MUSICA EN LA ANTIGUA GRECIA

(RAZÖN) La cultura griega tiene su origen en la civilización cretense.

Reflexionan acerca de la naturaleza de las cosas y crean teorías para analizar

lo que les rodea. Son los padres de la filosofía y la ciencia. Por su ubicación,

Grecia recibe la influencia de la música mesopotámica, egipcia, etrusca e

indoeuropea.

Pitágoras. Teoría de las Esferas. Desarrolla los intervalos basándose en

la proporción de la longitud de la cuerda. Considera que la música tiene

poderes curativos.

Aristóteles.- Usa la música para llegar a la catarsis emocional.

Damón. Teoría del “ethos”. Cree que la música influye en el

sentimiento, por ello le dieron gran importancia al valor educativo y moral de

la música.

Mitología.- Aspecto muy importante en la vida griega. Creían que la

música y las artes fueron creadas por los Dioses. Tienen Dioses, Musas.

Música.- Dieron mayor importancia al ritmo que a la melodía. Usaban

la música en eventos religiosos. Con el nacimiento de los “Bardos” se usa

para recitar poemas épicos. La Lira era el instrumento por excelencia.

Cantaban en las ceremonias a los dioses, fiestas populares o actos

deportivos. Surge en Atenas los Ditirambos, cantos dirigidos a Dionisio, se

acompañan con danzas y con el aulos, especie de flauta doble. Surgen los

Dramas, tragedias y comedias.

En algún momento empieza a cobrar más importancia la razón que lo

sobrenatural, y es allí cuando la música empieza a relacionarse con la

filosofía.

Teoría Musical.- Aristoxenos destaca como teórico de la música griega.

Los griegos usaron las primeras letras de su alfabeto para identificar los

Tonos o sonidos musicales y los agruparon en Tetracordes, creando así las

escalas.

Su sistema musical comprende tres géneros: Diatónico, crómatico y

enarmónico.

Con el diatónico, crean los modos o escalas griegas a cada una de las

cuales relaciones con un carácter moral o ethos en particular.

El Cromático aparece aproximadamente en el siglo VI a.C y se le llamó

así porque atenuaba con su colorido, la monotonía de la escala diatónica. Lo

usaban sobre todo los citaristas.

El género enarmónico surge posteriormente cultivado por los músicos

profesionales, ejecutantes del aulos, ya que era un género importado del

Oriente, y se caracterizaba por las diferentes denominaciones que se le

daban a un mismo sonido por pertenecer a escalas diferentes.

Organización Rítmica.- Aportaron toda una técnica para la

organización rítmica basada en los pies de acentuación métrica poético –

musical.

Ternario (Yambo: breve – larga, troqueo: larga – breve).

Cuaternario (Dáctilo: L – b – b, Espóndio: L – L, Anaspesto: b – b – L)

También crearon los pneumas para denotar pausas y silencios.

Instrumentos Musicales.- La mayoría de los instrumentos usados por

los griegos provienen del Oriente medio, específicamente de Egipto, entre los

que destacan la Lira, La Cítara y el Arpa. De viento el aulos, flauta de pan. El

Hidraulys, predecesor del órgano.

Formas Musicales.- Cultivaron la Tragedia, la Comedia y el Drama

Satírico, los Trenos o cantos de duelo, los Nomos o cantos religiosos.

Teóricos y Músicos.- Pitágoras, Platón, Aristosenos, Damón.

MUSICA EN ROMA

Antecedentes.- Roma recibe los usos, instrumentos, muchas

costumbres y las bases musicales tanto de la Grecia clásica como de los otros

países conquistados que conformaron el vasto Imperio Romano y proyecta la

música hacia finalidades épicas guerreras y rituales; así como también, hacia

el disfrute sensual.

Se cree que desde muy remotos tiempos había penetrado en Roma la

música de otros pueblos. Estas influencias fueron, por una parte, la sirio –

egipcio – alejandrina; obviamente, la música griega, y las músicas y

Elementos culturales de pueblos dominados por el Imperio Romano.

Los Etruscos.- A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical,

los ludiones. Éstos eran unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo

de las tibiae, una especie de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y

añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos artistas se les

denominó histriones que significa bailarines en etrusco.

Músicos Importantes.- Los virtuosos de la música eran respetados y

considerados en todo el Imperio. Estudiaban bajo la tutela de memorables

maestros; debían llevar una vida metódica y sana; realizaban giras de

conciertos por el Imperio y recibieron pagos importantes y numerosas

familias patricias continuaron la práctica que se había iniciado con los

famosos Gracos, Tiberio y Cayo Sempronio hacia el 110 a.C., de enviar a sus

hijos a las escuelas de música y de danza. Entre estos virtuosos, destacaban

los griegos como: Terpnos, gran citarista (maestro de Nerón,) Polón y

Mesomedes de Creta, entre otros.

Los Juegos.- Según el historiador Paul Henry Láng, el emperador

Calígula escuchaba música de orquesta, mientras navegaba por la bahía de

Nápoles. (Pompeya) y Nerón, además de exhibir sus propias cualidades de

citarista, implantó en el año 60 los Festivales Sagrados, en ellos la música

cumplía un importante papel. Más tarde, el emperador Tito Flavio Domiciano

estableció los Juegos Capitolinos, en los cuales se premió la actuación de

instrumentistas, músicos, cantores y poetas. Convirtiéndose así la música en

espectáculo.

Músicos y compositores importantes.- Plauto, cuyas obras más

conocidas son Anfitrión, Los Cautivos, El Cartaginés y los Menaecmi, y

Terencio que escribió Andria, Los Hermanos, Formión… que dieron a la

música vocal, sobre todo, un papel fundamental en sus obras. En la tragedia,

el principal autor fue Séneca. Entre las obras del filósofo quedaron 14

tragedias, Medea, Las Troyanas y Agamenón son algunos de los títulos.

Aportes de la cultura romana a la humanidad.- Sin duda alguna los

mayores aportes de la antigua roma a la humanidad están en el campo de la

ingeniería y del derecho.

Surgimiento del cristianismo

Doctrina, evolución.- Jesús nace en Belén. Hijo de un carpintero

llamado José y su esposa María. Su infancia y juventud transcurren en

Nazaret. A los 30 años fue bautizado por Juan Bautista quien lo proclamó ante

el pueblo como hijo de Dios.

Jesús predicó durante 3 años por Galilea, Samaria y Judea con sus

apóstoles. Difundió su doctrina de salvación con un lenguaje sencillo y usando

parábolas para que sus ideas fuesen fácilmente comprendidas.

El pueblo judío condenó a muerte en la cruz a Jesús por haberse

proclamado Hijo de Dios y Rey de los Judíos.

Después de su muerte, los apóstoles siguieron practicando su doctrina.

Muchos de ellos vivían en Jerusalén, donde se organizó la primera comunidad

cristiana. El cristianismo se empezó a difundir entre los gentiles (no judío).

El Imperio romano incorporó muchos cultos orientales que fueron

difundidos en el mundo y esto favoreció a los primeros años de expansión del

cristianismo y cuando se hizo evidente, empezaron las persecuciones en

muchas ciudades romanas.

El monoteísmo de los cristianos y el mensaje de la igualdad entre los

hombres que quería transmitir el cristianismo fue considerado como

subversión e influencia a conflictos, estas razones se consideraban como

traición y los perseguidores creían que los cristianos debían morir.

La primera persecución la hizo el emperador Nerón en el año 64 y los

apóstoles Pedro y Pablo fueron ejecutados en Roma.

Los cristianos necesitaban reunirse para sus ritos de fe y sepultar sus

difuntos, para esto hicieron las catacumbas y se reunían aquí para celebrar la

Eucaristía en recuerdo de la Última cena.

La segunda etapa fue hecha entre los años 98 y 117, por el emperador

Trajano, aquí las sanciones que recibían los cristianos eran más livianas y solo

eran castigados si eran denunciados por personas identificadas.

