art-Decó. Estilizados dibujos con exótica decoración persa. Tapas e ilustraciones para “Harper`s Bazaar”.ALEXEI BRODOVICH: Dirigio Harper`s Bazaar (1934-1958). Realizo diseño editorial. Usaba fotos de Salvador Dali, M. Ray y Cartier Bresson. Tenía dominio de contrastes de escala. Realizo el logo de Portfolio en stencil.JOSEF BINDER: Tenia un estilo refinado. Uso del aerógrafo. Influencia cubista. Algunas de sus obras son: “New Cork Wordls” (formas simples y refinadas). Café helado (póster cubista)

HERBERT BAYER Y MOHOLI NAGY EN EEUUBAYER realizo posters después de la guerra que por sus cualidades ilustrativas podían compararse con su constructivismo durante el Bauhaus de Dessau. Bayer giro su estilo hacia una ilustración pictórica combinada con la información.En 1953 la Container Corporation Publico el World Geo-Graphic Atlas. Bayer fue el diseñador y editor de este volumen y trabajo 5 años en este proyecto.MOHOLI NAGY patrocinado por la Asociación de Artes e Industria llego a Chicago en 1937 y estableció el New Bauhaus. Cerró un año después por problemas financieros. Pero el actuó para abrir la escuela de diseño en 1939.

ESCUELA DE NUEVA YORKNY se convirtió en el centro cultural del mundo en pleno siglo XX y las innovaciones en el DG ocuparon un papel importante.En los años 40 se dieron los primeros pasos hacia un enfoque estadounidense original del diseño. El diseño europeo era teórico y sumamente estructurado, el diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en su enfoque para la organización del espacio.Sin embargo el diseño de EEUU posee fuertes raíces europeas.En EEUU se puso énfasis en la expresión de las ideas y en la presentación abierta, directa de la información. En esta sociedad altamente competitiva la novedad de la técnica y la originalidad del concepto eran muy apreciadas y los diseñadores buscaron resolver los problemas de la comunicación y satisfacer una necesidad de expresión personal.

Se conoce como ESCUELA DE NEW YORK a un grupo de diseñadores independientes norte-americanos que por su trabajo durante las décadas del cuarenta, cincuenta y sesenta caracterizan un estilo de diseño muy particular.Este movimiento, con una fuerte raíz intuitiva, cuenta entre sus exponentes con Paul Rand, A. Lusting, Saul Bass, Milton Glaser, H. Lubalin, B. Thompson.Todos ellos con un amplio conocimiento del movimiento moderno, cosa que les permite apropiarse tanto del collage como del fotomontaje para generar imágenes que transmitieran los conceptos reduciéndolos a su esencia simbólica. Estas imágenes, generadas libremente, sin ninguna atadura a concepciones teóricas prefijadas, logran tener una vida autónoma tanto conceptual como expresiva.Siempre con mucha agudeza en el contenido de la comunicación pero sin perder el lado lúdico, dinámico o inesperado. La sensibilidad de estos trabajos sumados a una resolución gráfica sencilla y dominante hace que estos se convirtieran en signos pictográficos elementales. Como ejemplo se pueden citar el I Love N. Y. de Milton Glaser o las marcas de Paul Rand para IBM o Westinghouse, todos modelos de solidez conceptual y precisión gráfica.

