¿Qué es y qué no es arte?

Análisis a través de mi propio trabajo artístico y el

medio en el que se desarrolla: internet

Alumna: Dalila Virgolini

dalilavirgolini@gmail.com

Teoría del arte I y II

Grado Historia del Arte

Centro Asociado Gregorio Marañón - UNED

2016

2

Índice

Introducción…………………………………………………………………………… 03

¿Por qué hago lo que hago? …………………………………………………………. 04

¿Qué es arte? ......................................................................................................... 14

¿Qué no es? ........................................................................................................ 18

¿Qué es un artista?.................................................................................................. 20

El artista en la era de internet....................................................................................24

El arte y los likes: Likes como unidad de medida y avalistas de likes ………………27

Sobre lo banal, lo sensual y la constante actividad en las redes sociales ………… 30

Conclusiones ........................................................................................................ 34

Bibliografía ……………………………………………………………………………… 36

3

Introducción

Estoy feliz de vivir en este momento, y de ese modo ser parte, de una revolución

como la que se está dando ahora, en la que un medio masivo de comunicación por

primera vez nos permite a todos por igual, (o a casi todos) ser emisores de un

mensaje que puede tener ni más ni menos que un alcance mundial.

Está claro que internet ha generado un cambio en nuestras vidas, y me interesa

particularmente la mediatización de la vida privada como una costumbre cada vez

más arraigada.

En la dicotomía público/íntimo encontramos que las dos esferas se solapan,

cambiando incluso totalmente de sentido, confundiéndose entre sí. La introspección

parece haber quedado debilitada, dando lugar a una nueva forma de definirnos. La

intimidad es importante como parte de lo que somos, pero hay que mostrarla para

confirmar que existimos. Parece imperiosa la necesidad de un reconocimiento

externo, la validación de los gustos, las actividades, la persona en su totalidad, a

través del juicio popular. Relaciono este fenómeno con el culto a las celebridades y

a la fama, requisito este último esencial para ser celebridad, aunque la razón de sí

misma es a menudo de menor importancia. Entendemos “celebridad” como

sinónimo de ideal: admirada por su atractivo físico, popularidad, talento, riqueza,

etc...

De este modo, y también en relación con la profética frase “todos tendremos

nuestros 15 minutos de fama”, el esfuerzo por inventar un personaje se hace

patente. Me pregunto hasta qué punto somos auténticos dando a conocer lo mejor y

lo peor de nosotros mismos, y cuánto influye por otra parte, el interés de hacer

pública esa determinada cuestión de nuestra vida privada en su propia modificación

real. Si al final, estamos constantemente trabajando en ello, es ya de por sí lo que

estamos siendo. Esa construcción imaginaria deja de ser ficción.

Con este trabajo pretendo profundizar en nuestro nuevo modo de vida social, y en

particular, la figura del artista en este momento, adentrándome en los parámetros

que he internalizado para determinar que es arte y qué no, y utilizando mi propia

experiencia y mi propio trabajo como hilo conductor de mi pensamiento y análisis.

4

A su vez, al enfocar mi práctica artística en relación a mi persona/personaje, me

parece interesante hacer lo mismo con este ensayo.

5

¿Por qué hago lo que hago?

Me he preguntado un montón de veces si mi trabajo es sólo producto de lo que me

ha tocado vivir, o si es que habría tenido de todos modos inquietudes artísticas de

haber nacido en cualquier otro momento histórico. ¿Qué fue primero, el huevo o la

gallina?

Me planteo mi trabajo artístico actual como un proyecto abierto, que crece paralelo a

una actividad creativa cotidiana y se fundamenta en la experiencia vivencial. Trabajo

con mi propia imagen, que la difundo principalmente a través de internet. Soy, es

cierto, para bien o para mal, parte de una sociedad híper-tecnológica obsesionada

con la fama y la satisfacción inmediata. Me doy el permiso en internet de ser tan

banal como quiero. Tan sensual como he aprendido a ser. Y tan activa en las redes

sociales como el momento lo requiere para sentirse parte. Soy consciente de que a

veces mis pensamientos tienen forma de publicación de Facebook. De que vivo

para la anécdota que se reflejará en Instagram. No tengo otro modo de verme a mí

misma más que en 2D, y de este modo construyo quien soy. Pero es una versión de

mí misma en 2D que adquiere una nueva dimensión de todos modos, en el mundo

de internet. Esa nueva distancia/cercanía con respecto a nosotros mismos y al

resto. Y es que al final también es verdad que no vivimos sino para los demás.

Busco entonces, adelantarme a mi propio mito construyendo una autobiografía en

imágenes. Trabajo con todas estas ideas, sin dudas de un modo lúdico y catártico.

Como dijo McLuhan, el mismo que acuñó el término de aldea global: “Los nuevos

medios no son modos de relacionarnos con la realidad, son la realidad misma” 1.

No dudo de esto ni un segundo.

Como usuaria de Facebook desde mayo de 2008 (después de unas primeras

experiencias en Fotolog y Myspace) he coleccionado desde entonces mis fotos de

perfil. Mi inquietud hacia esta red no era en un principio artística. Hasta que fui

consciente de que estas imágenes son absolutamente nuestras nuevas tarjetas de

visita. Hoy, es muy normal apenas conocemos a alguien pedirle su cuenta de

1 La cita exacta es Marshall Mc Luhan es: “The new media are not ways of relating us to the old ‘real’ world;

they are the real world and they reshape what remains of the old world at will.”

6

usuario, y así obtener, no sólo un modo de mantener el contacto, sino, sobre todo,

más información sobre la persona. Cómo gestionamos nuestro perfil en las redes,

no es algo que pueda responder a ningún azar. Nuestra imagen de perfil es la

“primera impresión” tal y como la queremos causar. Se trata de lo que uno va a

proyectar de sí mismo, del propio retrato interior, en resumen, una decisión nunca

tan propia sobre cómo nos van a ver los demás. Y hay algo, además, excitante y

curioso respecto a este público virtual: nos exponemos a una mirada impune que va

a diseccionar nuestra tarjeta de visita a sus anchas, en su propio ordenador o

dispositivo, sin tener que dar cuenta ni opinión, pero sin dudas generando algún

juicio.

Son a partir de aquí, muchos los factores a analizar. El cambio constante o la

permanencia de un mismo “avatar”, la cantidad de comentarios que recibe o su

inexistencia y las expectativas/decepciones que acarrea, las pretensiones técnicas

de producción de imágenes o su aparentemente despreocupada publicación, el

entorno en el que fue tomada esa foto, o la compañía con la que nos presentamos

al mundo, etc., etc.