En los siglos III y IV volvió a agudizarse la tortura en los gobiernos de

Severo, Maximiano, Decio y Valeriano, y a comienzos del siglo IV

Dioclesano ordenó el exterminio de cristianos.

En el 313 Constantino y el coemperador Licino, establecen la libertad

religiosa en el Imperio, por el Edicto de Milán, con él cesa la discriminación

y la persecución contra los cristianos, y se les devuelven a las iglesias las

propiedades confiscadas, otorgándole además exenciones y privilegios fiscales

a la clerecía y dando validez oficial a las decisiones de los tribunales

eclesiásticos.

Bajo el imperio de Teodosio, en el 341 se le dio todo el respaldo al

cristianismo, declarándolo como la religión oficial del Imperio, mediante

el Edicto de Tesalónica

La música en la Iglesia católica primitiva.- Es prácticamente

imposible determinar cuáles son los primeros cánticos cristianos, pero es muy

evidente que han de estar emparentados con la salmodia hebraica de las

sinagogas, con la obvia influencia griega y romana. Desde el principio quedan

excluidos los instrumentos musicales, “Nosotros no empleamos más que un

instrumento, la palabra de paz, con la que adoramos a Dios. No el antiguo

salterio, los timbales, las trompetas y las flautas” San Clemente de

Alejandría (150 – 212) Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos

en Roma con el Edicto de Milán hacia el año 325 d. C. Este nuevo espíritu de

libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de

cánticos. Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no

deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de

aquella época.

Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo

melodías orientales. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más

relacionada con Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos

contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de los salmos, ellos son

de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición

helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una

melodía cantada solo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental

de ningún tipo, las que dieron forma a la música desde entonces y hasta

principios del segundo milenio.

En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de

informar al emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos,

encontramos una interesante referencia de su música: «...ellos (los cristianos)

tenían la costumbre de reunirse en un día específico al alba, para alabar a

Cristo como si de un dios se tratase, con un canto alterno».

El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los

cuales canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le

conoce como antífona, y se puede cantar con la participación de dos coros o

de un solista y la congregación.

San Ambrosio, obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en

forma de antífona. Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya

existentes pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes

amenazas contra el Imperio Romano por parte de las tribus bárbaras existió

una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración

de las mismas en cada región.

EDAD MEDIA

En el siglo V, luego de la caída del Imperio Romano, la Iglesia

Cristiana fue la destinada a perpetuar la herencia musical de la antigüedad, lo

cual no fue de ninguna manera un proceso unificado. La mayoría de los

centros culturales de la iglesia occidental (Milán, España, Francia, Alemania,

Inglaterra) desarrollaron distintos procesos de acuerdo a la herencia común

de la liturgia hebrea y griega.

MUSICA RELIGIOSA DE EUROPA

Escuela Milanesa o Ambrosiana.- En Milán en el Siglo IV, el Obispo

Aurelio Ambrosio (339 – 397) inició la recopilación de cantos litúrgicos cuyo

repertorio alcanzó su máximo desarrollo en el siglo XII, el cual fue

celosamente hasta nuestros días en la Catedral de Milán. Se considera a San

Ambrosio como el primer codificador de una incipiente teoría musical, y

primer impulsor de una ordenación sistemática de los cantos litúrgicos. El

canto Ambrosiano se caracterizó por ser libre su rítmica, se le atribuye

también el uso del canto antifonal, entonado alternativamente, por dos coros

y el uso de himnos. Su escritura era neumática, y se cree que inicialmente se

utilizó la quironimia para recordar la altura de los sonidos.

Escuela Española, Mozárabe o Visigótica.- Canto mantenido en las

regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza.

En 1076, es sustituido por el Canto gregoriano, menos en aquellas ciudades

que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la

ciudad de Toledo.

Escuela Galicana o Carolingia.- Canto propio de la iglesia Franca que

fue sustituido por la liturgia romana.

Escuela Gregoriana o Romana.- Es sin duda la corriente más

importante del canto litúrgico de la iglesia católica, se inicia en el s. VI,

cuando el papa Gregorio I inicia una recopilación de cantos a objeto de

unificar la liturgia de toda Europa. Como ya hemos visto, antes de este

proceso unificador, en cada lugar de Europa se hacían liturgias con cantos

diferentes, algunos probablemente con influencia de la música profana, que

podría ser la causa del inicio de este proceso de unificación.

El canto gregoriano se caracteriza por ser monódico, en latín, sin

acompañamiento instrumental, interpretado por hombres, de métrica libre

determinada por el texto, y melódicamente basado en alguna de las ocho

escalas o modos eclesiásticos derivados de los modos griegos.

Modos eclesiásticos.- Estos ocho modos surgen de cuatro modos

marcados por una nota final (MI – dórico, RE – frigio, DO – lidio, SI –

mixolidio). Cada uno de los mismos se subdivide a su vez en un modo

auténtico y otro plagal, en función de la nota de recitado, que es la que más

se repite (también conocida como dominante salmódica o tenor). Los modos

eólico (LA) y jónico (SOL) no fueron creados hasta el siglo XVI.

Tipos de Canto Gregoriano:

Según las formaciones de los cantores:

· ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.

· RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.

· DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.

Según la relación de texto y notas:

· SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.

· NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.

· MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto.

Inicios del Pentagrama.- Humbalt de San Armando parece ser el

primero en utilizar líneas equidistantes visuales para representar las cuerdas de

un instrumento o de un teclado. Guido D’arezzo, utilizó signos alfabéticos, y

concibió un aumento fijo de la altura (una tercera) entre una línea y la que le

seguía.

Sistema de Hexacorde.- En teoría medieval se usó el hexacorde, grupo

de seis tonos en la secuencia de intervalos T – T – sT – T – T. En la sucesión

diatónica solo hay dos escalas que pueden formar esa secuencia, la de Do

(hexacordo naturale) y Sol (hexacordo durum), pero, al usar el Sib, también se

dispuso de la escala de Fa (hexacordo molle).

Comienzos o Nacimiento de la Polifónia.- Aproximadamente entre los

siglos IX y XII la iglesia permite embellecer al canto gregoriano usando las

siguientes técnicas:

Organum.- Se le añade al canto gregoriano (a partir de ahora llamado

cantus firmus) una 2da voz en intervalo de 4ta o 5ta paralela.

Discantus.- Igual al organum pero predomina el uso movimiento

contrario.

Gymel.- Música de finales del Medioevo, aplicado a la polifonía a dos

partes con base en 3ras, 6tas y 10mas. Varias composiciones inglesas de

aproximadamente 1300 son de ese estilo.

Fabordón.- Es una técnica musical de armonización utilizada en la

música de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento, en

particular por los compositores de la escuela borgoñona. Guillaume

Dufay era un destacado profesional de esta forma y puede haber sido su

inventor. La monotonía de los acordes paralelos favorece el entendimiento

del texto, en su mayoría litúrgico. Es un tipo de canto llano a dos, tres o más

voces en cuya combinación se ve aplicada la armonía en su forma más

elemental. La materia más común de los fabordones fueron

los salmos y cánticos de rezo eclesiástico que en los siglos XIV y XV estuvieron

más en boga en las iglesias. En su forma más simple consiste en un cantus

firmus acompañado a una sexta y cuarta por debajo.

Teóricos y Didácticos.- Guido D’arezzo, Humbaldt de San Armando, Jean

Phillipe Rameau, Johannes de Garlandia, Franco de Colonia.