PAUL RAND (1914-1996): Es sin duda el diseñador más importante de la escuela de New York, comienza su extensa y prolífica carrera en 1932 diseñando piezas editoriales y promocionales para revistas como Esquire, Apparel Arts o Glass Packer.Su particular estilo basado en un profundo conocimiento de las vanguardias artísticas europeas le permite desarrollar un lenguaje gráfico único acompañado de una cuota de humor y dinamismo propia del estilo norteamericano.En 1946 que escribe su ensayo «The Designer’s Role», en el que recalca la necesidadde generar un equipo compacto y estable entre copywriters y directores de arte, como así también la importancia de soluciones inteligentes que reforzarán los contenidos. Para después de la guerra Rand ya es reconocido tanto por su talento como diseñador como por su postura filosófica al respecto, ambas plasmadas en su primer libro «Thoughts on Design» de 1946.Durante la década del cincuenta su trabajo se centra en diversos trabajos de identidad corporativa, todos ellos enfocados de manera independiente y única generando marcas para grandes empresas norteamericanas como IBM, Westinghouse o ABC.ALVIN LUSTING: Se dedico a la arquitectura, diseño industrial, diseño grafico. Se caracterizaba por diseños geométricos y abstractos. Buscaba símbolos que capturaran la esencia del contenido y tratando la forma y el contenido como un todo. BRADBURRY THOMPSON: uno de los dg más influyentes de la posguerra de los EEUU. Poseía conocimientos de impresión y fundición lo que le permitió experimentar estas técnicas y también con planchas de impresión. Utiliza la caja de tipos para diseñar. Gran manejo de situaciones complejas.MILTON GLASER: Es reconocido por la espiritualidad de sus creaciones, en las cuales siempre están los componentes fundamentales de su obra: humor, color, variedad, sensibilidad y humanidad.Demuestra en cada una de sus obras sus influencias surrealistas, constructivistas, cubistas, mezcladas con su admiración por Walt Disney y las acuarelas chinas.A lo largo de toda su carrera siempre ha sostenido que la indiferencia y el aburrimiento son los peores enemigos de los diseñadores, y que en realidad no existe diferencia entre generar un programa gráfico para un restaurant o para una publicación editorial.Junto con Seymour Chwast, Ed Sorel y Reynold Ruffins forma el «Push Pin Studios» desde donde surgen cantidades de logotipos, revistas, tapas de discos, afiches, etc. entre las que se puede citar: Push Pin Graphic Magazine y New York Magazine, rediseñando también Esquire, Voice, Paris Match y el Washington Post.Se inspiraron en la historia del arte desde la pintura renacentista hasta los libros humorísticos con imágenes e ilustraciones. El Push-Pin utilizo estos recursos pero reinventando nuevas e inesperadas formas. Se incorpora la ilustración al DG a través de una nueva manera de ver y representar.Al estudio Push Pin se unieron cerca de 20 gráficos de primera línea entre diseñadores e ilustradores. El Push Pin style era una unidad de las técnicas visuales e imágenes. Significaba la habilidad de integrar el mundo de las imágenes en un todo decorativo.SAUL BASS: es el encargado de llevar la sensibilidad de la escuela de NY a los Ángeles. Paul Rand es una inspiración para el. Pero Bass a diferencia de Rand que usaba contrastes complejos, redujo el DG a una imagen dominante, sencilla usualmente centrada en el espacio. Despejo al Dg. estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicaron a una imagen pictórica sencilla. Realizo carteles para películas. Primer programa completo de diseño para la película “The man with the golden arm” (afiche del brazo) Realizo para su presentación una secuencia cinética de barras y tipografía al ritmo del jazz. Las barras se transformaron al final en el brazo pictórico del logotipo.Bass se convirtió en el maestro reconocido de los títulos de películas. Esta combinación y síntesis de la forma fue llevada al área grafica. Un ejemplo son los gráficos para la película Exodus. También creo programas de identidad corporativa.GEORGE TSCHERRY: (húngaro) Tenia la habilidad de encontrar la esencia de cada tema y expresarlo en términos simples y elegantes, sin detalles de más. Usaba tipografía, fotografía y caligrafía. HERB LUBALIN: Aficionado por la tipografía. Sostenía que un director de arte debía conocer las características fundamentales de cada tipo de letra `para poder elegir correctamente.Demostro la elasticidad de l aletra: la expandia, la condensaba, la rompio o la rediseñaba. Se lo menciona como el lider de la nueva tipografia. Su concepción del diseño es que l aidea precede al diseño y asi lo represento en su obra tipografica.

Unio la claridad representativa de las imágenes con la claridad conceptual de la palabras. Conviertio palabras y letras en imagens y las imágenes las podia convertir en una palabra o letra Ej. Marriage y Mother and Chile (ideogramas del tema) Trabajo en las revista Fact y Avasnt Garde. En esta ultima hizo grandes innovaciones. Su logo esta compuesto por ligaduras desarrollada con la familia tipografica del mismo nombre.

EL DESARROLLO DE LAS AGENCIAS DE PUBLICIDADFinalizada la segunda guerra mundial, las agencias de publicidad norteamericanas comienzan a desarrollarse y a ganar posiciones internacionalmente respaldadas por una industria en pleno desarrollo y con una nueva e incomparable arma de difusión: la televisión.

Esto hace que en New York, se genere lo que se conoce como Madison Avenue, o la avenida de la publicidad, ya que allí se establecen durante el fin de la década del cuarenta y la década del cincuenta casi todas las grandes agencias de publicidad.Nombres como: MacCann-Erickson, Young & Rubicam, J. Walter Thompson, etc. comienzan a desarrollarse de la mano de la industria norteamericana, y expandiéndose al resto del mundo.Durante la década del sesenta la publicidad se orienta en base a esta detallada clasificación de la sociedad, permitiendo apuntar los diversos productos asociándolos con los deseos, temores, necesidades y aspiraciones de cada parte de la sociedad.David Ogilvy Se lo considera un caso extraordinario dentro del mundo de la publicidad, este escocés de origen entra al mundo de publicidad luego de haber pasado por una innumerable cantidad de trabajos tanto en Estados Unidos como en Inglaterra. Funda la agencia «Ogilvy & Mather» en 1949.Ogilvy plantea una postura menos agresiva con respecto a la publicidad, generando un estilo de publicidad conocido como el «sépalo todo». Esos postulados son las directrices que acompañan y delinean su carrera:• Al menos que la campaña se base en una buena idea, no hay duda de que se vendrá abajo.• Más hechos reales y menos adjetivos• Lo que se dice es más importante que todo lo demás• Hay que tener buena educación y no hacer de payaso• No se debe cansar al consumidor bombardeándolo con mensajes• Debe hacerse publicidad contemporánea• Los comités pueden criticar los anuncios pero no pueden redactarlos• Si se tiene suerte de acertar con un buen anuncio, hay que repetirlo hasta que deje de interesar• No hay que redactar un anuncio que nos desagradaría que leyese nuestra propia familia• La imagen y la marca• Nada de plagiosSu estilo de publicidad basado en sus once premisas, hacen que su agencia se desarrolle y en menos de quince años se sitúe dentro de las diez más importantes del mundo, llegando hoy en día a tener clientes como: American Express, TWA o Schweppes.Bill Bernbach En 1949 abrió una nueva agencia de publicidad, la “Doyle Dane Bernbach” en NY. Contaba con 13 integrantes. Bill Bernbach era el socio responsable del área creativa con sus dos socios: Bob Gage y Phyllis Robinson.En “Doyle Dane Bernbach” hablaban inteligentemente alos consumidores. Desarrollaban una estrategia para cada campaña rodeándola de cualquier avance importante, diferencia útil o característica superior del producto. A fin de abrirse paso ante los la indiferencia de los consumidores que son bombardeados con mensajes comerciales permanentes Bernbach busco un paquete imaginativo para esta información. Su mayor contribución fue la integración de palabras e imágenes de una nueva manera. Separaban la comunicación verbal, de la visual y evolucionaron la sintaxis visual verbal: palabra e imagen se fusionan en la expresión conceptual de una idea, de tal manera que se vuelven completamente independientes. Esta nueva publicidad estableció una nueva relación de trabajo a medida que escritores y directores artísticos funcionaban como equipos creativos. Debido a que el concepto se vuelve dominante el diseño de muchos de sus anuncios se reduce a los elementos básicos necesarios para comunicar el mensaje. La organización visual es simétrica ya que la disposición del diseño no se puede permitir distraerle de la presentación directa de una idea.“Doyle Dane Bernbach se convirtió en el campo de entrenamiento para una nueva publicidad.