Facebook se ha convertido en la nueva “televisión” para muchos de nosotros. Es el

sitio donde miramos las “noticias” de todos nuestros contactos (“amigos”) que son

las nuevas “celebrities de andar por casa”. Utilizo esta red con esta consciencia y a

la vez ese propósito. Seguir creando una imagen, una marca personal, un personaje

tan ficticio y tan real como cada uno de los espectadores quiera.

Me he animado a preguntar en una publicación qué es lo que ven en todo lo que

posteo:

7

2

2 Entrada completa con todos los comentarios en: goo.gl/tdL0wV

8

Obviamente, no todo el mundo hace una lectura artística de lo que sucede en mi

Facebook. Por una parte, esto me parece muy interesante. Es ya esperable que el

arte haya trascendido los lugares establecidos: (galerías, museos, salas) y que se

genere esta ambigüedad en la que no se sabe realmente “si es o no es”, es parte de

los elementos con los que trabajo. Claro que a veces yo misma lo dudo. Cuántas

veces, me pregunto, simplemente estoy reproduciendo la misma necesidad de todo

el mundo por compartir su vida diaria, generando mensajes del montón, que

pasarán totalmente desapercibidos (¿necesitamos realmente y en todo caso, de una

audiencia?). Y, por otra parte, me cuestiono acerca del espacio donde las obras de

arte se exhiben, o el prestigio que un artista ha conseguido, como muchas veces

legitimadores automáticos una pieza, sin necesariamente tener ésta valor por sí

misma. ¿Pero quién establece ese valor?, ¿Qué es lo “artístico” ?, ¿Vale todo?

Podría ser el muro de Facebook comparado al muro de una cueva prehistórica

donde todos intentamos dejar nuestra impronta. Tan sencillo como expresar nuestra

cotidianidad, lo que hacemos, lo que nos preocupa, lo que nos interesa. Nuestra

cultura. Pero, ¿Hasta cuándo perdurará lo digital que nos parece tan intangible?

¿Qué será lo que dentro de 2000 años nuevas culturas estudien de la nuestra?

¿Cómo perdurará nuestro arte de hoy? ¿Tiene que ser materialmente perdurable

para ser considerado una obra maestra? ¿Qué pasa con la cantidad ingente de

artistas vivos?

Todos somos generadores de imágenes hoy en día. Quizás lo único que diferencia

un usuario aficionado de un artista sea la intención. Poner conciencia a ese

contenido que se está generando, y la búsqueda de información, entendida esta

como algo nuevo, aun si fuese producto de lo casual. La experimentación, la

investigación, y la sensibilidad estética, puestas en marcha para crear un mensaje.

Como en la dialéctica entre las nociones hombre entero y hombre enteramente

planteada por Lukacs, todos estamos sumidos en las objetividades del mundo, lo

que nos rodea, las normas, las funciones que cumplimos y las relaciones que

tenemos. Estamos dispersos entre todo eso que nos define. Somos únicamente

personas enteramente cuando nos sumimos en una experiencia estética, y esto a su

vez, nos cambia al momento de ser enteros otra vez. Estas experiencias estéticas,

pueden ser revolucionarias desde el momento en que nos facilita momentos en los

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que podemos ser más potentes, más sensibles para captar más matices de la

realidad. Aquello que podemos ser, nuestras potencialidades.

Parece luego por momentos, que estas experiencias estéticas deberían o podrían

darse únicamente en esos espacios establecidos de los que hablábamos antes. Que

el arte de vanguardias ha causado de algún modo que se busque un concepto en el

arte, una idea detrás de cada obra y un discurso profundo. Y a la vez, cierta

incredulidad del público general que carece de competencias para entender este

nuevo lenguaje. La típica frase “esto lo puedo hacer yo” en relación a cualquier obra

que parece a la vista muy simple. Sin embargo, cualquier imagen es un mensaje a

descifrar, aunque muchas veces, debido a la sobresaturación a la que estamos

constantemente sometidos, no nos tomamos esa molestia. Tanta saturación de

imágenes implica que sólo nos detengamos en unas pocas, y que tratamos como

arte, a lo que se nos presenta como tal de un modo directo.

Por otra parte, como artista, parece que hay que tener exactamente claro el

“statement”, los conceptos con los que se trabajan, y el discurso que hay detrás de

cada pieza. No se nos permite, ni a los artistas ni a los espectadores mucho margen

para el disfrute estético en sí, experimentar sensaciones estéticas sin más ni menos.

¿Tiene que haber un propósito, un mensaje profundo, una idea nueva, radical, una

utilidad como fin último? ¿Tiene más valor ese arte que solo puede ser descifrado

por quien está ilustrado por los correspondientes conceptos y categorías?

A veces, como artista, me frustra no encontrarme en esa posición. Siento que de

algún modo me quedo muchas veces al margen del circuito “oficial del arte” porque

no me muevo en todos los circuitos institucionales con ese dossier tan estudiado

que abalaría mi validez como tal. Siento que, en parte, mi trabajo es una lucha

interna por liberarme de la obligación de responder a los mandatos del artista. La

auto creación del personaje y la auto convicción de ser artista, son entonces parte

del proyecto en sí. El artista como la obra de arte en sí misma. Una especie de

outsider por motu proprio nadando en el mar de las contradicciones.

Creé en 2011 una entrada en Wikipedia con mi nombre y biografía. Fue borrada a

las 24hs por “carecer de valor enciclopédico”. Luego volví a crearla, desde mi web,

conectando todos los links a la Wikipedia real, aunque la entrada fuera falsa:

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http://www.dalilavirgolini.com/html/wiki.html

¿Qué es lo que hace que una persona tenga más importancia que otra y que

merezca o no el derecho a una biografía online?

En la misma línea, durante una performance en un evento paralelo a la inauguración

de la feria Arco, estuve firmando autógrafos dándome todos los aires de

importancia:

Por supuesto que me encontré con la pregunta: ¿Y tú quién eres? A la que

respondía con simpatía: soy artista. Era suficiente para que la gente se quede feliz

de llevarse una foto firmada y dedicada.

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Respuestas breves que satisfacen inquietudes.

Un desconocido me interceptó por mensaje privado en Facebook:

El mismo debate interior y aluvión de contradicciones que se me desata al pensar

acerca del ser artista y la necesidad de su justificación o no según el ámbito, se me

presenta en los momentos en que “temo” ser tomada por superficial, narcisista,

egocéntrica. Y cuando decido que no me importe correr ese “riesgo” es cuando me

explico a mí misma por qué no lo soy. Las imágenes que comparto me sirven para

entender lo que he aprendido a ser, y a la vez, tener una mirada crítica sobre

nuestro comportamiento y sobre mí misma. Cómo entiendo mi momento vital, lo

femenino, las redes sociales, los deseos, las ambiciones. Y me es fácil luego

exportar esta experiencia a la de mi entorno.