MÚSICA SACRA EN LA EDAD MEDIA

ARS ANTIQUA.- También denominado Ars Veterum se acuñó en el siglo

XIV para distinguir la escuela francesa de fines del siglo XIII (Franco de

Colonia, aprox. 1260; Petrus de Cruce, aprox. 1290) de la de su propia época,

a la que se le llamo Ars Nova. Actualmente ambos términos se emplean por

lo general en un sentido más amplio, para distinguir la música de los siglos XII

y XIII de la del siglo XIV. El período, en conjunto, produce innovaciones

notables en la sistematización del ritmo y en su notación; igualmente surgen

composiciones para dos y más voces; los comienzos del motete; y el

florecimiento de repertorios importantes de música monofónica en Francia,

España, Italia y Alemania.

Término aplicado esencialmente a la música religiosa compuesta a

partir de la ya mencionada Escuela de Notre Dame hasta el advenimiento

del Ars Nova. Vale la pena recordar que en esta Escuela desarrolla los

diferentes tipos de Organum, el discantus, el motete. Los principales

exponentes Leonín y Perotín, posteriormente destaca componiendo motetes

Petrus de Cruce.

Teóricos del Ars Antiqua.- El teórico musical más famoso de la

primera mitad del siglo XIII, Johannes de Garlandia, fue el autor del tratado

De mensurabili musica (alrededor de 1240), que definió y dilucidó los modos

rítmicos de una forma más completa.

Un poco más tarde el teórico alemán Franco de Colonia fue el primero

en describir un sistema de notación musical en el que a los diferentes valores

rítmicos se asocian signos distintivos (en Ars cantus mensurabilis escrito hacia

1260). Esta fue una innovación que tuvo un fuerte impacto en la historia

posterior de la música europea. La mayoría de la música escrita que

conservamos del siglo XII utiliza los modos rítmicos tal y como fueron

definidos Garlandia. También se puede nombrar a Adam de la Halle y Jacobo

de Lieja.

Innovaciones teóricas.- En la teoría de la música, durante el ars antiqua

tuvieron lugar varias mejoras respecto de las prácticas anteriores, la mayoría

de ellas en cuanto a la concepción y la notación del ritmo. El teórico musical

más famoso de la primera mitad del siglo 13, Johannes de Garlandia, fue el

autor del tratado De mensurabili musica (alrededor de 1240), que definió y

dilucidó los modos rítmicos de una forma más completa.

Un poco más tarde el teórico alemán Franco de Colonia fue el primero

en describir un sistema de notación musical en el que a los diferentes valores

rítmicos se asocian signos distintivos (en Ars cantus mensurabilis escrito hacia

1260). Esta fue una innovación que tuvo un fuerte impacto en la historia

posterior de la música europea. La mayoría de la música escrita que

conservamos del siglo XII utiliza los modos rítmicos tal y como fueron

definidos Garlandia.

NOTRE DAME.- Denominada así la escuela de música polifónica

francesa, de aproximadamente 1200, cuyos principales compositores - los

únicos conocidos por su nombre – fueron Leonín y Perotín. El principal

legado de esta escuela fue el “Magnus Liber Organis” título de una colección

de Organa de todo el año eclesiástico, compuestos aproximadamente en

1175 por Leonín, con adiciones y modificaciones de Perotín, su sucesor

(aprox. En 1200). El título completo es “Magnus Liber Organi de Gradali et

Anthiponario pro Servitio Divino Multiplicando. La colección completa incluye

59 piezas para la Misa y 34 piezas para el Oficio (“de antifonario”) todas

compuestas para enriquecer el sevicio divino.

Organum.- Es la más antigua música polifónica que se ha conservado,

del siglo IX (el tratado Musica enchiriadis) al siglo XIII, de la cual los ejemplos

realmente importantes son los compuestos aproximadamente en 1200 por

Leonin y Perotin. Tales piezas consisten en una parte litúrgica (canto llano),

llamada tenor y una o más partes contrapuntística (duplum, triplum,

quadruplum, respectivamente, términos que se aplican a las partes

contrapuntísticas individuales así como a la textura de dos, tres y cuatro

partes, en conjunto).

Ars Mensurabillis.- Notación mensural que se desarrolla en la segunda

mitad del s. XIII que indica el valor absoluto de las notas independientemente

del lugar donde se encontrasen. El primer tratado donde aparece este tipo de

notación es el “Ars cantus mensurabilis” de Franco de Colonia.

Tipos de Organum:

a) Organum Paralelo (aprox. 900 – 1050): A la vox principalis, se añade una

voz organalis en la quinta o cuarta más baja, nota contra nota. Existen

ejemplos de Organum a la cuarta donde el paralelismo se observa

principalmente en medio de la frase, en tanto que el comienzo y el fin las

partes avanzan en movimiento oblicuo, iniciando y terminando en unísono.

b) Organum Libre y Contrario (aprox. 1050 – 1150): En la segunda mitad del

siglo XI, empezó a usarse el movimiento contrario, lado a lado del

movimiento paralelo (en cuartas, quintas, una que otra vez aún en terceras) y

movimiento oblicuo. A esta clase se le denomina Organum libre. Ejemplo

destacable el famoso Ut tuo propitiatus y Cinco Aleluyas de Chartres.

c) Organum Melismático (mitad del siglo XII): Este estilo se caracteriza por el

uso de grupos de notas en la parte añadida contra una sola nota del tenor. La

longitud de un grupo así varía desde unas cuantas notas hasta melismas

realmente largos. Ejemplos de organus melismático puro ocurren

especialmente en el Codex Calixtinus de Compostela. Los Organa de San

Marcial suelen tener secciones en estilo organal, lado a lado de otros en un

estilo de nota contra nota (discanto).

d) Organum medido (antes y después de 1200) Ars Mensurabilis: En los

organa de la Escuela de Notre Dame, la alternación de secciones organales y

de discanto se convirtió en una práctica normal y generalmente se aplicaba

de forma tal que las secciones silábicas y neumáticas del canto llano se

componían en un estilo profuso (hasta 40 o más notas contra una del tenor) y

sus secciones melismáticas en estilo conciso (una a tres notas contra una). De

mayor importancia fue la introducción de ritmo medido, de acuerdo a los

modos rítmicos medievales (primero o troqueo: blanca-negra, segundo o

yambo: negra-blanca, tercero o dáctilo cíclico: blanca con punto y negra-

blanca, cuarto o anapesto: negra-blanca y blanca con punto, quinto o

espondaico: blanco con punto y sexto o tribaquio: tres negras).

CLAUSULA.- Sección, caracterizada por el uso del estilo discanto de un

organum del siglo XII o XIII. Una sección en la cual las partes contrapuntísticas

sin texto preceden en ritmo estricto, junto con las notas de la melodía del

canto, ritmo en el cual tiene su base general el Organum. Las Causulae

contrastan así con los pasajes “organales” o melismáticos, en los cuales se

sostienen las entonaciones individuales de la melodía del canto, en contraste

con las partes contrapuntísticas floridas. Los más antiguos motetes son

sencillamente clausulae a los cuales se ha añadido texto a las partes

contrapuntísticas.

MOTETE.- Es la forma más importante de música polifónica durante la

Edad Media y el Renacimiento, que aún hoy en día es utilizada por muchos

compositores, aunque su época de resplandor fue aproximadamente entre

1220 y 1750. Al Motete se le puede definir de manera general, como una

composición vocal sin acompañamiento con base en un texto sacro en latín.