POP ARTYa finalizada la década del 5º y tras la segunda guerra mundial comienza a gestarse el POP AET de mano de los jóvenes que se oponían a la violencia, la destrucción y por sobre todas las cosas a una nueva guerra (Vietman). Estos jóvenes se expresaban en los lugares públicos.Para esta época salía la pastilla anticonceptiva, produciendo la liberación sexual de la mujer. También la música tenia un giro al ponerse de moda el twist, el blues y el rock, sonidos también liberadores.Con respecto al cine esta es una época de Glamour donde la gente se empieza a interesas mas por los artistas, por conocer su vida, es decir que los nombres empiezan a funcionar como productos.El pop art termino destronando al expresionismo abstracto, movimiento basado en la espontaneidad. Entre los artistas más importantes se encuentra JACKSON POLLOCK creador del action painting. Este nuevo expresionismo estaba basado en los ideales de Wassily Kandinsky.En los 60 la desinhibición y la burla a los de censura producen un revival del Art Noveau, donde se suplanta lo geométrico, lo racional por la sensualidad y la experimentación.La expresión no es un gusto, sino una necesidad, los Beatles y la corriente hindú traen como consecuencia el FLOWER POWER, movimiento que llama a ser parte de la naturaleza.Los colores empiezan a ser efectos surreales de los artistas. El consumo de drogas tiene mucha influencia en el arte.Por eso podemos decir que en esta época hay 2 corrientes artísticas diferentes:

El arte lisérgico (producido bajo los efectos alucinógenos)El arte Pop (arte basado en los medios y la sociedad de consumo)Dentro del arte lisérgico tenemos a Meter Max, un artista que experimento todos los medios habidos y por haber, litografía, serigrafía, etc etc.

Los artistas pop mas destacados son ANDY WARHOL y ROY LICHTENSTEIN (artista comercial que impulsa las tiras cómicas en EEUU)La postura de Warhol era la de criticar a la sociedad de consumo. Utilizaba la repetición de imágenes, sobre todo en sus obras que trataban la muerte o los desastres, para aludir a la influencia de los medios de comunicación. Mostraba en sus obras el reflejo mismo de la sociedad. Fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. En la mayoría de sus trabajos utilizaba como base fotografías o ilustraciones. Utilizaba el método de serigrafía. Utilizaba elementos cotidianos: estrellas de Hollywood, políticos, artículos de consumo etc.En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. Su obra, Andy Warhol estuvo marcada por la frivolidad y la extravagancia.

GRAFICA EN INGLATERRAMC KNIGHT KAUFFER Los trabajos del diseñador Edward Mc Knight Kauffer logran despertar el interés popular por la gráfica publicitaria en Inglaterra. Adopta una actitud ética frente a sus trabajos y subraya los valores humanos como uno de los factores más importantes en el proceso de diseño. Los principales trabajos son las campañas publicitarias para eventos culturales a museos, la señalización para el metro londinense y gráfica para las oficinas de turismo; en donde el principal cliente es el Estado. Los trabajos de McNight Kauffer, presentan una admirable armonía entre una sensata política informativa, la incorporación de criterios industriales-comerciales y un respeto cívico hacia la sociedad consumidora.

GILL Y MORISON, LOS RENOVADORES DE LA TIPOGRAFÍA.ERIC GILL en 1928 crea el tipo Gill Sans Serif, convirtiéndose en uno de los tipos más populares en el mundo angloamericano.STANLEY MORISON (1889-1967) se interesa por la tipografía a través de la lectura de The Times. Modifica titulares, cabeceras y textos e incorpora el tipo Times New Roman, convirtiéndolo en el mejor producto gráfico de esta especialidad. En 1935 diseña el telegrama, expresando un extraordinario dominio del medio tipográfico.

