pintura del cinquecento
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PINTURA DEL RENACIMIENTO
CINQUECENTOSIGLO XVI
LA ROMA DE LOS PAPAS
Autorretratoc. 1512
333 x 213 mmBiblioteca Reale, Turin
LEONARDO DA VINCI (1452 – 1519)
LA PERSONALIDAD DE UN ARTISTA GENIAL:
SÍNTESIS DEL CIENTÍFICOY DEL CREADOR.
LEONARDO da VinciHombre de Vitrubio
1492 343 x 245 mm
Gallerie dell'Accademia, Venice
Se trata de un estudio de las proporciones del
cuerpo humano, realizado a partir de los textos del
arquitecto romano Vitruvio titulados –Vitruvii De
Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre.
Leonardo se representa a sí mismo desnudo y en dos posiciones sobreimpresas
de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un
cuadrado.
La Última Cena es una pintura realizada para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida
de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le
traicionaría. Este cuadro es uno de los más conocidos del mundo. Nunca ha sido de propiedad privada ni ha sido tasado.
Se trata de una pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Desgraciadamente, su empleo experimental del óleo sobre
yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500. La mayor parte de la superficie original se ha perdido, a pesar de los
intentos de restauración que ha padecido.
No obstante, la grandiosidad de la composición y la penetración fisonómica y psicológica de los personajes dan una vaga visión de su pasado esplendor.
En la obra podemos apreciar aun los rasgos de estupor, edad, temor y carácter de los apóstoles en contraste con el blanco del mantel y el colorido de sus
vestimentas. La serenidad de Cristo contrasta con la agitación y el dinamismo que emana de los apóstoles que se interrogan.
LA ESTRUCTURA COMPOSITIVA DE LA ÚLTIMA CENA
Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados y dispuestos en grupos de a tres, alineados a ella con Jesucristo en el medio (majestuoso como un triángulo equilátero) y detrás una sala
grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas. Todo bajo un techo de vigas de madera; todo elaborado con formas cuadradas: las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el
techo…
Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia (el refectorio donde se halla la pintura posee una hilera de ventanas a la izquierda);
prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este
momento que anuncia la traición de Judas, para dar un contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el
paisaje que desde ellas se aprecia.
¿QUIÉN ES MONA LISA?
El retrato de Mona Lisa puede considerarse, sin lugar a dudas, como la obra de este género pictórico más famosa que existe en el mundo. Su fama, no obstante, le ha perjudicado: la hemos visto tantas veces reproducida que nos resulta difícil considerarla como obra de un ser humano de carne y hueso.
Parte de su fama proviene de los puntos aún no aclarados. Suponemos que la modelo es Mona (apócope de Madonna, es decir, señora) Lisa, nacida en Florencia el 1479 y casada el 1495 con el marqués de Giocondo.
LEONARDO da VinciVirgen de las rocas
1483-86óleo sobre tabla
199 x 122 cmMusée du Louvre, Paris
Las figuras y los paisajes presentan un aire de misterio que Leonardo consigue difuminando los contornos de las figuras (la
técnica de el sfumato). La naturaleza es mudable y fugaz, las
cosas no tienen un perfil nítido.
LEONARDO da VinciVirgen de las rocas
1495-1508óleo sobre tabla189,5 x 120 cmNational Gallery,
Londres
Difuminado de los colores, el cromatismo varía en función de si se trata
de primeros o segundos planos.Los fondos se colorean de azules, para que el aire circule y envuelva las figuras y
los objetos.
RAFAEL
Decora varias estancias papales del Vaticano con pinturas al fresco. Destaca por su concepción espacial, profundidad y amplitud de espacio en que se
mueven sus figuras. Gradación suave de las luces. También destaca por sus Madonnas y Vírgenes. Pintor excepcional y sumamente prolífico.
Considerada como la culminación del arte renacentista, es una obra en la que Rafael, que tenía 26 años, plantea una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.
La Escuela de Atenas (detalle)
Apoyado en un bloque de mármol,
ensimismado en escribir en una hoja, se halla el
filósofo pesimista Heráclito, que se
parece a Miguel Ángel, quien estaba pintando por aquellos años la
contigua Capilla Sixtina.
RAFAEL
SAGRADA FAMILIA
Expresión humana, naturalismo y ligera
tensión de los cuerpos.