El Motete medieval surgió en los comienzos del siglo XIII, posiblemente

desde el año 1200, por medio de la adición de un texto completo a las partes

superiores de la Clausulae. Debido a la adición de mots (en francés, palabras),

a la parte superior (duplum). Por ello se le llamó motetus, nombre adoptado

para toda l composición. El tenor del motete, al igual que en la clausulae, es

casi siempre un pasaje melismático (vocalizado) tomado de un canto

gregoriano (generalmente Graduale, Aleluia o Responsorio) e identificado

por la palabra o la sílaba con la cual ocurre en el canto llano original. El único

cambio es en el ritmo, desde el libre del canto llano hasta el patrón modal

estricto. El primer paso en la evolución del Motete del siglo XIII

probablemente fue suministrar clausulae individuales con texto que

parafraseara o comentara el texto del tenor. Sin embargo, frecuentemente

se empleaban no solo textos latinos inconexos, sino también textos seculares

franceses. Otro paso importante fue la adición de una tercera parte vocal

(triplum), ya fuese en latín o en francés (el triplum latino se empleaba sol en

relación con el motetus latino). Existen también unos cuantos motetes de ese

período, en cuatro partes. Una clase especial es el conductus motet en tres

partes (a veces a cuatro), en el cual las partes superiores tienen un solo texto

y ritmos idénticos, como en un conductus. A los motetes con dos o tres

textos diferentes se les llama motetes dobles o triples (según el caso).

Puede considerarse el motete doble en latín como el tipo clásico del

siglo XIII. Aunque los más de los motetes anteriores se basan en la Clausulae,

los de fecha posterior (tal vez luego de 1250) consisten en partes inventadas

libremente, que se añaden al tenor. La estructura rítmica de los primeros

motetes medievales se basa en los ya mencionados modos rítmicos, en las

partes superiores se emplearon frecuentemente un patrón más rápido

(modo primero, segundo o sexto) que el de tenor (modo tercero o quinto).

Esta diferenciación rítmica de las partes aumenta en el transcurso del siglo

XIII, en los motetes de Petro de Cruce, de fines del siglo, se emplean valores

de nota muy pequeños en las partes más altas.

CONDUCTUS.- El Conductus (del latín conducere, conducir o reunir), se

refiere a un tipo de canción estrófica de latina del siglo XII o XIII, para una o

más voces cuya melodía no es gregoriana, es creada por el compositor con u

ritmo más o menos procesional.

Una de las primeras apariciones del término, es en un manuscrito para

la representación teatral del drama litúrgico Daniel, lo cual sugiere que tales

piezas servían originalmente como procesionales. Ocurren otros ejemplos

antiguos en el repertorio asociado con Santiago de Compostela. Los ejemplos

anteriores, que abundan en el repertorio de Notre Dame, tienen textos sobre

gran variedad de temas, tantos sacro como profanos e incluyen una que otra

referencia a acontecimientos históricos. Muchos ejemplos tienen melismas al

comienzo al final de las líneas de texto. Por lo demás, la mayoría de los

textos están escritos silábicamente. La interpretación rítmica de las porciones

silábicas sigue estando sujeta a controversia. En ejemplos polifónicos (rara

veces a más de tres voces), el texto se declama simultáneamente en todas las

voces, de donde procede el término “estilo conductus” aplicado a algunos

motetes.

CANTIGAS.- Canto monofónico del siglos XIII, procedente de España,

generalmente en honor a la Virgen María (Cantigas de Santa María). Más de

400 cantigas fueron recopiladas por Alfonso X, el Sabio (1221 – 1284), Rey de

Castilla y León. El idioma de esas cantigas es realmente un dialecto gallego –

portugués. La forma principal es la misma que posteriormente en el

renacimiento adoptará el virelai, consistente poéticamente en un Refrán o

Estribillo (R) que generalmente alterna con tres estrofas: R E1, R E2, R E3. Las

estrofas comienzan con dos versículos que riman y terminan con un versículo

paralelo al refrán. (Versículo: sección de la letra, puede ser uno, dos, tres o

más líneas del poema).

Musicalmente la estructura se corresponde exactamente a la del

poema y los dos versículos paralelos se cantan con la misma música, en tanto

el versículo final se canta con la música del refrán o el estribillo.

LAUDE.- Himnos de alabanza y devoción en idioma italiano. Su origen y

desarrollo primitivo estuvieron estrechamente relacionados con San

Francisco de Asís (aprox. 1182 – 1226), así como muchas hermandades de

frailes penitentes de los siglos XIII y XIV. Los laudes del siglo XIII son cantos

monofónicos semejantes en algunos aspectos a la música de los trovadores

franceses. Se estructura textual consiste es la de un poema con estribillo. Los

manuscritos originales no dan indicación alguna respecto al ritmo.

SECUENCIA.- Clase de canto medieval asociado con el rito romano, en

estilo silábico y consistente en un solo verso o versículo de música y texto

seguido por una sucesión de pares de versículos (los dos elementos en

cualquier par, idénticos a la estructura poética y con empleo de la misma

melodía) y concluido con otro versículo separado. Así la forma poética es x aa

bb cc dd .... y. Sobre su origen, no hay acuerdo entre los teóricos. Los

ejemplos más antiguos parecen ser el resultado de la adopción de un texto a

un melisma preexistente, cantado a continuación del Aleluia.

CUADRO RESUMEN

Período Monodia Polifonía

Primitiva

Ars

Antiqua

Ars Nova

Siglos V al VIII IX al XII XII y XIII XIV

Tipo de

Música

Canto

gregoriano

Organo y

discantus

Desarrollo del

organum y

nuevas formas

Desarrollo de la

Música Profana

Personajes Monjes Leonin y

Perotín

Leonín y

Perotín

P. Vitry

G. Machaut

GYMEL.- Música de finales del Medioevo, aplicado a la polifonía a dos

partes con base en 3ras, 6tas y 10mas. Varias composiciones inglesas de

aproximadamente 1300 son de ese estilo.

MÚSICA PROFANA EN LA EDAD MEDIA

Movimiento Trovadoresco.- La Música profana de la edad media se

desarrolla a la sombra de la música religiosa, asumiendo en general, las

mismas formas o estructuras musicales de esta, pero con poesía mundana.

Por ello más que formas musicales como tal, lo que caracteriza a este tipo de

música es el grupo de personas que lo cultivan y divulgan en distintas partes

de Europa.

Trovadores.- Músicos – poetas de los siglos XII y XIII del sur de Francia

(Provenza). Su nombre provenzal era “trobador”. Ese movimiento lo inició

Guilhem IX, séptimo Conde de Poitiers (1087 – 1127) e incluía a miembros de

la nobleza francesa, así como a plebeyos, todos ellos dedicados a la poesía y

a la música, al servicio del amor caballeresco. Unos 300 poemas de

trovadores (solo aproximadamente 30 con temas devotos) se conservan con

sus melodías. Prácticamente todos son poemas estróficos, normalmente de

cinco o seis estrofas, que concluyen con media estrofa. Con mayor frecuencia

la estrofa se compone de principio a fin, pero también se observa la forma

con la repetición inicial A A B.

Trouveres o Troveros.- Músicos – poetas de los siglos XII y XIII del

norte de Francia, que imitaron al movimiento iniciado por los trovadores

provenzales. Se inició a fines del siglo XII con entre otros, Blondel de Nesles

(n aprox. 1155) y Gace Brulé (m. 1200). De los más de 4000 poemas de

trouvere, unos 1400 se conservan con sus respectivas melodías. La gran

mayoría de esas canciones tienen letras amorosas en formas de poemas

estróficos; los tipos literarios especiales son las “Alba” (poema que se refiere

a la partida del amante, del amanecer, generalmente tiene la forma de un

dialogo entre el amante y un centinela quien le advierte de algún que se

aproxima), las “Pastorelas”, “lamentos” (composiciones que conmemoran a

muerte de una persona famosas), “Tenso” (poesía con forma de dialogo o

debate acerca de la política o de otros temas controversiales) “Partiment”

(díalogo sobre temas amorosos). Son relativamente raras las estrofas

compuestas de principio a fin, que ocurren en las canciones de trovadores. La

forma con repetición inicial A A B es la más importante de la música de

trouvere. Esa forma es semejante a la ballade del siglo XIV.

Las melodías de los trouveres y trovadores están prácticamente todas

escritas sin indicación clara de ritmo, y su interpretación rítmica a sido muy

estudiada y disputada.