Empecé trabajando con mi cuerpo, por comodidad, porque tenía una modelo a

disposición 24hs sin tener necesidad de explicarle lo que quiero, y después de un

tiempo entendí, que cuando fotografiaba otras personas (o incluso objetos), estaba

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hablando de mí misma. Entonces utilizarme fue un recurso aún más justificado para

hablar también del mundo y de los demás, desde mí.

Muchas (otras) it girls y eggobloggers, hacen de su Instagram, YouTube, o Twitter

su medio de vida. Gente que sólo se retrata a sí misma, vende su imagen, y otra

gente compra. ¿Por qué leemos como egocentrismo que la persona aparezca

retratada y no que comparta ninguna otra cosa más que su

persona/personaje/personalidad? ¿No se trata en todo caso siempre de ego? ¿No

hablamos siempre desde nosotros mismos? ¿Por qué tratamos nuestra

representación física, el cuerpo, como sinónimo de ego?

3

Supongo que el cuerpo tiene aún hoy una carga de valor muy importante. En este

sentido me gusta pensar que, desapegándome de él, puedo utilizarlo más

3 Captura de pantalla de mi cuenta de Instagram: https://www.instagram.com/dalilavirgolini/

13

libremente. Es también una herramienta que uso para realizar una performance

constante, eso que se ve de mí, y con lo que se identifica, y lo que me deja jugar

con distintos vestuarios, poses y con mis ideas acerca de lo que creo que es el

cuerpo y la mujer de por sí, entre otras cosas.

A este último propósito, también añado la ayuda de Photoshop y/o cualquier

herramienta más práctica para filtrar, retocar, y mejorar en general mi imagen, e

incluso desplazarme al sitio en el que quisiera encontrarme (o mostrarme) si es

necesario. Hay miles de apps al servicio de convertirnos bellos y/o tele

transportarnos en segundos, que nos acercan a los parámetros actuales de la

perfección y lo ideal. ¿Por qué no íbamos a hacer uso de ellas?

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¿Por qué no íbamos a querer vernos bien? ¿No es esto algo muy humano?

Pero, ¿Es el selfie hoy en día un modo más de conocernos y auto complacernos o

una obsesión que repercute negativamente sobre la concepción propia? Existe al

respecto amplio debate sobre si esto va en detrimento de la propia concepción del

cuerpo. Yo creo, por mi experiencia propia, que siempre que haya una mirada

crítica, así como en cualquier otro aspecto de la vida, los selfies solo pueden

hacernos bien.

Contar con esos recursos que nos dejan ver una versión mejorada de nosotros

mismos, nos acerca a los modelos a los que nos enfrentamos comparativamente a

diario, de una belleza también irreal, ya que por supuesto, o al menos no

deberíamos olvidar, también son cuerpos distorsionados digitalmente.

En el momento en que aceptamos que el parámetro de belleza es ficción, podemos

permitirnos a la vez la “imperfección” en la versión tangible del mundo concreto de

nuestro cuerpo.

Personalmente, al permitirme vivir mundos imaginarios, al hacer realidad algunas de

mis fantasías virtualmente (no solo mediante la construcción de imágenes) las

pongo en la misma categoría mental que los recuerdos y todo se confunde, siendo

parte de la configuración misma de quien soy. Vivo lo que fantaseo a través de los

recuerdos que se quedan en las imágenes que ya he creado y/o en las experiencias

virtuales. Todos lo hacemos en parte todo el tiempo: el recuerdo no es más que una

invención, al igual que el futuro. Me construyo un pasado, un presente y a la vez un

futuro partiendo de la imagen de mi misma.

A la vez, y siendo mujer joven, no puedo obviar que vivimos en una sociedad que

sexualiza y objetiviza el cuerpo de la mujer. Mostrar el cuerpo, simplemente porque

me apetece jugar con él muchas veces de un modo sensual es una libertad que me

permito, y a la vez, claramente fruto de todas las imágenes que consumo que son

parte de las ideas imperantes de la celebración del cuerpo y lo superficial. Me da

curiosidad por supuesto, el modo en que veré mi cuerpo en 20 o 30 años, y como lo

retrataré. Pero hoy por hoy me gusta incluso sentirme a veces un objeto de deseo,

aunque no quede elegante decirlo. O bueno, por qué no.

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¿Qué es arte?

Gombrich nos dijo que “El Arte como tal no existe, lo que existe son los artistas. (..)

el Arte, escrita la palabra con A mayúscula, no existe, pues el Arte con A mayúscula

tiene por esencia que ser un fantasma y un ídolo”

En la actualidad, el arte es cada vez más difícil de definir. Estudiamos las piezas

históricas como arte, aunque probablemente en su momento fueran vistas con otra

perspectiva, incluso funcional. Acudimos a museos de arte contemporáneo

asumiendo que encontraremos cosas raras, pero que han pasado por la mirada de

una autoridad que ha determinado que es arte sin dudas. Un fantasma y un ídolo

me resultan las palabras idóneas, porque no deja de ser algo mágico, algo

deseable, algo que no se comprende del todo pero que encanta de algún modo.

Pero el concepto de arte, de todos modos, cambia al mismo tiempo que los términos

sobre los que se define van cambiando.

En la Historia de seis ideas, Tatarkiewicz nos describe una serie de propiedades

más o menos consensuadas después de 2000 años de historia, que definían el

concepto de arte, desde los antiguos griegos hasta nuestros tiempos recientes: el

arte es parte de la cultura, es producto la destreza de un artista, se delimita en una

región separada del mundo y se valora a través de las obras de arte, siempre en

relación al concepto de belleza. Este modo de definir el arte es como él dice “una

reliquia”, ya que, en nuestro tiempo, los límites sobre los que se define están cada

vez más confusos y resultan incluso contradictorios entre sí en más de una ocasión.

En el pasado, se ha explicado el arte como una reproducción de la realidad, que

producía belleza, que crea nuevas formas, desde la expresión propia e individual,

creando experiencias estéticas para el público, y más recientemente, provocando

también con estas experiencias una reacción en ese espectador.

Cada una de estas explicaciones se ha tomado como una definición en sí misma,

pero evidentemente se restringen a un solo aspecto que no puede ser correcto ni

englobar totalmente el significado del término. Se complica aún más cuando se

pretende separar el arte de otras actividades culturales para describir las que

únicamente ésta posee.

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Pero, ¿qué es entonces y cómo determinar lo artísticamente potente, lo que es

capaz de emocionarnos estéticamente, y aquello que podemos considerar digno de

llamar arte?

Hubo sobre esto dos grandes tipos de respuestas. Por un lado, las que se situaban

en el polo del sujeto, quien recibe, con sus propias disposiciones o competencias

ese objeto artístico (principalmente a partir de Kant y su aporte sobre la estética).

