Pintura con fruta Distintas técnicas de pintar con frutas.

Soraya Martínez Rius.

Noviembre 2014

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Introducción

La técnica de pintar con fruta comenzó con el pintor italiano Giuseppe

Arcimboldo (1527-1593) en la cual introduce en sus cuadros alegóricos,

verduras, frutas, flores, que formaban figuras humanas o figuraciones de las

estaciones. El estudio y la valoración de sus obras no fueron abordadas

hasta principios del siglo XX, como reflejo del interés por la corriente del

surrealismo, Salvador Dalí “Cara paranoica”, entre otros. Como Jirí Georg

Dokoupil entre los años ochenta. Llevando esta técnica a sus distintas

formas de expresión.

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ÍNDICE

Introducción ....................................................................... 2

Origen de la Pintura con fruta ............................................... 4

Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593) ....................................... 4

Estaciones del año ................................................................. 5

Jirí Georg Dokoupil. 1954 ..................................................... 6

Técnica de dibujo con la fruta de Dokoupil. ............................ 8

Técnica de Escultura con la fruta de Dokoupil. ....................... 9

Conclusión ........................................................................ 11

Glosario ............................................................................ 12

Bibliografía ....................................................................... 13

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Origen de la Pintura con fruta

Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593) Es un pintor italiano que desarrolló una técnica increíble en relación al

detallismo y la ilusión de realidad y fantasía, su estilo se situa en un

contexto de pintura Manierista en Europa que buscaba la representación

visual la exaltación de los motivos por medio de las formas, trazos y

colores. Cobraba gran importancia lo científico, producto de la etapa

renacentista en que el hombre es el centro del universo, así como su

análisis y reflexion; la obra pictórica de este autor innova el tratamiento

técnico-visual, proponiendo imágenes múltiples cargadas de doble lectura y

confrontadas a una realidad delirante y mágica. Su descubrimiento se da a

principios del siglo XX en plena efervescencia del Surrealismo, por tal

razón es una fuente de inspiración detonante en este movimiento que

encabeza, entre otros Salvador Dalí. La relación de la forma en estas

pinturas cobra una importancia tal que el efecto de adhesión de las figuras

se da por medios perceptivos, algo que en Arte y Diseño llamamos

Agrupación e Integración, efectos que concuerdan con "la percepción de la

totalidad de la forma" (Gestalt). A nivel de técnica de materiales este pintor

trabajó el óleo sobre lienzos en formatos pequeños o medianos.

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Estaciones del año

Primavera, 1573 Verano, 1573.

Otoño, 1573. Invierno, 1573.

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Jirí Georg Dokoupil. 1954

Para conocer la pintura que hacia Dokoupil con la fruta debemos saber su

trayectoria.

Pintor checo, nacido el 3 de junio de 1954. Inició estudios de Física y

Matemáticas, que abandonó para dedicarse de lleno a la que era su

verdadera vocación, la pintura. Trabajo en el famoso Taller de Arte de la

Mulheimer Freiheit, en Colonia. Pero fue en la Academia de Arte de

Düsseldorf donde se formó verdaderamente junto a Joseph Beuys. Pero

quien le cambio el camino que seguirá a partir de este momento fue Joseph

Beuys. De quien tomó su teoría “la navegación del estilo” como método de

lucha contra los que apagan la creatividad.

El trabajo de Dokoupil comienza como una reacción a la racionalidad del

arte conceptual en los años setenta, mientras que al mismo tiempo su

pintura evoluciona dentro de un contexto definido por el resurgimiento de

la pintura figurativa en Alemania, la transvanguardia italiana y la nueva

generación de pintores jóvenes de Nueva York tales como Jean-Michel

Basquiat, entre otros. Dicho esto, la diversidad formal y prolífica

producción de Dokoupil significan que es difícil colocarlo firmemente en

cualquier tendencia específica; el pilar de su trabajo es la exploración

continua de los procedimientos pictóricos.