Cultivaron la forma Lai, basado en poemas de 60, 100 o más versos

divididos en estrofas irregulares de 6 a 16 o más versos. Variando muchísimo

los esquemas de metro y rima que se encuentran en las estrofas. Sin

embargo las mismas ocurren en pares, dentro de las cuales las dos estrofas

son idénticas, tanto en rima como en metro. La estructura de musicalmente

es igual a la de la Secuencia, así la misma música se emplea para ambas

estrofas para cada par, que producen la forma AA BB CC.

En general esta música es de textura monódica con acompañamiento

instrumental, basándose en modos gregorianos pero con un ritmo más

marcado ya que muchas de sus obras son rápidas y alegres.

Goliardos.- Se les llamaba así a los estudiantes vagabundos o

eclesiásticos jóvenes, que desempeñaron una parte importante en la vida

cultural de esa época. Las canciones de goliardos son poemas latinos de los

siglos X al XIII, escritos por ellos.

Los Juglares.- Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo

tocaban instrumentos y cantaban canciones, sino que además realizaban

todo tipo de actividades para divertir al pueblo (chistes, magia, acrobacias,...)

Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se limitaban a copiar y

plagiar las canciones de los trovadores. Desde el principio fueron muy

criticados tanto por la nobleza como por la iglesia, ya que en sus canciones

utilizaban un lenguaje vulgar. No actuaban en castillos ni palacios, sino que lo

hacían en las plazas de los pueblos. eran personajes itinerantes que viajaban

de pueblo en pueblo sin un lugar de residencia fijo. Eran en definitiva una

especie de saltimbanquis con bastante mala reputación. Sin embargo,

algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a convertirse en artistas

importantes, se asentaron en las ciudades y refinaron su estilo dejando atrás

el espíritu jocoso y perfeccionando su interpretación musical.

Minnensigers.- Poetas – músicos alemanes de noble cuna que

florecieron entre los siglos XII al XIV. Inspirados por los Trovadores del Sur de

Francia. Se convirtieron en los principales representantes de la música

alemana de la Edad Media. El inicio del movimiento se considera fue en el

matrimonio de Federico Barbarossa con Beatriz de Borgoña, en 1156. Las

obras que incorporaban la tradición de los minnensingers son exclusivas

monofónicas. Los ritmos aún no se esclarecen por completo, con textos

narrativos así como líricos, sobre temas sacros y seculares.

Los minnensingers cultivaron la forma de Bar, con el esquema A A B. El

poema consistente en tres o más estrofas (gesatze) cada una de la cual está

divida en dos Stollen (correspondiente a la sección musical A) y un abgesang

(sección B).

Ministriles.- Especie de “bufones”. Eran generalmente, vagabundos

que ganaban su sustento con el canto o la danza, intentando divertir con

habilidades espectaculares e incluso con animales amaestrados. Su público

estaba formado generalmente por gente de los estratos sociales más

deprimidos, si bien, algunos ministriles lograron obtener notoriedad. Su

género favorito era la canción de gesta.

Instrumentos Medievales.- En la Edad Media encontramos gran

cantidad de instrumentos, algunos provendrán de la Antigüedad y otros

vendrán de Oriente, introducidos a raíz de las cruzadas. Vamos a citar

algunos de los más importantes. Pincha en las miniaturas para ver el

instrumento a mayor tamaño. Laúd, vihuela, guitarra, órgano y clave.

Laúd: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja de resonancia en

forma abombada. Se tocaba con los dedos. Es de origen árabe.

Vihuela: Instrumento de cuerda pulsada antecesora de la actual guitarra.

Tenía 6 o 7 cuerdas

Música Primitiva Española

Período Visigótico.- Poco se sabe de la música en la Península Ibérica

durante el reinado de los visigodos. Es conocida, sin embargo, su gran

importancia en la liturgia eclesiástica. Los más famosos obispos visigodos:

San Leandro, San Eugenio, San Idelfonso de Toledo, San Julián y San Braulio

de Zaragoza contribuyeron a la liturgia con himnos y cantos, muchos de los

cuales se han conservado.

Nada se ha preservado de la música profana de este tiempo, aunque se

sabe de su existencia por comentarios, en su mayoría recriminatorios, de los

líderes de la iglesia visigoda. San Isidoro en su “Regla” recomienda a sus

monjes que durante el trabajo canten himnos y salmos, a diferencia de los

artesanos seculares que cantan “canciones lascivas amorosas”. Igualmente

San Valerio (630 – 695) habla en su autobiografía sobre un "muy malvado"

individuo (nequissimus vir), llamado Justo, que con ocasión de fiestas

entretenía al público con canciones lascivas acompañándose de

instrumentos.

El canto y la música de la liturgia visigoda se mantuvo a lo largo de los

siglos, tras la invasión de los árabes, y fue practicada por los cristianos de

ambas partes de la frontera. Se han conservado de ella unos veinte códices

manuscritos. Esta música, llamada canto llano, data de los siglos VII al XI, y

forma parte del rito llamado mozárabe, o, mejor, hispanogótico. Tras la

supresión del rito mozárabe en el siglo XI, ésta cayó en desuso con el tiempo,

hasta el punto que, cuando a partir del siglo XVI se trató de resucitarla, fue ya

imposible descifrar los manuscritos.

Los Árabes en España.- La gran importancia que los árabes, tanto en

Oriente como en la Península, dieron a la música está muy bien

documentada, tanto en numerosos tratados teóricos y científicos árabes,

como en incontables referencias concretas que se encuentran en su

literatura. También es bien conocido el alto nivel de cultura musical árabe en

la Península, ya desde los primeros siglos de su ocupación. Entre historia y

ficción es de notar la fama y fortuna adquirida por el elegante de Bagdad

Ziryab (El Pájaro Negro) emigrado a Córdoba por invitación de Abderramán II.

A él se atribuye la primera escuela de baile y música y la introducción en

Córdoba de los estilos de Bagdad. Famosos son también el compositor y

cantor Avempace quien dejó una fama casi mítica y en la poesía lírica,

Mocadem de Cabra y Aben Guzmán, entre otros, que con su cultivo de las

formas del "zéjel" (canción) dejaron huella perdurable en la estructura

métrica hispanoárabe, y quizá también en sus modos de canto. Da testimonio

también de esta importancia la floreciente industria de fabricación de

instrumentos musicales, entre cuyos centros más importantes se contaba

Sevilla y Zaragoza. Tras el fin de la Reconquista, el cultivo de la música y baile

por los musulmanes españoles está documentado además en escritos de

predicadores y misioneros que critican "la excesiva afición" de los moros y

moriscos a bailes y cantos. Sin embargo nuestro conocimiento real de la

música árabe es muy escaso, debido a la falta de una fijación escrita que se

pueda interpretar. Se cree que su continuación se encuentra en el norte de

África donde se situaron muchos de los moriscos tras ser expulsados de la

Península en el siglo XVII en Argel, los cordobeses, en Túnez, los sevillanos y

en Marruecos, los granadinos. La música "nawba", denominada andaluza o

granadina, se mantiene fundamentalmente diferente a la música árabe

oriental, a pesar de las influencias turcas que se perciben en ella. Todo ello

ha sugerido a muchos arabistas y musicólogos la influencia que la música

árabe pudo tener en la música popular, en especial, en Andalucía. Pero ello

no pasa de ser una teoría que, hasta el presente, no ha encontrado pruebas

convincentes.

Los Reinos Cristianos.- A fines del siglo XI, tras la entrada de los monjes

cluniacenses en la Península, el rito mozárabe fue suprimido por el rey

Alfonso VI a instancias del papa Gregorio VI (1077), para imponer en su lugar

el romano, usado en el resto de la Europa cristiana. La imposición por los

cluniacenses de esta reforma en sus monasterios, dio paso a la adopción

general del llamado canto gregoriano. Centros de la nueva música litúrgica

fueron las grandes catedrales y monasterios. La misma tradición musical

litúrgica fue continuada por los monjes del Cister en los siglos siguientes,

para convertirse durante muchos siglos en expresión de la liturgia oficial y

culto general de la Iglesia.