Por otro lado, las que se situaban en el polo del objeto y en sus propias

características: si es armónico, proporcionado, etc.

Podríamos, claro, decir que el arte es lo que cada sociedad en cada momento

histórico. Me interesa la subjetividad para entender el arte, particularmente a

sabiendas de que ahora más que nunca se trata de un término relativo (sino

totalmente amplio y casi abstracto).

Kant estuvo interesado en los juicios del gusto estético, estableciendo que será la

predisposición subjetiva al sentimiento la que nos sirva de vehículo a través del cual

se va a valorar la belleza. Según él, el arte provoca la misma satisfacción

desinteresada que la belleza. La belleza es desinteresada en la medida en que tiene

que perseguirse en sus propias normas tendiendo a cumplir sus propias exigencias.

No es algo absoluto, sino que es un valor que se basa en categorías cognitivas.

Los juicios de gusto son absolutamente puros, puesto que los mismos no involucran

ningún interés. En el momento en que un juicio lleva consigo un interés específico y

responde de alguna manera a una intención, no se trata entonces de un juicio de

gusto, sino de una simple opinión.

El arte puede cumplir un destino que la naturaleza no podría alcanzar: ofrecer

belleza y la vez fealdad. Cuando nos enfrentamos a una experiencia estética

eliminamos de nuestra consciencia todo lo que tiene un interés práctico y una

utilidad. El interés y la necesidad personal va por un lado, y el gusto por otro. Pero

cuando algo nos atrae, lo consideramos bello, es porque lo sepamos o no, algo

apreciamos en ello. Así, los fundamentos de la respuesta del individuo a la belleza,

por lo tanto, existen en la estructura de su propio pensamiento, ya que lo que se

atrapa del objeto no pertenece al objeto, sino al sujeto mismo. Sin embargo, es

evidente que existe algo en el objeto que atrae al sujeto hacía él, una condición

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subjetiva del mismo. Aun así, a final de cuentas para Kant todo pasa en el sujeto, la

sensación queda en el sujeto: nace y muere en él.

¿Es ahora esta experiencia estética que acontece en el sujeto totalmente relativa?

Me he aventurado a construir un mapa mental para diferenciar lo que es arte de lo

que no:

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¿Qué no es arte?

Si más o menos atrevidamente en la página anterior afirmé que todo es arte, nada

queda fuera para catalogar como no arte.

¿Qué ocurre hoy con tantos artistas haciendo cosas tan distintas en tantos formatos

y medios, con tantos recursos, materiales, y conceptos? ¿Dónde han quedado las

llamadas 7 bellas artes? ¿Convivimos felizmente en el mundo de no saber si es o

no es? ¿Nos auto convencemos de que lo propio es arte y lo ajeno a veces? O al

revés, ¿nos auto flagelamos creyendo que nunca llegaremos a los estándares

establecidos en las antiguas definiciones históricas? Quizás esta idea

fantasmagórica del arte nos persigue como un deseo inalcanzable e ideal platónico

que no podemos dejar de buscar.

Todo es arte. Pero entonces de la misma manera también podemos decir que nada

es arte. La definición podría ser tan amplia y abarcativa que nos lleva a pensar que

es más cómodo dejar las puertas abiertas de par en par, y no encasillarnos en un

par de condiciones o mandatos poco acordes a la rapidez de los cambios que se

están dando.

Como dice Michau en su ensayo El arte en estado gaseoso: “Este mundo hoy, es

exageradamente bello. (…) tanta belleza, y junto con ella, tal triunfo de la estética,

se cultivan, se difunden, se consumen, se celebran en todo el mundo cada vez más

carente de obras de arte, si es que por arte entendemos a aquellos objetos

preciosos y raros, antes investigados de un aura, de una aureola, de la cualidad

mágica de ser centros de producción de experiencias estéticas elevadas y

refinadas. Es como si a más belleza, menos obra de arte, lo artístico se expandiera

y lo coloreara todo, pasando de cierta manera al estado de gas, o de vapor y

cubriera todas las cosas como si fuese vaho. El arte se volatilizó (…).

Este autor, plantea una idea similar a la de Bauman con su teoría del “arte liquido”.

Este último explica que, como resultado del capitalismo y el consumismo,

necesitamos disponer de las cosas de un modo rápido e inmediato, a la vez que

deshacernos de ellas. Lo único permanente es el cambio, y todo fluye de un modo

líquido, rápido, y no permanece. Así, en todas las esferas de nuestra vida, y en

particular en el arte, el cambio se ve evidentemente analizando los espacios donde

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el éste se celebra. Bauman dice: “los museos son al arte lo que hoy en día los

cementerios son al hombre, lugares para encontrar objetos inánimes del pasado han

sido lo mismo por años y no se les altera de ninguna forma. Los espacios

cotidianos, son lugares para la estética. Son un escenario para actos efímeros,

performances y happenings””. Entonces, de un modo más descontrolado y

espontáneo, las obras de este arte líquido duraran lo que tengan que durar, en un

sitio que puede ser cualquiera, y provocará respuestas inesperadas en un público

preparado y en otro más espontáneo y desprevenido quizás, ya que hay mucho

juego dentro de este cambio y este fluir.

Volviendo a Michaud, quien hace hincapié además en un modo hedonista de

relacionarnos con las experiencias estéticas (o no) que nos invaden y nos provocan,

(esto también es propio del mismo consumismo del que hablábamos antes)

entendemos también lo que nos cuesta concentrar nuestra atención.

Entre el estar dispersos, la sobre excitación sensorial y la falta de categorías para

entender el lenguaje que cambia constantemente, es más fácil que se confunda

también el mundo del arte con el de la artesanía, la publicidad, la decoración, etc.

Incluso los mismos artistas están un poco perdidos, y esto no es extraño.

Internet por supuesto colabora en el modo en que la información se propaga, de un

modo fácil, rápido y totalmente efímero. El arte puede ser un post de Facebook que

quedará en el olvido en una semana. Lo que hace gracia hoy, mañana es aburrido.

Lo que sorprende, es el ser rápido y estar atento.

Al ser una sociedad regida por lo visual nos es inevitable haber aprendido algo de

todo este lenguaje que se contagia por osmosis, tarde o temprano. El afán por la

belleza también es innegable. Pero no podemos negar que hay mucho de horrible

en el mundo, y esto es así naturalmente me atrevería a decir, (quizás bajo una cierta

mirada negativa propia sobre el ser humano), pero también, tal vez, porque ese

lenguaje esté mal aprendido. Como si habláramos inglés chapuceando todo el rato,

nos comunicamos, claro que sí, pero nadie sabe expresarse con una versión

elegante del propio discurso.