RAFAEL
VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN JUAN
RAFAEL
DESPOSORIOS DE LA VIRGEN
Rafael; Cardenal
Retrato de Julio II1511-12
óleo sobre madera108 x 80,7 cm
National Gallery, Londres
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI
PINTOR
INTERIOR DE LA CAPILLA SIXTINA
1475-83, 1508-12, 1535-41
La Capilla Sixtina fue levantada durante el pontificado de Sixto IV (1471-1484) de donde recibe su nombre. Tenía dos funciones:
religiosa como Capilla Palatina y defensiva como puesto avanzado fortificado del conjunto de edificios colocados alrededor del patio del
Papagayo que constituían el núcleo más antiguo de los
palacios apostólicos. Fue erigida en el
lugar que se levantaba la "Capilla Magna" del palacio construido
por Nicolás III.
La capilla tiene planta rectangular, sin ábside, midiendo 40'94 m. de largo por 13'41 m. de ancho siendo su altura de 20'70 m.; está cubierta por una bóveda de cañón truncada con bovedillas laterales que corresponden a las ventanas que iluminan la estancia.
La decoración original constaba de una bóveda cubierta por un cielo estrellado decorada por Piero Matteo d'Amelia, mientras en las paredes laterales se ubicarían frescos de los maestros más importantes de la época. En la década de 1480 se llamaría a Perugino para decorar la pared tras el altar - perdida hoy por la ubicación del Juicio Final -; más tarde fueron llegando Botticelli, Ghirlandaio, Signorelli y Cosimo Rosselli con sus respectivos talleres para ejecutar los frescos dedicados a Cristo y Moisés.
Cuando Julio II accedió al trono papal en 1503 decidió enriquecer la decoración de la bóveda, encargando seis años más tarde los trabajos a Miguel Ángel quien empleó tres años en la realización. Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de 1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511. Trabajaría sólo, sin ninguna colaboración de ayudantes, sin permitir ningún acceso a la capilla durante su labor.
BOCETOS PARA LA CAPILLA SIXTINA
La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento, junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel.
Si hacemos una exposición cronológica de los hechos, en primer término vemos a Dios separando la luz de las tinieblas, La creación del Sol y los astros, La separación de tierras y aguas, La creación de Adán, La creación de Eva, El pecado original y La expulsión del Paraíso terrenal, Sacrificio de Noé, El diluvio universal y La ebriedad de Noé. Todas estas escenas se encuentran rodeadas por diferentes figuras desnudas (ignudis), profetas y sibilas. Las diferentes
escenas, que van de pared a pared de la bóveda, están distribuidas en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.
El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del Papa. El resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores la maravilla y la fuerza del color en la obra de Miguel Ángel, sin olvidar su admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto.
La tensión y la fuerza de sus personajes caracteriza la pintura de Buonarroti, un convencido escultor que se dedica a la pintura por capricho del Papa Julio II, especulándose con que el artífice indirecto de este cambio de actividad fueron Bramante y Rafael quienes, celosos del éxito que estaba cosechando Miguel Ángel, recomendaron al pontífice que Buonarroti realizara una decoración al fresco, pensando que el resultado iba a ser el fracaso. Los dos artistas salieron perdiendo con su reto al afianzar Miguel Ángel su fama en la corte papal debido a su éxito en la Sixtina.
LA CREACIÓN DE ADÁN
La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación
del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la
divinidad, sea cual sea ésta.
• La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube arrebatada, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible.
En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflado de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella. Su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la humanidad.
EL PROFETA ISAÍAS
Isaías, profeta de la Pasión, interrumpe la lectura del libro - que mantiene abierto con la mano derecha - al ser solicitada su atención por un angelote situado tras él, iluminándole el futuro. Este gesto provoca un acentuado escorzo en la figura del profeta, aunque sus ojos no se dirijan a su objetivo, contrastando la tensión de su cuerpo con su relajación interior. Como todos sus compañeros, aparece sentado en un trono de mármol, desafiando la ley de la gravedad al dotar Miguel Ángel de soberbia volumetría a todos sus personajes, considerando el espectador que en cualquier momento pueden descender al suelo. La potente estructura anatómica queda cubierta con pesados y plegados paños de brillante colorido que intentan ceñirse al máximo para ofrecernos la masa muscular y ósea de la figura como observamos en el gesto de cruzar las piernas.