La Polifonía en España.- Al propio tiempo comenzó a cultivarse una

primitiva polifonía, "Ars antiqua", al menos en los monasterios catalanes,

Ripoll y San Cugat del Vallés entre otros, donde se sabe de la existencia de

códices musicales, aunque la mayoría de ellos han desaparecido.

Mayor documentación ha quedado de una música a medio camino

entre profana y litúrgica. Son los cantos de textos religiosos que se usaban de

modo independiente de los oficios litúrgicos. De estos los más importantes

son los dedicados al Apóstol Santiago y a la Virgen, compuestos para los

peregrinos, respectivamente, a Santiago de Compostela y al monasterio de

Montserrat.

De esta polifonía primitiva se han conservado el Códice Calixtino o

Liber Sancti Jacobi, de la catedral de Santiago. La copia, del siglo XII, es una

guía de peregrinación que contiene veintiún cantos a dos voces y uno a tres

voces. Aunque por estar preparado este códice en Cluny, es posible que no

toda la música incluida en él sea de origen hispano. Famoso es también el

Manuscrito del monasterio de las Huelgas (Burgos), de los siglos Xlll y XIV que

es una antología ya de transición hacia el "Ars nova". Contiene unos 200

cantos, algunos ya polifónicos, con veintiuno de ellos peninsulares.

Alfonso el Sabio.- El gran tesoro musical del siglo XIII español es la

colección de "Cantigas de Nuestra Señora" salida del "scriptorium" de

Alfonso X el Sabio (1252- 1284). Consiste en 417 cantigas escritas en tres

códices con notación mensural y, muchas de ellas, con una clara estructura

de rondó en la que parece alternar una voz solista (narrador) con un coro o

estribillo. Pero a pesar de contener anotación para su canto, es debatido

todavía si su interpretación debe acercarse a la tradición juglar, es decir

profana, o a la música gregoriana, es decir más cerca a su uso litúrgico. Las

miniaturas de las "Cantigas", todas ellas de gran valor artístico enriquecen el

conocimiento de la música con numerosos ejemplos de cantores, músicos y

gran variedad de instrumentos.

En Cataluña el documento más famoso es el llamado "Llibre Vermell",

conservado en copia del siglo XIV, que incluye cinco cantos monofónicos y

algunos, destinados para el uso de los peregrinos al monasterio de la Virgen

de Montserrat. Contiene cantos de una especie musical en la que parecen

combinarse lo eclesiástico y lo popular la danza litúrgica, para ser cantada y

danzada en la iglesia.

De la música y cantos profanos medievales se sabe también por

numerosos documentos más de su existencia que de su naturaleza. En el

siglo XIV, el famoso "Libro de Buen Amor" del arcipreste de Hita da

testimonio explícito de las tareas de cantores y de sus instrumentos. La

importancia de la música en las festividades y la fama de la música

hispanoárabe, encuentra un testimonio de interés en la "Crónica Adephonsi"

que cita la invitación de músicos cantores y bailarinas hispanomusulmanes

por el rey de Castilla para animar la boda de doña Sancha.

TEATRO LIRICO

Orígenes y antecedentes.- El teatro lírico tiene medieval tiene sus

orígenes en el teatro griego, pero inicia como una expresión religiosa

denominada “Drama” que no es otra cosa que representaciones de hechos

de la Biblia, por ejemplo, La Pasión. Su música es en latín y en estilo

gregoriano. Es una forma de música religiosa no litúrgica. Los más famosos de

la época son Herodes, Ludus Danielis y Visitatio Sepulcro. Estaban

representados por los miembros de la iglesia pero con el tiempo se separa de

su carácter religioso y se interpretan nuevos dramas en lengua vernácula

(Auto de los Reyes Magos o la Fiesta de los locos). El drama medieval más

importante de España es El Misterio de Elche que todavía hoy se representa.

Drama Litúrgico.- En el contexto de la misa surgieron los

llamados tropos, textos breves cantados en forma de diálogo, nacidos en

torno al canto del Aleluya, que comenzaron a ser acompañados

por música en algunas de las más importantes fiestas litúrgicas, sobre todo

la Pascua y la Navidad. Se cree que los tropos nacieron en el siglo IX, en

la Abadía de San Galo (Suiza) y de ahí se difundieron por Europa. Los tropos

serían el embrión del que nacería el drama litúrgico, cuando se pasó de

cantar simplemente el breve texto a acompañarlo de una pequeña

representación alrededor del altar. Eran los propios oficiantes de la misa

quienes hacían estas pequeñas representaciones, en las que incluso se

utilizaban los mismos objetos usados en la liturgia, con lo cual se

aprovechaba su valor evocativo y simbólico. Además de esta vinculación con

la liturgia que le da a estas pequeñas representaciones un

carácter sagrado que las protege de las críticas hacia el teatro frecuentes

entre los Padres de la Iglesia y los moralistas medievales, se percibe en estos

drama litúrgicos una vocación ejemplificadora y didáctica que supone el uso

de la mímesis y la existencia de un destinatario.

Las representaciones religiosas en Francia y los países bajos.-

Provienen de allí los más antiguos ejemplos de composiciones de carácter

sacro en lengua romance. Por ejemplo, “La resurrección” y “el Adán”. En

Francia nace una serie de dramas donde destaca la figura de la Virgen María

como intercesora, y que son conocidos como “Miracles de Notre Dame”. En

Francia el Drama litúrgico influenciado tal vez por el ambiente culto y

refinado que condujo al racionalismo y a la crítica, no tendrá nunca aquella

simplicidad y pureza de acentos que caracteriza a las formas dramáticas

italianas.

Drama Litúrgico en Italia (Lauda dramática).- El período de máximo

florecimiento del Drama Litúrgico, es decir, el siglo XIII, nace en Italia como

evolución natural de la “Lauda” (composición poético musical en lengua

vulgar surgida para expresar el fervoroso sentimiento religioso popular)

Drama Litúrgico en Alemania.-

Drama Litúrgico en Inglaterra.- Surge en Inglaterra, a través de una

colección de reglas benedictinas redactadas en la 2da mitad del siglo X por

monseñor Ethelwood (obispo de Winchester), la idea de desarrollar esta

forma, aislándola propiamente de la parte litúrgica y acompañándola de un

“comentario visual “. Reglas que eran para ser aplicadas al Drama pascual

“Quem quaeretis”.

Drama Religioso en España (El “Misterio del Elche”).- En España, es el

famoso "Misterio de Elche" cuya representación anual es todavía hoy el gran

acontecimiento musical y dramático de la ciudad de Elche y de la región de

Alicante. Su tema es la Asunción de la Virgen, y se estima que su redacción

primitiva sea del siglo XIII, aunque algunas partes que se consideran

primitivas pueden muy bien no ser las originales. Se conserva en una versión

del año 1639, con aditamentos polifónicos de varios compositores conocidos.

También es conocido el uso de la música en el teatro medieval. En los

diálogos litúrgicos con los fieles en los ciclos de Navidad y Pasión los cuales

fueron ampliándose y haciéndose independiente de su uso litúrgico. De este

género es el "Canto de la Sibila", del monasterio de Ripoll, el documento

musical más antiguo en la Península. De él se han conservado varias

versiones. Es monodía en las primeras versiones latinas y romances, que

remontan al siglo X, y señala elementos polifónicos en las últimas, ya del siglo

XVI.

TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO

Ars Nova

Ars nova es una expresión debida al teórico Philippe de Vitry que

designa la producción musical, tanto francesa como italiana, después de las

últimas obras del Ars antiqua hasta el predominio de la escuela de Borgoña,

que ocupará el primer puesto en el panorama musical de Occidente en el siglo

XV.