A la vez, el carácter aspiracional en la figura del artista, hace que cada vez más

queramos presentarnos de ese modo, (Hola, soy artista) y que en realidad no haga

20

falta mucho más que querer ponerse ese título para serlo, porque en la confusión

del lenguaje chapucero todos nos confundimos.

Muy pocos, contados, viven del arte a nivel económico, y entonces la

profesionalidad no puede certificarse con el dinero que se recibe a cambio, ni con

títulos de estudio que son por otra parte cada vez más y avalan bien poco.

Esto hace que no se sepa definir el artista, y entonces ni siquiera quién hace arte y

quién hace otra cosa. Quizás solo por el gusto de llamarle arte a todo, podemos

quedarnos tranquilos de que cada uno seguirá creando más libremente.

¿Pero qué pasa por otra parte con los artistas outsiders por ejemplo, a los que no

les importa en absoluto si lo que hacen podrá ser llamado arte o no? Será siempre

una mirada externa y con autoridad la que determine: esto sí/esto no: el mercado, el

tiempo y el “espectador”4 son los que deciden.

Al final podríamos pensar en el arte como una religión. El arte es dios. Los

sacerdotes son los críticos y comisarios. Los artistas los fervientes devotos, algún

que otro también es profeta, y hay quién es creyente pero no practicante. Las misas

son las inauguraciones. Los retiros espirituales las residencias. Pero, sobre todo, se

trata de fe, de entrega y de amor.

El arte es todo y/o no es nada. Es un misterio en el que creer e internet lo hace hoy

más omnipresente que nunca.

4 Un espectador preferentemente formado como comisario o crítico, que hace las veces de juez y verdugo.

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¿Qué es un artista?

En yahoo answers5:

Siguiendo con la comparativa del arte con la religión, puede que queramos ser

artistas por la misma necesidad de tener algo a lo que aferrarnos en esta vida,

respondernos a preguntas existenciales y a la vez, de algún modo, trascender.

Más allá de los estereotipos que definen la figura del artista, que coinciden hoy en

muchos puntos con ricos y famosos cuyas vidas aparentemente perfectas

deseamos todos, es en esa necesidad salir de nosotros mismos donde nos

podemos definir ya no sólo como artistas sino como seres humanos. Ese afán en la

búsqueda de la inmortalidad que resulta casi instintivo a su vez, me confirma la

teoría de que todo es arte porque todos somos artistas. Al menos en potencia, sin

dudas.

“¿Por qué todos queremos ser artistas? No hago otra cosa que conocer a gente de

mi edad que escribe, toca un instrumento, canta, rueda una película, pinta,

compone. ¿Buscan la belleza o la verdad? Pura excusa. Sólo quieren ser famosos.

Queremos ser famosos porque queremos ser amados. Queremos ser amados

porque estamos heridos. Queremos tener sentido. Servir para algo. Decir algo.

Dejar huella. No morir. Compensar la falta de significado. Queremos dejar de ser

absurdos. Hacer hijos ya no nos basta. Queremos ser más interesantes que el

vecino. Y él también quiere salir por la tele. Es la gran novedad: nuestro vecino

5 Link a yahoo answers: goo.gl/1Sjck3

22

también quiere ser más interesante que nosotros. Todo el mundo tiene envidia de

todo el mundo desde que el Arte se ha vuelto totalmente narcisista”. 6

Se sigue hablando del narcisismo muchas veces con un tono despectivo y acusante

propio del momento en que el psicoanálisis empezó a usar este término para

referirse al amor propio patológico. Era entonces un momento donde lo racional

primaba, la culpa, las prohibiciones, el deber como opuesto a lo placentero y el

trabajo como organizador de la vida cotidiana. Estas características han mutado de

un modo casi radical, siendo ahora una especie de mandato ser feliz, ser bello, ser

libre, disfrutar, ser original, único, exacerbando así el yo.

El “show del yo” es permanente en casi todas las áreas de la actividad humana

actual, pero es en Internet donde se hace más evidente. La exaltación de la

individualidad y la importancia de la imagen propia en relación con la identidad son

parte de nuestra época. La exhibición, y en contra partida también el voyeurismo,

son la vida misma y del uso que hacemos de los medios.

No siendo ajena a la sociedad, la actividad artística y la figura del artista en si misma

por supuesto que reflejan esto. Hacer del propio nombre una marca es hacia donde

parece que nos conduce esta línea, hoy más que nunca.

Y a la vez, sumado a las facilidades que esta sociedad aporta a quien alcanza un

cierto status de reconocimiento público, es en ese anhelo de inmortalidad inherente

al arte y al ser humano es donde confluye el sentir popular de querer llegar a ser

alguien o algo, artista, porqué no.

Hoy parece aún más fácil y accesible por la misma razón que no hay ningún criterio

demasiado concreto que certifique ese título. Aunque interiormente la pregunta nos

persiga.

Particularmente, y en especial realizando este trabajo, no he escapado de

preguntarme una y mil veces acerca de mi propio quehacer. Me llamo artista aquí en

este ensayo, pero la verdad es que no me suelo presentar de ese modo casi nunca

en mi entorno y prefiero decir que trabajo en una oficina. Ambas cosas ciertas, pero

la segunda más concreta y segura, y menos presuntuosa sin dudarlo.

6 Frédéric Beigbeder, Windows on the World, pág. 224.

23

Que si no tengo vergüenza de llamarme artista (¿pudor y culpa que aún que perdura

desde tiempos más anteriores?), que si me lo merezco porque es lo que más me

importa en la vida (¿mi dios?), que si realmente hago algo digno de ese nombre

(¿quién tiene derecho a juzgarme sobre esto más que yo misma?), que si es

solamente una convención más a la que aferrarnos cuando no tenemos otro nombre

para las cosas (¿artista debería sonar del mismo modo que decir zapatero?).

Debería quizás inventarse un término nuevo para referirnos a todas las personas del

mundo que creamos sumidas en una especie de trance egocéntrico, narcisista o

introspectivo (cualquiera de las tres palabras nos guste más).

Deberíamos dejar la palabra artista quizás, para una especie de figura casi

mitológica a la que referirnos. Alguien con aura, boina, misterios.

24

El artista en la era de internet

Fue a mediados de los 90 cuando se empezó a hablar de net art. Muchos artistas

comenzaron a hacer de internet su campo de juego creativo y laboratorio de

investigación crítico: el motivo de sus obras y el medio específico donde ésta se

crearía o se vería.

Desde esos años hasta la actualidad, hemos avanzado tanto en el uso de internet,

no sólo dentro de la práctica artística sino en a nivel “usuario de andar por casa”

incorporándolo en nuestra vida diaria a niveles insospechados, que casi no tiene

sentido hacer más hincapié en los caracteres específicos del medio y/o la tecnología

en sí. Sin embargo, sigue siendo muy curioso observar y reflexionar todos los

cambios que se van dando en las dinámicas sociales y creativas generadas por los

usos de este medio.