En los años noventa, la atención de Dokoupil se volvió hacia la pintura

abstracta con las espléndidas series Tire (neumáticos) y Soap Bubble

(pompa de japón). Más recientemente aún, ha incurrido en la proliferación

decorativa: en su serie Green, en los cuadros rojos de la serie Slavic o en la

serie Impressionist (1995). A lo largo de esta carrera apresurada y

sorprendente aparecen temas recurrentes, casi obsesivos, como las pompas

de jabón (un tópico de la vanitas barroca), los motivos sexuales o las

efigies religiosas (la cabeza de Buda, El Cristo...). Hay también constantes

en la técnica, como el deseo de hacer cuadros sin emplear pinceles:

pintando con leche, con el humo de las velas, con huellas de neumáticos,

con frutas impresas sobre el lienzo.

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Los riesgos evidentes de la carrera de Dokoupil: la dispersión, la

superficialidad y sobre todo la desigualdad de calidad. De las espléndidas

alturas de la serie Tire, el artista cae hasta la vacía trivialidad decorativa de

ciertos cuadros ejecutados en colaboración con su amiga Ewa. Pero

Dokoupil no parece temer estos altibajos, estos saltos repentinos de lo

sublime a lo ridículo; sabe que es el precio que debe pagar por la vitalidad

desenfrenada que sigue demostrando su pintura.

“Una de las preguntas que tiene Dokoupil es que si puede la técnica sola

sostener a un yo. En todo caso este utiliza una técnica particular para

conferir una nueva particularidad a una representación estándar. ¿Hasta qué

punto la particularidad del yo investido en la representación tiene que ver

con la particularidad de la técnica? La técnica es impersonal, pero el

resultado representacional es peculiarmente personal, y sin embargo, la

carencia de yo de la técnica debe ser algún modo influir en el yo que se

esconde en la representación. A pesar del nuevo método y la observación

con la técnica, Dokoupil sigue siendo schweik/Buda, con lo que obtiene un

sentido del yo fingiendo la carencia del yo. Es decir, que da a la técnica

“totalitaria” la obra está totalmente determinado por la técnica, es

completamente pura en sus medios, todo agua, hollín, frutas, leche, etc.

El yo sin yo de Dokoupol; el yo que es una forma de ironía, que existe a

través de sus irónicas relaciones con la realidad, que es una estrategia de

supervivencia más que una sustancia en sí mismo. Esto estuve presente en

su arte desde el principio, pero a partir de 1987 ya no puede darse a sí

mismo por sentado y tuvo que comprometerse directamente y transformar

la realidad de la representación Kitsch, se dio cuenta de que al menos que

hubiera una relación directa con la realidad, su sentido del yo, que siempre

fue débil, desaparecería por completo. A menos de que el arte fuera

producto de un yo en contacto directo con la realidad, ni el arte ni el yo

podrían parecer primarios y como tales “buenos “, es decir, verdaderamente

“reales” en el sentido que da a este término D.W.Winnicott. Busca la

espontaneidad siempre tuvo modelos orgánicos, figuras de la naturaleza,

paso de lo muerto a lo vivo, para resucitar su arte y su percepción.” Donald

Kuspit arte contemporáneo 11, ediciones akal 2003 madrid.

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Esto explica el cambio radical que obtuvo y por consiguiente surgió el arte

de la fruta en él. Percibida por la corriente surrealista, los artistas anteriores

citados, como primeramente de Arcimboldo.

Técnica de dibujo con la fruta de Dokoupil. De la desesperación al no poder copiar la naturaleza, como logró

Arcimboldo o como interpretó Dalí. Quiso al menos impregnarla. En

paralelo a los cuadros de humo, comenzó a realizar los cuadros de frutas, a

comienzos de los noventa. Partiendo de Plátanos, naranjas, piña, etc.

Los prensaba sobre muselina (tarlatana, tela fina y poco tupida) y lo

calentaba sobre una placa eléctrica hasta que el jugo de la fruta se

carameliza y adquiere el color tostado. En su libro comenta que cuando iba

a las fruterías se alegraban, debe de ser de todas las piezas que pudo

comprarles.