Guillaume de Machaut es sin duda la figura más representativa del Ars

Nova Francés. Compuso en 1364 la primera Misa Polifónica completa,

compuesta sobre un solo motivo melódico para la coronación de Carlos V.

Formas Musicales en el Ars Nova Francés.- Los géneros tendían a

diversificarse, pero el motete siguió siendo la forma más en auge aunque su

estructura interna evolucionará hacia el motete isorrítmico. La misma

evolución tuvieron el rondeau, la ballade y el virelay, las “formas fijas” de

canción en el siglo XIV, llamadas así porque siguen un esquema métrico

determinado: La ballade se estructura en tres estrofas poéticas, cada una de las

cuales presenta el esquema melódico AaB; el virelay es presenta la estructura

melódica ABbaA; y el rondeau es una forma poética de ocho versos con la

estructura musical ABaAabAB.

Ars Nova italiano o Trecento, se inicia en Florencia, estilísticamente

ignora por completo el uso de diversos textos, la costumbre de emplear

tenores de otros cantos decae, y todas las voces son originales, por último,

mientras las voces inferiores se confían, frecuentemente, a instrumentos, las

voces agudas tienen una tendencia clara a resaltar con melodías cada vez más

fluidas y espontáneas.

Formas Musicales.- Destacan los madrigales, la balata y la caccia,

cuyas diferencias no son absolutas, pero se trata en todo los casos,

composiciones basadas en textos poéticos italianos, muchas veces de exquisita

factura (Petrarca, Boccaccio). Entre los compositores de esta etapa destaca

Francesco Landini.

El madrigal es una forma poético-musical bastante libre,

frecuentemente de temática amatoria o pastoril. Suele componerse de un

número indeterminado de estrofas que se suceden con la misma melodía. En

algunos casos, la última estrofa se canta con una melodía distinta, a la que se

da el nombre de ritornello y en la que se suele emplear además un ritmo

contrastante con el resto de la canción. Al tono idílico del madrigal se oponen

la jovialidad y el carácter popular de la caccia (una especie de canon) y, algo

más tarde, la expresividad y refinamiento de la ballata, forma musical que,

años más tarde, terminaría imponiéndose sobre las otras dos. La ballata es una

pieza de origen danzable que fue perdiendo, poco a poco, ese carácter. Su

utilización como canción es posterior a la del madrigal y en un principio fue

sobre todo monódica. La ballata, monódica o polifónica tiene una estructura

poético musical preestablecida: consta de una estrofa a modo de estribillo

(ripresa), seguida de dos estrofas con melodía distinta (piedi), de una tercera

estrofa con la misma melodía que el estribillo (volta) y de una repetición final

del estribillo -ABbaA-.

Notación Musical.- Los signos se multiplicaron con indicaciones

precisas de pausas y nuevas figuras de valor cada vez más breve. La mínima,

división de la semibreve se subdivide asimismo en dos o tres semimínimas.

Esta proliferación de valores permitió la dislocación de los modos rítmicos y

una búsqueda de ritmos contrapuestos entre las diversas voces, que crea la

sensación del uso sistemático de la síncopa. Gracias a la precisión de esta

notación musical se generalizó el hoquetus, que ya había adelantado el ars

antiqua. La escritura musical sufrió modificaciones. Se seguía componiendo a

dos o tres voces (cantus firmus y duplum o también triplum), pero la

intervención de la cuarta era cada vez más frecuente. Esta voz era inferior al

cantus firmus y poseía valores del mismo orden de duración respecto a la voz

principal. En Francia se le denominó contre-teneur, quedando así constituido

el cuarteto vocal, considerada la forma polifónica ideal hasta principios del

siglo XVII.

EL RENACIMIENTO

Concepto.- La música del Renacimiento o música renacentista es la

música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400

y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la

música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del

contrapunto, y estar regida por el sistema modal heredado del canto

gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa

y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el

género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música

instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se

hallan Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.

Contexto Histórico.- Es una época en la que el poder está en manos de

las monarquías absolutas, terminando con el feudalismo medieval (excepto

en Italia, donde surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y aristócratas

van a ser los mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de

un salario.

Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de

comunicación y los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y

el intercambio y propagación de ideas musicales. Por otro lado, en el ámbito

religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica serán

importantes para la evolución de la música.

Pensamiento Filosófico.- En el ámbito filosófico uno de los ideales que

van a triunfar en este periodo es el del Humanismo, que considera al hombre

como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del

medievo.

Características culturales.- Progresiva laicización del arte: las obras de

arte dejan de concebirse como alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin

la belleza y el placer de los sentidos en sus obras.

El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la

cultura en todos sus ámbitos.

El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad

Media para hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.

Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los

renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van

a despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico

sobretodo de Grecia y Roma.

Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el

espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en

detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había

menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran

desarrollo.

Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en

complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media.

Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.

Características Musicales.- La música renacentista se caracteriza por

una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo

armónico consonante (uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya

admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces,

todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto:

independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso

de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas,

etc.

El prototipo de pieza renacentista suele presentar pues una textura

polifónica, frecuentemente imitativa, y estar escrita para entre tres y seis

voces (sean estas vocales o instrumentales), de carácter cantabile y de

importancia y carácter similares. Si bien el rango de cada voz supera apenas

la octava, la extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos

octavas, evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran

heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval).

El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos

gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música

del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el final del período con el uso

creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales,

característica definitoria de la tonalidad.

En el Renacimientos en otras artes se producen importantes cambios,

en cambio en la música, lo que ocurre es la continuación del desarrollo de lo

realizado en el Ars Nova.

Precursores.- En lo que algunos llaman primer renacimiento (primera

mitad del siglo XV), destacan los compositores franco – flamenco, ya que los

duques de Borgoña actuaron como mecenas de un grupos de compositores.

Dufay, Okeghem, Josquin Desprez

En el alto renacimiento, segunda mitad del s. XV y primera del s. XVI,

los compositores franco – flamencos se extienden por Europa, y se

desarrollan los géneros nacionales, en Italia se cultiva el madrigal, en

Alemania el Lied y en Francia la chanson.

En el bajo renacimiento, se desarrolla durante la segunda mitad del

siglo XVI. Italia se convierte en el país más importante musicalmente

hablando, las innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música

profana; sin embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se

dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el

español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo

el motete y la misa. En esta época también tenemos que destacar al italiano

Claudio Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho

tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.

Música Religiosa Italiana.- Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana

sufre luchas internas que acabarán con la unidad del catolicismo. En

Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no

comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a

crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros

días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como

la Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios,

alguno de los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un

gran estudioso de la teoría musical.

Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:

· Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero

era muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y

que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las

celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua que

sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.

· Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya

que el gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se

entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma musical: EL CORAL, que

será el género más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser

una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en

alemán y presenta una textura homofónica.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de

Roma y crea la iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario,

y así acapara todo el poder político y religioso de su país. A partir de este

momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical

denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba

durante las celebraciones litúrgicas.

La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse

para tratar de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta

1563 se celebra "El Concilio de Trento", en el que se tratan de establecer las

directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al

terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes:

Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un

signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio

Vaticano II.

· Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era

posible entender los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad

de la música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano.

· Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios

sagrados en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en

teoría, hoy en día continúa vigente.

Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el

motete y la misa (forma musical compleja resultado de la unión de todas las

piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica. Los

compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni

Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos

madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

Sistema Musical.- Los compositores del renacimiento escribían en

particellas, las partituras generales eran muy raras, y no se usaban las barras

de compás. Las figuras eran generalmente, más largas de las que usamos hoy

en día, la unidad de pulso era la semibreve o redonda.

Estilo.- La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad

que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante

(uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad

Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual

importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las

voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas

paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.