Si es, como hemos dicho, parte de nuestra vida, por supuesto que condiciona el

acto de la creación. Pero a la vez, hay aún hoy pocos parámetros estéticos a los

que ceñirnos, a diferencia de tiempos anteriores.

¿Es un meme arte? ¿Lo es una frase en twitter? ¿Es arte una galería fotográfica en

Flicker? ¿Un post de Facebook?¿Uno en Instagram? ¿Una entrada en Youtube?

¿Qué pasó con Myspace y qué pasará cuando estas redes actuales desaparezcan?

¿Es necesario tener al menos una web oficial con tu nombre.com para que sea un

espacio artístico online?

Creo que es interesante pensar que el arte puede estar en todos lados, y en todos

estos casos arriba mencionados, del mismo modo que es posible recitar una poesía

de la que no existe versión por escrito, o cantar una canción que no está registrada

en ningún sitio. Si la intención es artística, poco importa que sea intangible, o que se

recite en la casa de la abuela o en un famoso festival.

“La obra es indisociable de su recibimiento, pero en última instancia, si la obra es

honesta que haya una respuesta a la obra es irrelevante. El artista trabaja para

satisfacerse a sí mismo, si no lo hace así, creo que es deshonesto. El artista es el

primer espectador de su obra, más allá del mercado. El mercado de arte siempre ha

sido cosa más de economistas que de artistas. Ahora todo está más mecanizado,

25

hay todo un sistema de aproximación entre el artista y el gran público.” Dice John

Berger en Modos de ver.

Creo que ese sistema, o confío en que poco a poco sea así, se irá diluyendo. Deseo

que podamos estar abiertos a la experiencia estética en muchos más ámbitos que

es los reglamentados para ello.

En esta captura de pantalla de un mensaje privado que me mandan a través de

Instagram descubro, sin embargo, que no estamos tal vez todos preparados para

entender que el arte pueda estar también en nuevos sitios.

La pregunta es clara, (aunque sin signos de interrogación, algo muy propio del

lenguaje rápido de internet, por otra parte): Si voy a hacer una exposición y dónde

terminará mi obra.

La primera parte, me sugiere que, aunque mis fotos son hechas con el móvil, con el

mismo que las subo automáticamente a la aplicación y las comparto con todo el

mundo, en su propio hábitat natural, en mi propia galería, con un orden que yo elijo

y una narrativa que (a veces intencionadamente, a veces menos) construyo, no es

capaz de leerse como una exposición.

La segunda parte de la pregunta me hace pensar en la misma idea de museos

como cementerio que planteaba Bauman. Mi obra terminará allí. Qué triste suena.

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Una de las características más interesantes de internet también es la posibilidad de

que todo ese arte que compartimos se reconfigure. Siga mutando, creciendo, y

adoptando nuevas significaciones a medida que pasa por diferentes manos y

mentes. Que siga vivo. Lo contrario de esa distancia casi reverencial que se

producía en el museo/galería (y se sigue produciendo). La interacción era dada de

un modo autoritario y vertical: esto se ha establecido como arte, y tú, espectador,

insignificante mortal incapaz de crear algo magistral, admíralo que para eso está allí

colgado.

Ahora se producen muchos más diálogos e interacciones muy rápidamente y eso

nos sirve para alimentar nuestro imaginario y nuestro lenguaje. Y, por otra parte,

quizás sí siendo propio de la práctica artística, todos los que estamos creando cosas

y reaccionando a otras dentro de ese flujo continuo de comunicación que es

internet, de un modo casi instintivo, que sale desde dentro como un impulso, e

importándonos poco cómo se reciba ese mensaje lanzado, ejerciendo el uso la

libertad de expresión, podríamos considerarnos otra vez, por qué no, artistas.

Hito Steyerl nos habla en relación a esto último de la imagen pobre: “Las imágenes

pobres son por lo tanto imágenes populares: imágenes que pueden ser hechas por

muchas personas. Expresan todas las contradicciones de la muchedumbre

contemporánea: su oportunismo, narcisismo, deseo de autonomía y creación, su

incapacidad para concentrarse o decidirse, su permanente capacidad de transgredir

y su simultánea sumisión. En conjunto, las imágenes pobres presentan una

instantánea de la condición afectiva de la muchedumbre, su neurosis, paranoia y

miedo, así como su ansia de intensidad, diversión y distracción. La condición de las

imágenes habla no sólo de las infinitas transferencias y reformateos, sino también

de las incontables personas que se preocupan por las imágenes tanto como para

convertirlas una y otra vez, subtitulándolas, reeditándolas o subiéndolas online.”

Personalmente, de todo lo que hago en internet, ¿qué puedo considerar arte y qué

no? La respuesta es la misma que me daría, si la pregunta excluyera la palabra

internet. Considero que, trabajando sobre mi vida y mi personaje, y teniendo esto

presente en mi mente y mi alma durante todo el tiempo, arte podría ser cualquier

cosa, aunque la mayor parte de las veces, es en ese poner consciencia a lo hecho o

a lo que está por hacerse, que lo encasillo dentro de este concepto.

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A su vez, creo que internet no solo facilita a los artistas poder acceder a un amplio

público, sino también a posibles mecenas. Gente de todo el mundo puede conocer

lo que haces, apoyarlo, o colaborar.

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El Arte y los likes

Likes como unidad de medida y avalistas de likes

Alrededor de todo el arte que está dando vueltas por las redes sociales está volando

el ansia de los likes. Se espera en mayor o menor medida que el público al que se

lanza el mensaje responda positivamente, y para eso el likeómetro tiene que marcar

alto. De algún modo es así como funciona internet. Puede ser que el artista trabaje

sólo para sí, del mismo modo que un diario íntimo se escribe para un uso puramente

personal, pero desde el momento en que sale fuera de uno, existe en algún punto

una expectativa de que ese mensaje llegue al otro lado y sea entendido.

El artista puede utilizar las redes sociales de un modo más o menos inocente

dependiendo el uso particular que haga de éstas. Si comparte los resultados de su

trabajo o aún si trabaja desde este sitio, de algún modo siempre se desea un

feedback positivo por parte de los demás. En este sentido, evidentemente sus

futuras producciones pueden verse condicionadas por esa respuesta en línea,

entendiendo qué es lo que gusta y que es lo que no. Publicaciones más o menos

artísticas, y reconocimientos personales, como invitaciones a eventos, se mezclan

todas en una amalgama de información que a veces pasa inevitablemente

desapercibida, aunque se intenta todo el tiempo lo contrario.