EL FENÓMENO POP INGLÉSUna nueva y joven generación toma la delantera en la década del ´60 para esta nueva revolución mercantil generada por los nuevos símbolos de extraordinario impacto audiovisual. Una juventud absolutamente desligada de los modelos establecidos, liberada física e intelectualmente del contexto político y social de su época.El mundo del diseño gráfico inglés crea, en esta década, un fabuloso repertorio iconográfico basado en el repertorio de imágenes victorianas más colores erógenos de la moda pop (fucsia, verde manzana, amarillo) y una pequeña dosis de ironía. ALAN ALDRIDGE es el principal precursor de la gráfica de los Beatles. Coordinador y ilustrador de libros homenaje dedicados al conjunto. Reintrodujo con nuevos criterios la tecnica del aerografo.HEINZ EDELMANN, diseñador alemán, modelo de la estética pop inglesa, en 1966 crea la gráfica de la película «El Submarino Amarillo», el mejor paradigma para una juventud conflictuada con sentimientos lúdicos, románticos y utópicos.También encontramos a DAVID MC MEEKIN que fue quien diseño la linea grafica de los cosmeticos Mary Quant.

LOS PRIMEROS GRANDES ESTUDIOS. PENTAGRAMEstos estudios que nacen y se desarrollan a partir de la década del ´60, producen diseño gráfico resolviendo imagen corporativa y publicidad. Todos tienen la gran virtud de procesar el llamado «estilo suizo» y el ingenio americano, dando como resultado una gráfica de síntesis espectacular. Pentagram, estabilizado a mediados de los ´60 y bajo la dirección de A. FLETCHER, C. FORBES Y T. CROSBY, trabajan utilizando la creatividad y la inteligencia.El sello distintivo de la fórmula de diseño de Pentagram es la inteligencia y la adecuación del diseño a la solución del problema. Para Pentagran, el diseño es un plan para determinar el objeto. El sello que distingue el diseño de Pentagram es un extraordinario equilibrio entre la inteligencia creativa y la solución específica a cada uno de los problemas de diseño planteado. Demuestra como utilizando una estructura altamente organizada, y un nivel de creatividad dirigido a través de la inteligencia, se puede lograr un nivel de diseño extraordinario de características internacionales.

Escuela de UlmALEMANIA EN LA POSGUERRAEn 1945 tras la 2GM Alemania de encuentra devastada producto de esta y de los 10 años de nazismo, que producieron también consecuencias desastrosas en la vida social, cultural y artística.

Después del cierre de bauhaus en 1933 toda actividad en el terreno del diseño fue insignificante. La mayoría de los artistas buscaba en otros países la expresión que les negaba su patria.Cuando llega la paz el balance de la actividad artística es escasa.

LA HOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG (HFG) DE ULMInge Scoll (alemana de origen judío) promueve la creación de un instituto de diseño en homenaje a sus dos hermanos muertos en la guerra. Se casa con Otl Aicher (diseñador alemán).Entre 1945 y 1950 desarrolla la creación de una escuela de alto diseño: Aicher en 1947 escribe el primer borrador de un programa para la HFG.Ulm (HfG) juega un rol paradigmático en la formación de la inteligencia proyectual.La Hochschule für Gestaltung se interesa por la configuración de la vida cotidiana y del entorno, los productos de la industria, el comportamiento de la sociedad.No plantea enriquecer el arte, sino mostrar que la cultura necesita tener por tema la vida en su totalidad. La apertura hacia la industria como manifestación cultural se origina a causa de las deficiencias estéticas y sociales de la producción industrial; la escuela con su programa trata de participar en la eliminación de esas deficiencias.El modelo ulmiano cree que el diseño debe obtener sus resultados del objeto mismo, considerando peligroso en que el diseño se convierta en un arte aplicado y tome del arte sus soluciones. El resultado de un proyecto debe ser congruente con su propósito, los criterios de uso y la producción. Diseñar significa establecer entre el pensar y el hacer una mutua referencia.La propuesta ulmiana se orienta hacia un equilibrio entre el método estricto y la actividad creativa.La Escuela de Ulm revisa e instituye la proyectación como dominio autónomo. Por ese motivo no puede ser instrumentalizada por otras disciplinas. «Diseño es ni arte, ni tecnología, ni ciencia porque ninguno de estos dominios posee las distinciones necesarias para revelar la esencia, la proyectación» (neologismo por Tomás Maldonado. Tarea de proyectar para una sociedad, proporcionando propuestas que ayuden a generar un mundo más equitativo, más justo y donde los problemas del medio ambiente, de la ecología, de la vivienda se incorporen racional y naturalmente al quehacer proyectual).El proyecto moderno de Tomás Maldonado incorpora una conciencia creciente de los derechos civiles y la realidad ambiental, el mundo material en el que vivimos. Extiende el tradicional campo de la gráfica a la comunicación visual. Desde su creación, la HfG está impulsada por ideales políticos. La herencia cultural de los hermanos Scholl, el antinazismo de los dirigentes políticos que apoyan la propuesta, los principios anticapitalistas que se reflejan en la elección de programas y en el enfoque de la actividad proyectual. Da respuestas eficaces no a las élites sino a las mayorías, se opone al modelo consumista asumiendo una conciencia crítica frente a las leyes del mercado. El compromiso asumido por Tomás Maldonado y Gui Bonsiepe se traduce en la crítica y la autocrítica permanente y trasciende los límites de la HfG. La actitud del Estado que sólo ve el consumo como objetivo primordial es duramente criticada por Otl Aicher.