LA SIBILA DE DELFOS
Las sibilas eran personajes de la Antigüedad, de las religiones paganas previas al cristianismo. Su papel en la civilización griega fue de importancia trascendental y llegaron a influir en las guerras y los gobiernos de las "polis". La más famosa de todas ellas fue la Sibila de Delfos, o Sibila Délfica, situada en el ombligo del mundo, que se consideraba Delfos. El papel de las sibilas era similar al de los profetas del Antiguo Testamento. Se consideraba que poseían poderes adivinatorios y entre ellas se extendió una creencia en el fin del mundo y en la llegada de un salvador, que los cristianos rápidamente adaptaron a su Mesías, extendiendo los anuncios de su venida incluso al mundo de la Antigüedad grecorromana.
LAS SIBILAS
LA SIBILA DÉLFICA
LA SIBILA ERITREA
Miguel Ángel se había formado en la Florencia neoplatónica que pretendía reunir los conceptos de la filosofía griega de Platón con las creencias cristianas, en un intento de hacer racional y comprensible al entendimiento la religión. Miguel Ángel tenía tremendas dificultades para pintar figuras femeninas, puesto que solía simplemente dibujar el cuerpo musculoso de un atleta y adosarle dos pechos femeninos.
LOS DESNUDOS
LOS IGNUDI Los especialistas consideran que esta figura desnuda que se ubica sobre la Sibila Pérsica, dentro del
compartimento dedicado a la Creación del mundo, es el más
dinámico del conjunto al reforzar el escorzo con las posturas disparadas de sus miembros. Se piensa que las fuentes utilizadas por Miguel Ángel debemos encontrarlas en el grupo
helenístico procedente de la escuela de Rodas del Laoconte y en el Torso
Belvedere. No hay que olvidar tampoco sus estudios anatómicos
sobre cadáveres en el monasterio de San Lorenzo de Florencia, aunque ello estaba penado por la iglesia y
era práctica prohibida.
LUNETO DE LOS PAPAS
DETALLE DE LA DECORACIÓN DEL
MURO
LUNETO DE LOS PAPAS
DETALLE DE LA DECORACIÓN DEL
MURO
LA EXPULSIÓN DEL PARAISO
LAS PINTURAS DE LOS LUNETOS. JUDIT CON LA CABEZA DE HOLOFERNES, 570 x 970 cm
LUNETOS CON LOS ANCESTROS DE CRISTO
EL JUICIO FINAL1537- 41Fresco,
1370 x 1220 cmCapilla Sixtina, Vaticano
En la parte frontal de la Capilla, en la pared del altar, se encuentra la representación del Juicio Final, obra que Miguel Ángel realizó una vez terminada la decoración de la bóveda entre 1536 y 1545. La escena está dominada por Cristo, que se encuentra en actitud de juzgar con su brazo levantado. Todos los personajes de la obra parecen estar envueltos por un ambiente apocalíptico, que es penetrado por el dramatismo de la muerte y la vida.
Miguel ángel seAutorretrata en esa piel
Detalles del lado izquierdo del Juicio Final (la ascensión al cielo)
Detalles del lado derecho del Juicio Final (el descenso al infierno)
Parmigianino; Virgen del cuello largo.Manierismo
Parmigianino; Sagrada FamiliaManierismo
Bronzino; Alegoría del amor y el
tiempo.
EuropaDurero; Autorretrato
Durero; Adán
Durero; Eva
CINQUECENTOSIGLO XVI
LA ROMA DE LOS PAPAS
Escuela veneciana importancia del color, del paisaje y del desnudo
femeninoDestacan: Giorgione, Tintoretto, Veronés y Tiziano
GIORGIONE: “LA TEMPESTAD”
Giorgione; Concierto Campestre
TINTORETTO: “EL LAVATORIO DE LOS PIES”
VERONÉS: “ LAS BODAS DE CANAA”
Veronés; Cena en casa de Levi
TIZIANO:”LA BACANAL”
Tiziano; La Venus de Urbino
Tiziano; Danae
TIZIANO
RETRATO DE “CARLOS V
VENCEDOR DE MUHLBERG”
Es un gran retratista. Los elementos de
encuadre adquieren tanta importancia como el retratado.
Es también maestro de las formas blandas
y redondas. Predilección por los
desnudos infantiles y femeninos.
Su factura va haciéndose cada vez más pastosa, en la
que la mancha parece deshacer la forma.