Pero si hemos dicho ya que no podemos decir que el mundo virtual no sea mundo

real, entonces en este punto tampoco habrá diferencia respecto a lo que pasaría en

una exposición concreta en el mundo físico, o incluso el modo en que nos

comportamos, llevado a un terreno ajeno al arte. Siempre nos agrada recibir

comentarios halagadores, ánimos, y sentir de este modo que somos parte de algo,

que somos bien recibidos en el grupo, que esperan algo de nosotros que es solo

nuestro. Estos likes son una substitución de la aprobación más básica, del sentido

de pertenencia que forma parte de los primeros eslabones de la pirámide de

Maslow.

Pero es quizás en internet donde esto se hace aún más patente debido a que el

alcance puede ser mucho mayor.

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Los perfiles que mantenemos en las redes sociales, y todo su contenido, son

nuestra carta de presentación, y nuestra tarea, manejar esa reputación en línea.

Una reputación que es una especie de moneda social de nuestros días. Y no sólo.

Muchos me gustas, muchos subscriptores o followers nos permitirían probablemente

ganar dinero, porque lo que podemos decir que gustar ya es negocio.

Se está elaborando a su vez una especie de código de la comunicación digital:

¿Cuál es el meta significado de un like? ¿Qué significa un corazón? ¿Y si el corazón

es lila en vez de rojo? ¿Hasta dónde hay que responder en una conversación

pública? ¿Y en una privada, después de cinco emojis, quién dice el último? ¿Qué

pasa con los mensajes vistos/no vistos?

¿Y qué pasa con los haters? Evidentemente al exponer nuestra imagen y lo que

hacemos en un medio público nos expone también a la crítica, y a alguna incluso

despiadada. Pero, por otra parte, aquellos que se dedican con ahínco a seguir los

pasos de alguien, aunque fuere para criticar, es otro seguidor más, y quizás de los

más importantes que haya que cuidar y alimentar.

La teoría de los avalistas de likes viene de observar cómo dentro de un mismo

circuito, por ejemplo, el artístico en la ciudad de Madrid, donde más o menos,

aunque fuera solo virtualmente, nos conocemos todos. Dar un like es un modo de

apoyar el trabajo de alguien. Y si esa persona que da un like a otra, tiene ya su

reputación en línea ganada, ese click servirá para que otra persona, casi sin

pensarlo dé un like también, porque tiene la garantía de que ya hay alguien más, y

con criterio a quien le ha gustado.

A su vez, intenta no sólo el asegurarse formar parte del grupo de este modo, sino

también potenciar su propia reputación, enseñando públicamente su gusto por lo

que se entiende en ese momento como válido.

Esto es una réplica quizás del modo en que funcionan muchos críticos y comisarios.

Parece que tienes que tener líneas importantes en tu curriculum de artista para que

empiecen a prestarte atención. Si no tienes esos likes ya dados, es más difícil que

ellos mismos te den uno.

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Del mismo modo también que en la vida concreta, pero a lo grande en internet, se

recurre a dos recursos muy básicos para atraer atención: el escándalo y las

banderas ideológicas. No es raro ver arte o cualquier publicación que se valga de

ellos para generar más visibilidad.

Fotos de desnudos, por ejemplo, con la apropiada y creativa auto censura son

siempre un clásico que garantiza likes. Contenidos de este tipo, son seguidos en

muchas ocasiones por un post nuevo en el que se debate por qué aquel fue

denunciado por otro usuario como inapropiado y allí se desata la cadena de

likes/comentarios apoyando la libertad de expresión, como mínimo.

Ideas feministas, de género, animalistas, por citar algunos temas, funcionan también

a su vez en ocasiones como avalistas de likes. Se establece una especie de

militancia en pos una idea, y quien la apoya, dará like aun si el contenido o el artista

no le interesa particularmente.

Creo que muy interesante el modo en que se articulan todas estas interacciones en

línea. Y como los artistas aprovechamos los resultados de esas interacciones, que

son parte de nuestra vida. Al final y al cabo, también la evolución se da por la

supervivencia del más apto.7

Pero como siempre, hay riesgos, para los que comparten, como para los que likean.

Y así nos relacionamos.

7 (Darwin, 1859)

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Sobre lo banal, lo sensual y la constante actividad en las redes sociales

Este video de 5 minutos lo preparé, para explicar mi trabajo evitando hablar con el

público cara a cara durante una presentación en un evento cultural. Aunque estaba

ante el público, ellos verían la pantalla y no a mí:

8

Me parece interesante también el contraste entre la imagen de la toma directa y la

que está retocada digitalmente y el poder verlas al unísono, que sólo era factible en

un video montado.

Me doy cuenta de que la pantalla nos vale de escudo para protegernos de ciertas

inseguridades o situaciones incómodas, y a la vez, nos permite desinhibirnos y

liberarnos más. El arte funciona como un escudo o una excusa también a este

mismo propósito y por eso muchas veces resulta, tanto internet como el arte, algo

catártico.

8 https://www.youtube.com/watch?v=EKTeWc444ME

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De este modo, incluso en las publicaciones absurdas que se hacen sin pensar

constantemente, es posible a veces leer comunicados más complejos, sentimientos

escondidos, mensajes ocultos, secretos profundos, emociones desatadas, arte. La

banalidad funciona como el inconsciente en nuestra sociedad.

Este contenido no está realmente sopesado, sino que se comparte como un acto

reflejo casi, además de irreflexivo, es en muchos casos una obsesión.

El cúmulo exagerado de información genera mucho ruido y contamina nuestros

sentidos, que consumen todo esto casi involuntariamente. Sumergidos en este río

de fuerte corriente, por otra parte, es fácil que aún quien se propone ser asertivo y

hacer un uso intelectual de estos medios de comunicación termine “cayendo”.

Cierto es que se ve lo banal como algo negativo.

Pero, ¿por qué deberíamos por otra parte no permitirnos momentos de irreflexión,

de puro entretenimiento banal?

El poder de lo banal, es como un imán que lo absorbe todo. La vida del mundo esta

tan cargada de banalización que no comulgar con ella puede considerarse, rareza,

locura e inclusive estupidez. Pensar de un modo banal, asumirlo y compartirlo, es

parte de vivir en sociedad. Todos somos parte de nuestra propia cultura, y nuestra

propia cultura es todo lo que sabemos, lo que aprendimos, nuestros contextos. Toda

esta banalidad podemos utilizarla o no, pero ya es parte de lo que somos y desde

todo esto, claro que sí, se genera arte9.

“La estupidez se contempla: hundimos en ella la mirada, nos dejamos fascinar, ella

nos conduce con dulzura, la mimamos al abandonarnos a ella; sobre su fluidez sin

forma tomamos apoyo; acechamos el primer sobresalto de la imperceptible

diferencia, y, con la mirada vacía, espiamos sin febrilidad el retorno de la luz.