Por lo tanto Dokoupil se puede caracterizar de un artista experimental de

los años noventa, critico de sí mismo.

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Gran untada de naranjas, 1991 267 x 268 cm.

Técnica de Escultura con la fruta de Dokoupil. En el caso de las esculturas, Dokoipil quería acercarse aún más a la

naturaleza. Utilizando fruta y hortalizas que se combinaban a tamaño

natural. Comenta en su libro que es sobre todo su sistemática disposición lo

que hace ajenas y grandiosas a las esculturas de frutas. De aquí surgió el

denominado arte Mukimono, hacer con las frutas esculturas. Hoy

consideradas un arte en la cocina.

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14 plátanos, 2000. 205 x 39 cm

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Conclusión

A lo largo de esta investigación, he podido descubrir una infinitud de

información que no se encuentra en internet. Debido a su escasez, me ha

implicado más en la búsqueda de información. Elegí la técnica de pintura

con frutas, al buscar información en internet sobre la técnica escultórica

Mukimono. De ahí supuse que si hay una técnica de escultura, también la

tendría que tener de pintura. Por ello investigue hasta encontrar algunos

libros, escritos por el mismo, o por críticos como Donal Kuspit. Todo esto

me ha ayudado a conocer filosóficamente como artísticamente el concepto

que tenía Dokoupil y como se manifestó a lo largo del tiempo. De ahí me

he inspirado en sus famosas obras inacabadas. Como también a

experimentar como se puede pintar con fruta. Aunque su actividad como

artista ha sido criticada hasta por el mismo, ha sido capaz de poder expresar

lo que necesitaba en cada momento sin preocuparle como ya dije

anteriormente el ser criticado. Hoy en día eso no es ninguna complejidad,

ya que cada uno puede expresar sus excentricidades, por el cambio social

actualmente instaurado, eso no quiere decir que no sea criticado, pero las

personas tienes menos perjuicios a la hora de exhibir sus pensamientos,

arte, música, etc. Para aquel momento era algo novedoso, por eso Dokoupil

luchaba contra la no creatividad.

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Glosario

Transvanguardia: es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad.

El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva,

para una serie de pintores italianos.

Academia de Arte de Düsseldorf: (en alemán, Staatliche Kunstakademie

Düsseldorf) es la Academia de Artes de la ciudad de Düsseldorf. Es bien

conocida por haber producido muchos artistas famosos, como Joseph

Beuys, Gerhard Richter, Wolf Vostell, Thomas Demand y Andreas Gursky.

En la escalera a su principal entrada están grabadas las palabras: "Für

unsere Studenten nur das Beste" («Para nuestros estudiantes sólo lo

mejor»).

Gestalt: La psicología de la Gestalt es un movimiento de la psicología que

surgió a comienzos del siglo XX en suelo alemán, con teóricos como Kurt

Lewin, Max Wertheimer y Kurt Koffka, entre otros.

Surrealismo: Movimiento artístico que intenta buscar y representar una

creación y realidad subconsciente, onírica, imaginaria e irracional más allá

de la realidad física: Dalí llegó a afirmar que el surrealismo era él.

Pintura Manierista: es un estilo artístico que predominó en Italia desde el

final del Alto Renacimiento (ca. 1530) y duró hasta alrededor del año 1580

en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco,

pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por

gran parte de Europa1 hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas

Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa.

Proliferación decorativa: crecimiento abundante de la decoración por

encima de lo cognitivo, de lo pensado, de lo significativo.

Neoexpresionismo: es un movimiento pictórico surgido a finales de los

años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se

extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Dokoupil se encuentra

en la segunda generación.

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Bibliografía

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/arcimboldo.htm .

http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/dokoupil-jiri-georg .

Donald Kuspit arte contemporáneo 11, ediciones akal, Madrid 2003.

Dokoupil, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía/ Aldesa, Madrid,

2000.