El prototipo de pieza renacentista suele presentar pues una textura

polifónica, frecuentemente imitativa, y estar escrita para entre tres y seis voces

(sean estas vocales o instrumentales), de carácter cantabile y de importancia y

carácter similares. Si bien el rango de cada voz supera apenas la octava, la

extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose

el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y

contrastantes en la polifonía medieval). El sistema melódico utilizado siguió

siendo el de los ocho modos gregorianos; las características modales (opuestas

a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el

final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como

movimiento entre fundamentales, característica definitoria de la tonalidad.

Géneros y Formas.- En la música religiosa predomina la misa y el

motete, que a diferencia del antiguo, es de estilo imitativo y todas sus voces

cantan en latín.

Giovanni Perluigi Da Palestrina (1525 – 1594) y su estilo.- De niño

formó parte del coro de la basílica de Sancta María La Magiore. De sus misas,

la mayoría están compuestas utilizando la técnica del cantus firmus, deja la

melodía en las voces superiores, y ajusta con precisión el ritmo del discurso.

Usa la disonancia seguidas por consonancias en cada pulso, usa

frecuentemente la bordadura superiores así como los retardos.

Misa del Papa Marcello.- Compuesta por Palestrina para demostrar

que si se era posible componer en estilo polifónico manteniendo la

inteligibilidad del texto, que fue una de las mayores críticas que hizo la

reforma a la música eclesiástica.

Orlando Di lasus (1532 – 1594).- Compositor franco – flamenco del

renacimiento tardío, considerado junto con Palestrina líder de la escuela

romana en sus madurez musical, así como un de los más influyentes músicos

del s. XVI. Compositor prolífico, se mantuvo fiel al catolicismo de Roma, sin

embargo compuso bastantes parodias de Misas y Magnificats basados en

composiciones seculares, fue el primero en componer Misa Brevis. Compuso

motetes, salmos, madrigales italianos, chansones francesas, lieders, madrigales

espirituales. Uso el género policoral, con lenguaje armínico conservador.

Compuso en el estilo música reservatta (reservada para conocedore) música

donde abundan los cromatismos. Compone sátiras en estilo de música sacra,

por ejemplo, “super flumina babilonis” composición que incluye,

tartamudeos, paradas, arranques, confusión general, satirizando a los malos

cantantes.

MÚSICA VOCAL PROFANA.- A diferencia de la música

vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios

se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo

propio en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".

Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos

como generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos

de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y

no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen

los géneros más importantes de algunos países:

· ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una

forma de polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente

es música "a capella", aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es

música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases

en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los compositores

más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio

Monteverdi.

· FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON.

Es una forma polifónica normalmente con acompañamiento instrumental.

También es descriptivo. El compositor más destacado es Clement Janequin.

· ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un

género que en su origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a

cuatro voces de textura homofónica con estructura de estribillo-copla-

estribillo. El compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del

Enzina y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título

"El cancionero de Palacio". Junto con el villancico en España también habrá

otros géneros importantes como el Romance o la Ensalada.

MÚSICA INSTRUMENTAL.- Una de las características más

importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que

hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando

prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música

promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va

a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del

oído.

Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia

continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos.

Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a

difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha

gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un

instrumento.

Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del

Renacimiento:

PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que

primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán adaptadas para

poder interpretarlas con instrumentos polifónicos como el órgano y otros

instrumentos de teclado. Destacan en este grupo formas como el ricercare o la

canzona.

· PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas

podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una melodía dada o

se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la marcha.

A este tipo de música corresponden géneros como la fantasía o la toccata.

· PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el

intérprete parte de un tema sencillo que va repitiendo sucesivamente

incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan las

diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema con variaciones

en el cual destacó el compositor español Antonio de Cabezón.

· PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: La danza, durante el

periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran importancia, sobre todo entre

las clases más altas, ya que en todas las celebraciones va a estar presente. Pero

además de la danza cortesana, va a existir otra danza menos refinada y mucho

más alegre, que va a ser la del pueblo llano. Destacan entre las danza la

Gallarda, la Pavana y el Brandle.

TRANSICIÓN HACIA EL BARROCO

Barroco (Razón y Sentimiento).- Se conoce con el nombre de Barroco

al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado entre el

Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta etapa

son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi

(1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio

indiscutible de esta época.

CONTEXTO HISTÓRICO.- Las monarquías absolutas dominan el

panorama político de una Europa que está sumida en un continuo de luchas

políticas y guerras. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la

Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos

en los que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en

mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y

palacios.

Características de la Música Barroca.-

.- Monodia acompañada.

.- Bajo continuo.- Es una base armónica, con cifras (números) colocados

en el bajo, que indican al continuista la armonía con la que debe acompañar a

la melodía.

.- Se establece la tonalidad y la armonía tal como la conocemos hoy, y

se crea el compás, todo será medido.

.- Nacimiento del estilo concertato.

El Barroco temprano (1600-1654).- Este período es conocido como el

Seicento; alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un

compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos

géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género

madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista.

Compuso una de sus obras más famosas, el "Lamento d'Arianna", tanto en

versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo.

La seconda prattica, un subgénero de monodia acompañada, esto es,

una o varias voces solistas y bajo continuo, caracteriza la música de este

período. Monteverdi sería el máximo representante de la recién creada ópera

en aquella época. En esta época comenzaría a tener éxito en varios páises,

excepto en Inglaterra, debido a la proclamada "Guerra contra los

espectaculos". Paralelamente al desarrollo operístico es el del oratorio gracias

a San Felipe Neri.

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y

revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su

característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el

desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los

anteriores géneros modales.

Música Religiosa.-

ORATORIO.- Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los

mismos apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Además,

tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin

embargo en el oratorio encontramos características propias:

· Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.

· El oratorio no se escenifica.

· Se interpreta en un lugar de culto sagrado.

· Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el

recitativo.

Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más

conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de

Navidad".

CANTATA.- El término cantata significa etimológicamente "música

para cantar" y surge en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un

género que nace dentro de la música vocal profana, destinado a ser

interpretado en los salones de la aristocracia; sin embargo, fueron los músicos

de la iglesia protestante los que lo convirtieron en una forma de música

religiosa, cambiando el texto, que ahora se basará en fragmentos del

Evangelio, salmos y otros temas religiosos.

La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero

se diferencia de éste en que será más breve. Las melodías solían estar

divididas en frases que finalizaban con un calderón (influencia del coral).

Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y

su cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.

LA PASIÓN.- Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la

muerte de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la

pasión también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del

narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos los

acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados

por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son

interpretados por el coro.

El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras

fundamentales: "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan".

ORÍGENES DE LA ÓPERA.- A finales del siglo XVI, en Florencia

surge un grupo de artistas e intelectuales que trabajarán financiados por el

conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La Camerata Fiorentina".

Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado

las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la

esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de

conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.

Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las

raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música

era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba

cargada de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la

técnica de la monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera

posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar

todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como "la

obra de arte total", ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes:

poesía, música, teatro, danza,...

La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya

que lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y

palabra; se consolidará como uno de las formas con más protagonismo a lo

largo de los posteriores siglos.

NACIMIENTO DE LA OPERA.- La ópera es un género musical

profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo XVII. El antecedente

más significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo", que eran

pequeñas actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de los

dramas teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando importancia y

cada vez serán mas largos, hasta que de manera autónoma se confirmen como

un nuevo género musical.

La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri,

estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que

algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de

"Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G. Caccini.

Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se

confirmará como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos

los requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará

en años posteriores. Esta obra, será tomada como referencia por todos los

compositores que le sucederán.

Además, el propio Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una

gran fama como "La coronación de Popea" y "El retorno de Ulises". Este

género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se

convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia,

Nápoles,...), añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa

adoptó el estilo operístico italiano, excepto Francia que creará su género

propio.

Recopilación: Wilfredo E. Pinto