OBJETIVOSColaborar en la reconstrucción cultural alemana.Desarrollar enseñanza, investigación de objetos industrializados para solucionar problemas de industrialización.Vincular creación y vida cotidiana. Para así crear objetos que enriquezcan la cultura del hombre y lo satisfaga la experiencia cultural.Continuar y superar la tradición del bauhaus. Racionalidad diferente de funcionalidad.

PLAN DE ESTUDIOS: 4 años1- Curso Preparatorio2 y 3- especialización (diseño industrial / comunicación visual / información / arquitectura / cine)4- Tesis de grado: “Modelo Ulm”. Influye en los planes de estudio de todo el mundo, mitad practica de taller y mitad teoría, seminarios, investigación con profesores de todo el mundo, formación internacional.

ETAPAS (6)1) 1947 -1953Creación de la escuela. 2) 1953-1958Enseñanza en los edificios provisionales. Primer rector Max Bill: continua la tradición del Bauhaus. La belleza debe apuntar a lo pragmático, a la necesidad, a lo funcional. Docentes: Aicher, Gugelot, Maldonado.Inauguración oficial en 1955. Convoca a alumnos de todo el mundo, se generan conflictos por la amplitud de pensamientos y corrientes.3) 1956-1958 Las cosas no van bien. En 1957 renuncia Bill. Maldonado es el segundo rector. Reforma: Demuestra la relación ciencia-diseño –tecnología. Diseño integral: relacionado a la industria y la tecnología, pensamiento racional. Idea de diseño en torno a aspectos tecnológicos y científicos. Abandonan a lo perceptivo, intuitivo.

Diseño de objetos: surge el pensamiento racional, metodológico. Lenguaje totalmente controlado.Modelo Ulmeano: idea de belleza que se relaciona con lo funcional aplicado a las nuevas tecnologías.4) 1958-1962Se realizan exposiciones. Sus alumnos están conformes con los cambios. Venta de trabajos, autofinanciación.Excelencia del diseño dada por el diseño en su mismo. Equilibrio matemático en el diseño (Stijl).Nuevas materias: ergonometria, estudio de la figura del hombre / relación del cuerpo humano con los objetos.Docentes para diseño de productos: Rittel, Bonsiepe, Lidinger.Semiológica, Pensamiento científico racional.El diseño debe atender a la ecología, el cuidado del consumo, la perdurabilidad del objeto en el tiempo.5) 1962-1966ConsolidaciónMaldonado: cuanta teoría, practica, tecnología y ciencias necesita el alumno para el buen equilibrio de la educación? PlanteoFormaliza el sistema de enseñanza “Modelo ULM”Nueva idea de diseño: ciencia mas tecnología. La metodología esta por debajo porque se estaba llevando lo racional y científico a puntos extremos. “Si aplico este método seguro voy a tener buenos resultado”6) 1966-1968Crisis. No resulta la idea de diseño.Pensaban que el objeto (derivado de la formula, equilibrio exacto) daba como resultado una permanencia grande en el trabajo.Ponen en crisis el cambio, porque vivimos en una sociedad que vive desde lo descartable, al capitalismo le hace mal el diseño perfecto (necesitan renovar los objetos y el consumo para poder vender).USA retira los capitales para la escuela. Problemas económicos cierra en el 68.

TOMÁS MALDONADO: Diseñar -para Tomás Maldonado- implica objetivar, transformar cosas en objetos, es decidir con las técnicas científicas. El punto de partida del diseñador debe ser el «propósito» del objeto a ser proyectado; nace de la planificación, de la comprensión e interacción entre producto y ambiente.Propone exaltar los valores constructivos en el hombre con su capacidad de transformar la realidad en algo nuevo para un hombre nuevo. Define el plan de estudios de HfG a través de un pensamiento científico, junto a la sistematización del diseño. Intelectual riguroso, trabaja en temas como el rol social del diseñador; la comunicación; la pedagogía del diseño; la semiótica; la realidad virtual. Tiene la convicción de que la industria es cultura y de que el hombre moderno necesita esa cultura.OTL AICHER: Figura protagónica en la creación y desarrollo de la Hfg. Reflexiona acerca de la pérdida de sentido de la sociedad actual, niega al capitalismo absurdo, personalista y denigrante de su tiempo. En su libro «Sistemas de signos en la comunicación visual» expone una amplia información sobre los símbolos gráficos; aclara conceptos como proceso de comunicación, semiología, lenguaje gestual, sistemas de signos y otros códigos de comunicación. Renueva el concepto metodológico de la imagen dotándola de una mayor profundidad disciplinaria y formal.