Decimos no al error y lo tachamos; decimos sí a la estupidez, la vemos, la

respetamos y, dulcemente, apelamos a la total inmersión.”10

9 En un intento de contraposición, complicados discursos y justificaciones que se entienden por

necesarios en el mundo del arte, terminan siendo quizás más superficiales por presuntuosos y

reiterativos.

10 Foucault, Michael, (1999) Theatrum Philosophicum, Barcelona, Anagrama, pp. 37-38.

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En cuanto al uso del cuerpo en internet, podemos entenderlo como un avatar. No es

ya nuestro cuerpo tangible, sino esa especie de ciborg que nos representa. Muchas

veces se ve modificado, retocado, recortado, filtrado, y se juega con él como una

especie de muñeco.

En todo caso, con una pantalla de por medio, como dicho con anterioridad, hay algo

que nos permite actuar más libremente y jugar a interpretar un papel como si fuera

un teatro y nuestro cuerpo, el personaje.

Sin embargo, por otra parte, sí que nos identificamos fuertemente con nuestra

apariencia física. La carga simbólica del cuerpo humano tiene un peso histórico, y

la sensualidad sus propósitos y sus deleites.

El cuerpo no es solamente una entidad individual sino también social, cultural y

política. Para Foucault es el lugar donde se ejerce el poder, todas las relaciones de

poder y, por tanto, donde se pueden observar los efectos de esas relaciones que

ejercita el patriarcado a través de las categorías de sexo y género que establecerán

las leyes, normas, imágenes, comportamientos, actitudes, afectos y pensamientos

de los cuerpos femeninos y masculinos.

Siendo las mujeres sobre quienes más cae la presión de la estética y la apariencia

física, impuestas por el sistema patriarcal, la posibilidad de poder enseñarlo por fin,

bajo nuestra propia voluntad puede generar un cambio.

Al menos, ver cuerpos del tipo que sea, ayuda a la normalización del físico y los

distintos arquetipos, alejados de los modelos irreales que se nos han presentado.

El cuerpo es también una herramienta fundamental en el arte performático, y su

extensión como ya hemos explicado dentro del mundo digital.

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Conclusiones

Intelectualizar mi trabajo y repensar acerca del arte, como he hecho en estas

páginas, me resulta claramente provechoso, y por momentos, apasionante incluso,

pero no me es imprescindible ni necesario para poder crear. Y es en cambio, una

tarea que no me resulta natural. No me es imprescindible tampoco sentir la certeza

de que es arte lo que hago, aunque a veces me encante presentarlo como tal. Mi

proceso creativo, proviene más bien de un impulso interior, que sí es necesidad, y

que me resulta imperante satisfacer. No significa esto, ni mucho menos, que ese

impulso no venga cargado de una fuerte influencia externa. Pero siento que cada

vez es más complicado acceder a densos textos debido a la rapidez y lo efímero de

los contenidos a los que estamos acostumbrados online. Esto hace que explicarme

con palabras, y buscar hasta encontrar respuestas en autores, me lleven en muchos

momentos por caminos desesperantes.

Ser artista es para mí, trabajar con mis ideas acerca del mundo de un modo

estético, sacarlas fuera de mí del modo en que mejor sé y más disfruto, y

eventualmente, claro, compartirlo con el resto. Bajo esta simplista definición,

considero también que todos son artistas y que todo puede ser arte. En última

instancia, lo decide quien está creando en base a su intención, pero también

quienes los recibimos, en base a nuestras propias intenciones.

El filósofo Zizek cuando, refiriéndose a la película Matrix, dice que las ficciones

estructuran nuestra realidad, y que si eliminamos de la realidad las ficciones

simbólicas que la regulan, perdemos la realidad misma.

Internet es símbolo de realidad y ficción, al igual que lo fue, o lo es quizás más

ahora, la fotografía, aunque ésta revolución, (si no van las dos caminando -¡o

corriendo! -de la mano) es aún más monstruosamente grande.

El arte nos permite jugar con este binomio y reflexionar sobre este momento en el

que vivimos. Y es la estetización general de la existencia lo que hace que incluso lo

banal y cotidiano se vea pintado por este arte liquido/gaseoso bañándolo todo y a

todos de un color particular. Lo banal y lo sensual en internet están creando de

algún modo la nueva configuración de lo kitsch.

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En este entorno de información constante y creciente, al que aún nos estamos

acostumbrando, no hay tanto tiempo para decodificar, analizar, criticar y no por esto

ponemos un stop en el tráfico de mensajes. Son fugaces, y muchos se pierden en

el inconsciente (o salen de él) se pierden con una rapidez creciente. De este modo,

solo retenemos, aquellos que de verdad nos impactan, nos emocionan, nos

conmueven, y ojalá, sea arte.

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Bibliografía

Gombrich, E. H. (1997) La Historia del Arte, Madrid, España, Debate.

McLuhan, Marshall (1987) El medio es el mensaje, Barcelona, España, Paidós

Ibérica.

Flusser, Vilem (1990) Hacia una filosofía de la fotografía, D.f., México, Trillas.

Berger, John (2010) Modos de ver, Barcelona, España, Gustavo Gili.

Tatarkiewiwicz, Wladyslaw (2006) Historia de seis ideas, Madrid, España, Tecnos.

Steyerl, Hito, (2014) Los condenados de la pantalla, Buenos Aires, Argentina, Caja

Negra.

Turkle, Sherry (1997) La vida en la Pantalla, la construcción de la identidad en la era

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Manovich, Lev (2005) El lenguaje de los nuevos medios. La imagen en la era digital.

Barcelona, España, Paidos.

Sontag, Susan (2015) Contra la interpretación y otros ensayos, Barcelona, España,

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Michaud, Yves (2007) El arte en estado gaseoso, Paris, Francia, Stock.

Bauman, Zygmunt (2007) Arte, ¿líquido?, Madrid, España, Sequitur.

Artículos online:

Todo el mundo es artista: http://www.revistaenie.clarin.com/arte/malos-artistas_0_581341890.html

Artistas que han salido del mundo del arte: https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-why-these-7-artists-quit-the-art-world

La primera obra de arte de Instagram:

http://www.telegraph.co.uk/photography/what-to-see/is-this-the-first-instagram-masterpiece/

Poca ropa o mucha ropa: http://tribunafeminista.org/2016/05/los-burkas-de-occidente/

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Demasiado arte demasiado banal

http://elpais.com/diario/2009/03/29/cultura/1238281201_850215.html

Todos somos fotógrafos, pero falta cultura visual: http://www.magis.iteso.mx/content/hoy-todos-somos-fot%C3%B3grafos-pero-con-una-cultura-visual-escasa%E2%80%9D-pedro-meyer

Hoy es más difícil ser artista que hace 40 años: http://www.ffyh.unc.edu.ar/alfilo/anteriores/33/sin-fronteras.html