GRAFICA POLACASe puede ver en sus obras que los diseñadores polacos son amantes del diseño, sin distinción alguna de escuelas, tendencias, etc.La escuela del cartel polaco se caracteriza por un impulso colectivo pasional, perceptible incluso en los collages y en otras formulas que evitan el pincel o el acto gestual. Es contrapuesto al estilo suizo. “Se refleja el elemento emocional en sus carteles”.Puede decirse que los polacos han constituido su “escuela del cartel” de la nada, ya que en la época de esplendor del cartel europeo (modernismo) el cartel polaco no tuvo otro interés que su contribución al estilo nacional.El DG polaco más conocido y admirado es ROMAN CIESLEWICZ.Diseño de revistas: colaboro en Opus Internacional, Kitsch y Panic Informnation Kamizabe, Elle y Vogue.Diseñador de los más complejos e interesantes. Dominio del blanco y negro. Capacidad de aglutinar cualquier tipo de tendencia. Expresándose por manipulación de imágenes (fotografías de prensa en especial)Otro gran cartelista y animador de cine de dibujos es JAN LENICA. TOMASZEWSKI: influenciado por el arte infantil. Uso del collage. PAGOWSKI: Se consagro en los 70, trabajo para Vogue y Fashion. Es rebelde, batalla contra la tecnología. El cree que lo principal es mantener el sello artístico. Muy subjetivo, recurre al peso visual de la imagen. Arte y diseño se funden.

DISEÑO GRÁFICO ARGENTINOLOS GRANDES DIARIOS Y LAS PRIMERAS REVISTASEn 1801 aparece el primer periódico argentino. El telégrafo mercantil, cuyo titulo se limita a expresar los pragmáticos ideales que lo originan y los elementales objetivos a los que aspira.En el 1900 ya hacia dos años que “Caras y Caretas” estaba sentada.

CARAS Y CARETAS: En 1897 Eustaquio Pellicer se encuentra en Bs. As. Con su compatriota (ambos españoles) Manuel Mayol (caricaturista) y deciden editar la revista “Caras y Caretas” con la colaboración de Bartolomé Mitre y Vedia, quien seria su primer director. La revista sale en 1898.Mitre y Vedia renuncia de inmediato (solo participa en el nro. 1) y toma la dirección el periodista José Álvarez (su seudónimo era Fray Mocho)La revista sobresale pronto entre de cien publicaciones existentes en Bs. As. En ese momento y demuestra su interés por desarrollar la caricatura y la sátira dibujada. Sus dibujantes responden con viñetas, secuencias y acuarelas de primer nivel. José mario Cao, Villalobos, Stieger, Foradori, Vaccari, Castro, Rivera, Sanuy, Eusevi, Sartori, Bosco, Mayol son los dibujantes del primer año, entre ellos se destacan Cao y Jiménez. Las primeras historietas son ubicadas en la revista. En 1902 se crea ka primer historieta argentina con los personajes fijos: “Viruta y Chicharrón” de Manuel Redondo.La revista tenía un fuerte carácter político. Se hacían sátiras de los distintos partidos. Deja de editarse en 1939.

Para esta época del 1900 también ya tres diarios porteños eran muy conocidos: “La Nación”, “La Prensa” y el vespertino “El Diario”. En el 1905, en un ambiente sumamente publicitario, aparece “La Razón”. Seis firmas fueron sus primeros avisadores: Borges y Cia, Fernet Branca, Calvet y Cia, Griet Hnos., Vermouth Cinzano y Winsons Sons y Cia. Además publicaron avisos los Bancos de la Nación Argentina, Banco Hipotecario Nacional y los de Italia y Rio de la Plata y Londres y América del Sud.La Razón vino a ser el segundo diario en importancia de la tarde, ya que el primero lo seguía siendo “El Diario”Para esta época las revistas mas importantes eran “P.B.T” (1904) hecha para un publico de niños de 6 a 80 años. Era una revista de formato chico a color, pero con un mal impresión. Su isotipo era sans serif.Tambien encontramos “El hogar” (1904) y “Mundo Argentino” (1911).

LAS REVISTAS “CICLO “ Y “NUEVA VISION”En 1948 aparece la revista Ciclo (de la cual solo aparecen dos números en 1948 y 1949) Fue fundada por el critico de arte Aldo Pellegrini, el psicoanalista Enrique Pichon Riviere y el poeta Elías Piterbarg. Tomas Maldonado fue el diseñador grafico pero también se convierte en el impulsor de una parte del contenido de la revista.Ciclo es un documento capital para ubicarnos con claridad en el diseño grafico argentino. El primer fragmento en castellano publicado en Latinoamérica del “Trópico de Capricornio” de Henri Millar apareció Ciclo: la primera traducción castellana de Molholy Nagy en América y España fue la famosa carta de Kalivoda reproducida en Ciclo. La primera versión castellana de Mondrian aparece también en ciclo.Con esto se muestra la preocupación por el diseño grafico en nro. país tiene sus primeras manifestaciones a través de las expresiones culturales antes citadas.El dg en la nro 1 es básico y elemental. Formato de la revista basado en las normas DIN. La disposición grafica es rigurosa, la tipografía aun bastarda.En el nro 2 se introducen cambios. Alfredo Hlito colabora con Maldonado en la grafica, la tipografía de tapa se define, se utilizan tipos traídos por el mismo Maldonado, hay más rigor y control. El texto interior se compone en Spartan conseguido en la linotipia Peña. Allí Maldonado y también Méndez Mosquera aprenden el oficio de tipógrafo. Si bien era una pieza revolucionaria se aparte de del espíritu de síntesis y elementalidad de todos los trabajos anteriores. Sus propósitos y contenido constituyen una apertura dentro del panorama del DG argentino.En el año 53 aparece el numero 2/3 de “Nueva Vision” el 4 seguirá en 1954 y con esfuerzo del 5 al 9. Dejo de aparecer en 1957.Baliero, Borthagaray, Bullric, Goldemberg y Grisetti dirigidos por Maldonado llevaron a cabo esta labor. Esta revista logro el mayor aporte cultural de la teoría de la arquitectura, el diseño y dg de la época.

EL MOVIMIENTO DE ARTE CONCRETOEn Argentina la no figuración aparece en 1944 con la publicación de Arturo (que solo dura un nro) Y que rodea a artistas que realizan la primera exposición en 1945 bajo el titulo de “Movimiento de Arte concreto – Invención”Este grupo se disuelve y surge de el dos grupos “Movimiento Madi” encabezado por escultor Gyula Kosice y la Asociación de Arte concreto- invención, con Tomas Maldonado y Alfredo Hlito. La designación de arte concreto se origina en el movimiento iniciado en Europa por Max Bill ex discípulo del Bauhaus, se opone a la utilización de la expresión arte abstracto y propugna la de ate concreto lanzada en 193 por Van Doesburg para denominar al arte de rumbo constructivo o geometrizante.

LA TAREA PIONERA DE TOMAS MALDONADOTomas Maldonado fue uno de los expositores en 1948 de la expo “Nuevas Realidades” en la Galería Van Riel de Buenos Aires. Esta sintetiza y polariza la nueva ideología, anticipando la unificación de las artes visuales y su confraternización con la arquitectura y el diseño.Fue director de la revista Ciclo.Maldonado establece en su viaje a Europa contacto con los representantes europeos de arte concreto. El comienza a perfilarse como pintor concreto, educador y como diseñador.La c asa de Maldonado se convierte en 1948 en una especie de “jaboneria de Vieytes” del pensamiento moderno, donde Borthagary, Bullrich, Baliero, Grisetti, Polledo, Goldemberg, Sivori, Winograd y Mendez Mosquera se encontraban como alumnos de la facultad de arquitectura a diuscutir y polemizar sobre las artes visuales, espacio, diseño industrial, etc.En la expo “Arquitectura y urbanismo de Nuestro tiempo” en 1949 se presentan las obras de Le Corbusier, Lods, Entwistle y Paul Nelson. En el mismo año se publica el boletín Cea Nº 2 del ctro. De estudiantes de Arq.,. En el que Maldonado expresa gráficamente el planteo de la nueva tipografía y del nuevo diseño grafico. En el 48 y 49 podemos ubicar al diseño grafico como diseño total este concepto se aclara citando a Maldonado: “ No hay duda que el diseño representa por el momento el modo mas inmediato mas social de manifestar lo que se a dado a llamar la Nueva Visión que comprende la totalidad de las actividades artísticas o no, que tienden a subvenir el actual repertorio morfológico de nuestro mundo visual”.1950 junto con Hlito y Iommi realizan la expo en el Instituto de Arte Moderno de Bs As 1951 con Mendez Mosquera y Hlito fundan la empresa Axis con el propósito de realizar diseño integral En ese mismo año aparece la revista nueva visión.1954 Maldonado se va a Ulm.

LAS TRES ETAPAS DE LA GRAFICA ARGENTINA:1900/1930: 3 momentos en la gráfica ArgentinaEl período comprendido entre 1900 y 1930, encuentra a la gráfica argentina influida por tres corrientes: Art Nou-veau, Art Decó e Ilustración Americana. Cada una de estas tres corrientes produce momentos de tensión y cambios.El primer quiebre de tensión (1900-1915) entre la ilustración romántico- positivista y el Art Nouveau, se evidencia claramente en anuncios publicados por las revistas P.B.T. o Caras y Caretas.La inmersión total en la Gráfica Art Nouveau produce una ruptura en el ortogonalismo de la planta gráfica ochentista; altera la habitual separación entre tipografía e imagen, y trata a la tipografía como imagen, invalidando la separación entre área icónica y área tipográfica.En 1926, proveniente de Milán, llega a Buenos Aires Lucien Mauzan, con 43 años, famoso y requerido en toda Europa por su labor como afichista. Emancipado de las formas Belle Epoque, transitando el Liberty y el Art Decó, Mauzan crea un lenguaje propio y geometrizante. Durante los seis años de su estadía enArgentina, Mauzan realiza una enorme producción gráfica que cubre las calles porteñas y del país con diarios revistas y afiches. Hoy, algunos de sus trabajos son casi míticos, como la cabeza rapada de Geniol, los avisos para Carven «A» y de Soda Seiz.La Gráfica Art Decó avanza tímidamente en la Argentina a lo largo de los últimos años de la década del ’20, y se introduce, en la decada siguiente, para entrar en conflicto con la llamada Ilustración Americana.Raúl Manteola, es el claro exponente de la Ilustración Americana en la Argentina. En 1935, la Revista Para Tí lo contrata para realizar las tapas de la misma.La Ilustración Americana se extiende a lo largo de las décadas del ’30 y ’40, conviviendo con la gran ruptura producida por los racionalistas, y por las revistas humorísticas, como Rico Tipo, donde empieza a hacerse conocida una nueva línea caricaturezca, la del dibujante Divito.La revista Rico Tipo, está dirigida a un público de clase media, y en ella hace referencia a un mundo burgués, moderno y pícaro.

1930/1950: los orígenes de un cambio.Buenos Aires aún mantenía su perfil francés, cuando al finalizar la década del ’20 llega a la Argentina Le Corbusier, y con él la preocupación por la dignidad funcional y la estética de los productos. Así jóvenes arquitectos y artistas comienzan una nueva etapa en la historia del diseño en el país, cuya consolidación está hermanada con las corrientes del Arte Concreto.Es en 1944, que se publica Arturo, revista de artes abstractas, factor desencadenante de la vanguardia en el arte y en el diseño gráfico argentinos. La revista cumple un rol primordial, rompe violentamente con todo lo anterior, acercándonos a las teorías y prácticas proyectuales de los constructivistas y suprematistas rusos, del Bauhaus y del grupo De Stijl.En 1948 se producen dos nuevos acontecimientos para el desarrollo de esta historia: la exposición Nuevas Realidades, Arte abstracto, concreto no figurativo en la Galería Van Riel, y la aparición de la revista Ciclo, de arte, literatura y pensamientos modernos.En 1949 se publica CEA 2, el Boletín del Centro de Estudiantes de Arquitectura, donde Maldonado publica un artículo sobre diseño, al mismo tiempo que presenta el planteo de una nueva tipografía y un nuevo diseño gráfico, generados en Bauhaus con Molí Nagy y Herbert Bayer y continuada por Max Bill.

En 1951, gracias a los esferzos de Hlito, Maldonado y Méndez Mosquera, aparece Nueva Visión, revista de cultura visual.En 1954, Maldonado se establece en Alemania para incorporarse al cuerpo docente de la Escuela de Diseño de ULM, invitado por Max Bill, su fundador.En 1956 Tomás Gonda, otro de los personajes fundamentales para en-tender esta historia, luego de haber integrado el staff de agencias como Lintas y Ricardo de Luca Publicidad, abre su propio estudio, situándose como uno de los iniciadores de la práctica profesional independiente del diseño gráfico en Argentina.Las décadas del ’50 ’60, se muestran decisivas en el desarrollo teórico práctico del diseño, y traen con sigo una nueva categoría de la disciplina.

1960/1980: un diseño renovador y dinámicoEl primer hecho significativo se da en 1961, cuando el empresario Guido Di Tella, convoca al arquitecto Poyard para crear una agencia que atienda la publicidad de Siam; así nace Agens. Durante los dos primeros años, la agencia trabaja con artistas como Rómulo Macció, Rogelio Polesello, Pérez Céliz y Luis Wells, entre otros.En 1963 el arquitecto Méndez Mosquera asume la reorganización de Agens, etapa que se traduce en trabajos de gran nivel profesional realizados por Guillermo GonzálezRuiz y Ronald Shakespear. En 1963, con epicentro en la calle Florida al 940, se crea el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella, bajo la dirección de Jorge Romero Brest. El Departamento de Diseño Gráfico del ITDT es dirigido por Juan Carlos Distéfano, quien conoce a Guido Di Tella al obtener el premio de un concurso de afiches para le empresa Siam; poco después se le encarga el afiche y el catálogo de la primer muestra del Instituto.La labor del Departamento de Diseño Gráfico del ITDT se conforma con los trabajos de Humberto Rivas, Roberto Alvarado, Juan Andralis, Rubén Fontana, Norberto Coppola, Carlos Soler.Paralelamente a la labor gráfica que emerge del Departamento de Diseño del ITDI, el diseño renovador y dinámico que caracteriza a las décadas del ’60 y ’70 se conforma con la labor de agencias de publicidad como Prelooker, Gowland Publicidad, Cícero Publicidad, Ricardo de Luca; y diseñadores gráficos independientes como Raúl Shakespear, Eduardo Cánovas, Edgardo Giménez y Luis Wells, entre otros.La figura de Edgardo Giménez, es fundamental en esta etapa de la gráfica argentina. Otras de las figuras más significativas de este período son Ronald y Raúl Shakespeare, y Guillermo González Ruiz. A partir de 1971 Ronald Shakespeare y Guillermo González Ruiz, conforman el equipo de diseño de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, diseñando el sistema de señalización urbana de la ciudad.En 1974, «los» Shakespear realizan el sistema de señalización pictográfico del Centro Materno Infantil del Hospital Durand. En 1976 las autoridades municipales deciden adoptarlo para el Plan de Remodelación de Hospitales.Las décadas del ’60 y ’70 traen consigo libertad y desenfado, rompen con lo estático; la del ’80 nos reorganiza a partir de una mayor difusión de la disciplina, ya como carrera profesional y consolida a los grandes estudios.